Il “Night Express”, il salotto ‘live’ di Italia 1 e Radio 105, è pronto a ripartire. Per il quarto anno il locale che ospiterà la musica e le parole del “Night Express” sarà il Propaganda di Milano; per la prima volta Italia 1 e Radio 105 trasmetteranno il programma in contemporanea su radio e TV, tutti i giovedì a partire dalle ore 23.15. Il primo ciclo del “Night Express” ha già in cartellone circa 20 puntate della durata di un’ora ciascuna. Ad aprire l’appuntamento settimanale saranno, proprio nella puntata del prossimo 8 ottobre, gli 883 di Max Pezzali (ospiti: Garbo e Alex Britti). 
La trasmissione sarà presentata da Paola Maugeri, volto ormai familiare agli spettatori di “Night Express”, e Camila Raznovich, già veejay di MTV. 


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‘Night Express’ riparte giovedì 8 ottobre con gli 883

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Aggiornamento, ore 6.00, 19 aprile:&nbsp;Il presidente degli Stati Uniti Donald Trump ha ufficialmente rinviato per la terza volta l’applicazione del Protecting Americans from Foreign Adversary Controlled Applications Act, legge che prevede il bando di TikTok dagli Stati Uniti in caso di mancata cessione dell’operatività nel paese da parte della società madre, la cinese Bytedance, a un’entità locale. A renderlo noto è stata la portavoce della Casa Bianca Karoline Leavitt. La nuova proroga, che verrà firmata entro la fine di questa settimana, estenderà la sospensione del bando alla metà del prossimo mese di settembre. Un mese prima, a metà agosto, scadrà la tregua commerciale stabilita da Washington e Pechino sui dazi doganali, mossa distensiva tra i due governi che tra le ragioni principali della nuova concessione a TikTok da parte dell’amministrazione americana.

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La distensione che ha portato Washington e Pechino a sospendere il braccio di ferro commerciale sui dazi doganali imposti alle merci porterà il presidente degli Stati Uniti Donald Trump a procrastinare ulteriormente l’applicazione esecutiva del Protecting Americans from Foreign Adversary Controlled Applications Act: a dichiararlo - come riferiscono le principali agenzie internazionali - è stato lo stesso Trump nel corso di un incontro con la stampa a bordo dell’aereo presidenziale Air Force One. L’inquilino della Casa Bianca ha fatto sapere di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751670/tiktok-trump-promette-una-nuova-proroga-alla-legge-bando">voler dare seguito ai propri propositi</a> concedendo ulteriore spazio alle trattative, che - in base all’ultima scadenza fissata - avrebbero dovuto concludersi domani, giovedì 19 giugno.

In virtù della temporanea distensione tra Washington e Pechino, Trump si è detto convinto che il presidente Xi Jinping alla fine approverà la cessione dell’operatività della piattaforma da parte di Bytedance a una società americana. Eventualità, questa, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-744327/tiktok-fa-causa-al-governo-usa-disinvestire-e-impossibile">esclusa a priori dalla big tech fin dalle primissime battute della vicenda</a>.

“La dismissione richiesta dalla legge per consentire a TikTok di continuare a operare negli Stati Uniti semplicemente è impossibile commercialmente, tecnologicamente e legalmente. E certamente lo è entro il termine di 270 giorni richiesto dal testo”, aveva chiarito Bytedance nel presentare il ricorso contro il Protecting Americans from Foreign Adversary Controlled Applications Act: “Ci vorranno anni prima che un gruppo completamente nuovo di informatici acquisisca sufficiente familiarità con il codice sorgente per eseguire le attività di manutenzione e sviluppo continue e necessarie per la piattaforma. Inoltre, per mantenere la piattaforma funzionante, questi ingegneri avrebbero bisogno di accedere agli strumenti software ByteDance, cosa che la legge vieta. Il governo cinese ha fatto sapere che non permetterà la cessione dell’algoritmo di raccomandazione che è la chiave del successo di TikTok negli Stati Uniti. Come gli USA, la Cina regola l’esportazione di alcune tecnologie originarie del paese. Le norme cinesi sul controllo delle esportazioni riguardano le ‘tecnologie di elaborazione delle informazioni’ e gli ‘algoritmi di dati personali interattivi’”.

USA, TikTok: da Trump ok alla terza proroga dell'avvio del bando

Alla luce della tregua nella guerra commerciale ingaggiata con il governo cinese

Il Master in Comunicazione Musicale dedicato alla formazione delle professioniste e dei professionisti della musica promosso dall’Alta Scuola in Media Comunicazione e Spettacolo (ALMED) dell’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano ha annunciato l’apertura delle iscrizioni per la sua venticinquesima edizione.

Rivolto a laureate e laureati e a laureande e laureandi di qualsiasi facoltà (e/o titolo equipollente), il Master in Comunicazione Musicale - spiegano gli organizzatori - “da 25 anni forma le sue studentesse e i suoi studenti a 360°, portando in cattedra professioniste e professionisti, docenti universitarie e docenti universitari, artiste e artisti e soprattutto un numero sempre maggiore di ex alunne ed ex alunni, che trasmettono la loro testimonianza e la loro esperienza di professioniste e professionisti di oggi. Questo approccio alla conoscenza del music business ha reso il Master in Comunicazione Musicale uno dei percorsi di studi più ambiti del settore, con un numero di domande di iscrizione ampiamente superiore rispetto ai posti disponibili”.

“La nostra più grande soddisfazione è avere contribuito all’industria musicale con una nuova generazione di professioniste e professionisti: una buona parte di chi oggi lavora in questo settore è passato da queste aule, sia come studente e studentessa, sia come testimone e/o docente”, spiega il direttore didattico del Master Gianni Sibilla: “lI Master in Comunicazione musicale continua ad essere un corso unico in Italia, che unisce alta formazione professionale con la visione a 360° che può dare solo lo studio e la riflessione su passato, presente e prospettive della musica”.

Quest’anno il termine per la presentazione delle domande di ammissione è il 3 ottobre 2025. Le candidate e i candidati verranno selezionati/e in base a tre criteri: voto di laurea, pertinenza del curriculum vitae e colloquio motivazionale.

Anche in occasione di questo importante anniversario, il Master in Comunicazione Musicale mette a disposizione delle borse di studio che verranno attribuite ai candidati e alle candidate più meritevoli che parteciperanno alle selezioni. Le borse studio saranno a copertura parziale della retta. Maggiori informazioni al seguente link: https://almed.unicatt.it/almed-comunicazione-musicale-quota-di-iscrizione-e-agevolazioni.

Il percorso prevede inoltre un periodo di stage, garantito per tutte le studentesse e per tutti gli studenti, finalizzato all’inserimento formativo nel mondo del lavoro, sia presso le aziende partner storiche del Master, sia attivando collaborazioni con nuove realtà, in base all’andamento del mercato musicale. Nel corso delle precedenti edizioni, le percentuali di placement si attestano tra il 66% e il 90% a sei mesi dal termine delle lezioni.

Master in Comunicazione Musicale 2025/2026: aperte le iscrizioni

Il termine per la presentazione delle domande di ammissione è il 2 ottobre 2025

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751359/deezer-il-18-dei-nuovi-brani-in-streaming-e-generato-dall-ai">Non nuovi alle analisi dell’impatto che l’intelligenza artificiale generativa ha sull’operatività della propria piattaforma</a>, i gestori di Deezer sono tornati a suonare il campanello d’allarme circa gli utilizzi impropri dell’AI in ambito streaming: come riferito dal Guardian la piattaforma francese - che pure stima nello 0,5% della sua offerta la porzione di opere realizzate per mezzo di modelli di creatività sintetica - ha fatto sapere che fino al 70% di stream legati a brani generati con l’intelligenza artificiale cela manovre fraudolente di truffatori.

Lo schema individuato dagli analisti di Deezer è per la verità molto lineare: i truffatori, dopo aver caricato sul servizio brani generati con l’AI, “incaricano” altri bot di ascoltarli ripetutamente, al fine di beneficiare dagli ascolti in qualità di aventi diritto.

“Finché lo streaming fraudolento sarà in grado di generare ricavi, purtroppo ci sarà sempre chi tenterà di approfittarne", ha dichiarato Thibault Roucou, Head of Royalties and Reporting di Deezer: "Ecco perché stiamo investendo nella lotta contro questo fenomeno, perché sappiamo che non se ne andrà e dobbiamo essere sempre un passo avanti".

A metà dello scorso aprile Deezer aveva rivelato come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751359/deezer-il-18-dei-nuovi-brani-in-streaming-e-generato-dall-ai">il 18% dei nuovi brani caricati quotidianamente sui propri server è generato da modelli di AI</a>: a metà del gennaio precedente, la percentuale di nuovi brani prodotti dall’intelligenza artificiale uploadati ogni giorni su Deezer <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749577/cosi-deezer-vuole-arginare-l-invasione-dei-brani-generati-dall-ai">era quasi la metà, il 10%</a>. Per limitare l’impatto dei brani “sintetici” sul proprio catalogo il DSP francese, sempre lo scorso gennaio, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749577/cosi-deezer-vuole-arginare-l-invasione-dei-brani-generati-dall-ai">aveva annunciato il deposito di un brevetto per un nuovo tool all'avanguardia in grado di individuare i brani generati con l’AI</a>. “Mentre l’intelligenza artificiale continua a sconvolgere sempre più l’ecosistema musicale, con una quantità crescente di contenuti AI che inondano piattaforme di streaming come Deezer, siamo orgogliosi di aver sviluppato uno strumento all’avanguardia che aumenterà la trasparenza sia per i creatori che per i fan”, aveva dichiarato per l’occasione Alexis Lanternier, CEO di Deezer: “L’intelligenza artificiale generativa ha il potenziale per avere un impatto positivo sulla creazione e sul consumo di musica, ma il suo utilizzo deve essere guidato da responsabilità e attenzione al fine di salvaguardare i diritti e i ricavi di artisti e cantautori. In futuro miriamo a sviluppare un sistema di tagging per i contenuti completamente generati dall’intelligenza artificiale, in modo da escluderli dalle raccomandazioni algoritmiche ed editoriali”.

Streaming, Deezer lancia l’allarme sulle truffe con l’AI

Per il DSP operazioni fraudolente dietro il 70% degli stream legati all’intelligenza artificiale

Con un evento tenutosi ieri - martedì 17 giugno - nel proprio quartier generale italiano, a Milano, Spotify ha celebrato i cinque anni di Radar Italia, il programma globale varato nel 2020 dal servizio di streaming svedese a supporto dei talenti emergenti. Oltre alle esibizioni dei nomi selezionati per il mercato italiano nel 2025 - Marte, Carla Hero, Emma Nolde, Glocky, Sayf e Camoufly - l’evento è servito per tracciare un bilancio del programma, che nel nostro Paese - a partire dalla sua attivazione - ha dato spazio a quaranta artisti.

Pur non essendo esclusivamente dedicato ai giovani, Radar Italia ha spesso valorizzato talenti emergenti, in assoluta parità tra uomini e donne, con circa il 60% degli artisti selezionati sotto i 25 anni al momento dell’ingresso. Nella storia italiana del programma, Blanco e Mara Sattei (seguiti da Rondodasosa, Tony Boy, Rhove e Il Tre) si sono rivelati gli artisti più ascoltati di sempre. Tra il 2022 e il 2025 la playlist collegata a Radar ha permesso a quasi 300mila utenti di scoprire per la prima volta gli artisti selezionati. Complessivamente, gli artisti Radar Italia sono stati aggiunti a playlist editoriali di Spotify oltre 4.300 volte, con quasi la metà degli inserimenti in playlist internazionali. “Questo approccio - specificano i gestori del DSP - ha avuto un impatto significativo sulla crescita degli artisti: nel primo anno di partecipazione a Radar Italia, le riproduzioni editoriali sono aumentate in media di oltre il 1.800%”.

Gli artisti coinvolti in Radar hanno fatto registrare un aumento medio delle riproduzioni di oltre il 100% e degli ascoltatori di quasi il 200% a un solo anno dall’ingresso nel programma. Coca Puma e Bnkr44 sono fra gli artisti che hanno registrato la crescita più significativa in termini di ascolti a un anno dall’ingresso in Radar, mentre Rhove e Ariete sono tra gli artisti che - grazie al programma - hanno allargato maggiormente il proprio pubblico di ascoltatori.

“Questo anniversario è un’occasione per celebrare i traguardi raggiunti dai tanti artisti che hanno preso parte al programma”, ha commentato Melanie Parejo, Head of Music per il Sud ed Est Europa di Spotify: “Radar Italia rappresenta da cinque anni un punto di riferimento per i talenti emergenti, offrendo agli artisti non solo visibilità, ma anche strumenti concreti per crescere e farsi strada nella musica. Ma il nostro impegno va oltre la selezione: li accompagniamo in ogni fase del loro percorso, aiutandoli a costruire connessioni autentiche con il pubblico e a esplorare nuove opportunità creative. Radar è un ponte tra gli artisti e i milioni di ascoltatori che cercano nuove voci e storie da scoprire”.

“Essere parte di Spotify Radar è stato un momento importante per la mia carriera e spero che lo sia anche per i giovani artisti che sono stati selezionati quest’anno”, ha aggiunto BigMama, presente all’evento per condividere con il pubblico la sua esperienza: “Soprattutto, la collaborazione con Spotify non si ferma al termine del programma, ma prosegue nel tempo, perché quando entri a far parte di Radar, in qualche modo sei parte di una famiglia per sempre”.

Spotify, Radar Italia compie cinque anni

I nomi e i numeri nel nostro Paese del programma del DSP dedicato agli emergenti

Uno degli obiettivi forti dichiarati per l’anno 2025 da Rockol MusicBiz, esplicitato nelle ultime settimane con una <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/music-startups-364108">copertura sempre più densa e continuativa</a>, è quello di accendere un faro sulla situazione delle startup musicali.

Il nostro focus forte, all’interno di questo obiettivo, è su quelle italiane. Al punto che, di recente, abbiamo avviato una <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751569/stai-innovando-la-musica-raccontacelo-speciale-startup-musicbiz">call to action</a>&nbsp;per strutturarne il racconto attraverso la narrazione dei diversi progetti, modelli di business e protagonisti.

E, mentre continuiamo a ricevere riscontri e presentazioni da parte di diversi giovani imprenditori, è con grande piacere che siamo già in grado di annunciare una partnership di alto livello sull’intero progetto: quella con Music Innovation Hub.

“E’ un’ottima notizia non solo per il nostro progetto, che riceve una validazione di alto livello”, commenta Giampiero Di Carlo, CEO di Rockol, “ma anche e soprattutto per la nostra industria, perché Music Innovation Hub è la prima realtà italiana attiva nella promozione sistematica dello sviluppo dell'imprenditoria nel settore musicale, a livello nazionale ed europeo”.

"Nella trasformazione digitale, troppo spesso l’Italia si è trovata a seguire e non a guidare i processi di innovazione", ha dichiarato Andrea Rapaccini, Presidente di Music Innovation Hub: "L’industria musicale nazionale non fa eccezione. Le multinazionali investono nell’innovazione ma nei rispettivi Paesi di provenienza, mentre imprese e startup nazionali non trovano un adeguato ecosistema di supporto in Italia. In più, oggi l’innovazione non deve essere puramente tecnologica, ma deve saper reinventare nuovi modelli di business. Deve anche essere in grado generare valore condiviso per gli azionisti e per gli stakeholder di riferimento. Una innovazione responsabile, quindi, &nbsp;tanto più se si parla di imprese creative e culturale.&nbsp;La partnership tra Rockol e MIH intende contribuire a coprire questo gap nel nostro Paese e ad ingaggiare l’industria nazionale sui processi di innovazione europei e globali".

Di questo e delle prospettive che la partnership apre abbiamo parlato con Anna Zò (nella foto),&nbsp;Responsabile Area Innovazione presso Music Innovation Hub.

Perché il sostegno alle realtà innovative italiane, in questo momento, è particolarmente importante?

Nel 2019, durante la quinta edizione di Linecheck Music Meeting and Festival, MIH ha lanciato la prima call italiana dedicata alle startup musicali, raccogliendo oltre 50 candidature spontanee provenienti da tutta Europa. Grazie a una costante presenza in conferenze internazionali e al dialogo con le principali associazioni di settore legate all’innovazione musicale, è emerso un chiaro gap nel panorama italiano rispetto al contesto europeo. Questo divario riguarda la rappresentanza, le opportunità di confronto, le piattaforme di networking, i programmi di supporto e le possibilità di finanziamento per startup e innovatori nel campo della musica.

Come si è mossa Music Innovation Hub, in questo senso, negli ultimi anni?

Per colmare questa lacuna, a partire dal 2020 MIH ha avviato una serie di MusicTech Meetup, incontri informali mensili dedicati a far conoscere le realtà italiane più innovative nel settore musicale, esplorando temi all’avanguardia come Blockchain, Intelligenza Artificiale, XR/VR/AR. Questi appuntamenti hanno permesso di creare un tavolo di confronto inclusivo, che unisce professionisti e appassionati di tecnologia e innovazione musicale.&nbsp;Il riconoscimento internazionale conquistato nel settore MusicTech e la collaborazione con partner europei hanno portato MIH, nel 2021, a ricevere un finanziamento dalla Commissione Europea per lanciare il primo programma di accelerazione paneuropeo dedicato alle startup MusicTech. La prima edizione dell’acceleratore, che ha supportato 10 startup, è stata un successo tale da permettere a MIH di ottenere un finanziamento europeo di un milione di euro per proseguire il progetto Music Tech Europe Academy per altri tre anni, ampliando partner e beneficiari.

Venendo, invece, al presente...

Nel 2025, MIH ha accompagnato oltre 30 startup europee nel loro percorso di ingresso nel mercato musicale, favorendo la validazione tecnologica e la sostenibilità finanziaria, oltre a facilitare il contatto con investitori, clienti e partner strategici. Nel 2024, questa esperienza europea è stata integrata nel contesto italiano con il progetto GetIt!4Music, promosso da Fondazione Cariplo, che sostiene startup e realtà innovative musicali orientate allo sviluppo di prodotti, servizi e soluzioni a impatto sociale.

Quali saranno i temi che verranno approfonditi nell'ambito della partnership tra Music Innovation Hub e Rockol?

Sicuramente un'analisi del panorama italiano delle startup musicali, dalle definizioni tecniche ai dati di mercato, esplorando i trend attuali e le innovazioni che stanno trasformando l’industria.&nbsp;Non mancheranno&nbsp;un&nbsp;focus sull’ecosistema italiano e sul ruolo del progetto Get it! nella promozione di un modello imprenditoriale responsabile e sostenibile, con interviste ai partecipanti e promotori del progetto, e un&nbsp;approfondimento del mercato europeo, delle opportunità e delle sfide, con un’attenzione al ruolo dell’Italia attraverso le iniziative Music Tech Europe e Music Tech Europe Academy, oltre - ovviamente - a una panoramica&nbsp;sugli investimenti nell’innovazione musicale a livello nazionale ed europeo, con mappatura degli investitori attivi e delle opportunità per le startup.

Startup, partnership tra Rockol MusicBiz e Music Innovation Hub

Insieme per rafforzare e comunicare il collegamento tra industria musicale e nuove economie creative

Per celebrare&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/pmi-20-anni-503860">i vent’anni di attività di PMI - Produttori Musicali Indipendenti</a>, Rockol propone una carrellata di aziende legate all’associazione che rappresenta gran parte delle realtà discografiche italiane slegate dal circuito delle multinazionali. L’etichetta presentata oggi, insieme a un artista del suo roster,&nbsp;è Nar International...

- Nome dell’etichetta: Nar International SRL

- Anno di fondazione: 1983

- Sede: Via Guido D'Arezzo, 3 - 20145 Milano

- Breve descrizione:&nbsp;Nar International&nbsp;è una società di produzioni discografiche ed edizioni musicali tra le più rappresentative del panorama musicale indipendente italiano. Fondata negli anni ’80 da Mario Limongelli, musicista e componente, insieme a Toto Cutugno, del gruppo musicale Albatros, ha avviato la sua attività producendo alcune giovani band rock e cantautori italiani. Tra gli altri, nel corso della sua storia, ha prodotto album di Milva, Giorgio Faletti, Fausto Leali, Giuni Russo, Loredana Bertè, Franco Califano, Lando Fiorini, Riccardo Fogli, Donatella Rettore, Ivana Spagna, Camaleonti, Fred Bongusto, Gigliola Cinquetti, Fiordaliso e Annalisa Minetti, vincitrice del Festival di Sanremo 1998.

- 3 artisti rappresentativi: Massimo Ranieri, Amedeo Minghi, Enrico Ruggeri

- I titoli&nbsp;“simbolo” della vostra produzione: "Perdere l'amore" (Massimo Ranieri, "1950" (Amedeo Minghi), "Mistero" (Enrico Ruggeri)

- Link principali:&nbsp;

<a href="https://narinternational.com/">https://narinternational.com/</a> 
<a href="https://www.facebook.com/NarInternationalSrl">https://www.facebook.com/NarInternationalSrl</a> 
<a href="https://www.instagram.com/narinternational">https://www.instagram.com/narinternational</a> 
<a href="https://www.youtube.com/c/Narinternational">https://www.youtube.com/c/Narinternational</a>

-&nbsp;Contatto referente:

Mario Limongelli -&nbsp;limongelli@narinternational.com

Scheda artista: Enrico Ruggeri



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	<li>
	Nome d’arte: ENRICO RUGGERI
	</li>
	<li>
	Etichetta di riferimento: NAR INTERNATIONAL
	</li>
</ul>

<ul>
	<li>
	Città di provenienza o base operativa: MILANO
	</li>
	<li>
	Anno di debutto discografico: 1978 SpaghettiRecords - Colombini/Silvio Crippa/Shel Shapiro
	</li>
	<li>
	Breve bio personale:
	</li>
</ul>

E’ uno dei più raffinati e poliedrici artisti della scena nazionale. 
Ha pubblicato dal 1978 ad oggi 40 album, vendendo&nbsp;oltre&nbsp;5 milioni di copie. 
Primo a fare un tour con una grande orchestra, ha vinto due volte il Festival di Sanremo collezionando 4 premi della critica. Le sue canzoni sono state interpretate anche da artisti come Fiorella Mannoia, Loredana Bertè, Mina, Anna Oxa, Gianni Morandi. 
Dopo il romanzo “Un gioco da ragazzi”, che ha raccolto grandi consensi di pubblico e di critica ha dato alle stampe “40 Vite senza fermarmi mai” un’opera autobiografica nella quale racconta la storia dei suoi 40 album. 
Dopo grandi successi televisivi e il programma radiofonico “Il falco e il gabbiano” è tornato sul piccolo schermo con due fortunatissime serie de “Gli occhi del musicista”, programma notturno suggellato da un boom di ascolti.&nbsp;L’omonimo album pubblicato nel 2003 in versione CD sarà pubblicato in versione LP vinile il prossimo autunno.&nbsp; 
Ha insegnato Storia della musica al Conservatorio Giuseppe Verdi di Milano. 
E’ presidente della Nazionale Italiana Cantanti. 
Il suo ultimo album “La caverna di Platone” sta riscuotendo grandissimo successo di critica e di pubblico.

<ul>
	<li>
	1 disco o brano “indie” che ha cambiato il tuo percorso: "Contessa", 1980 
	</li>
	<li>
	Link principali:
	</li>
</ul>

<a href="https://www.facebook.com/tuttorouge">https://www.facebook.com/tuttorouge</a> 
<a href="https://www.instagram.com/enrico_ruggeri/">https://www.instagram.com/enrico_ruggeri/</a>

<ul>
	<li>
	Contatto diretto o dell’uff. stampa: Stefania Alati - stefaniaalati@enricoruggeri.info
	</li>
</ul>

Breve intervista artista:

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	<li>
	Cos’è per te “indipendenza” oggi, in musica?
	</li>
</ol>

È autonomia di scelta e di giudizio, liberandosi dall’ossessione del consenso.

&nbsp; 2. Che rapporto hai con la tua etichetta?

La mia etichetta Anyway Music sono io! Il rapporto è con i settori&nbsp;strategici, promozionali e di comunicazione.

&nbsp; 3. Un momento in cui ti sei sentito davvero libero/a, artisticamente

Non ho mai accettato interferenze artistiche, tutti i momenti della mia carriera sono stati liberi. Qualche volta ho fatto scelte discutibili per... tornare al punto uno...

&nbsp; 4. Una canzone o un disco di un altro artista indie italiano che avresti voluto scrivere tu

Per evitare i soliti nomi scelgo “Volevo essere un duro”: Lucio Corsi mi sembra avviato a una carriera molto creativa.

&nbsp; 5. Cosa ti aspetti dall’indie dei prossimi 20 anni?

La contrazione e la frammentazione del mercato diventano per l’indie un paradossale vantaggio: sono più strutturate per difendere e non abbandonare i loro artisti.

Vent’anni di PMI, le aziende: Nar International

Una panoramica sulle etichette associate a Produttori Musicali Indipendenti

Nelle ultime ore, se frequentate i social (e in particolare X e Threads), vi sarà senz'altro capitato di imbattervi in tweet al vetriolo contro il superproduttore Timbaland e la piattaforma di AI generativa Suno. Ma cosa sta succedendo esattamente? Prima di proseguire è il caso di ricordare chi è Timbaland: produttore hip hop&nbsp;da milioni di dischi venduti, ha contribuito a forgiare il successo di artisti come Aaliyah, One Republic, Justin Timberlake e Nelly Furtado, tra gli altri. E' anche&nbsp;l'inventore del format Verzuz, che spopolava sul web nel periodo della pandemia. Negli ultimi anni Timbaland ha accantonato la carriera di musicista in prima linea e ha accettato un ruolo da direttore creativo di Suno, con l'intenzione di integrare in maniera sempre più organica l'intelligenza artificiale nel processo di music making: è uno dei pochi a sostenere le evoluzioni dell'AI in tal senso, senza se e senza ma.

Tornando alla polemica in questione, tutto è cominciato qualche giorno fa, quando Timbaland ha condiviso sui suoi canali un breve reel dimostrativo in cui faceva ascoltare un beat prodotto da Suno. Per mostrare le potenzialità del sistema ha creato una canzone utilizzando il beat che&nbsp;un suo collega, il producer indipendente&nbsp;K Fresh, aveva realizzato senza ausilio dell'AI e postato online qualche giorno prima,&nbsp;e il testo di un creator trovato su TikTok, che lo aveva utilizzato per fare un freestyle. Il problema, però, è che la "rimasticazione" che Suno ha fatto dei due prodotti già esistenti non è particolarmente originale: il beat è pressoché identico all'originale, e contiene perfino la stessa tag vocale usata da K Fresh (il jingle usato come firma sonora da ogni produttore). Tutto ciò senza che il suo nome fosse mai citato esplicitamente.

Ben presto i fan di K Fresh si sono resi conto dell'accaduto, e i video delle due performance a confronto (quella di K Fresh che creava il beat e quello di Timbaland che lo rimaneggiava tramite Suno) sono diventati virali, scatenando un'ondata di proteste in particolare tra i produttori hip hop, che si sentono fortemente minacciati da questo utilizzo del mezzo e soprattutto dalla possibilità che qualcuno dia in pasto le loro creazioni all'intelligenza artificiale senza permessi,&nbsp;crediti o compensi, esattamente come è successo al loro collega. Un rischio più che reale in America, dove spesso i producer indipendenti non godono del diritto d'autore, ma percepiscono un compenso una tantum per cedere i propri beat a rapper e cantanti. E dove oltretutto ci sono stati parecchi casi di beat scippati&nbsp;ai legittimi proprietari e spacciati per propri da soggetti terzi.&nbsp;

Timbaland si è difeso durante una diretta su Instagram, affermando che si era limitato a mostrare ciò che Suno può fare: remixare brani già esistenti, in pratica. Inoltre ha affermato che grazie al suo video un celebre rapper, Ghostface Killah del Wu-Tang Clan, ha scoperto e apprezzato il beat originale e ora vorrebbe lavorare con K Fresh. Che, assicura,&nbsp;avrà tutti i benefici e gli onori del caso, se la collaborazione dovesse andare in porto. Ciononostante la protesta non accenna a scemare, catalizzando le istanze di molte categorie: gli scettici dell'AI, i puristi del beatmaking hip hop e anche molti fan delusi da questa svolta tecno-distopica di Timbaland.

La rivolta dei producer hip hop contro Timbaland e Suno

Negli ultimi giorni si moltiplicano le proteste social: cosa sta succedendo e perché c'entra l'AI

La Commissione Europea ha ufficialmente avviato l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751490/ue-indagine-antitrust-acquisizione-di-downtown-da-parte-di-umg">indagine antitrust</a> sull’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748886/virgin-music-group-umg-acquisira-downtown-music">acquisizione di Downtown da parte di Universal Music Group</a>: il provvedimento, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751087/umg-downtown-dall-olanda-richiesta-di-esame-dell-antitrust-ue">sollecitato dai rappresentanti dei Paesi Bassi a Bruxelles</a> dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750538/universal-music-l-acquisizione-discreta-di-8ball-music">l’acquisto della label olandese 8Ball Music da parte della major</a>, stabilirà se l’operazione da 775 milioni di dollari - che il gruppo guidato da Lucian Grainge vorrebbe chiudere entro la fine dell’anno - può essere conforme alle norme sulla concorrenza e sui mercati vigenti in Europa. Una prima pronuncia da parte della Commissione è attesa entro il prossimo 22 luglio.

Il provvedimento è stato accolto favorevolmente da Impala, l’associazione di categorie delle etichette indipendenti europee <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748909/impala-mills-beggars-critiche-umg-virgin-downtown">dal primo momento critica</a> nei confronti dell’acquisizione: "Abbiamo&nbsp; accolto con favore la notizia del mese scorso riguardante la decisione della Commissione Europea di indagare, e abbiamo atteso con impazienza l'avvio della valutazione, quindi questa - per noi - è un'ottima notizia”, ha chiarito la vicepresidente esecutiva di Impala Helen Smith, “C'è un solo modo per prevenire i danni: la Commissione Europea deve bloccare immediatamente questa operazione, per garantire equilibrio, armonia e diversità nell'ecosistema".

Contestualmente all’avvio dell’indagine antitrust UE la professoressa Amelia Fletcher, tra il 2016 e il 2020 amministratrice dell’autorità antitrust britannica, la Competition and Markets Authority, ha indirizzato una lettera aperta alla Vicepresidente della Commissione Europea e Commissaria per la Concorrenza Teresa Ribera per raccomandare un’indagine “molto approfondita” sull’acquisizione di Downtown da parte di UMG. Secondo Fletcher - che parallelamente alla carriera professionale ha saputo portare avanti una solida carriera musicale, militando in band come Talulah Gosh, Heavenly, Marine Research e Tender Trap, e collaborando con Wedding Present ed Hefner - l’operazione, che “rappresenta un altro passo nella più ampia strategia di UMG volta a minare la vitalità e la redditività del settore musicale indipendente”, andrebbe a svantaggio delle etichette indipendenti e degli editori musicali", eliminando "importanti servizi di distribuzione e amministrazione" dal settore indipendente: questo processo porterebbe "le etichette indipendenti a diventare sempre più dipendenti per quanto riguarda l'accesso al mercato dal loro più grande concorrente".

"Concordiamo con le opinioni della Professoressa Fletcher, nota economista ed ex regolatrice, nonché artista e fondatrice di un'etichetta, nella sua&nbsp; lettera di venerdì a Ribera”, ha dichiarato Francesca Trainini, Presidente di Impala e Vicepresidente di PMI - Produttori Musicali Indipendenti: “Questa lettera fa seguito alle preoccupazioni sollevate in precedenza da Aurore Lalucq, anch'essa economista e presidente di una delle&nbsp; commissioni più influenti del Parlamento europeo”.

Universal Music / Downtown, avviata l’indagine antitrust UE

La Commissione Europea pronta a valutare l’acquisizione: la soddisfazione delle indies

SIAE ha presentato gli elementi del proprio team che hanno scelto di far parte della squadra DEI (diversity, equity &amp; inclusion) della collecting: la squadra dei nuovi DEI Ambassador - composta da trenta elementi già operativi nel team della collecting - è stata nominata per “costruire una SIAE sempre più inclusiva”.

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“I DEI Ambassador si formeranno per diventare esperti della DEI, daranno un volto e una voce ai nostri progetti e alle nostre iniziative, contribuiranno alla definizione della strategia DEI futura e supporteranno l’organizzazione di eventi e attività”, ha fatto sapere la Società Italiana degli Autori ed Editori in una nota: “Grazie a chi ha deciso di mettersi in gioco per promuovere il cambiamento. Insieme, costruiremo ogni giorno una SIAE più aperta e rispettosa di tutte le diversità”.

SIAE, ecco i DEI Ambassador

30 elementi del team della collecting dedicati ai programmi di diversità, equità e inclusione

Si chiama Mahra Tora la nuova etichetta che Believe ha lanciato sul mercato indiano: il marchio - ha spiegato la società francese - sarà dedicato soprattutto alla scena musicale dell’Haryana, stato federato dell’India settentrionale con 25 milioni di abitanti.

"La musica hariyanvi ha visto una crescita vertiginosa di popolarità, che va oltre le sue radici regionali", ha dichiarato Vivek Raina, CEO di Believe India, "Con Mahra Tora, miriamo a fornire una solida piattaforma per gli artisti hariyanvi, garantendo loro gli strumenti giusti per raggiungere un pubblico più ampio e costruire carriere durature". Tra i primi artisti messi sotto contratto dalla nuova label figurano Kabira, Ajay Bhagta, Kaka WRLD, GP Ji, Hashtag Pandit, Amit Saini Rohtakiya, Amit Dhull e Renuka Panwar.

"L'energia e l'autenticità della musica di Haryanvi sono ineguagliabili", ha aggiunto Shilpa Sharda, responsabile dei servizi per artisti ed etichette di Believe India: "Mahra Tora è il nostro modo di investire in questa vibrante scena, offrendo agli artisti il ​​miglior supporto possibile per raggiungere nuovi traguardi".

Believe lancia in India la nuova label Mahra Tora

Dedicata agli artisti della regione dell’Haryana

E’ stata annunciata la nascita di Kiwi Dischi, nuova etichetta nata per volontà di Elena Lucerna, già Artist Manager presso INRI, label del gruppo Metatron. La nuova entità - spiega la nota di presentazione - spazierà “dal pop alternativo all’urban, dal rap all’indie, dal cantautorato all’elettronica”, proponendosi come “casa ideale per artisti in cerca di autenticità e direzione”: la label promette di accompagnare gli artisti “nello sviluppo dei loro progetti, a partire dal management, alla consulenza musicale e di immagine, alla comunicazione e ufficio stampa, fino alla distribuzione Universal Music Italy, il supporto del team di Metatron Group e le edizioni curate da Metatron Publishing”.

“Kiwi Dischi nasce dall’urgenza di dare voce ad artisti originali, freschi e dalla forte personalità”, ha dichiarato Lucerna: “E’ un progetto che crede nel potenziale creativo, nella cura artigianale del percorso artistico, nella libertà espressiva. Un’etichetta indipendente e strutturata, pronta a sostenere la musica di domani con strumenti concreti e visione ampia”.

“Siamo felici di affiancare il lancio di Kiwi Dischi, un’etichetta indipendente guidata dalla visione di Elena Lucerna”, ha aggiunto il CEO di Metatron Group Paolo Ceresoli: “Crediamo nel valore della collaborazione e nel sostegno a realtà che mettono al centro l’autenticità e il coraggio creativo. Contribuire allo sviluppo di questo nuovo percorso con la nostra esperienza è per noi motivo di orgoglio e stimolo a guardare al futuro con curiosità e passione”.

E’ nata Kiwi Dischi

La nuova label al debutto sul mercato con la collaborazione di Metatron Group

Universal Music Group ha annunciato una partnership con WTSL, società di investimento sostenuta da Silver Lake e fondata da Patrick Whitesell, per “sbloccare opportunità che estendono il valore della musica nei settori del cinema, della televisione, della moda, dei prodotti di consumo, delle esperienze legate ai brand e di altre aree di crescita emergenti”.

“Grazie all'iconico catalogo musicale di UMG e al suo roster di superstar di successo e talenti emergenti, la nuova iniziativa accelererà le opportunità commerciali per gli artisti e i patrimoni artistici del gruppo in settori in rapida crescita al di fuori della musica registrata e dell'editoria musicale tradizionale”, si legge in una nota diffusa dalla major: “Combinando le competenze strategiche e le reti di UMG e WTSL, le due aziende capitalizzeranno su come sfruttare l'influenza culturale, facendo degli artisti e della loro musica il fondamento per la creazione di attività scalabili e multidimensionali che interagiscono con il pubblico in modi nuovi e duraturi”.

“La joint venture - prosegue il comunicato congiunto - offrirà ulteriori opportunità agli artisti e ai cataloghi di UMG nei settori del cinema, della televisione, della moda, dei prodotti di consumo, della collaborazione e creazione di marchi e di altre iniziative di proprietà intellettuale, fornendo un'infrastruttura per creare imprese a lungo termine, passando da licenze una tantum a iniziative di proprietà, ripetibili e basate sul capitale, radicate nell'identità creativa”.

"Si tratta di costruire il futuro della proprietà intellettuale degli artisti con la portata e l'ambizione che merita", ha dichiarato Whitesell: "Universal Music Group rappresenta la più potente azienda musicale al mondo. Insieme, esploreremo nuovi modi per estendere questa forza culturale a ogni dimensione dell'intrattenimento e della vita dei consumatori, creando un valore commerciale duraturo mantenendo la musica al centro".

"Siamo al centro di un vivace ecosistema di partner provenienti dal mondo della tecnologia, dei brand, dei retailer e dei media, che riconoscono il potere dei nostri artisti di plasmare la cultura a livello globale”, ha aggiunto il Presidente e CEO di UMG Lucian Grainge: “Con questa nuova iniziativa, potremo sfruttare la profonda esperienza di Patrick nella creazione di modelli di business non tradizionali con proprietà intellettuale di livello mondiale per accelerare l'espansione e la monetizzazione del nostro ecosistema a vantaggio dei nostri artisti e partner".

Universal Music, una partnership con WTSL

Per ‘accelerare le opportunità commerciali per la proprietà intellettuale degli artisti’

L’Autorità per le Garanzie nelle Comunicazioni, con delibera numero 142/25, ha attribuito le quote di mercato alle collecting operanti sul mercato italiano.

La rappresentatività degli organismi di gestione collettiva in percentuale per categoria di titolari dei diritti, per quanto riguarda gli autori di opere musicali, è del 99,20% di SIAE e dello 0,80% di LEA, l’entità per mezzo della quale Soundreef opera nel nostro Paese. Per quanto riguarda la categoria Artisti, Interpreti ed Esecutori, NUOVOIMAIE copre una quota di mercato pari all’86,44%, Itsright del 13,17% e RASI dello 0,40%. Nel settore dei diritti connessi riservati ai produttori fonografici, SCF copre una quota di mercato pari all’85,30%, seguita da AFI (5,81%), Itsright (4,67%), Getsound (2,25%), Evolution (1,96%) e Audiocoop (0,01%).

AGCom, le quote di mercato delle collecting italiane

Dall'Autorità per le Garanzie nelle Comunicazioni un focus sugli organismi di gestione collettiva

Non è d'élite lo spirito di La Prima Estate, il festival giunto quest’anno alla propria <a href="https://www.rockol.it/news-752522/concerti-2025-la-prima-estate-dettagli-artisti-date-eventi">quarta edizione</a>, che debutterà come da tradizione a Lido di Camaiore il prossimo 20 giugno. Anche nel 2025 la filosofia della manifestazione organizzata da D’Alessandro e Galli, storica agenzia di musica dal vivo con sede proprio in Versilia, a Viareggio, resta quella di offrire un’alternativa alla massificazione dei grandi eventi live a un pubblico appassionato ed esperto, non avvezzo alle spedizioni toccata e fuga per assistere a uno show.

“La prima sfida del format di La Prima Estate è sempre stata quella di far convivere la vacanza con i concerti”, conferma Enrico D’Alessandro (nella foto), che con Andrea Galli rappresenta la seconda generazione della dirigenza della società di live promoting: “Il pubblico, il più delle volte, era abituato a scegliere tra le due cose. In secondo luogo, abbiamo inseguito il sogno di un festival ‘comodo’. I grandi eventi dal vivo solitamente vengono associati a camminate chilometriche tra un palco e l’altro, orari improbabili e un generale senso di fatica. Noi abbiamo voluto creare qualcosa che sia esattamente l’opposto: offriamo il pubblico una giornata da 24 ore, che inizia col relax delle lezioni di yoga in spiaggia, e prosegue coi talk e gli incontri in mattinata - quest’anno coordinati da Massimo Coppola - e le degustazione enogastronomiche. La musica inizia intorno alle 18,30 per finire verso mezzanotte e mezza”.

Un’offerta che, ovviamente, si rivolge a una tipologia di pubblico molto precisa. “Nel parco si respira un’atmosfera estremamente rilassata, e mi fa piacere vedere tante famiglie nel parterre”, prosegue D’Alessandro: “Il nostro pubblico di riferimento è di 30-40enni, persone che vogliono assistere a un concerto in un posto tranquillo, coi propri cari, bevendosi un bicchiere di vino e mangiando cibo di qualità presso quattro i cinque food truck selezionati senza fare code. Massimo Oldani ha coniato un neologismo, parlando di ‘presbenisimo’ come cifra della Prima Estate. E io non posso che essere d’accordo”.

In un contesto del genere la scelta dei nomi da inserire in cartellone - che quest'anno include, tra gli altri, Mogwai, St. Vincent, Air, TV on the Radio, Moodymann, Grace Jones e Lucio Corsi -&nbsp;diventa dirimente, e permette agli organizzatori di spaziare - in termini di offerta - rispetto alle proposte che il mercato internazionale spinge presso i circuiti estivi. “Prima ancora di definire il genere del cast, abbiamo cercato di inquadrare il pubblico al quale rivolgerci, che nel nostro caso è quello dei young adults”, dice D’Alessandro: “Avevamo intuito ci fosse una richiesta specifica in questo senso, da parte del pubblico, ma abbiamo dovuto fare anche i conti con la location scelta per l’evento, che non è esattamente per tutte le tasche. Sia chiaro: quella della Versilia per soli ricchi è un cliché da sfatare. Lungo i tre chilometri di spiaggia presenti a Camaiore ci sono 80 hotel, tra le 4 e le 2 stelle: non si tratta di un luogo esclusivo, ma che richiede comunque di sostenere tre notti in albergo e il viaggio da Milano o Roma, che sono le due città dove vendiamo più biglietti in assoluto. Se avessimo puntato sul pubblico di giovanissimi appassionati di trap, per ovvie ragioni più inclini alla logica del mordi e fuggi, avremmo fatto un buco nell’acqua”.

Quindi un pubblico alto-spendente, che per due terzi arriva da fuori regione e che vive per la maggior parte nelle grandi città. Come si riflette questo profilo di utenza sull’economia locale? “L’anno scorso i due weekend del festival hanno creato un indotto sul territorio pari a 7 milioni di euro, che per una località di villeggiatura non è niente male”, precisa D’Alessandro: “Quest’anno ci aspettiamo di restare in linea con questi numeri”. E, a proposito di numeri: “Nel 2024 il 54% del pubblico intervenuto non era mai stato in Versilia. Lo trovo un dato molto importante, che ricolloca la zona nella mappa del turismo del 30-40enni, prima la consideravano non adatta alle loro esigenze. Invece offre grandi opportunità in termini culturali, sportivi e naturalistici, dove divertirsi in tutta comodità”.

Il legame a doppio filo con il territorio impone un rapporto solido con le autorità locali. “Il dialogo con le istituzioni è fondamentale per la riuscita di un evento come La Prima Estate”, conferma D’Alessandro: “Il Comune di Camaiore ha sempre avuto un ruolo di primo piano nella buona riuscita del festival, sia tramite la vecchia amministrazione - guidata dal sindaco Alessandro Del Dotto, che ha riqualificato il Parco Bussoladomani regalando alla città un bellissimo spazio in riva al mare - che la nuova. Per il futuro [D’Alessandro e Galli ha chiuso con il Comune un contratto per l’organizzazione delle prossime edizioni del festival fino al 2028, ndr] dobbiamo convincere le istituzioni a fidarsi ancora di più del progetto, soprattutto riguardo la direzione artistica. Adesso che il parco è diventato attrattivo anche per altri eventi, la nostra richiesta è quella di prestare un po’ più di attenzione alla calendarizzazione delle attività”.

“L’area resterà la stessa, così come la suddivisione in due weekend. Adesso la sfida è alzare ulteriormente il tiro, rivolgendoci sempre alla stessa fascia di pubblico”, conclude D’Alessandro, restando in tema di progetti per il futuro: “Siamo prossimi al superamento della soglia dei 10mila spettatori, ma - per raggiungere questo obiettivo - ci servono gli headliner giusti. Su questo fronte, tuttavia, non abbiamo preoccupazione: all’inizio era difficile spiegare a un management perché fare tappa con un tour a Lido di Camaiore anziché a Milano o Roma. Da quando il nostro progetto ha preso quota sono i management internazionali a farsi avanti, ‘offrendo’ gli artisti dei loro roster per l’inserimento nel nostro cast. E’ un progetto, quello di La Prima Estate, che ha destato molta curiosità presso l’industria musicale internazionale: è la conferma della bontà del nostro operato, e non possiamo che esserne contenti”.

La Prima Estate 2025: ‘Perché siamo il festival del 'presbenismo'

Una line-up cucita su un pubblico ben definito e il legame col territorio: parla Enrico D'Alessandro

Potrebbe risolversi in modo “amichevole” <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-737911/publishing-maxi-causa-delle-major-e-non-solo-a-twitter">la vertenza</a> che dal giugno del 2023 sta avendo per protagonisti la National Music Publishers' Association - associazione di categoria che raggruppa i principali editori musicali americani - i gestori della piattaforma X: le parti in causa hanno chiesto - e ottenuto - una sospensione del procedimento pari a 90 giorni per cercare di arrivare a un accordo per vie extragiudiziali. La Corte presieduta dalla giudice Aleta Arthur Trauger ha concesso il congelamento della causa, riservandosi di raccomandare alle parti tempestivi aggiornamenti sull’andamento delle trattative. In caso di necessità, il tribunale ha fatto sapere di essere disposto a concedere una proroga alla scadenza della sospensione, fissata per ora alla metà del prossimo mese di settembre.

Editori USA contro X, si tenta la via extragiudiziale

La Corte approva una sospensione del procedimento alla luce dei tentativi di conciliazione

L’Exit Festival, una delle manifestazioni musicali più rilevanti nell’area balcanica nata 25 anni fa a Novi Sad, in Serbia, e nel tempo diventata tappa fissa per le grandi produzioni internazionali nell’Europa dell’est, ha annunciato di voler lasciare il proprio paese d’origine: in una nota ufficiale gli organizzatori hanno fatto sapere che la prossima edizione, prevista tra i prossimi 10 e 13 luglio presso la Fortezza di Petrovaradin, sulle sponde del Danubio, sarà l’ultima nella propria location storica.

“Abbiamo portato al nostro Paese e alla nostra regione numerosi premi di festival europei, insieme a centinaia di milioni di euro di entrate turistiche e riconoscimenti internazionali che gli esperti di tutto il mondo considerano inestimabili”, si legge nel comunicato pubblicato sul sito ufficiale della manifestazione: “Tuttavia, da quando ci siamo schierati pubblicamente al fianco degli studenti serbi nella loro lotta per una società più libera e giusta, siamo stati sottoposti a immense pressioni finanziarie e politiche volte a privarci dei nostri diritti fondamentali alla libertà di pensiero e di espressione. Nonostante siamo completamente tagliati fuori dai finanziamenti pubblici a tutti i livelli di governo, e con alcuni sponsor costretti a ritirarsi sotto la pressione dello Stato, ci rifiutiamo di essere messi a tacere. Di conseguenza, l'edizione di quest'anno sarà l'ultima a svolgersi in una Serbia in cui la libertà di parola è sistematicamente repressa”.

"Questa è la decisione più difficile nei nostri 25 anni di storia, ma crediamo che la libertà non abbia prezzo”, ha commentato Dušan Kovačević, fondatore e direttore della società che produce l’evento: “Con questo atto, difendiamo non solo EXIT, ma il diritto fondamentale alla libera espressione di tutti gli attori culturali del mondo. Li invitiamo a schierarsi al nostro fianco in questa lotta".

“Anche se sappiamo di essere accolti a braccia aperte in tutto il mondo, dobbiamo al nostro pubblico un ultimo ballo alla Fortezza di Petrovaradin”, hanno concluso gli organizzatori: “Ecco perché tutto il nostro team è più determinato che mai a rendere l'edizione di quest'anno la più emozionante e indimenticabile di sempre. Se questa sarà davvero l'ultima volta alla Fortezza, che sia indimenticabile. Che sia la più forte di sempre: una festa ricordata non per la sua fine, ma per la sua unità. Per amore. Per libertà”.

Nato nel 2000 in seno al movimento studentesco del capoluogo della Voivodina che lottava per democrazia ai tempi del tramonto politico di Slobodan Milošević, l’Exit Festival ha supportato le proteste seguite al crollo di una pensilina della stazione di Novi Sad, nel quale - il primo novembre 2024 - rimasero uccise sedici persone: le contestazioni al governo di Belgrado hanno portato, lo scorso aprile, alle dimissioni del Primo Ministro Miloš Vučević, al quale è succeduto Đuro Macut, anche lui in quota Srpska Napredna Stranka, partito di destra conservatrice del quale lo stesso Vučević è co-fondatore e attuale presidente.

Exit Festival, via dalla Serbia

L’accusa degli organizzatori al governo di Belgrado: ‘Pressioni antidemocratiche’

Come ogni anno, la Recording Academy ha diffuso le modifiche al regolamento e alle categorie per i 68esimi&nbsp;Grammy Awards, che si svolgeranno l'1 febbraio 2026 alla Crypto.com Arena di Los Angeles. Cominciamo con un paio di dettagli sulle date: sono candidabili gli album e i singoli pubblicati tra il 31 agosto 2024 e il 30 agosto 2025. Per i membri della Recording Academy&nbsp;le procedure di candidatura di un progetto&nbsp;sono da espletarsi tra il 16&nbsp;luglio e il 29 agosto, mentre le media company possono accedere alla registrazione dal 7 luglio al 22&nbsp;agosto. I progetti che passeranno questa prima scrematura (quelli che in gergo vengono definiti "in consideration" per un Grammy Award) verranno sottoposti al vaglio dei&nbsp;membri della Recording Academy tra il 3 ottobre e il 15 ottobre 2025, e quelli che otterranno più voti riceveranno una effettiva nomination;&nbsp;le nomination in questione saranno annunciate il 7 novembre prossimo. Dal 12 dicembre 2025 al 5 gennaio 2026, infine, i membri della Recording Academy voteranno i progetti in nomination per decretare il vincitore, che verrà annunciato durante la cerimonia dell'1 febbraio.&nbsp;Questo il quadro generale, ma vediamo cosa cambia nella sostanza.

Ogni anno qualche cambiamento seppur minimo viene introdotto nel regolamento: "Come parte dell'impegno della nostra organizzazione, vogliamo&nbsp;evolverci insieme al panorama musicale in perenne mutamento" recita il comunicato diffuso da Harvey Mason Jr., CEO della&nbsp;Recording Academy. "La nostra priorità è essere rappresentativi della comunità della musica ogni anno: le nuove regole e linee guida ci permettono di riconoscere e premiare più artisti possibile". E il primo grande cambiamento avviene proprio in quest'ottica: all'interno della categoria Best New Artist, ad esempio, nata per premiare gli emergenti e/o coloro che imbroccano la hit giusta e si trovano catapultati all'improvviso nell'Olimpo&nbsp;pur dopo anni di gavetta, c'è una novità non da poco. In sostanza, per concorrere in questa categoria non è più necessario essere dei newcomer totali. Fino all'anno scorso, infatti, chi aveva partecipato a un album candidato nella categoria Album of the Year non era candidabile per Best New Artist; dal 2026 può, a patto che non sia presente per più del 20% del disco di cui sopra. La logica, naturalmente, è che negli ultimi anni sempre più artisti affermati fanno featuring con sempre più artisti freschissimi di fama virale: era brutto precludere a questi ultimi la possibilità di concorrere come migliore emergente dell'anno. La cross pollination, insomma, è salva.

Un altro enorme (e molto discusso) cambiamento riguarda la categoria country, che nel settore album viene divisa in due tronconi: quella già esistente è stata ribattezzata Best Contemporary Country Album, mentre parallelamente se ne aggiunge una nuova, chiamata Best Traditional Country Album. Molti commentatori ritengono che la "colpa" di questa modifica sia da attribuire a Beyoncé: la sua vittoria per il miglior album country dell'anno non è andata giù a molti puristi (e anche a molti razzisti e trumpiani, se proprio dobbiamo dirla tutta). La categoria "traditional" diventerebbe quindi una sorta di garanzia per gli artisti country&nbsp;bianchi, conservatori e vecchio stile, che non rischierebbero più di vedersi scippare la vittoria da una popstar amante degli esperimenti musicali. Un modo per salvare capra e cavoli, che però non è ben visto da buona parte della comunità musicale black.

Cambia non solo la sostanza, ma anche la forma, più precisamente quella del packaging, che concorreva in ben due categorie (Best Recording Package per i dischi fisici&nbsp;standard e Best Boxed or Special Limited Edition Package per quelli in edizione limitata). Si ottimizza, e diventa una sola: Best Recording Package. Non solo: visto il crescente successo di fenomeni come il&nbsp;crowdfunding e del crescente successo del merchandising online e offline,&nbsp;per le categorie&nbsp;Best Recording Package, Best Album Notes e&nbsp;Best Historical Album non è più necessario che il prodotto sia in vendita nei negozi per concorrere, ma può anche essere venduto dall'artista direttamente ai fan.&nbsp;E sempre per andare incontro ai cambiamenti del mercato, in questo caso alla progressiva digitalizzazione della musica, visto che molti dischi non hanno neanche più una versione fisica vera e propria, si aggiunge una nuova categoria dedicata alle copertine:&nbsp;Best Album Cover. Anche qui, le novità sono state recepite in maniera variegata dalla scena musicale: molti si chiedono che senso abbia aggiungere un premio per la copertina e non avere ancora categorie rappresentative delle principali novità musicali degli ultimi anni, come reggaeton, afrobeats o k-pop (tutti generi che possono concorrere, ma non hanno una vera e propria&nbsp;categoria a sé). Certo è anche vero che se dovesse esserci una micro-categoria per ogni sottogenere, la premiazione rischierebbe di diventare lunga e pedante, e forse il premio in sé sarebbe privo di senso.

Andiamo infine più sul tecnico con la musica classica, in cui finora gli autori dei testi e i librettisti non erano candidabili ai Grammy, neanche quando il loro contributo era particolarmente importante per la buona riuscita di un album o di un'opera. Da oggi la musica cambia (letteralmente e in senso figurato): hanno la stessa dignità di performer, producer e fonici, e potranno definirsi vincitori di un Grammy Award esattamente come loro, qualora un progetto a cui hanno partecipato fosse premiato.

Grammy Awards 2026: cosa cambia (e perché)

La Recording Academy ha divulgato gli ultimi cambiamenti apportati a regolamento e categorie

Aprirà i battenti il prossimo 18 giugno Parco della Musica, nuovo spazio riservato ai concerti estivi allestito a Novegro, nell’hinterland est di Milano, a pochi metri dallo scalo aeroportuale di Linate, che di qui alla fine del prossimo luglio ospiterà i concerti di Massive Attack, Ozuna, Nine Inch Nails, Kool &amp; the Gang, De La Soul, Willie Peyote, Who, Smashing Pumpkins e Caparezza.

Gualtiero Sabatini è l’Amministratore Delegato di Grande Stazione, società che gestisce la Unipol Arena di Bologna - una delle venue più frequentate dalle grandi produzioni nazionali e internazionali, che solo nella prima metà di quest’anno ha ospitato gli show di Billie Eilish, Tate McRae, Limp Bizkit, Lenny Kravitz e Twenty One Pilots - e, sempre nel capoluogo emiliano, i festival Sequoie Music Park e BOnsai. Con Parco della Musica a Milano l’azienda ha ampliato il proprio raggio d’azione, iniziando a presidiare una delle piazze più frequentate (e redditizie) sul mercato italiano della musica dal vivo: un progetto avviato guardando al futuro, che si propone come valvola di sfogo o alternativa alla congestionata pattuglia di spazi estivi per la musica dal vivo offerta dal capoluogo lombardo. 
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Qual è la capienza massima, in termini di pubblico, per la quale è omologata l’area concerti di Parco Musica Milano?

L’area complessiva del Parco della Musica di Milano si estende per ben 70.000 metri quadrati, immersi nel verde nei pressi di Linate. Al suo interno ospitiamo due palchi completamente modulabili: uno ha una capienza massima di circa 14.000 persone, l’altro può accogliere fino a 4.500 spettatori, a seconda della configurazione scelta per l’evento, tra posti in piedi o seduti. L’unico concerto previsto interamente con posti a sedere è quello dei Kool &amp; The Gang. Gli altri appuntamenti sono strutturati per offrire la massima flessibilità in base all’artista e al tipo di pubblico atteso. 
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Gli accordi presi con il Comune di Segrate impongono particolari limiti al numero di serate da ospitare presso l’area?

Come per ogni iniziativa di questo tipo, c’è stato un dialogo costruttivo con il Comune di Milano per garantire un equilibrio tra intrattenimento, rispetto del territorio e sostenibilità ambientale. Per evitare code e disagi abbiamo dato la possibilità agli spettatori di prenotare il biglietto del parcheggio, ma anche ricordato loro che la location può essere raggiunta con i mezzi pubblici e in bicicletta. &nbsp;In ogni caso, la rassegna nasce con un calendario contenuto ma di grande qualità, proprio per valorizzare ogni appuntamento in modo sostenibile. 
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Qual è l’orizzonte temporale di Parco Musica Milano? Sono previste edizioni anche per il prossimo anno (o per i prossimi anni)?

Questa prima edizione del Parco della Musica di Milano rappresenta l’inizio di un progetto più ampio e strutturato, pensato in un’ottica pluriennale. L’obiettivo è quello di farlo crescere nel tempo, offrendo ogni estate un calendario musicale ricco e variegato. Stiamo già guardando con entusiasmo al futuro e c’è sicuramente la volontà di dare continuità al progetto anche nei prossimi anni, rendendolo un punto di riferimento stabile per la musica dal vivo a Milano. In particolare, il fatto di poter offrire la possibilità di ospitare migliaia di persone in un assetto seduto&nbsp;rende la location unica. 
&nbsp;

Quali opportunità offre l’apertura di un grande spazio all’aperto per la musica dal vivo a Milano? È possibile considerare Parco Musica Milano come una possibile alternativa agli ippodromi SNAI e La Maura, che sono soggetti alle deroghe imposte al Comune di Milano per l’organizzazione di serate?

L’apertura del Parco della Musica di Milano è un’opportunità straordinaria per la città e per il mondo della musica dal vivo. Milano ha una vocazione culturale fortissima e meritava uno spazio all’aperto così ampio, immerso nel verde, moderno e pensato per ospitare grandi eventi musicali in modo efficiente e sostenibile. Rispetto ad altri spazi, PMM può effettivamente rappresentare un’alternativa concreta e strategica per i promoter. L’area è ben collegata, studiata per essere versatile, e nasce proprio per accogliere eventi musicali, il che permette di evitare molte delle complessità che altri spazi inevitabilmente comportano. 
&nbsp;

Da parte di Grande Stazione c’è la volontà - se non è già stato fatto - di prendere contatto con i singoli promoter per l’eventuale organizzazione presso Parco Musica Milano di rassegne - come per esempio gli i-Days - o festival?

Assolutamente sì, il dialogo con i promoter è una parte centrale del progetto. PMM nasce con una forte vocazione collaborativa: vogliamo essere una casa per la musica live, non solo ospitando singoli concerti, ma anche accogliendo rassegne e festival strutturati. Siamo già in contatto con diversi operatori del settore e guardiamo con interesse anche a realtà consolidate. Quest’anno ad esempio ospitiamo i concerti di Massive Attack e degli Smashing Pumpkins in collaborazione con Unaltrofestival. L’idea è quella di costruire, insieme, una nuova piattaforma per la musica a Milano, capace di attrarre artisti internazionali e coinvolgere il grande pubblico in esperienze indimenticabili.

Parco della Musica, a Milano il live guadagna spazio

L'AD di Grande Stazione Gualtiero Sabatini: 'Un progetto strutturato, pensato in ottica pluriennale'

Un approfondito report su come i giovani inglesi dai 18 ai 25 anni consumano la musica e gli altri prodotti culturali: lo ha commissionato la British Phonographic Industry e, anche se non si tratta di un campione globale (si tratta di 500 ragazzi provenienti da tutto il Regno Unito), è interessante vedere come la Gen-Z di oltremanica si approccia alla tematica.&nbsp;

La musica si conferma "indispensabile" per la totalità del campione, sia come colonna sonora quotidiana che come supporto emozionale. E' particolarmente interessante, però, riscontrare che non c'è più una preferenza per un singolo genere, quanto piuttosto per un "mood", che spesso varia anche a seconda dei trend social del momento o di ciò che stanno ascoltando gli amici. In questo senso, le playlist prevalgono in maniera netta sul supporto fisico, perché garantiscono una maggiore flessibilità e un approccio di condivisione all'ascolto.

A livello di discovery, i canali sono più numerosi che mai: dai social ai videogame, dalla tv alle playlist dei curatori editoriali, fino al metodo che usavano gli antichi, ovvero&nbsp;il passaparola. Anche i motivi per cui ci si avvicina a un artista cambiano: non solo per la sua musica e/o il suo aspetto, ma anche per le sue convinzioni e&nbsp;per il modo in cui presenta se stesso e la sua vita sui social. Anche il live resta un'importante forma di scoperta della musica nuova, particolarmente efficace in quanto scatena emozioni ancora più forti nell'ascoltatore. Insomma: la sostanza non cambia, ma le modalità di approccio si moltiplicano.

Come consuma musica la Gen-Z? Lo spiega un nuovo studio di BPI

La British Phonographic Industry ha indagato le preferenze della fascia 18-25 anni 

<h2>Eventi, convegni</h2>

Da martedì 17&nbsp;a sabato 21 giugno

Come ogni anno Medimex torna ad animare Taranto con la relativa music conference e il festival. Per la parte professionale c'è&nbsp;Medimex Music Business Management, prima edizione del percorso educational realizzato in co-branding con 24ORE Business School, Medimex Music Factory in collaborazione con Warner Chappell Music Italiana e un ricco calendario di panel, presentazioni, workshop e attività di networking. Per la parte relativa alla musica dal vivo, sono 26 in tutto&nbsp;le esibizioni live in programma a Medimex 2025. Due le serate con gli ospiti internazionali: venerdì 20 giugno, in apertura i pugliesi Comrad, Primal Scream e St. Vincent, e sabato 21 giugno in apertura il progetto pugliese Kyoto e Massive Attack (Rotonda del Lungomare di Taranto biglietti disponibili nei circuiti Vivaticket e TicketOne).

Taranto

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Venerdì 20&nbsp;giugno 
Il grande ritorno di Fabri Fibra, con il suo nuovo album "Mentre Los Angeles Brucia", delizierà i fan dell'hip hop italiano; quelli della musica urbana latina, invece, attendono con ansia "TROPICOQUETA", il nuovo album di Karol G, annunciato a sorpresa settimana scorsa.

Da lunedì 16&nbsp;giugno 
Entra nel vivo il Rock in Roma, che questa settimana vede alternarsi sul palco Fontaines D.C., Tananai e Lucio Corsi, tra gli altri. E comincia anche Sequoie Music Park, la rassegna che animerà dal 17 giugno le notti bolognesi con i concerti di artisti del calibro di&nbsp;De la Soul, Gianna Nannini, Skunk Anansie, Fabri Fibra, Ben Harper &amp; The Innocent Criminals, Europe, Jorja Smith,&nbsp;Alice Cooper e molti altri.

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>