Sta assumento contorni surreali il duello legale ingaggiato da Triller, società americana di video-sharing cofondata da David Lieberman e Sammy Rubin che lo scorso luglio aveva trascinato in tribunale TikTok con l'accusa di violazione di proprietà intellettuale per poi - nemmeno due mesi dopo - <a href="https://www.rockol.it/news-716641/">presentare una propria offerta</a> (concertata con la il venture capital Centricus) per comprarlo. Secondo quanto riferito da diverse fonti statunitensi Bytedance, società madre della popolare piattaforma social, ha depositato una contro causa negando ogni addebito.

Oggetto del contendere è un brevetto del 2017 per un sistema di video-sharing assegnato dalle autorità statunitensi a un'app per bambini, Mibblio, i cui fondatori - David Lieberman e Sammy Rubin - sono gli stessi di Triller, nonché principali accusatori di TikTok, che sul video-sharing ha costruito la propria fortuna. La casa madre della piattaforma, che appena alla fine dello scorso mese di agosto si era vista recapitare proprio da Lieberman e Rubin un'offerta da 28 miliardi di dollari per rilevare l'operatività della piattaforma in USA, Canada, Australia e Nuova Zelanda, ha ora deciso di presentare a suo volta un procedimento legale per scrollarsi di dosso le accuse mosse dai competitor a stelle e strisce. Secondo i documenti depositati TikTok "non mostrerebbe di aderire alle specifiche proprie del brevetto": al team legale di Bytedance, che ha richiesto quindi la dismissione del procedimento, ha risposto l'amministratore delegato di Triller Mike Lu, secondo l'ultimo capitolo dello scontro non sarebbe altro se non un "attentato".

Non stupisce che Lu dimostri risentimento nei confronti del gigante asiatico: è dello scorso 8 ottobre la notizia dell'esclusione di Triller dalla corsa per l'acquisizione delle operatività su una grossa fetta dei mercati occidentali di TikTok, causato da <a href="https://www.rockol.it/news-717338/tiktok-centricus-presenta-un-offerta?refresh_ce">uno smarcamento da parte di Centricus, che avrebbe presentato in autonomia un'offerta da 20 miliardi di dollari</a>.

Nel frattempo si sta avvicinando l'ultimatum - fissato al prossimo 12 novembre - previsto dal presidente uscente degli Stati Uniti Donald Trump per la cessazione completa delle attività della piattaforma sul mercato americano in caso di mancato accordo che ceda a una società statunitense il controllo delle operatività del social in occidente. Tuttavia, l'esito della tornata elettorale presidenziale previsto per il prossimo 2 novembre potrebbe aprire nuovi e imprevedibili scenari in quella che a ragione può essere considerata una delle vicende politico-economiche più rilevanti della seconda metà del 2020.

Donald Trump

Bytedance

TikTok

Triller

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

TikTok, reazione legale alla causa di Triller

Industria

Il social di Bytedance cita in giudizio la start-up che cercò di portarlo in tribunale a luglio. E che a fine luglio si è fatto avanti per rilevarne le attività...

Nessuno, oggi, discute il peso che la musica dal vivo ha sul bilancio dell'industria musicale nazionale. Già nel 2023, raccontava <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748036/valore-musica-in-italia-indagine-fimi-4-3-miliardi-di-euro-nel-2023">uno studio realizzato da FIMI</a>, il live - nel nostro Paese - valeva oltre il 56% dei 3 miliardi generati, sul mercato interno, dall'intero settore. Il trend di crescita, successivamente, si è ulteriormente consolidato, come certificato tanto dall'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753178/rapporto-siae-2024-stato-salute-spettacolo-in-italia">ultimo annuario della Società Italiana degli Autori ed Editori</a>, quando dal più <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754532/musica-dal-vivo-italia-dati-2024-assoconcerti-canzone-popolare-live">recente report</a> dell'associazione di categoria di riferimento del comparto, AssoConcerti. Eppure, nonostante i numeri parlino chiaro, un combinato disposto di fattore sfavorevoli – la crescita fuori controllo di inflazione e costi dell'energia, il caro affitti, la migrazione di professionalità verso altri ambiti indotta dalla pandemia, la gentrificazione delle zone centrali delle grandi aree urbane – sta ponendo una barriera all'ingresso ai futuri protagonisti del live: la crisi degli spazi di base, oggi, rischia di pregiudicare l'intero settore di domani. All'estero lo sanno bene, tanto le associazioni quanto gli artisti – che, tra l'altro, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748183/katy-perry-ha-annunciato-il-suo-sostegno-al-music-venue-trust">sono stati tra i primi a mobilitarsi</a>. Ma qui? Per assicurare un futuro alla musica dal vivo, in Italia – a unire le forze – sono stati il collettivo Germi, guidato da Manuel Agnelli, e SIAE, che lo scorso 12 marzo hanno annunciato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757624/siae-con-germi-per-suoni-dal-futuro">“Suoni dal futuro”</a>, progetto creato per sostenere le nuove generazioni di artisti attraverso “un percorso concreto fatto di palco, formazione e crescita professionale”. “I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo”, ci ha raccontato Salvatore Nastasi, Presidente di SIAE, che insieme ad Agnelli (tornato sull'argomento, sempre con Rockol, con <a href="https://www.rockol.it/news-757986/siae-suoni-dal-futuro-importanza-live-giovani-intervista-nastasi-siae">questa intervista</a>)&nbsp;ha elaborato e messo a punto il progetto: “In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare”. Spiegandoci perché, proprio dagli eventi dal vivo che apparentemente possono sembrare marginali, passano le sorti della grande musica italiana... 
&nbsp;

Lei e Agnelli siete conoscenti di lunga data: entrambi avete spiegato come “Suoni dal futuro” sia un progetto del quale avete parlato per anni. Perché si è concretizzato proprio nel 2026? Qual è stato, se c’è stato, il punto di svolta che ha fatto decollare il processo di organizzazione e realizzazione?

Il progetto "Suoni dal Futuro" nasce da una visione condivisa che nel tempo è maturata fino a trovare oggi le condizioni giuste per concretizzarsi. In questo momento storico abbiamo sentito con ancora più urgenza la necessità di rimettere al centro la creatività, le opere originali e i giovani autori e le giovani autrici. È un’esigenza che nasce dal contesto attuale, in cui la musica rischia spesso di essere letta solo attraverso numeri, classifiche e algoritmi. Il punto di svolta è stato proprio questo: la consapevolezza comune che fosse necessario creare una realtà strutturata e continuativa, capace di accompagnare una nuova generazione di talenti. Insieme a Manuel Agnelli e al collettivo di Germi abbiamo condiviso l’idea che il futuro della musica non si aspetta, ma si costruisce. E si costruisce mettendo in relazione arte, formazione ed esperienza sui palchi.

Tra San Siro e l’assenza dei palchi c’è “un mondo di mezzo”, rappresentato dai piccoli live club, dove SIAE vuole essere presente: perché, secondo lei, la realtà degli spazi di base per la musica dal vivo, che in Paesi come il Regno Unito sono considerati incubatori indispensabili per assicurare un futuro alla comunità artistica, in Italia vengono considerati meno che una nicchia? Crede che il problema possa essere culturale?

I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo. Sono luoghi in cui la musica prende forma, dove gli artisti iniziano a costruire un rapporto autentico con il pubblico e dove le canzoni diventano esperienze condivise. In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare. È nei club che si sviluppa quel dialogo diretto tra chi crea e chi ascolta, ed è lì che si costruiscono le basi del futuro della musica. Progetti come "Suoni dal Futuro" nascono proprio per riportare attenzione su questi spazi, valorizzarli e riconoscerli come fondamentali per la crescita professionale e artistica di giovani emergenti.

I dati in possesso di SIAE hanno confermato come il pubblico, dopo il Covid, abbia “avuto bisogno di sentire gli artisti dal vivo”. Gli ultimi dati di mercato - sia in Italia che all’estero - hanno confermato come il rapporto “fisico” tra pubblico e musica sia più saldo che mai. È una sorta di “assicurazione” nei confronti della creatività umana, in tempi in cui artisti “virtuali” creati dall’intelligenza artificiale iniziano a finire sui giornali?

La dimensione live restituisce alla musica la sua essenza più profonda: quella dell’incontro. È un’esperienza che non può essere ridotta o sostituita, perché nasce dalla relazione diretta tra artista e pubblico, dalla condivisione di un momento unico e irripetibile.

In questo senso, il rafforzarsi del live non è solo una tendenza di mercato, ma un segnale importante: ci ricorda che la musica vive davvero quando è autentica e condivisa. Anche in un contesto in cui le tecnologie evolvono rapidamente, resta centrale il valore dell’espressione umana, della presenza, della connessione reale. Più che un’assicurazione, è una conferma della natura stessa della musica.

L’importanza della prossimità all’artista che solo il live può garantire, secondo lei, vale per tutti - dalle star che suonano negli stadi alle band emergenti che calcano i palchi dei club - o è per certi versi “drogata” dalla fascinazione che il grande pubblico ha per la celebrità?

La prossimità è un concetto affascinante. È un valore, è un’opportunità, che attraversa tutta la musica, indipendentemente dalle dimensioni del palco. Certamente, cambia la scala dell’esperienza, ma non cambia la sua natura, il bisogno di connessione.

Nei grandi eventi questa relazione assume una forma collettiva più ampia, mentre nei club diventa più intima e diretta, ma è proprio in questi contesti che spesso si sviluppa una connessione più profonda, perché si è più vicini, più esposti, è quindi più autentici. Con "Suoni dal Futuro" mettiamo al centro i club con l’auspicio di costruire o di rafforzare il rapporto tra artista e pubblico, al di là di ogni dinamica legata alla notorietà.

Al di là del progetto “Suoni dal futuro”, cosa fa SIAE nel concreto per i giovani autori? Per quanto riguarda il settore della musica dal vivo, crede sia opportuno che a questo comparto venga assegnato un sostegno da parte delle istituzioni? Se sì, di che tipo? Nel caso, come SIAE, sareste disposti a collaborare con altre entità su un progetto del genere?

Come SIAE lavoriamo da sempre per creare le condizioni affinché chi scrive e crea musica possa crescere in un contesto che riconosca, tuteli e valorizzi il lavoro creativo, soprattutto nelle fasi iniziali di un percorso artistico, che sono spesso le più fragili ma anche le più decisive. In questa direzione vanno misure come la gratuità dell’iscrizione per gli autori e le autrici under 30 e la maggiorazione sui compensi annuali da diritto d’autore del repertorio musica per gli under 35: strumenti pensati per ridurre le barriere di accesso e accompagnare i primi passi di una carriera che, come sappiamo, è spesso complessa e in salita. A queste si affiancano le numerose iniziative promosse attraverso i nostri uffici di Promozione Culturale e programmi come i bandi “Per Chi Crea”, che hanno l’obiettivo di sostenere concretamente giovani talenti under 35, offrendo opportunità di crescita e visibilità.

Per quanto riguarda invece il settore della musica dal vivo, crediamo che il sostegno a questo comparto sia fondamentale. I club, i circuiti locali non sono una nicchia, ma un passaggio essenziale nello sviluppo della musica: è lì che gli artisti si formano, sperimentano e costruiscono la propria identità. Investire nei luoghi della musica dal vivo, significa investire nel futuro dell’intero sistema musicale. Il tipo di sostegno deve andare proprio in questa direzione: favorire la creazione e la sostenibilità di spazi reali, accessibili, dove il talento possa emergere e incontrare il pubblico, valorizzando la dimensione live come momento centrale dell’esperienza musicale.&nbsp; Da parte nostra c’è massima disponibilità al dialogo e alla collaborazione con istituzioni e altri soggetti del settore. Siamo convinti che solo attraverso un lavoro condiviso si possano costruire ecosistemi solidi per il futuro delle nuove generazioni.

'Il futuro della musica non si aspetta, si costruisce'

Il Presidente di SIAE Salvatore Nastasi spiega la visione della collecting dietro 'Suoni dal futuro'

E' un'etichetta globalista fin dalle sue origini, la nuova nata in casa UMG: Dialled In Records avrà infatti base a Londra e sarà gestita da The Collective (un celebre&nbsp;gruppo di A&amp;R trasversali ad Island ed EMI) e da un gruppo di imprenditori, consulenti musicali e produttori provenienti dall'Asia meridionale, in particolare dall'India, fondatori del collettivo Dialled In. Il gruppo è attivo da cinque anni e si è già fatto notare in territorio inglese, arrivando addirittura a piazzare alcuni suoi artisti in festival come Glastonbury.

Le prime firme dell'etichetta sono Aahadadream (artista di origini indiane già noto nel Regno Unito, che tra l'altro ha co-fondato il collettivo Dialled In) e un gruppo di artisti attivi tra New Delhi e Mumbai, gli Excise Dept. Il 30 maggio la nuova etichetta inaugurerà ufficialmente le sue attività festeggiando il quinto compleanno del collettivo con un festival da 3.000 persone.

&nbsp;

UMG lancia una nuova label specializzata in musica asiatica

Si chiama Dialled In Records e sarà gestita insieme a un collettivo di imprenditori indiani

Un tempo era appannaggio soprattutto degli artisti in tour, ma con l'avvento di Internet e degli e-commerce ormai ci si trova a&nbsp;constatare come ogni etichetta, produttore, rapper o cantante immetta ogni anno nel circuito del merchandising&nbsp;diversi drop (così si dice in gergo) di nuovi articoli. Ed è proprio su questo che si focalizza la nuova ricerca di Midia: quali sono i desideri e le impressioni dei potenziali acquirenti?

Stando all'indagine, la cara vecchia t-shirt della band non è più l'oggetto dei desideri dei giovanissimi: la maggior parte dei consumatori nella fascia 16-24 predilige altre opzioni, come poster, portachiavi e bigiotteria. Sempre più consolidata tra&nbsp;i giovanissimi, inoltre, l'abitudine di acquistare i formati fisici di album e singoli alla stregua di merchandising (una tendenza evidente&nbsp;anche per via del&nbsp;fatto che la maggior parte dei giovani acquirenti di LP e 45 giri non possiede un giradischi): il 27% dei consumatori di musica di questo range di età, infatti, ne ha comprato uno nell'ultimo anno.

Purtroppo, però, emergono anche alcune criticità da parte dei fan interpellati, come la sensazione&nbsp;che molti articoli siano diventati troppo costosi. Emerge anche la convinzione che questa fonte di guadagno sia ormai quasi&nbsp;abusata dagli artisti: ben il 40% degli intervistati dichiara di sentirsi a volte sfruttato (in modalità mucca da mungere, per intenderci) dai propri beniamini.

Una nuova ricerca sui trend del merchandising firmata Midia

E' una fonte di incassi sempre più redditizia per gli artisti, e non solo per quelli in tour

Il giudice federale americano Randolph D. Moss ha dichiarato incostituzionale l’ordine esecutivo con cui Donald Trump, lo scorso maggio, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756294/usa-stop-ai-finanziamenti-per-le-radio-pubbliche">aveva disposto l’eliminazione dei finanziamenti pubblici a NPR e PBS</a>, i due principali operatori nel circuito delle radio pubbliche nazionali. “Il Primo Emendamento traccia una linea, che il governo non può oltrepassare, negli sforzi di usare il potere del governo - compreso quello di finanziamento - ‘per punire o sopprimere l’espressione sfavorita’ da parte di altri”, si legge nella sentenza: “Il messaggio è chiaro: NPR e PBS non devono fare domanda per alcun beneficio federale perché il Presidente disapprova la loro linea editoriale ‘progressista’”.

La sentenza - osserva la stampa specializzata americana - non implica, tuttavia, un riavvio automatico dei fondi: Moss osserva che, poiché le risorse del Corporation for Public Broadcasting (CPB) sono già state revocate, le richieste di sollievo contro il CPB risultano prive di oggetto; al tempo stesso, ha emesso un’ingiunzione permanente per impedire l’attuazione dell’ordine esecutivo.&nbsp;

“Siamo entusiasti della decisione di oggi che dichiara l’ordine esecutivo incostituzionale… l’ordine esecutivo è una discriminazione e una ritorsione per punto di vista, incostituzionale da manuale”, ha commentato Jeremy Gaines, portavoce del PBS. Secondo la CEO di NPR Katherine Maher il tribunale ha chiarito che “il governo non può usare il finanziamento come leva per influenzare o penalizzare la stampa”, definendo la decisione “una conferma decisiva dei diritti di una stampa libera e indipendente—e una vittoria per NPR”. La portavoce della Casa Bianca Abigail Jackson ha definito la decisione della corte “ridicola”: “NPR e PBS non hanno alcun diritto di ricevere fondi dei contribuenti, e il Congresso ha già votato per togliere loro i finanziamenti”, lasciando intendere - come riferito da Politico - la possibilità di fare ricorso in appello.

USA, dal tribunale un aiuto alle radio pubbliche

Per il tribunale è ‘incostituzionale’ lo stralcio (voluto da Trump) dei sostegni a NPR e PBS. Ma…

Nel 2025 CTS Eventim, il gruppo tedesco che opera nei settori dell’organizzazione di eventi dal vivo e ticketing, nonché società madre dell’italiana TicketOne, ha registrato ricavi per 3,079 miliardi di euro (in crescita del 9,6% su base annua), “proseguendo la sua traiettoria di crescita nel 2025, superando per la prima volta i 3 miliardi di euro di fatturato consolidato”. La crescita, ha precisato la società con sede a Brema, “è stata trainata dalla progressiva internazionalizzazione, dall'ampliamento della piattaforma tecnologica e da una domanda costantemente elevata di eventi dal vivo”.

Con un EBITDA rettificato al 19%, l’attività del gruppo “si è dimostrata solida e redditizia in entrambi i segmenti”. La divisione dedicata alla biglietteria ha totalizzato entrate per 977,1 milioni di euro, in crescita dell’11% su base annua, con un EBITDA rettificato al 46,4%: la performance è stata resa possibile dalla “continua digitalizzazione della vendita dei biglietti, dall'integrazione dei mercati internazionali e delle economie di scala derivanti dalle piattaforme digitali”.

Il segmento dedicato all’organizzazione e alla produzione di eventi live ha generato un fatturato di 2,152 miliardi di euro, in crescita del 9,2% su base annua, e un EBITDA rettificato aumentato del 3,7% a 130,3 milioni di euro. In questo caso, “il segmento ha beneficiato di una domanda costantemente elevata per eventi dal vivo e di un solido portfolio di eventi proprietari”, come - tra gli altri - le edizioni (andate sold-out) dei festival Rock am Ring e Rock im Park.

Il gruppo ha “continuato ad espandere la propria attività nel settore delle sedi per eventi, rafforzando così la propria posizione lungo tutta la catena del valore”, attraverso - per esempio - la nuova Unipol Dome di Milano, inaugurata in occasione degli scorsi giochi olimpici invernali e definita da CTS Eventim “una delle arene polifunzionali al coperto più innovative d'Europa”.

“Nel 2025 abbiamo continuato a perseguire con determinazione la nostra strategia di crescita, superando per la prima volta la soglia dei 3 miliardi di euro. In sette esercizi finanziari – escludendo gli anni della pandemia – il nostro fatturato è praticamente triplicato”, ha commentato Klaus-Peter Schulenberg, CEO di CTS Eventim: “Stiamo investendo nell'espansione della nostra piattaforma, nella tecnologia, nei dati e nell'intelligenza artificiale, nonché nel rafforzamento del nostro business nel settore dell'intrattenimento dal vivo e delle location. Siamo in un'ottima posizione per la prossima fase di sviluppo della nostra azienda”.

Riguardo l’outlook per il 2026, secondo gli analisti della società “ipotizzando uno scenario macroeconomico stabile” le previsioni sono di “un aumento del fatturato totale e dell'EBITDA rettificato”.

CTS Eventim, nel 2025 superati i 3 miliardi di euro di fatturato

E’ la prima volta nella storia aziendale del gruppo guidato da Klaus-Peter Schulenberg

Sugar Music, l’etichetta discografica del gruppo Sugar, ha lanciato “Ascolto”, un nuovo progetto di scouting pensato - ha precisato la label - “per raggiungere le voci emergenti direttamente nei territori in cui nascono”.&nbsp;

L’iniziativa prevede una fase iniziale di ricezione e ascolto, alla quale seguiranno sei tappe attraverso l’Italia - il 24 aprile a La Redazione di Empoli, l’8 maggio a Padova (Casetta Zebrina), il 15 maggio a Salerno, presso iMorticelli, il 22 a Bari maggio (al MAT Laboratorio Urbano di Terlizzi), il 29 maggio a Palermo (all’EPYC), per concludersi a Cagliari, in una data ancora da definire.

“Ascolto” si aprirà ufficialmente domani, primo aprile, con un open call nazionale rivolta ad artisti, artiste e band maggiorenni ed emergenti, a cui sarà possibile candidarsi a <a href="https://sugarmusic.com/ascolto" target="_blank">questo&nbsp;link</a>, entro l’8 aprile. Il 14 aprile verranno comunicati i 30 artisti emergenti selezionati, cinque per ciascuna delle sei città del tour, che avranno l’opportunità di esibirsi dal vivo davanti al pubblico e al team A&amp;R di Sugar, “entrando in contatto diretto con il mondo discografico”.

Il progetto - “nato per costruire un ponte tra discografia e territorio” - “è animato - conclude Sugar Music - dalla convinzione che il talento possa nascere ovunque, ma soprattutto dall’incontro fra chi ha qualcosa da dire e chi è disposto ad ascoltare”.

Scouting, Sugar Music lancia Ascolto

Un progetto per scoprire e valorizzare i talenti emergenti in Italia, in sei tappe: i dettagli

Domani, primo aprile 2026, Apple celebrerà i cinquant’anni dalla sua fondazione. La ricorrenza è stata ricordata - oltre che con una serie di speciali eventi musicali dal vivo a New York, Londra, Washington DC, Sydney, Bangkok e Seul - dall’attuale CEO del gigante informativo con quartier generale a Cupertino, California, Tim Cook, con una lettera aperta pubblicata sul network globale Web dell’azienda.

“Cinquant’anni fa, una grande idea prese forma in un piccolo garage”, scrive Cook: “Apple è stata fondata sulla base di un concetto semplice quanto radicale per quel periodo: la tecnologia deve essere qualcosa di personale. Un concetto che ha cambiato tutto. Dal nostro primo computer all’introduzione del Mac, dall’iPod all’iPhone, dall’iPad all’Apple Watch e agli AirPods, senza dimenticare tutti i servizi che usiamo ogni giorno, come l’App Store, Apple Music, Apple Pay, iCloud e Apple TV, abbiamo passato cinque decenni a ridefinire i limiti del possibile, per offrire alle persone strumenti davvero potenti”.

“In mano vostra, gli strumenti che creiamo hanno migliorato la qualità di tante vite, qualche volta ne hanno anche salvate”, ha proseguito Cook: “Ed è proprio questa la nostra fonte di ispirazione più grande. Ciò che conta davvero sono i vari modi in cui voi sfruttate la tecnologia, al di là di quello che la tecnologia stessa può fare da sola. (...) Sono le vostre idee a motivarci in tutto quel che facciamo. La vostra fiducia ci spinge a dare di più e le vostre storie ci ricordano i traguardi straordinari che si possono raggiungere quando si pensa in modo diverso. Se c’è qualcosa che abbiamo imparato da voi è che le persone folli abbastanza da pensare di poter cambiare il mondo sono quelle che alla fine ci riescono”.

Apple fu senza dubbio protagonista della primissima fase della rivoluzione digitale dell’industria musicale, lanciando - nel 2001 - le prime versioni di iTunes e del lettore Mo3 iPod. Dopo aver portato - nel 2004, con la prima release del software di creazione musicale GarageBand - l’editing audio a livello consumer, l’altra grande svolta per l’azienda fu - nel giugno del 2015, il lancio di Apple Music, la piattaforma di streaming musicale che - pur arrivata con 7 anni di ritardo rispetto a Spotify - oggi rappresenta, a livello globale, uno dei primi competitori del DSP lanciato in Svezia nel 2008.

L’epopea aziendale di Apple - amplificata presso il pubblico generalista dal film del 2013 “Jobs” sulla figura del co-fondatore della società, Steve Jobs, scomparso nel 2011 - è stata assunta a paradigma per definizione dell’età dell’oro della Silicon Valley, il distretto tecnologico nei pressi di San Francisco che dalla prima metà degli anni Settanta rappresenta il cuore pulsante del comparto digitale statunitense: dal garage citato da Cook nell’incipit del suo messaggio Apple è arrivata a raggiungere una capitalizzazione di mercato superiore ai 3500 miliardi di dollari, pari - più o meno - al prodotto interno lordo della Gran Bretagna nel 2024. Nel 2025 il gruppo ha accumulato ricavi per 416 miliardi di dollari, con un reddito operativo pari a 133 miliardi di dollari. Alla fine dello scorso anno, i due azionisti di riferimento del gruppo erano Vanguard e BlackRock, rispettivamente con il 9,72% e 7,86% delle quote, con tra gli altri - nel ruolo di azionisti di minoranza - State Street Corporation (4,11%), Geode Capital Management (2,44%), Morgan Stanley (1,57%), JPMorgan Chase (1,54%) e Norges Bank (1,31%).

Apple compie 50 anni

L’azienda che in mezzo secolo è passata da un garage a valere come l’economia di un Paese del G7

Jake La Furia è il nuovo ambassador della campagna Lego dedicata ai veicoli.&nbsp;Come primo atto di questa partnership, proprio ieri ha preso parte a un'attività presso il Barrio's di&nbsp;Barona, a Milano: un pomeriggio all'insegna del claim "Click, clikc, vroom" che ha visto una sessione di costruzione /&nbsp;laboratorio creativo a cui hanno preso parte anche i ragazzi del quartiere.&nbsp;

"Per me, il gioco è sempre stato una forma di espressione e libertà. Oggi unire l’energia della musica ai mattoncini è stato un modo diretto per connettermi con i ragazzi e raccontare loro che con la passione puoi costruire tutto quello che immagini" ha dichiarato Jake.&nbsp;“È stato un piacere immenso giocare e confrontarci con lui: la sua energia incarna perfettamente lo spirito&nbsp;del Gruppo LEGO, che da sempre sottolinea il potere del gioco per sviluppare la creatività e le capacità sociali nei bambini”&nbsp;ha aggiunto Davide Cajani, Marketing Director di LEGO Italia.&nbsp;“Oggi i mattoncini sono diventati&nbsp;anche un forte&nbsp;ponte di comunicazione, un linguaggio universale e cool capace di superare barriere generazionali e culturali”.

Jake La Furia è ambassador della nuova campagna Lego

L'artista ha preso parte a un'attività con il pubblico presso il Barrio's di Milano

FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana ha preso parte - come unico referente del settore discografico - al tavolo promosso da INAPP – Istituto Nazionale per l’Analisi delle Politiche Pubbliche sull’evoluzione delle professionalità del settore audiovisivo e musicale “Scenario di anticipazione dei fabbisogni professionali e delle competenze: produzione audiovisivi e musica”, tenutosi lo scorso 26 marzo a Roma. Il workshop - spiega FIMI in una nota - “ha analizzato i principali fattori del cambiamento che stanno ridefinendo il settore della produzione audiovisiva e musicale, analizzandone i trend evolutivi e gli impatti sulle professioni nel nuovo mercato del lavoro, oltre che sulle competenze richieste”.

Tra gli esperti di settore convocati al tavolo era presente anche Alessandro Giulianelli (nella foto, il secondo da destra), Marketing Communication &amp; Insight Manager di FIMI. “Entrata nella sua terza era digitale, con gli accordi di licenza tra etichette musicali e piattaforme di AI, l’industria discografica ha attraversato profondi cambiamenti negli ultimi anni”, ha dichiarato Giulianelli: “Questa evoluzione del mercato, che nel 2025 ha registrato l’ottavo anno consecutivo di crescita superando per la prima volta il mezzo miliardo di euro di ricavi, ha avuto un impatto diretto sulle professionalità e ha fatto emergere nuove competenze, che il report INAPP ha descritto e analizzato, restituendo la fotografia di un settore musicale in forte sviluppo e orientato all’innovazione”.

Il report INAPP sui fabbisogni professionali del settore musicale è disponibile in versione integrale a <a href="https://www.inapp.gov.it/wp-content/uploads/Non-organizzati/INAPP-Mencarelli-Mereu_Anticipazione_fabbisogni_professionali_settore_produzione_audiovisiva_musicale.pdf">questo indirizzo</a>.

“La partecipazione di FIMI conferma l’impegno della Federazione nel contribuire allo sviluppo di politiche e strumenti utili a sostenere la crescita del settore musicale, favorendo l’allineamento strategico tra industria e formazione in un contesto tecnologico in rapida trasformazione”, ha concluso l’associazione di discografici.

Tavolo INAPP, il contributo di FIMI

Per il workshop ‘Scenario di anticipazione dei fabbisogni professionali e delle competenze’

SoundCloud ha lanciato la funzione Follower Exclusive Releases, concepita per potenziare l’operatività degli artisti nei confronti del segmento dei superfan: gli iscritti ad Artist Pro - il piano di abbonamento del DSP dedicato ai professionisti e alle etichette - possono rendere disponibili nuovi progetti esclusivamente ai propri follower, per un periodo limitato oppure anche “a tempo indeterminato”. Tra i primi esempi citati, c’è quello del DJ Chris Stussy, che ha usato il nuovo tool per pubblicare il brano “What Makes You Feel” prima dell’uscita - programmata per il prossimo 3 aprile - del nuovo album “Lost, Found &amp; Forgotten”.

"Uso SoundCloud fin dall'inizio", ha aggiunto l’artista, all’anagrafe Niels Christian Steenbergen, originario di Leiderdorp, Paesi Bassi: "Ai miei esordi caricavo molti podcast e live set. A volte offrivo download gratuiti o pubblicavo frammenti di brani che stavo realizzando. Per questa occasione ho voluto condividere 'What makes you feel' come ringraziamento a tutti coloro che mi hanno ascoltato sulla piattaforma in tutti questi anni. Fa parte del mio album e negli ultimi due mesi ho suonato molto questo brano come intro. Godetevelo”.

SoundCloud, attivato un nuovo tool per i superfan

In Artist Pro arriva Follower Exclusive Releases

GEMA, la principale collecting tedesca, nel 2025 ha visto il proprio fatturato crescere dello 0,4% toccando quota 1,34 miliardi di euro. Una contrazione delle spese del 5,3% ha fatto scendere i costi a 188,25 milioni di euro, lasciando quasi 1,15 miliardi di euro da ripartire ai circa 100.000 associati tra autori, compositori ed editori. Nel dettaglio, i costi del personale sono saliti dello 0,8% a 77,01 milioni di euro, mentre le spese operative sono diminuite del 9,1% a 111,24 milioni di euro.

Sul fronte dei gettiti riferiti alle diverse categorie, il live ha generato 530,06 milioni di euro (+5,6%), l’online 327,90 milioni (+5,7%), con lo streaming a 318,86 milioni (+10,5%); live e online valgono insieme circa il 64% delle ripartizioni. In calo invece il broadcast (quasi -5%) a 293,09 milioni. Mentre crescono i diritti dal consumo dei repertori all’estero (a 90,38 milioni, +2,9%), tra gli altri segmenti in flessione ci sono i diritti di riproduzione meccanica (a 26,29 milioni, -42,4%) e altre linee minori (a 16,46 milioni, -15,1%).

“Il mercato musicale sta attraversando profondi cambiamenti, e GEMA sta contribuendo attivamente a plasmare questa trasformazione”, ha dichiarato Tobias Holzmüller, CEO di GEMA: “Stiamo modernizzando le nostre strutture, dimostrando la nostra affidabilità come partner per i nostri membri e ampliando costantemente la nostra rete internazionale. Allo stesso tempo, difendiamo sistematicamente i diritti dei nostri membri, come dimostra la sentenza del tribunale contro OpenAI del novembre 2025 , che ha rappresentato il nostro primo successo nel mercato dell'intelligenza artificiale”.

"Sebbene i nostri dati mostrino un calo in settori come il mercato pubblicitario e le registrazioni audio fisiche, le tendenze positive nei settori della musica dal vivo e del business online hanno più che compensato questa flessione", ha aggiunto Lorenzo Colombini, CFO di GEMA: “Stiamo espandendo costantemente la nostra attività a livello internazionale, rappresentando i diritti di numerosi titolari di diritti creativi all'estero, un settore in cui vediamo un grande potenziale di crescita futura”.

GEMA, nel 2025 fatturato a 1,34 miliardi di euro

Con ripartizioni per quasi 1,15 miliardi di euro

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757974/universal-music-annunciato-un-buyback-da-500-milioni-di-euro">Come già riportato</a>, Universal Music Group ha annunciato l’avvio di un programma di riacquisto di azioni proprie per €500 milioni, il primo “buyback” nella storia della società. L’operazione, che sarà eseguita tramite un broker indipendente, è stata presentata dal management come un segnale di fiducia nella strategia e nelle prospettive di crescita di lungo periodo del gruppo. Ma è stata soprattutto una frase del CFO Matt Ellis a chiarire il senso dell’iniziativa: secondo UMG, esiste oggi una “meaningful dislocation” tra il valore di mercato della società e il suo valore effettivo. Tradotto: il mercato non ci sta prezzando correttamente – ergo, ci conviene acquistare le nostre stesse azioni.

<h3 style="text-align: left;">Cos’è un buyback</h3>

Un buyback (o riacquisto di azioni proprie) è un’operazione con cui una società utilizza la propria liquidità per comprare sul mercato le proprie azioni. Quando l’azienda diventa acquirente di sé stessa, sortisce due effetti principali. Il primo è tecnico: riducendo il numero di azioni in circolazione, aumenta il valore relativo di quelle rimaste. Il secondo è comunicativo: il management segnala al mercato che ritiene il titolo sottovalutato.

Un buyback viene generalmente attivato quando una società riscontra tre condizioni:

<ul>
	<li>genera cassa in modo stabile</li>
	<li>non ha bisogno immediato di investire tutto quel capitale</li>
	<li>ritiene che le proprie azioni siano un buon investimento.</li>
</ul>

In questo senso, il riacquisto non è solo una decisione finanziaria, ma una forma di allocazione del capitale: l’azienda sceglie di investire su sé stessa invece che su alternative esterne.

<h3 style="text-align: left;">Il segnale e la strategia di UMG</h3>

Il buyback diventa quindi uno strumento con una doppia funzione. Da un lato, è un segnale agli investitori: il management ritiene che il titolo sia sottovalutato, quindi da comprare. Dall’altro, è una scelta di allocazione del capitale, resa possibile da una condizione che UMG rivendica esplicitamente: una forte generazione di cassa, un bilancio solido e la capacità di sostenere contemporaneamente investimenti, dividendi e rating creditizi. In altre parole, Universal Music si trova in una posizione in cui non è costretta a scegliere tra crescita e distribuzione di valore agli azionisti. Può fare entrambe le cose.

È qui che emerge un secondo livello di lettura. Il gruppo continua a investire nella propria espansione — acquisizioni di cataloghi, sviluppo di artisti, nuove iniziative legate alla tecnologia — ma la quantità di capitale generata supera, almeno nel breve periodo, le opportunità disponibili a condizioni ritenute sufficientemente attrattive. Questo non significa che le opportunità manchino, ma che non tutte offrono ritorni adeguati rispetto al profilo di UMG. In questo contesto, riacquistare le proprie azioni diventa una forma alternativa di investimento: la società considera il proprio titolo più interessante, in questo momento, rispetto ad altre possibili destinazioni del capitale.

Il punto più interessante, però, resta il tema della “dislocation”. Universal Music Group è, apparentemente, uno degli asset più leggibili dell’industria musicale: ricavi ricorrenti legati allo streaming, leadership globale, struttura consolidata. Se anche in questo caso il management ritiene che il mercato stia sottovalutando il titolo, il segnale va oltre la singola società. Indica che il mercato, nel suo complesso, fatica ancora a interpretare pienamente la musica come asset class. Ossia: se gli operatori industriali continuano ad accumulare valore — attraverso cataloghi, diritti e nuove forme di sfruttamento, il mercato finanziario non sembra ancora allineato su questa valutazione.

Il buyback annunciato da UMG non è quindi solo una decisione finanziaria. È anche una presa di posizione più ampia: la convinzione che il valore della musica, per come si sta ridefinendo oggi, non sia ancora riflesso pienamente nei prezzi di mercato. E le ragioni per pensarlo non mancano…

<h3 style="text-align: left;">Perché i mercati premiano Spotify e Tencent ma non UMG e WMG</h3>

Negli ultimi due anni, l’andamento in borsa delle principali società legate alla musica racconta una storia meno intuitiva di quanto ci si potrebbe aspettare. Non è una storia di crescita uniforme del settore, ma di divergenza. Da una parte ci sono le piattaforme, dall’altra i detentori di diritti. E tra le due, il mercato ha scelto — almeno per ora — le prime.

Spotify è il caso più evidente. Dopo un periodo difficile, il titolo ha registrato una forte rivalutazione, arrivando a crescere di circa il 150% nell’arco di due anni, con un’accelerazione particolarmente marcata nel 2024, quando ha messo a segno una delle migliori performance dell’intero mercato tecnologico. Barron’s ha parlato apertamente del “best year” del titolo, mentre Axios ha sottolineato il ritorno sopra i 100 miliardi di dollari di capitalizzazione. Tencent Music ha seguito una traiettoria meno lineare ma comunque positiva. Il titolo ha mostrato una crescita nell’ordine del 40-60% nello stesso periodo, accompagnata da una forte volatilità. Il modello ibrido — che combina streaming, social entertainment e servizi a pagamento — continua a produrre espansione, ma con oscillazioni legate alla composizione dei ricavi e all’evoluzione della base utenti.

Sul versante opposto, i detentori di diritti hanno avuto un andamento più debole. Universal Music Group si è mossa in un range ampio ma senza una direzione chiara, con una performance complessiva negativa nell’arco dei due anni, nell’ordine del -40% secondo i dati di mercato disponibili. Warner Music Group ha marciato quasi allo stesso ritmo, arrivando a perdere il 28% del proprio valore.

Dunque il punto interessante non è tanto la differenza di performance, quanto ciò che questa differenza implica. Le piattaforme sono state premiate perché il mercato ne comprende il motore: crescita degli utenti, aumento dei ricavi, miglioramento della monetizzazione via aumento dei prezzi degli abbonamenti. Sono modelli leggibili, familiari, comparabili con altri segmenti tecnologici. I detentori di diritti, invece, rappresentano un tipo di asset diverso. Più stabile, più duraturo, ma anche più difficile da interpretare. Il valore di un catalogo, la capacità di estrarre ricavi nel tempo, il ruolo crescente di nuovi usi — dall’AI alla sincronizzazione — sono elementi meno immediatamente traducibili in metriche standard.

Questo crea un paradosso. Universal Music Group, che possiede uno dei portafogli di diritti più solidi e prevedibili del settore, viene valutata dal mercato in modo meno generoso rispetto a Spotify, che opera su un modello strutturalmente più esposto alla competizione e ai margini. Asset di proprietà contro distribuzione di asset altrui, insomma. È proprio qui che si inserisce la nozione di “dislocation” richiamata dal CFO di UMG nel contesto del buyback. Non è solo una valutazione sulla propria azienda, ma una lettura più ampia: il mercato, oggi, sembra comprendere meglio la musica come esperienza di consumo che come asset economico. Negli ultimi due anni, in altre parole, la musica è stata premiata come servizio, non come proprietà.

È una distinzione sottile, ma decisiva. Perché se la prima fase della trasformazione digitale ha riguardato la distribuzione e l’accesso, la successiva riguarda inevitabilmente il valore degli asset sottostanti. Soprattutto al cospetto dell’AI&nbsp;slop che tutti preoccupa. E, su quel terreno, il mercato non sembra ancora del tutto allineato.

Universal Music Group: i motivi del buyback

Perché ora, a cosa serve, qual è la particolarità dell’operazione della major

La European Broadcasting Union e Voxovation, insieme a S2O Productions e all’emittente thailandese Channel 3, hanno annunciato lo sbarco dell’Eurovision Song Contest in Asia: la popolare manifestazione canora debutterà in Oriente con una prima edizione a Bangkok, in Thailandia, che culminerà in una finale prevista per il prossimo 14 novembre. Le emittenti di Corea del Sud, Thailandia, Filippine, Vietnam, Malesia, Cambogia, Laos, Bangladesh, Nepal e Bhutan hanno già confermato la propria partecipazione: secondo gli organizzatori, altre adesioni sono attese nelle prossime settimane.

L’operazione è stata varata in concomitanza con il settantesimo anniversario della manifestazione originale.

"E’ significativo aprire questo capitolo con l'Asia proprio per il nostro 70° anniversario”, ha commentato il direttore di EBU Martin Green: “Vogliamo far evolvere l'Eurovision insieme all'Asia, riflettendo le voci e le ambizioni della regione pur rimanendo fedeli a ciò che rende speciale il concorso”.

"Fin dal primo giorno, la nostra ambizione è stata costruire uno show che rifletta l'identità e l'energia creativa dell'Asia”, ha aggiunto Peter Settman, CEO di Voxovation: “Portare questo spettacolo incredibile in un nuovo continente è qualcosa di molto speciale".

La scelta di Bangkok come città ospitante - ha spiegato EBU - “punta a generare visibilità internazionale per la metropoli, sostenendo il turismo e le industrie creative locali”. Social partner ufficiale della versione asiatica del format è ZOOP, che “metterà il pubblico al centro dell'azione tramite una piattaforma di partecipazione dei fan, che permetterà di interagire con gli artisti, unirsi a community e ricevere premi per il coinvolgimento attivo”.

L’Eurovision sbarca in Oriente: prima edizione a Bangkok nel 2026

Dieci Paesi dell'area hanno già dato la propria adesione: finale in programma per il 14 novembre

Oggi la maggior parte della raccolta dei dati sul pubblico presente ad un evento dal vivo avviene dopo l’evento o l’attività, tramite sondaggi ed email di follow-up. Tuttavia a quel punto il coinvolgimento è già diminuito. Per aziende di ticketing, promoter e organizzazioni culturali comprendere le preferenze del pubblico presente ad un evento gioca, invece, un ruolo fondamentale nel definire eventi futuri, comunicazioni e campagne. Insight&nbsp;che possono supportare dalle promozioni mirate al cross-selling&nbsp;fino al miglioramento dell’esperienza dei fan. Come sfruttare la breve finestra temporale in cui migliaia di fan altamente coinvolti si trovano nello stesso luogo, nello stesso momento, prestando attenzione?

La nuova funzionalità Visitor Engagement&nbsp;di Queue-it offre alle organizzazioni di ticketing un modo per valorizzare quel momento, migliorando l’esperienza di attesa dei fan e raccogliendo al tempo stesso i cosiddetti dati zero-party (quelli&nbsp;che l’utente&nbsp;fornisce volontariamente e in modo esplicito&nbsp;a un’azienda).

Nella fase di vendita i fan sono presenti, motivati e attenti. Le sale d’attesa virtuali sono diventate un’infrastruttura essenziale per gestire la domanda e garantire un accesso equo durante le vendite, e la soluzione di Queue-it le sfrutta aggiungendovi elementi interattivi che danno ai fan qualcosa da fare mentre aspettano e, al tempo stesso, permettono agli organizzatori di accedere a dati zero-party. Visitor Engagement consente agli organizzatori di integrare sondaggi interattivi, quiz e moduli di iscrizione via email direttamente nella sala d’attesa virtuale, utilizzando&nbsp;uno strumento di creazione senza codice utilizzabile in autonomia. I widget possono essere personalizzati con il marchio dell’evento e utilizzati per promuovere eventi futuri o pacchetti, valorizzare sponsor, far crescere le mailing list o comprendere meglio le preferenze del pubblico, tutto mentre i fan stanno attivamente aspettando e sono attenti.

Poiché il coinvolgimento avviene in un momento di forte intenzione, i fan che partecipano alla vendita sono già interessati, quindi i dati raccolti hanno un segnale più forte rispetto a un invio massivo di sondaggi post-evento. Gli organizzatori possono testare l’interesse per eventi futuri, raccogliere consensi (opt-in) e ottenere insight direttamente utilizzabili.

Tutti i dati raccolti restano sotto il controllo dell’organizzatore e sono accessibili tramite la piattaforma Queue-it, da cui possono essere esportati per l’uso in strumenti CRM e di marketing. La funzionalità opera insieme all’infrastruttura principale di gestione del traffico di Queue-it, garantendo che le performance del sito restino stabili anche nei momenti di picco della domanda.

Una volta concluso l’evento, i dati raccolti sono disponibili direttamente nella piattaforma, consentendo ai team di ticketing e marketing di analizzare i risultati e applicarli a future programmazioni, promozioni e comunicazioni.

Queue-it&nbsp;è una società software danese specializzata nel controllo dei picchi di traffico online tramite&nbsp;virtual waiting room: in pratica devia temporaneamente gli utenti in una coda virtuale e li reimmette sul sito o sull’app a un ritmo controllato, per evitare crash, rallentamenti, overselling e accessi non equi nei momenti di domanda molto alta.

L’azienda è stata&nbsp;fondata a Copenaghen nel 2010 da Niels Henrik Sodemann, Camilla Ley Valentin e Martin Pronk.&nbsp;Sul proprio sito, Queue-it spiega di essere nata per prevenire i crash&nbsp;dei siti durante vendite e registrazioni ad alta domanda. Il suo prodotto principale è dunque la&nbsp;“virtual waiting room”, la sala d’attesa virtuale usata come infrastruttura di gestione del traffico in situazioni di picco d’accesso ai siti di ticketing. Sul fronte dei settori serviti, Queue-it si posiziona in modo trasversale:&nbsp;ticketing, ecommerce, pubblica amministrazione, istruzione, viaggi e grandi eventi. Negli ultimi anni la società ha esteso il proprio posizionamento oltre la semplice gestione della coda, aggiungendo componenti di&nbsp;controllo del traffico, correttezza, protezione da abusi e bot. Visitor Engagement&nbsp;va esattamente in questa direzione: usare la waiting room anche come punto di contatto con fan e utenti, non solo come meccanismo tecnico di contenimento del traffico.

Ticketing: come la 'virtual waiting room' sforna dati preziosi

La soluzione della danese Queue-it: nuove funzionalità per coinvolgere i fan in attesa online

Torna anche quest'anno il Medimex, festival e music conference promossi da&nbsp;Regione Puglia e Puglia Culture nell’ambito del progetto per lo sviluppo del sistema musicale regionale Puglia Sounds: la manifestazione è in programma dal 17 al 21 giugno a Taranto.&nbsp;Un’edizione che compie un ideale viaggio dal punk al pop grazie anche a un fitto calendario di concerti internazionali: tra gli artisti annunciati,&nbsp;Pet Shop Boys,&nbsp;Suede,&nbsp;Slowdive, Agents of Time e&nbsp;NYC Redux Band playing the music of Ramones&nbsp;(un'anteprima mondiale con&nbsp;produzione originale del Medimex a cura di Marc Urselli). Non mancheranno inoltre attività professionali e di networking per gli operatori musicali e gli artisti pugliesi, showcase per presentare le novità della scena regionale e nazionale, incontri, mostre, racconti dedicati ai grandi della musica mondiale, presentazioni e attività per avvicinarsi al mondo della musica.&nbsp;

&nbsp;“Saranno cinque giorni di spettacolo e di energia per Taranto che torna ad aprire la stagione estiva della grande musica pugliese" ha&nbsp;dichiarato il presidente della Regione Puglia,&nbsp;Antonio Decaro. "Mi piacerebbe che il Medimex fosse un’occasione per i nostri giovani e per i pugliesi che magari non possono volare in una qualsiasi capitale europea per vedere un concerto di una band internazionale. Perché il Medimex é dei Pugliesi e per i pugliesi innanzitutto". Aggiunge&nbsp;Cesare Veronico, coordinatore artistico Puglia Sounds/Medimex: "La Pop Culture e il Punk sono stati due potenti acceleratori culturali. Entrambi immediati, anti-elitari, democratici, provocatori, iconografici. Approfondiremo questi temi da diverse prospettive. Anche quest'anno le band che abbiamo scelto rappresentano i valori sui quali si poggia il Medimex: Il pacifismo, il rispetto dei diritti civili, la tolleranza, il rispetto per la diversità”.&nbsp;“Medimex torna a Taranto portando nuovo sviluppo e valore per tutto il comparto musicale e per il territorio pugliese" aggiunge&nbsp;Paolo Ponzio, presidente di Puglia Culture.&nbsp;"Come di consueto, alle attività rivolte al pubblico affianchiamo un’importante segmento di valorizzazione e creazione di occasioni di sviluppo per il comparto musicale regionale, che è uno dei tratti identitari del Medimex che da sempre rappresenta un momento di grande esposizione e crescita per la musica della nostra regione".

Medimex: svelato il programma dell'edizione 2026

Dal 17 al 21 giugno a Taranto, propone concerti internazionali, attività professionali e networking

Universal Music ha annunciato un programma di riacquisto delle proprie azioni per 500 milioni di euro: l’operazione - ha fatto sapere la major - sarà gestita da un broker indipendente, e privilegerà “un reinvestimento strategico e disciplinato, supportato da un solido bilancio e da una sana produzione di liquidità”. “Questo approccio - ha precisato la major in una nota - favorisce la creazione di valore a lungo termine per artisti, autori e azionisti, mantenendo al contempo la politica dei dividendi della società, prima di valutare ulteriori ritorni di capitale, come il riacquisto di azioni proprie”.

“Dalla nostra quotazione in borsa abbiamo costantemente registrato una crescita sostenuta, solidi risultati finanziari e una leadership strategica, gettando solide basi per la creazione di valore a lungo termine”, ha dichiarato Matt Ellis, CFO di UMG: “Attualmente riscontriamo una significativa distorsione nella valutazione di mercato di UMG. Il nostro solido bilancio e la generazione di cassa ci offrono la flessibilità necessaria per riacquistare azioni, preservando al contempo un'ampia capacità di investimento nella nostra strategia di crescita e riconfermando il nostro impegno a mantenere i nostri rating creditizi e la nostra politica dei dividendi”.

Fine di Universal Music è “adempiere ai propri obblighi ai sensi del piano azionario globale”, lasciando invariato il numero massimo di azioni legato al piano stesso: il programma, ha precisato l’azienda, “potrà essere sospeso, modificato o interrotto in qualsiasi momento”.

Universal Music, annunciato un buyback da 500 milioni di euro

L’operazione ‘sottolinea la fiducia di direzione e cda nella strategia di crescita’

Da format open-mic dal vivo dedicato agli indipendenti a piattaforma di “scouting, sviluppo e connessione tra artisti emergenti e industria musicale”: questa, in sintesi, l’evoluzione di Spaghetti Live, realtà da tredici anni operativa nel settore emergente italiano che a partire dallo scorso mese di febbraio ha mutato formula, introducendo “un modello ibrido tra live experience e talent partecipativo, con un forte orientamento verso il rafforzamento di una comunità, grazie a un lavoro che integra tutta la filiera dei live”. La serie di eventi proseguirà fino al termine del prossimo maggio a Roma (al Monk) e a Milano (all’Apollo), tenendo l’esibizione dal vivo come cuore del progetto. In occasione della prossima serata (prevista al Monk il 2 aprile prossimo) gli artisti che si esibiranno saranno giudicati dal pubblico e da una selezioni di esperti presenti presso i club: ai vincitori sarà assegnato “un contributo economico diretto (400 euro) pensato come un vero investimento per sostenere i singoli progetti musicali, impostando così un micro-modello di investimento early-stage sull’emergente”.

“Non vogliamo essere una gara, ma una comunità che si confronta e cresce, che non ascolta passivamente la musica che gli viene calata dalle piattaforme digitali, ma che invece scopre attivamente nuova musica, e la supporta collettivamente”, ha spiegato Davide Dose, ideatore e fondatore del progetto: “Qui non conta quanti follower hai, ma cosa succede quando sali su un palco e qualcuno ti ascolta davvero”. “Non vogliamo una gara tra artisti: li accompagniamo invece nei primi passi del loro percorso”, ha aggiunto Dose: “Il nostro obiettivo è costruire un ecosistema in cui chi entra in contatto con Spaghetti Unplugged trovi non solo visibilità, ma strumenti concreti, relazioni e opportunità”.

“Spaghetti Unplugged si propone oggi come hub capace di connettere in modo organico tutti gli attori della filiera musicale”, hanno spiegato i coordinatori dell’iniziativa: “Il progetto ha attivato negli anni collaborazioni con tutte le principali agenzie di booking - da Vivo concerti a Live Nation, Trident, Django, Locusta, Panico, Dna, Otr, fino a All Things Live -, così come le etichette coinvolte, tutte quelle del panorama nazionale e non, con lo spirito di rafforzare il ponte tra scouting e circuitazione live, che spesso rappresenta uno dei punti più critici per chi inizia ad affacciarsi nel mondo musicale”.

L’evoluzione di Spaghetti Unplugged culminerà in un festival, giunto nel 2026 alla seconda edizione, in programma per il 27 e 28 giugno all’interno di Testaccio Estate. Un evento, concludono gli organizzatori, “che rappresenta un ulteriore step strategico: un contenitore multidisciplinare che affiancherà agli artisti in line up - Maria Antonietta e Colombre e Il Mago del Gelato, tra i primi presentati -, anche altri linguaggi come la stand-up comedy, slam poetry, talk, il food, ampliando il perimetro del progetto e aprendo a nuove opportunità di partnership e monetizzazione incrociata tra settori”.

Spaghetti Unplugged apre allo scouting

Lo storico format live indipendente si evolve. E si riposiziona…

La Ukrainian Association of Music Events ha girato e diffuso un documentario, <a href="http://Un documentario sullo stato dei live in Ucraina">disponibile su Youtube</a>, per mostrare ciò che rimane dell'industria dello spettacolo dal vivo nel paese, ormai in guerra da anni con la Russia. Potrebbe sembrare che tutto ciò che è superfluo sia stato eliminato dalla vita pubblica della nazione, ma non non è esattamente così, tanto che da tre anni a questa parte è stato istituito un programma, Music Ambassadors Tour, per mostrare a dieci professionisti stranieri dell'industria musicale cosa accade in territorio ucraino. Ed è proprio seguendo le orme di questo tour promozionale che prende vita il documentario.

I professionisti stranieri in questione hanno potuto visitare zone come Kiev,&nbsp;Chernihiv, le regioni di&nbsp;Kherson e Mykolaiv, visitando luoghi come Fabrychna 12, uno dei principali spazi culturali del paese, o scuole di musica distrutte dalla contraerea e poi ricostruite in regime di edilizia&nbsp;temporanea, o ancora, progetti come&nbsp;EnterDJ, che propone forme di riabilitazione psicosociale per veterani tramite workshop di djing e musica elettronica.&nbsp;Un lungometraggio che fa riflettere e che senz'altro sottolinea la centralità della musica per il tessuto&nbsp;identitario di una nazione.

Un documentario sullo stato dei live in Ucraina

Promosso dalla Ukrainian Association of Music Events per mostrare cosa rimane dell'industria locale

La storia aziendale di Deezer torna a intrecciarsi con il mondo delle collecting: dopo la <a href="https://www.rockol.it/news-749361/artist-centric-una-partnership-tra-deezer-e-sacem">partnership con Sacem</a> per ottimizzare i modelli di retribuzione dei diritti editoriali, la piattaforma streaming con quartier generale a Parigi ha annunciato di aver rinnovato la propria collaborazione con la società di gestione collettiva di diritti connessi ungherese Előadóművészi Jogvédő Iroda Egyesület per la concessione in licenza del proprio software proprietario di AI detection.

“L’EJI protegge esclusivamente le performance umane e non paga royalty per le registrazioni create con l’aiuto dell’intelligenza artificiale generativa”, ha spiegato Deezer in una nota: “Fino ad ora, l’applicazione pratica di questo principio è stata significativamente ostacolata dalla difficoltà di identificare la presenza dell’AI. Ogni giorno arrivano sulla piattaforma di Deezer oltre 60.000 brani creati con il coinvolgimento dell’AI, che rappresentano circa il 39% della distribuzione quotidiana di contenuti. La tecnologia di Deezer è progettata per rilevarli”.

L’AI Detector del DSP “riconosce e segnala automaticamente le registrazioni generate dall'AI, aumentando così la trasparenza per tutti gli attori del mercato musicale”: in questo senso, la collecting e Deezer “concordano sul fatto che l’AI possa avere un impatto positivo sulla creazione e sul consumo di musica, ma il suo utilizzo deve essere gestito in modo responsabile e attento per proteggere i diritti e i proventi dei musicisti”.

“Stiamo lavorando attivamente a soluzioni che forniscano protezione agli artisti nella competizione contro le macchine e, per questo, è necessario filtrare le registrazioni effettuate dall'AI”, ha dichiarato Pál Tomori, Direttore di EJI: “Tuttavia, questo non è sufficiente di per sé, poiché l’addestramento dell’AI dovrebbe essere consentito solo previa autorizzazione e compenso agli artisti”.

“La musica è una creazione umana e gli aventi diritto devono essere protetti”, ha aggiunto Alexis Lanternier, CEO di Deezer: “In Deezer, questo è stato il nostro impegno fin dalla fondazione. Negli ultimi anni abbiamo costruito la tecnologia di rilevamento dell'AI più avanzata del settore e la stiamo mettendo a disposizione dell'intero ecosistema musicale. Siamo orgogliosi che l’EJI si unisca a noi in questo movimento per la trasparenza e per proteggere i diritti dei creatori umani”.

Deezer, un’alleanza con una collecting su diritti connessi e AI

Il DSP francese ha concesso la sua tecnologia di AI detection alla società ungherese EJI

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 20 marzo 2026 al 26 marzo 2026&nbsp;al primo posto debutta&nbsp;IO INDIVIDUO di NAYT, seguito da un altro nuovo&nbsp;ingresso,&nbsp;ARIRANG dei BTS. In terza posizione rimane stabile TUTTA VITA (SEMPRE) di OLLY.

Oltre alle due già citate, le altre nuove entrate nelle prime dieci posizioni sono:

<ul>
	<li>AGONIA di CHIELLO debutta in ottava posizione</li>
	<li>BESTIARIO MUSICALE di LUCIO CORSI debutta in decima posizione</li>
</ul>

Nel corso della settimana dal 20 marzo 2026 al 26 marzo 2026, la classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF mostra una stabilità nelle prime tre posizioni. Alla prima posizione si conferma il brano OBSESIÓN di SAMURAI JAY, NAIARA &amp; VITO SALAMANCA, mentre al secondo posto si attesta, come sette giorni fa,&nbsp;TU MI PIACI TANTO di SAYF. Invariato anche il gradino più basso del podio, che - come sette giorni fa - resta occupato da&nbsp;PER SEMPRE SÌ di SAL DA VINCI.

L'unica nuova&nbsp;entrata&nbsp;nelle prime dieci posizioni della classifica è:

<ul>
	<li>L'ASTRONAUTA di NAYT, che debutta in ottava posizione;</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.