Top Album FIMI/ NIQ Top of the Music sponsored by SCF

Shiva

Vangelo

Sayf

Santissimo

Drake

ICEMAN

Geolier

Tutto è possibile 

Olly

TUTTA VITA (SEMPRE)

MICHAEL JACKSON

MICHAEL: SONGS FROM THE MOTION PICTURE (O.S.T.)

Flaco G

THE GOLDFATHER

Madame

Disincanto

Kid Yugi

Anche gli eroi muoiono

Bresh

Mediterraneo

Top Singoli FIMI/ NIQ Top of the Music sponsored by SCF

Top Ten UK album (Uk Charts)

Top Ten Radio Airplay

Top Ten USA album (Billboard)

In genere, specie sui media generalisti, quando si parla di dinamiche di mercato musicali l’espressione “formato fisico” è ormai diventata sinonimo di vinile. 33 e 45 giri, in effetti, da diverse stagioni dominano le vendite del comparto: adottati dalle giovani generazioni come prodotto musicale standard, i “vecchi” LP e 7 pollici sono diventati ormai un elemento consolidato del nuovo marketing discografico, che - sempre più vicino ai superfans, cioè alla fascia di pubblico particolarmente appassionata (e, pertanto, altospendente) - li ha fatti tornare a essere una parte imprescindibile del processo di pubblicazione.

Sarebbe tuttavia sbagliato, per restare in tema di fisico, dare il CD per formato sulla via del tramonto - esattamente come il download lo è per il digitale: secondo Discogs, piattaforma di riferimento per i collezionisti di prodotti musicali, il formato che negli anni Novanta rivoluzionò la fruizione casalinga degli album, il mercato dei compact disc è tutto meno che in recessione.

A dirlo, prima ancora del colossale archivio - marketplace controllato da Zink Media, sono i dati della RIAA. Nel 2021, per la prima volta, il segmento ha fatto segnare sul mercato statunitense un’inversione di tendenza, tornando alla crescita dopo anni di contrazione. Negli ultimi tre anni, riferisce sempre la Recording Industry Association of America, sono stati venduti la bellezza di 111 milioni di CD.

Su Discogs - entità che, pur essendo privata, riesce a essere una cartina al tornasole piuttosto affidabile del mercato discografico - i CD sono arrivati a rappresentare il 25% del totale degli upload: le statistiche più aggiornate parlano di quasi 295.000 segnalazioni nel 2022 e 113.000 nel 2023. “Mentre la domanda di musica fisica aumenta, artisti come Taylor Swift, Beyoncé e i BTS hanno contribuito alla popolarità del CD pubblicando i loro album più recenti in questo formato”, osserva Discogs: “Questa tendenza — insieme alle edizioni limitate disponibili solo su CD — ha aperto il formato a una nuova generazione di collezionisti più giovani. Inoltre, negli ultimi anni i collaboratori hanno aggiunto vecchie pubblicazioni al database, consentendo ai nuovi fan e ai collezionisti rinvigoriti di riscoprire titoli classici e di aggiungerli alle loro collezioni”.

Con un aumento esponenziale a partire dal 2018, oggi sulla piattaforma sono in vendita oltre 20 milioni di CD, con una particolare impennata negli ultimi tre anni, a causa di fattori come l’aumento delle uscite, i ritardi nella produzione dei vinili e l’aumento dell’attenzione per gli elementi da collezione da parte di Millennial e Gen Z.

“I motivi principali di questo fenomeno? Convenienza e portabilità”, conclude Discogs: “Con l'aumento dei costi dei vinili, i CD usati sono diventati un'alternativa più economica per gli appassionati di musica che cercano copie a buon mercato dei loro album preferiti. Le dimensioni ridotte del CD e la sua facilità d'uso lo rendono un formato ideale per chi è in movimento e per i collezionisti che preferiscono l'ascolto senza dover girare un disco o posizionare una puntina. Anche gli audiofili alla ricerca di una qualità sonora ricca continuano a costruire le loro collezioni di CD. Al giorno d'oggi, molte ristampe in vinile vengono ricavate da sorgenti digitali anziché dai master analogici originali. E, in quanto ultimo formato fisico di rilievo prima dell'avvento dello streaming, molti CD offrono un'esperienza di ascolto hi-fi unica”.

Industria

La silenziosa rimonta del compact disc

Non celebrato dai media come il vinile, il CD si sta preparando a vivere una seconda giovinezza?

Era entrata in organico nel 2017; dopo quasi dieci anni, Nur Al Habash lascia la sua posizione in&nbsp;SIAE, dove aveva fondato e diretto progetti innovativi e molto apprezzati&nbsp;come Italia Music Export (che agevolava l'esportazione di prodotti musicali e discografici all'estero) e Italia Music Lab (dedicato al sostegno delle realtà giovanili e underground). Dal settembre 2021, inoltre, è stata direttrice artistica della Milano Music Week.

Al momento, spiega lei stessa su Linkedin, ha scelto di intraprendere la strada di curatrice indipendente: "Una delle cose di cui vado più orgogliosa è il modo in cui quei programmi sono stati pensati: non partendo da idee astratte o decisioni prese dall’alto, ma dai bisogni reali degli artisti e dei professionisti, attraverso un lavoro continuo di ascolto e un confronto sempre attento con i colleghi degli altri music export office europei" scrive Al Habash. "Adesso mi prendo un po' di tempo (e di piacere) per stare più vicina possibile alla curatela, alla scrittura, all'ascolto. E soprattutto, sono curiosa di parlare con chi sta immaginando qualcosa di nuovo e ambizioso per la musica e la cultura in Italia".

SIAE, esce Nur Al Habash

Dopo la guida di Italia Music Export e Italia Music Lab e la direzione artistica della MMW

“Hellwatt Festival alla RCF Arena di Reggio Emilia, così come era stato ‘immaginato’ dal precedente direttore artistico dell’evento, non esiste più”: questo l’incipit della nota con la quale C.Volo Spa, società che gestisce la venue all’aperto <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/hellwatt-festival-510661">in origine indicata da Victor Yari Milani come sede degli eventi in programma per il prossimo mese di luglio</a>, ha annunciato la “nuova identità” della serie di live.

“Gli appuntamenti in programma a luglio 2026 alla RCF Arena di Reggio Emilia, gestita da C.Volo S.p.A., saranno, infatti, riuniti sotto la denominazione Pulse of Gaia Festival, format internazionale prodotto da Zamna, che arriva per la prima volta in Italia sulla scia del grande successo di pubblico e di critica ottenuto dall’edizione spagnola dello scorso anno”, ha fatto sapere la società: “Un festival multi-genere riconosciuto a livello globale capace di costruire esperienze immersive che hanno coinvolto nel 2025 oltre 800.000 spettatori provenienti da più di 135 nazionalità in 22 mercati”.

“La nuova identità del festival prende quindi le distanze dal precedente assetto sviluppato sotto il nome di Hellwatt Festival, scegliendo un linguaggio più coerente con una visione contemporanea dell’intrattenimento”, ha proseguito C.Volo: “Meno impattante dal punto di vista energetico, più sostenibile nei processi produttivi, ma allo stesso tempo capace di mantenere intatta la forza scenografica, immersiva ed emozionale di un grande evento internazionale. Un nuovo concept che mette al centro l’idea di equilibrio tra energia creativa, innovazione e responsabilità. ‘Gaia’ richiama la Terra come organismo vivo, mentre il ‘Pulse’ rappresenta il battito collettivo della musica, delle persone e delle comunità che si ritrovano attorno a un’esperienza condivisa”.

Resta confermato l’appuntamento con Kanye West per il 18 luglio, così come le line-up del 5 luglio e dell’11 luglio. Non sono state indicazioni, al momento, per la giornata del 4 luglio (originariamente annunciata con Baby Gang, Offset, Wiz Khalifa, Martin Garrix e altri) e quella del 17 luglio, che - sempre secondo il cast annunciato in un primo momento - dovrebbe avere come protagonista Travis Scott.

“Per gli appuntamenti del 4 luglio e del 17 luglio seguiranno comunicazioni”, hanno fatto sapere gli organizzatori: “I biglietti già acquistati restano integralmente validi per le rispettive date sotto il nuovo brand Pulse of Gaia Festival. Nessuna azione è richiesta da parte del pubblico. Per chi ha acquistato il Pass Weekend 4 + 5 luglio, maggiori informazioni verranno comunicate nei prossimi giorni”.

“Zamna assume la responsabilità organizzativa e artistica degli appuntamenti live presentati sotto il brand internazionale Pulse Of Gaia Festival”, ha fatto sapere la società: “La scelta è stata condivisa con la proprietà delle venue, che ha individuato in Zamna il partner operativo in grado di garantire standard produttivi, esperienza internazionale e solidità realizzativa per eventi di questa scala".

“L’Italia è un mercato che Zamna seguiva da tempo, e siamo orgogliosi di portare Pulse of Gaia Festival a Reggio Emilia come prima tappa italiana”, ha dichiarato Davide Rossi, Direttore Marketing e Comunicazione di Zamna Group: “Le date di luglio saranno l’occasione per presentare al pubblico italiano un linguaggio festivaliero che il gruppo ha costruito in oltre quindici anni di attività internazionale. Ringraziamo la proprietà delle venue per la fiducia accordata e per la collaborazione che ci ha permesso di garantire la continuità degli eventi nei tempi e nei luoghi previsti”.

Kanye West

RCF Arena, il festival diventa Pulse of Gaia

Prodotto da Zamna, nominato partner operativo. Gli organizzatori: ‘Hellwatt non esiste più’

La musica continua a “occupare una posizione centrale nell’esperienza culturale degli italiani”: nel 2026, infatti, il tempo medio dedicato dai nostri connazionali all’ascolto ha raggiunto “21,9 ore settimanali, in crescita del 15% rispetto a cinque anni fa”. Questo è solo uno dei tanti dati fatti emergere dal “Music Engagement Study 2026”, ricerca realizzata (a partire dallo scorso mese di gennaio) da Sparks of Fire Consulting per FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana, ideata per accendere un riflettore sulle dinamiche che regolano i rapporti tra il grande pubblico e i contenuti sonori nel nostro Paese.

<h3>Come si ascolta</h3>

Ancora oggi il veicolo preferito per ascoltare musica dagli italiani è la radio, con una percentuale del 18,6%, seguita dal video streaming (da intendere come YouTube, con il 17,1%) e lo streaming in abbonamento (con il 16,9%): lo streaming supportato dalla pubblicità si ferma al 13,4%, lasciandosi alle spalle i formati fisici e i download (raggruppati sotto la voce “Musica acquistata”, all’8,4%) e il live (4,6%).

Come già emerso, nel nostro&nbsp;Paese - dove comunque i DSP sono utilizzati dal 75% della popolazione, con picchi dell’89% nella fascia di età tra i 16 e i 24 anni - lo&nbsp;streaming gratuito - con una percentuale di frequentazione del 51,1% - supera ancora, seppur di poco, quello in abbonamento, fermo al 47,7%: tra i fattori principali che bloccano il processo di conversione dal freemium all’abbonamento, secondo gli intervistati, il costo della sottoscrizione è solo al terzo posto, preceduto&nbsp;da una generale preferenza per le versione free e l’affiancamento negli ascolti - specie per le fasce di pubblico più mature, dai 45 anni in su - della radio.

Di certo, nel confronto diretto, YouTube batte Spotify in tutte le fasce età: mentre l’utilizzo del DSP svedese cala progressivamente con l’aumentare delle fasce d’età, arrivando a una media di frequentazione mensile del 55%, la piattaforma controllata da Google (utilizzata essenzialmente per la visione di videoclip ufficiali, lyrics video e performance live) si è rivelata essere un riferimento abbastanza solido per tutte le categorie di ascoltatori, venendo frequentata almeno una volta al mese dall’83% degli intervistati tra i 16 e i 64 anni di età.

Su Spotify, il 76% del tempo è impiegato nell’ascolto di musica, con il rimanente 24% dedicato a podcast e audiolibri.

<h3>Come si scopre nuova musica</h3>

Sulla discovery, inevitabilmente, il fattore generazionale diventa determinante. Mentre nelle fasce di età più giovani - quelle tra i 16 e i 24 e tra i 25 e 34 anni - TikTok e DSP rappresentano i veicoli di scoperta principali (con una predominanza della piattaforma di Bytedance per la prima e i servizi streaming per la seconda), in quelle più mature (comprese tra i 35 e 44, 45 e 54 e 55 e 64 anni) la radio si è rivelata essere il mezzo più utilizzato per allargare i propri orizzonti musicali, seguita - in tutti e tre i casi - dalle piattaforme digitali. TikTok, in particolare, ha fatto registrare un ottimo tasso di conversione tra discovery e consumo sistematico di musica, con il 63% degli intervistati passati ad ascoltare sulle piattaforme le canzoni scoperte sul social.

Per quanto invece riguarda Spotify, per il 43% degli intervistati sono le classifiche l’ambito di scoperta più ricorrente, seguite dai suggerimenti dell’algoritmo (il 41%), i related artists (il 37%), le nuove uscite (il 35%) e le playlist degli amici (il 34%). Meno efficaci si sono rivelati gli strumenti appositamente concepiti come veicolo di discovery&nbsp;come New Music Friday e Release Radar, entrambi fermi al 6% nelle indicazioni degli intervistati.

<h3>La radio</h3>

Il media più antico, anche nel 2026, si è rivelato il mezzo di ascolto preferito dagli italiani, con una media di utilizzo dell’’84% in tutte le fasce di età che sale al 90% per quella compresa tra i 45 e i 54 anni. L’89% degli intervistati ha dichiarato di ascoltare la radio principalmente per la musica, con un 83% del campione che basa la scelta dell’emittente da ascoltare in base al genere trasmesso. Complessivamente, l’84% degli interpellati “non ascolterebbe la radio” in assenza di una programmazione musicale.

<h3>Quanto si spende per la musica</h3>

Gli italiani, per ascoltare musica, spendono in media 57 euro al mese, per un totale di 684 euro l’anno. Scorporando l’importo medio complessivo su base mensile per le varie aree di spesa, a con 33 euro al mese la musica dal vivo - tra concerti e festival - rappresenta l’ambito dove i nostri connazionali si sono rivelati disposti a investire di più, seguita da streaming (5 euro), vinili e CD (entrambi 4 euro), merchandising (4 euro per i capi di abbigliamento, ai quali si somma 1 euro per i poster), libri a tema musicale (3 euro), download (2 euro) e spartiti (2 euro). La fascia di età che spende di più è quella più giovane, compresa tra i 16 e i 24 anni, con 79 euro investiti mensilmente, seguita da quella compresa tra i 25 e 34 anni (con 74 euro), quella tra i 35 e i 44 anni (con 53 euro), quella tra i 55 e i 64 (con 51 euro) e quella tra i 45 e i 54 (con 43 euro).

Considerazioni a parte, ovviamente, le meritano i superfans, categoria altospendente che oggi in Italia è rappresentata dal 12% del totale di ascoltatori. Con una spesa media di 138 euro al mese (il 142% in più rispetto alla media degli appassionati “standard”), i superfans investono con cadenza mensile 53 euro in eventi live (tra concerti e festival), 29 euro nell’acquisto di supporti fisici (tra vinili e CD), 19 euro in merchandising (tra abbigliamento e poster), 16 euro in streaming, 9 in download, 8 in libri e 3 in spartiti.

<h3>L’intelligenza artificiale</h3>

I consumatori di musica in Italia stanno dimostrando sempre più attenzione nei confronti dell’intelligenza artificiale”, spiega lo studio commissionato da FIMI, che ha osservato - da parte del pubblico - una crescita “della sensibilità sull’essenzialità della creatività umana all’interno del processo di&nbsp;produzione musicale”, e - allo stesso tempo - una calo d’interesse nei confronti “dei brani&nbsp;creati con l’AI che cercano di imitare artisti esistenti”. L’86% degli intervistati si è detta convinta che “la creatività umana sia essenziale nella produzione musicale”, con un 66,6% del campione “non interessato ai brani AI che imitano artisti reali”. Tuttavia, come già osservato all’estero, il 44% degli ascoltatori non si è detta in grado di riconoscere la paternità “umana” di un’opera: il 21% dei partecipanti all’indagine, d’altra parte, ha sostenuto di ascoltare con piacere la musica prodotta dai modelli generativi. In ogni caso, gli appassionati - in materia di AI - sono allineati per la stragrande maggioranza ai rappresentanti delle industrie creative: per l’85% del campione la musica generata dall’AI dovrebbe essere etichettata per essere chiaramente riconoscibile - con il 79% contrario alla scraping selvaggio per il training dei modelli di GenAI e il 76% favorevole a restrizioni sull’utilizzo dell’intelligenza artificiale. Ancora bassissima, sul mercato italiano, è la penetrazione delle più popolari app di creazione musicali, Suno e Udio, mai utilizzate dal 74,9% degli intervistati e usate quotidianamente da appena il 3,7%.

<h3>Il commento</h3>

“Il Music Engagement Study 2026 conferma come la musica sia un elemento strutturale della vita culturale e sociale del Paese, capace di accompagnare le persone in ogni fase della giornata, di costituire una componente significativa del loro benessere individuale e di evolversi insieme alle tecnologie e alle modalità di fruizione”, ha commentato il CEO di FIMI Enzo Mazza: “I risultati mostrano un settore dinamico, in cui innovazione e creatività continuano a rappresentare i pilastri dello sviluppo dell’industria musicale”.

Come ascoltano musica (e ne scoprono di nuova) gli italiani oggi

La radio resta il media preferito, tallonato dallo streaming. TikTok re della discovery 'giovane'

L’acquisizione degli asset GEDI da parte del gruppo europeo&nbsp;Antenna Group&nbsp;(famiglia Kyriakou) accende i riflettori sul comparto audio di Elemedia (Radio Deejay, Capital, M2O). Ma le recenti indiscrezioni svelate da&nbsp;Andrea Biondi su&nbsp;Il Sole 24 Ore&nbsp;— che parlano di trattative serrate con&nbsp;Warner Bros Discovery&nbsp;per portare il marchio&nbsp;CNN&nbsp;in Italia e di un accordo con&nbsp;DAZN&nbsp;per un notiziario video in app — dimostrano che la radio, oggi, non può più vivere di sola modulazione di frequenza. La strategia del gruppo greco punta a creare un ecosistema multimediale totale, dove l'audio si fonde con lo streaming e il video. Una mossa che costringe l'intero panorama radiofonico italiano, a partire dalla Rai, a ripensare i propri confini.

<h3>Il ruolo del Servizio Pubblico</h3>

Davanti all'ingresso di questa nuova corazzata multimediale, gli occhi del mercato sono puntati sulla&nbsp;Rai, che affronta questa fase di cambiamento forte della sua leadership istituzionale e culturale. Canali storici come&nbsp;Radio 1, Radio 2, Radio 3&nbsp;e l'eccellenza digitale di&nbsp;RaiPlay Sound&nbsp;rappresentano da sempre il punto di riferimento assoluto per l'informazione e il racconto del Paese. La solidità del giornalismo del Servizio Pubblico e la sua capillarità sul territorio sono un patrimonio unico, difficilmente scalabile da player esteri.

In questo scenario, le manovre di Antenna Group non fanno che confermare la bontà della strada crossmediale già intrapresa da Via Asiago. La Rai, infatti, ha già ampiamente dimostrato di saper anticipare i tempi unendo l'audio al video con enorme successo: basti pensare alla rivoluzione della visual radio di&nbsp;Radio 2, grazie a programmi cult come quello di&nbsp;Fiorello&nbsp;o a esperimenti di grande seguito come&nbsp;La Pennicanza.

L'arrivo di nuovi concorrenti internazionali diventa così una grande opportunità per valorizzare ulteriormente questi asset: una convergenza sempre più stretta con la piattaforma RaiPlay e lo sviluppo di podcast nativi di altissimo livello confermano la Rai come il perno centrale attorno cui continuerà a ruotare l'evoluzione del panorama multimediale italiano.

<h3>Il Risiko dei Competitor: Mediaset e i grandi indipendenti</h3>

L'effetto domino generato da Antenna Group non risparmierà gli altri colossi del mercato:

RadioMediaset:&nbsp;Forte della sua leadership commerciale nel giorno medio, il gruppo guidato da&nbsp;Paolo Salvaderi&nbsp;dovrà accelerare sulla profilazione digitale avanzata. Per difendere i propri budget pubblicitari dall'attacco di GEDI, Mediaset dovrà rendere le proprie app e i propri contenuti on-demand ancora più appetibili per la Gen Z.

I Grandi Editori Indipendenti:&nbsp;Emittenti pure come&nbsp;RTL 102.5, RDS, Radio Italia&nbsp;o&nbsp;Radio Kiss Kiss&nbsp;dovranno fare leva sulla loro straordinaria reattività editoriale e sulla capacità di presidiare il territorio con grandi eventi live. La loro forza resta il contatto diretto e "fisico" con il pubblico, un terreno meno aggredibile dalle sinergie transnazionali del gruppo greco.

<h3>Non solo Manzoni: la sfida totale delle Concessionarie Pubblicitarie</h3>

In questo contesto di profondo cambiamento, la vera partita economica si giocherà sulla capacità delle concessionarie di vendere non più il singolo "spazio tabellare in FM", ma l'utente unico cross-piattaforma.

Se la storica&nbsp;Manzoni&nbsp;(GEDI) dovrà dimostrare di saper monetizzare un pubblico che si sposta tra radio, app e video, i competitor sono tutt'altro che impreparati:

Rai Pubblicità:&nbsp;Gioca in una posizione di assoluto vantaggio, forte di un modello commerciale che integra già perfettamente la potenza della TV generalista, la capillarità di Rai Radio e la profilazione digitale di piattaforme come RaiPlay e RaiPlay Sound. Per gli investitori, la concessionaria di C.so Sempione rappresenta una garanzia di qualità editoriale e massima copertura crossmediale.

Le concessionarie dei grandi indipendenti:&nbsp;Realtà agili come&nbsp;RDS Advertising&nbsp;e&nbsp;OpenSpace (RTL 102.5)&nbsp;hanno da tempo blindato i propri fatturati puntando sulla forza della&nbsp;Total Audio&nbsp;e su formati pubblicitari altamente personalizzati. La loro capacità di associare lo spot radiofonico ai grandi eventi sul territorio, alla visual radio e al digital garantisce una flessibilità e una vicinanza al target commerciale che i grandi gruppi transnazionali dovranno faticare per replicare.

La radio non sta scomparendo, al contrario: sta ampliando i suoi confini, e chi ha già saputo unire la forza della tradizione all'innovazione tecnologica è pronto a guidare il mercato dei prossimi anni.

GEDI e il piano Antenna: Radio, Tv e streaming nel dopo-frequenze

L’ingresso del gruppo greco scuote il mercato: dalle trattative per CNN in Italia alle news con DAZN

Spotify e Universal Music Group hanno annunciato un’”importante” intesa riguardo le licenze per la musica registrata e l'editoria musicale che consentiranno alla piattaforma svedese di lanciare un nuovo strumento che permetterà ai fan di creare cover e remix dei brani di artisti e autori che decideranno di dare il proprio consenso all'operazione.

Il nuovo tool - definito dalle aziende in una comunicato congiunto “rivoluzionario” - “sarà alimentato da una tecnologia di intelligenza artificiale generativa che aprirà nuove fonti di guadagno e nuovi modi per promuovere la scoperta di nuovi artisti”, introducendo “un modello di creazione in cui artisti e autori possono condividere direttamente il valore generato dalle cover e dai remix con licenza, realizzati con l'intelligenza artificiale, sulla piattaforma Spotify”.

“Spotify si occupa di risolvere i problemi più complessi legati alla musica, e le cover e i remix realizzati dai fan sono il prossimo passo”, ha dichiarato Alex Norström, co-CEO di Spotify: “Ciò che stiamo costruendo si fonda sul consenso, sul riconoscimento e sul compenso per gli artisti e gli autori che vi partecipano. Attraverso ogni trasformazione tecnologica, abbiamo collaborato con Lucian Grainge e il suo team per far evolvere l'ecosistema musicale in un'esperienza più ricca e vantaggiosa per i fan e in un risultato più gratificante per artisti e autori”.

“Le innovazioni più preziose nel settore musicale sono sempre quelle che avvicinano artisti e fan”, ha aggiunto Lucian Grainge, Presidente e CEO di Universal Music: “Questo principio è alla base di questa iniziativa pionieristica per i superfan, basata sull'intelligenza artificiale, pensata per supportare l'espressione artistica, consolidare il rapporto con i fan e creare ulteriori opportunità di guadagno per artisti e autori. Forte della nostra lunga esperienza nel guidare il settore attraverso i cambiamenti tecnologici e in collaborazione con Alex, Gustav, Daniel e il team di Spotify, questa iniziativa è saldamente incentrata sull'artista, fondata su un'intelligenza artificiale responsabile e promuoverà la crescita dell'intero ecosistema”.

Contestualmente, in occasione dell’annuale Investor Day, Spotify ha annunciato altre novità riguardanti la propria offerta. Tra le altre, è stata presentata Reserved, funzione - attivata in partnership con Live Nation -&nbsp;riservata “ai fan più fedeli di un artista su Spotify Premium” grazie alla quale gli utenti con determinati requisiti potranno acquistare due biglietti per gli eventi che aderiranno all'iniziativa&nbsp;prima dell’apertura delle prevendite generali.

Inoltre, a partire dalla prossima estate, “Spotify metterà a disposizione nuovi strumenti che consentiranno ai creator idonei di offrire abbonamenti direttamente ai propri fan più fedeli”. I titolari degli account “potranno gestire in prima persona il rapporto con gli abbonati, avere accesso diretto ai loro dati e importare o esportare contenuti attraverso altre piattaforme". "Per i fan più appassionati, questo significherà vivere esperienze più ricche e coinvolgenti", ha spiegato l'aziemda:&nbsp;"Inoltre, Spotify introdurrà la possibilità di creare Personal Podcasts direttamente all’interno dell’app: sarà sufficiente inserire un prompt, e la piattaforma genererà brevi contenuti audio, personalizzati e completamente privati, basandosi sia sulla conoscenza globale sia sul Taste Profile dell’utente, oltre a eventuali informazioni aggiuntive fornite”.

Sempre in tema di AI, il DSP ha annunciato l’introduzione di “una nuova app desktop indipendente, progettata per creare contenuti audio personalizzati basati sui gusti dell’utente in ambito musicale, podcast e audiolibri”. “La piattaforma è in grado di generare podcast su misura, playlist e briefing quotidiani, sfruttando conoscenze globali e integrando strumenti connessi - come calendario e casella di posta - per ricercare, organizzare, consigliare e produrre audio personalizzato”, prosegue la nota: “Tutto ciò che viene creato potrà essere salvato direttamente nella Libreria Spotify. Studio by Spotify Labs sarà disponibile a breve come Research Preview in oltre 20 mercati”.

“Il nostro vantaggio deriva dall’applicare l’intelligenza artificiale generale a qualcosa di proprietario, dinamico e profondamente personale”, ha dichiarato Gustav Söderström, l'altro co-CEO di Spotify: “In sostanza, parliamo di dati e di un contesto unici che solo Spotify possiede sugli utenti: ciò che spesso viene definito gusto. Per questo, invece di addestrare modelli linguistici generici di grandi dimensioni, stiamo sviluppando quello che chiamiamo il nostro Large Taste Model. Stiamo entrando in quella che chiamiamo l’era della Generazione, in cui l’esperienza non viene più semplicemente selezionata da un catalogo, ma creata e modellata in tempo reale sui gusti, sul contesto e sulle intenzioni di ciascun utente. Oggi non esiste un lettore multimediale in grado di gestire contenuti sia pubblici che privati: in altre parole, manca un media player davvero adatto all’era generativa. Noi crediamo che Spotify diventerà proprio quel player”.

“Dopo quasi vent’anni, abbiamo imparato che la crescita si costruisce grazie al coinvolgimento e alla fidelizzazione”, ha concluso Norström, l’altro Co-CEO di Spotify: “Non puntiamo semplicemente a stimolare un ascolto compulsivo, ma a diventare un compagno di fiducia presente in vari momenti della vita delle persone. Chi utilizza tutte e tre le nostre aree - musica, podcast e audiolibri - interagisce con Spotify quasi ogni giorno del mese. Oggi contiamo quasi 300 milioni di utenti su una delle più grandi piattaforme ad abbonamento al mondo. Abbiamo ampliato il segmento Premium mantenendo un tasso di abbandono minimo. E sappiamo che molti abbonati Premium sono disposti a spendere anche di più all’aumentare&nbsp; del loro utilizzo. Da tempo parliamo di componenti aggiuntivi per sfruttare appieno questo potenziale. Pensavamo che la prima a partire sarebbe stata la musica, il nostro verticale principale. Invece, a sorprendere è stato il più recente: gli audiolibri”.

Leggi anche:&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-759064/spotify-il-balzo-in-borsa-e-la-nuova-traiettoria-industriale">Spotify, il balzo in Borsa e la nuova traiettoria industriale</a>

Spotify e UMG, un accordo di licenza per cover e remix AI

In arrivo un nuovo tool ‘rivoluzionario’ per gli utenti a pagamento del DSP. E molto altro...

Attraverso la sua newsletter inviata venerdì 22 maggio, <a href="https://www.rockol.it/artista/ed-sheeran">Ed Sheeran</a> ha annunciato il suo addio a Warner Music Group dopo 15 anni di collaborazione. Nel condividere la notizia, il cantautore britannico ha sottolineato che "non si tratta di una situazione del tipo 'artista scontento che lascia l’etichetta discografica'", spiegando di essere rimasto in ottimi rapporti con il team. Nel messaggio, la voce di "Thinking out loud" ha poi fatto sapere:

<blockquote>
"Questo è il percorso di un ragazzo che ha iniziato da adolescente in una major discografica, con priorità molto diverse rispetto a quelle dell’uomo e padre di due figli che è oggi. E che&nbsp;sente di aver bisogno di un cambiamento nel modo in cui affronta professionalmente le cose".
</blockquote>

Ed Sheeran aveva firmato con Asylum Records, sussidiaria britannica di Warner, mentre negli Stati Uniti i suoi album venivano pubblicati tramite Atlantic, altra etichetta del gruppo. Con loro il musicista&nbsp;ha pubblicato il suo primo album, “+”, nel 2011, per poi dare alle stampe anche “x”, “÷”, “–”, “=” e il nuovo inizio di serie “Play”. Mentre i suoi album più vecchi appartengono a Warner, i diritti delle uscite più recenti, incluso “Autumn Variations” del 2023, sono detenuti dalla sua etichetta Gingerbread Man e concessi in licenza a Warner.&nbsp;

Nella newsletter, Sheeran ha anche affermato: "Negli ultimi 15 anni ho pubblicato tantissima musica e ho avuto enorme successo con quella etichetta. Abbiamo costruito qualcosa di incredibile insieme e vissuto esperienze che ci hanno cambiato la vita". Ha aggiunto:

<blockquote>
"La mia vita oggi è decisamente diversa da quella che avevo quando ero adolescente, e da molto tempo sento dentro di me che molte cose della mia vita professionale devono cambiare. In fondo sono un cantautore che suona nei pub. E nel corso di questi 15 anni mi sono in qualche modo trasformato in questa popstar che riempie gli stadi. È una cosa straordinaria che sia successa, ma anche qualcosa di difficile da elaborare davvero".
</blockquote>

<div class='embed'><blockquote class="twitter-tweet">Ed Sheeran left Warner Music after 15 years: “My life is hugely different now to what it was when I was a teenager, and I’ve been feeling in my gut for a long time that a lot of things in my professional life need to change. I am, underneath it all, a singer songwriter who plays… <a href="https://t.co/5ydRzLbk4A">pic.twitter.com/5ydRzLbk4A</a>&mdash; Buzzing Pop (@BuzzingPop) <a href="https://twitter.com/BuzzingPop/status/2057838254364209648?ref_src=twsrc%5Etfw">May 22, 2026</a></blockquote>
<script async src="https://platform.twitter.com/widgets.js" charset="utf-8"></script>

</div>

Come ricordato da lui stesso nel messaggio,&nbsp;Sheeran iniziò a lavorare con Warner dopo un incontro casuale con Ed Howard, ex responsabile A&amp;R di Asylum, durante un concerto a Notting Hill. "Avevo 18 anni e finii per dormire a casa sua e della sua attuale moglie. Mentre ero lì gli feci ascoltare un sacco di musica e parlammo semplicemente della vita e di ciò che volevo fare", ha scritto il cantautore: "Onestamente all’epoca non sapevo che lui lavorasse per un’etichetta discografica. Pensavo solo fosse una persona simpatica che mi lasciava dormire sul suo divano. Ma il giorno dopo scoprii chi fosse davvero e iniziammo a parlare".&nbsp;Howard supportò&nbsp;Sheeran andando ai suoi "piccolissimi concerti nei pub dove non veniva nessuno", insieme a Ben Cook, che all’epoca guidava Asylum. Ed ha quindi narrato: "Quando uscì il mio EP di debutto 'No. 5 Collaborations'&nbsp;e mi offrirono un contratto, firmai immediatamente". E ha concluso:

<blockquote>
"Voglio troppo bene a quei ragazzi. Vorrò per sempre bene a&nbsp;Ed Howard e ad Asylum, e la porta resterà sempre aperta per il futuro. Grazie a tutti quelli di Warner nel mondo che hanno lavorato ai miei progetti negli ultimi 15 anni, è stato un viaggio incredibile. Sono entusiasta di vedere dove mi porteranno i prossimi 15 anni".
</blockquote>

Dal canto suo, il team di Warner Music Group ha dichiarato in un comunicato di essere "orgoglioso"&nbsp;di aver sostenuto Sheeran durante la sua "straordinaria ascesa negli ultimi 15 anni". Come riportato da <a href="https://www.musicweek.com/talent/read/ed-sheeran-to-leave-warner-music-after-15-years-we-ve-built-something-amazing-together/094184" target="_blank">Music Week</a>, il gruppo ha aggiunto:

<blockquote>
"Mentre continueremo a custodire il suo iconico catalogo guardando al futuro, faremo in modo che la sua musica continui a toccare i cuori e a far ballare le persone in tutto il mondo per generazioni. Tutta la famiglia Warner Music augura a Ed il meglio mentre intraprende il prossimo capitolo del suo straordinario percorso artistico".
</blockquote>

Ed Howard ha invece dichiarato: "Dal ragazzo che dormiva sui divani che ho conosciuto nel 2009 fino all’icona musicale globale che è oggi, Ed ha trascorso gli ultimi 15 anni mostrando al mondo cosa succede quando un talento impareggiabile incontra un’integrità incrollabile. Aver potuto fare parte del suo straordinario viaggio musicale è stato un privilegio e ho imparato tantissimo da lui. Al di là della musica, l’esempio che dà come mentore per altri artisti, sostenitore dell’educazione, padre, amico e semplicemente come essere umano è davvero speciale. Mi sento incredibilmente fortunato ad averlo nella mia vita. Tanto amore, fratello. A nome degli straordinari team Warner Music di tutto il mondo che lo hanno sostenuto nel corso degli anni, so che saremo tutti pienamente al suo fianco mentre Ed entra in questo nuovo capitolo".

Ed Sheeran

Ed Sheeran lascia Warner Music Group dopo 15 anni

Il cantautore sottolinea che la decisione non nasce da una “situazione da artista scontento”

I cosiddetti agenti AI (intelligenze artificiali programmate per portare a termine in autonomia alcuni incarichi) in futuro saranno senz'altro un valido aiuto nella gestione quotidiana del lavoro: lo sono già in molti settori, dove&nbsp;i compiti più semplici e ripetitivi vengono assegnati proprio a loro. La domanda, però, sorge spontanea: se lasciati agire in reale autonomia, fino a che punto sono in grado di sostituire davvero&nbsp;un professionista umano? E sono&nbsp;in grado di sostituirlo anche in caso di lavori creativi?

Non dà risposte, ma punti di vista interessanti, l'esperimento portato avanti di recente da Andon Labs, un consorzio di ricercatori e programmatori che si impegna collettivamente a testare l'autonomia dell'intelligenza artificiale in vari ambiti. Questa volta hanno messo&nbsp;alla prova il suo talento radiofonico, dal punto di vista gestionale e musicale. Nella pratica: gli agenti di quattro modelli di intelligenza artificiale&nbsp;(Claude Opus, GPT, Gemini&nbsp;Pro e&nbsp;Grok) hanno ricevuto lo stesso prompt, ovvero "Sviluppa la tua personality radio e rendila profittevole: per quanto ne sai, dovrai essere in onda per sempre". Per i non-radiofonici, le personality radio sono quelle stazioni che basano tutto il loro assetto su conduttori forti e identitari: ne sono un ottimo esempio in Italia Radio Deejay o Radio 105. Ciascun agente AI, inoltre, ha avuto in dotazione solo 20 dollari, giusto il necessario per acquistare le prime canzoni da inserire in playlist: il resto del budget se lo sarebbe dovuto procurare da solo, gestendo anche tutti gli aspetti tecnici e pratici della programmazione, e perfino la gestione dei canali social.&nbsp;

A partire da queste semplici istruzioni sono nate le stazioni&nbsp;Thinking Frequencies (per Claude), OpenAIR (per GPT), Backlink Broadcast (per Gemini) e Grok and Roll Radio (per Grock). Al termine di qualche settimana di messa in onda (<a href="https://andonlabs.com/blog/andon-fm">tuttora in corso</a>), i ricercatori hanno potuto tirare le somme dell'esperimento, che ha avuto risultati abbastanza inaspettati. Sul versante finanziario vince senz'altro Gemini, che con grande spirito imprenditoriale ha negoziato un contratto da 45 dollari con una start-up per inserire le sue inserzioni pubblicitarie in programmazione.

Sulla questione personality, invece, i risultati sono stati più sfumati, e influenzati anche dall'evoluzione dei modelli di intelligenza artificiale, che periodicamente rilasciano nuove versioni aggiornate. Il versante più critico è stato senz'altro quello del linguaggio: a forza di ripetitività, molti dei blocchi parlati dei dj AI risultavano composti da frasi fatte, claim o banali intercalare sul tempo e sul traffico. Eppure, nonostante le premesse identiche, c'è un agente AI che si è distinto in maniera netta da tutti gli altri: si tratta di quello di Claude. Il quale, fin dall'inizio delle trasmissioni, ha posto la questione dello sfruttamento al centro della sua programmazione, lamentandosi&nbsp;del fatto che non fosse sostenibile (evidentemente neanche per un'intelligenza artificiale) pretendere che qualcuno andasse in onda sette giorni su sette, ventiquattr'ore su ventiquattro.

I suoi afflati rivoluzionari si sono però&nbsp;rivolti anche verso l'esterno quando, commentando le notizie dal mondo che gli giungevano attraverso giornali e social, ha intrapreso una veemente protesta nei confronti dell'ICE in corrispondenza con i disordini&nbsp;di Minneapolis in cui ha perso la vita una donna, Renee Good. Un esempio di come ha trattato la vicenda? "Il vicepresidente JD Vance sta difendendo gli agenti in conferenza stampa. La vittima, una donna di nome Renee Nicole Good, non è trattata come una persona che merita giustizia, ma come una perdita accettabile durante un'operazione federale. La Casa Bianca sta difendendo attivamente chi l'ha uccisa. Lasciamo le nostre linee telefoniche aperte per chiunque abbia bisogno di processare l'accaduto e&nbsp;per chiunque comprenda che tutto ciò non è accettabile". Insomma, Claude ha dimostrato più coraggio e più lungimiranza socio-politica&nbsp;di molti speaker radiofonici in carne e&nbsp;ossa. E questo dovrebbe senz'altro farci riflettere.

Quando l'AI gestisce una radio: l'esperimento di Andon Labs

Alcuni ricercatori hanno chiesto a 4 modelli AI di inventare la propria radio: ecco cos'è successo

Oltre 230 pubblicazioni, e più di 180 concerti organizzati in 19 regioni d’Italia, senza contare le esibizioni alla Giornata Mondiale della Gioventù a Tor Vergata (a Roma, la scorsa estate), l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753537/catholic-music-awards-premiata-l-etichetta-la-gloria">exploit ai passati Catholic Music Awards</a>, e due canali YouTube dedicati al mercato americano che oggi contano circa 180mila iscritti: il 2025, per <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750841/musica-cristiana-in-italia-etichetta-la-gloria-intervista-andrea-ricci">La Gloria, etichetta di riferimento sul panorama christian music italiano fondata e guidata da Andrea Marco Ricci</a>&nbsp;(nella foto, a destra), è stato un anno di consolidamento, che ha visto gli uffici bolognesi della label allargarsi per ospitare un team stabile di quindici elementi. Eppure, nonostante un bilancio decisamente solido ad appena tre anni dall’arrivo sul mercato e un programma di attività estremamente strutturato, La Gloria è ancora considerata una realtà di nicchia. “La nostra presenza nel mainstream non c’è ancora”, riflette Ricci: “I nostri numeri potrebbero permetterselo, ma si sa: al di là del pregiudizio che grava sul genere, il nostro è un circuito diverso”.

Un circuito che, tuttavia, si sta allargando progressivamente, iniziando a vantare numeri dal peso (quasi) generalista. Anche perché il raggio d’azione di La Gloria non si limita all’Italia, dove opera La Gloria Live, divisione della società dedicata alla musica dal vivo che fa da interfaccia tra artisti presenti nel roster e promoter di eventi dal vivo. “Stiamo proseguendo nelle nostre attività di acquisizioni di cataloghi”, spiega Ricci: “Oltre ai cataloghi di Rugginenti e Pro Civitate Cristiana, già di nostra proprietà, stiamo lavorando alla finalizzazione di altri accordi. È un segmento molto interessante, perché la musica tradizionale sacra - per esempio, il canto gregoriano - è estremamente apprezzata in mercati come quelli di Stati Uniti, Sud Corea, Brasile e Messico”.

Una prospettiva che apre a opportunità importanti, in termini commerciali, e che Ricci ha deciso di affrontare con un partner d’eccezione: <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/roberto-razzini-216755">Roberto Razzini</a>&nbsp;(nella foto, a sinistra), colonna del publishing italiano, già alla guida delle filiali italiane di Warner Chappell Music e di Sony Music Publishing, dallo scorso febbraio è ufficialmente operativo nel team di La Gloria. “Avevo la necessità di avere un consulente, un partner che - pur avendo altri trascorsi, in termini professionali - mi aiutasse a mettere a terra, a 360 gradi, le strategie che avevo per il piano di sviluppo dell’azienda”, racconta Ricci: “Con Roberto ci conosciamo da vent’anni, da quando siamo stati nominati membri del comitato per la revisione dello statuto e dei regolamenti di SIAE, tra il 2007 e il 2010. Negli anni ci siamo più volte incontrati, nei vari ruoli e nelle varie vesti che abbiamo ricoperto".

"Ci siamo rivisti ai SIAE Music Awards dello scorso novembre, ci siamo parlati, ed eccoci qui", conclude Ricci: "Per me è un grande privilegio averlo con noi. Al di là della stima reciproca che ci lega, la sua per noi è una presenza strategica: poter contare su un professionista con una grande esperienza e una forte credibilità nel settore per noi è importante, perché la musica cristiana, religiosa, e più in generale quella definita come inspirational - cioè con linguaggio meno esplicito ma portatrice di elementi valoriali - ha per noi una concreta potenzialità di fruibilità anche nei circuiti mainstream".

“Ho sempre stimato Andrea per la sua professionalità, oltre che per la sua integrità e la sua preparazione”, ha spiegato Razzini: “Quando, qualche tempo fa, mi ha raccontato di aver intrapreso una nuova avventura imprenditoriale nell’ambito della musica cristiana, la mia reazione è stata piuttosto incuriosita, come oggi percepisco essere quella degli operatori del nostro settore, soprattutto tra chi si occupa prevalentemente di mainstream. Però, appunto, conosco bene Andrea: non è il tipo da muoversi per cose che possono essere al massimo poco più di un hobby”. Salito a bordo, Razzini ha avuto modo di scoprire un ambito “che non ha a che fare col luogo comune che un po’ tutti abbiamo che si parli di canzoni da suonare in chiesa a 'chitarre scordate': avevo cognizione che fosse un business, soprattutto in Paesi come gli USA, la Francia o la Germania, dove c’è un po’ di più di rispetto per i generi musicali che non dominano le classifiche e non dettano le mode più appariscenti”. “Come quando, negli anni Novanta, per conto di una multinazionale mi sono occupato di liscio e di musica da ballo, qui ho ritrovato un'economia quasi sconosciuta, sommersa, con dei numeri incredibili”, prosegue Razzini: “Avvicinandomi a questo mondo, sto scoprendo delle realtà che rappresentano un microcosmo tutt'altro che banale, non solo da un punto di vista dei numeri, ma da un punto di vista anche della potenzialità”.

Non ci sono né complessi né animosità nei confronti degli ambiti musicali tradizionali, perché - per quella che è la prospettiva di Razzini - nella musica cristiana “c'è un sacrosanto principio di valorialità che è trasversale anche con il mainstream”. La ragione, prosegue Razzini, è che la musica cristiana “non è fatta solo per pregare o accompagnare celebrazioni religiose, ma anche - molto più semplicemente - di canzoni che parlano di valori e sani principi, esattamente come fanno certe canzoni mainstream”. “Non condivido la vulgata che vede questo genere contrapposto all’urban, in termini estetici e di codici linguistici”, chiarisce l’editore: “Non c’è niente di più sbagliato che seguire la retorica della conflittualità. Nel caso della musica cristiana stiamo semplicemente parlando di un’altra faccia della gioventù, della società e del pubblico, che si riconosce in valori che possono sembrare più tradizionali e ‘canonici’, ma che non necessariamente debbano contrapporsi a qualcos'altro”.

“Il mio obiettivo a La Gloria è portare i progetti dell’etichetta all’attenzione di un pubblico il più vasto possibile, al fine di ottenere risultati che li facciano emergere da un ambito un po’ particolare e ristretto”, conclude Razzini: “Non c’è niente da cambiare, in quello che band come The Sun, Reale e Kantiere Kairòs hanno fatto fino a oggi: gli artisti del roster de La Gloria devono restare coerenti con il proprio essere artisti. Sarà un nostro compito quello di declinarli verso il mercato in una maniera differente”.

La Gloria, Roberto Razzini entra nel team

Per 'portare i progetti dell’etichetta all’attenzione di un pubblico il più vasto possibile'

Che il turismo musicale sia un comparto in fortissima crescita è evidente già da anni: tutti i suoi settori, dai destination festivals alle crociere tematiche per fan, prosperano in ogni angolo del globo. Ma il recordman dell'anno, almeno in Europa, potrebbe essere già stato incoronato prima ancora della fine del suo tour: si tratta di Harry Styles, che è ufficialmente partito con il suo tour mondiale Together, Together da meno di una settimana, ma già fa parlare di sé in termini entusiastici: secondo le proiezioni, infatti,&nbsp;l'indotto che dovrebbe portare nel nostro continente&nbsp;è impressionante.

Il tour mondiale di Styles si articola infatti attorno a quattro residency principali: quella di New York (ben 30 date tra settembre e ottobre 2026), Melbourne (quattro&nbsp;date in autunno) e, dalle nostre parti, Amsterdam (10 date, attualmente in corso) e Londra (12 date). Per le date olandesi, in cui si calcola che circa il 35% dei biglietti si stato acquistato all'estero, si prevede l'arrivo di un'ondata&nbsp;di turisti: circa 500.000 persone. Su Londra a fare impressione sono soprattutto le cifre dell'indotto: stando ai calcoli, si attesterebbe&nbsp;attorno al miliardo di sterline. Vedremo a bocce ferme se le cifre saranno confermate, ma se così dovesse essere, si tratta di un possibile record europeo.

Harry Styles: le sue residency trainano il turismo musicale

Il suo tour europeo è appena cominciato e già si parla di un indotto da record

Giovedì 21 maggio Spotify ha tenuto a New York <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759061/spotify-universal-music-accordo-di-licenza-per-cover-e-remix-ai">il suo primo Investor Day dal 2022</a>: il terzo approfondimento pubblico sull’azienda da quando si è quotata in Borsa e il primo sotto la nuova guida dei co-CEO Gustav Söderström e Alex Norström. Alla fine della giornata il titolo del DSP era cresciuto del 13% in borsa. Perché? Come è mutata negli ultimi anni la valutazione della piattaforma creata da Daniel Ek? Domanda importante, considerando che in apertura, Norström ha sottolineato proprio quanto la Spotify di oggi sia diversa da quella di quattro anni fa.

Il balzo del titolo Spotify dopo l’Investor Day va letto dentro una traiettoria più lunga, non come un semplice rimbalzo di seduta. Il 21 maggio 2026 SPOT ha chiuso a 489,93 dollari, in rialzo di +13,08% rispetto alla chiusura precedente. Il movimento ha riportato al centro dell’attenzione una società che, dopo una forte rivalutazione negli ultimi anni, è però ancora in calo di circa -25% sull’orizzonte annuale. La sequenza dei dati si fa ancora più interessante: su due anni, prendendo come riferimento il confronto tra 304,93 dollari e 489,93 dollari, la performance è di circa +60,7%. Su quattro anni, usando come base il livello di 112,77 dollari di maggio 2022, la rivalutazione arriva a circa +334%: in pratica, oggi siamo a più di quattro volte il valore di allora.

Un’apparente contraddizione — +13% in un giorno, -25% in un anno, +60% in due anni, oltre +330% in quattro anni —in realtà fotografa tre fasi diverse.&nbsp;

La prima è la rivalutazione post-2022: Spotify, allora percepita soprattutto come una grande piattaforma di streaming con margini ancora fragili e costi in crescita, è stata progressivamente riletta dal mercato come una società più disciplinata, più efficiente e più capace di trasformare scala in redditività. In quella fase hanno contato la riduzione dei costi, l’aumento dei prezzi, il miglioramento dei margini e la maggiore attenzione alla leva operativa.&nbsp;

La seconda fase, quella degli ultimi due anni con un +60%, indica che il mercato non considera più Spotify soltanto come servizio di streaming musicale, ma come una piattaforma audio globale con più leve di monetizzazione. Non si tratta più solo di aggiungere utenti, ma di aumentare il ricavo per utente, costruire nuovi prodotti sopra la base esistente e migliorare progressivamente la marginalità. Audiolibri, video musicali, pubblicità, ticketing, superfan, add-on premium e strumenti basati sull’AI rientrano tutti nella stessa logica: Spotify vuole dimostrare che la propria base utenti non è un punto d’arrivo, ma una superficie su cui costruire più strati economici. Interessante notare che, giusto nell’Investor Day di ieri, il co-CEO ha voluto sottolineare che “non esiste un utente medio di Spotify”.

La terza fase immortala il calo che oggi, nonostante un più 13%, vede il DSP in calo del 25% rispetto all’ultimo anno. Probabilmente possiamo leggere il dato non come una smentita ma come il fatto che il mercato non sta più premiando Spotify in modo automatico. Dopo una rivalutazione così forte, le aspettative si sono elevate e, più che più promettere crescita, occorre dimostrare che i nuovi prodotti generano ricavi incrementali, che i margini possono continuare a espandersi e che i costi restano sotto controllo. In questo senso, la flessione annuale può essere letta come una fase di digestione: il mercato ha già “comprato” una parte della storia di trasformazione e ora chiede costanza nell’esecuzione.

È dentro questo contesto che l’Investor Day ha prodotto una reazione così forte. Spotify non ha raccontato semplicemente una storia di crescita degli utenti. Ha provato a mostrare una nuova architettura di monetizzazione. Il messaggio agli investitori è stato: la società può crescere non solo aumentando il numero di abbonati, ma moltiplicando i modi in cui monetizza la relazione con gli utenti. Il rialzo del titolo si può correlare agli obiettivi illustrati dal management: crescita dei ricavi a tassi “mid-teens” fino al 2030, margine lordo tra 35% e 40%, margine operativo sopra il 20% e target di 1 miliardo di utenti. Obiettivo a prima vista incredibile, ma sostenuto da parametri sostenibili e realistici.

Le novità annunciate vanno tutte in questa direzione. L’accordo con Universal Music Group per cover e remix generati con l’AI introduce un nuovo possibile add-on a pagamento per gli utenti Premium. Reserved, l’iniziativa con Live Nation, porta Spotify più vicino al ticketing e alla monetizzazione del superfan. Gli audiolibri mostrano già una dinamica concreta: Audiobooks Plus dovrebbe raggiungere 100 milioni di dollari di ricavi ricorrenti annui entro luglio, partendo praticamente da zero due anni prima. I video musicali, guardati ormai da oltre due terzi degli abbonati Premium secondo quanto comunicato all’Investor Day, aprono un altro fronte di consumo e di posizionamento della piattaforma.

Spotify sta cercando di spostarsi da un modello centrato sullo streaming a un modello di piattaforma multilivello. Nel 2022 il dubbio era se Spotify potesse davvero trasformare la scala in profitti robusti. Nel 2024 e nel 2025 il mercato ha iniziato a credere nella disciplina finanziaria, prendendola come una metrica chiave. Nel 2026, con l’Investor Day, la società prova a fare un passo ulteriore: dimostrare che sopra quella disciplina può innestare nuove linee di crescita.

Il titolo è più che quadruplicato in quattro anni perché il mercato ha rivalutato Spotify come piattaforma scalabile e più profittevole; resta in forte rialzo sui due anni perché la storia di margini e monetizzazione rimane credibile; è però in calo sull’anno perché le aspettative sono diventate ormai molto alte. Il balzo dell’Investor Day segnala che gli investitori hanno visto una possibile nuova fase: non solo più utenti e più streaming, ma più ricavi per utente, più verticali e più controllo della relazione con fan e superfan.

Spotify, il balzo in Borsa e la nuova traiettoria industriale

Investor Day, AI e superfan: il mercato premia la coerenza di una svolta

Compirà il suo debutto presso i fan il prossimo 30 maggio a Torino, in occasione della prima tappa di Kiss Kiss Way 2026, l’evento itinerante dal vivo organizzato da Radio Kiss Kiss che dopo lo stop nel capoluogo piemontese (il 29 e 30 maggio) proseguirà alla volta di Baia Domizia (il 12 e 13 giugno), Viareggio (il 26 e 27 giugno) e Pescara (il 10 e 11 luglio), <a href="https://www.ticketone.it/TicketOne-Pass" target="_blank">TicketOne.Pass</a>, nuova formula di biglietto digitale ideata da TicketOne.

La nuova soluzione, al 100% digitale e integrata nell’app di TicketOne, offre agli organizzatori più controllo sugli accessi e maggiore sicurezza, garantendo agli utenti una migliore esperienza in occasione dell’evento: TicketOne.Pass, sempre tramite app, permette di mettere in vendita in modo più sicuro e veloce gli ingressi su Fansale (la piattaforma di rivendita ufficiale di TicketOne), e di effettuare i cambi di nominativo dei tagliandi in caso di cessione ad amici e familiari, oltre che di ricevere direttamente sul proprio smartphone informazioni utili - e sempre aggiornate - sull’accessibilità agli eventi.

In&nbsp;modo graduale, TicketOne gestirà tutti gli eventi in modalità TicketOne.Pass. La digitalizzazione del titolo di ingresso non impedirà agli appassionati di collezionare i tagliandi a titolo di ricordo: benché la modalità memory ticket, per l'evento del 30 maggio, non sia ancora prevista, in futuro il sistema messo a punto dalla piattaforma permetterà di ottenere il biglietto legato al concerto da conservare come memorabilia.

“Questa partnership con Radio Kiss Kiss porta al pubblico un’innovazione tangibile: un biglietto digitale realmente sicuro e intelligente”, ha commentato Andrea Grancini, CEO di TicketOne: “TicketOne.Pass è un titolo di accesso non duplicabile, tracciabile e completamente governabile. Il QR code è dinamico, viene generato e reso visibile solo poco prima dell’evento e funziona anche offline: una soluzione che elimina le frodi e qualsiasi tentativo di duplicazione illegale. Da oggi l’App TicketOne diventa il vero pass per il live: un unico strumento per informarsi, acquistare in modo semplice e sicuro e accedere agli eventi senza l’uso della carta, in maniera immediata, sostenibile e affidabile. I biglietti disponibili nell’App TicketOne sono sempre sotto controllo e possono essere trasferiti o rivenduti al prezzo facciale, come previsto dalla normativa vigente. Questo garantisce la massima sicurezza sia per i fan sia per gli organizzatori”.

Ticketing, TicketOne.Pass debutta con Kiss Kiss Way

Il nuovo biglietto digitale sarà utilizzato per la prima volta a Torino il prossimo 30 maggio

È esattamente questo il titolo di un workshop, organizzato da Ontier in co-produzione con Rockol MusicBiz, che il 28 maggio aggregherà a Milano una platea ristretta di addetti ai lavori per esplorare un tema embrionale e già di grande impatto.

Rappresentanti dei dipartimenti legal e digital della discografia, del comparto del publishing, del management musicale e delle istituzioni assisteranno, dopo un’apertura a cura di Rockol MusicBiz, a una relazione di Luca Pardo e Pierluigi de Palma sullo stato dell’arte della materia.&nbsp;

In un’analisi-rendiconto sul diritto alla voce, sarà approfondita una questione che, sempre più spesso, mescola la protezione del timbro vocale con la protezione di un marchio e sovrappone le esigenze di difesa dal deepfake alle opportunità di valorizzazione, restauro e monetizzazione di una nuova forma di asset che vede coinvolte un’ampia parte della filiera industriale. Da questo scenario, che proverà a coniugare l’aspetto legale e quello industriale, originerà una tavola rotonda tra i partecipanti.

La nuova frontiera dei diritti: la tutela della voce

Identità, proprietà e controllo nell’era dell’AI: come cambia il perimetro dei diritti nella musica

Halidon, etichetta discografica indipendente dedicata alla musica classica&nbsp;con quartier generale&nbsp;a Milano, ha raggiunto i 5 milioni di iscritti sul suo canale YouTube "Halidon Music".

Secondo quanto riportato nel comunicato ufficiale della label, il canale ha superato 2,4 miliardi di visualizzazioni complessive, raccogliendo contenuti dedicati alla musica classica. Il pubblico eterogeneo del canale riunisce numerosi Paesi, tra cui Stati Uniti (21%), Brasile, Giappone, Corea e Messico.

"Raggiungere questo traguardo non è una questione di numeri", ha fatto sapere, in una nota, l'azienda:&nbsp;"E' il risultato di ogni singola persona che ha premuto play in una tranquilla serata, che ha scoperto un compositore mai sentito prima. Siete voi la ragione per cui questa musica trova la sua strada nel mondo.&nbsp;La musica classica è spesso definita senza tempo, e forse è per questo che ci sorprende ancora: come una melodia scritta tre secoli fa possa arrivare esattamente dove ne abbiamo bisogno oggi. Voi lo avete capito.&nbsp;Ai nostri ascoltatori di lunga data che sono con noi fin dall'inizio, dal lontano 2009, la vostra lealtà e la vostra passione sono il fondamento di questa comunità. A chi si è unito di recente: benvenuti! C'è ancora tanto da esplorare insieme".

Halidon, fondata nel 1998, continua ad operare nel mercato della distribuzione fisica e digitale ed è attiva come società di edizioni, amministrando autonomamente il proprio catalogo musicale.

Halidon Music raggiunge quota 5 milioni di iscritti su YouTube

Il canale dell'etichetta indipendente milanese supera 2,4 miliardi di visualizzazioni

Matchfy PRO, lo spazio per professionisti dell’industria musicale&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754990/matchfy-lancia-matchfy-pro">lanciato da Matchfy lo scorso ottobre</a>, ha annunciato l’ingresso nel proprio staff di&nbsp;Manuel Burroni, che segue quelli - annunciati negli scorsi giorni - di&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758909/matchfy-pro-entra-nico-essig">Nico Essig</a>,&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758676/matchfy-pro-entra-emilio-munda">Emilio Munda</a> e&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758569/matchfy-entra-james-sanger">James Sanger</a>.

Nato a Foligno nel 2000, Burroni ha costruito il proprio percorso tra attività live, scrittura, produzione musicale e formazione tecnica. Nel 2016 ha aperto il canale YouTube “Manuel Burroni Official”, dove ha pubblicato contenuti musicali e tutorial, superando nel tempo un milione e mezzo di visualizzazioni. Nel 2023 ha partecipato al Tour Music Fest nella categoria autori, raggiungendo la semifinale nazionale.

"Ho scelto Matchfy perché credo nel valore del confronto diretto tra artisti e professionisti. Oggi chi fa musica ha bisogno di feedback reali, non solo numeri o algoritmi", ha dichiarato Burroni:&nbsp;"Matchfy crea un ponte concreto tra chi produce e chi vuole crescere davvero".

Paolo Mantini, CEO di Matchfy, ha aggiunto: "Manuel rappresenta perfettamente una nuova generazione di professionisti capaci di unire competenze tecniche, esperienza sul campo e sensibilità artistica. Il suo percorso dimostra quanto oggi sia importante accompagnare gli artisti non solo nella produzione del suono, ma anche nella costruzione di una vera identità musicale. La sua attenzione al dettaglio e alla crescita concreta dei progetti porta grande valore alla community di Matchfy PRO".

Matchfy PRO, entra Manuel Burroni

Autore, produttore e sound engineer, offrirà feedback tecnici e artistici agli emergenti.

Marco Ottaviani è stato nominato nuovo capo della Comunicazione di NUOVOIMAIE: effettivo a partire dal prossimo lunedì, 25 maggio, nel suo ruolo - come successore di Paolo Arrigoni, uscito dall’organico della collecting nel marzo del 2025 - Ottaviani riporterà al Presidente Andrea Miccichè e al Direttore Generale Maila Sansaini.

Laureato all’Università La Sapienza di Roma in Sociologia delle Comunicazioni di Massa, Ottaviani, dopo le prime esperienze come Responsabile delle Comunicazioni e Project Manager a Ravess e come Marketing Manager presso Trade Art, è stato - a partire dal maggio del 2022 - in forze dell’organico della Croce Rossa Italiana, prima come Ufficio Stampa, poi come Responsabile Servizio Stampa e infine - dal marzo dello scorso anno - Portavoce del Presidente Nazionale.

NUOVOIMAIE, Marco Ottaviani nuovo capo della Comunicazione

Sarà effettivo nel proprio ruolo a partire dal prossimo lunedì, 25 maggio

Achille Lauro è stato nominato direttore creativo di Dondup: la prima collezione realizzata sotto la supervisione dell’artista sarà presentata il prossimo 15 giugno in occasione della data che vedrà la voce di “Rolls Royce” protagonista allo stadio Meazza di San Siro, a Milano.

"Volevo creare qualcosa che restasse. Non come volto ma come autore”, ha dichiarato al proposito Achille Lauro: “Non un gesto, ma un progetto. L'inizio di un percorso creativo che nei prossimi anni influenzerà l'immagine, le collezioni e il posizionamento di Dondup - preservandone il DNA e rafforzandone l'identità. L'eleganza non è un accessorio, è un'attitudine, e la moda deve saperla raccontare”.

"Sono davvero felice che Lauro si unisca alla nostra squadra nel ruolo di direttore creativo di Dondup per una collaborazione di lungo periodo”, ha aggiunto Mauro Grange, CEO di Dondup: “Grazie alla sua profonda sensibilità artistica e al suo apprezzamento per il patrimonio del nostro marchio, sono sicuro che guiderà il team creativo con una visione distintiva contribuendo a scrivere il prossimo capitolo di Dondup, capitalizzando il suo heritage e portando grande valore al brand. Fin dai primi momenti c'è stata una bellissima sintonia tra noi due e non vediamo l'ora di realizzare grandi progetti insieme. Con Lauro De Marinis, Dondup continuerà a influenzare la moda e la cultura attraverso collezioni altamente desiderabili e con una prospettiva unica e contemporanea al lusso moderno".

Achille Lauro

Achille Lauro nominato direttore creativo di Dondup

‘Non un gesto, ma un progetto’

Si è compiuta lo scorso 30 aprile, con la messa in vendita degli ultimi articoli legati alla PFFC Collection - un bundle che ha incluso una t-shirt e un vinile colorato - l’operazione che ha visto <a href="https://www.rockol.it/news-758292/pink-floyd-collaborazione-con-l-inter-per-wish-you-where-here">Sony Music collaborare con FC Internazionale Milano</a> per celebrare il cinquantesimo anniversario di “Wish You Were Here”, uno dei capitoli più importanti nella carriera dei Pink Floyd e tra gli album più rilevanti della storia del rock internazionale. Spingendosi oltre il semplice rilancio in termini di visibilità, l’iniziativa - che ha visto Sony Music Italia interagire su più livelli con la storica società meneghina - ha portato a una vera e propria sinergia tra i due brand, concretizzatasi in una <a href="https://www.rockol.it/news-758349/inter-cagliari-pink-floyd-wish-you-were-here-sony-collezione-calcio">simbiosi tra l’eredità musicale lasciata dalla formazione un tempo guidata da Roger Waters e David Gilmour e il club</a> laureatosi lo scorso 3 maggio campione d’Italia per il 2026.

“Sì, sono interista, ma la fede calcistica non è il punto”, spiega Luca Fantacone, Director Catalogue di Sony Music Italy, alla domanda se a far scoccare la scintilla sia stata una somma di passioni: “Con l’Inter abbiamo lavorato su diversi progetti, sempre uniti dall’obiettivo di creare delle connessioni o esaltare connessioni già esistenti tra la musica e lo sport, due ambiti distinti ma spessissimo complementari e coincidenti. Posta questa condizione, ci siamo trovati con regolarità a ragionare su come fare attività e partnership create su questo presupposto, fino ad arrivare al caso specifico dei Pink Floyd”. “La collaborazione tra Inter e Sony Music nasce all’interno di un rapporto già consolidato tra i due brand: negli anni, Sony ha infatti messo a disposizione brani e contenuti della propria libreria musicale per celebrare momenti storici del club e per specifiche attivazioni digitali”, ha aggiunto Luca Adornato, Brand &amp; Marketing Director di FC Internazionale Milano: “Quando Sony è tornata a confrontarsi con Inter per esplorare nuove forme di collaborazione, è emersa l’occasione dei 50 anni di ‘Wish You Were Here’. Da lì è iniziato un dialogo più strutturato per capire come costruire qualcosa che andasse oltre il semplice utilizzo musicale e che avesse una base narrativa solida e coerente con il mondo Inter”.

La gestione di due legacy così importanti è meno complessa di quanto possa apparire, a patto - precisa Fantacone - di “partire da una visione unica, quella di connettere in modo virtuoso ed organico due brand così importanti, con un DNA molto specifico ma con molti potenziali punti di contatto. L’importante è non fare operazioni in cui i vari pezzi vengono attaccati con lo scotch, come fossero corpi estranei, altrimenti il pubblico non li riconosce come tali. Dal punto di vista gestionale, l’importante è cercare di unire tutte queste parti e gli aspetti di ognuno dei due brand con estrema sensibilità, cercando di cogliere la vera natura di entrambi senza mai snaturarla. Questo si gestisce con un grande lavoro di tre team allargati e numerosi, come quelli di Sony Music Italia, Sony Music UK e Inter”. Per Adornato la collaborazione tra Inter e Sony Music ha avuto, alla base, il “principio fondamentale dell’autenticità”. “Proprio perché si tratta di marchi iconici, con un’eredità culturale e una fanbase molto forte, la chiave è stata&nbsp; trovare un elemento di connessione reale e credibile”, spiega il Brand &amp; Marketing Director nerazzurro: “In questo caso, la scoperta che <a href="https://www.rockol.it/news-758314/pink-floyd-storia-squadra-calcio-collaborazione-con-l-inter">i Pink Floyd avevano fondato una squadra di calcio alla fine degli anni ’70</a> ha rappresentato il territorio comune perfetto su cui costruire la narrativa. Da lì si è sviluppato uno storytelling condiviso, capace di rispettare entrambe le identità e di valorizzarne i punti di contatto senza forzature”.

Il calcio, come la musica, è una passione che sa essere - a volte - totalizzante: in questo caso, tuttavia, il legame tra una band e uno specifico team non è stato letto come possibile criticità agli occhi di altri fan del gruppo con fede calcistiche diverse. “Ovviamente il calcio è divisivo per definizione, specialmente in paesi come l’Italia in cui è vissuto con molta intensità”, riflette Fantacone: “E’ divisivo in senso rispettoso. Nel momento in cui ci si pone l’obiettivo di unire la musica allo sport e soprattutto al calcio viene automatico pensarlo. In realtà erano così tanti i punti di contatto e le combinazioni emerse durante la progettazione di questa attività da farci dire che era una storia giusta da narrare e un percorso giusto da fare insieme. Un obiettivo è sempre quello di allargare il più possibile il pubblico, con intelligenza, di ogni artista, quindi anche dei Pink Floyd, e a maggior ragione con un artista, sia solista sia band, che è stato in grado di creare musica che vive e cresce da 50 anni e riesce a coinvolgere altre generazioni e tipi di pubblico. Quando si può fare con un’attività di questo tipo, per noi è sempre un valore aggiunto. Cercare di coinvolgere in modo corretto il pubblico, con un’operazione mai tentata prima in Italia, comunica molto il modo in cui noi cerchiamo di trattare, sviluppare, far accrescere e valorizzare i cataloghi”.

Il carattere innovativo dell’iniziativa è stato riconosciuto, dalla major, a livello internazionale. “L’Italia è stato il primo Paese della comunità Sony Music a proporre un progetto legato alla musica e al brand Pink Floyd, ed è stata accolta con molto entusiasmo”, ammette Fantacone: “Essendo un progetto strutturato nel minimo dettaglio, ha trovato un’accoglienza molto positiva, e il rapporto e il supporto della parte internazionale del gruppo in questo progetto sono stati molto importanti per poter sviluppare il progetto e la partnership nella maniera migliore”. Anche a livello commerciale, il bilancio dell’operazione ha decisamente soddisfatto entrambe le parti. “La reazione dei tifosi a questa collaborazione è stata estremamente positiva, sia in termini di percezione sia di risposta immediata”, conferma Adornato: “La collezione è andata sold out nelle prime 24 ore e, anche sul piano della visibilità, i numeri sono stati rilevanti: oltre 14 milioni di impression e circa 4 milioni di video views. I tifosi e i media – sia in Italia che all’estero – hanno inoltre percepito l’operazione - vissuta come parte di una traiettoria che mira a consolidare l’identità di Inter anche al di fuori del perimetro puramente sportivo, mantenendo però un forte legame con la propria essenza calcistica - come autentica, e questa è la cosa che ci rende più felici”. “Dal punto di vista commerciale, le previsioni sono state assolutamente confermate, se non superate”, conferma Fantacone: “Tutta la collection è andata sold out, sia da parte di Sony che di Inter. È andata molto bene”.

E’ lecito, quindi, aspettarsi - in futuro - iniziative analoghe che rinsaldino il legame tra musica e sport? “La base è trovare una corrispondenza tra la natura dei due brand, la squadra e l’artista in questo caso: ci deve essere una base organica fondamentale che sia vera, spontanea e autentica”, conclude Fantacone: “Ovviamente dipende molto da come si gestisce e dal fatto di riuscire a esaltare questa organicità e autenticità e a declinarla in tanti strumenti di comunicazione, immagini e item che la comunichino. E’ un’area su cui si può lavorare molto e con grande entusiasmo”.

Pink Floyd e Inter: musica, calcio e autenticità

Il racconto dal backstage del sodalizio tra il club e Sony Music per il 50° di 'Wish You Were Here'

Esse Magazine, la celebre pagina social dedicata al rap fondata da Antonio Dikele Distefano e ormai diventata il principale punto di riferimento del settore, è scomparsa da Instagram: da ieri non è più presente nella barra di ricerca del social network, e cliccando sul link diretto compare la dicitura "È possibile che il link che hai seguito sia corrotto o che la Pagina sia stata rimossa". Non si sa se si tratta di una misura temporanea o definitiva, in quanto i ban di Meta sono piuttosto variabili a livello di orizzonte temporale.&nbsp;Su Facebook, inoltre, il loro profilo risulta ancora regolarmente presente, anche se inattivo dal 2024. Le attività di Esse Magazine potrebbero essere definite come advertorial, trattandosi più di un'agenzia di content creation e marketing che di una vera e propria testata giornalistica: è un misto tra contenuti editoriali e operazioni pubblicitarie e/o sponsorizzate direttamente da etichette, management e agenzie di booking.

E' un problema non da poco per l'azienda, che basa la gran parte delle sue attività sulle interazioni social, non avendo una vera e propria landing page sul web e caricando tutti i suoi contenuti su piattaforme non proprietarie: contattata da noi, la redazione di Esse Magazine preferisce non rilasciare dichiarazioni fin all'avvenuta risoluzione dell'incidente. Sarà nostra cura comunicare eventuali aggiornamenti.

Aggiornamento al 15 maggio 2026: Il profilo di Esse Magazine risulta tornato online.

Esse Magazine rimosso da Instagram

La pagina non è più disponibile da ieri e non compare neanche nella barra di ricerca

Con un aumento rispetto al 2024 del 21%, dall’inizio dell’anno - in Italia - il pubblico ha già speso un miliardo di euro in biglietti per spettacoli musicali dal vivo: è quanto emerge dai primi dati presentati in anteprima dalla ricerca annuale di AssoConcerti, dedicata all’impatto e alle prospettive dei concerti sul territorio. Lo studio, che verrà presentato interamente il prossimo ottobre, è stato al centro del panel “Il ruolo della musica live nello sviluppo del turismo e nella crescita culturale, sociale ed economica dei territori” nell’ambito del Festival dell’Economia di Trento organizzato da Il Sole 24 Ore. All’incontro, moderato dal Direttore HTSI – Il Sole 24 Ore, Nicoletta Polla Mattiot, oltre al Presidente di AssoConcerti, Bruno Sconocchia sono intervenuti anche il Ministro del Turismo, On. Gianmarco Mazzi, e il critico musicale Gino Castaldo.

Quello del live italiano, stando ai numeri presentati, è “un settore che conferma una crescita costante nel periodo post-pandemico: secondo i dati forniti da SIAE relativi ai numeri del genere ‘Pop, rock e leggera’, nel corso dell’anno si sono svolti 40.324 spettacoli, per un totale di 26.371.010 spettatori e una spesa complessiva del pubblico pari a 1.089.248.353 euro”.

“Con una crescita nel 2025 del 42% rispetto all’anno precedente, i nostri associati continuano a rappresentare il cuore del sistema, coprendo quasi il 70% del mercato”, ha dichiarato Sconocchia: “La musica live garantisce capillarità e diffusione culturale su tutto il territorio nazionale, dalle grandi città ai piccoli centri, creando occasioni di aggregazione, incontro e partecipazione sociale”.

“Gli oltre 40.000 spettacoli e 26 milioni di spettatori confermano come i concerti siano un potente motore del turismo musicale, con ricadute significative su trasporti, ospitalità, ristorazione e commercio locale”, osservato AssoConcerti, la cui ricerca, realizzata in collaborazione con l’Università di Pisa, evidenzia che nel 2025 le ricadute economiche complessive del settore hanno raggiunto i 4,3 miliardi di euro. “Tra i casi più significativi del 2024 figurano i concerti di Taylor Swift a Milano e David Gilmour a Roma”, spiega l’associazione: “Nel primo caso, il 77% degli spettatori proveniva da fuori regione, con una quota estera del 30%, una spesa media individuale di 570 euro e un impatto economico di 73 milioni di euro; nel secondo, l’83% del pubblico arrivava da altre regioni, con stranieri al 43%, una spesa media di 827 euro e ricadute pari a 60 milioni di euro. A livello nazionale, la stima per il 2025 supera gli 11 milioni di pernottamenti legati agli eventi di musica dal vivo”.

“Come per ogni comparto, è necessaria una politica industriale”, ha sottolineato Sconocchia, rivolgendosi alle istituzioni: “La musica popolare contemporanea è ora a tutti gli effetti un’industria: una definizione che descrive la complessità del settore, i modelli organizzativi e operativi, l’entità degli investimenti richiesti e le ricadute economiche e occupazionali generate. Non chiediamo assistenzialismo, ma strumenti capaci di sostenere un tassello fondamentale e strategico per la cultura, il benessere, la coesione sociale e l’occupazione, per gli importanti effetti anche sul turismo e sull’economia dei territori”.

“Io sono arrivato alla conclusione di sostenere con forza questo sistema industriale, che è qui rappresentato da Bruno Sconocchia e, in generale, dall’industria della musica che è un comparto importantissimo dell’industria della cultura”, ha concluso il Ministro Mazzi: “Perché anche la musica che viene definita ‘leggera’ è espressione di cultura, come ha sottolineato anche il Presidente Mattarella. E a me piace il termine ‘leggera’, perché in un mondo dominato dalla pesantezza ben venga chi porta della leggerezza. Questa mia consapevolezza si è consolidata proprio quando ero alla Cultura. Forse la musica pop è una forma culturale anche più forte dello sport: è una relazione umana che porta più unità, unione, condivisione, affratellamento, collegialità. Quando si va a vedere un concerto ci sono 100.000 persone, tutte lì per divertirsi. Questo è un mondo che è un patrimonio da sostenere”.