Beatport, lo store online popolarissimo tra gli appassionati di musica elettronica attivo dal 2005, ha rilevato la quota di maggioranza dell’International Music Summit, happening internazionale dedicato alla dance che ogni anno di tiene a Ibiza la cui prossima edizione avrà luogo tra i prossimi 26 e 28 aprile.

“L’International Music Summit è diventato uno dei raduni di maggior impatto per le industrie globali di DJ e musica dance, e tutti a Beatport sono entusiasti di portare questo marchio a un livello superiore”, ha fatto sapere il ceo di Beatport Robb McDaniels, che vede nell’evento “la componente principale del nostro piano per espandere il nostro marchio in tutto il mondo tramite la community, la divulgazione e le iniziative dedicate al settore”.

“Siamo molto orgogliosi di ciò che abbiamo costruito negli ultimi sedici anni, portando avanti il nostro discorso dalla casa naturale del nostro genere, Ibiza”, hanno aggiunto in una dichiarazione congiunta i fondatori dell’International Music Summit, Pete Tong, Ben Turner, Danny Whittle, Mark Netto e Simeon Friend: “Questa alleanza ci permetterà di attuare molte delle nostre idee su come continuare a far crescere questa iniziativa tutto l'anno, rivolgerci ancora di più alle nuove generazioni, e dare voce al settore sui temi più importanti. Ci aiuterà ad aumentare la nostra capacità di avere più impatto per il nostro ambiente”.

Beatport

Clubbing

Ibiza (Spain)

international music summit

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Dance, a Beatport la maggioranza dell’International Music Summit

Industria

La società con sede in Colorado sbarca a Ibiza in grande stile

Articolo a cura di Lucia Maggi, CEO e partner di 42 Lawfirm.

L’Unione Europea ha presentato il Digital Omnibus on AI, il nuovo pacchetto di modifiche all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/ai-act-495842">AI Act</a> pensato per semplificarne l’attuazione. Semplificazione, però, non significa accelerazione, anzi, il testo conferma ciò che nel settore creativo si percepiva da mesi, cioè che le norme più rilevanti per la trasparenza della generative AI, per la tracciabilità dei contenuti e per la protezione degli artisti slittano ulteriormente nel tempo. Non cambia il quadro giuridico, ma si sposta in avanti la sua efficacia reale.

Per chi lavora nella musica, artisti, etichette, editori, collecting societies, la notizia è significativa. L’AI Act non è una legge sul copyright, ma rappresenta la cornice tecnica ed etica dentro cui il diritto d’autore dovrà muoversi nei prossimi anni. E proprio qui sta il punto, con il Digital Omnibus molte promesse di trasparenza by design, fondamentali per distinguere ciò che è umano da ciò che è sintetico, vengono rinviate.

L’articolo 50 dell’AI Act obbliga i provider a indicare quando un contenuto, audio, testo, immagine o video, è generato o manipolato da un sistema di intelligenza artificiale. È uno strumento potenzialmente decisivo contro deepfake, manipolazioni e derivati non autorizzati, e rappresenta la condizione tecnica per distinguere un brano umano da uno creato integralmente da un modello generativo. Il Digital Omnibus concede però sei mesi extra ai provider per adeguare i sistemi già sul mercato, spostando più avanti la piena applicazione del requisito di marcatura. Inoltre, i requisiti tecnici necessari per rendere il watermark interoperabile dipendono da standard ancora in fase di definizione. Fino alla loro pubblicazione ogni piattaforma potrà adottare soluzioni proprietarie, con evidenti limiti per l’intero ecosistema.

Per l’industria musicale ciò significa una cosa chiara, la lotta ai deepfake vocali e alla manipolazione dei master non avrà strumenti realmente operativi prima del 2027.

Gran parte degli obblighi più incisivi dell’AI Act, inclusa la documentazione dei dataset di addestramento, riguarda i sistemi ad alto rischio. Il Digital Omnibus stabilisce che tali obblighi entreranno in vigore solo quando la Commissione avrà verificato la disponibilità di standard, linee guida e strumenti tecnici adeguati. Tradotto, senza standard non vi sarà attuazione piena e senza attuazione rimarrà limitata la possibilità di verificare come sono stati addestrati i modelli. Se un modello non è classificato come high risk continuerà a non essere soggetto agli obblighi più penetranti di documentazione.

Il documento riconosce anche un ritardo diffuso tra gli Stati membri nella designazione delle autorità competenti e degli organismi di valutazione della conformità, necessari per eseguire controlli e audit sui modelli. Senza tali organismi il diritto rimane sulla carta. Nessuna legge può essere efficace senza l’infrastruttura che la rende applicabile.

La narrazione istituzionale insiste su un’Europa AI first, capace di guidare lo sviluppo tecnologico in modo etico, ma il Digital Omnibus mostra una distanza evidente tra obiettivi e capacità attuativa. L’intento è affrontare problemi concreti, ma il risultato è che le norme più sensibili per la creatività e per il mercato culturale rimarranno inattuate ancora per mesi.

Nel frattempo la generative AI evolve rapidamente. Nuovi modelli in grado di ricreare timbri vocali, stili compositivi e arrangiamenti complessi vengono rilasciati continuamente e senza strumenti di tracciabilità robusti diventa sempre più difficile distinguere tra opera originale, imitazione e derivazione.

Il copyright europeo è già sotto pressione per la velocità dell’innovazione. L’AI Act non decide cosa è lecito nei processi di training, ma introduce gli strumenti che permettono di riconoscere e monitorare ciò che i modelli fanno. Ritardarne l’attuazione significa ritardare anche la capacità dei titolari dei diritti di difendere le proprie opere. Per questo il settore musicale guarda al Digital Omnibus con attenzione, perché più la trasparenza slitta, più sarà complesso proteggere performance, composizioni, registrazioni sonore e identità artistiche in un mercato in cui la linea tra umano e artificiale è sempre più sottile.

Gen AI: l'Europa ritarda ancora con il Digital Omnibus (AI Act)

Il pacchetto di semplificazioni sposta di sei mesi l'attuazione delle tutele per musica e creatività

La Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, ha ospitato oggi - 19 novembre - il panel "La musica italiana: come si colloca nello scenario globale? Sfide ed opportunità”. L’incontro, presentato da Pirames, ha voluto offrire "un quadro sul ruolo della musica italiana nel contesto internazionale, analizzando le dinamiche che ne influenzano la diffusione, il riconoscimento e l’evoluzione”.

Ad aprire il dibattito, moderato da Davide Poliani, giornalista responsabile di MusicBiz di Rockol, è intervenuto l’On. Federico Mollicone, Presidente della Commissione Cultura della Camera dei deputati, per rappresentare il punto di vista delle istituzioni rispetto alle criticità che l’industria musicale affronta nella valorizzazione del repertorio popolare contemporaneo italiano all’estero. "Insieme al Sottosegretario di Stato alla Cultura, Gianmarco Mazzi — che proviene dal mondo dello spettacolo dal vivo — stiamo seguendo questo tema fin dall’inizio della legislatura. Io, in qualità di Presidente della Commissione Cultura, lo affronto dal lato parlamentare e ho una visione completa delle dinamiche in corso. I dati SIAE, per esempio, ci mostrano che grazie al grande impegno dell’intera filiera dopo il Covid sono arrivati risultati molto positivi. Li abbiamo presentati insieme al MIC qualche tempo fa, e anche altri rapporti confermano, come ricordavate, una ripartenza molto significativa", ha sottolineato&nbsp;l’On. Federico Mollicone, per poi continuare: "Entrando nel concreto, ci sono diversi interventi economici destinati a sostenere il sistema musicale italiano. Dai dati della Direzione generale Spettacolo del MIC, relativi alla musica popolare contemporanea,&nbsp;emerge che per la promozione del talento musicale del nostro Paese all'estero, nel 2024 sono stati finanziati 12 organismi per 327 mila euro, per un totale di 293 milioni di euro; nel 2025 sono stati&nbsp;finanziati 10 organismi per una cifra simile. Inoltre, ci sono 265 domande su 61 imprese richiedenti il tax credit musica, uno strumento che sta funzionando molto bene — paragonabile, per efficacia, a quello utilizzato in altri Paesi — e che poggia su un fondo da 5 milioni di euro". Ha continuato: "Si tratta di cifre che, rispetto al volume economico mosso dalla musica italiana, non sono ancora sufficienti, ma rappresentano comunque una crescita rilevante rispetto al passato. Quando si apre un fondo, infatti, spesso nei successivi anni viene incrementato. In particolare, in questa legge di bilancio abbiamo introdotto un emendamento dedicato allo sviluppo e alla promozione del sistema musicale popolare contemporaneo, per valorizzare questo settore e sostenerne la crescita. La legge di bilancio partirà dal Senato — io sono alla Camera — e tornerà poi alla Camera per la seconda lettura. Il fondo, con una dotazione di 3 milioni annui, servirà a finanziare interventi di sviluppo e di rafforzamento del sistema, migliorandone la competitività e sostenendo le imprese produttrici e gli organizzatori musicali italiani. Sono inoltre già stati stanziati 5 milioni nella legge di bilancio per la valorizzazione e la promozione della musica italiana in Italia e all’estero, con l’obiettivo di sostenere la promozione e l’esportazione delle nostre produzioni. In generale, è in arrivo il nuovo Codice dello Spettacolo, che offrirà finalmente un quadro organico per capire e valorizzare il sistema musicale nel suo insieme. Per la prima volta si riconosce pienamente la musica popolare contemporanea come una forma d’arte al pari della musica classica e delle altre arti musicali, sancendo un principio atteso da anni. C’è grande attenzione su questi temi. Naturalmente, sappiamo che si può fare molto di più dal punto di vista dei finanziamenti, ma stiamo lavorando per procedere in questa direzione. E posso dirvi che c’è un ottimo rapporto con le associazioni di categoria, fondamentale per costruire politiche efficaci e condivise".

Davide Poliani ha quindi portato l'attenzione sul modello "user-centric", che determina le retribuzioni a favore degli aventi diritto. A proposito di questo, ha quindi preso parola&nbsp;Massimiliano Pani, proprietario e direttore artistico di PDU Music&amp;Production nonché produttore ed arrangiatore, tra gli altri, anche di Mina, il quale ha sottolineato: "Si continuano a leggere spesso dati per cui la musica starebbe generando grandi risultati economici. Ma a beneficio di chi? Sono volumi di soldi che poi non vanno ad artisti, autori o produttori. È vero che viene generato un grosso volume di soldi, ma questi soldi poi non vanno agli autori. La verità è che se io faccio un abbonamento di 10 euro su un servizio di musica e poi ascolto un determinato artista, 5 euro non vanno direttamente a quell’artista. La distribuzione va quindi in base a quote di mercato e a valori di classifica. Viene tutto digitalizzato in maniera corretta, eppure alla fine finisce tutto in un calderone e si divide a quote. Più che un tema di trasparenza, qui si tratta di un tema di volontà da parte degli accordi tra le piattaforme e le multinazionali".

Dal punto di vista legale come si pone il repertorio italiano all'estero? Quali sono le sfide che la tutela del nostro repertorio ci pone? Per rispondere a questa domanda, è intervenuto&nbsp;l’avvocato Vittorio Costa, legale esperto in Diritto d’autore, che ha evidenziato: "In Italia ci fu nel ’41 una legislazione per la disciplina del diritto d'autore che fu estremamente innovativa e d'avanguardia allora. Ma ora siamo rimasti molto, molto indietro. Addirittura, la comunità europea, che non era mai stata troppo favorevole del lavoratore singolo, ha emanato la direttiva UE 2019/790 che impone agli Stati di avere un'attenzione nel legiferare su quello che può essere il recupero della filiera. Perché la filiera parte dall'autore. Se non c'è un autore che scrive delle belle canzoni, non si va troppo lontano. La tecnologia a cosa ha portato? Che la musica si fa molto velocemente, e semplicemente. Una volta non era così, e si ottenevano risultati straordinari - che infatti hanno portato a brani che sono diventati dei classici, che ora fanno funzionare l’economia italiana nel mondo. Nel mondo, la musica italiana è quella ancora un po' vecchia. L'attuale musica è rimasta molto, molto indietro rispetto agli altri. Che cosa succede quindi? Che non c'è una remunerazione per i nuovi autori, non c'è una remunerazione per i nuovi compositori. E la remunerazione che può andare agli interpreti e agli esecutori in Italia è soltanto quella del territorio italiano. All'estero, purtroppo, abbiamo perso gran parte degli incassi, che vengono ripartiti sempre sui vecchi brani, sui vecchi interpreti. Però non vedo un futuro”. Ha aggiunto: “Il vero problema è fare in modo che i soldi che il governo va a stanziare vadano a sostenere la parte creativa. Perché senza qualità, la ripartizione non sarà mai efficace su chi poi è il vero autore del lavoro".

La parola è quindi passata a Gianluigi Chiodaroli, Presidente di Itsright, il quale ha precisato: “Io faccio un mestiere che riguarda la gestione collettiva dei diritti connessi al diritto d'autore, cioè i diritti di direzione secondaria che aspettano agli artisti e ai produttori discografici sulle registrazioni che hanno realizzato. Seppur ci si trova ormai a parlare di digitale, io in realtà lavoro ancora sui vecchi media: radio, tv, discoteche - tutto un mondo che costituisce una fetta in crescita, magari vista come obsoleta, ma comunque significativa dell'economia della musica e soprattutto dell'economia dell’artista. Che è il punto da cui io guardo e da cui sto cercando di trarre i numeri che ora vi racconto". Ha proseguito: "Un primo dato: che l'internazionale fosse un'area strategica per noi è un'intuizione del primo giorno. Esistiamo da 15 anni e siamo progressivamente cresciuti, oggi abbiamo 40 persone che lavorano in Itsright e 4 di queste - quindi il 10% - lavorano solo sull'internazionale. Perché è più difficile. Perché è quello rispetto al quale la costruzione della raccolta richiede tempo”. E ancora: “Noi riusciamo a raccogliere il circa 10-15% del totale della raccolta in giro per il mondo. Come si fa? Abbiamo una cinquantina di organizzazioni come la nostra, per esempio in ciascun paese del mondo, con ciascuna di queste si fanno degli accordi di reciprocità. Un elemento che fa la differenza rispetto al discorso sul digitale, la raccolta viene restituita su base analitica. Questo punto dei numeri è quello sul quale io comincio a portare sul tavolo dell'Onorevole una richiesta. Noi non abbiamo ricerche scientifiche e sistematiche sulla musica italiana nel mondo. Abbiamo tanti frammenti, che io ho cercato di mettere insieme. Ma poi alla fine mi sono arreso. Posso quindi prendere solo i numeri condivisi nella nostra comunità di collecting. Però credo che potrebbe essere utile - in un momento in cui si ragiona anche con i dipartimenti del Governo che si occupano dell'economia italiana del mondo - pensare una raccolta dati. Che la musica italiana sia presenta nel mondo sui mezzi tradizionali è un artefatto, confermato dai quattro numeri che ora fornisco. Ebbene, 51 accordi di reciprocità nel mondo - escludendo gli Stati Uniti d’America: incassiamo da tutti i 51 paesi, anche quelli minori, perché hanno la presenza di musica italiana. Della nostra comunità di artisti, il 90% incassa regolarmente somme dall’estero - il 90% è un'entità altissima. Anche se meno di un quinto, cioè un 20%, raccoglie somme medie superiori a mille euro all’anno”. Ha aggiunto: “Com'è composta questa serie di artisti? Per la maggior parte, sono artisti assenti dalle classifiche top nazionali, come è ovvio. Gran parte della musica del catalogo è quella evergreen, oltre a tantissima musica classica - e non sono quella di grandi direttori come Claudio Abbado, che è stato uno dei nostri primi artisti. Anche gli artisti non così conosciuti, però, sono presenti. E soprattutto sono tantissimi artisti che beneficiano delle differenti culture e delle differenti musiche nei singoli paesi”. Ha concluso: “Prendendo come fonte l’Associazione di categorie delle collecting, di artisti nel mondo noi abbiamo circa un 20%, quindi circa 200 milioni di euro all'anno che vengono scambiati tra tutte queste collecting nel mondo - esclusi sempre gli USA. La raccolta media italiana su questo scambio di 200 milioni nel mondo, si aggira intorno al 2-3%. Vuol dire che l'incidenza della musica italiana nel mondo è solo del 2%, o ben il 2%? Per dirlo, ci mancano dati di confronto. La domanda - retorica - è: possiamo davvero crescere? Sulla base della mia esperienza, la risposta è sì, e direi almeno del doppio. Ritengo, anche se non posso dimostrarlo qui in modo oggettivo, che l’incidenza della musica italiana nel mondo possa realisticamente raggiungere il 4-5%, percentuale che oggi non viene pienamente intercettata e raccolta. Sono convinto che, nell’arco di 3-5 anni, si possa e si debba arrivare a quel traguardo. Come arrivarci? Attraverso informazioni solide, strumenti adeguati, banche dati efficienti. Va detto che, da questo punto di vista, il fronte degli artisti si è organizzato meglio rispetto a quello discografico. Esiste infatti, almeno come riferimento affidabile, una sorta di anagrafe mondiale degli artisti e degli operatori musicali. È gestita da una grande associazione, l’IPT, che attribuisce a ciascun artista un codice identificativo certificato per la gestione delle attività artistiche. Serve proprio a evitare che un artista che ha suonato in un Paese o in un altro “sparisca” dai registri e non possa essere correttamente riconosciuto. Grazie a un lavoro di ottimizzazione dell’interoperabilità tra i diversi sistemi informatici, non è realistico immaginare un unico ‘supersistema’ mondiale. È molto più sensato procedere attraverso un network di flussi informativi - come già avviene sia sul fronte commerciale sia su quello tecnico. E qui si apre uno spazio importante anche per l’intelligenza artificiale: utilizzata come strumento di lavoro, può rappresentare una delle prospettive più concrete per accelerare questo processo e renderlo più efficiente e trasparente”.

Federico Montesanto, CEO di Pirames, ha ora sottolineato&nbsp;nuovamente che "nel digitale oggi vige un sistema di ripartizione pro-rata. Sarebbe auspicabile passare a un modello user-centric, ma al momento la ripartizione complessiva degli introiti dello streaming -&nbsp;cioè gli incassi delle piattaforme -&nbsp;avviene secondo due grandi categorie: gli utenti che pagano l’abbonamento per ascoltare musica e quelli che ascoltano gratuitamente accettando la pubblicità. Il sistema pro-rata significa che i ricavi vengono distribuiti in proporzione alle percentuali totali di ascolto, indipendentemente da ciò che ogni singolo utente ascolta. È un meccanismo che, ai tempi in cui si parlava solo di YouTube, poteva anche sembrare 'automatico'; oggi però, con lo streaming così diffuso, è un metodo sempre meno equo". Ha continuato: "Un sistema user-centric funzionerebbe così: io pago 11,99 euro di abbonamento e i miei soldi vengono distribuiti agli artisti che ho realmente ascoltato. Se ho ascoltato tre canzoni di Mina, allora la quota va a lei. È semplice, trasparente, logico. Soprattutto: fa sopravvivere i piccoli. Dal mio punto di vista, come operatore italiano con attività in diversi Paesi, vedo molte criticità pratiche. Oggi, quando si parla di pubblicità digitale, anche le grandi aziende italiane spesso non gestiscono in Italia i contratti operativi,&nbsp;ma la gestione avviene negli Stati Uniti. Ciò significa che i flussi economici e gran parte della gestione operativa vanno all’estero. Questo è un problema competitivo evidente. Negli anni siamo stati un Paese centrale nell’aggregazione di contenuti; ora rischiamo che il valore ci sfugga di mano. C’è un’altra questione: la musica italiana ha un peso culturale enorme, ma nella distribuzione globale dei contenuti musicali registrati siamo schiacciati da repertori quasi interamente stranieri. È un problema di equilibrio culturale".&nbsp;Ha aggiunto: "Venendo al tema dell’intelligenza artificiale generativa:&nbsp;io ho sempre sostenuto&nbsp;che il cuore del problema non è 'se'&nbsp;l'ai generativa si debba usare, ma 'come'. La normativa che si sta sviluppando prevede che il titolare del copyright debba dichiarare di non voler essere utilizzato dalle IA. Ma come si fa, concretamente? Dovremmo scrivere a tutti i modelli del mondo? E una volta che un modello ha già imparato, che cosa significa 'cancellare' quell’apprendimento? È per questo che serve un registro pubblico delle opere utilizzate dall’IA per l’addestramento, gestito da un organismo tecnico indipendente, senza conflitti di interesse, basato su tecnologie come la blockchain. Solo così potremo sapere che cosa&nbsp;ha imparato un modello, e in che modo tutelare i diritti". Ha chiuso sottolinenando: "Abbiamo davanti strumenti potentissimi, e dobbiamo capirli fino in fondo, tecnicamente, prima ancora che politicamente. Solo così potremo informare correttamente il pubblico e costruire una tutela reale".

A conclusione del panel,&nbsp;l’On. Federico Mollicone ha fatto sapere: "Sono tutti temi fondamentali.&nbsp;Per esempio, parliamo dei contenuti presenti sulle piattaforme: non solo quelli del sistema radiotelevisivo, ma anche dei social, delle piattaforme digitali e quindi anche della musica e dello sport. Capite bene che un’indagine su tutti questi temi richiederebbe probabilmente cinque legislature,&nbsp;eppure è necessaria. La ricerca su cui ci siamo concentrati fin dall’inizio riguarda proprio la cultura, e quindi la transizione digitale nell’ambito culturale, audiovisivo e musicale. Abbiamo già avviato diversi interventi in relazione alle urgenze che ci venivano segnalate. Come abbiamo fatto nel caso tra Meta e SIAE, che hanno raggiunto un accordo dopo l'intervento del Parlamento.&nbsp;Stiamo procedendo allo stesso modo anche con altre piattaforme. A breve svolgeremo&nbsp;l’audizione di Spotify e successivamente quella di Apple". E ancora: "L’intelligenza artificiale non è il tema di domani: è il tema di ieri. Siamo nel pieno di una rivoluzione digitale. Questo non significa demonizzare la tecnologia, né accoglierla acriticamente: significa affrontarla con spirito critico e con una solida formazione umanistica. La tecnologia non è né buona né cattiva: è uno strumento. Ciò che conta è l’uso che se ne fa.&nbsp;Il Parlamento, in questo scenario, fa da arbitro: un arbitro schierato dalla parte dell’essere umano. Sul piano delle norme garantisce equilibrio; sul piano della tutela difende ciò che per noi è prioritario: la creatività umana, la human intelligence".

MMW25, report: panel “La musica italiana nello scenario globale”

L’incontro ha offerto un quadro sul ruolo della musica italiana nel contesto internazionale


Ecco, come comunicato dagli stessi organizzatori, il programma degli eventi in calendario per la quarta giornata della nona&nbsp;edizione della Milano Music Week:

Palazzina Appiani ospiterà alle ore 10.30 la Masterclass in programmazione musicale per la radio, organizzata da Radio Speaker, un’occasione per scoprire i segreti del mestiere e comprendere come nasce una programmazione radiofonica di successo. Alle ore 12.00 sarà la volta de “La Trilogia di Marracash”, un talk con Marz e Zef, presentato da SIAE e Rockol, che approfondirà il percorso artistico e concettuale di uno dei progetti più significativi del rap italiano contemporaneo. Nel pomeriggio alle 14.30, si parlerà di sostenibilità con “Green Stage. Strategie per la transizione sostenibile della musica dal vivo”, un incontro promosso da AssoConcerti in collaborazione con Music Innovation Hub e IULM per discutere le sfide e le opportunità di un settore sempre più attento all’ambiente. A seguire, alle 15.30, Cosmic Agency presenterà “Soundvertising: breve storia di come il brand ha trovato la sua nota perfetta, da Carosello al carousel TikTok”, un viaggio attraverso l’evoluzione del rapporto tra musica e pubblicità. Alle 16.30 sarà protagonista YouTube Music con l’incontro “La rinascita del videoclip con YouTube”, un approfondimento su come la piattaforma abbia ridato nuova linfa vitale al linguaggio visivo della musica. La giornata proseguirà alle ore 17.30 con: “Allevi back to life. L’impatto di una straordinaria rinascita”, con Giovanni Allevi e Raffaele Morelli, presentato da Rockol, per raccontare la forza della musica come strumento di rinascita personale e artistica. Infine, alle ore 18.50, Amazon Music presenterà “Hip Hop: un decennio che ha ispirato la nuova generazione musicale italiana”. 

Un appuntamento speciale è previsto alle ore 15.30 al Piccolo Teatro Grassi (via Rovello, 2), dove Cesare Cremonini presenterà in anteprima il suo nuovo album, “Cremonini Live25”, l’album live in uscita venerdì 21 novembre sulle piattaforme digitali e in formato fisico, testimonianza e racconto del tour che ha entusiasmato gli stadi di tutt’Italia quest’estate e ritratto di un artista al massimo della sua forza creativa e della sua capacità di unire diverse generazioni di pubblico.

Il Dazio di Levante vedrà un pomeriggio ricco di appuntamenti e confronti. Il primo panel sarà alle ore 14.30 con “Musica ribelle: la nuova voce dei cantautori italiani”, presentato da PMI, un confronto dedicato ai nuovi interpreti e autori che stanno ridefinendo i confini della canzone d’autore. A seguire, alle ore 15.30, EVOLUTION propone “Copia Privata e Diritti Connessi 2025: cambia tutto per le etichette indipendenti”, un approfondimento sui cambiamenti normativi che ridefiniranno il panorama dei diritti musicali. Alle ore 16.30 sarà la volta di FIMI con “La scienza della Top of The Music: come funzionano classifiche e certificazioni FIMI/NIQ”, un’occasione per scoprire i meccanismi dietro le classifiche ufficiali e comprendere come vengono assegnati i riconoscimenti discografici in Italia. Nel tardo pomeriggio, alle ore 17.30, Assomusica presenta “Spettacolo dal vivo nei luoghi storici: sinergie per valorizzare arte e cultura”, un dialogo sulle opportunità offerte dalla collaborazione tra musica e patrimonio artistico. A chiudere la giornata, alle ore 18.30, Rolling Stone Italia celebra i suoi “45 giri” con un incontro dedicato agli anni 2000, insieme a Mondo Marcio, Dente e Pedro dei Finley, moderato da Massimo Coppola. La serata proseguirà alle ore 21.30 con il Rolling Stone Italia Launch Party, che vedrà come special guest DJ Ralf.

Alla Casa degli Artisti, alle ore 18.30, spazio invece a “Superclassica: perché non è musica antica, ma eterna”, un incontro con Enrico Gabrielli, i Classical Hooligans e Francesca Moncada, presentato da Rockit, per riflettere su come la musica classica possa continuare a parlare al presente.

La giornata prosegue alle ore 18.00 con Diggin’ with con Egreen da Dissonanze e alle 19.30 con The Stereo Line al MOGO Listening Bar con Linus, esperienze di ascolto e scoperta dedicate ai veri appassionati di musica.

Infine, alle ore 18.30, presso 21 House of Stories Navigli, si terrà “Lavori in corso: l’evoluzione LGBTQ+ nell’industria discografica italiana”, un confronto con BigMama &amp; Protopapa, Dino Stewart e Matteo B. Bianchi, presentato da FIMI, per discutere di inclusione e rappresentanza nel panorama musicale contemporaneo e a seguire il secondo episodio del podcast di Nitro “Incubi lucidi: backstage del disco”.

Proseguono i tanti appuntamenti organizzati in tutta la città. 

Alle 12.00, nell’area check-in dell’Aeroporto di Milano Malpensa, Eugenio Finardi sarà protagonista di uno showcase speciale, durante il quale presenterà dal vivo alcuni brani tratti dal suo ultimo album “Tutto”, insieme a successi del suo repertorio. Dalle 17.00, Totally Imported aprirà le porte del proprio studio per un evento esclusivo che unisce musica e networking. Sul palco, Flaminia con voce e chitarra. Alle 18.30, al California Bakery Garden &amp; Lounge, si terrà il panel “Come sta il giornalismo musicale?”, promosso dal quotidiano La Ragione, un’occasione per riflettere sullo stato dell’informazione musicale in Italia e sulle nuove sfide del settore. A partire dalle 19.00, l’Ostello Bello Duomo ospiterà l’incontro-concerto di FASE, mentre alle 22.00 si esibirà Sofia Sole. Alle 19.00 una barca salperà dalla Darsena per una suggestiva navigazione lungo il Naviglio Grande: a bordo, i Blonde Brothers offriranno un’esperienza acustica intima e contemporanea, tra chitarra e loop elettronici. Alle 19.30, in Santeria Paladini, spazio alla proiezione “Io tu noi tutti – 20 anni di Magnolia (e di Milano)”, dedicata al ventennale del Circolo Magnolia. Mentre Santeria Toscana ospiterà The Sound Of EMI, l’etichetta discografica presenterà, in collaborazione con Siamounmagazine, in un unico showcase i nuovi artisti urban. Alle 20.30 l’Hard Rock Cafè ospiterà l’AltaVibe Showcase. Msaki, Delicatoni, Le Feste Antonacci saranno al Base Milano, nell’ambito di Linecheck.&nbsp;La musica continuerà per tutta la serata: John Butler si esibirà all’Alcatraz, Circuit des Yeux all’Arci Bellezza, mentre Dardust porterà il suo spettacolo al Teatro San Babila. Per chiudere la giornata, il Nodo Bar ospiterà il release party di MISCELA.

Il programma di domani di Linecheck Music Meeting &amp; Festival, punto di riferimento della music industry italiana ed europea, prosegue con gli incontri dedicati al futuro della musica per immagini, alla relazione tra creatività e innovazione tech e alle pratiche di attivismo culturale, con momenti chiave come la performance immersiva dell’artista Coco Francavilla, che porta a BASE il suo lavoro sul suono degli oceani. La serata musicale porta sul palco nomi internazionali, come l'artista sudafricana Msaki, e alcune delle voci più originali della nuova scena indipendente italiana, Le Feste Antonacci, Delicatoni feat. Coca Puma, Evita Polidoro, Bono / Burattini, etc.

MMW25, il programma di giovedì 20 novembre

Gli appuntamenti della quarta giornata della manifestazione

Si è tenuto al Dazio di Levante, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel “Musica e futuro: come costruire una carriera che resista al tempo e alle mode”. Presentato da NUOVOIMAIE, l’incontro ha affrontato il tema di come intraprendere una carriera musicale in un contesto in continua evoluzione, dove la musica è sempre più accessibile, ma anche più complessa da sostenere come professione. Moderato dalla giornalista e ufficio stampa di NUOVOIMAIE Cristiana Tomei, ha avuto come ospiti Dodi Battaglia, musicista - solista e con i Pooh - e portavoce della collecting, il giovane artista Ciofi, l’autore Daniele Chiarolanza, il produttore, discografico ed editore Max Moroldo e il direttore generale di NUOVOIMAIE Maila Sansaini. 
 
“Io ho iniziato a fare musica da piccolo, suonando la fisarmonica – racconta Dodi Battaglia – ma non ho mai pensato al successo, neppure quando con i Pooh abbiamo iniziato a ottenere i primi risultati. Chi fa e ama la musica, è già una persona che ha raggiunto un successo. Il futuro della musica per me passa ancora dalla curiosità, dall’esplorazione, dalla voglia di connettersi con gli altri”. “Per me un elemento centrale è l’amicizia, è quella che lega i Pooh, è quella che lega tanti artisti e produttori. Fare la musica insieme, farla senza pensare al successo come elemento centrale, permette di farla oltre le mode”, prosegue Ciofi. 
 
“Un elemento che permette di rimanere nel tempo è la continuità produttiva – sottolinea Max Moroldo – e poi ovviamente c’è l’originalità. Senza quella non si arriva da nessuna parte. In ultimo: non bisogna seguire le mode, che è molto difficile, ciò ha a che fare con la verità. Il pubblico capisce se stai seguendo le onde o stai cercando di crearne una”. “Un artista davvero libero deve conoscere i suoi doveri e i suoi diritti – ricorda Maila Sansaini – deve affidarsi a un team serio, deve essere remunerato per la musica che ha prodotto, e questo campo deve essere materia di interesse, non può essere sottovalutato. Questo è un lavoro, ma anche un mestiere che deve essere riconosciuto su più piani: NUOVOIMAIE lavora e opera per questo”.

MMW25: report del panel “Musica e futuro”

Presentato da NUOVOIMAIE, l’incontro ha affrontato il tema di come intraprendere una carriera. 

Si è tenuto oggi negli spazi del Dazio di Levante il panel "Production music: diritti, opportunità e regole della sincronizzazione" promosso da NuovoIMAIE.&nbsp;La sincronizzazione musicale è uno degli ambiti più dinamici e in crescita dell’industria musicale.&nbsp;Cinema, serie e social media richiedono ogni giorno nuove musiche, composizioni originali o brani già editi, ma l'avvento dell'AI rischia di complicare lo scenario: di questo e di molto altro si parla nel talk moderato da Davide Poliani (Rockol), in cui intervengono Mariangela Liuzzi (Avvocato, titolare e fondatrice studio Liuzzi Media Law), Charlie Marchino (Banijay, Head of Music),&nbsp;Andrea Miccichè (presidente NuovoIMAIE) e&nbsp;Mike Sponza (M-CUBE Music &amp; Licensing Director).

Mike Sponza si&nbsp;occupa&nbsp;di un ramo molto specifico della production music, ovvero la musica nei punti vendita: "Si tratta delle cosiddette instore radio. L'esigenza principale dei brand è quella di risparmiare sulle licenze di pubblica diffusione del negozio: proprio per questo motivo, sono proliferate aziende che offrono cataloghi alternativi" spiega. Lo sfruttamento dei diritti connessi, però, è sempre un'area grigia. "Proprio per questo mi sono deciso a creare dei cataloghi creati con l'AI generativa. Pur difendendo le posizioni della musica creata da esseri umani, c'è sempre un problema di costi: ci sono aziende che per tagliare i costi si trovano a dover decidere se rinnovare le licenze di pubblica diffusione o licenziare alcuni dipendenti" osserva.&nbsp;Charlie Marchino racconta invece come la production music è utilizzata all'interno dell'ambito televisivo: "Funziona molto soprattutto all'interno dei programmi di intrattenimento, dove la musica non è in primo piano ed è un tappeto funzionale alla scena" spiega.&nbsp;

Andrea Miccichè&nbsp;fa notare che spesso, dal punto di vista dei diritti connessi, il rischio è che sia considerata musica di serie B:&nbsp;"Da tempo, quando&nbsp;si tratta&nbsp;di musica appositamente realizzata per i programmi di intrattenimento, sorge il dubbio (a mio parere erroneo) se i diritti connessi siano dovuti o meno per l'utilizzazione. Confidiamo però che, come ha insegnato il caso di Peppe Vessicchio, la nostra interpretazione prevarrà". Per Mariangela Liuzzi, il problema potrebbe essere più strutturale che legale:&nbsp;"Da un punto di vista normativo, non c'è differenza tra production music e musica 'normale'. Ogni brano, però, dovrebbe essere munito di una carta d'identità che lo identifichi in maniera univoca, anche in termini di aventi diritto: questi metadati, però, spesso non sono disponibili nel caso della production music" spiega. "Ho il timore che spesso la production music nasca senza questo corredo di metadati necessari poi a pagare coloro che ne detengono i diritti".&nbsp;

L'intelligenza artificiale, naturalmente, è una delle più grandi incognite del settore: la production music, per sua stessa natura, potrebbe essere tranquillamente sostituita da musica creata dall'AI generativa. Per alcuni, come Luizzi, è bene rimanere ottimisti: "L'intelligenza artificiale è uno strumento che crea delle opportunità, perché non può prescindere dall'intervento di un creativo umano. Bisogna però normare il campo in maniera non miope, per evitare che diventi un boomerang". Micciché concorda, ma obbietta che "dovrebbe essere ideato un nuovo diritto di utilizzazione economica, quello relativo al training dell'AI che dovrebbe essere concesso tramite previa autorizzazione e non postuma contestazione" dice. "Bisognerebbe sensibilizzare le istituzioni europee su questo tipo di problematica". Marchino non nasconde che Banjay ha provato a utilizzare l'intelligenza artificiale nella production music, "ma ne usciva una serie di brani tutti più o meno uguali. E' una rivoluzione simile a quella dell'avvento dei campionatori: finché non impareremo a usare l'AI in maniera creativa, non creeremo niente di nuovo". Per Sponza "la scrittura del prompt è un'attività che richiede una preparazione musicale estremamente forte: nella mia azienda a farlo sono dei musicisti" spiega. "Nonostante io oggi sia fautore di un catalogo di AI music sono iscritto a NuovoIMAIE come artista, e credo fermamente nella musica organica. Credo però che ci sia un vuoto normativo e che sia necessario colmarlo per renderla un'attività etica, umana e sostenibile".

Mariangela Liuzzi spiega che già allo stato attuale delle cose la nostra legge potrebbe in teoria già tutelare anche questo tipo di nuova musica dall'AI generativa, "se un prompt dovesse rispecchiare caratteristiche di originalità, novità e creatività.&nbsp;Naturalmente, però, questa è una teoria: nella pratica è tutto da vedere". Andrea Micciché, però, dissente: "E' come far cucinare una torta a un robot da cucina. Anche se ho deciso io gli ingredienti, posso definirmi il pasticciere?" si chiede in una metafora. "La nostra legge protegge le proprietà intellettuali che sono frutto del lavoro umano, e c'è un oggettivo vuoto legislativo che deve essere colmato".

Infine, una puntualizzazione sulla cosiddetta musica royalty-free: "Anche gli artisti apolidi, ovvero quelli che non hanno conferito mandato a nessuna collecting, percepiscono i loro diritti: all'interno della ripartizione globale i loro compensi verranno comunque conferiti alle collecting, che poi dovrebbero girarli a loro" fa notare Miccichè. Attenzione, quindi "a tutti quei servizi che propongono pacchetti con formule totalmente a-tecniche, come 'musica libera da&nbsp;diritti' o 'musica copyright free'. Se la composizione è originale, è sempre tutelata" ribadisce Liuzzi. Molto difficile anche retribuire equamente gli aventi diritto in mancanza di dati: "Non c'è una banca dati unica, per recuperare i codici ISRC o SWC dei brani che utilizzo quotidianamente c'è da impazzire" dice Sponza. "Ci sarebbe davvero bisogno di un database univoco e aggiornato per tutte le opere".

MMW25, report panel "Production music"

Diritti, opportunità e regole della sincronizzazione in un talk presentato da NuovoIMAIE

Si terrà domani, giovedì 20 novembre, alle ore 17,30, presso la Palazzina Appiani, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel “Allevi back to life. L’impatto di una straordinaria rinascita”.

L’evento Rockol powered by Deloitte prevede l’intervento del compositore Giovanni Allevi a pochi giorni dall’uscita del docufilm “Allevi Back To Life” e del Concerto MM22 per violoncello e orchestra. L’incontro - spiegano gli organizzatori - è stato concepito “per indagare come la fragilità possa generare nuova forma, e come la rinascita trovi nel linguaggio sinfonico la propria voce più autentica”.

Al panel - moderato dal giornalista di Rockol Mattia Marzi - sarà presente anche lo psichiatra, psicoterapeuta e saggista Raffaele Morelli.

L’ingresso all’evento è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/rywdv5-allevi-back-to-life-una-straordinaria-rinascita-20th-nov-palazzina-appiani-donore-milano-tickets?dice_id=7568680&amp;dice_channel=web&amp;dice_tags=organic&amp;dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;_branch_match_id=1113046894558308770&amp;utm_source=web&amp;utm_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;utm_medium=mio_marketing&amp;_branch_referrer=H4sIAAAAAAAAA8soKSkottLXz8nMy9ZLyUxO1UvL1Q9MMTVPNUtMtjQzS7KvK0pNSy0qysxLj08qyi8vTi2ydc4oys9NBQARkS%2B6OwAAAA%3D%3D">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘Allevi back to life’

Giovedì 20 novembre, alle ore 17,30, presso la Palazzina Appiani

L’azienda sviluppatrice di uno dei più popolari modelli di intelligenza artificiale generativa musicale sul mercato, Suno, ha annunciato la chiusura di un nuovo round di finanziamento da 250 milioni di dollari al quale hanno preso parte NVentures (la divisione di venture capital di NVIDIA), Hallwood Media, Lightspeed e Matrix.

"In soli due anni, abbiamo visto milioni di persone trasformare le proprie idee in realtà grazie a Suno, dai creatori alle prime armi ai migliori cantautori e produttori che hanno integrato lo strumento nei loro flussi di lavoro quotidiani”, ha dichiarato il co-fondatore e CEO di Suno Mikey Shulman: “Questo finanziamento ci consente di continuare a espandere le possibilità, consentendo a più artisti di sperimentare, collaborare e sviluppare la propria creatività. Siamo orgogliosi di essere in prima linea in questo momento storico per la musica".

L’ultimo round di finanziamento ha fatto salire la valutazione di Suno a 2,45 miliardi di dollari: secondo una stima effettuata dal Wall Street Journal, l’azienda avrebbe raggiunto un fatturato annuo pari a 200 milioni di dollari.

Suno, nuovo finanziamento da 250 milioni di dollari

La valutazione della società sale a 2,45 miliardi di dollari

Eleonora Rubini, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic">nominata lo scorso 30 ottobre Label Director di Warner Music Italy</a>, è stata inserita da Forbes Italia nella lista dei 100 volti del marketing&nbsp; e della comunicazione 2025, elenco di “professionisti che stanno indirizzando il futuro delle aziende”. “Sono loro a veicolare i messaggi, a cercare linguaggi innovativi e a dover intercettare le nuove generazioni”, spiega Forbes Italia riguardo la selezione: “Un compito sempre più complesso e delicato nell’era dell’intelligenza artificiale”.

Titolare di un diploma di liceo scientifico, Rubini ha debuttato professionalmente nel 2010 nello staff di Event Sound Promotion, occupandosi di scouting e promozione: nel 2012 ha oreso parte alla fondazione dell’agenzia digitale imSocial insieme all’attuale ceo e cofondatore Ivan Butera, seguendo per la società la comunicazione di artisti come - tra gli altri - Zucchero. Il suo ingresso nella discografia risale al 2018, quando entra nell’organico di Sony Music Italia come Product Manager, curando la promozione degli album “Playlist” (2018) e “Flop” (2021) di Salmo, e “23 6451” (2019) e “c@ra++ere s?ec!@le” (2022) di thasup, oltre a collaborare a lanci di lavori come “Fuori dall’hype” e “Fake News” dei Pinguini Tattici Nucleari e a elaborare strategie per artisti emergenti in contesti come quello di X Factor Italy dal 2019 al 2022. Nominata nel 2021 Head Of Marketing per Columbia Records, nel 2022 Rubini è stata promossa a Head Of Marketing and Promotion sempre presso Columbia Records, per poi venire nominata Label Director di Warner Music Italy alla fine dello scorso mese di ottobre.

WMG Italy, Eleonora Rubini ‘premiata’ da Forbes Italia

La Label Director di Warner Music Italy nei ‘100 volti del marketing  e della comunicazione 2025’

Qual è il rapporto degli italiani con la musica? Quali sono le abitudini di ascolto e le modalità di fruizione? E in tale quadro, come è cambiata nel tempo la presenza della musica all’interno dei pubblici esercizi? Quali sono le idee, le preferenze, le aspettative dei cittadini rispetto agli intrattenimenti musicali nei locali? Sono i temi al centro dell’evento “Gli italiani, la musica e i pubblici esercizi”, che ha esplorato come sta cambiando il rapporto tra i cittadini e la musica al tempo del digitale. In tale ambito è stato poi approfondito il ruolo della musica, da quella di sottofondo agli intrattenimenti con musica live o registrata, nei pubblici esercizi, grazie a un’analisi curata dell’Ufficio Studi di FIPE-Confcommercio basata sia sulla banca dati Siae che su un campione rappresentativo della popolazione italiana. L’evento è stato l’occasione per fornire spunti e indicazioni utili a imprese, operatori del settore e policy maker interessati a comprendere meglio il valore della musica e le modalità di fruizione sia individuali che collettive. 

Hanno partecipato: Giulia Erba – specialista ricerche e indagini Ufficio Studi Fipe-Confcommercio; Tommaso Sacchi – assessore alla Cultura del Comune di Milano; Matteo Fedeli – direttore generale SIAE; Andrea Pontiroli - cofounder e amministratore delegato Santeria; Lino Enrico Stoppani – presidente Fipe-Confcommercio. Ha moderato Luciano Sbraga, vicedirettore generale FIPE-Confcommercio. “Dai dati emerge il valore della musica anche nei luoghi più piccoli, i ‘concertini’, che sono a tutti gli effetti concerti, sono importantissimi per un’attività come un localino o un ristorante – spiega Matteo Fedeli – inoltre la musica di qualità, di ambiente, valorizza proprio il luogo in cui questa si sviluppa. Non è solo musica di sottofondo, ma fa parte dell’esperienza che offre un’attività. I dati ci dicono che la musica ha un ruolo centrale. Noi come SIAE, insieme a Fipe, cerchiamo di raccontare il valore di questa musica, che non è una ‘tassa’ per il locale: pagare il diritto d’autore è punto focale. Insieme stiamo lavorando sul far passare il messaggio positivo che pagare la musica che si trasmette, vuol dire pagare quella musica di qualità che la gente apprezza e ricerca”. 
 
“Santeria è nata dal recupero di un’area abbandonata – dice Andrea Pontiroli – il recupero delle zone degradate è un tema perché vuol dire investire sulle città, sul futuro di queste. Si parla tanto di concertoni. Ma quanti locali hanno aperto in questi anni a Milano? Quanti ne hanno chiuso? La ricchezza che questi locali generano è evidente e si capisce da vari dati, anche usciti nella ricerca. Questi locali fanno crescere gli artisti e il pubblico. Le tasse e i costi? Potrei non parlarne perché noi siamo strutturati, ma è un altro argomento da cui non si può scappare, e su cui bisogna intervenire, perché tutto ciò riguarda il domani di Milano e del Paese”. Tutti punti raccolti da SIAE e dall'assessorato alla Cultura del Comune di Milano.&nbsp;

MMW25: report de “Il valore della musica e i pubblici esercizi”

Il panel ha esplorato come sta cambiando il rapporto tra i cittadini e le canzoni. 

Si è svolto oggi pomeriggio al Dazio di Levante il panel "Pagamenti digitali ed eventi:&nbsp;L’innovazione che ridefinisce l'esperienza di acquisto", per raccontare&nbsp;come l’evoluzione dei pagamenti digitali stia ridefinendo le abitudini dei consumatori e creando nuove opportunità per aziende e utenti. Partecipano Giorgio Aretino (Online Marketing &amp; Ecommerce Director per&nbsp;TicketOne),&nbsp;Luca Martinazzoli (CEO di Arena Milano), Massimiliano Gallo&nbsp;(Senior Vice President Acceptance per Bancomat),&nbsp;Andrea Calisti (Vice President Business Development per&nbsp;Mastercard),&nbsp;Gessica David (Head of Partner Success &amp; Competence Lead per Klarna). "Le possibilità di pagamento, anche sul mercato italiano, sono sempre più numerose e variegate e ci interessava fare una panoramica per esplorarle tutte" spiega Aretino, che modera il panel.

Andrea Calisti racconta la prospettiva di Mastercard: "Ticketone è nella top 10 degli esercenti online su cui i nostri clienti spendono, perciò è importante per noi&nbsp;offrire un'esperienza di pagamento che sia quanto più semplice e sicura possibile" dice. "In generale il 15% dei pagamenti online non va a buon fine: un numero enorme, che genera frustrazione negli utenti". Da qui nasce il sistema Click To Pay, "uno standard sviluppato in maniera consorziale che ottimizza l'esperienza di acquisto. Da una parte permette al cliente di accedere in maniera automatica ai propri strumenti di pagamento, senza inserire dati ulteriori; dall'altra permette che le informazioni sensibili di una carta non siano mai esposte, rendendo la transazione molto più sicura e semplice". Ticketone è stato tra i primi ad adottare questa nuova tecnologia, che oggi conta due milioni e mezzo di clienti attivi. Il futuro va verso l'utilizzo degli assistenti AI anche nell'ambito dei pagamenti, "per coprire l'ultimo miglio tra il cliente e l'acquisto".

Per Klarna, secondo Gessica David, l'estensione del buy-now-pay-later è applicabile anche ai concerti. "Siamo quotati in borsa da poche settimane e ogni giorno processiamo 2,9 milioni di transazioni, un numero che raddoppia in periodi cruciali dell'anno come il black friday" racconta. "Dal pubblico italiano siamo conosciuti soprattutto per il pagamento in tre rate senza interessi, ma ci sono molte altre funzionalità disponibili sul mercato italiano, come il pagamento a trenta giorni, che permette di acquistare immediatamente il biglietto di un concerto e pagarlo il mese dopo, o il financing, che permette di pagare in 6/12 rate". Quest'ultima innovazione poteva essere un'incognita sul mercato italiano, dove la presenza delle finanziarie è molto forte, "ma siamo rimasti molto soddisfatti, perché il flusso di informazioni per l'utente resta lo stesso, c'è grande chiarezza e trasparenza, e non è richiesta la mole di burocrazia di solito necessaria&nbsp;nel mondo del finanziamento".&nbsp;

Massimiliano Gallo spiega come si è rinnovato uno strumento "tradizionale" come il Bancomat: "La maggior parte delle transazioni italiane oggi avvengono su carte di debito, come Bancomat: oltre il 90% delle transazioni ormai sono contactless" dice. "Un circuito che si è innovato tantissimo, accogliendo il digitale: con un rebranding, un nuovo sistema proprietario di processing, l'evoluzione dell'app OneBancomat&nbsp;e una&nbsp;digitalizzazione di tutte le carte a partire dal 2025". Nasce anche Bancomat Club, un nuovo programma&nbsp;di loyalty che ha visto diverse partnership con quelle che sono le grandi passioni degli italiani: "il calcio, con la Serie A, e la musica, con una sinergia con Ticketone e Vivo Concerti".&nbsp;

Luca Martinazzoli, infine, racconta una delle principali evoluzioni strutturali di Ticketone, ovvero la nascita della nuova Arena Milano nel quartiere Santa Giulia. "CTS Eventim ha deciso di investire in Italia su un progetto di venue molto innovativa. Esistono già tante infrastrutture, ma sono principalmente dedicate allo sport: questa è la prima venue italiana immaginata per la musica e i grandi eventi". Dopo l'inaugurazione con le olimpiadi invernali, dall'1 maggio ospiterà concerti ed eventi da 16.000 persone, diventando la più grande struttura per la musica dal vivo. "Sarà la prima destinazione cashless in Italia;&nbsp;la tecnologia tap-in, ovvero quella che permette di eliminare del tutto la cassa, sarà ampiamente utilizzata. Un intero piano sarà dedicato a&nbsp;servizi di hospitality di alto livello" racconta. L'arena non avrà fornitori esterni, ma sarà gestita interamente da CTS Eventim: "L'ambizione è quella di portare un servizio nuovo e di alta qualità, unico nel suo genere e competitivo con le altre grandi capitali internazionali" chiosa.&nbsp;

MMW25, report: il panel 'Pagamenti digitali ed eventi'

L’innovazione che ridefinisce l'esperienza di acquisto nelle parole di Ticketone

Si terrà, domani, giovedì 20 novembre, alle ore 15,30, presso il Dazio di Levante, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel - presentato da PMI - “Copia Privata e Diritti Connessi 2025: cambia tutto per le etichette indipendenti”.

“L’industria musicale italiana sta entrando in una fase di ridefinizione profonda dei propri meccanismi di remunerazione”, spiegano gli organizzatori nella nota di presentazione: “L’ultimo decreto sui diritti connessi introduce nuovi criteri di ripartizione e apre interrogativi sul futuro dei compensi da copia privata.&nbsp;Il panel analizza l’impatto delle recenti riforme sul mercato, con un focus su produttori, artisti e collecting societies, tra sfide operative e nuove opportunità per la filiera indipendente”.

Al panel - moderato da Davide Poliani di Rockol - prenderanno parte Luca Barone (Vicepresidente Evolution Collecting), Max Moroldo (CEO, Head of A&amp;R, International affairs di Do It Yourself) e Roberto Riva (Co-founder Triggger). 
 
L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/mx5d7w-copia-privata-diritti-connessi-e-le-indipendenti-20th-nov-dazio-levante-arco-della-pace-milano-tickets?dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7568644&amp;dice_tags=organic">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘Copia privata e diritti connessi 2025’

Giovedì 20 novembre, alle ore 15,30, al Dazio di Levante

La Commissione Europea che sta vagliando la proposta di acquisizione avanzata da Virgin Music Group - la divisione dedicati ai servizi per artisti ed etichette di Universal Music Group - nei confronti di Downtown Music sarebbe prossima a emettere un “avviso formale” all’indirizzo della multinazionale americana guidata da Lucian Grainge: a riferirlo è Bloomberg.

Secondo quanto fatto trapelare da “fonti vicine alla vicenda”, l’antitrust europea avrebbe “preoccupazioni normative in merito all'accordo”, che potrebbero non portare a un veto da parte dell’autorità a patto che vengano affrontate dall’azienda “le questioni relative alla concorrenza”.

Mentre UMG continua di dichiararsi fiduciosa in una via libera da parte della Commissione, Impala - per mezzo di una nota ufficiale diffusa oggi, mercoledì 19 novembre, ha fatto sapere di aver “accolto con favore” l’indiscrezione e di voler continuare a “collaborare con la Commissione Europea in merito alle preoccupazioni dei nostri membri”.

UMG - Downtown, la UE pronta a un 'avviso formale'?

L’indiscrezione riferita da Bloomberg

Si terrà domani,&nbsp;giovedì 20 novembre, alle ore 14,30, presso il Dazio di Levante, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel - presentato da PMI - “Musica ribelle: la nuova voce dei cantautori italiani”.

“Nel 2025, la canzone d’autore torna ad alzare la voce”, si legge nella nota di presentazione compilata dagli organizzatori: “Tra crisi climatica, diritti sociali e disillusione politica, una nuova generazione di cantautori e cantautrici usa la musica come forma di attivismo e resilienza. Il panel esplora come il pop, il rap e il cantautorato contemporaneo stiano ridefinendo i concetti di ribellione e cambiamento nel panorama musicale italiano” per mezzo di “un dialogo aperto tra artisti, attivisti e operatori del settore su come la canzone possa ancora ‘cambiare le cose’ o, almeno, raccontarle con onestà”.

Prenderanno&nbsp;parte all’incontro&nbsp;Eugenio Cesaro (Eugenio in via di Gioia), Grabriele Compierchio&nbsp;(A&amp;R Sugar Music Publishing) e&nbsp;Michela Galluccio&nbsp;(Psicologa Neuropsicologa, Presidente di Restart). 
La moderazione sarà a cura di Gianni Sibilla di&nbsp;Rockol.

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/3o3aap-musica-ribelle-la-nuova-voce-dei-cantautori-italiani-20th-nov-dazio-levante-arco-della-pace-milano-tickets?dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7568624&amp;dice_tags=organic">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘Musica ribelle’

Giovedì 20 novembre, alle ore 14,30, al Dazio di Levante

Si è svolto stamattina negli spazi della Palazzina Appiani il panel "Il valore della musica oltre il PIL: la misurazione dell'impatto della Milano Music Week", per&nbsp;presentare la prima edizione dell’Impact Report&nbsp;della Milano Music Week, che analizza e racconta gli effetti culturali, sociali, economici e ambientali generati dall’edizione 2024 della settimana della musica milanese. Il report è frutto&nbsp;di un progetto di ricerca promosso da Deloitte e Rockol MusicBiz, in collaborazione con Butik e l’Assessorato alla Cultura del Comune di Milano:&nbsp;un passo significativo verso la misurazione di valore e della sostenibilità di uno degli eventi musicali italiani più importanti. Intervengono nella discussione&nbsp;Tommaso Sacchi (assessore alla cultura del&nbsp;Comune di Milano),&nbsp;Paola Zukar (founder di&nbsp;Big Picture Management),&nbsp;Ernesto Lanzillo (presidente del CdA di&nbsp;Deloitte &amp; Touche SpA) e&nbsp;Nur Al Habash (direttrice artistica della Milano Music Week); modera l'incontro Giampiero Di Carlo (CEO Rockol).

Ampio il confronto sulla ridefinizione del concetto di valore musicale oggi, evidenziando il ruolo sempre più centrale della musica come motore culturale e sociale. La musica, nelle parole di Giampiero Di Carlo, è "larger than life: la sua influenza e la sua capacità di arrivare a tutti e determinare un coinvolgimento sulle comunità è straordinario. E' un impatto talmente enorme che spesso viene percepito come non misurabile, ma non è così: ci siamo riusciti grazie all'aiuto di Deloitte" spiega.

Il progetto pilota di questa misurazione è proprio la Milano Music Week, "che si può estendere in termini di valori e indicatori all'impatto della musica sulla nostra città" commenta Tommaso Sacchi. "Da quando ho intrapreso questo ruolo pubblico ho sempre lavorato molto sui dati, perché la tavolozza che ha di fronte un amministratore è senz'altro data dagli eventi e dai luoghi, ma anche da ciò che viene prodotto dalla cultura. Una misurazione della musica che vada oltre il PIL è quanto mai opportuna: è necessaria una narrazione più emotiva e calda, che prende in considerazione anche le endorfine che la musica mette in circolo nella popolazione".&nbsp;Una città che investe sulla musica la rende parte del suo racconto collettivo e della sua memoria:&nbsp;pensiamo a concerti come la storica data dei Beatles al Velodromo Vigorelli, o a editori musicali e etichette storiche, come Fonit Cetra e Sugar. E ancora, lo studio di fonologia di Berio e tanti altri luoghi innovativi.&nbsp;

Paola Zukar sottolinea come sia importante creare una conoscenza condivisa su dati che difficilmente sono accessibili perfino&nbsp;a chi lavora nella musica. "Quando ho iniziato a lavorare nell'ambito della musica hip hop, che trasmette dei valori a cui io tengo tantissimo e che non sempre è stato compreso, siamo andati per così dire in freestyle: non sapevamo che impatto avrebbero avuto album come quelli di Fabri Fibra o dei Club Dogo" ricorda. "Ma ci siamo resi conto che il rap è anche da noi un vero e proprio ascensore sociale, e spero di poter aiutare mettendo a disposizione dei dati che, una volta analizzati e ordinati, potranno dare un senso comunicabile anche all'esterno&nbsp;di&nbsp;ciò che facciamo".

Per Ernesto Lanzillo, si tratta di una vera e propria sfida. "Questo Impact Report&nbsp;è una sorta di edizione zero, in cui abbiamo tirato fuori i dati relativi all'edizione 2024; una palestra che utilizzeremo per migliorare ulteriormente nel 2025" spiega. "Al di là dell'impatto economico, ma le nuove generazioni hanno anche attenzione a valori molto importanti sul piano etico. L'Unesco spiega che il valore di un evento culturale non si basa solo su benessere economico e prosperità, ma anche sulla capacità di migliorare l'ambiente e la resilienza di una città e di migliorarne inclusione e partecipazione". Il report, in effetti, si ispira&nbsp;al framework UNESCO Culture | 2030, uno strumento internazionale per la valutazione del contributo delle iniziative culturali al raggiungimento degli Obiettivi di Sviluppo Sostenibile (SDGs).

Quanto ai risultati, nell'ambito ambiente e resilienza, spicca l'impegno per la sostenibilità e l'attivazione delle periferie: 128 location coinvolte sul territorio di cui quasi il 10% nelle periferie, 100% degli eventi plastic free, raccolta differenziata garantita in tutte le sedi del programma ufficiale. In termini di benessere economico e prosperità, un plauso va alla leadership&nbsp;giovane e femminile (l'89% dei professionisti ha meno di 40 anni, l'84% è donna), mentre tra le conoscenze e competenze troviamo gli impressionanti numeri relativi al programma (370 eventi, 222 artisti, 270 speaker), ma anche il focus sulle nuove generazioni (30% dei performer è under 29 e il 69% è nella fascia 30-49 anni). Nell'ambito di inclusione e partecipazione, si registra una crescita nelle presenze (+10% rispetto al 2023).

Nur Al Habash conferma che l'intenzione è di svolgere una misurazione continuativa: "Abbiamo impostato un'infrastruttura che ci permetterà di valutare il valore della MMW non tanto come semplice evento, ma come piattaforma" afferma. "Oltre a generare valore culturale in forma di concerti, dj set, contenuti e dibattiti, questa settimana riunisce nella capitale della musica italiana tutta l'industria musicale e tutti coloro che sono interessati alla musica in termini di business, tecnologia e impatto. E' un modo per fare il punto della situazione, fare un bilancio sull'anno che si appresta a chiudersi e fare delle previsioni sull'anno che verrà". Grande importanza viene data anche agli studenti, che partecipano in grande quantità: "Già l'anno scorso mi è capitato spesso di incontrare studenti che venivano da lontano e arrivavano per fare una sorta di full immersion formativa e di apprendimento, perché dove vivono loro non ci sono opportunità simili". Ed è anche un'opportunità per i professionisti di fermarsi a riflettere insieme. Anche per questo, una fotografia del sistema musica è quanto mai importante: "Spero che questo Impact Report sia solo l'inizio e che preluda a una misurazione più generale della nostra industria. In Italia siamo stati un po' allergici ai dati nel passato, ma è importante contarsi per contare, come si suol dire: il primo strumento che abbiamo per progredire come industria e farci aiutare dalle istituzioni è proprio quello di avere dei riscontri oggettivi relativi a ciò che tutti percepiamo, per raccontare in maniera più puntuale e oggettiva ciò che facciamo".

MMW25, report: il panel "Il valore della musica oltre il PIL"

La misurazione dell’impatto della Milano Music Week in una ricerca di Deloitte

Si è conclusa positivamente <a href="https://www.rockol.it/news-754184/grignani-pronto-a-citare-pausini-testo-la-mia-storia-tra-le-dita">la disputa sorta tra Gianluca Grignani e Laura Pausini</a> per la <a href="https://www.rockol.it/news-754270/grignani-pausini-polemica-la-mia-storia-tra-le-dita-autorizzazioni">versione modificata</a> di “La mia storia tra le dita”, classico del cantautore lombardo del ‘94 riletto dalla star di Solarolo il cover album “Io canto 2”, atteso sui mercati nella prima metà del 2026. “Warner Chappell, società editrice del brano, ha annunciato ‘di aver risolto positivamente con Gianluca Grignani e Massimo Luca (l'altro autore del brano, ndr) la controversia nata dalla modifica del testo dell'opera 'La mia storia tra le dita' nella versione pubblicata da Laura Pausini’”, riferisce l’agenzia ANSA, spiegano come le parti abbiano “espresso soddisfazione per il risultato ottenuto”. Grazie all’accordo, la nuova versione della canzone potrà restare a disposizione sul mercato.

Laura Pausini

Pausini - Grignani, c’è l’accordo su ‘La mia storia tra le dita’

Lo riferisce l’editore del brano Warner Chappell

Gli Slipknot hanno ceduto la quota di maggioranza del proprio catalogo ad HarbourView Equity Partners: l’indiscrezione, in origine fatta trapelare dall’Hollywood Reporter, è stata confermata dalla società di investimenti fondata e diretta da Sherrese Clarke. L’accordo riguarda sia i diritti editoriali sia i diritti sulle incisioni dei sette album registrati in studio pubblicati dalla band di Des Moines, Iowa, dal 1999 a oggi.

La cifra versata da HarbourView al gruppo non è stata confermata: l’edizione americana di Billboard, che lo scorso agosto aveva riferito delle trattative in corso tra le parti, ha valutato in 120 milioni di dollari il valore della cessione.

"La musica degli Slipknot ha ridefinito l'heavy metal e creato un fenomeno culturale globale”, ha commentato Clarke: “Il loro catalogo è una testimonianza della loro influenza, passione e maestria di lunga data all'interno del genere. Siamo orgogliosi di essere al passo con la cultura e, grazie a un'analisi approfondita del coinvolgimento del pubblico, vediamo chiaramente l'impatto culturale degli Slipknot dagli anni '90 a oggi. Le loro opere sono fondamentali per la nostra politica di investimenti, e HarbourView è onorata di contribuire a preservare e amplificare il lavoro del gruppo per i decenni e le generazioni a venire”.

Slipknot

Slipknot, ceduta ad HarbourView la maggioranza del catalogo

L’accordo riguarda sia i master che le edizioni

E’ scomparso Nicola Vannini, imprenditore e co-fondatore di Audioglobe, azienda fiorentina attiva nel settore della distribuzione discografica: a darne notizia è il sito di Controradio.

Dopo aver debuttato nel mondo della musica come artista - nello specifico, come voce dei Diaframma, tra il 1981 e il 1983, e in seguito coi Soul Hunter - Vannini aveva lavorato a Contempo Records, label e negozio di dischi ancora attivo nel capoluogo toscano, in via dei Neri. Nel 1993, insieme a Simone Rossi, Mauro Ragnini, Enrico Paoli e Sebastian Koch, aveva fondato Audioglobe, distributore indipendente a livello nazionale che collabora con oltre 200 etichette sia italiane che straniere.

“C’è tantissima ottima musica in giro”, aveva dichiarato nel 2012, a Repubblica, commentando una serata speciale durante la quale aveva riproposto il repertorio del Diaframma che lo aveva visto al microfono della band di Federico Fiumani: “Ma nonostante la Rete, la democrazia elettronica, la facilità con cui si fanno cd, una cosa non è cambiata: ancora oggi le band devono mettersi in testa che si impara ad essere bravi suonando tanto, tantissimo dal vivo. Ovunque, non solo nei posti fighetti. Anche davanti a 30 persone”.

Grande appassionato di musica dal vivo Vannini era stato l’ideatore e l’organizzatore del Rock Contest, concorso musicale dedicato agli emergenti avviato nel 2001 che - nel 2008 - era stato vinto dagli Offlaga Discopax, primo fenomeno indie il cui album d’esordio - “Socialismo tascabile” - fi pubblicato da Audioglobe e Santeria.

Audioglobe, addio a Nicola Vannini

Si è spento il co-fondatore e presidente dello storico distributore fiorentino

Tutti vedono il gesto finale, la gara, il palco, ma quando il corpo e la mente sono messi alla prova, la differenza non la fa solo il talento, ma la capacità di reggere la pressione, recuperare e ripartire. In un dialogo tra sport e musica è stato esplorato ciò che nutre chi vive di performance: la forza silenziosa che permette di restare lucidi, autentici e umani anche sotto i riflettori. L’incontro, in programma alla Milano Music Week, ha inaugurato il podcast del progetto “Resilience Room – Salute mentale per creativi”, che introduce nel mondo creativo il tema della prevenzione, già presente in altre discipline, affermando che “la mente creativa non è fragile: è preziosa” e va protetta. 
 
Hanno partecipato Fouzia Draoua – Psicologa e Resilience Room Director; Shablo – artista, producer; Alex Bellini – esploratore, coach. Il panel è stato introdotto da Giampiero Di Carlo, editore di Rockol, e moderato da Marta Blumi Tripodi, giornalista di Rockol.&nbsp; “Il progetto che sto portando avanti nasce dentro Universal, nasce guardando i creativi ed è per i creativi – racconta Fouzia Draoua – uno dei grandi temi è quello del risultato nel mondo creativo, che non si sa mai davvero se arriverà, dipende da troppi fattori. Un po’ come avviene nello sport dove però si può lavorare sulle performance, nell’arte e nella musica no, si riparte sempre da zero. Quello che abbiamo messo in piedi per aiutare i creativi è un laboratorio con cui creare modelli per supportare gli artisti. Pure iniziare a parlare di questi temi è fondamentale, per questo abbiamo ideato anche un podcast”. 
 
“Questa è una società avulsa dal sentire, e più improntata sul pensare. Ma noi non siamo quello che pensiamo, non siamo quello che agiamo, dobbiamo concentrarci di più su quello che sentiamo – prosegue Shablo - la musica, che non nasce per produrre economie in antichità, esattamente come l’arte, dovrebbe basarsi di più sul sentire, non sul risultato. Io da anni pratico meditazione, che è un modo per osservarsi, per non lasciarsi trascinare dai pensieri, magari negativi, di cui parlavo. Io ammiro tanto chi riesce a stare da solo con se stesso, a parlare con la parte più profonda di sé. Credo che questo sia un primo passo importante per avere un dialogo con la propria mente”. “Nelle mie traversate, nei miei viaggi, non sono mai stato davvero solo, avevo una rete di persone intorno a me, e questo è un aspetto interessante perché fa capire quanto nell’esplorazione non si sia mai davvero soli, realmente o metaforicamente – ricorda Bellini – credo molto nell’antica incisione greca ‘conosci te stesso’, che è il primo atto per praticare resilienza. Proprio la resilienza mentale per me è come il quadro di Napoleone: stare comodi su un cavallo imbizzarrito. E per praticarla è importante esplorare ed esplorarsi”.

MMW25: Shablo e Alex Bellini in dialogo sulla resilienza mentale

La differenza non la fa solo il talento, ma la capacità di reggere la pressione. 

Ecco, come comunicato dagli stessi organizzatori, il programma degli eventi in calendario per la terza giornata della nona&nbsp;edizione della Milano Music Week:

Palazzina Appiani&nbsp;aprirà la giornata alle ore 10.00 con il talk “Proteggere la musica nell’era digitale: il ruolo di Trusted Flagger e le sfide della content protection” presentato da FIMI, con Luca Vespignani (Segretario Generale della Federazione contro la Pirateria Musicale e Multimediale) e Robbert Baruch (Senior Vice President of Public Affairs – Europe and Multilateral Relations, UMG). Segue “Il valore della musica oltre il PIL. La misurazione dell’impatto della Milano music week” presentato Deloitte e Milano Music Week, presenti Tommaso Sacchi e Paola Zukar, e&nbsp;“Producer, autore o entrambi?” con&nbsp;Michele Canova Iorfida&nbsp;(Autore e producer) e&nbsp;Davide Simonetta&nbsp;(Autore).&nbsp;Al pomeriggio si susseguono “Il valore della musica e i pubblici esercizi”, presentato da FIPE, “Non buttate quelle casse! Guida pratica al riciclo di strumenti e hardware” presentato da Consorzio ECOEM, “BEATs: quando la musica diventa sostenibile. Un nuovo modello per valutare gli eventi musicali” presentato da Alta Scuola Politecnica in collaborazione con BetterDays srl; “La Musica Italiana, come si colloca nello scenario globale. Sfide ed opportunità” sponsored by Pirames International.

Il&nbsp;Dazio di Levante&nbsp;ospita dal pomeriggio i panel: “Pagamenti digitali ed eventi: l’innovazione che ridefinisce l’esperienza d’acquisto” presentato da TicketOne, e “Radiofreccia Rock Campus” presentato da Gruppo RTL 102.5 che racconta un nuovo programma che mira a connettere, ispirare e coinvolgere le nuove generazioni attraverso la musica rock. Dalle ore 16.30 due panel presentati da NUOVO IMAIE: “Musica e futuro: come costruire una carriera che resista al tempo e alle mode” con ospite&nbsp;Dodi Battaglia&nbsp;e “Production music: diritti, opportunità e regole della sincronizzazione”. Chiude la giornata di talk il consueto appuntamento firmato Rolling Stone Italia “45 giri di Rolling Stone Italia, gli anni ‘90 con&nbsp;Alexia, Tormento, Boosta&nbsp;(Subsonica)”.

La sera il Dazio si trasforma per il party di Sony Music Italy “First Club” con gli showcase di Faccianuvola, Mazzariello, Anna and Vulkan e special guest. Dj set di Eva Bloo.

All’Agorà&nbsp;di&nbsp;Triennale Milano alle ore 19.30&nbsp;Frah Quintale&nbsp;protagonista del format “Da disco nasce disco” di Dumar. Segue il talk “La musica che cambia” presentato da Cosmopolitan con ospiti le giovanissime&nbsp;Coca Puma&nbsp;(Costanza Puma) e&nbsp;Cyaodieffe&nbsp;(Martina Di Florio) che nei loro ambiti stanno cambiando le regole della musica di oggi.

A&nbsp;Casa Degli Artisti&nbsp;alle ore 17.00 “Dallo studio al palco: un incubatore per la musica di domani” con Paola Gallo che dialoga con la cantautrice&nbsp;Sofia Di Vaio, presentato da Fonoprint, e alle ore 18.00 “R&amp;B Takeover: l’Italia che vibra di R&amp;B”, con&nbsp;STE,&nbsp;Arya,&nbsp;Big Fish&nbsp;e&nbsp;Giordano Dan, questi ultimi, ideatori e direttori artistici del R&amp;B Takeover Fest, introdurranno visione e obiettivi del progetto, che proseguirà con la serata live del 20 novembre all’Apollo Club, condotta da Nina Zilli. Alla sera continuano gli appuntamenti della rassegna “40Hz Research – Live Sessions 2025 Music and science”.

Dopo il successo dei primi appuntamenti, continua il format “Diggin’ with” che domani vedrà protagonisti&nbsp;Colombre&nbsp;e&nbsp;Maria Antonietta&nbsp;da Dischi Volanti e&nbsp;Generic Animal&nbsp;da Serendeepity. “The Stereo Line” si terrà al Bene Bene Bar con&nbsp;Carlo Antonelli, figura fantasmagorica del panorama culturale italiano, in ordine sparso direttore di Rolling Stone Italia, Wired Italia e GQ, general manager della Sugar Music di Caterina Caselli e co-fondatore con Luca Guadagnino della casa cinematografica First Sun e produttore di molti film del regista.

Al 21 HOUSE OF STORIES NAVIGLI “Io contro me stesso w/&nbsp;Willie Peyote” presentato da Cromosomi: vecchie interviste, dichiarazioni e testi diventano il punto di partenza per un dialogo serrato con il moderatore Federico Rana. A seguire il primo episodio del podcast di&nbsp;Nitro&nbsp;“Incubi lucidi: backstage del disco”.

Tanti gli appuntamenti organizzati dai content partner in tutta la città:

Sugar&nbsp;apre le porte della storica sede in Galleria del Corso 4 per raccontare il dietro le quinte del proprio lavoro nell’industria musicale con 8 panel dedicati alle principali aree dell’azienda con i rispettivi team e i responsabili area. Nella stessa sede alle ore 15.00 sarà possibile entrare in contatto con il team A&amp;R di&nbsp;Edizioni Curci&nbsp;e assistere ad una songwriting session vivendo il processo creativo della scrittura di una canzone da spettatore. Da domani al 21 novembre&nbsp;LaTarma&nbsp;apre le porte dei suoi uffici ad aspiranti professionisti del mondo della musica che vogliono entrare in contatto con esperti del settore. In&nbsp;Universal Music&nbsp;continuano gli incontri “Off The Records”, alle 16.00 sul K-pop.

SAE Institute, in collaborazione con IGDA Milano, presenta al Bobino un incontro dedicato al mondo della&nbsp;musica chiptune, con l’artista e compositrice&nbsp;Chipzel, autrice delle colonne sonore di Super Hexagon, Interstellaria e Dicey Dungeons.

Continuano gli appuntamenti de La Ragione al California Bakery Garden &amp; Lounge con un talk sul cantautorato insieme a Francesco Paracchini e la presentazione del libro&nbsp;“Nice to Rock You”&nbsp;di Ezio Guaitamacchi e Leonardo Follieri. Anche l’Ostello Bello si dedica alla letteratura, con il racconto tra parole e musica del&nbsp;Live Aid&nbsp;1985, l’evento musicale che ha cambiato gli anni ’80, con&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/gabrielemedeot_storyteller/">Gabriele Medeot,</a>&nbsp;autore del libro&nbsp;“Live Aid: Il suono di un’era”&nbsp;accompagnato da Laura Panetta alla voce e Giovanni Bertossi alla chitarra.

Allo Spazio Wao la community Miscela porta Claudia Laruccia, coreografa e ballerina, e Asia Jennifer Lanni, regista per&nbsp;“From Woman to Woman – Inspiring women in the music industry”, per raccontare la visione delle donne che stanno ridefinendo i confini della musica e costruendo nuove narrative.

Per ballare dall’orario aperitivo, da Bisca Manfredi l’evento&nbsp;<a href="https://www.instagram.com/unoreverse.milano/">“Uno Reverse”</a>&nbsp;con dj set e improvvisazione in jam session con la possibilità di aggiungere un pezzo di gear, sequencer, drum machine, al DETUBE la RADAR night per festeggiare 3 anni di RADAR MGMT, al cocktail bar&nbsp;<a href="https://www.solchidrinkdascolto.it/">Solchi Drink d’Ascolto</a>&nbsp;il concerto di Berardi – cantautore, musicista ed insegnante di origini pugliesi, founder del format Milano Cantautori.

Management del Dolore Post-Operatorio&nbsp;e&nbsp;Lael Neale&nbsp;saranno in concerto&nbsp;all’Arci Bellezza.

Il programma di domani di&nbsp;Linecheck Music Meeting &amp; Festival, negli spazi di BASE Milano, prevede una serata dedicata a collaborazioni speciali e progetti multidisciplinari: tra questi, “Investito”, performance degli artisti spagnoli di exflamenco Niño de Elche ed Ernesto Artillo, sviluppata in partnership con Farout Live Arts Festival; uno dei progetti più attesi di questa edizione: “Takkuuk – The Talk: Indigenous Voices in Focus”, un dialogo con artistə e attivistə delle comunità indigene coinvolte nel progetto internazionale ideato da EarthSonic, In Place of War e dal duo elettronico Bicep. Negli spazi de La Capsula (sempre dentro BASE) proseguono gli showcase in audio 3D realizzati con SANE, e si apre la mostra “Pink Floyd – Wish You Were Here. The cover art of Storm Thorgerson”, dedicata al leggendario designer delle copertine della band.

MMW25, il programma di mercoledì 19 novembre

Gli appuntamenti della terza giornata della manifestazione

Al di là delle infrastrutture tecnologiche e dell’avanzata dell’AI, il cuore pulsante dell’industria musicale resta il talento umano, la cui scoperta è un delicato equilibrio tra numeri e intuito, tra viralità e autenticità. Gli algoritmi intercettano trend, ma possono davvero cogliere l’anima di una nuova voce? In una riflessione ad ampio spettro, i vertici delle principali realtà discografiche nazionali si sono confrontati sulle sfide dello scouting nell’era digitale: come cambiano i processi decisionali, quali nuovi profili emergono dietro le quinte e come si ridisegna il rapporto tra industria, artisti e pubblico nell’ecosistema delle piattaforme. Sono intervenuti Pico Cibelli (Presidente, Warner Music Italy), Alessandro Massara (Presidente, Universal Music Italia), Sara Pedroni (Managing Director, Believe Italy), Andrea Rosi (Presidente &amp; CEO, Sony Music Italy) e Dino Stewart (Managing Director, BMG). Il panel è stato moderato da Francesco Prisco de Il Sole 24 Ore.

“Noi come Believe non abbiamo come obiettivo il numero di firme, ma vogliamo fare le firme giuste – dice Pedroni – non vogliamo trattare gli artisti come numeri. Identifichiamo ciò che è giusto per un artista e adottiamo un approccio trasparente, fornendo tutti i dati che abbiamo a disposizione”. La chiave di tutto sono gli artisti e il loro repertorio: “Questo cuore va alimentato. Il talent scout è il ruolo più importante all’interno della nostra azienda. L’A&amp;R è il lavoro che tutti vorrebbero fare, e quando incontro i ragazzi me lo dicono”, prosegue Cibelli.&nbsp;“L’arrivo del web ha cambiato il lavoro del talent scout. Oggi, grazie all’analisi dei dati, si può arrivare molto presto su artisti sconosciuti che magari fanno numeri importanti – ammette Massara – ma non basta: gli artisti vanno consigliati e guidati nella scelta del repertorio. Quindi il lavoro è cambiato, ed è anche più ampio”.

“Le nostre aziende hanno raddoppiato e in alcuni casi triplicato la presenza di A&amp;R. Vanno reclutati con caratteristiche complesse e articolate. Mediamente, per sviluppare un artista ci vogliono tre anni”, osserva Rosi. “Non sono molto convinto dell’utilizzo dell’AI per scovare artisti, ma è vero che spesso non si sta cercando l’artista dell’anno, bensì il nome dell’estate – sorride Stewart – e quindi uno strumento come l’AI può essere utile. Un altro aspetto: oggi un contratto discografico è un inizio, non è più un traguardo come anni fa. Questo va tenuto in considerazione”.