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Ciao 2001, storica testata musicale fondata nel 1968 e tornata in attività nel 2023 dopo oltre 25 anni di assenza dalle edicole, ha cessato le pubblicazioni: a darne notizia, con una mail inviata agli abbonati, è stato l’ufficio abbonamenti di Sprea Edizioni, gruppo che aveva rilevato il marchio ormai due anni fa. La sospensione riguarda sia la versione cartacea che quella digitale del magazine.

Gli abbonati potranno trasferire il proprio credito residuo sulle altre testate musicale edite dalla società - Classic Rock, Buscadero, Prog - o su qualsiasi altra pubblicazione del gruppo: in alternativa, sarà possibile richiedere o un buono utilizzabile sul sito di Sprea o il rimborso del residuo dell’abbonamento.

Ciao 2001 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-740985/ciao-2001-torna-edicola-bimestrale-maurizio-becker-renato-marengo">era stato rilanciato nel dicembre del 2023 da Sprea</a>, con le firme storiche dalla testata Renato Marengo e Maurizio Becker nelle vesti di curatori. Come spiegato dallo stesso Becker in <a href="https://www.rockol.it/news-741217/il-ritorno-in-edicola-di-ciao-2001-intervista-maurizio-becker-video">un’intervista concessa al direttore di Rockol Franco Zanetti</a>, il ritorno in attività nacque da un’idea di Francesco Coniglio, che poco prima della sua scomparsa - il 6 luglio del 2023 - insieme allo stesso Becker e Marengo iniziò a lavorare su un omaggio alla testata, sfociato poi nel ritorno nelle edicole - grazie anche a Luca Sprea e ad Alessandro Agnoli, quest’ultimo ad di Sprea Editori. Inizialmente annunciato come bimestrale, il “nuovo” Ciao 2001 è stato pubblicato con cadenza mensile fino al numero 9, l’ultimo disponibile nelle edicole.

Industria

Ciao 2001 cessa le pubblicazioni

La testata era tornata attiva nel 2023 per Sprea Editori

Elemedia - società del Gruppo GEDI che edita Radio Deejay, Radio Capital, m2o e OnePodcast - ha rinnovato oggi, giovedì 8 maggio, il Consiglio di Amministrazione, nominando Pasquale di Molfetta (Linus) Presidente.

La nomina - precisa l’azienda - “riconosce il contributo determinante prestato da Linus per lo sviluppo del polo radiofonico di GEDI, e ribadisce la fiducia nelle sue capacità manageriali per assicurare una nuova fase di crescita alle radio nel Gruppo, dove manterrà l’incarico di Direttore Editoriale delle Radio GEDI e Direttore Artistico di Radio Deejay, Radio Capital e OnePodcast”.

Nel corso della medesima riunione, è stato inoltre cooptato Fabiano Begal, che entra a far parte del CDA di Elemedia. Carlo Ottino continuerà a esercitare le deleghe operative per la gestione della società.

Linus

Linus nominato Presidente di Elemedia

Dopo il rinnovo del Consiglio di Amministrazione

L’appuntamento era alle 20 in quella che gli organizzatori hanno definito come «una location emblematica di Barcellona», lo spazio davanti alla centrale termoelettrica di Badalone-Sant Adrià, a nord del Parc del Fòrum della città catalana. Le Tres Xemeneies, così come da queste parti chiamano le tre ciminiere che sorgono, in tutta la loro imponenza, nell’area, sembravano fare da perfetta scenografia a quello che stava succedere. Rendendo l’atmosfera post-apocalittica. E del resto sul palco stava per arrivare quello che qualcuno ha definito «il nuovo messia del rap»: <a href="http://www.rockol.it/artista/travis-scott">Travis Scott</a>. La voce che la star da 56 miliardi di streams su Spotify e 59 milioni di follower su Instagram fosse a Barcellona aveva cominciato a girare, tramite il passaparola, dalla mattina, nonostante l’evento non comparisse da nessuna parte sul calendario del rapper di “Goosebumps” (che tornerà ufficialmente su un palco il prossimo 11 ottobre a Johannesburg, in Sudafrica, con la prima data del nuovo tour “Circus Maximus 25”) e in giro per la città di Barcellona non ci fosse un solo cartellone che segnalasse la presenza dell’artista in città. Complice un invito esclusivo fatto arrivare da Spotify a un migliaio di fan, tra i più accaniti dei 63,8 milioni di ascoltatori mensili che conta il rapper sulla popolare piattaforma di streaming, poi ricondiviso da questi ultimi, facendo crescere a dismusura l’hype per l’evento. E così «almeno tremila persone», secondo gli uomini della sicurezza chiamati a controllare l’area, sin dal primo pomeriggio si erano messe in fila fuori dalla zona industriale, sperando di riuscire - con un po’ di fortuna - a entrare: l’evento di Travis Scott alle Tres Xemeneies, frutto di un’operazione destinata a spalancare nuove frontiere del marketing mischiando musica, calcio e moda come la collaborazione tra il rapper, Spotify e l’FC Barcelona - rispettivamente, un colosso della scena rap mondiale, un colosso dello streaming e un colosso del football - lanciata alla vigilia di una delle partite più attese della stagione calcistica spagnola, El Clásico, la sfida tra i blaugrana e il Real Madrid.

Jacques Bermon Webster II, questo il vero nome del rapper statunitense, si è palesato sul palco allestito nell’area della vecchia centrale termoelettrica di Badalone-Sant Adrià, alle 22: si è esibito per una quarantina di minuti, mettendo in piedi una breve, ma intensa, performance che strizzava l’occhio all’immaginario delle tifoserie ultras. Alle sue spalle, decine di figuranti vestiti da ultras animavano la scena con fumogeni e sciarpate, mentre Travis Scott incendiava i fan che erano riusciti ad ottenere il braccialetto, vincendo la la lotteria indetta da Spotify per ottenere gli esclusivi ingressi alla serata, con hit come “No bystanders”, “Fe!n”, “Sicko mode” e “Goosebumps”. Così l’area sotto le Tres Xemeneies si è trasformata per qualche decina di minuti in una bolgia, con le fiamme del palco a riscaldare l’atmosfera e i fan a mostrare orgogliosi le sciarpe frutto della <a href="https://www.rockol.it/news-751624/barcellona-clasico-real-madrid-maglia-speciale-con-travis-scott">collaborazione tra Travis Scott, Spotify e l’FC Barcelona</a>. Su un palchetto vip, intanto, Jules Koundé, tra le stelle dei blaugrana, non convocato per El Clásico per via della lesione al bicipite femorale distale della gamba sinistra riportata all’inizio del mese (per lui la stagione è finita prima del previsto), firmava le magliette “brandizzate” da Travis Scott messe in vendita dal Barcellona proprio in occasione del match contro il Real Madrid, poi vinto ieri per 4-3 dagli uomini di Hans Flick grazie a una splendida rimonta che ha visto Eric García, Lamine Yamal e Rapinha (per lui una doppietta) ribaltare l’iniziale vantaggio per 0-2 dei blancos firmato da Mbappé.

La divisa brandizzata da Travis Scott è stata proprio al centro dell’operazione che ha portato il rapper ad esibirsi a Barcellona alla vigilia del Clásico. Lo scorso 14 aprile il club aveva annunciato che in occassione del Clásico sulle maglie dei giocatori blaugrana sarebbe comparso il logo della Cactus Jack Records, l’etichetta discografica fondata dal rapper statunitense. Il logo sarebbe apparso anche sulla maglia della prima squadra femminile per la partita di Liga F del 18 maggio. Non una novità, per il Barcellona: da quando, nel 2022, Spotify è diventato sponsor ufficiale della squadra catalana - le cifre dell’accordo non sono state rese note, ma secondo la stampa specializzata la partnership pluriennale, che prevede anche&nbsp;la “brandizzazione” dello stadio Camp Nou&nbsp;per dodici anni, dovrebbe fruttare al Barça la bellezza di&nbsp;435 milioni di euro - in più occasioni i loghi di artisti musicali sono comparsi su maglie in edizione limitata realizzate proprio per il Clásico. Nel 2022 sulle maglie di Lewandowski, Pedri e Piqué era comparso il gufo di Drake, che stava per pubblicare il suo nuovo album “Her loss”. Nella primavera del 2023 sulle divise era comparso il logo di “Motomami” di Rosalía, peraltro artista “di casa”, catalana doc, mentre nell’autunno dello stesso anno la maglia del Barça era stata “brandizzata” con la linguaccia dei Rolling Stones, che avevano da poco pubblicato il loro nuovo album “Hackney diamonds”.&nbsp;Per il Clásico d’andata di questa stagione, quello che si è giocato lo scorso 26 ottobre a Madrid, il Barcellona ha avuto come sponsor nientemeno che i Coldplay.

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 <div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/p/DJJHJJRsFEo/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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Ma nel caso di Travis Scott, l'accordo era più articolato. Non solo perché oltre alla maglietta "brandizzata"&nbsp;- ne&nbsp;sono state realizzate appena 1899 copie, in vendita a 399 euro l’una; altre 22 copie, autografate dai giocatori, sono state messe in vendita a 2.999,99 euro - il 9 maggio&nbsp;è stata messa in vendita sul sito web dell'artista&nbsp;«una collezione di abbigliamento lifestyle in edizione limitata», che comprendeva t-shirt, felpe, pantaloncini, cappelli, giacche e sciarpe. Ma anche perché per la prima volta l’artista al centro dell’accordo è stato protagonista di un grande show dal vivo a Barcellona. L’operazione, un successo sotto tutti i punti di vista, con i prodotti della capsule collection di Travis Scott per l'FC Barcelona presi d'assalto dai fan negli store ufficiali del club e andati subito sold out, ha rappresentato un’interessante fusione tra tre mondi apparentemente distanti ma in realtà vicinissimi tra loro come il calcio, la musica e la moda (le divise da calcio sono tornate ad essere di tendenza nei guardaroba, sia in versione vintage che con nuove interpretazioni moderne), sottolineando la loro capacità di unire persone di culture diverse attraverso il potere di simboli condivisi.

Piccola curiosità: a caricare Lamine Yamal, Rapinha e soci prima dell’inizio della partita di ieri contro il Real Madrid, vinta per 4-3 dal Barcellona, ci ha pensato proprio la musica di Travis Scott. L’operazione di marketing realizzata in occasione del Clásico prevedeva infatti anche la selezione, da parte del rapper, di una serie di brani per un’esclusiva playlist riprodotta da Spotify all’interno dello Stadio Olimpico Lluis Company, casa provvisoria del Barça ora che il Camp Nou è in ristrutturazione. E Travis Scott è stato un culer - così si chiamano i tifosi dei blaugrana - d’eccezione, supportando la squadra dagli spalti della tribuna vip ed esultando a ogni goal, inquadrato ripetutamente dalle telecamere.

Travis Scott

Travis Scott a Barcellona spalanca nuove frontiere del marketing

Il rapper ha fatto uno show per Spotify prima della partita più attesa dell’anno. Rockol c’era.


<blockquote>
“Andiamo pazzi per tutto ciò che è inaspettato”
</blockquote>

Come, per esempio, <a href="https://www.rockol.it/news-750103/sanremo-2025-vince-olly">un podio composto da soli cantautori a Sanremo nel 2025</a>, anche se specchiare nella stretta attualità una linea che affonda le proprie radici in una storia nobile e (almeno per gli standard attuali) antica - quella scritta da Chris Blackwell a partire dai primissimi anni Sessanta - sarebbe perlomeno riduttivo. Federico Paolo Cirillo e Viola d’Acquarone - rispettivamente Label Director e Head of A&amp;R di Island Records Italy (nella foto) - si riferiscono, più che altro, a uno specifico approccio nel guidare una delle etichette di punta sul panorama musicale italiano in un momento molto eccitante e ricco di opportunità per la discografia italiana, dando una lettura tutto meno che convenzionale del panorama sul quale si sta affacciando il settore da qualche tempo a questa parte. Con uno sguardo rivolto al futuro non per scelta di campo o semplice vezzo, ma per assoluta necessità: ‘Se lavoriamo solo sull’oggi, cosa volete che possa riservarci il domani?’... 
&nbsp;

Lo scorso ottobre, così come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745697/universal-music-riorganizzazione-in-uk">per tutte le altre consorelle internazionali del gruppo</a>, anche Universal Music Group Italia ha dovuto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747300/universal-music-italia-cambiamenti-frontline-dopo-chiusura-capitol">riorganizzarsi alla luce della ristrutturazione di Capitol Records</a>. Come ha impattato questo processo su Island Records Italy a livello artistico, del team e di postura sul mercato?

Federico Cirillo: È stato tutto molto naturale. Questa è una grande azienda, e come tutte le grandi aziende c'è un momento in cui ci sono dei cambiamenti dovuti a mille motivazioni. Pur essendo divisi in etichette, qui ci conosciamo tutti: nella vecchia sede noi e Capitol eravamo dirimpettai; quindi, da gestire è stato tutto molto semplice. Dal punto di vista personale, sono arrivati Marco Fugazza e Alberto Conoci per il team marketing, Filippo Canepa nel team A&amp;R e Lisa Gottardo nel team promo. Se prima la squadra era bella, adesso è bellissima: ci abbiamo soltanto guadagnato. 
&nbsp;

E per quanto riguarda l’aspetto artistico?

FC: In teoria e in pratica, tutto il roster Capitol è finito sotto EMI. Poi, come normalmente succede in situazioni&nbsp;come questa, alcuni artisti hanno cambiato label. Abbiamo appena lanciato l’ultimo disco di Jovanotti e lavoreremo successivamente ai nuovi progetti di Emma (Marrone, ndr), Sally Cruz, Sacky e Sir Prodige. 
&nbsp;

E a livello di mercato? Questo cambiamento ha portato a un riposizionamento di Island Records?

Viola d'Acquarone: Credo che questo sia un processo iniziato già da circa un anno, con l’ingresso nel nostro team di Gabriele Minelli e Martina Ranellucci (del team A&amp;R, ndr), che si sono portati dietro - specialmente Gabriele - artisti coi quali abbiamo un rapporto professionale molto consolidato, e che hanno fatto crescere la nostra etichetta soprattutto sul fronte indie / alternative - che in precedenza non rappresentava, esattamente, il cuore delle attività di Island. Adesso, invece, lo sta diventando sempre più, con gli emergenti e non solo… 
&nbsp;

Island Records, in Italia, è sempre stata riconosciuta come una realtà leader per il mercato urban…

FC: Non abbiamo mai amato le etichette, perché quello che abbiamo sempre cercato di fare, qui, è lavorare sulle canzoni, a prescindere dal genere. In questo momento, una parte del mercato ha fatto emergere, in modo inequivocabile, la necessità di tornare a una forma canzone più “completa”, soprattutto dal punto di vista testuale. Questa tendenza è emersa con l’ultimo Sanremo, ma già da un paio d’anni ci stanno arrivando segnali abbastanza importanti, in questa direzione. Non che per noi, questo, implichi un cambio di approccio, perché Island - storicamente - anche sul versante urban ha avuto artisti che sono sempre stati anche grandi autori. Penso a Rkomi ed Ernia, che nel 2025 hanno degli album in uscita, e che sono delle penne giganti. Anzi, siamo ancora più stimolati a spingerci in altre direzioni, nello specifico da una parte l’r’n’b&nbsp;e il soul, quindi verso una forma di canzone fresca, che in Italia ha già delle radici ma, oggi, ha pochi spazi, e dall’altro l’indie / alternative, dove ci sono delle idee, degli interpreti e degli autori incredibili, che tuttavia non hanno ancora ricevuto l’attenzione che meritano… 
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Per il fronte indie si può parlare di un ritorno di fiamma?

FC: Non credo, almeno per quello che è stato l’indie pre-Covid: è, più che altro, l’inizio di una nuova ondata. I capostipiti, tipo Calcutta, resteranno intoccabili, perché hanno alle spalle una storia e un catalogo, oltre che a una forma di comunicazione e a una scrittura unica. Stiamo assistendo, tuttavia, all’inizio di qualcosa di nuovo. E questo non vale solo per l’indie, ma anche per la trap. Quando ho visto il concerto di Night Skinny al Forum di Assago ho individuato tra il pubblico due poli: la “generazione 2016” e quella nuova, che ha un modo diverso di rappare, di scrivere, e un nuovo slang. C’è una nuova generazione di rapper che all’attivo non ha ancora nemmeno un album, ma sulla quale c’è già un’aspettativa incredibile. Ecco perché non credo si tratti di un ritorno di fiamma, ma di un nuovo ciclo…

VdA: Se di ritorno si può parlare, è di ritorno alla canzone, e riguarda entrambi i generi. Il pubblico ha sempre di più l’esigenza di ritrovare immagini nei testi delle canzoni. La nostra è una società sempre più basata sulle immagini - si pensi ai social, o ai meme - e la musica non sfugge a questa regola: nel rap, per esempio, avere una punchline forte a livello visivo è sempre più importante. E in ambito cantautorale il discorso è lo stesso. I tempi, ovviamente, sono cambiati, e il cantautorato di adesso non è più quello di 15 anni fa: è qualcosa di diverso, che - per esempio - Brunori è bravissimo a fare. È una forza evocativa, concisa, che si trova sia nei cantautori che nei rapper di oggi. E che sta funzionando… 
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Questa attenzione nei confronti dei testi immagino faccia contenti anche i vostri colleghi delle edizioni…

FC: Sì e no. Lavoriamo moltissimo con i music publisher, sia nostri che esterni, e - personalmente - apprezzo tantissimo il lavoro che fanno. Il problema è che il battage che si è creato intorno all’ultimo Festival - mi riferisco in particolare a certi programmi televisivi e a certe testate che non hanno idea della filiera creativa che c’è dietro a una canzone - ha buttato un po’ di fango sul processo di scrittura. Prima di Sanremo 2025 c’è stata <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749965/sanremo-2025-claudio-buja-universal-music-publishing-autori">una polemica sugli autori “ricorrenti”</a>, sui nomi che si ripetevano nei crediti delle opere in gara, che hanno creato un sorta di terrorismo psicologico nella scena artistica. Poi com’è andata, all’Ariston, lo sappiamo: sul podio sono arrivati tre cantautori - Olly, Lucio Corsi e Brunori. E allora si è creata una reazione inversa, con tanti artisti che hanno iniziato a pensare di scriversi da soli le canzoni. E questa non è una cosa positiva. Partiamo da un presupposto: la nostra non è una grande industria, e può starci che gli autori più rilevanti sulla piazza siano una ventina, e - di questi - una decina siano i migliori. Quindi non c’è nessun complotto massonico di poteri forti, dietro… 
&nbsp;

Un po’ lo stesso discorso fatto per <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750109/marta-dona-chi-e-manager-vincitrice-sanremo-2025-olly-maneskin-mengoni">la quarta vittoria a Sanremo in cinque anni di Marta Donà</a>…

FC: Esatto. C’è questo vizio complottista di trovare sempre una forza occulta dietro a quello che succede, quando basterebbe attenersi ai fatti, e vedere il lavoro che c’è dietro a un progetto. Chi ha voluto fare del sensazionalismo non può non rendersi conto che autori come Federica Abbate, Davide Petrella o Paolo Antonacci, nel loro campo, siano dei numeri uno. Questa isteria che si è creata nel settore sta portando diversi artisti, che in realtà sono interpreti, a pensare di poter scriversi da soli le canzoni. E questo li porterà a sbattere la testa contro il muro.

VdA: Il problema, infatti, è che questa campagna non era rivolta direttamente agli autori, ma agli artisti - interpreti. Non c’è niente di male che un interprete si faccia scrivere i testi delle canzoni… 
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Lo spirito di Sanremo, almeno in origine, era questo: non a caso si chiama “Festival della Canzone Italiana”...

VdA: Infatti. Ognuno fa quello che sa fare meglio. Come in una qualsiasi azienda, tutti hanno il proprio ruolo. Non è scontato che un interprete abbia anche le qualità da autore, e viceversa. Se poi un interprete può contribuire alla scrittura, ben venga, ma l’essere cantautore non è, per come la vediamo, la precondizione indispensabile per essere considerati degli artisti. Quella di isolarsi e pensare di poter fare tutto da soli è un’illusione molto pericolosa. La musica dovrebbe essere uno specchio a doppio raggio: un artista la fa per sé stesso, e per il pubblico che lo ascolta. Se, anche per mancanza di confronto con i propri collaboratori, si riduce a farla solo per sé stesso, finisce per cantarsela e suonarsela da solo. Letteralmente.

FC: Attenzione, non è una difesa d’ufficio del sistema industria. Come dice Viola, la musica è una forma d’arte con un messaggio, che per essere recapitato deve beneficiare di una connessione tra chi lo genera e chi lo riceve. Se te ne stai da solo nella tua stanza e non c’è nessuna richiesta per il messaggio che stai trasmettendo resti solo. Confrontarsi con un produttore, un discografico e un editore significa condividere il messaggio di arrivare in maniera più forte ed efficace.

VdA: La musica nasce naturalmente come esperienza collettiva: quando riesce a essere condivisa non solo diventa più forte, ma riesce a “restare”, nel tempo. C’è poi questa falsa credenza che un artista sia meno sincero e onesto, se canta parole scritte da altri. La trovo una falsità molto pericolosa: da ascoltatrice, mi capita di ritrovarmi più nelle parole delle canzoni che in quelle che scriverei io. Credo sia capitato un po’ a tutti. E credo sia il motivo per cui facciamo questo lavoro… 
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C’è un profilo - magari anagrafico - di artista più resistente alla collaborazione con gli autori?

VdA: Dipende più che altro dalle fasi della carriera. Rispetto a quello che è successo negli ultimi mesi, ci è capitato che alcuni artisti - in determinati momenti della loro vita professionale - ci abbiano chiesto di non sottoporgli dei pezzi, e di lasciarli fare session di scrittura in autonomia. Ci sta, sia chiaro. È una cosa sana che si mettano alla prova anche come autori, ma - allo stesso tempo - è anche sano per noi, come etichetta, avere nel roster anche puri interpreti. 
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Dove li cercate, gli interpreti? Una volta si girava per locali…

VdA: Nei club oggi è difficile trovarli, almeno per quanto riguarda gli interpreti puri. E’ più facile cercare altrove: sui social, per esempio, oppure anche in TV, in ambiti anche inusuali. In questo senso, è molto utile tenere d’occhio artisti che non hanno necessariamente la velleità di diventare interpreti, ma che dimostrano di avere grandi capacità espressive e di comunicazione. Alla fine, per un interprete, l’espressività è la prima qualità: il loro compito è innanzitutto quello di condividere un brano con il pubblico, e farlo diventare grande usando la loro persona come megafono. 
&nbsp;

In questo lavoro di ricerca e sviluppo, quando è importante <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747624/universal-music-italia-ecco-i-nuovi-uffici-a-milano">avere a disposizione degli studi nel vostro quartier generale</a>?

VdA: È stata una svolta, ma non solo per quello. Per tutto, Sanremo compreso. Avere una struttura del genere in house ci aiuta a stare più vicini agli artisti, che è la parte allo stesso tempo più intensa e più divertente del nostro lavoro. 
&nbsp;

Sempre a proposito di interpreti: Federico, tu non hai mai nascosto la tua ammirazione per Alex Baroni, che ha iniziato la sua carriera proprio come interprete, portando nei locali i repertori dei grandi del soul e del blues…

FC: In quel senso, lo considero un capostipite. Ammiro tanti altri artisti che hanno portato al pubblico un certo tipo di sound - penso ai Sottotono, a Tiziano Ferro, a Giorgia, che però hanno avuto un’esposizione mainstream molto più grande rispetto a quella che ha avuto lui. Ripeto, c’è un seme in Italia perché una scena soul / r’n’b nazionale possa prosperare: penso a Pino Daniele, che è stato uno dei primi a contaminare la propria musica con certe sonorità e a conoscere il successo in tutto il Paese. Credo che da parte delle nuove generazioni ci sia una richiesta in questo senso, e credo anche che il momento sia buono per accogliere questo tipo di richiesta e portare l’offerta a un livello superiore. Per riuscirci ci vorrà non solo tempo, ma anche impegno da parte di tutto il nostro settore, dalle etichette alle piattaforme, passando per la stampa specializzata. Come ci ha insegnato l’esplosione della trap, il processo - tuttavia - deve essere naturale, non forzato. Proprio perché, appunto, nasce da un’esigenza dal basso…

VdA: …e non solo da parte del pubblico, ma anche degli artisti stessi. Mi è capitato di parlare più volte con rapper e trapper, e avvertire, nelle loro parole, la necessità di una ricerca più profonda su sound, produzioni e arrangiamenti. 
&nbsp;

Cosa caratterizzerà l’attività di Island Records per i prossimi 12 mesi?

FC e VdA: Degli album veramente belli.

FC: Lo so, è una cosa che si dice sempre. Ma i dischi che abbiamo in uscita sono belli. E io spero che funzionino: lo dico proprio per un senso di giustizia musicale, perché stiamo parlando di musica veramente di alta qualità sotto tutti i punti di vista - testi, arrangiamenti, produzione: tutto. Scritta e registrata da artisti di cuore, nel vero senso della parola. E poi lavoreremo tanto anche sui giovani…

VdA: Stiamo lavorando molto sia sullo scouting che sui nuovi contratti. Nell’ultimo anno abbiamo fatto un grande lavoro di ridefinizione del roster per dare spazio a voci nuove. E in quelle che prendiamo a bordo crediamo moltissimo, e ci lavoriamo di conseguenza: anche quando si tratta di artisti nelle primissime fasi della loro carriera, ci impegniamo per&nbsp;costruire intorno ai loro progetti un bel percepito, che gli permetta di affermarsi e di portare avanti con noi una visione condivisa. Non abbiamo l’abitudine di far firmare contratti con leggerezza, selezioniamo moltissimo le persone con le quali vogliamo lavorare… 
&nbsp;

L’esatto opposto di quella che una volta veniva chiamata, in ambito discografico, “pesca a strascico”. Tipo “facciamo due o tre singoli, e poi vediamo come va…”

FC: Siamo molto contrari: esserlo è nel DNA della nostra label. La contrastiamo in tutti i modi, la pesca a strascico. In questo senso, credo che oggi la nostra industria sia ancora un po’ indietro su questo fronte. La pesca a strascico è figlia di una forma mentis superata, perché basata su quello che è già successo, con pochissimo spazio per quello che deve ancora succedere. Se lavoriamo solo sul presente, cosa volete che possa riservarci, il futuro? Sicuramente niente di inaspettato. E a noi andiamo pazzi per tutto ciò che è inaspettato. Amiamo l’inaspettato perché rinnovarsi è fondamentale: dedicarsi solo agli artisti big ti impedisce di lavorare bene sugli artisti emergenti. Che, se trascurati, non riescono a crescere e di conseguenza a esplodere. È una cosa che fa male a tutti, soprattutto agli artisti… 
&nbsp;

Eppure c’è ancora chi strategie del genere le adotta…

FC: Non sono in grado di giudicare non conoscendo realtà diverse dalla nostra. Non ci piace lavorare sulle cose che stanno già succedendo ma preferiamo concretizzare la nostra creatività su progetti nuovi. Che è quello che chiede insistentemente il mercato discografico. Come diceva Thích Nhất Hạnh [monaco buddhista, poeta e attivista per la pace vietnamita scomparso nel 2022, ndr] a un bicchiere già pieno non c’è niente da aggiungere: devi prima svuotarlo, se vuoi aggiungere qualcosa. È questo il nostro DNA… 
&nbsp;

Prima hai citato Chris Blackwell, uno che nel suo roster ha visto passare di tutto, da Bob Marley agli U2…

FC: …ai Traffic. Di ogni. Lui ha preso artisti nei quali credeva e li spingeva sul mercato più grande del mondo, quello nord-americano. All’epoca uno poteva pensare: accidenti, come ci riesce? Gli manca tutto il pop, la musica per le masse: come va a stare in piedi? Semplice: lui prendeva artisti nei quali credeva e li faceva diventare pop, li faceva - spingendoli - piacere alle masse. Mi fa impazzire, tutte le volte che ci penso… 
&nbsp;

Sempre in tema di pop e di masse, sei stato molto critico con il Comune di Sanremo…

FC: Certo. Come tutti sappiamo il Festival è oggetto di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751256/il-sempre-piu-ingarbugliato-futuro-del-festival-di-sanremo">importanti cambiamenti</a>. Enzo Mazza e la FIMI stanno cercando di proporre soluzioni fattibili e percorribili a beneficio di tutta la nostra industria discografica.

Island Records Italy è pronta all’inizio di una nuova era

'È il momento giusto per portare il livello dell'offerta musicale a un livello superiore'. Ecco come

Il lento sold out non è un flop: è il nuovo successo (programmato). O, almeno, così ci si spiegano certe vendite di biglietti non proprio fulminee. E il lingo&nbsp;dell’industria del live evolve e si adatta alla realtà: ecco perchè oggi parliamo di “slow sell”.&nbsp;Questa la narrativa in sintesi: se un tempo il sold out immediato era l'unico parametro di successo per un tour, oggi il paradigma sta cambiando e sempre più spesso le vendite dei biglietti si distribuiscono nel tempo.

Slow sell: funzionamento e meccanismi

L​o&nbsp;slow sell&nbsp;è una strategia di ticketing sempre più adottata nell’industria del live, soprattutto in mercati maturi o in segmenti ad alto valore. C​os'è, perché si usa e quando è più vantaggiosa rispetto alla vendita tradizionale?

Lo slow sell&nbsp;è l’opposto del modello “tutto esaurito in pochi minuti”: invece di puntare a vendere rapidamente tutti i biglietti appena messi in vendita, si sceglie deliberatamente di vendere i biglietti in modo graduale, controllato e distribuito nel tempo. La logica strategica consiste nel:

1.&nbsp;Massimizzare il ricavo per biglietto (e non il volume totale), perché:

<ul>
	<li>vendere lentamente consente di testare la domanda reale e&nbsp;aggiustare i prezzi dinamicamente;</li>
	<li>si lascia spazio a più ondate di acquirenti (early fans, general public, last minute).</li>
</ul>

2.&nbsp;Evitare il secondary market aggressivo:

<ul>
	<li>se si vende tutto subito a prezzo fisso, si dà spazio ai bagarini online;</li>
	<li>lo slow sell, unito al pricing dinamico o personalizzato,&nbsp;riduce le opportunità per il bagarinaggio digitale.</li>
</ul>

3.&nbsp;Estendere la finestra promozionale:

<ul>
	<li>una vendita rapida concentra l’hype ma accorcia la visibilità;</li>
	<li>lo slow sell permette una promozione continuativa,&nbsp;aumenta la copertura mediatica e stimola vendite anche in fasi successive.</li>
</ul>

4.&nbsp;Permettere l’inserimento di fasce e pacchetti a valore aggiunto:

<ul>
	<li>pacchetti VIP, accessi early entry, esperienze esclusive possono essere&nbsp;rilasciati gradualmente&nbsp;per stimolare nuovi cicli di domanda.</li>
</ul>

Non una strategia per qualsiasi tour

Lo ‘slow sell’ si rivela una strategia più vantaggiosa dello schema tradizionale in casi precisi, ossia:

<ul>
	<li>Quando&nbsp;la domanda non è garantita, ma potenzialmente alta se ben coltivata (artisti emergenti, ritorni, tournée particolari).</li>
	<li>Quando si ha&nbsp;flessibilità nel pricing, ad esempio con piattaforme che gestiscono&nbsp;dynamic pricing o waitlists.</li>
	<li>Quando si punta a&nbsp;massimizzare il valore medio per biglietto, non solo il sold out.</li>
	<li>Quando si vuole&nbsp;prolungare la narrativa&nbsp;attorno all’evento: coinvolgere media, influencer, campagne social in più fasi.</li>
</ul>

E’ invece&nbsp;meno indicata:&nbsp;

<ul>
	<li>Se l’artista ha un’audience limitata o volatile: si rischia di non creare mai l’effetto scarsità.</li>
	<li>Se ci sono vincoli temporali o logistici (venue da confermare, calendario troppo fitto).</li>
	<li>Se i canali di distribuzione sono rigidi e poco adatti alla modulazione (es. rivenditori tradizionali senza pricing flessibile).</li>
</ul>

Beyoncé e lo slow sell adattivo

Ma quando&nbsp;lo ‘slow sell’ è una strategia effettivamente nativa e quando, invece, è una mossa adattiva e difensiva? E’&nbsp;una domanda che in questo nuovo contesto è suggerita soprattutto dal <a href="https://www.rockol.it/news-751548/cowboy-carter-tour-beyonce-setlist-video-blue-ivy-rumi-carter">"Cowboy Carter Tour" di Beyoncé, lanciato a fine aprile 2025</a>: sebbene Live Nation sottolinei che ne sia stato venduto il 94% dei biglietti e siano state aggiunte nuove date a Las Vegas, la percezione pubblica e mediatica è parecchio più sfumata di così. E’&nbsp;accaduto che alcuni biglietti per le date americane sono scesi sotto i 60 dollari, una cifra sorprendente considerando che durante il Renaissance Tour del 2023 i prezzi partivano da 115 dollari. Ciò ha generato malcontento tra quei fans (molti) che avevano acquistato i biglietti in anticipo a prezzi più&nbsp;alti. La situazione è stata poi aggravata da problemi tecnici su Ticketmaster e da una politica di prezzi dinamici che ha fatto lievitare i costi iniziali.&nbsp;

Prezzi iniziali altissimi: aspettative vs realtà

Quando Beyoncè ha annunciato il Cowboy Carter Tour, i prezzi dei biglietti erano tra i più&nbsp;alti di sempre per un'artista in tour. Si parlava di oltre 200-300 dollari per i posti base, con le sezioni premium che superavano facilmente i 1.000 dollari grazie al dynamic pricing. Questa scelta sembrava poggiarsi sulla scia del successo colossale del Renaissance Tour, che aveva generato quasi 580 milioni di dollari. L'aspettativa era chiara: tutto esaurito rapido, domanda travolgente, posizionamento da luxury experience. Ma qualcosa è&nbsp;andato diversamente. Alcuni fattori possono avere inciso:

<ul>
	<li>il sound country del nuovo album ("Cowboy Carter"), meno mainstream per parte della fanbase;&nbsp;</li>
	<li>l'inflazione e l'affaticamento del pubblico nei confronti dei prezzi live post-pandemia;&nbsp;</li>
	<li>
	la saturazione del mercato con altri tour di grandi nomi nello stesso periodo.
	</li>
</ul>

Fatto sta che, d​opo il lancio iniziale, le vendite sono rallentate&nbsp;e Beyoncè e Live Nation hanno corretto la strategia: svendite last minute (anche sotto i 60 dollari in alcuni casi), promozioni mirate, rilascio a scaglioni dei biglietti. Quindi: slow sell nativo o adattato? 
In questo caso non si è trattato di uno slow sell nativo, progettato fin dall'inizio per diluire le vendite nel tempo. Piuttosto, si è trattato di un riposizionamento adattivo: una risposta a un mercato meno reattivo del previsto, con una transizione verso lo slow sell&nbsp;come strategia di salvataggio per ottimizzare incassi e riempimento arene. Non un piano, ma una mossa in difesa; intelligente, anche, ma con un obiettivo chiaro: riempire comunque gli stadi, anche senza l'illusione del sold out in 10 minuti. 
 
Conclusioni 
Quella che alimenta lo "slow sell"&nbsp;è&nbsp;un​a logica commerciale che desidera essere anche sostenibile, secondo questo razionale: in un contesto di prezzi elevati, portafogli sotto pressione e sovraccarico di offerta live, vendere bene nel tempo è meglio che vendere subito e rischiare il vuoto dopo. L'importante è il risultato finale: arene piene, fans soddisfatti e incassi record. E’&nbsp;come se l'urgenza costruita artificialmente dal tutto esaurito in un’ora non sia più necessaria - e, forse, nemmeno più&nbsp;credibile. Lo&nbsp;slow sell&nbsp; sposta il focus dal “tutto esaurito” immediato alla costruzione di valore nel tempo, ed è tanto più efficace quanto più si padroneggia il controllo su prezzo, comunicazione e accesso diretto ai fans. Ecco perché tende a massimizzare il ricavo per biglietto rispetto all’incasso totale.

'Slow Sell': una nuova strategia per live e ticketing

Ha fatto riflettere, e fa discutere, il caso del Cowboy Carter Tour di Beyoncé

Innovazione e cultura sono un binomio difficile.

E il mondo della finanza, nel nostro paese, lo ritiene un binomio addirittura difficilissimo: il riconoscimento dell’innovazione culturale è, pertanto, molto scarso. Da questa considerazione si può partire per analizzare la fragilità dell’ecosistema di supporto alle startup in Italia, soprattutto in ambito culturale e, quindi, musicale.

Scalare o non scalare?

Le startup che operano all’incrocio tra cultura, arte e tecnologia faticano a far riconoscere il proprio valore economico nei contesti istituzionali, bancari e imprenditoriali. La principale ragione è che il comparto creativo viene percepito come "non scalabile" o "troppo di nicchia", nonostante pubblico e utenza non manchino affatto. La conseguenza di questa presunta non-scalabilità è che, se la creazione di un algoritmo dedicato all’automazione diventa sinonimo di “innovazione” in modo del tutto naturale, altrettanto non si può dire della percezione di un progetto per una piattaforma orientata ai superfans.

E’ vero che quello italiano è un mercato finanziario che per dimensioni, tecnicismi e maturità non compete con l’élite mondiale; tuttavia sarebbe sbrigativo affermare che da noi manca il “funding”. La verità è che i fondi disponibili sono spesso orientati a settori più tech-driven, come il fintech e la mobilità. Potrebbero accorrere in soccorso dei progetti artistico-culturali i bandi e i fondi pubblici ma, come per troppi altri ambiti in Italia, assenza di agilità ed eccesso di burocrazia finiscono per rendere certi percorsi meno praticabili del dovuto. Un punto di collegamento ideale sarebbe una rete strutturata di angel investor che abbiano un autentico background di natura musicale o creativa. Purtroppo questo manca.

Bootstrappers

Tutto quanto sopra causa una conseguenza diffusa, ossia che molti fondatori autofinanziano la propria impresa oltre il necessario, con le migliori intenzioni ma rallentando la crescita. Più per necessità che per scelta, portano avanti il proprio progetto senza cercare supporti esterni e usando risorse minime anche quando potrebbero (o dovrebbero) provare a spiccare un salto verso il livello successivo. Fare tutto da soli significa lavorare con fondi propri, evitando round di investimento e crescendo in modo organico, controllato ma lento. Restare troppo tempo in una fase “artigianale” comporta perdere occasioni di crescita rapida, ma anche non potersi permettere di assumere talenti chiave per mancanza di budget e rinunciare a sviluppare tecnologie o prodotti scalabili. Insomma: “bootstrappare” è sano fino a un certo punto: anche con un’ottima idea, se non si aggiunge il motore del capitale il rischio di rimanere piccoli, poco visibili o bloccati diventa elevato.

Il peso della ‘vocazione’

In Italia, poi, ad una cultura artistica forte corrisponde una cultura imprenditoriale più fragile. Molte startup musicali italiane nascono da musicisti, manager, promoter con un background creativo o operativo. Hanno visione e passione, ma spesso mancano di strumenti imprenditoriali concreti: non conoscono bene le metriche di prodotto e incontrano due generi di problemi. Non tengono nel dovuto conto quanto sia importante a validare l’offerta prima di investire risorse e, a causa di certe carenze di know-how, sono poco disposti a “cambiare idea” se qualcosa non funziona. Un esempio: una piattaforma di booking è, di per sé, sicuramente una buona idea imprenditoriale in campo musicale; ma verificare che gli utenti siano disposti a pagare ciò che si intende proporre, che il modello sia compreso o che l’eventuale frizione tra domanda e offerta sia poi gestibile è una fase cruciale.

Raramente questi fondatori concepiscono il ‘pivot’ come un’opzione naturale, anzi: accade più spesso che a quel punto rinuncino. Eppure un pivot non equivale a un fallimento, semmai è un’iterazione intelligente. Di nuovo: dove non c’è capitale di rischio, l’ansia di sbagliare blocca la sperimentazione. Gli startupper si concentrano solo su ciò che “possono permettersi” e temono il fallimento di un’idea perché significherebbe “aver sprecato tutto”; evitano il rischio, proprio quando il rischio serve per crescere.

Trattare la musica più come arte o vocazione che non come terreno per un’innovazione metodica fa sì che molte startup munite di ottime idee e intuizioni non evolvano. Servirebbe maggiore formazione imprenditoriale nei contesti musicali; sarebbe auspicabile più contaminazione tra chi fa musica e chi fa startup; e si avverte la carenza di un buon numero di investitori e mentori con esperienza in questo incrocio.

Una filiera musicale disarticolata

Chi opera nell’industria musicale a stretto contatto con realtà e settori diversi è abituato a pronunciare o ad ascoltare la frase: “la musica, in Italia, è un mondo a sé”. E’ vero o è un alibi? Entrambe le cose. E’ conclamato che unità e senso di appartenenza non siano le maggiori virtù della filiera musicale nostrana: la comunicazione tra artisti, discografici, operatori del settore live ed editori è frammentaria e, spesso, caratterizzata da inutili divisioni (basti ricordare la folla di rappresentanti alle trattative col governo ai tempi dei sussidi per il covid). Dunque pensare che possano comunicare in modo fluido con gli imprenditori tecnologici e gli sviluppatori, che abitano un altro pianeta, rasenta l’utopia. E così le opportunità di co-progettazione o contaminazione sono rare e manca un “mercato di test” cooperativo che una startup possa frequentare per sperimentare con un’etichetta, una scuola di musica, un promoter. Non che non accada mai; però gli episodi sono una cosa, ben altro è un vero ecosistema. E’ anche in questo modo che le startup musicali finiscono ai margini dell’industria tradizionale.

Marketing e creatività: due sport diversi

Si invoca spesso una maggiore contaminazione tra mondi differenti: tanti progetti nascono da musicisti, tecnologi o creativi con poca esperienza imprenditoriale - viceversa, chi ha effettive competenze di business spesso non conosce le dinamiche dell’industria musicale. 
Si avverte, dunque, la mancanza di una ‘mentorship’ diffusa e specializzata, il cui effetto consisterebbe nel diffondere una discreta formazione imprenditoriale.

Privi di un vero ecosistema, gli startupper musicali scontano la debolezza nel cosiddetto “go-to-market”: nonostante molte nuove aziende italiane abbiano buone idee, non dispongono di chiare strategie di marketing e faticano a definire con precisione il problema reale che si prefiggono di risolvere.

La creatività non basta se non si accompagna a una cultura del test, del dato, del pivot.

L’accesso a dataset significativi consente di condividere metriche di settore importanti come conversioni, retention, dinamiche di prezzo e di partecipare a comunità di startup o incubatori verticali che aiutano a imparare dagli altri. Parametri come il Customer Lifetime Value (CLTV), che esprimono il valore totale che un cliente porta a un'azienda nell’arco del tempo in cui continuerà a usare il suo prodotto o servizio, sono fondamentali nella comprensione di quanto si può spendere per acquisirlo, quanto conviene che la fidelizzazione prevalga sulle vendite una tantum, quali clienti sono più preziosi (segmentazione) e, in ultima analisi, se un modello di business è sostenibile nel lungo periodo.

In una fase “early stage” la rapidità dei feedback è essenziale per validare i test, incrementare l’apprendimento e apportare modifiche e miglioramenti. In Italia questo accade di rado e il riscontro dal mercato arriva tardi, lentamente e in modo disomogeneo.

In mancanza di confronto, ogni errore sembra isolato. E ogni successo sembra casuale.

Denaro, visione e industria

Dunque: storie di musica e impresa spesso straordinarie ancora più spesso, non ce la fanno nemmeno a partire davvero. Perché?

Le startup italiane nella musica, e nella cultura più in generale, non mancano decisamente di idee, creatività o passione, ma dove spesso inciampano è nella mancanza di connessioni abilitanti e strutturate tra tre elementi chiave: il capitale (denaro), la visione (strategia) e il sistema (l’industria, le reti, le policy).

Il risultato è un cortocircuito: la cultura innova, ma non scala. E un Paese ricco di talento rischia di perdere opportunità decisive perché le startup culturali soffrono di isolamento sistemico. Manca un ecosistema che faccia dialogare in modo fluido e continuativo l’energia creativa, il capitale privato e i player istituzionali; un sistema che sappia finanziare e integrare l’innovazione culturale. Senza queste connessioni abilitanti, l’innovazione culturale resta artigianale, fragile, spesso invisibile e molte iniziative brillanti rimangono condannate alla marginalità, all’isolamento o a precoci interruzioni.

Come parte attiva dell’industria musicale e come rappresentanti centrali del sistema dei media che le ruota intorno, proveremo a fare la nostra parte fin dai prossimi giorni. Il nostro ruolo ci consente di diffondere la consapevolezza del problema e la presenza dell’opportunità che le startup musicali italiane rappresentano, di offrire un’esposizione significativa ai loro fondatori e di attivare connessioni tra mondi diversi per i quali rappresentiamo un punto di informazione comune. E questo ruolo utilizzeremo fin dai prossimi giorni con una call to action dedicata.

Music startups: la distanza tra idea, mercato e capitale

La cultura e l’infrastruttura adatte che in Italia stentano ad affermarsi

Alessandra Amoroso ha rinnovato l’accordo che la lega discograficamente a Sony Music Italy: a darne annuncio è stata la stessa filiale italiana della major guidata da Andrea Rosi per mezzo di un post sui propri canali social ufficiali.

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 <div style="padding:16px;"> <a href="https://www.instagram.com/epicrecordsitaly/p/DJRGfb_KyMB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style=" background:#FFFFFF; line-height:0; padding:0 0; text-align:center; text-decoration:none; width:100%;" target="_blank"> <div style=" display: flex; flex-direction: row; align-items: center;"> <div style="background-color: #F4F4F4; border-radius: 50%; flex-grow: 0; height: 40px; margin-right: 14px; width: 40px;"></div> <div style="display: flex; flex-direction: column; flex-grow: 1; justify-content: center;"> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; margin-bottom: 6px; width: 100px;"></div> <div style=" background-color: #F4F4F4; border-radius: 4px; flex-grow: 0; height: 14px; width: 60px;"></div></div></div><div style="padding: 19% 0;"></div> <div style="display:block; height:50px; margin:0 auto 12px; width:50px;"><svg width="50px" height="50px" viewBox="0 0 60 60" version="1.1" xmlns="https://www.w3.org/2000/svg" xmlns:xlink="https://www.w3.org/1999/xlink"><g stroke="none" stroke-width="1" fill="none" fill-rule="evenodd"><g transform="translate(-511.000000, -20.000000)" fill="#000000"><g><path d="M556.869,30.41 C554.814,30.41 553.148,32.076 553.148,34.131 C553.148,36.186 554.814,37.852 556.869,37.852 C558.924,37.852 560.59,36.186 560.59,34.131 C560.59,32.076 558.924,30.41 556.869,30.41 M541,60.657 C535.114,60.657 530.342,55.887 530.342,50 C530.342,44.114 535.114,39.342 541,39.342 C546.887,39.342 551.658,44.114 551.658,50 C551.658,55.887 546.887,60.657 541,60.657 M541,33.886 C532.1,33.886 524.886,41.1 524.886,50 C524.886,58.899 532.1,66.113 541,66.113 C549.9,66.113 557.115,58.899 557.115,50 C557.115,41.1 549.9,33.886 541,33.886 M565.378,62.101 C565.244,65.022 564.756,66.606 564.346,67.663 C563.803,69.06 563.154,70.057 562.106,71.106 C561.058,72.155 560.06,72.803 558.662,73.347 C557.607,73.757 556.021,74.244 553.102,74.378 C549.944,74.521 548.997,74.552 541,74.552 C533.003,74.552 532.056,74.521 528.898,74.378 C525.979,74.244 524.393,73.757 523.338,73.347 C521.94,72.803 520.942,72.155 519.894,71.106 C518.846,70.057 518.197,69.06 517.654,67.663 C517.244,66.606 516.755,65.022 516.623,62.101 C516.479,58.943 516.448,57.996 516.448,50 C516.448,42.003 516.479,41.056 516.623,37.899 C516.755,34.978 517.244,33.391 517.654,32.338 C518.197,30.938 518.846,29.942 519.894,28.894 C520.942,27.846 521.94,27.196 523.338,26.654 C524.393,26.244 525.979,25.756 528.898,25.623 C532.057,25.479 533.004,25.448 541,25.448 C548.997,25.448 549.943,25.479 553.102,25.623 C556.021,25.756 557.607,26.244 558.662,26.654 C560.06,27.196 561.058,27.846 562.106,28.894 C563.154,29.942 563.803,30.938 564.346,32.338 C564.756,33.391 565.244,34.978 565.378,37.899 C565.522,41.056 565.552,42.003 565.552,50 C565.552,57.996 565.522,58.943 565.378,62.101 M570.82,37.631 C570.674,34.438 570.167,32.258 569.425,30.349 C568.659,28.377 567.633,26.702 565.965,25.035 C564.297,23.368 562.623,22.342 560.652,21.575 C558.743,20.834 556.562,20.326 553.369,20.18 C550.169,20.033 549.148,20 541,20 C532.853,20 531.831,20.033 528.631,20.18 C525.438,20.326 523.257,20.834 521.349,21.575 C519.376,22.342 517.703,23.368 516.035,25.035 C514.368,26.702 513.342,28.377 512.574,30.349 C511.834,32.258 511.326,34.438 511.181,37.631 C511.035,40.831 511,41.851 511,50 C511,58.147 511.035,59.17 511.181,62.369 C511.326,65.562 511.834,67.743 512.574,69.651 C513.342,71.625 514.368,73.296 516.035,74.965 C517.703,76.634 519.376,77.658 521.349,78.425 C523.257,79.167 525.438,79.673 528.631,79.82 C531.831,79.965 532.853,80.001 541,80.001 C549.148,80.001 550.169,79.965 553.369,79.82 C556.562,79.673 558.743,79.167 560.652,78.425 C562.623,77.658 564.297,76.634 565.965,74.965 C567.633,73.296 568.659,71.625 569.425,69.651 C570.167,67.743 570.674,65.562 570.82,62.369 C570.966,59.17 571,58.147 571,50 C571,41.851 570.966,40.831 570.82,37.631"></path></g></g></g></svg></div><div style="padding-top: 8px;"> <div style=" color:#3897f0; 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“Da 16 anni al tuo fianco, felici di continuare questo percorso insieme”, ha fatto sapere il team di Epic Records, uno dei marchi frontline del gruppo.

Alessandra Amoroso ha debuttato discograficamente nel 2009 con l’album “Senza nuvole”, pubblicato da Sony Music / Dischi Ricordi: con la chiusura di Ricordi da parte di Sony Music, l’artista è passata a pubblicare - sempre per il gruppo - per Columbia, altra sub-label di Sony Music, che ha spedito sui mercati il settimo, ultimo disco della cantante, “10, io, noi” del 2019.

Alessandra Amoroso

Sony Music Italy, rinnovato il contratto con Alessandra Amoroso

Dopo 16 anni di collaborazione

Secondo i dati registrati dal più popolare servizio di streaming musica a livello internazionale, “Volevo essere un duro” di Lucio Corsi è la seconda canzone più ascoltata sulla piattaforma tra quelle in gara alla prossima edizione dell’Eurovision Song Contest, con oltre 6 milioni di ascolti solo nell’ultimo mese. Primo per ascolti nel nostro Paese, il brano è apprezzato anche all’estero, e in particolar modo in Germania e nel Regno Unito, rispettivamente secondo e terzo Paese per numero di ascolti dopo l’Italia.

La hit di Gabry Ponte, “Tutta L’Italia”, in gara per San Marino, risulta essere la seconda canzone più ascoltata in Italia, ma anche in Svizzera, dove l’Eurovision Song Contest avrà luogo, a Basilea.

A completare la top five degli ascolti italiani ci sono Tommy Cash con “Espresso Macchiato” al terzo posto, seguito da “Bara Bada Bastu” dei KAJ e “Lighter”, brano del norvegese Kyle Alessandro.

In vista delle semifinali che inizieranno la prossima settimana, “Bara Bada Bastu” del trio finlandese (ma in gara per la Svezia) KAJ si conferma essere la canzone in gara più ascoltata sulla piattaforma, con oltre 13 milioni di ascolti registrati solo nell’ultimo mese. Dopo il brano di Lucio Corsi, al terzo posto viene “C'est La Vie”, portata al Festival da Claude, in rappresentanza dei Paesi Bassi. A completare la top five ci sono il brano di San Marino “Tutta L'Italia” di Gabry Ponte al quarto posto e al quinto l’estone Tommy Cash con la sua “Espresso Macchiato”.

Per Spotify “Eurovision si conferma essere uno dei momenti culturali più importanti, in Europa, in termini di valorizzazione dei talenti e di supporto agli artisti nella loro crescita a livello globale. Lo dimostra anche l’andamento degli ascolti del più recente vincitore: nel corso dell’anno seguito al trionfo all’Eurovision Song Contest 2024, con la sua ‘The Code’, Nemo ha visto la propria carriera decollare, con ascolti che su Spotify sono cresciuti di oltre il 1700%. Un successo capace di valicare i confini dell’Europa: considerando gli ascolti dal 2011, i dati di Spotify mostrano come Eurovision abbia contribuito significativamente a far conoscere al di fuori del perimetro europeo i talenti del continente. In media, i passati vincitori dell’Eurovision Song Contest hanno visto aumentare i propri ascolti sulla piattaforma di più del 1500% nell’anno successivo alla propria partecipazione alla manifestazione, arrivando a casi eclatanti come quello della concorrente austriaca Conchita Wurst, che ha vinto l’Eurovision nel 2014 con ‘Rise Like a Phoenix’, per esempio, i cui ascolti sono cresciuti di oltre il 6000% nel corso dei 12 mesi successivi”.

Eurovision Song Contest 2025, gli ascolti pre-gara su Spotify

Bene (sia a livello nazionale che internazionale) Lucio Corsi e Gabry Ponte

BMG Italy ha annunciato l’ingresso nel proprio roster di Caparezza: l’artista - che a oggi vanta otto album di studio (oltre ai due pubblicati a inizio carriera con un altro nome d’arte), l’ultimo dei quali, “Exuvia”, uscito nel 2021 per Universal Music - è attualmente impegnato in studio nelle session di lavorazione di nuovo materiale.

“Siamo entusiasti di avere firmato il prossimo disco di Caparezza”, ha commentato Dino Stewart, Managing Director di BMG Italy: “Michele rappresenta uno dei pensieri più liberi, profondi e originali della musica italiana, e siamo fieri di accoglierlo nella nostra casa che abbiamo costruito sin dalla sua nascita mettendo al centro gli artisti e il loro universo creativo. Il suo ingresso in BMG è un traguardo che conferma la spinta potente verso il futuro che vogliamo continuare a scrivere insieme”.

I dettagli del nuovo disco, al momento, non sono ancora stati resi noti. “L’originalità del suo lavoro artistico è motivo di orgoglio per BMG, pronta a lavorare con impegno ed entusiasmo al prossimo lavoro dell’artista, il nono album della sua carriera”, ha fatto sapere - in una nota ufficiale - la label.

Caparezza ha pubblicato per Extra il suo album di debutto, “?!”, del 2000, e la sua seconda prova sulla lunga distanza, “Verità supposte” del 2003, per poi passare a EMI, che ha curato la pubblicazione di “Habemus Capa” (2006) e “Le dimensioni del mio caos” (2008): la carriera dell’artista è proseguita con Universal Music, che ha curato l’uscita di “Il sogno eretico” (2011), “Museica” (2014), “Prisoner 709” (2017) ed “Exuvia” (2021), quest’ultimo spedito sul mercato attraverso la controllata Polydor.

Caparezza

BMG Italy, Caparezza entra nel roster

L’artista pugliese in studio per registrare nuova musica

Sperlari, storica azienda dolciaria fondata a Cremona nel 1836 oggi di proprietà del gruppo tedesco Katjes International, ha annunciato una collaborazione con Mina in occasione dell’anniversario per i 190 anni di attività del marchio: il sodalizio prevede la pubblicazione di un brano inedito cantato dall’artista, che sarà reso disponibile sul sito di Sperlari a partire dall’ultima settimana di maggio.

“Due simboli della città di Cremona si incontrano: Sperlari, icona della dolcezza in Italia e nel mondo e Mina, una delle voci più belle di sempre”, ha spiegato l’azienda: “Insieme danno vita a una collaborazione inedita, che segna il rilancio del marchio con un’identità rinnovata a partire da una canzone scritta ed interpretata in esclusiva per il brand. Il Gruppo Sperlari, con i suoi quasi 190 anni di storia, si propone come custode della tradizione dolciaria italiana, un ponte tra passato e futuro, in grado di creare un valore duraturo e autentico. La storia e la cultura del territorio italiano rappresentano non solo la base, ma anche l’ispirazione per la continua evoluzione di Sperlari”.

“Mina, una voce senza tempo, che da oltre sessant’anni accompagna la memoria collettiva italiana”, prosegue Sperlari: “Mina è un’icona trasversale, amatissima da generazioni diverse, capace di reinventarsi pur restando sempre fedele alla sua essenza. Il suo legame con Cremona è profondo, così come quello con la musica che emoziona, che resta, che attraversa epoche e linguaggi. La sua presenza in questo progetto non è solo artistica, ma profondamente simbolica: rappresenta quella stessa capacità di attraversare il tempo e di emozionare che oggi definisce anche il nuovo volto di Sperlari”.

La collaborazione prenderà forma attraverso la campagna “Storie dolci, più la tua”, “guidata da una narrazione che valorizza il legame profondo tra Sperlari e le emozioni legate alla condivisione, al gusto, ai ricordi”. La canzone interpretata da Mina accompagna due creatività: una focalizzata sul mondo caramelle in partenza a fine maggio, l’altra legata ai prodotti di Natale (torrone e torroncini), che saranno al centro di una seconda fase di comunicazione a partire da novembre.

Sempre nell’ambito della campagna, Sperlari ha aperto - tra il 7 e l’11 maggio - un temporary store in Piazza Gae Aulenti, a Milano. Presso lo spazio - “pensato per coinvolgere il pubblico in un’esperienza immersiva” - saranno presenti una jukebox candy machine, un Sensorial Game dedicato agli aromi, un photo booth e un’esposizione esclusiva dei prodotti Sperlari e sarà possibile ascoltare in anteprima la nuova canzone di Mina per Sperlari.

Mina

Mina, una collaborazione con Sperlari

Per il rebranding della storica azienda dolciaria cremonese

Nel corso della settimana dal 2 maggio 2025 al 8 maggio 2025, la Top Album FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF ha mostrato un cambiamento significativo nelle prime posizioni. In vetta si è piazzato&nbsp;l'album PINK FLOYD AT POMPEII - MCMLXXII dei PINK FLOYD, che debutta direttamente al vertice della classifica. Scende così in seconda posizione SANTANA MONEY GANG di SFERA EBBASTA &amp; SHIVA, che nella settimana precedente occupava la posizione numero uno. In terza posizione si conferma MI AMI MI ODI di ELODIE.

Oltre a quella già citata, nelle prime dieci posizioni della classifica le nuove entrate sono:

<ul>
	<li>METALLO E CARNE di MOSTRO, che debutta in settima posizione.</li>
</ul>

Nella Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 2 maggio 2025 al 8 maggio 2025, si registra una conferma nelle prime tre posizioni. In prima posizione si mantiene stabile NEON di SFERA EBBASTA &amp; SHIVA, seguito in seconda posizione da BALORDA NOSTALGIA di OLLY, anch’esso stabile. In terza posizione si conferma INCOSCIENTI GIOVANI di ACHILLE LAURO, che mantiene la stessa posizione rispetto alla settimana precedente.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche, novità 8 maggio: i Pink Floyd subito al primo posto

'Pink Floyd at Pompeii - MCMLXXII' è l'album più ascoltato della settimana

Warner Music Group ha pubblicato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751744/warner-music-risultati-finanziari-primo-trimestre-2025-ricavi-giu-1">i risultati del secondo trimestre fiscale 2025</a> (chiuso il 31 marzo) e la stampa finanziaria si è concentrata soprattutto su un dato: l’utile netto è calato del 63% su base annua, da 96 a 36 milioni di dollari. In parallelo, i ricavi sono rimasti praticamente fermi: 1,484 miliardi di dollari, in leggero calo rispetto allo stesso periodo dell’anno precedente. Con ricavi stagnanti e utile netto in calo, a prima vista il secondo trimestre 2025 di WMG può apparire opaco. Tanto più se si considera che per una major la quota di mercato è un parametro chiave, a maggior ragione quando è quotata ed è "schiava"&nbsp;della trimestrale. Ma, si legge tra le ultime righe del bilancio (<a href="https://www.wmg.com/news/warner-music-group-corp-reports-results-for-fiscal-second-quarterended-march-31-2025" target="_blank">qui il comunicato ufficiale di WMG</a>), OIBDA e reddito operativo crescono. Cosa vuol dire? Perché potrebbe essere un buon segnale?

I numeri

Partiamo dalla fotografia generale. I ricavi totali sono stabili, con una leggera crescita nel publishing (+1%) e un lieve calo nella musica registrata (–1%). I ricavi digitali, che rappresentano oltre il 69% del totale, sono rimasti invariati rispetto all’anno precedente. Intanto il reddito operativo (Operating Income) è aumentato del 41% anno su anno, salendo a 168 milioni, e l’OIBDA (utile operativo prima di ammortamenti e svalutazioni) ha toccato quota 303 milioni, in lieve flessione, ma solido. Infine, la major ha prodotto più cash rispetto al periodo precedente.

A fronte di una stabilità dei ricavi, la marginalità operativa è migliorata. L’OIBDA è una metrica che esclude i costi “non cash” — come ammortamenti e svalutazioni — e misura l’efficienza del motore aziendale, ossia l’andamento della gestione ordinaria. Il fatto che OIBDA e Operating Income crescano (o restino stabili) mentre l’utile netto cala significa che Warner ha <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742282/warner-music-group-trimestre-da-record-con-tagli-in-arrivo">operato tagli</a> o ristrutturazioni che pesano oggi sul conto economico, ma non intaccano la performance industriale di fondo. Warner Music, dopo tutto, è una music company “asset-heavy” sul fronte intellettuale, cioè basa gran parte del suo valore su diritti di registrazioni sonore (musica registrata), diritti editoriali (publishing) e avviamento (goodwill) più altri intangibili acquisiti (marchi, contratti artisti, cataloghi). Tutti questi generano ammortamenti o svalutazioni contabili.

Ammortamenti e svalutazioni: un necessario deep dive contabile

Warner Music Group, come le altre major, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749933/warner-music-spinge-sulle-acquisizioni">investe regolarmente</a> nell’acquisizione di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749853/tempo-music-a-warner-music-la-quota-di-maggioranza">cataloghi di artisti</a> (es. master rights, publishing), contratti discografici (advance fees agli artisti), <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750124/warner-music-completata-l-acquisizione-di-africori">diritti di licenza</a> territoriali o multi-territoriali, etichette indipendenti, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750780/warner-music-ada-acquisisce-la-startup-rsdlio">società di servizi</a> o publisher. Ogni volta che paga una somma per acquisire un bene intangibile, questo va iscritto in bilancio tra le “attività immateriali a vita definita” e viene poi ammortizzato in base alla durata contrattuale prevista (es. 10 anni). Quindi se WMG ha effettuato più acquisizioni di cataloghi o diritti rispetto all’anno fiscale precedente, il bilancio denoterà un aumento degli ammortamenti relativi.&nbsp;

La major va poi incontro ad ammortamenti di capitalizzazioni (spese A&amp;R capitalizzate). Si capitalizzano spese legate ad anticipi agli artisti (advance payments), a costi di registrazione e produzione e a sviluppo di progetti editoriali. Questi sono iscritti come asset e ammortizzati su base lineare o secondo un modello “per unità di produzione” (es. in base ai ricavi che il progetto genera). Significa che se una label anticipa più denaro agli artisti nel 2024, nel 2025 l’ammortamento A&amp;R sarà maggiore, anche se i ricavi non aumentano ancora.&nbsp;

C’è poi l’ammortamento di asset tecnologici e infrastrutturali: si investe in sistemi digitali di licenza, analisi e distribuzione, strumenti proprietari per sync, dati e royalty tracking, data center, sedi, impianti (meno rilevanti ma presenti). Si tratta di immobilizzazioni materiali e immateriali, e vengono ammortizzate secondo i principi contabili (es. 3–5 anni per software, 10–15 anni per immobili o impianti). Se ci sono stati upgrade tecnologici o consolidamenti, anche qui gli ammortamenti salgono.

Infine, le svalutazioni straordinarie. Poniamo che l’etichetta valuti che un asset immateriale (es. un catalogo acquisito anni prima) non genera più i flussi di cassa attesi — ad esempio perché l’artista è scomparso dalle classifiche o è scaduto un contratto importante: in quel caso può registrare un “impairment”, che è diverso dagli ammortamenti ricorrenti, ma è una voce una tantum che abbatte direttamente l’utile operativo. Esempi? La svalutazione di un marchio, etichetta o segmento geografico o quella di un avviamento di operazioni di M&amp;A precedenti. Gli “impairment” possono spiegare perché il reddito operativo cali anche se l’OIBDA migliora (dato che l’OIBDA arriva “prima” delle svalutazioni). Nel caso specifico di WMG (Q2 2025) si osserva:

<ul>
	<li>OIBDA: $303M (↓3%)</li>
	<li>
	Reddito operativo: $168M (↑41%) rispetto all’anno precedente
	</li>
</ul>

In sintesi, ciò che può fare aumentare gli ammortamenti in una label è un combinato disposto di:

<ol>
	<li>Maggiore acquisizione di cataloghi e diritti artistici</li>
	<li>Più anticipo artistico e A&amp;R capitalizzato</li>
	<li>Investimenti tecnologici e software interni</li>
	<li>Svalutazioni contabili (impairment) su asset editoriali o goodwill</li>
</ol>

In pratica l’azienda ha migliorato la sua performance operativa “core” (ricavi meno costi ricorrenti), cioè è più efficiente o ha generato più margine lordo (OIBDA), ma ha registrato più ammortamenti o svalutazioni (che incidono sul reddito operativo): quando l’OIBDA sale ma l’Operating Income scende, l’azienda sta operando meglio nella gestione corrente, ma sta registrando più costi “contabili” (ammortamenti o svalutazioni), che potrebbero derivare da investimenti passati o da rettifiche sul valore degli asset.&nbsp;

Conclusioni

Nel primo trimestre 2025 Warner ha registrato svalutazioni per 27 milioni di dollari legate a costi di licenziamento per un piano di ristrutturazione strategica, a dismissione di uffici e a svalutazioni di asset audiovisivi. Oneri straordinari che hanno pesato sull’utile netto ma non hanno intaccato l’OIBDA. La logica di operazioni del genere è concentrarsi in un’azione mirata, tagliare le inefficienze e liberare risorse da reinvestire. Un segnale, insomma, che il gruppo sta cercando maggiore agilità.

In parallelo, Warner – come tutte le major - ha effettuato varie acquisizioni rilevanti negli ultimi mesi (ad esempio <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749853/tempo-music-a-warner-music-la-quota-di-maggioranza">una partecipazione di controllo in Tempo Music</a>, piattaforma di investimento con diritti su artisti come Bruno Mars, Twenty One Pilots, Adele e Wiz Khalifa; o il catalogo completo di DWA Records e Extravaganza in Italia, con hit internazionali come "The Rhythm of the Night" di Corona). Queste operazioni non aumentano i ricavi immediatamente, ma accrescono il valore degli asset e la capacità futura di generare flussi. Naturalmente, generano anche ammortamenti: i costi d’acquisto dei diritti vengono spalmati nel tempo. Questo determina un calo di utile a bilancio, ma rappresenta un investimento strategico di medio-lungo periodo.

Cosa suggeriscono questi numeri? Che WMG sta riposizionando la macchina: snellisce, investe, ottimizza. La crescita dell’Operating Income indica che le attività core — marketing, distribuzione, vendite digitali — sono in miglioramento, anche a parità di fatturato. L’OIBDA elevato indica che il business è redditizio prima delle spese contabili, e il calo dell’utile netto può essere letto più come effetto transitorio che come segnale di debolezza. Nei prossimi trimestri cominceranno a manifestarsi i risparmi generati dai tagli (licenziamenti e uffici), i ricavi aggiuntivi generati dalle acquisizioni (in particolare nel sync e nelle royalties).

Insomma, in un’industria dove spesso si guardano solo i ricavi e le hit in classifica, i conti sono in grado non solo di fotografare un’istantanea del momento (tutt’altro che trascurabile: è così che funziona), ma anche di raccontare una strategia. Il lungo termine dirà se quella di Robert Kyncl farà la differenza.

Warner Music Group: leggere tra le righe del bilancio

Ricavi costanti, utile in calo, reddito operativo in boom: che significa?

La vicenda giudiziaria giunta ormai al termine del suo iter ha inizio nel 2013, con la pubblicazione dell'album "Guerra e Pace" di Fabri Fibra. Il brano "A me di te", in cui Fibra sbeffeggia una serie di personaggi più o meno immaginari, ha un intento&nbsp;satirico, come è evidente anche dal ritornello che recita in maniera esplicita "Ti finisco, finché sei sul mio disco /&nbsp;È solo un gioco, ma in pochi lo capiscono". E puntualmente, in effetti, qualcuno non capisce: nello specifico Valerio Scanu, che ritiene di essere il destinatario della rima "Vento in poppa, come un veliero / Vengo in bocca, come a Valerio /&nbsp;Che in verità è una donna". Querelato per diffamazione insieme alla sua allora etichetta, Universal, il rapper era stato condannato, e successivamente citato in sede civile per il risarcimento dei danni.&nbsp;

In questa sede (civile, lo ribadiamo, mentre la diffamazione è un reato penale) in&nbsp;primo grado era stato condannato a versare 25.000 euro, aumentati a 70.000 in appello. Ai tempi della sentenza d'appello, riportano diverse fonti giornalistiche, la sentenza era stata motivata dai seguenti criteri: "“L’attribuzione di un fatto determinato, e conseguente maggiore credibilità, indipendentemente dal suo effettivo accadimento; la risonanza mediatica, provata dal&nbsp;riconoscimento del disco di platino&nbsp;ricevuto dal disco in cui era stato inserito il brano. Oltre all’elevata notorietà del diffamante, che aveva favorito la diffusione del contenuto anche attraverso i social media;&nbsp;l’elevato pregiudizio derivato al diffamato dalle “modalità degradate”&nbsp;con cui è stato descritto nel testo, con la conseguente attribuzione degli&nbsp;epiteti scurrili contenuti nei messaggi dei fan di Tarducci&nbsp;prodotti in giudizio; la particolare intensità del dolo desunta dai termini utilizzati e dalla circostanziata descrizione dell’episodio”.

La Corte di Cassazione ha confermato ora il verdetto emesso in appello, confermando quindi anche&nbsp;il maxi risarcimento da 70.000 euro da versare a Scanu. In attesa di ulteriori commenti da parte delle parti in causa, però, è interessante notare come negli USA (un territorio ben più avvezzo al concetto di dissing rispetto al nostro, e abituato a dissing ben più infamanti rispetto a quelli del rap nostrano) quasi nessuno ha mai sporto querela per diffamazione dopo essere stato citato in un testo rap. Basta dare un occhio alla carriera di Eminem, che ha massacrato verbalmente chiunque nelle sue canzoni, dalle Spice Girls a Elton John, eppure a livello legale non ha mai avuto problemi: o meglio,&nbsp;è stato querelato solo da persone a lui molto vicine come la madre, l'ex moglie e un ex compagno di scuola, per aver svelato nelle canzoni fatti privati del loro passato, dandone una rappresentazione negativa.

Anche in un caso più recente, ovvero <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749341/drake-ritira-causa-contro-umg-spotify-kendrick-lamar">la citazione in giudizio di Kendrick Lamar</a> da parte del rivale Drake, dissato all'interno della hit planetaria&nbsp;"Not Like Us" (in cui si insinua addirittura che sia un pedofilo), per il momento i tribunali non sembrano molto inclini a prendere le parti di Drake, né lo è l'industria discografica. Nella legislazione USA di solito prevale sempre il principio della libertà di espressione, nel bene e nel male: non necessariamente è giusto che sia così, e non necessariamente è un principio che dovrebbe essere applicato anche in Italia,&nbsp;ma è sicuramente importante sottolineare che quando è un giudice a dover stabilire il significato di una metafora o a dover fare la parafrasi di una strofa, è sempre un fallimento per tutti.

&nbsp;

Valerio Scanu vs Fabri Fibra: il verdetto della Cassazione

Confermato il risarcimento da 70.000 euro comminato a Fibra: Scanu aveva querelato per diffamazione

Descritta dai suoi creatori come&nbsp;"una piattaforma digitale che permette agli artisti di vendere musica e contenuti esclusivi direttamente ai propri fan, prima che vengano distribuiti su altri canali", la startup Heartist è basata - come ha spiegato a Rockol MusicBiz il fondatore Alberto Marenco (nella foto) -&nbsp;"un modello innovativo che valorizza il legame artista-fan e offre nuove opportunità di monetizzazione attraverso prodotti digitali in anteprima ed esperienze personalizzate".&nbsp;"Non è un’alternativa allo streaming", ha precisato Marenco,&nbsp;"ma un’integrazione che mette al centro la community e il valore culturale della musica".

A che profilo di artista si rivolge, tendenzialmente, Heartist? Cosa vi ha guidato nel selezionare e mettere sotto contratto i primi artisti partner?

In questa prima fase ci stiamo concentrando su artisti indipendenti che abbiano una fanbase attiva e un forte controllo creativo sul proprio progetto. Questo ci consente di lavorare con chi è pronto a sperimentare modelli di distribuzione e monetizzazione più diretti, senza vincoli contrattuali troppo stringenti. La selezione dei primi artisti partner è avvenuta con grande cura, privilegiando chi ha una visione chiara, un’identità forte e soprattutto un dialogo autentico con il proprio pubblico. Heartist nasce per dare potere agli artisti: non cerchiamo "catalogo", ma storie, personalità e comunità vive.

Qual è il razionale che ha definito il vostro modello di business?

Abbiamo costruito un modello centrato sui prodotti digitali, venduti in anteprima ed esclusiva&nbsp;ai fan più affezionati. Ci rivolgiamo in particolare al segmento dei superfan, persone disposte a supportare economicamente un artista in cambio di contenuti speciali, accessi prioritari, esperienze personalizzate. È un modello che restituisce valore alla musica, trasformandola da semplice flusso da ascoltare passivamente a prodotto culturale da collezionare e vivere. I margini sono più equi, la relazione tra artista e fan è più forte, e la sostenibilità economica ne esce rafforzata.

Ritenete che l'approccio artist centric adottato da DSP come Spotify e Deezer possa rivelarsi un vantaggio o uno svantaggio per gli utenti di Heartist?

Crediamo che ogni tentativo di avvicinarsi agli artisti sia positivo, ma la realtà è che i DSP restano strutturalmente concentrati sull'ascolto in massa. Anche con politiche “artist centric”, i ricavi per singolo artista restano bassi e la relazione con il fan è pressoché inesistente. Heartist va in un’altra direzione: qui l’artista ha un controllo totale su cosa pubblicare, quando farlo, a che prezzo e per chi.&nbsp;Non vogliamo competere con lo streaming, ma offrire una finestra in più di monetizzazione: la possibilità di vendere la propria musica in anteprima e in digitale, direttamente ai fan più coinvolti.

Quanti finanziamenti avete raccolto, fino a oggi? Avete un obiettivo per un eventuale prossimo round di finanziamento?

In questa fase stiamo portando avanti una raccolta in modalità bootstrapping, utilizzando lo strumento SAFE (Simple Agreement for Future Equity), molto diffuso nella Silicon Valley, che consente agli angel investor di entrare a condizioni vantaggiose e con grande rapidità. C'è ancora un po' di spazio disponibile, ma abbiamo già ricevuto diverse richieste che stiamo valutando attentamente. Chiusa questa fase, partiremo con un round pre-seed: a giugno avremo un primo incontro con potenziali investitori, organizzato nell’ambito del percorso di accelerazione di MVP Factory promosso da Nana Bianca, che ci ha selezionati lo scorso settembre tra poche startup nel settore entertainment.

Quali sono gli obiettivi nel vostro primo anno di attività?

Il nostro obiettivo principale è lanciare la prima versione della piattaforma a ottobre e arrivare entro fine anno ad avere almeno 20 artisti attivi, di cui due prodotti direttamente da noi sotto il marchio Original Heartist. Con questa linea vogliamo sviluppare non solo la distribuzione, ma anche contenuti originali e proprietari, in grado di valorizzare al massimo il potenziale degli artisti. Siamo a buon punto: il primo artista Original Heartist uscirà con un EP e un documentario esclusivo che produrremo a Los Angeles, dove abbiamo già stabilito connessioni importanti. Heartist è un progetto internazionale fin dalla nascita, e vogliamo dimostrarlo sin da subito.

Come funziona Heartist: parla Alberto Marenco

Un modello centrato sui prodotti digitali, venduti in anteprima ed esclusiva ai superfans

Identificare eventuali pratiche dannose nei confronti del pubblico e istituire nuove normative volte a tutelare i consumatori: questi, in estrema sintesi, gli obiettivi del Dipartimento di Giustizia e della Federal Trade Commission - equivalente statunitense della nostra Autorità Garante della Concorrenza e del Mercato, che hanno ufficialmente avviato un’inchiesta destinata a scandagliare a fondo il comparto della musica dal vivo in quello che, a livello mondiale, rappresenta il primo mercato per il settore.

Dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751019/usa-ticketing-da-trump-un-ordine-esecutivo-contro-le-speculazioni">la firma dell’ordine esecutivo da parte di Donald Trump lo scorso 31 marzo</a>, le due agenzie hanno fatto sapere di essere pronte a collaborare con il Segretario del Tesoro alla stesura di un rapporto congiunto non solo sul secondary ticketing, ma - più in generale - su qualsiasi “condotta o pratica sleale e anticoncorrenziale nel settore dei concerti dal vivo e dell'intrattenimento”.

Allo scorso, Dipartimento di Giustizia e Federal Trade Commission si sono rivolte al pubblico incoraggiando gli appassionati a fornire “suggerimenti che offrano informazioni sugli effetti concorrenziali delle attuali normative e leggi statali e federali nel settore live, compreso il mercato secondario dei biglietti”: il termine per fare pervenire le segnalazioni è stato fissato per il prossimo 6 luglio. L’invito a contattare le istituzioni è stato esteso anche ad “artisti, piccole imprese, associazioni commerciali, analisti del settore e altre entità colpite da pratiche anticoncorrenziali nel settore".

"I mercati competitivi dell'intrattenimento dal vivo dovrebbero offrire valore sia agli artisti che ai fan", ha dichiarato il procuratore generale aggiunto Abigail Slater della divisione antitrust del Dipartimento di Giustizia: "Continueremo a esaminare attentamente questo mercato e a cercare opportunità in cui un'applicazione rigorosa delle leggi antitrust possa portare a una maggiore concorrenza, rendendo i biglietti più accessibili per i fan e offrendo al contempo una compensazione più equa per gli artisti".

"Molti americani hanno la sensazione che i prezzi dell'intrattenimento dal vivo vengano compromessi da bagarini, bot e altre pratiche ingiuste e ingannevoli”, ha aggiunto il presidente della FTC Andrew Ferguson: “Ora le loro voci vengono ascoltate. Il presidente Trump ha inviato un messaggio chiaro: i malintenzionati che sfruttano gli appassionati e distorcono il mercato non saranno tollerati. La FTC è orgogliosa di contribuire a mantenere questa promessa e a ripristinare mercati equi e competitivi che avvantaggiano i cittadini americani".

Questo procedimento si somma a quello - già avviato, ma non ancora entrato nella fase processuale - che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750711/usa-la-causa-antitrust-contro-live-nation-continua">il Dipartimento di Giustizia ha avviato nei confronti di Live Nation e Ticketmaster</a> per sospetto abuso di posizione dominante.

Negli USA la musica dal vivo è finita sotto inchiesta

Il Dipartimento di Giustizia e la Federal Trade Commission avviano un'istruttoria

AssoConcerti ha lanciato un’opportunità per gli appassionati di musica: una nuova grande indagine nazionale sull’impatto economico degli eventi dal vivo, in collaborazione con il Prof. Nicola Salvati, Ordinario di Statistica presso l’Università di Pisa e direttore del Centro Dagum.

L’associazione di categoria che raggruppa i più importanti organizzatori e produttori di musica dal vivo in Italia ha aperto le candidature a intervistatori e intervistatrici “motivati, dinamici e pronti a immergersi nell’atmosfera unica dei festival e i live più attesi dell’estate”. Da Napoli a Firenze, passando per Roma e Milano, i selezionati avranno il compito di interagire con il pubblico e raccogliere preziose testimonianze e dati attraverso questionari sul campo per un’analisi approfondita del valore culturale ed economico degli eventi musicali nel nostro Paese e potranno assistere gratuitamente al concerto.

Per partecipare alla selezione, è necessario compilare il form al seguente link <a href="https://forms.gle/9REdy3yN6Nqqmg2A7">https://forms.gle/9REdy3yN6Nqqmg2A7</a>&nbsp; entro e non oltre il 31 maggio: i candidati - specificano gli organizzatori - “dovranno avere ottime capacità comunicative, predisposizione alle relazioni, conoscenza dell’inglese e, soprattutto, una grande passione per gli spettacoli dal vivo”. "Gli intervistatori - conclude AssoConcerti - potranno vivere l’emozione di tutti i più grandi eventi in programma e parteciperanno ad un progetto di ricerca che analizzi i concerti non solo come manifestazioni artistiche ed esperienze collettive di valore, ma importanti elementi chiave per la crescita economica e culturale locale e nazionale”.

Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748188/ricadute-economiche-concerti-in-italia-studio-dati-milano-music-week">primo studio sulle ricadute economiche dei concerti italiani</a> è stato presentato dall'Università di Pisa in collaborazione con AssoConcerti lo scorso anno: l’indagine è stata condotta in occasione di spettacoli dal vivo di star nazionali e internazionali come - tra le altre - Vasco Rossi, Coldplay, Taylor Swift, David Gilmour e Zucchero, e di festival ospitati da località turistiche come il Lucca Summer Festival o La Prima Estate.

AssoConcerti, biglietti omaggio per volontari: ecco come

Per un ricerca sull’impatto economico dei live in collaborazione con l’Università di Pisa

Uscito nel 1985, “La vita è adesso” - decimo album di studio di Claudio Baglioni - resta ancora oggi uno dei prodotti discografici di maggior successo nella storia della canzone italiana, con oltre 4,5 milioni di copie vendute e 27 settimane in vetta alle classifiche del nostro Paese: il quarantesimo anniversario dalla pubblicazione dell’opera viene celebrata con due iniziative speciali firmate da Sony Music Italy e da Edizioni Curci.

La filiale italiana della major ha reso disponibile in queste ore un doppio vinile in confezione gatefold e 4 formati differenti CD e digitale del titolo, con 11 tracce interamente risuonate e cantate in studio – dal vivo – con nuovi arrangiamenti: nella tracklist è inclusa anche “Il sogno è sempre”, definitivo dalla label “sequel narrativo tra il progetto di allora e l’idea di oggi”.

Questo l’elenco dei brani inclusi:

1) &nbsp; Un nuovo giorno o un giorno nuovo 
2) &nbsp; L’amico e domani 
3) &nbsp; Uomini persi 
4) &nbsp; La vita è adesso 
5) &nbsp; Tutto il calcio minuto per minuto 
6) &nbsp; Andiamo a casa 
7) &nbsp; Amori in corso 
8) &nbsp; E adesso la pubblicità 
9) &nbsp; Un treno per dove 
10) &nbsp; Notte di note, note di notte 
11) &nbsp; Il sogno è sempre

La cover e i booklet della pubblicazione “ripercorrono la narrazione che collega passato, presente e futuro, attraverso il concept e le foto scattate in studio, durante le registrazioni dell’album, dal fotografo di fama internazionale Toni Thorimbert”, che firmò anche la copertina e il corredo fotografico della pubblicazione del 1985.

Sempre per celebrare la ricorrenza Edizioni Curci renderà disponibile, a partire dall’11 giugno, il cofanetto super deluxe a edizione limitata (ad appena mille copie) “La vita è adesso, il sogno è sempre”. Il prodotto comprende tre contenuti speciali, a cominciare dal table book (31,5x31,5 cm) di Emiliano Ponzi, uno dei maggiori artisti visivi contemporanei italiani, in cui le tavole dell’artista - come recitano le note di presentazione - “captano, interpretano e ridisegnano i temi e le intuizioni delle canzoni de ‘La vita è adesso’ trasformando le liriche di Baglioni in immagini di altrettanta straordinaria intensità. Ogni illustrazione è un invito a riscoprire lo spirito dell’album che, intercettando i sogni dell’Italia degli anni Ottanta, giunge ai nostri giorni con la stessa e intatta capacità di parlare ancora al cuore di tutti. Un oggetto da collezione in edizione lusso, in cui le figurazioni di Emiliano Ponzi si accostano a frasi estratte dalle composizioni in un armonico flusso emotivo. La creazione di quadri istantanei che raccontano relazioni, sentimenti, gesti e fatti di vita quotidiana, in bilico tra desideri e ricordi’.

Il cofanetto include inoltre la versione del doppio vinile nero (180 gr), comprensivo di booklet, de “La vita è adesso, il sogno è sempre”, nella nuova edizione con cui Sony Music Italy celebra i 40 anni di questo album, che include una cartolina d’autore, siglata da Claudio Baglioni, “in cui il tratto di Emiliano Ponzi s’intreccia con la firma autografa del cantautore, in una simbolica fusione dei due artisti e della loro arte, uniti in un messaggio di saluto e gratitudine verso il pubblico di ascoltatori”.

Claudio Baglioni

Claudio Baglioni celebrato da Sony Music ed Edizioni Curci

Per i quarant’anni di ‘La vita è adesso’

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Miley Cyrus, Fabio Rovazzi, Kid Cudi, Nada e Alfa.

<h2>More to Lose - Miley Cyrus</h2>

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 <img src="https://images.rockol.it/jvZ11Tzk9BBqfkScxXkerVuXERc=/200x200/smart/rockol-img/release-single/more-to-lose-miley-cyrus-cover-single-ts1746774070.jpg">
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È uscito oggi, venerdì 9 maggio, “More to lose”, il nuovo brano di Miley Cyrus estratto dal nuovo album di inediti “Something beautiful” (Columbia/Sony Music), in uscita il 30 maggio. La popstar aveva presentato&nbsp;in anteprima il nuovo brano durante un esclusivo evento pre-MET GALA curato da Moncler presso Casa Cipriani a New York.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/more-to-lose-miley-cyrus-ctid-204066047">Leggi il testo di "More to Lose" </a>

Nata il 23 novembre 1992, Miley – anche grazie al padre noto musicista - incomincia a interessarsi a questa carriera molto presto, scrivendo le sue canzoni e imparando a cantare. La sua grande occasione avviene però nel 2005 quando entra a far parte del cast di “Hannah Montana” che le permette di farsi conoscere immediatamente al pubblico; nell’ottobre 2006 viene realizzata la colonna sonora del telefilm in cui Miley canta otto canzoni, incluso un duetto tra lei e il padre dal titolo "I... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/miley-cyrus/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Red Flag - Fabio Rovazzi - Sony</h2>

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 <img src="https://images.rockol.it/ez_-fz_iU_0xDrrWY0qx5sdb69I=/200x200/smart/rockol-img/release-single/red-flag-fabio-rovazzi-cover-single-ts1746770501.jpg">
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Fabio Rovazzi pubblica il nuovo singolo intitolato "Red flag", disponibile a partire da venerdì 9 maggio 2025. Il brano è prodotto da ROOM9 e pubblicato sotto l'etichetta Columbia Records/Sony Music Italy. La canzone presenta la collaborazione di Paola Iezzi e Dani Faiv. Come spiegato in un comunicato, Rovazzi utilizza il sarcasmo per esplorare temi attuali legati all'amore.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/red-flag-fabio-vieira-ctid-182179776">Leggi il testo di "Red Flag" </a>

Su YouTube si definisce ironicamente un "noto politico italiano". In realtà, Fabio Rovazzi è una web-star, ovvero un personaggio noto al mondo del web. Classe 1994, da qualche tempo a questa parte Rovazzi sta riscuotendo un grande successo in rete come youtuber, grazie ad una serie di video-parodie alcuni dei quali realizzati insieme ad altri youtubers (Edoardo Mecca, Homyatol, TheShow) che hanno racimolato diverse visualizzazioni sul Tubo. Fedez lo ha voluto al suo fianco nel video di "Non... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/fabio-rovazzi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Neverland - Kid Cudi</h2>

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 <img src="https://images.rockol.it/ybMihxfx-dnT6y-Cdez7s92ooGc=/200x200/smart/rockol-img/release-single/neverland-kid-cudi-cover-single-ts1746774072.jpg">
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Kid Cudi&nbsp;fa il suo ritorno con “Neverland”, il&nbsp;nuovo singolo&nbsp;disponibile dal 9 maggio&nbsp;su tutte le&nbsp;piattaforme digitali. Il brano porta lo stesso titolo del cortometraggio di&nbsp;Kid Cudi, diretto da&nbsp;Ti West&nbsp;e prodotto dalla&nbsp;Monkeypaw Productions, “Neverland”, che farà il suo debutto a giugno al Tribeca Film Festival. Riguardo al nuovo singolo,&nbsp;l'artista&nbsp;ha dichiarato:&nbsp;“Neverland&nbsp;segna l’inizio di un nuovo ed emozionante capitolo per me. Vado molto fiero di questo nuovo sound e non vedo l’ora che i miei fan - nuovi o di vecchia data - possano ascoltarlo. Tra l’album e il cortometraggio che presenterò al Tribeca, questo è solo l’inizio di qualcosa di molto più grande”.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/neverland-kid-cudi-ctid-204280119">Leggi il testo di "Neverland" </a>

Scott Ramon Seguro Mescudi nasce il 30 gennaio 1984 a Cleveland, nell'Ohio. Trascorre una serena infanzia a Shaker Heights, un verdeggiante paesino di provincia. Sua madre, di origini afro-americane, è insegnante di canto; il padre, messicano, è imbianchino. Entrambi avranno una grande influenza su di lui, anche se quella del padre avrà purtroppo un risvolto amaro: l'uomo muore infatti di malattia quando Scott ha solo 11 anni. 
Il ragazzo eredita dalla madre la passione per la musica, e... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/kid-cudi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Bella più Bella - Nada - Santeria</h2>

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Il nuovo album di Nada, intitolato "Nitrito" esce oggi&nbsp; 9 maggio per l'etichetta Santeria e distribuito da Audioglobe. L'album è prodotto da John Parish e rappresenta il primo lavoro inedito dopo cinque anni dal precedente disco, "La paura va via da sé se i pensieri brillano". Nitrito è anticipato dai singoli "Un giorno da regalare"&nbsp;e "Una notte che arriva". In concomitanza con l'uscita dell'album, è stato pubblicato anche il singolo "Bella più Bella", accompagnato da un videoclip. Le registrazioni sono state effettuate negli studi J&amp;J di Bristol, UK. La collaborazione con John Parish prosegue dopo lavori precedenti, tra cui "Tutto l’amore che mi manca" (2004), "E’ un momento difficile tesoro" (2019) e "La paura va via da sé se i pensieri brillano" (2022). La copertina dell'album è realizzata da Iacopo Gradassi.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/bella-piu-bella-nada-ctid-204385987">Leggi il testo di "Bella più Bella" </a>

Nata a Livorno nel 1953, Nada debutta al Festival di Sanremo 1969, appena quindicenne, con “Ma che freddo fa”, il suo primo successo. L’anno seguente è la volta di “Pa’ diglielo a ma’”, ancora a Sanremo, e di “Che male fa la gelosia”, presentata a Canzonissima ’70. Seguono “Il cuore è uno zingaro”, con cui Nada vince Sanremo 1971, e “Re di denari”, con cui l’anno dopo ottiene il terzo posto al festival. A 18 anni si avvicina alla canzone d’autore iniziando a collaborare con giovani... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/nada/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>A me mi piace - Alfa - Artist First</h2>

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Il 9 maggio 2025 esce il nuovo singolo di Alfa,&nbsp;“A me mi piace”, in collaborazione con Manu Chao, disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali. Questo brano anticipa la pubblicazione della versione deluxe dell'album “NON SO CHI HA CREATO IL MONDO MA SO CHE ERA INNAMORATO”. La nuova edizione dell'album comprenderà cinque canzoni inedite, includendo “A me mi piace”, che rappresenta una collaborazione tra artisti di generazioni diverse. Questa composizione non è una rilettura di “Me Gustas Tu”, ma un'opera originale che ne raccoglie l'eredità emotiva. Il video del singolo è stato girato a Genova, in diverse location significative della città.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/a-me-mi-piace-alfa-ctid-203565945">Leggi il testo di "A me mi piace" </a>

Andrea De Filippi, noto come Alfa, è un cantautore genovese nato nel 2000. Inizia a dedicarsi alla musica già da giovanissimo: dopo i primi studi di chitarra e pianoforte a otto anni, a quindici l'artista inizia a partecipare a concorsi di freestyle. Nel 2018 partecipa ai casting di X Factor ma viene scartato. Inizia a fare numeri sulle piattaforme social e digitali: Si fa notare nel 2019 con "Cin Cin", un singolo che ottiene milioni di stream in Italia e all’estero, e che diventa una... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/alfa/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Miley Cyrus, Fabio Rovazzi, Kid Cudi, Nada e Alfa

Nuovi singoli, le uscite del 9 maggio

Sugar Music ha presentato i nuovi loghi (nelle foto, qui sotto): creata da Cabinet Milano e Nicola Narbone, la nuova identità visiva del gruppo - ha spiegato l’azienda - è stata declinata sia per la divisione discografica della società, Sugar Music, che per quella editoriale del gruppo, Sugar Music Publishing.

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“Ogni stagione ha la sua estetica, un modo di esprimersi che riflette il cambiamento in atto”, ha spiegato&nbsp;in una nota Filippo Sugar, Chairman e CEO di Sugar Music: “Cambiamento è la parola chiave qui in Sugar: sinonimo di apertura mentale e ricerca costante, di percorso più che di arrivo. Dal 1932, è un valore che ci accompagna verso sfide e scoperte che danno senso al nostro lavoro. Siamo felici di presentare la nuova identità visiva e logo del Gruppo Sugar, declinato in bianco per l’etichetta discografica Sugar Music e in blu per la casa editrice Sugar Music Publishing. Un nuovo abito per una nuova stagione, che non vediamo l’ora di vivere insieme”.

Lo studio Cabinet Milano è stato fondato nel 2018 da Rossana Passalacqua (direttrice creativa già titolare di diverse consulenze in ambito editoriale) e Francesco Valtolina (creative director, graphic designer e docente già legato professionalmente a marchi come Pirelli, Memphis Milano, Louis Vuitton, Hermes e Moncler).

Nuovi loghi per Sugar Music

Presentata la nuova identità visiva del gruppo indipendente italiano

Marta Fantin ha annunciato di aver lasciato il team di Dice Italia, dove dal luglio del 2022 ricopriva il ruolo di Director of Partnerships.

“E’ stato un viaggio bellissimo e indimenticabile, pieno di persone fantastiche, a tratti impegnativo (come affrontare una pandemia a soli due mesi dal lancio), ma profondamente gratificante, sia a livello personale che professionale”, ha fatto sapere Fantin sulla propria pagina LinkedIn personale: “Nel corso degli anni, abbiamo costruito qualcosa di cui sono davvero orgogliosa: vedere DICE diventare così popolare, fino a essere un punto di riferimento per la cultura indipendente e l'intrattenimento dal vivo. E’ una cosa incredibilmente commovente. Voglio ringraziare ogni collega, locale, festival, promoter e artista con cui ho lavorato e da cui ho imparato”.

“Ora non vedo l'ora di iniziare il prossimo capitolo, di cui parlerò molto presto”, ha concluso Fantin, lasciando intuire di aver deciso di continuare la propria carriera nel settore.

Laureata in Scienze della Comunicazione all’Università di Bologna, dopo un’esperienza come Web Editor e Social Media Producer a MTV Italy tra il 2008 e il 2009, Fantin è entrata in Attractive prima come Ticketing Manager poi come Head of E-Commerce: dopo essere entrata in DICE Italy nel 2019 come Account Manager, tra il 2021 e il 2022 ha ricoperto il ruolo di Music Lead e Head of Music, per poi essere nominata Director of Partnership.