Davide D'Atri, presidente e amministratore delegato di Soundreef, è stato ospite di Music Biz Cafe, il video appuntamento di Rockol che vede i protagonisti del settore musicale italiano fare il punto, a colazione, sui temi più importanti all'ordine del giorno della filiera creativa e dell'intrattenimento.

"I numeri sono tragici: -100% sui concerti, -100% sui pianobar, e perdite importanti anche riguardo il settore della musica di sottofondo e sui dischi venduti", ha spiegato D'Atri a proposito della crisi che ha investito il settore del diritto d'autore a causa dell'emergenza sanitaria da Covid-19: "C'è anche una perdita di fatturato pubblicitario generato dalle radio, perché emittenti radiofoniche e televisive private pagano il diritto d'autore sulla base del loro fatturato pubblicitario. Speravamo nella compensazione dell'online per far fronte a queste perdite, ma non è stato così: gli utenti premium delle piattaforme streaming sono cresciuti, ma in percentuali impercettibili rispetto a quello che sarebbe servito. Parliamo di una situazione che, riguardo a concerti e discoteche, durerà: c'è qualche timido annuncio riguardo i concerti in autunno, ma preferisco non ascoltarli. Non sappiamo come reagirà il pubblico del live, psicologicamente, e se le vendite dei biglietti registreranno i sold-out ai quali eravamo abituati prima. Noi proiettiamo questa situazione fino alla fine dell'anno e, addirittura, alla prima parte del 2021".

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"Con Soundreef, dopo alcuni giorni di scoraggiamento, abbiamo preso questa situazione come un'opportunità per continuare a innovare e crescere", ha proseguito D'Atri, parlando delle scelte compiute della società di collecting che guida: "Durante le crisi le aziende possono e devono dimostrare leadership, dando prova di come sia possibile uscire dal pantano. Ai nostri autori iscritti abbiamo anticipato il 50% del loro guadagno, già a pochi giorni dall'istituzione del lockdown, e non abbiamo mandato in cassa integrazione nessuno: questo è il momento di lavorare, di produrre e di innovare. E di continuare a investire".&nbsp;

La situazione che accomuna il settore in tutti i paesi occidentali non avrà conseguenze indentiche ovunque: "La perdita del 30-40% del fatturato annuo, in questo settore, si ritroverà nella quasi totalità dei paesi occidentali, dove le misure anti-Covid adottate si sono rivelate molto simili. Ci sono però paesi che hanno una capacità finanziaria molto importante, come Stati Uniti, Inghilterra e Germania: quando si muovono risorse di tali proporzioni, l'effetto si sente. E purtroppo casi come questi aumenteranno ulteriormente questo tipo di divario: chi è ricco diventerà ancora più ricco e chi è povero lo diventerà ancora di più. Ecco perché chi parte in svantaggio deve essere ancora più motivato nel dimostrare coraggio e tirare fuori delle idee".

Pandemia a parte, secondo D'Atri le condotte disinvolte in termini di rispetto del diritto d'autore delle nuove, grandi piattaforme digitali rappresentano - soprattutto per il mercato europeo - una gravissima minaccia all'intero comparto: "Esistono leggi che regolano il diritto d'autore su queste piattaforme, e sono anche abbastanza chiare, ma queste piattaforme hanno un atteggiamento illecito e irrispettoso nei confronti dei titolari dei diritti stessi: io sono davvero molto arrabbiato, e credo che questa sia una battaglia che l'industria musicale debba affrontare in maniera compatta", ha concluso D'Atri, "Fortnite a parte, che nelle ultime settimane ha fatto notizia grazie ai live virtuali, parliamo di TikTok, che non paga un euro di diritti pur basandosi sulla musica: è una cosa inaccettabile che non deve più accadere. E' un illecito civile e penale in tutti i paesi occidentali. Negli USA esistono meccanismi giuridici che portano chi si comporta così a pagare danni in maniera esponenziale a quello che avrebbero dovuto pagare: in Europa è molto più complicato, ed è forse questo il problema che dovrebbe essere affrontato per prima. Qui quando si chiedono i danni ai colossi informativi stranieri come risarcimento si ottiene semplicimente quello che già sarebbe spettato, o solo poco di più. Ripeto: è inaccettabile".

diritto d'autore

Soundreef

Davide d'Atri

Coronavirus

Music Biz Cafe

Davide D'Atri, presidente e amministratore delegato di Soundreef, è stato ospite di Music Biz Cafe, il video appuntamento di Rockol che vede i protagonisti del settore musicale italiano fare il punto, a colazione, sui temi più importanti all'ordine del giorno della filiera creativa e dell'intrattenimento.

"I numeri sono tragici: -100% sui concerti, -100% sui pianobar, e perdite importanti anche riguardo il settore della musica di sottofondo e sui dischi venduti", ha spiegato D'Atri a proposito della crisi che ha investito il settore del diritto d'autore a causa dell'emergenza sanitaria da Covid-19: "C'è anche una perdita di fatturato pubblicitario generato dalle radio, perché emittenti radiofoniche e televisive private pagano il diritto d'autore sulla base del loro fatturato pubblicitario. Speravamo nella compensazione dell'online per far fronte a queste perdite, ma non è stato così: gli utenti premium delle piattaforme streaming sono cresciuti, ma in percentuali impercettibili rispetto a quello che sarebbe servito. Parliamo di una situazione che, riguardo a concerti e discoteche, durerà: c'è qualche timido annuncio riguardo i concerti in autunno, ma preferisco non ascoltarli. Non sappiamo come reagirà il pubblico del live, psicologicamente, e se le vendite dei biglietti registreranno i sold-out ai quali eravamo abituati prima. Noi proiettiamo questa situazione fino alla fine dell'anno e, addirittura, alla prima parte del 2021".



"Con Soundreef, dopo alcuni giorni di scoraggiamento, abbiamo preso questa situazione come un'opportunità per continuare a innovare e crescere", ha proseguito D'Atri, parlando delle scelte compiute della società di collecting che guida: "Durante le crisi le aziende possono e devono dimostrare leadership, dando prova di come sia possibile uscire dal pantano. Ai nostri autori iscritti abbiamo anticipato il 50% del loro guadagno, già a pochi giorni dall'istituzione del lockdown, e non abbiamo mandato in cassa integrazione nessuno: questo è il momento di lavorare, di produrre e di innovare. E di continuare a investire".&nbsp;

La situazione che accomuna il settore in tutti i paesi occidentali non avrà conseguenze indentiche ovunque: "La perdita del 30-40% del fatturato annuo, in questo settore, si ritroverà nella quasi totalità dei paesi occidentali, dove le misure anti-Covid adottate si sono rivelate molto simili. Ci sono però paesi che hanno una capacità finanziaria molto importante, come Stati Uniti, Inghilterra e Germania: quando si muovono risorse di tali proporzioni, l'effetto si sente. E purtroppo casi come questi aumenteranno ulteriormente questo tipo di divario: chi è ricco diventerà ancora più ricco e chi è povero lo diventerà ancora di più. Ecco perché chi parte in svantaggio deve essere ancora più motivato nel dimostrare coraggio e tirare fuori delle idee".

Pandemia a parte, secondo D'Atri le condotte disinvolte in termini di rispetto del diritto d'autore delle nuove, grandi piattaforme digitali rappresentano - soprattutto per il mercato europeo - una gravissima minaccia all'intero comparto: "Esistono leggi che regolano il diritto d'autore su queste piattaforme, e sono anche abbastanza chiare, ma queste piattaforme hanno un atteggiamento illecito e irrispettoso nei confronti dei titolari dei diritti stessi: io sono davvero molto arrabbiato, e credo che questa sia una battaglia che l'industria musicale debba affrontare in maniera compatta", ha concluso D'Atri, "Fortnite a parte, che nelle ultime settimane ha fatto notizia grazie ai live virtuali, parliamo di TikTok, che non paga un euro di diritti pur basandosi sulla musica: è una cosa inaccettabile che non deve più accadere. E' un illecito civile e penale in tutti i paesi occidentali. Negli USA esistono meccanismi giuridici che portano chi si comporta così a pagare danni in maniera esponenziale a quello che avrebbero dovuto pagare: in Europa è molto più complicato, ed è forse questo il problema che dovrebbe essere affrontato per prima. Qui quando si chiedono i danni ai colossi informativi stranieri come risarcimento si ottiene semplicimente quello che già sarebbe spettato, o solo poco di più. Ripeto: è inaccettabile".

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Music Biz Cafe, parla Davide D'Atri (presidente e ad di Soundreef)

Industria

'E' proprio nei momenti di crisi che le aziende devono dimostrare leadership e voglia di innovare e investire'

La finale di X Factor si farà anche quest'anno a Napoli. La produzione del talent show di Sky ha scelto di nuovo la location di Piazza del Plebiscito, come l'anno scorso. Ad anticipare la notizia è stato Fanpage, mentre proseguono i provini per l'edizione numero diciannove del programma, originariamente trasmesso su Rai2 prima del passaggio del 2011 a Sky. In giuria gli spettatori rivedranno Achille Lauro, Jake La Furia e Paola Iezzi, mentre Francesco Gabbani prenderà il posto di Manuel Agnelli. Confermatissima Giorgia alla conduzione.&nbsp;

L'edizione 2025 di X Factor dovrebbe debuttare l'11 settembre su Sky. Le prime sei puntate saranno dedicate ai provini, mentre i live dovrebbero partire il 23 ottobre. La finale a Napoli dovrebbe svolgersi il 4 dicembre.&nbsp;

L'ultima edizione del talent show di Sky è stata vinta dalla cantante Mimì Caruso, della squadra di Manuel Agnelli. Dopo il talent show Mimì ha pubblicato per Warner Music, etichetta che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-738435/x-factor-italia-warner-music-italy-nuovo-partner-discografico">nel 2023 si è sostituita a Sony come partner discografica di X Factor</a>, i singoli "Brooklyn" e "Chakra". La cantante è attualmente in tour.&nbsp;

La finale di X Factor si farà anche quest'anno a Napoli

La produzione ha scelto di nuovo la location di Piazza del Plebiscito, come l'anno scorso.

E' di poche ore fa l'annuncio della firma di Mace con Warner Music Italy. Il produttore milanese classe 1982 è uno dei nomi di punta del beatmaking italiano: ha già tre eclettici album a suo nome ("OBE", "Oltre" e "Maya") con brani di grande successo come "La canzone nostra" (con Blanco e Salmo) o "Fuoco di paglia" (con Marco Mengoni, Frah Quintale e Gemitaiz).

In precedenza, Mace era discograficamente legato a Island Records.

Roster, Mace firma con Warner Music Italy

Il produttore ha già tre album a suo nome all'attivo

L'AGCOM ha sanzionato Google&nbsp;&nbsp;per violazione degli articoli 22 e 23 del decreto legislativo del 15 marzo 2017 (che regola la gestione del diritto d’autore e i diritti connessi), nello specifico per non aver&nbsp;pagato i compensi spettanti agli artisti per lo sfruttamento delle opere a cui essi hanno preso parte. L'ammontare della sanzione è 80.000 euro. La segnalazione era partita da NuovoIMAIE, che aveva evidenziato&nbsp;la condotta del colosso del web, sottolineando anche che&nbsp;non aveva mai fornito nel corso degli anni alcun dato economico volto a condividere la quantificazione degli importi dovuti per la condivisione di opere musicali e audiovisive protette, tramite ad esempio il servizio YouTube Premium.

"E' Una decisione di portata storica, siamo orgogliosi del risultato ottenuto" dichiara&nbsp;Andrea Miccichè, presidente di NuovoIMAIE.&nbsp;"Segna un primo passo verso una sempre maggiore tutela dei diritti degli Artisti Interpreti Esecutori da parte della nostra collecting, che continuerà a vigilare sui Big Player che utilizzano le opere senza pagare un compenso adeguato e proporzionato. Grazie alla nostra iniziativa gli artisti potranno ottenere il pagamento di compensi sino ad ora non riconosciuti. Per quanto ne sappia, è la prima decisione in tutto il mondo per i diritti connessi degli artisti”.

Condanna Google, Micciché (NuovoIMAIE): "Decisione storica"

L'AGCOM ha sanzionato il colosso tech per il mancato pagamento dei diritti connessi

La&nbsp;Classifica USA album&nbsp;per la settimana dal 13&nbsp;luglio 2025 al 18&nbsp;luglio 2025 vede&nbsp;I'm The Problem&nbsp;di&nbsp;Morgan Wallen&nbsp;mantenere la prima posizione per la settima settimana consecutiva. In seconda posizione&nbsp;la colonna sonora&nbsp;KPop Demon Hunters, mentre a&nbsp;conquistare il gradino più basso del podio è un altro album di Morgan Wallen, "One Week at a Time".

Non si segnalano new entry in top 10.

Nella&nbsp;Classifica USA singoli&nbsp;della settimana dal 13 al 18&nbsp;luglio 2025, il brano&nbsp;"Ordinary"&nbsp;di&nbsp;Alex Warren&nbsp;mantiene la sua posizione in vetta alla classifica, mentre in seconda posizione c'è una new entry, "What Did I Miss" di Drake. In terza posizione si registra un movimento con&nbsp;"Just In Case"&nbsp;di&nbsp;Morgan Wallen, stabile.

Oltre al già citato Drake non si segnalano&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche USA, novità 13 luglio: Morgan Wallen resiste in vetta

'I'm the Problem' è ancora una volta l'album più ascoltato della settimana



In vista della sua tradizionale conferenza annuale, prevista a Santa Monica il prossimo novembre,&nbsp;Music Tectonics&nbsp;ospiterà il&nbsp;24 luglio&nbsp;un evento online dalle 11:00 alle 14:00 ora del Pacifico dedicato all’utilizzo dell’AI nella creazione, distribuzione e monetizzazione della musica. L’evento, battezzato&nbsp;"Responsible AI Summit”, si avvarrà di un panel di esperti che dibatteranno su forme di AI che supportino la creatività, il valore della musica e la sostenibilità futura dell’industria musicale. L’obiettivo è tracciare una direzione affinché&nbsp;&nbsp;l’industria affronti in modo proattivo le implicazioni sociali, creative e commerciali dell’intelligenza artificiale generativa.

Tra i presenti sono stati annunciati Marina Guz (Endel), Maya Ackerman (WaveAI), Jesse Buddington (CreateBase), Matt Adell (Musical AI) e Michael Pelczynski (Voice-Swap).&nbsp;L’evento sarà accessibile online dietro&nbsp;<a href="https://us06web.zoom.us/meeting/register/7u96tNlcQMOJFW0x8aTQVg#/registration">iscrizione</a>.

Music Tectonics è prodotta da Rock Paper Scissors, Inc., un’agenzia statunitense di PR specializzata in tecnologia musicale fondata da Dmitri Vietze, che è anche il creatore e conduttore di Music Tectonics, lanciata nel 2019 come piattaforma per esplorare i cambiamenti sismici nell’industria musicale causati dalle tecnologie emergenti. Music Tectonics&nbsp;è progettata per riunire startup, innovatori, investitori e attori affermati dell’industria musicale per discutere tendenze, sfide e opportunità modellate dalla disgregazione tecnologica.&nbsp;Comprende una conferenza annuale a Santa Monica, California; un podcast; eventi e summit online e una community di professionisti e startup del settore music tech.

Il Calendario dell’edizione 2025 della conferenza è&nbsp;il seguente: 
24 luglio – Responsible AI Summit online 
11:00 – Input: implicazioni su copyright, addestramento dell’IA e attribuzioni 
11:50 – Output: creatività, proprietà e interruzioni 
12:35 – Il futuro della cultura musicale nell’era dell’IA 
13:20 – Q&amp;A con il pubblico

8 agosto – Chiusura delle iscrizioni alla Pitch Competition

11 settembre – Evento pre-conferenza – Online

4 novembre – Conferenza Music Tectonics: Giostra del molo di Santa Monica 
Creator Fair 
Keynote 
Demo 
Festa di apertura

5 novembre – Conferenza Music Tectonics: Annenberg Beach House 
Keynote 
Panel ad alta energia 
Espositori intorno alla piscina 
Attivazioni creative 
Finale della Startup Pitch Competition 
Pool party

6 novembre – Conferenza Music Tectonics: Expert DOJO 
Startup Day 
Networking &amp; incontri 
Bootcamp per investitori e startup

Music Tectonics ospita online il Responsible AI Summit

L’evento sarà accessibile online il 24 luglio

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Giuni Russo, Gigi D'Alessio, Cioffi, Naicok e Dumbo Gets Mad.

<h2>Mediterranea (Dumar Remix) - Giuni Russo - Warner</h2>

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Il brano "Mediterranea", originariamente pubblicato nel marzo del 1984, torna in una nuova versione remix realizzata dal DJ e produttore Dumar.&nbsp;La canzone, scritta in collaborazione con Maria Antonietta Sisini, è un richiamo all'estate e all'identità mediterranea. La nuova versione mira a riaffermare l'importanza culturale dell'opera di Giuni Russo, mantenendo intatta l'atmosfera originale del pezzo.

&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/mediterranea-dumar-remix-giuni-russo-ctid-215777278">Leggi il testo di "Mediterranea (Dumar Remix)" </a>

Giuseppa Romeo nasce in Sicilia nel 1951, in una famiglia numerosissima. Si avvicina alla musica per passione, pagandosi le lezioni di canto con i compensi delle prime serate da dilettante. Nel 1967 vince il Festival delle Voci Nuove di Castrocaro, guadagnandosi l’accesso al Festival di Sanremo del 1968, dove con il nome di Giusy Romeo presenta “No amore” (una canzone composta da Paolo Conte). Lo stesso anno partecipa al Disco per l’Estate con “L’onda”, e in seguito incide su 45 giri cover... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/giuni-russo/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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 <a href="https://www.rockol.it/singoli">Scopri qui</a> tutti i singoli in uscita!
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<h2>Un selfie con la vita - Gigi D'Alessio - Sony</h2>

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 </div></div>

E' uscito&nbsp;il nuovo singolo di Gigi D'Alessio, intitolato "Un selfie con la vita", prodotto da GGD Edizioni Srl e Sony Music. La canzone è stata composta da Gigi D'Alessio e Vincenzo D’Agostino, con una produzione a cura di Adriano Pennino, Kekko D’Alessio e Max D’Ambra.

&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/un-selfie-con-la-vita-gigi-d-alessio-ctid-215821717">Leggi il testo di "Un selfie con la vita" </a>

Gigi D’Alessio nasce a Napoli il 24 febbraio 1967. Comincia a suonare la fisarmonica regalatagli dal padre all'età di quattro anni, per poi iscriversi a dodici anni al Conservatorio di San Pietro a Majella di Napoli. Scrive testi per alcuni cantanti napoletani e diventa il pianista di Mario Merola con cui scrive e interpreta il brano “Cient'anne”, esordendo di fatto come cantante. 
Il primo album, LASCIATEMI CANTARE, esce nel 1992, dando il via a una carriera in costante ascesa, fatta... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/gigi-d-alessio/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Sola (Ti amo) - Cioffi - Cioffi Music</h2>

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Il nuovo singolo di Cioffi e Mar Lucas è&nbsp;intitolato "Sola&nbsp;(ti amo)". Il brano è una reinterpretazione della canzone "Ti amo" di Umberto Tozzi e Giancarlo Bigazzi.

&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/sola-ti-amo-cioffi-ctid-215821207">Leggi il testo di "Sola (Ti amo)" </a>

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<h2>Colpa del mare - Naicok - Universal</h2>

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 </div></div>

L'artista cubano&nbsp;Naicok&nbsp;ha pubblicato il nuovo singolo "Colpa del mare"&nbsp;per l'etichetta Universal. Naicok, il cui vero nome è Nay Fuentes Pérez, è nato a L'Avana, Cuba, l'11 marzo 1992.

&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/colpa-del-mare-naicok-ctid-214675653">Leggi il testo di "Colpa del mare" </a>

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<h2>Pariah - Dumbo Gets Mad - Carosello</h2>

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 </div></div>

Dumbo Gets Mad ha pubblicato il suo primo singolo per Carosello Records, intitolato "Pariah". Il titolo del singolo fa riferimento a una delle caste più emarginate nella società indiana, simbolo di esclusione. Il vero nome di&nbsp;Dumbo Gets Mad è&nbsp;Luca Bergomi.

&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/pariah-dumbo-gets-mad-ctid-214458952">Leggi il testo di "Pariah" </a>

<div class='embed'><div class="py-4 text-lg text-center border-black border-solid bg-gray-100 border border-l-0 border-r-0 italic font-bold">
 <a href="https://www.rockol.it/singoli">Scopri qui</a> tutti i singoli in uscita!
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<h2>Vuoi promuovere su Rockol il tuo singolo in uscita?</h2>

Scrivici all’indirizzo singoli@rockol.it, ti daremo tutti i dettagli utili per comunicare e promuovere al meglio la tua nuova produzione!

Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Giuni Russo, Gigi D'Alessio, Cioffi, Naicok e Dumbo Gets Mad

Nuovi singoli, le uscite del 18 luglio

La&nbsp;Classifica Radio Airplay&nbsp;della settimana dall'11&nbsp;luglio 2025 al 18&nbsp;luglio 2025 vede in testa "Pronto come va" dei The Kolors, precedentemente terza.&nbsp;"A me mi piace"&nbsp;di&nbsp;Alfa feat. Manu Chao, la n°1 della settimana scorsa, scende&nbsp;in seconda posizione, mentre il terzo gradino del podio è occupato da "L'unica" di Giorgia, in risalita.&nbsp;

Non si segnalano nuove entrate nella top ten.

Nella&nbsp;Classifica Radio Airplay Absolute Beginners&nbsp;relativa alla settimana dall'11&nbsp;luglio 2025 al 18&nbsp;luglio 2025, il brano&nbsp;Jaded&nbsp;di&nbsp;Dario Di Bona&nbsp;si riconferma di nuovo in prima posizione. Stabili anche&nbsp;Ti Amo&nbsp;di&nbsp;prima stanza a destra&nbsp;in seconda posizione, mentre in terza entra Doctrum con&nbsp;"Whip"&nbsp;

Non si registrano nuove entrate neanche in questa top ten.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche Airplay, novità 18 luglio: The Kolors avanzano

La loro 'Pronto come va' spodesta Alfa ai vertici

A distanza di sei anni dalla quotazione in Borsa di Hipgnosis Songs Fund, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752976/cataloghi-musicali-merck-mercuriadis-pronto-al-ritorno">Merck Mercuriadis è tornato sotto i riflettori dell’industria musicale</a> annunciando una nuova fase del progetto che ha contribuito a ridefinire il mercato globale dei cataloghi. Vediamo in cosa consiste questo nuovo capitolo, come cambia il modello di business e quali sono i profili di rischio a cui prestare attenzione.

Innanzitutto la cosiddetta “Hipgnosis 2.0” abbandonerebbe i confini dell’investimento passivo e della gestione finanziaria per assumere un volto radicalmente diverso: quello di un polo creativo-operativo, guidato insieme agli artisti, e strutturato per valorizzare attivamente il repertorio musicale nel lungo periodo. Il nuovo modello, presentato questo mese in un’intervista rilasciata al Financial Times di cui abbiamo riferito nei giorni scorsi - dopo mesi di tensioni interne e l’uscita definitiva del fondo dalla Borsa di Londra - rappresenta una svolta netta rispetto alla precedente stagione. Se la prima Hipgnosis era un fondo di investimento in proprietà intellettuale, focalizzato sulla generazione di rendite stabili da cataloghi acquisiti a multipli elevati, la nuova configurazione punta su una logica integrata: non solo diritti, ma anche management, publishing, creatività e posizionamento strategico.

La chiave sta nella partecipazione diretta di artisti e manager. Mercuriadis ha reso esplicita l’intenzione di coinvolgere autori e performer non come oggetto dell’investimento, ma come veri co-proprietari e partner di lungo periodo. Questo consentirebbe di costruire un rapporto più solido, meno esposto alla mera logica finanziaria, e di attivare leve di crescita dinamiche, dalla gestione della leva sync alla creazione di contenuti, dalle ristampe ai documentari. In un contesto in cui i fondi tradizionali trattano le canzoni come bond, Hipgnosis 2.0 propone invece una visione che unisca&nbsp;cultura, management e creatività.

L’uscita dai mercati pubblici, inoltre, libera la nuova struttura da molte delle rigidità imposte agli investitori quotati: niente più trimestrali, meno pressione sui dividendi, più libertà d’azione e una maggiore tolleranza al rischio. Questo però comporta anche nuove sfide: aumentano i costi operativi, le decisioni devono essere più rapide e complesse, e la natura stessa del business, fondata sulla valorizzazione attiva, rende più difficile prevedere flussi di cassa stabili. La gestione di una base articolata di artisti e manager richiede, inoltre, competenze che non appartengono all’industria finanziaria tradizionale: occorrono sensibilità artistiche, leadership relazionale e un approccio sartoriale ai progetti.

L’altra novità rilevante è la costruzione di un ecosistema proprietario. Mercuriadis parla di una Hipgnosis che non si limita a detenere asset, ma che si configura come piattaforma a 360 gradi: produzione, licenze, sincronizzazioni, A&amp;R, publishing, strategia artistica. L’obiettivo è generare sinergie verticali e controllo operativo lungo tutta la filiera, con una struttura interna che affianchi artisti e creativi nella valorizzazione del repertorio – e che possa creare valore anche su progetti futuri.

Tutto questo, però, non è privo di rischi.&nbsp; 
Gestire artisti e manager richiede competenze complesse e trasversali (non solo legali o finanziarie), una struttura interna costosa e articolata, comporta un rischio reputazionale e umano maggiore (in caso di dispute o fallimenti creativi). La dipendenza dal talento attivo, a differenza di quanto accade per le rendite passive, rende la performance economica più volatile perchè legata a fattori esterni (tendenze stilistiche e di genere, dinamiche personali, cambiamenti di mercato) e difficile da proiettare in modelli stabili a lungo termine. Inoltre, operando fuori da una borsa valori, il veicolo ha meno visibilità pubblica e valutativa e potrebbe incontrare ostacoli nel raccogliere nuovo capitale, esponendo poi gli investitori a orizzonti meno definiti e più soggettivi (exit più complesse). Infine non è da sottovalutare la complessità giuridica&nbsp;implicita in un polo condiviso tra artisti, manager e fondi; è una struttura che richiede accordi sofisticati su governance, revenue sharing, exit strategy; equilibrio tra creatività, finanza e struttura operativa; è rare capacità&nbsp;di leadership e mediazione.

Eppure, proprio questa tensione tra cultura e impresa è il cuore del nuovo progetto. Hipgnosis 2.0 si propone con ogni probabilità come un investimento meno rassicurante per chi cerca asset class passive, però appare nelle intenzioni come più allineata con la natura trasformativa della musica. Dopo essersi destreggiato, non senza difficoltà e critiche feroci, In un mercato in cui i fondi competono per l’ottimizzazione fiscale e l’arbitraggio delle royalty, la nuova sfida lanciata da Merck Mercuriadis è quella di tornare a un’idea di industria in cui i cataloghi non sono solo numeri, ma storie da custodire, rilanciare e trasformare in nuovi immaginari collettivi.&nbsp;Porre il valore culturale e industriale della musica nuovamente al centro del dibattito oscilla tra l’utopia operativa e&nbsp;un nuovo paradigma.

Il nuovo Mercuriadis

Come cambia il business model della Hipgnosis 2.0

Reservoir Media ha investito in una società londinese specializzata in spettacoli immersivi basati sulla tecnologia led, Lightroom: non è noto l'ammontare della transazione, ma senz'altro si tratta di una mossa attentamente ponderata. Il mercato dell'intrattenimento immersivo, infatti, nel 2023 era stato valutato in&nbsp;95,6 milioni di dollari, e ha una prospettiva di crescita del 24% nei prossimi 10 anni.

Lightroom, che ha aperto i battenti della sua venue londinese nel 2023, e per la fine del 2025 sarà presente in altri 12 paesi del mondo.&nbsp;Ha già all'attivo molte produzioni a tema musicale, tra cui anche un lancio dell'album "Hit Me Hard and Soft" di Billie Eilish e i visual&nbsp;di accompagnamento a "Moon Music", un mediometraggio a 360° dal titolo "A Film for the Future".

Reservoir punta sulla tecnologia led-immersive

Ha investito nella londinese Lightroom, specializzata in questo tipo di show

Nuovo record personale per Bruce Springsteen, che in quest'ultimo tour mondiale (durato complessivamente dal 2023 al 2025) ha incassato oltre 729&nbsp;milioni di dollari; il suo precedente primato, relativo al tour di Wrecking Ball del 2012-2013, si fermava a 347 milioni di dollari.

Si tratta di un raddoppio abbondante, quindi, ma anche di un risultato che gli vale un posto d'onore nella classifica dei tour con maggiori incassi di sempre. Per il Boss è stato finora il più lungo della sua carriera, con 129 date per un totale di 4,9 milioni di biglietti venduti.&nbsp;

&nbsp;

Live, Bruce Springsteen batte il suo precedente record di incassi

Il tour mondiale appena concluso è stato il più redditizio della sua carriera

Il tradizionale appuntamento tra Luminate e l’industria della musica registrata fotografa, a metà anno, questa situazione:&nbsp;UMG detiene il 38,56% della quota complessiva di mercato, in leggero calo rispetto al 38,60% dell’anno scorso, mentre SME e WMG crescono: la prima sale al 27,69% dal 27,21%, la seconda al 18,71% dal 18,22% del 2024. Gran parte di questi incrementi arriva a scapito della quota complessiva degli indipendenti, che scende al 15,02% di quest’anno dal 16,05% di metà 2024.&nbsp;

Due etichette di Universal Music Group restano nettamente davanti al resto del settore per quanto riguarda la quota di mercato corrente, poiché REPUBLIC (sostenuta in modo robusto da&nbsp;“I’m The Problem” di Morgan Wallen,&nbsp;numero 1 della Billboard 200 per sette settimane, e la cui quota di mercato include Island Records, Mercury Records, Big Loud e il distributore indipendente Imperial)&nbsp;e Interscope Geffen A&amp;M (che&nbsp;include Verve Label Group nella sua quota di mercato e&nbsp;al cui interno la spinta di&nbsp;Kendrick Lamar si è sentita parecchio)&nbsp;sono le uniche due etichette ad aver registrato percentuali a doppia cifra per il secondo trimestre consecutivo, secondo i dati di Luminate aggiornati al 26 giugno 2025: la prima&nbsp;ha riconquistato il primo posto a metà anno, registrando una quota corrente del 12,69%, in aumento rispetto al 12,52% del Q1, la seconda segue con l'11,56%, in calo rispetto al 12,67% del Q1.

Sony Music si piazza al secondo posto tra le major grazie soprattutto all’enorme successo di un album di Bad Bunny uscito a gennaio, mentre Warner Music Group è in crescita sia anno su anno (15,68%) sia rispetto al Q1 (15,89%): a&nbsp;sostenerne l’ascesa&nbsp;sono la terza e la quarta etichetta classificate, Warner Records e Atlantic Records, rispettivamente con quote del 6,21% e del 5,75%

Si noti, infine, che gli indipendenti per proprietà distributiva raggiungono una quota corrente del 20,64%, superiore alla loro quota complessiva del 15,02%, mentre per proprietà dell’etichetta&nbsp;la comunità indie rappresenta il 35,49% del mercato complessivo, in calo rispetto al 37,35% di metà 2024.

Rapporto Luminate di metà anno: le quote di mercato

I dati aggiornati al 26 giugno



Linecheck, lo showcase festival e music conference che da anni coincide con la Milano Music Week, annuncia nuovi nomi per la sua undicesima edizione, in programma dal 17 al 22 novembre prossimi. Tra i nuovi artisti che si esibiranno figurano&nbsp;Sega Bodega, producer, compositore e co-fondatore del collettivo NUXXE (22 novembre) e NAVA, progetto italo-persiano che fonde estetica elettronica, influenze globali e un’intensa dimensione visiva (21 novembre).&nbsp;Giovedì 20 novembre&nbsp;si esibirà&nbsp;Mortòri, alias del producer ticinese Manuel Oberholzer (già Peter Kernel). Nella stessa serata saliranno sul palco anche&nbsp;Camaleoni, band milanese nata tra le aule del Conservatorio.

Da mercoledì 19 novembre,&nbsp;inoltre, a BASE Milano avranno inizio le residenze artistiche e una serie di live che mettono in dialogo club culture, sperimentazione e nuove identità sonore: tra i coinvolti&nbsp;Evita Polidoro,&nbsp;Crème Solaire,&nbsp;Le Feste Antonacci, la voce sudafricana di&nbsp;Msaki&nbsp;e il dream-pop elettronico degli estoni&nbsp;Night Tapes&nbsp;al loro debutto italiano, accanto al duo industrial-techno&nbsp;Kompromat, formato da Vitalic e Rebeka Warrior.

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Linecheck, annunciati nuovi nomi per l'undicesima edizione

La line-up si arricchisce con Sega Bodega, Nava e molti altri

FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana - ha annunciato il rinnovamento del proprio sito Web: oltre al restyling generale, il nuovo <a href="http://www.fimi.it">www.fimi.it</a> - oltre a continuare ad offrire i propri servizi di punta, ovvero l’erogazione di classifiche e certificazioni ufficiali del mercato italiano; la condivisione dei dati di mercato locali e internazionali; i codici ISRC (in una nuova pagina semplificata per l’utente e corredata di FAQ aggiornate, manuale e infografica); la doppia sezione informativa di news e blog (ora suddivisi nelle principali categorie di interesse del settore, come gli eventi o la tutela dei contenuti) - propone ora anche una nuova sezione dedicata ai dati, battezzata FIMI Database, presso la quale sarà possibile accedere alla top 100 degli artisti più certificati di sempre (ovviamente costantemente aggiornata), la lista degli artisti più certificati anno per anno, lo storico delle classifiche annuali e il motore di ricerca dei traguardi di artisti e di titoli prediletti.

E’ stata infine attivata una nuova sezione di approfondimento per gli artisti, che ora possiedono una pagina di ricapitolazione di tutti i piazzamenti dei brani e degli album nelle chart FIMI/GfK, tutte le certificazioni conquistate in carriera e una Music People Gallery con le foto delle premiazioni degli award.

“Negli anni l’interesse e l’attenzione dei fan verso classifiche e certificazioni ha continuato a crescere in maniera esponenziale", ha commentato i CEO di Federazione Industria Musicale Italiana&nbsp;Enzo Mazza:&nbsp;"L’evoluzione del sito FIMI, da oggi con sempre più informazioni e dati sul settore, lo ha portato ad essere sicuramente un punto di riferimento autorevole per il settore”.

FIMI, rinnovato il sito

Un nuovo look e una nuova sezione dedicata ai dati

Primary Wave ha acquisito dai suoi eredi il catalogo del compianto Peter Green, co-fondatore dei Fleetwood Mac scomparso nel 2020. Green aveva lasciato la band nel 1970 a causa di una forte crisi personale e professionale, ma è stato co-autore di alcune delle canzoni più famose del gruppo, come&nbsp;“Albatross”, “Black Magic Woman” e “Oh Well”.

Non è noto l'ammontare economico della transazione, ma si sa che riguarda diversi asset selezionati del suo catalogo editoriale (a nome Rattlesnake), che includono sia brani dei Fleetwood Mac che master e edizioni di alcuni dei suoi lavori solisti.

&nbsp;

Primary Wave acquisisce catalogo di Peter Green (Fleetwood Mac)

Aveva lasciato la band nel 1970, ma ne è stato co-fondatore

Nel giro di poche settimane, The Velvet Sundown è passata dall’essere il nome di una sconosciuta band indie rock a diventare uno dei fenomeni più discussi dell’industria musicale globale.&nbsp;&nbsp;Con sonorità vintage, immagini promozionali retrò e testi onirici, ha conquistato oltre 1,1 milioni di ascoltatori mensili su Spotify e scalato le playlist virali internazionali. Ma The Velvet Sundown non esiste. Tutto è stato generato da intelligenza artificiale.&nbsp;Musica, testi, artwork, video, biografie: ogni aspetto del progetto è frutto di sistemi di AI generativa avanzati. I presunti membri della band, con nomi e backstory credibili, erano completamente fittizi. Il progetto è stato orchestrato da un team anonimo che ha poi dichiarato di voler “stimolare un dibattito culturale sull’identità artistica nell’era dell’AI”.

Il primo album, “Floating on Echoes”, è uscito il 5 giugno 2025. Un secondo album è seguito dopo tre settimane. Un terzo è già uscito il 14 luglio (e un quarto è forse <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753164/spotify-provvedimenti-velvet-sundown-band-ai">oggetto di un takedown</a> su alcuni DSP, come Spotify). Il tutto con una velocità produttiva che prescinde dai limiti umani e mette in mostra potenzialità e rischi dell’automazione creativa.

Il successo di The Velvet Sundown è stato amplificato dalla logica algoritmica delle piattaforme di streaming. Spotify, in particolare, ha contribuito alla loro esplosione attraverso playlist automatizzate come “Viral 50”. E’ stato solo in un secondo momento, infatti, che alcuni ascoltatori e giornalisti hanno iniziato a mettere in dubbio la reale esistenza della band.&nbsp;Il&nbsp;caso ha amplificato il vuoto normativo e comunicativo di cui tutti eravamo consci – in teoria. Le piattaforme, ad oggi, non sono obbligate a indicare quando un contenuto è generato da IA. Deezer è finora l’unica ad aver implementato un sistema di etichettatura esplicita.&nbsp;Molti utenti si sono sentiti “ingannati”&nbsp;e artisti come Elton John e Dua Lipa, insieme a organizzazioni come la&nbsp;BPI, hanno chiesto regolamentazioni più stringenti.&nbsp;

Il dibattito si concentra su trasparenza, diritto d’autore e valore del lavoro umano, con critici e musicologi si dividono tra chi denuncia una “banalità estetica” nei brani AI e chi riconosce al progetto una carica provocatoria e speculativa degna dell’arte concettuale.&nbsp;Però&nbsp;la soglia che The Velvet Sundown sembrano avere varcato non riguarda più la sfera della curiosità tecnologica; segna, invece, l’inizio di una nuova fase in cui l’intelligenza artificiale non è più uno strumento al servizio della creatività umana, ma potenzialmente un soggetto autonomo nel sistema culturale. E vuole omologarsi alla realtà musicale &nbsp;in ogni suo stilema, anche quelli comunicativi.

La&nbsp;Bio&nbsp; 
Dopo l’incipit marcato da un falso portavoce e i suoi tweet scritti con ChatGPT che negavano che la band fosse generata da AI, la biografia Spotify della band è stata aggiornata con una descrizione del progetto che suona trasparente. Vi si legge, tra l'altro:

“The Velvet Sundown è un progetto musicale sintetico guidato da una direzione creativa umana, e composto, vocalizzato e visualizzato con il supporto dell’intelligenza artificiale… Questo non è un trucco – è uno specchio. Una provocazione artistica continua pensata per sfidare i confini della paternità, dell’identità e del futuro stesso della musica nell’era dell’AI… Tutti i personaggi, le storie, la musica, le voci e i testi sono creazioni originali generate con l’assistenza di strumenti di intelligenza artificiale impiegati come strumenti creativi.”&nbsp;

Metriche

Ci si chiede da più parti come The Velvet Sundown abbiamo potuto costruire così rapidamente un grosso pubblico su Spotify. E si rischia, per rispondere, anche di prendere qualche granchio. Un piuttosto noto consulente musicale, Andrew Southworth, aveva per esempio sostenuto inizialmente che erano stati usati bot, perché la band guadagnava esattamente 18.679 ascoltatori al giorno per tre settimane. Ma poi ha fatto marcia indietro, precisando: “La conclusione potrebbe essere fuorviante per via del modo in cui Chartmetric gestisce i dati mancanti: invece di segnalare assenze, calcola una media”.

Fatto sta che, al momento di scrivere, l’account ufficiale e verificato di The Velvet Sundown mostra più di 1,1 milioni di ascoltatori mensili su Spotify – in aumento rispetto ai 325.000 di due settimane e mezzo fa. Cosa significa? Che più di un milione di persone ha letto o visto contenuti mediatici e post social e ha cliccato per ascoltare una o due tracce per curiosità. È una metrica che, in estrema sintesi, già riflette la storia, ma non (ancora) la musica. La metrica degli ascoltatori è una misura della dimensione della copertura mediatica, non (ancora) di un pubblico sostenibile per questa musica. La vera misura arriverà tra qualche mese, quando chi ha ascoltato una volta sola e non è tornato sarà escluso dal conteggio. Finora, poco meno di 35.000 persone hanno effettivamente scelto di seguire il profilo: queste riceveranno le nuove uscite nelle loro playlist “Release Radar” su Spotify, e il picco da loro generato influenzerà anche gli algoritmi.

Tutto ciò a patto che Spotify e gli altri DSP non decidano di adottare una politica analoga a quella di Deezer, che prevede di escludere la musica generata da GenAI dalle raccomandazioni. La vicenda di The Velvet Sundown, dopo tutto, ci sta dicendo che molti altri artisti seguiranno: come i DSP e i distributori gestiranno questo fenomeno è un tema caldo del 2025 per l’industria musicale.&nbsp;

Marketing

Questo gruppo retro rock che è emerso dal nulla a giugno ha ottenuto qualcosa che molte vere band faticano a raggiungere: attirare l’attenzione mediatica globale e trasformarla in stream su Spotify e altre piattaforme.

Nella settimana conclusasi il 3 luglio, il catalogo di 26 brani di The Velvet Sundown — che copriva in quel momento solo i loro primi due album — aveva generato 2,59 milioni di stream a livello globale, secondo cifre diffuse da Luminate che corrispondono a&nbsp;un aumento del 399% rispetto alla settimana precedente. L’impennata è seguita a una gigantesca copertura online su testate musicali, quotidiani generalisti e popolari canali YouTube, tutti incuriositi dalla novità — e dalle implicazioni etiche — di una band artificiale che distoglie attenzione (e royalties) dai musicisti reali.

The Velvet Sundown riflettono una realtà del business musicale nel 2025: ottenere attenzione online, che sia positiva o negativa, aiuta un artista a emergere dal rumore di fondo e a trovare ascoltatori. La notorietà — essere conosciuti per qualcosa di negativo — non è necessariamente uno svantaggio. Con le piattaforme di streaming invase da contenuti generati dall’AI — Deezer stima che il 18% dei suoi caricamenti giornalieri abbia quell'origine — il successo di The Velvet Sundown spicca. Gli album della band, completi di artwork evocativi e surreali, fanno un ottimo lavoro nel catturare l’aspetto e l’atmosfera di una band psichedelica folk-rock. E i brani rivelano un livello di perizia e qualità ben sopra la media della musica generata con l’AI, lasciando supporre che l’abilità e il tempo messi al servizio del progetto non siano stati poca cosa.

Qualche domanda

Il caso Velvet Sundown solleva alcune questioni cruciali per l’industria:

<ul>
	<li>
	velocità vs qualità: la musica AI può saturare il mercato con una produzione iper-rapida, e lo sta già facendo;
	</li>
	<li>
	opacità algoritmica: chi decide cosa entra nelle playlist più popolari?
	</li>
	<li>
	ridefinizione dell’artista: cosa significa oggi essere un “musicista”?
	</li>
	<li>
	diritto d’autore e monetizzazione: a chi spettano i compensi di una canzone generata da AI?
	</li>
</ul>

Già sentito? In parte sì, eppure ci sono domande e domande. Tra&nbsp;quelle non proprio inedite, alcune hanno risposte potenzialmente chiare e prevedibili. Ad esempio: 
– la musica generata con AI dovrebbe essere etichettata come tale? Beh, sì; 
– se viene usata per frodi di streaming, va rimossa? Decisamente sì.

Altre, invece, sono più complesse: 
– dove finisce la musica creata con AI e dove inizia quella interamente generata? 
– dovrebbe stare fuori dagli algoritmi e dalle playlist personalizzate? 
– andrebbe vietata o regolamentata a parte?

Il fatidico momento in cui la musica generata da AI avrebbe raggiunto milioni di ascoltatori era nell’aria: era solo una questione di quando, e non di se, e come volevasi dimostrare il momento è arrivato prima del previsto. Ma, se finora l’industria si è concentrata sugli input (addestramento dei modelli, licenze, cause legali), ora deve affrontare gli output. Non importa che la storia di The Velvet Sundown venga derubricata solo a mera provocazione; la riflessione e l’esame di coscienza che ha innescato sono reali.

The Velvet Sundown: una brevissima storia ha già un lungo futuro

Come la vicenda della band AI-generated cambierà certe caratteristiche della musica digitale


Quando attorno alle 19.00 di mercoledì sera un enorme incendio ha distrutto il palco principale del Tomorrowland in Belgio, le immagini sono rimbalzate in tutto il mondo. D'altronde si tratta di uno dei festival più importanti e conosciuti a livello globale, con 400.000 presenze registrate nel 2024 e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752935/tomorrowland-sbarca-in-cina-con-evento-indoor">vari spin-off</a> in altri continenti. Al momento dell'incidente, però, l'area concerti era chiusa al pubblico: l'evento avrà inizio venerdì, ragion per cui erano presenti sul posto solo gli addetti ai lavori&nbsp;impegnati nei preparativi. Fortunatamente, a quanto pare non si è&nbsp;registrato nessun ferito e per le ore 20.00 della stessa serata le fiamme sembrerebbero&nbsp;essere&nbsp;state&nbsp;domate&nbsp;del tutto, anche se non è stata ancora accertata&nbsp;la causa del rogo.

Nel frattempo, però, si rincorrono le voci sui social di un presunto annullamento: vari utenti dichiarano di aver ricevuto mail ufficiali che parlano di una cancellazione del festival. Interpellati da EuroNews (il canale di informazione di EBU) gli organizzatori di Tomorrowland dichiarano che si tratta di "fake news". Il riferimento, ad ogni modo, è all'invio di suddette mail: al momento non esiste acora una comunicazione ufficiale circa lo&nbsp;svolgimento o meno dell'evento.

Aggiornamento al 17/07/2025: l'organizzazione del Tomorrowland ha comunicato che il campeggio del festival aprirà oggi come previsto, confermando implicitamente che l'evento si terrà comunque, ma&nbsp;non è ancora chiaro come si supplirà all'assenza del main stage: "Abbiamo trascorso la nottata lavorando su possibili soluzioni, info più dettagliate sullo svolgimento delle giornate di venerdì, sabato e domenica seguiranno nelle prossime ore" si legge nella sezione news del sito.

Tomorrowland: l'annullamento per l'incendio sarebbe una fake news

Gli organizzatori assicurano che (per ora) non è prevista la cancellazione del festival

Secondo indiscrezioni di stampa dell'agenzia Reuters, la Commissione Europea sarebbe in procinto di aprire un'indagine sulla discussa proposta di acquisizione di Downtown Music da parte di Universal Music Group (il cui valore economico è quantificato in 775 milioni di dollari). La notizia di una possibile indagine era già nell'aria da aprile, ma la Commissione si è riservata di esaminare il caso prima di decidere se investigare formalmente. La scadenza per aprire un fascicolo di cosiddetta "fase 2"&nbsp;è il 22 luglio, e stando a Reuters una decisione in tal senso&nbsp;sarebbe quindi stata presa, anche se ancora non annunciata ufficialmente.

La "fase 1", della durata di 25 giorni, consisteva in una revisione della proposta di acquisizione: in caso di perplessità, la Commissione Europea aveva facoltà di proseguire con un'indagine "di fase 2", della durata di 90 giorni e più approfondita: le indiscrezioni si riferiscono proprio all'apertura di questa seconda parentesi investigativa. Resta da capire se l'indiscrezione di agenzia sarà confermata.

Downtown-UMG, la Commissione Europea aprirà un'indagine?

La proposta di acquisizione è nell'occhio del ciclone ormai da mesi

E’ cominciata la prima fase di votazione per i Primetime Emmy, in programma il prossimo 14 settembre (negli Stati Uniti live su CBS e disponibili in streaming live e on demand su Paramount+), presentati dal comico Nate Bargatze al debutto.

Questa fase, che va dal 18 al 27 agosto, è partita con l’annuncio dell’elenco completo dei candidati nelle sette categorie musicali, nel quale spiccano i nomi di Kendrick Lamar e “Questlove” – entrambi in lizza per la miglior direzione musicale. Lamar è candidato per “The Apple Music Super Bowl LIX Halftime Show con Kendrick Lamar”, insieme al co-candidato Tony Russell. Questlove è candidato per “SNL50: The Homecoming Concert”, insieme al co-candidato James Poyser. Lamar quest’anno ha conquistato 5 Grammy Awards, inclusi quelli per Disco dell’Anno e Canzone dell’anno; Questlove in carriera ha conquistato un Oscar e 6 Grammys. Questo l’elenco completo:

Miglior direzione musicale

<ul>
	<li>The Apple Music Super Bowl LIX Halftime Show con Kendrick Lamar • FOX • Roc Nation, DPS, Jesse Collins Entertainment e pgLang; Kendrick Lamar, Tony Russell, direttori musicali</li>
	<li>The Kennedy Center Honors • CBS • Done + Dusted in collaborazione con Rok Productions; Rickey Minor, direttore musicale</li>
	<li>The Oscars • ABC • Academy of Motion Picture Arts and Sciences; Michael Bearden, direttore musicale</li>
	<li>SNL50: The Anniversary Special • NBC • SNL Studios in collaborazione con Universal Television e Broadway Video; Lenny Pickett, Leon Pendarvis, Eli Brueggemann, direttori musicali</li>
	<li>SNL50: The Homecoming Concert • Peacock • SNL Studios in collaborazione con Universal Television e Broadway Video; James Poyser, direttore musicale, Ahmir “Questlove” Thompson, direttore musicale</li>
</ul>

Miglior composizione musicale per una serie (colonna sonora originale drammatica)

<ul>
	<li>Andor • “Who Are You?” • Disney+ • Lucasfilm Ltd.; Brandon Roberts, compositore</li>
	<li>Based on a True Story • “Relapse” • Peacock • UCP, Aggregate Films e Parasox; Sherri Chung, compositrice</li>
	<li>Cobra Kai • “Blood In Blood Out” • Netflix • Sony Pictures Television per Netflix; Leo Birenberg, Zach Robinson, compositori</li>
	<li>Severance • “Cold Harbor” • Apple TV+ • Fifth Season in collaborazione con Apple; Theodore Shapiro, compositore</li>
	<li>The Studio • “The Missing Reel” • Apple TV+ • Lionsgate Television in collaborazione con Apple; Antonio Sánchez, compositore</li>
	<li>The White Lotus • “Amor Fati” • HBO | Max • HBO in collaborazione con Rip Cord e MC Pictures; Cristobal Tapia de Veer, compositore</li>
</ul>

Miglior composizione musicale per una miniserie, serie antologica, film o speciale (colonna sonora originale drammatica)

<ul>
	<li>Black Mirror • “Hotel Reverie” • Netflix • Broke &amp; Bones per Netflix; Ariel Marx, compositore</li>
	<li>Black Mirror • “USS Callister: Into Infinity” • Netflix • Broke &amp; Bones per Netflix; Daniel Pemberton, compositore</li>
	<li>Dying For Sex • “It’s Not That Serious” • FX on Hulu • 20th Television; Ariel Marx, compositore</li>
	<li>Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story • “Spree” • Netflix • Ryan Murphy Productions per Netflix; Thomas Newman, Julia Newman, compositori</li>
	<li>The Penguin • “After Hours” • HBO | Max • HBO in collaborazione con Acid and Tender Productions, 6th &amp; Idaho Motion Picture Company, Dylan Clark Productions, Chapel Place Productions, Zobot Projects, DC Studios e Warner Bros. Television; Mick Giacchino, compositore</li>
	<li>The Supremes at Earl’s All-You-Can-Eat • Hulu • Searchlight Pictures presenta una produzione Temple Hill; Kathryn Bostic, compositrice</li>
</ul>

Miglior composizione musicale per una serie o speciale documentario (colonna sonora originale drammatica)

<ul>
	<li>The Americas • “Andes” • NBC • BBC Studios Natural History Unit in collaborazione con Universal Television Alternative Studio; Hans Zimmer, Anže Rozman, Kara Talve, compositori</li>
	<li>Chef’s Table • “José Andrés” • Netflix • Boardwalk Pictures e David Gelb Planetarium per Netflix; Duncan Thum, David Bertok, compositori</li>
	<li>Leonardo Da Vinci • PBS • Florentine Films &amp; WETA; Caroline Shaw, compositrice</li>
	<li>Planet Earth: Asia • “Beneath the Waves” • BBC America • Una produzione BBC Studios Natural History Unit coprodotta con BBC America e ZDF per BBC; Jacob Shea, Laurentia Editha, compositori</li>
	<li>Super/Man: The Christopher Reeve Story • HBO | Max • DC Studios presenta in collaborazione con HBO Documentary Films e CNN Films, in collaborazione con Words+Pictures, una produzione Passion Pictures e Misfits Entertainment in collaborazione con Jenco Films; Ilan Eshkeri, compositore</li>
</ul>

Miglior canzone originale e testi

<ul>
	<li>Agatha All Along • “Circle Sewn With Fate” / “Unlock Thy Hidden Gate” / Titolo canzone: “The Ballad of the Witches’ Road” • Disney+ • Marvel Television; Kristen Anderson-Lopez, Robert Lopez, musica e testi</li>
	<li>Andor • “Who Are You?” / Titolo canzone: “We are the Ghor (Planetary Anthem)” • Disney+ • Lucasfilm Ltd.; Nicholas Britell, Tony Gilroy, musica e testi</li>
	<li>The Boys • “We’ll Keep the Red Flag Flying Here” / Titolo canzone: “Let’s Put the Christ Back in Christmas” • Prime Video • Amazon MGM Studios, Sony Pictures Television con Kripke Enterprises, Original Film e Point Grey Pictures; Christopher Lennertz, musica e testi</li>
	<li>SNL50: The Anniversary Special • Titolo canzone: “Adam Sandler’s Song: 50 Years” • NBC • SNL Studios in collaborazione con Universal Television e Broadway Video; Adam Sandler, Dan Bulla, musica e testi</li>
	<li>Will &amp; Harper • Titolo canzone: “Harper and Will Go West” • Netflix • Un documentario Netflix / Un film Wayfarer Studios / Una produzione Delirio Films / Una produzione Gloria Sanchez; Sean Douglas, Kristen Wiig, musica e testi; Josh Greenbaum, testi</li>
</ul>

Miglior tema musicale originale per titoli di testa

<ul>
	<li>Dept. Q • Netflix • Una serie Netflix / Una produzione Left Bank Pictures; Carlos Rafael Rivera, Scott Frank, compositori</li>
	<li>Dune: Prophecy • HBO | Max • HBO presenta una produzione Legendary Television in collaborazione con Flying Life Productions, Herbert Properties LLC e Wandering Jew Productions; Volker Bertelmann, compositore</li>
	<li>Lazarus • Adult Swim • Sola Entertainment e Studio MAPPA; Kamasi Washington, compositore</li>
	<li>The Residence • Netflix • Una serie originale Netflix in collaborazione con shondalandmedia; Mark Mothersbaugh, compositore</li>
	<li>The White Lotus • HBO | Max • HBO in collaborazione con Rip Cord e MC Pictures; Cristobal Tapia de Veer, compositore</li>
	<li>Your Friends &amp; Neighbors • Apple TV+ • Apple Studios / Tropper Ink; Dominic Lewis, Hamilton Leithauser, compositori</li>
</ul>

Miglior supervisione musicale

<ul>
	<li>Hacks • “I Love LA” • HBO | Max • Universal Television in collaborazione con Paulilu, First Thought Productions, Fremulon Productions, 3 Arts Entertainment; Matt Biffa, supervisore musicale</li>
	<li>The Last of Us • “The Price” • HBO | Max • HBO in collaborazione con Sony Pictures Television, PlayStation Productions, Word Games, The Mighty Mint e Naughty Dog; Evyen Klean, Ian Broucek, supervisori musicali</li>
	<li>The Righteous Gemstones • “You Hurled Me Into the Depths, Into the Very Heart of the Seas” • HBO | Max • HBO in collaborazione con Rough House Pictures; DeVoe Yates, Gabe Hilfer, supervisori musicali</li>
	<li>Severance • “Cold Harbor” • Apple TV+ • Fifth Season in collaborazione con Apple; George Drakoulias, supervisore musicale</li>
	<li>The Studio • “The Promotion” • Apple TV+ • Lionsgate Television in collaborazione con Apple; Gabe Hilfer, supervisore musicale</li>
	<li>The White Lotus • “Same Spirits, New Forms” • HBO | Max • HBO in collaborazione con Rip Cord e MC Pictures; Gabe Hilfer, supervisore musicale</li>
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Primetime Emmy 2025: ecco i candidati nelle categorie musicali 

Kendrick Lamar e Questlove competono per la miglior direzione musicale

Oltre 3,3 milioni di eventi (+16,15% YoY), 253,5 milioni di spettatori (+2,25% YoY)&nbsp;e una spesa superiore a 4 miliardi di euro (+1,94% YoY): lo spettacolo dal vivo sembra in ottima salute e parrebbe aver superato la flessione post-pandemia, a giudicare dai dati contenuti nel rapporto SIAE 2024 presentato stamattina.&nbsp;

Naturalmente è necessario filtrare e leggere i dati alla luce dei comparti: l'81% degli spettacoli in questione, infatti, è relativo al settore cinematografico, che però raccoglie&nbsp;solo il 29% del pubblico e il 13% della spesa (al contrario dello sport, ad esempio, che rappresenta il&nbsp;2% degli eventi, ma attrae il 15% degli spettatori e genera il 21% della spesa). La musica dal vivo, in tutto ciò, resta grande protagonista e traino dell'intero mercato: anche se i concerti sono solo il 2% del totale degli eventi censiti,&nbsp;coinvolgono 29 milioni di spettatori (11% del totale) e producono il 25% della spesa, primo settore in assoluto (dal computo di ques'anno sono però esclusi i cosiddetti "concertini", ovvero il settore denominato Intrattenimento Musicale).

Nello specifico, il pop-rock costituisce il 59% dell'offerta e&nbsp;raccoglie&nbsp;l’83% del pubblico, ma in particolare il&nbsp;jazz ha ottenuto un exploit particolarmente positivo&nbsp;(11% dell'offerta, ma +18,6% di spettatori rispetto all'anno scorso).&nbsp;I concerti hanno registrato 65.515 spettacoli (+6,3% rispetto al 2023), 29 milioni di spettatori (+2,9% YoY) e una spesa complessiva di 989,3 milioni di euro (+1,4% YoY). Cala leggermente la spesa media per spettatore (-1,5%), pari a 34,13 euro.

La Lombardia è in testa alla classifica per numero di concerti e spettatori, con 7.158 eventi (18%) e 824 spettatori medi per spettacolo. Segue per numero di eventi&nbsp;il Lazio, ma la regione è prima&nbsp;per spesa media per spettatore (50,14 euro) e per partecipazione media (855 spettatori a concerto).&nbsp;Il 2024 segna anche un importante decentramento dell’offerta musicale, con incrementi in regioni come Valle d’Aosta (+22% YoY) e Umbria (+13% YoY).

“I dati del 2024 restituiscono un’immagine complessa dello spettacolo dal vivo in Italia" commenta Matteo Fedeli, direttore generale SIAE. "Gli incrementi registrati nell’ultimo anno sono segnali positivi, ma ancora parziali. Ci troviamo davanti ad una fase di transizione, in cui il settore sta cercando nuovi equilibri, ridefinendo linguaggi, formati e abitudini. Ed è proprio nei momenti di trasformazione profonda che diventa essenziale leggere con lucidità i segnali deboli, senza forzare interpretazioni rassicuranti. In uno scenario sempre più articolato e competitivo, la tutela del diritto d’autore richiede strumenti all’altezza delle sfide. Per questo, SIAE ha avviato un percorso profondo di trasformazione, che mette al centro l’innovazione tecnologica come leva strategica, non come fine”.

“Da oltre centoquarant’anni, SIAE è impegnata nella tutela e promozione del diritto d’autore, a salvaguardia degli interessi dei creatori" chiosa&nbsp;Salvatore Nastasi, Presidente SIAE. "Nel 2024 celebriamo un anniversario importante: cento anni dalle prime rilevazioni sistematiche sullo spettacolo in Italia. Un secolo di dati che fotografano l’evoluzione del panorama culturale na- zionale, ma anche il ruolo della società nell’attività di documentazione, volta ad offrire informazioni di contesto ad uso di cittadini, operatori e decisori politici”.

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Rapporto SIAE 2024: lo stato di salute dello spettacolo in Italia

I concerti fanno da traino all'economia e il jazz registra un boom di spettatori: tutti i dati

“Io volevo solo fare l’artista, non avere mille burnout / E chi pensava che ci vuole un terapista, pure per curare i soldout”, canta Riccardo Zanotti in "Burnout", canzone di&nbsp;“Hello world”, uscito a fine 2024. Nel frattempo la band ha fatto <a href="https://www.rockol.it/news-752482/pinguini-tattici-nucleari-concerto-milano-scaletta-recensione">un altro tour negli stadi</a>&nbsp;e la musica live&nbsp;è diventata&nbsp;un tema di discussione che va oltre gli addetti ai lavori: è&nbsp;stata Selvaggia Lucarelli a portare all'attenzione generale&nbsp;la questione,&nbsp;<a href="https://selvaggialucarelli.substack.com/p/vi-spiego-perche-i-pinguini-tattici" target="_blank">delegando poi la spiegazione del fenomeno dei Pinguini Tattici Nucleari&nbsp;al collega Michele Monina</a>. 
I&nbsp;PTN sono gli “underdog” del sistema italiano? Il loro tour del 2023 fu effettivamente una sorpresa per molti: inizialmente era previsto un solo San Siro, le richieste li portarono a fare&nbsp;11 date tra stadi e arene.&nbsp;Ma lo stesso non si può più dire oggi, anche se i loro numeri continuano ad attirare meno l’attenzione di quelli di altri colleghi. 
Non è solo una questione di numeri – ma di cifra (stilistica): questo ci spiega Riccardo Zanotti, con cui abbiamo fatto una lunga conversazione per farci raccontare come funzionano i PTN, , come si organizzano per prendere le loro scelte, come si relazionano con i colleghi: “Io penso che quella dei concerti non sia una guerra in cui si fa la gara al coriandolo più grosso”, dice r<a href="https://www.rockol.it/news-752569/cesare-cremonini-sansiro-concerto-scaletta-video-recensione">ispondendo a una battuta&nbsp;di Cesare Cremonini</a> – spiegando anche come mai hanno scelto di non fare più date, pur avendone la possibilità e la richiesta.

Partiamo dai numeri recenti dei Pinguini: 420 mila biglietti venduti, presenze multiple di singoli e album nelle classifiche di metà anno. Cosa è cambiato dal vostro tour del 2023 ad oggi e da “Fake News” a “Hello World”? 
In termini qualitativi, più vai avanti più è difficile: è la regola aurea in generale di qualsiasi musicista. Devi riscoprire le sonorità, i modi di arrangiare, le sequenze armoniche perché a un certo punto risultano un po’ stucchevoli: le hai già utilizzate, devi sempre trovare delle nuove formule ma allo stesso tempo senza perdere la tua cifra stilistica. Gli ascoltatori sono abituati a una cosa e devi giocare sempre a destabilizzarli ma anche sull’essere comprensibile e “relatable”.

In termini quantitativi, invece? 
Noi viviamo in una sorta di limbo che ci siamo autodisegnati attorno, un po’ come quello che nella pubblicità si disegnava la banca intorno a lui con un cerchio sulla terra. Abbiamo un confine entro il quale i numeri non entrano, ci sono solo le persone. Poi chiaramente sono importantissimi anche i numeri, ma poi sono come gli ospiti e come il pesce: dopo qualche giorno puzzano sempre. Si rivoltano contro di te. Cerchiamo di vivere in maniera tranquilla e pacifica senza pensare troppo alla quantità ma più pensando alla qualità.

Fare un secondo tour negli stadi vi ha messi in una condizione diversa di esperienza, progettazione e idee? 
All’apertura del secondo tour eravamo comunque lì a chiederci se aveva senso fare questa cosa, come sarebbe andata: la storia dei nostri stadi è ancora giovane, è fatta di due tour, non è quella di Vasco o Ligabue. Sei sempre un po’ insicuro. 
Però appena aperte le vendite abbiamo avuto già da subito il sentore che sarebbe andata bene. Ci siamo detti: potremmo fare altre date. Ma abbiamo preferito essere un po’ più conservativi. 
Bisogna anche stare attenti a non saturarsi e a non saturare: è un periodo in cui è finita la spinta del post-Covid, la gente ha ancora voglia di uscire a vedere dei concerti però seleziona con molta cura tra chi fa live di qualità. E ce ne sono in Italia, grazie al cielo: penso a Cremonini, penso a Ultimo, a Vasco ovviamente. Non abbiamo strafatto.

Qual è il processo decisionale e come vi organizzate, come band e come struttura rispetto a queste decisioni? 
Ci sono più nuclei, perché si parla sempre di un gruppo di noi sei, che siamo una parte del tutto. Poi c’è un team dietro. Il nostro manager Gianrico Cuppari che si occupa di numeri, cifre e prospetti. Con lui ci confrontiamo su queste parti e con il booking, che avendo a disposizione una mole di dati gigantesca, ha il sentore di quello che è il mercato. Cerchiamo di creare un clima molto rilassato e molto tranquillo in cui tutti possono dire la propria, dall’ultima persona che si è unita a noi quest’anno: secondo me questa cosa ci salva e ci preserva da un sacco di problematiche.

Avete lo stesso management dagli esordi, lavorate con Sony per la parte discografica da tempo. L’unico cambiamento recente è stato il passaggio con Magellano due anni fa per i concerti. Quanto conta creare una catena di fiducia? 
La fiducia secondo me non è per forza di cose la qualità universale. Attenzione, è fondamentale, ma prima ci vuole la bravura, che poi determina la fiducia. Poi certo nel nostro percorso ci sono stati dei casi in cui abbiamo sbagliato il giudizio, come nel percorso di tutti. Il primo stadio - all’inizio pensavamo ad un solo San Siro - e poi il conseguente tour: lì ci è voluto un bel coraggio, dovevamo trovare qualcuno che avesse fiducia in noi, una compagnia di persone che erano disposte a commettere in quel momento un qualcosa di molto fuori dagli schemi, e questo è stato Magellano. Negli ultimi due-tre anni si sono visti più concerti in questa dimensione, ma quando è uscita la notizia dei Pinguini negli stadi, tanti hanno anche storto il naso chiedendosi come fosse possibile.

Sul tema dei concerti avevi già scritto una canzone, “Burnout”. Cosa ne pensi, ora che se ne parla non più solo tra addetti ai lavori? 
Nel 2022 ho scritto “Non sono cool” che si chiudeva dicendo “Ma San Pietro non apre a un San Siro sold out”. Non è che i grandi numeri ti possono consentire poi di raggiungere un fantomatico paradiso dei musicisti… 
È facile dirlo quando i numeri sono dalla tua, ma bisogna avere anche il coraggio di dire delle banalità: ragazzi, queste cose contano fino a un certo punto. Lo dico soprattutto parlando ad altri artisti, perché poi al pubblico queste cose arrivano fino a un certo punto. 
Noi abbiamo uno studio qui a Milano sud e tutti i giorni andiamo in questo bar dove c’è un ragazzo che vuole fare il cantante ma sta lavorando lì per sostentarsi. Io l’ho fatto per anni, io so benissimo cosa vuol dire quella roba lì… Ecco, è soprattutto a lui che dico: fottetene un po’ di più di questi numeri di Spotify. Prima dei numeri è ancora più importante trovare la propria cifra.

Qual è la vostra cifra, allora? 
Quella canzone è un manifesto in cui dichiaravo che non stavamo cercando la coolness, non cercavamo l’ascolto facile, non volevamo far parte di una sottocultura come l’indie pop, ma seguivamo idee diverse, quelle di una band. Non penso che siamo mai stati visti come un progetto estremamente trasgressivo, ci siamo trovati la nostra strada…

Però poi i numeri si raccontano, eccome. Cesare Cremonini, presentando il suo tour, ha fatto una battuta indiretta su di voi dicendo che raccontare i numeri dei chili di coriandoli si può anche evitare… 
Con Cesare ci sentiamo, non c’è nessuna polemica, era più uno spunto che mi ha fatto ridere. Io sono super fan di queste battute fra artisti: è un po’ ironia, mette un po’ di pepe nel rapporto… 
È una persona che ha da insegnare tantissimo: ha raccontato il suo percorso ricordando che a un certo punto, a inizio 2000, non andava a vederlo nessuno, ma poi si è ritirato su. La cosa più assurda per me è che lo ha fatto anche con delle canzoni che appartengono a quel periodo: le aveva già prima che le orecchie della gente fossero pronte ad ascoltarle.

Non c’è competizione tra artisti, quindi? 
Io penso che quella dei concerti non sia una guerra in cui si fa la gara al coriandolo più grosso, ma debba essere un momento di gioia, di condivisione. Noi abbiamo un’idea diversa di quello che deve essere un concerto rispetto a Cremonini, rispetto anche a Vasco, rispetto a tanti altri che adesso hanno dei tour negli stadi.

In cosa è diversa la vostra idea&nbsp;di un concerto negli stadi? 
Guarda, per una ragione molto semplice ed intrinseca: siamo una band. Questi altri grandi artisti sono dei solisti: quando vai a vedere Cesare vuoi vedere Cesare, perché è un frontman, quel palco lo regge da solo. 
Io dico con grandissima tranquillità: noi da soli non lo reggeremmo il palco, siamo forti perché ci diamo manforte l’uno con l’altro. Le band sono una specie in via d’estinzione, Vasco è diversissimo da Cesare, così come Ligabue è diversissimo da loro due, e quindi ognuno ha la sua particolarità.

Tu da spettatore andavi ai concerti negli stadi o ai concerti molto grossi? Ti piacciono ancora? 
Sì, li vado a vedere, mi piacciono molto e io non so neanche dirti a quanti concerti sono andato nella mia vita perché ho perso totalmente il conto. A un certo punto tenevo i biglietti come talismano in una sorta di piccola cassettina e poi ho smesso perché non li conteneva più. 
Però mi piace tanto andare in posti piccoli. Mi piacciono quelli grossi, ma vado più spesso a concerti di band piccole o artisti piccoli, mi piace anche scoprire roba nuova. E lì magari oggi è più difficile perché ti fermano, ti chiedono le foto, talvolta può essere anche imbarazzante perché ti ritrovi in mezzo a una confusione grossa, non riesci a goderti lo spettacolo. Però devo dire che i miei localini in cui sono completamente inosservato ce li ho e ci vado molto spesso…

Tre anni fa tu, Gianrico&nbsp;Cuppari e Nina Selvini avete aperto Nigiri, con cui producete artisti ed artiste giovani: come sta andando questo progetto? 
Per me è divertentissimo ed è soprattutto giusto: un sacco di nuove tendenze, di nuovi suoni, di nuove influenze, le intercetto anche grazie a questa gente giovane: hanno 20 anni, io inizio ad averne 30 e quindi inizio di fatto ad essere escluso da certe tendenze. Banalmente perché non sono sempre aggiornato su tutto…

A livello creativo quindi è una fonte di ispirazione, ma a livello imprenditoriale funziona? 
Funziona nella misura in cui lavori su nuovi artisti senza avere dietro grandi budget. Non bisogna pensare che ci si guadagnino cifre spropositate, non è quello l’intento con cui lo facciamo. Poi se un giorno qualcuno avrà un enorme successo, glielo auguriamo e ci mancherebbe. Però anche solo riuscire a farne un mestiere è già un risultato. I Pinguini si auguravano quello fino al 2018, poi le cose sono andate via via sempre migliorando. Io penso che l’obiettivo massimo sia quello di vivere di musica.

Vi sentite ancora degli “underdog”? 
Dipende da cosa prendi in considerazione. Se consideri solo il presente, quello è sempre un po’ sfigato nella musica. Nella musica e nella discografia si guarda al passato, al catalogo, e al futuro, alle nuove tendenze. 
Noi nel presente abbiamo un posto in qualche modo importante. Ma per quanto riguarda il passato è troppo presto: abbiamo iniziato insieme nel 2010, ma di fatto questa formazione è arrivata nel 2013-14. Per il futuro bisogna stare a vedere: non abbiamo ancora dimostrato di essere delle persone che possono stare nella storia della musica italiana, ne siamo ancora molto lontani. 
Le canzoni devono sopravvivere ai decenni, non alle classifiche semestrali della FIMI, come hanno fatto quelle di artisti come Max Pezzali, Vasco e tutti quelli che ho citato prima. Il nostro obiettivo in questo momento è dimostrare di riuscire a restare in piedi: tutti hanno avuto alti e bassi.

Cosa succede ora ai Pinguini? 
Per le prossime mosse, non ci abbiamo ancora pensato. Sicuramente vogliamo fare qualcosa che sia un prossimo passo, un next step, qualcosa di diverso e c’è da studiarlo&nbsp;bene. 
Però c’è una parola che è entrata di prepotenza ultimamente nei nostri camerini, ed è “viaggio”. Quello fatto in Islanda ci ha portato bene: viaggiare insieme ci può dare tanto. Elio ora è in Madagascar: ogni tanto ti fermano, a volte degli italiani, e ti chiedono dove sono gli altri, come se dovessimo essere inscindibili l’uno dall’altro – cosa che ci fa sempre ridere. Però adesso vogliamo provare davvero a fare dei viaggi in giro per il mondo e vedere che cosa ci danno.