Nullsoft, produttrice del software Winamp (uno dei più diffusi ‘player’ di
file MP3) e dallo scorso maggio proprietà di America Online (l’acquisizione
venne perfezionata dal provider insieme a quella di Spinner.com), ha
lanciato una nuova versione di Winamp.com, all’interno della quale ogni
giorno sono offerti oltre cento brani forniti da AudioSoft, Mjuice.com e
Riffage.com, oltre a una directory di musica da scaricare a cura di
Listen.com. Non mancano vari strumenti di personalizzazione che gli utenti
possono utilizzare per rendere uniche le proprie versioni del software.


Winamp

Nullsoft

Online

Spinner

Audiosoft

Mjuice.com

Riffage.com

Listen.com

America

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Winamp.com, nuovo sito online

Industria

Il termine hyperpop, molto gettonato dalla stampa di settore, sembra indicare un genere, ma in realtà indica più che altro un periodo storico, un modo di produrre e veicolare la musica, uno stato d’animo. Nell’ordine, il periodo storico è quello della pandemia da Covid-19, e degli anni immediatamente successivi: è qui, infatti, che nasce e si sviluppa questo filone, nel bel mezzo del lockdown. Il perché è riferito anche al secondo fattore: gli adolescenti e i giovanissimi, chiusi in cameretta, cominciano a giocherellare con i software di produzione e con ciò che hanno a disposizione in casa, scrivendo canzoni semplici ma orecchiabilissime e inventandosi degli alter ego iper-caratterizzati, dai look coloratissimi e dal sound cartoonesco, che profumano di evasione e regalano un attimo di spensieratezza. Il passaparola viaggia sui social, e il trend è nato. Ma attenzione: nonostante l’aspetto giocoso e quasi infantile, l’hyperpop non va confuso con generi più costruiti e teen, come ad esempio il k-pop. Non a caso, lo chiamano anche “bubblegum bass”: dietro le tinte confetto e l’apparente disimpegno si nasconde una rabbia generazionale ben più potente. E infatti, con il passare degli anni, le tonalità vivaci e accese della prima ondata si sono tinte di scuro, dando vita a una svolta molto più dark.

Il fenomeno, che secondo molti ha in Charli XCX la sua proto-esponente più celebre, all’estero si è espanso ben oltre la sfera del web, anche grazie alla sua inclusività e accessibilità: molti dei suoi artisti di punta si identificano come transgender, non binari o queer, e grazie al tam tam della comunità LGBTQIA+ sono diventati delle vere icone in tutto il mondo, spesso senza neanche aver tenuto dei veri e propri concerti. Molti di loro hanno fan base piccole, che in teoria dovrebbero sfuggire ai radar, ma è la combinazione delle rispettive audience a rendere interessante il genere anche commercialmente: secondo <a href="https://hmc.chartmetric.com/hyperpop-genre-origins-rise/">un’analisi di Chartmetric</a>, che ha rilevato i dati degli streaming di Spotify del quinquennio 2019-2024, presi tutti insieme i 23 artisti hyperpop più ascoltati arrivano a superare il numero di stream della beniamina delle classifiche Charli XCX. In questo caso, quindi, è più interessante investire su tutta la scena anziché&nbsp;su un singolo nome.

Dalle nostre parti, l’hyperpop è un trend relativamente recente: come spesso accade, ci siamo arrivati dopo rispetto al resto del mondo. La definizione del genere è molto lasca, quindi è difficile dare una misura di chi è “fuori” e chi è “dentro”, ma in base alle descrizioni fornite dai vari comunicati stampa e dalle recensioni, possiamo considerare almeno in parte hyperpop artisti come SillyElly (Warner Music), Faccianuvola (Columbia Records), Caro Wow (EMI), Hello Mimmi (Bomba Dischi), Ëgo (INRI/Metatron), Troyamaki (AWRA), Hachiko (La Crème Records) e molti altri, tutti emersi e/o messi sotto contratto negli ultimi due anni. Come nel caso dell’estero, presi singolarmente non hanno ancora numeri spettacolarmente alti – i due più noti, SillyElly e Faccianuvola, al momento viaggiano rispettivamente sui 331.000 e 299.000 streaming mensili su Spotify – ma, se presi in considerazione in qualità di massa critica, generano un movimento interessante. Forse non ancora pronto per il mainstream, ma senz’altro in grado di intercettare un pubblico che ama l’immaginario del pop asiatico e di quello anglosassone, ma vuole qualcosa di meno costruito,&nbsp;più organico e ricco di spunti.

Il paradosso? Se da noi il fenomeno hyperpop si prepara a decollare, altrove nel mondo lo danno già per tramontato (un po’ come succede per certi sottogeneri della trap, come la rage, attualmente in ascesa qui ma già in fase discendente da parecchio negli Stati Uniti). <a href="https://hmc.chartmetric.com/how-electropop-rose-in-hyperpops-wake/">Sempre secondo Chartmetric</a>, nel 2027 il genere si appresta ad assumere una nuova forma; <a href="https://pitchfork.com/features/article/the-lost-promises-of-hyperpoptimism/?ref=hmc.chartmetric.com">Pitchfork</a> lo definisce addirittura “ufficialmente morto nel 2023”, mentre Remi guarda già a un <a href="https://www.remiforartists.com/post/the-rise-of-hyperpop-and-electronic-revival-in-2026-playlists-a-deep-dive-into-sound-and-emotion">eventuale revival</a>. Il futuro potrebbe arrivare direttamente dal passato, con una trasformazione graduale dell’hyperpop nel caro, vecchio electropop, confezionato semplicemente con modalità e strumenti più contemporanei. Non è detto, però, che lo stesso debba succedere anche in Italia: e anche in questo caso la parabola della trap (che nelle classifiche americane ha spiccato solo in alcune annate, mentre da noi risulta essere un investimento ancora sicuro) ha molto da insegnare.

L'hyperpop è morto, lunga vita all'hyperpop

Il fenomeno discografico è già tramontato altrove, ma è in ascesa sul mercato italiano

E’ stata battezzata "As heard on Fuego" la nuova newsletter - ospitata dalla piattaforma Substack e legata alla playlist latin Fuego - targata Spotify: curata dagli editor di musica latina della filiale americana del DSP - Antonella Bocaranda, Antonio Vazquez e Daniel Calderon - la rubrica avrà cadenza mensile, e proporrà - ha spiegato Spotify in una nota - “interviste agli artisti, nuove proposte e uno sguardo più attento alla cultura musicale latina contemporanea”, oltre che alla possibilità, per gli ascoltatori, di intervenire attivamente con commenti e contributi personali.

“Substack ci è sembrato il luogo ideale per realizzare ciò che volevamo”, ha dichiarato Bocaranda: “E’ un canale di comunicazione diretto con i nostri ascoltatori e uno spazio in cui possiamo approfondire la musica e la cultura con maggiore contesto, dare i nostri consigli e spiegare perché ci piacciono, mettere in contatto gli artisti con i fan e ricevere feedback dai nostri lettori”.

Spotify, la playlist Fuego sbarca su Substack

A cura degli editor di musica latina della filiale statunitense del DSP

Tra gli scorsi mesi di gennaio e giugno il mercato spagnolo della musica registrata è cresciuto dell’11,6% su base annua, raggiungendo un fatturato complessivo di poco superiore ai 181 milioni di euro: a renderlo noto e Promusicae, sigla che rappresenta la quasi totalità dell’industria discografica iberica.

Il digitale ha generato 160,5 milioni di euro, il 10,5% in più rispetto al primo semestre del 2025, rappresentando l'88,5% del mercato totale. All'interno di questo segmento, lo streaming si è riconfermato il formato dominante, con ricavi pari a 159,6 milioni di euro, il 10,8% in più rispetto all'anno precedente. Gli abbonamenti ai servizi di streaming sono tornati a essere il principale motore di crescita del settore, raggiungendo un giro d’affari pari a 121 milioni di euro, con un incremento del 15,1% rispetto all'anno precedente. Questo modello di consumo rappresenta ora il 66,7% del fatturato totale derivante dalla vendita di musica registrata nel Paese, e il 75,4% del mercato digitale.

Resta positivo anche il segmento dei formati fisici, che nei primi sei mesi dell'anno ha raggiunto un fatturato pari a 20,9 milioni di euro, il 20,3% in più rispetto allo stesso periodo dell’anno passato. La performance più brillante - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760828/discografia-in-italia-nel-primo-semestre-2026-mercato-a-7-3">come in Italia</a> - è stata quella del vinile, con una crescita pari al 27,7% su base annua e ricavi complessivi per 15,3 milioni di euro. Anche i CD hanno registrato una crescita positiva, con un incremento del 4,3% anno su anno.

“I risultati del primo semestre 2026 confermano la solidità del mercato discografico spagnolo e la capacità del settore di continuare a creare valore attraverso investimenti in talenti, innovazione e sviluppo di nuovi modelli di business”, ha commentato Antonio Guisasola, presidente di Promusicae: “La combinazione di un ecosistema digitale sempre più consolidato e la forza costante del formato fisico, in particolare del vinile, ci permette di affrontare il secondo semestre con prospettive positive per l'intero settore”.

“In Spagna continuiamo ad avere un deficit di penetrazione dei modelli in abbonamento che, pur crescendo significativamente, in parte è dovuto ad adeguamenti del valore dell'offerta”, ha concluso Guisasola: “E’ quindi fondamentale continuare a lavorare per il pieno consolidamento di questo modello di consumo, quale garanzia di sostenibilità per il nostro settore e di maggiori risorse disponibili per investimenti in talenti e creatività”.

Spagna, nel primo semestre 2026 discografia a +11,6%

A quota 181 milioni di euro: lo streaming in abbonamento trascina la crescita

Cristina D’Avena sarà tra i protagonisti della quarta edizione di Coca-Cola Pizza Village, manifestazione dedicata alla cultura della pizza organizzata dallo storico marchio di soft drinks che, per il 2026, dopo le tappe a Berlino, Napoli, Londra e Roma chiuderà a Milano la propria serie di appuntamenti. La voce di oltre 400 storiche sigle di edizioni italiane di cartoni animati sarà protagonista sul palco del Village, ospitato dal Parco City Life, nella giornata di domani, in occasione della serata inaugurale dell’iniziativa (che proseguirà tutti i giorni, dalle 18 alle 23, con ingresso gratuito, fino alla prossima domenica, 13 settembre). Tra gli altri Live Show previsti alla tappa milanese di Pizza Village ci sono quelli di Sarah Toscano (giovedì 10 settembre), Papik (venerdì 11 settembre) e Timeout (domenica 13 settembre).

Cristina D’Avena, una collaborazione con Coca-Cola

Per la quarta edizione del Coca-Cola Pizza Village di Milano

UMusic Hospitality &amp; Lifestyle (UMHL) aprirà a Londra l'UMusic Hotel Denmark Street, una nuova struttura alberghiera sviluppata in collaborazione con Outernet London, il cui debutto è previsto per il quarto trimestre del 2026. Si tratta del primo hotel del marchio fa capo a Universal Music Group (UMG) nel Regno Unito e del secondo in Europa, dopo la sede di Madrid.

L'iniziativa londinese segue <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-734355/umg-apertura-primo-umusic-hotel" target="_blank">l'apertura del primo UMusic Hotel europeo a Madrid</a>, inaugurato nel 2023 all'interno dello storico Teatro&nbsp;Albéniz. L'hotel di Londra si inserirà all'interno del distretto dell'intrattenimento di Outernet, nel West End, un'area che, secondo quanto dichiarato dalla società, registra circa 120 milioni di visitatori all'anno. L'intesa non si limita alla sola gestione alberghiera: UMHL si occuperà infatti anche della programmazione e della conduzione dello spazio "The Lower Third", garantendo una stretta sinergia con la rete di artisti, le etichette e i partner creativi di UMG. La struttura offrirà servizi di ristorazione, spazi lounge e contenuti artistici curati ed erogati attraverso le piattaforme digitali di Outernet.

Questa espansione si inserisce nel solco del percorso strategico che, nel marzo 2026, ha visto il&nbsp;l<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757628/umg-umusic-beach-clubs-lifestyle-jv-imi-group-0-beach" target="_blank">ancio di UMusic Beach Clubs &amp; Lifestyle, la joint venture con IMI Group</a> che ha esteso il progetto di UMG anche al segmento dei beach club.

"Insieme a Outernet abbiamo l’opportunità di rendere omaggio a questa eredità, creando esperienze culturali e di ospitalità capaci di ispirare la scoperta, sostenere gli artisti emergenti e far sì che questa straordinaria destinazione continui a plasmare il futuro della musica", ha dichiarato Jordi Solé, presidente di UMHL.

La nuova apertura rientra nella strategia di crescita dell'hospitality esperienziale legata alla major. Il piano complessivo comprende anche i progetti già annunciati ad Austin, Kansas City e Tulum; a tal proposito, il presidente e CEO di Universal Music Group, Lucian Grainge, aveva indicato l’espansione di tali attività tra le priorità aziendali per rafforzare il legame diretto con i consumatori e sviluppare nuove opportunità legate alla community dei superfan.

UMG: UMusic Hotel aprirà a Londra, in Denmark Street

L’accordo con Outernet London integra hospitality, live e programmazione artistica

Mark Kitcatt, presidente di WIN (Worldwide Independent Network), comproprietario e direttore di Everlasting Records e Popstock Distribuciones, è il protagonista dell’ottava intervista di "Faces of the Independent Sector", la serie lanciata da IMPALA in occasione del suo 25° anniversario.

Le prospettive economiche del settore indipendente e le dinamiche in evoluzione del mercato digitale sono i punti centrali dell'intervista al copresidente del gruppo di lavoro sullo streaming di IMPALA. Secondo Kitcatt, uno dei principali fattori di rischio resta la concentrazione, sia nella distribuzione sia a livello di piattaforme e nel comparto live. "Abbiamo bisogno di partner e strutture indipendenti forti", sottolinea, indicando nella presenza di alternative uno degli elementi necessari per sostenere la concorrenza.

Viene attribuita grande importanza allo streaming, un settore su cui IMPALA ha sviluppato dal 2021 tre diversi piani con il contributo della comunità indipendente. Per Kitcatt, la collaborazione sulle proposte avanzate dal settore può favorire "nuovi investimenti in musica innovativa" e sostenere gli artisti che la producono.

Il manager originario di Londra richiama inoltre la necessità di recuperare valore economico per la musica registrata, in particolare per i formati più lunghi, considerati importanti per consentire agli artisti di sviluppare e sperimentare nuovi progetti. Sul fronte operativo, Everlasting Records e Popstock Distribuciones, fondate nel 1991, sono attive tra registrazione, editoria, marketing, promozione e distribuzione fisica e digitale, con attività concentrate in particolare tra Spagna e Portogallo.

IMPALA, Mark Kitcatt e le sfide del mercato indipendente 

Il direttore di Everlasting Records sull’importanza di collaborazione e concorrenza nel digitale

È in arrivo una nuova collaborazione strategica tra Pacific Music Group (PMG) e Kaskade, con l'obiettivo di ampliare le opportunità di crescita dell’artista nei mercati asiatici. L’intesa prevede attività mirate alle relazioni con i media, allo sviluppo di mercato a lungo termine e alla definizione di partnership con brand locali, calibrate sulle peculiarità dei singoli territori.

"L'accordo con Pacific Music Group mi offre l’opportunità di costruire un posizionamento ancora più solido", ha dichiarato Kaskade, sottolineando il profondo legame sviluppato negli anni con il pubblico locale. La partnership si concentrerà in particolare sul mercato discografico asiatico, con un focus specifico su Giappone, Corea del Sud e Cina, aree nelle quali la domanda di musica elettronica registra una crescita costante. Pacific Music Group è peraltro già attiva nel segmento dance attraverso Ghostone Records, etichetta indipendente nata per favorire collaborazioni transfrontaliere e connettere la scena elettronica asiatica al mercato globale.

Jonathan Serbin, CEO di PMG, ha spiegato che la società supporterà questa nuova fase della carriera dell’artista attraverso una strategia integrata che comprende attività di A&amp;R, brand partnership e nuove opportunità creative, con il traguardo di consolidarne ulteriormente la presenza nella regione.

Kaskade

Pacific Music Group, accordo esclusivo con Kaskade

L’obiettivo è l’espansione nel mercato asiatico, con focus su media e partnership con i brand

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da martedì 8 a giovedì 10 settembre 
Ai blocchi di partenza la nuova stagione di X Factor, con la tradizionale conferenza stampa Sky&nbsp;alla presenza di giuria e conduttrice a Milano. A Torino, invece, verrà presentato Resetfestival, dedicato&nbsp;a chi lavora nella musica o sogna di farlo, che&nbsp;si terrà&nbsp;dal&nbsp;5 al 10 ottobre&nbsp;all'Hiroshima Mon Amour. In previsione in settimana anche una conferenza stampa di Chiara Galiazzo. 
 
Presentazioni&nbsp;in settimana a Milano e Torino

<h2>Eventi, convegni</h2>

Da giovedì&nbsp;10&nbsp;a domenica 13 settembre

Anche Lecce ha la sua Piano City,&nbsp;il festival diffuso che porta il pianoforte nei luoghi più suggestivi della città in un grande palcoscenico a cielo aperto. Con la direzione artistica di Gloria Campaner e Andrea Andro Mariano, prevede quattro giorni di concerti, incontri, laboratori, performance e attività educational.

Lecce, evento diffuso

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Da lunedì 7&nbsp;a domenica 13&nbsp;settembre 
Ultimi concerti della stagione al Parco Musica Milano, con le date di Gemitaiz (7 settembre), Negramaro (8), Levante (9) e Mannarino (11). Riprendono anche quelli all'Ippodromo Snai Milano, con il concerto di Emma Marrone (9 settembre), quello dell'americano A$AP Rocky che chiude gli I-Days (10 settembre) e il weekend di celebrazione del decennale di "Santeria" con Marracash e Gué (12 e 13 settembre). Prosegue la residency di Biagio Antonacci all'Anfiteatro del Vittoriale (questa settimana le date sono 8,9, 11, 12 e 13 settembre).

Venerdì 11 settembre 
Una settimana di uscite internazionali: arrivano gli Ezra Collective con l'album "Here Because of Hope", quello dei Bloc Party "Anatomy of a Brief Romance" e quello di Bonobo "Distance in Static".

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>

MusicBiz 7 Giorni: l'agenda dell’industria musicale

Presentazioni, release, inaugurazioni, eventi: gli appuntamenti della settimana

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 28 agosto 2026 al 3 settembre 2026,&nbsp;TUTTO È POSSIBILE di GEOLIER mantiene la prima posizione. Sul gradino intermedio del podio si registra un avanzamento per SHIVA con l'album VANGELO, che sale dalla terza alla seconda piazza. In terza posizione si attesta&nbsp;OLLY con TUTTA VITA (SEMPRE), che arretra di una lunghezza rispetto alla settimana precedente.

Tra le nuove entrate nelle prime dieci posizioni si segnala:

<ul>
	<li>FREESTYLE di GLOCKY, che debutta in quarta posizione</li>
</ul>

Nella classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 28 agosto 2026 al 3 settembre 2026, al primo posto&nbsp;debutta il brano "BUGIE" di SHIVA. In seconda posizione si piazza l'ex testa di serie&nbsp;"LA TESTA GIRA" di FRED DE PALMA, ANITTA &amp; EMIS KILLA, che arretra di una lunghezza rispetto a sette giorni fa. In discesa di una tacca rispetto al passato rilevamento è anche&nbsp;"DAI DAI" di SHAKIRA &amp; BURNA BOY, che passa dalla seconda&nbsp;alla terza posizione.

Non si registrano&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Geolier

Classifiche, novità 3 settembre: Geolier resiste in testa

'Tutto è possibile' resta l'album più ascoltato della settimana

La <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760629/mostra-del-cinema-a-masini-il-premio-nuovo-imaie-alla-carriera">serata in programma il prossimo 11 settembre presso il Lido di Venezia nell’ambito dell’83ª edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica</a> sancirà il dodicesimo anniversario del debutto in presenza di Nuovo IMAIE a una delle rassegne cinematografiche più popolari a livello internazionale.

Benché (inevitabilmente) centrata sull’audiovisivo, la partecipazione della collecting dedicata ad artisti, interpreti ed esecutori non ha mai rinunciato a portare in Laguna alcuni degli esponenti di spicco del panorama musicale italiano. Nel 2023 Nuovo IMAIE&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-739129/nuovoimaie-venice-award-2023-venezia-raf-vincitori-data-premiazione">conferì a Raf un premio alla carriera</a>, accolto dall’artista “con grande gioia” come “un segnale di buon auspicio per la musica che scriverò, per le storie che ho ancora da raccontare e per tutti i concerti che vivrò con la stessa intensità, la stessa passione di sempre”. “Con dieci milioni di dischi venduti nel mondo Raf, cantautore ancora oggi tra i più amati, fin dall’inizio della sua carriera che prosegue da oltre quarant’anni, ci ha regalato brani che hanno avuto la forza di varcare i confini nazionali ed entrare a pieno titolo tra i successi planetari, come 'Self Control'", spiegò la collecting nelle motivazioni del riconoscimento: "Quattordici album, sessanta singoli e altrettanti video pubblicati, è un artista che con la sua particolare vocalità riesce a conquistare il pubblico di ogni età. Impossibile citare tutti i grandi successi che lo hanno visto autore e/o interprete, da 'Si puo dare di più' con cui ha vinto il Festival di Sanremo, a 'Gente di Mare', 'Cosa resterà degli anni 80', 'Infinito', 'Sogni', 'Ti Pretendo', 'Il Battito Animale' o 'Interminatamente', solo per ricordarne davvero un piccolo numero”.

Nel corso della stessa serata venne conferito un premio anche a Levante, che lo stesso anno firmò la colonna sonora di “Romantiche”, debutto alla regia di Pilar Fogliati, premiata - sempre nel 2023 - con un Nastro d’Argento e un Globo d’Oro come miglior attrice protagonista.

L’anno successivo&nbsp;a rappresentare la comunità musicale fu Dolcenera, presente alla serata di gala al Lido in veste di ospite d’onore, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753760/nuovoimaie-ai-talent-award-2025-anche-nina-zilli">mentre nel 2025</a>&nbsp;è stata Nina Zilli, con una sua esibizione, a impreziosire la serata che ha avuto per protagonisti - tra i premiati - Stefania Sandrelli, Lunetta Savino, Lina Sastri e Massimo Ghini.

Quest’anno, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760629/mostra-del-cinema-a-masini-il-premio-nuovo-imaie-alla-carriera">come già anticipato nella prima metà dello scorso agosto</a>, sarà Marco Masini a ritirare il premio alla carriera istituito da Nuovo IMAIE in occasione dell’83ª edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica, insieme a&nbsp;Laura Morante, Stefania Rocca, Claudio Amendola e Sergio Rubini.&nbsp;“Cantautore e compositore tra i più apprezzati del panorama musicale italiano, Marco Masini ha costruito un percorso artistico caratterizzato da autenticità, intensità interpretativa e grande successo di pubblico”, ha spiegato Andrea Miccichè, Presidente della collecting, annunciando l'artista premiato per il 2026: “Le sue canzoni sono entrate a pieno titolo nella storia della musica italiana”.

Nuovo IMAIE, il ritorno alla Mostra del Cinema nel 2026

La collecting è tradizionalmente presente alla rassegna con i Premi alla Carriera

iMean, società di Roberto Mancinelli (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758575/saifam-group-esce-roberto-mancinelli">fino allo scorso aprile CEO di Saifam Group</a>) è entrata nell’Independent Music Publishers International Forum, entità che rappresenta a livello internazionale gli editori musicali. “Essere accolto nella grande comunità di IMPF è un grande privilegio e una nuova occasione di aprire i confini e abbattere le barriere culturali/musicali”, ha dichiarato, al riguardo, Mancinelli, in un post sulla propria pagina personale di LinkedIn.

Fondato nel 2014, l'Independent Music Publishers International Forum conta tra i propri membri oltre 300 tra società di edizioni e associazioni nazionali di categoria, per oltre un quarto della quota di mercato globale del settore. Tra i prossimi 5 e 8 ottobre il Forum si ritroverà al Meliá Palma Marina Hotel di Palma di Maiorca, nelle isole Baleari, per il proprio summit annuale.

iMean entra in IMPF

Mancinelli: ‘Un grande privilegio e una nuova occasione per aprire i confini’

Primary Wave Music ha avviato una partnership con gli eredi di Wilson Pickett, cantautore R&amp;B statunitense, per quanto riguarda la gestione del catalogo editoriale dell'artista&nbsp;e la condivisione dei diritti di immagine legati alla sua figura. L’accordo consentirà, inoltre, agli eredi di accedere alle servizi di marketing e publishing offerti dalla società.

Il repertorio del cantante soul comprende oltre 50 brani entrati nelle classifiche R&amp;B statunitensi, tra cui "In the Midnight Hour", "Mustang Sally" e "Land of a Thousand Dances". Nel corso della sua carriera Pickett ha&nbsp;ricevuto cinque nomination ai Grammy. Le parti stanno concretamente lavorando allo sviluppo di nuove opportunità&nbsp;nei settori marketing, branding, digitale e sincronizzazioni, oltre che su possibili progetti cinematografici e televisivi. L’operazione amplia quindi lo sfruttamento del patrimonio artistico e commerciale dell'artista oltre il solo catalogo musicale.

"Primary Wave è onorata di collaborare con Max Pickett e la famiglia Pickett per contribuire a preservare ed espandere l’eredità di uno degli artisti più influenti della storia della musica", ha dichiarato David Weitzman di Primary Wave, sottolineando l’obiettivo di ampliare nel tempo la portata del catalogo e dell’immagine dell’artista.

Wilson Pickett

Primary Wave, partnership con gli eredi di Wilson Pickett

Catalogo e diritti d’immagine al centro dell’accordo, tra marketing, branding e sync

HarbourView Equity Partners ha ufficializzato l'acquisizione del catalogo di David Kershenbaum, rilevandone le quote relative ai diritti d’autore e alle registrazioni originali (master). I dettagli finanziari dell’operazione non sono stati resi noti.

Il portafoglio oggetto dell'accordo comprende le quote di produzione legate a diversi artisti di primo piano. Nel corso della sua carriera, Kershenbaum ha prodotto opere iconiche, tra cui l’omonimo album di debutto di Tracy Chapman del 1988, oltre ai successivi "Crossroads" e "Telling Stories". Tra le sue produzioni, compaiono, inoltre, lavori&nbsp;per Joe Jackson, Supertramp, Peter Frampton, Cat Stevens e Kenny Loggins.

Il produttore ha firmato anche interventi storici come i remix di diversi brani dell'album "Rio" dei Duran Duran e la produzione dell'album "Gringo" di Gregg Rolie, ottenendo oltre 75 riconoscimenti internazionali e diverse nomination ai Grammy Awards.

"Il lavoro di David abbraccia uno spettro artistico trasversale che ha saputo conquistare il pubblico di molteplici generi musicali", ha dichiarato Sherrese Clarke, fondatrice e CEO di HarbourView. "Siamo entusiasti di accoglierlo nella famiglia HarbourView e di preservare e valorizzare questo straordinario patrimonio creativo".

HarbourView acquisisce il catalogo di David Kershenbaum

L’accordo comprende anche quote di diritti legati a Tracy Chapman, Joe Jackson e Supertramp

Digital Noises ha ricevuto a Londra l’Innovation &amp; Excellence Award per il terzo anno consecutivo, confermando il trend positivo dopo i traguardi già raggiunti a Dubai nel 2024 e a Birmingham nel 2025. Il premio è stato consegnato al fondatore e CEO Giuseppe Fisicaro nel corso di una cerimonia ufficiale tenutasi presso il Gorse Hill Hotel. La società è specializzata nello sviluppo di strategie digitali per il settore dell’intrattenimento e della creator economy. Il suo raggio d'azione spazia dal digital publishing alla crescita delle audience, fino alla monetizzazione dei contenuti e alla definizione di nuovi modelli di business rivolti ad artisti, etichette discografiche e creator. Nel commentare il riconoscimento, Fisicaro ha sottolineato come questo premio rifletta il solido percorso di crescita internazionale di Digital Noises e gli investimenti strategici realizzati negli ultimi anni in ambito tecnologico, confermando la volontà di proseguire nel piano di espansione sui mercati esteri.

Digital Noises, nuovo riconoscimento internazionale a Londra

Al fondatore Giuseppe Fisicaro l’Innovation & Excellence Award per il terzo anno consecutivo

Soundplate ha acquisito Stemmer, società fondata nel 2020 e specializzata nel mastering musicale basato sull’intelligenza artificiale. L’operazione porta la tecnologia di Stemmer all’interno del team di Soundplate, che utilizza già questi strumenti nei propri servizi rivolti agli artisti indipendenti.

La società ha spiegato di aver già estratto gli algoritmi principali di Stemmer e sviluppato una nuova API proprietaria di mastering serverless, che sarà integrata nella propria offerta. "Acquisire la tecnologia di base e adattarla per migliorare ogni fase dell’esperienza artistica è stata una scelta strategicamente sensata", ha dichiarato il fondatore di Soundplate Matt Benn. Soundplate continuerà a supportare gli attuali clienti di Stemmer, tra cui studi di registrazione, distributori e piattaforme online.

Soundplate acquisisce Stemmer, società di mastering AI

L’obiettivo è integrare la tecnologia di base per migliorare ogni fase dell’esperienza artistica

Peter Schwenkow, già fondatore di DEAG e fino al 2024 alla guida dell’azienda oggi guidata da Detlef Kornett (che, come CEO, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747718/concerti-deag-arriva-in-italia-acquisita-mc2-live">aveva gestito l’acquisizione dell’italiana MC2 Live</a>), si sta preparando a tornare in attività nel settore degli eventi dal vivo con una nuova società paneuropea sostenuta da un investimento da 100 milioni di euro da parte della private equity svizzera Ufenau Capital Partners. La nuova entità, attualmente ancora senza nome, punta a costruire una rete di promoter, produttori e operatori di media dimensione, facendo leva su marketing condiviso, ed espansione internazionale; nel perimetro entrerà anche Grandezza Entertainment GmbH, la società dedicata a spettacoli circensi, family show ed eventi natalizi che Schwenkow ha acquisito da DEAG nel 2025. L'impresa è pronta a fornire un'offerta che copra praticamente l'intera filiera del comparto dal vivo, eccezion fatta per la biglietteria.

“Dopo 46 anni al fronte, ho pensato di aver bisogno di una pausa”, ha spiegato l’oggi settantaduenne - con trascorsi in politica come rappresentante alla Camera in quota CDU - Schwenkow: “Ho una famiglia numerosa – cinque figli, otto nipoti – e dovevo capire cosa volevo fare nel prossimo decennio. Dopo due anni di divertimento, ho scoperto che, in fondo, il gene dello spettacolo è nel mio sangue”.

“Qualsiasi cosa che intrattenga le persone con un certo livello di qualità, a lungo termine, merita un investimento”, ha proseguito Schwenkow: “Se si presenta un festival che riteniamo adatto, lo acquisiremo. Si tratta di una somma considerevole, ma non la sperpereremo. Sono sempre stato un CEO prudente e continuerò ad esserlo, ma [quello del live, ndr] è sicuramente un settore in cui bisogna investire”.

“Alla fine sono un imprenditore, e ho grande rispetto per gli imprenditori, quindi voglio trovare quelli che si integrano nella nostra nuova organizzazione”, ha chiarito a proposito dello spirito che animerà la nuova impresa: “L'identità delle aziende in cui vogliamo investire è plasmata da questi imprenditori. Il nostro è un settore basato sulle persone e, in fin dei conti, tutto ruota intorno alle persone. Se riusciamo a offrire un'organizzazione più grande e più solida a coloro che hanno sviluppato i propri prodotti, allora possiamo aiutarli a commercializzarli in altri territori”.

Entro fine anno sono previste almeno due acquisizioni da parte della nuova società, oltre all’integrazione della stessa Grandezza: le aziende rilevate dovrebbero mantenere identità e autonomia operativa. Il perimetro d’azione, in prima istanza, dovrebbe essere limitato all’Europa, anche se in futuro non sono escluse incursioni in altri territori. Schwenkow guiderà la nuova realtà come CEO, affiancato da Thomas Schütte e da Ralf Flore di Ufenau.

“Il mercato è particolarmente attraente per Ufenau perché è altamente frammentato e caratterizzato da attività imprenditoriali di successo con format consolidati e marchi regionali forti”, ha concluso Flore: “Un gruppo più grande può sbloccare ulteriori opportunità in ambito di marketing, biglietteria, espansione internazionale e sviluppo di contenuti proprietari. Il nostro obiettivo è quello di realizzare tale potenziale insieme a team di gestione solidi, preservando al contempo l'identità e la cultura imprenditoriale di ciascuna azienda. L'esperienza di Peter nel settore e quella di Ufenau nella creazione di gruppi europei si completano a vicenda in modo eccellente”.

Live, in Europa è in arrivo un nuovo player

Peter Schwenkow (ex DEAG) e Ufenau Capital Partners pronti al debutto con una nuova piattaforma

Suno ha ritirato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760944/mary-j-blige-e-la-nuova-testimonial-di-suno">lo spot video con Mary J. Blige</a> dopo aver scoperto che l'accordo era stato chiuso senza l'autorizzazione dell'artista, e non per le reazioni negative esplose online. Nella campagna, diffusa alla fine del mese scorso, la cantante sembrava collaborare con la piattaforma e reagire positivamente a un brano generato dall'AI in uno stile vicino al suo; secondo l'azienda, tuttavia, Blige non aveva approvato il video e la persona che aveva concluso l'intesa non aveva l'autorità per farlo. In una dichiarazione a Variety, un portavoce ha detto che “la signora Blige è un’icona che tutti noi ammiriamo profondamente” e che “non ha smesso di innovare. Per questo volevamo lavorare con lei”.

Lo stesso portavoce ha aggiunto che Suno aveva stretto “un accordo commerciale con qualcuno che si è presentato come il rappresentante ufficiale della signora Blige”. “Non appena abbiamo saputo che non lo fosse realmente che la signora Blige fosse a disagio, abbiamo interrotto la campagna pubblicitaria”. Nel video, il montaggio rendeva poco chiaro a cosa l'artista stesse reagendo davvero. L'episodio arriva mentre Suno affronta diverse cause legali: pur avendo firmato accordi di licensing con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755613/ai-warner-music-sigla-un-accordo-con-suno">Warner Music</a> e con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760665/suno-un-accordo-con-bmg">BMG</a>, la società resta coinvolta nelle <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759209/sony-music-e-universal-music-si-intensifica-la-causa-contro-suno">azioni di Universal Music e Sony Music</a> per il presunto uso non autorizzato di opere protette, oltre a cause promosse da artisti e autori, inclusa <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760952/suno-una-nuova-class-action-sui-diritti-di-immagine">una class action guidata da - tra gli altri - Jason Isbell</a>.

Mary J. Blige

Suno, nessun accordo con Mary J. Blige

L’azienda di AI ritira lo spot con la cantante: il giallo del ‘rappresentante’

Chi ha avuto voglia e tempo di leggere The Future is for Everyone, pubblicato il 10 agosto 2026 da Mark Zuckerberg? Già, <a href="https://www.meta.com/thefutureisforeveryone/">sono 6.500 parole</a>…

Nel suo manifesto, il fondatore e capo di Meta propone una filosofia della superintelligenza fondata su tre principi: rafforzamento del potere individuale (empowerment) come fonte di prosperità, invenzione come finalità principale dell’AI e distribuzione del potere come fondamento della sicurezza.

Il pregio del manifesto consiste nel suo focus: più che orientarsi verso il dibattito arcinoto sulla futura potenza raggiungibile dall’intelligenza artificiale (in pratica: sull’incremento di produttività), riflette su chi potrà usarla e chi ne determinerà gli obiettivi. Una versione di Zuckerberg super laica, poi, rifiuta esplicitamente l’idea di una superintelligenza concentrata nelle mani di poche istituzioni e sostiene, invece, una capacità largamente distribuita fra individui e piccole imprese.

Il futuro descritto è quello di miliardi di persone dotate di un personal agent capace di conoscerne obiettivi, interessi e contesto e di agire continuativamente per loro conto. A questo si aggiungono strumenti di creazione molto più potenti, accessibili gratuitamente o a basso costo, con i quali singoli individui e piccoli gruppi potrebbero trasformare idee in prodotti, servizi e imprese senza dovere necessariamente disporre delle organizzazioni e del capitale oggi necessari.

Secondo Zuckerberg il contributo più importante della superintelligenza dovrebbe essere l’invenzione, più dell’automazione. L’AI acquista valore soprattutto quando amplia ciò che le persone possono fare, creare e costruire. È quindi, il suo, anche un manifesto economico: immagina un’economia nella quale l’intelligenza diventa abbondante, le dimensioni medie delle aziende possono ridursi, aumentano le capacità operative dei singoli e il vantaggio competitivo dipende sempre più dal modo in cui ciascuno utilizza strumenti disponibili a molti. Non sta esattamente descrivendo Meta, insomma. Eppure…

Nove Highlights

Dovendo distillare dal manifesto solo alcuni punti salienti, si potrebbero scegliere questi…

1. La superintelligenza dovrebbe essere distribuita agli individui: Meta sostiene di volere affidare capacità molto avanzate direttamente nelle mani delle persone, riducendo la concentrazione del potere tecnologico.

2. L’invenzione è la promessa principale dell’AI: Zuckerberg attribuisce alla superintelligenza soprattutto la capacità di scoprire, progettare e creare cose nuove. L’aumento dell’efficienza rappresenta solo una parte del potenziale.

3. Ogni individuo dovrebbe avere un personal agent: l’agente personale dovrebbe conoscere obiettivi, interessi e contesto dell’utente e assisterlo sempre nelle decisioni e nelle attività.

4. L’intelligenza diventerà abbondante: quando capacità cognitive molto elevate saranno disponibili su larga scala, la questione fondamentale diventerà il modo in cui vengono indirizzate e gli obiettivi verso cui vengono applicate.

5. Individui e piccoli team acquisiranno capacità oggi proprie di grandi organizzazioni: il manifesto prevede imprese mediamente più piccole e gruppi capaci, grazie agli agenti, di creare, gestire e far crescere attività che oggi richiedono organizzazioni molto più ampie.

6. L’AI dovrebbe aumentare le capacità delle persone: l’impatto sul lavoro dipenderà dall’equilibrio fra automazione delle attività esistenti e crescita delle capacità individuali. Zuckerberg prevede che possano nascere nuove attività economiche e nuove forme di imprenditorialità.

7. L’accesso dovrebbe essere molto ampio e a basso costo: Meta immagina versioni gratuite utilizzabili da miliardi di persone e forme di accesso a capacità computazionali superiori per chi ne abbia bisogno.

8. Open source e diffusione dei modelli limitano la concentrazione del potere: il manifesto attribuisce all’open source un ruolo economico e strategico. La diffusione delle capacità tecnologiche dovrebbe consentire a più soggetti di innovare, costruire prodotti e competere.

9. Il principio dell’apprendimento da ciò che è osservabile va protetto: nel discutere training e distillation, Zuckerberg difende la possibilità per i sistemi di apprendere dalle informazioni accessibili e osservabili. È uno dei passaggi più sensibili per tutte le industrie fondate sulla proprietà intellettuale. Quella musicale, ovviamente, inclusa.

L’impatto sull’industria musicale

Alcuni punti sono sorprendenti, proprio perché la visione di Zuckerberg assomiglia poco alla postura di Meta così come l’abbiamo conosciuta finora. A proposito della quale, è lecito chiedersi quali vantaggi potrebbe conseguire da uno scenario del genere, ove il potere fosse totalmente distribuito: guardando ai suoi social media, la tentazione di pensare che potrebbe ambire a fungere da distributore (e controllore) non sarebbe un peccato mortale. Chissà.

Applicata all’industria musicale, la visione di The Future is for Everyone produrrebbe una redistribuzione profonda delle capacità creative, operative e imprenditoriali, in cui artisti e piccoli team possono acquisire strumenti oggi appannaggio soprattutto di organizzazioni più grandi. Creazione, produzione, comunicazione, analisi, marketing, sviluppo di prodotti e relazione con il pubblico potrebbero diventare più accessibili e richiedere strutture più leggere.

Ma per l’industria, la stessa dinamica apre questioni molto più problematiche. La prima riguarda gli asset utilizzati per costruire la capacità stessa dei sistemi di AI: opere, registrazioni, interpretazioni, voci, immagini, identità artistiche e dati. Seguono la possibile disintermediazione di una parte della filiera, l’aumento dell’offerta, l’emergere di nuovi gatekeeper e la pressione su numerose funzioni professionali.

La tecnologia descritta dal manifesto può quindi aumentare il potere degli individui e contemporaneamente mettere sotto pressione alcuni dei meccanismi attraverso cui l’industria musicale crea e cattura valore. In maggiore dettaglio, ecco i principali contro e pro.

CONTRO

Copyright, training e utilizzo dei dati

È il punto di collisione più diretto. Meta sostiene una diffusione ampia dei modelli, attribuisce grande importanza all’open source e difende la possibilità dei sistemi di apprendere dalle informazioni osservabili. L’industria musicale costruisce una parte essenziale della propria economia sul controllo e sulla licenza di opere, registrazioni, interpretazioni, voci, immagini e identità artistiche. Le questioni diventano quindi immediate: quali contenuti possono essere utilizzati per il training, chi deve autorizzarne l’uso, quali licenze sono necessarie, come vengono remunerati autori, artisti e titolari dei diritti, quali regole valgono per voce e likeness, come vengono trattate opere derivate e imitazioni. Un semplice punto fondamentale invoca una risposta chiara: quali asset alimentano i sistemi e chi viene remunerato per il loro utilizzo?

Per l’industria musicale significa discutere direttamente il valore dei cataloghi e il principio di controllo sul quale si fonda il licensing.

Disintermediazione

Se artisti e piccoli team acquisiscono capacità oggi distribuite fra molte strutture professionali, una parte delle funzioni tradizionalmente svolte dall’industria può essere internalizzata.

Label, publisher, management, agenzie e fornitori di servizi devono quindi dimostrare il proprio valore soprattutto in quelle aree che sono difficili da replicare perché più protette da barriere: capitale, sviluppo artistico, relazioni, diritti, negoziazione, accesso al mercato, esperienza e capacità di scala.

Le funzioni prevalentemente operative diventano più esposte e una quota maggiore del valore può restare direttamente nelle mani dell’artista e del suo team.

Esplosione dell’offerta

Strumenti creativi potenti e accessibili possono aumentare ulteriormente la quantità di musica e di contenuti disponibili. Più utenti possono produrre e pubblicare. Gli artisti già attivi possono moltiplicare versioni, formati, adattamenti e materiali promozionali.

La barriera competitiva si sposta verso discovery, riconoscibilità, scelta e monetizzazione. La maggiore facilità di accesso alla produzione può quindi aumentare il rumore e rendere più difficile emergere.

Nuovi gatekeeper

Il personal agent può diventare un nuovo intermediario fra pubblico e musica.

Oggi una parte importante della discovery passa oggi attraverso DSP, search, playlist, social network e sistemi di raccomandazione. Un agente personale può intercettare l’intenzione dell’utente prima dell’ingresso in una piattaforma e suggerire direttamente un artista, un brano o un servizio.

Una quota del potere di selezione può quindi spostarsi verso chi controlla l’interfaccia che conosce l’utente e interpreta per prima la sua intenzione.

Da qui nascono nuove domande: quali cataloghi potrà interrogare l’agente, con quali criteri selezionerà, quali interessi economici potranno influenzarne le raccomandazioni, quali soggetti controlleranno questo nuovo accesso alla domanda.

Pressione sulle professioni

Una parte delle attività oggi affidate a professionisti può essere svolta attraverso agenti e strumenti generativi. Editing, adattamento, localizzazione, produzione di contenuti, analisi, amministrazione, comunicazione e alcune fasi produttive possono richiedere meno persone o essere acquistate a costi inferiori. Aumenta il valore relativo delle competenze fondate su giudizio, gusto, reputazione, relazioni, responsabilità ed esperienza. Altre funzioni rischiano una forte compressione economica.

PRO

Più autonomia per artisti e piccoli team

Un artista può controllare una porzione più ampia del proprio processo. Produzione e post-produzione, visual, video, localizzazione, comunicazione, analisi dei dati, marketing e sviluppo di prodotti diventano accessibili a strutture più piccole. La distanza fra idea e mercato può ridursi e l’artista può trattenere una quota maggiore delle competenze e del valore all’interno del proprio team.

Più spazio per indipendenti e micro-imprese

Artisti, producer, manager e collettivi possono costruire organizzazioni leggere capaci di presidiare una parte molto più ampia della catena del valore. Questo può allargare lo spazio economico degli indipendenti e favorire imprese musicali più piccole, specializzate e flessibili.

Nuove possibilità creative

La parte più espansiva della visione riguarda l’invenzione. Applicata alla musica può significare opere adattive, esperienze interattive, contenuti multimodali, versioni che cambiano in funzione dell’utente o del contesto, musica trasformata in tempo reale e proprietà intellettuali capaci di svilupparsi attraverso forme differenti. L’AI può diventare parte del linguaggio creativo e della struttura stessa del prodotto.

Una discovery più sofisticata

Un personal agent può conoscere gusti, situazione, intenzione e contesto dell’utente.

La raccomandazione può quindi andare oltre le sole correlazioni fra ascolti e comprendere che tipo di esperienza una persona sta cercando in un momento specifico. Questo può creare nuove opportunità per cataloghi profondi, repertori di nicchia e artisti che oggi hanno difficoltà a emergere attraverso i principali sistemi di raccomandazione.

Più capacità di costruire valore intorno all’artista

Se un artista o un piccolo team possono sviluppare più facilmente prodotti, servizi, community ed esperienze, la musica registrata può diventare il centro di un ecosistema economico più ampio.

Live, membership, prodotti, accessi, servizi, contenuti speciali e relazione diretta con il pubblico possono essere sviluppati e gestiti con risorse molto inferiori rispetto a oggi. Per alcuni artisti questo può tradursi in maggiore indipendenza economica e in una quota più alta del valore generato dal proprio pubblico.

Il manifesto di Mark Zuckerberg e l’industria musicale

La superintelligenza come strumento individuale: highlights, impatto, pro e contro

Il Digital Services Act (DSA), il regolamento europeo sui servizi digitali, impone alle grandi piattaforme online, tra cui TikTok, Instagram e YouTube, di pubblicare periodicamente dati relativi alla propria base utenti, consentendo di monitorarne l’andamento e la crescita all’interno dell’Unione Europea.

TikTok ha pubblicato il suo settimo "Report sulla trasparenza", dal quale emerge che l’app raggiunge oggi 189 milioni di persone ogni mese nell’UE. Il dato, riferito al primo semestre del 2026, è in crescita rispetto ai 169 milioni registrati a fine giugno 2025 e ai 178 milioni di fine dicembre: negli ultimi dodici mesi la piattaforma ha quindi guadagnato circa 20 milioni di utenti, di cui 11 milioni nei primi sei mesi di quest'anno.

Per quanto concerne le altre piattaforme, Instagram ha registrato 297 milioni di utenti attivi nell’UE nella prima metà dell’anno, mentre Facebook si è attestato a 264 milioni. YouTube, invece, ha riportato circa 520,3 milioni di account con accesso effettuato ogni mese, in calo rispetto ai 548,2 milioni registrati l’anno precedente.

Tik Tok, Instagram e Youtube, pubblicati i dati sugli utenti UE

Il DSA impone una rendicontazione periodica sull’andamento delle piattaforme

SM Entertainment e Tencent Music Entertainment Group hanno costituito STE, una joint venture basata a Pechino, nata con l'intento di rafforzare concretamente le attività delle società all'interno dell'ecosistema cinese. Ci sarà Zhoumi alla guida della società, ex direttore della filiale cinese di SM Entertainment.

Una delle prerogative del progetto sarà un nuovo gruppo idol destinato al mercato cinese, il cui debutto è previsto entro due o tre anni. Ci sarà, inoltre, un focus specifico su attività di audizione e casting, oltre che sulla gestione locale del gruppo, una volta avviato il progetto.

STE assumerà un ruolo cruciale nella gestione degli artisti appartenenti al roster di SM Entertainment attivi nella Grande Cina, fornendo supporto operativo e promozionale sul territorio. Tra i nomi coinvolti, figurano Renjun degli NCT Dream e Yangyang e Xiaojun dei WayV.

"Combinando appieno i punti di forza unici di SM in termini di proprietà intellettuale e produzione di contenuti con le caratteristiche del mercato della Grande Cina, presenteremo contenuti differenziati e genereremo risultati significativi", ha dichiarato Zhoumi, CEO di STE.