Si è conclusa la cerimonia per l'assegnazione dei BRIT Awards 2016 - giunti con quest'anno alla loro edizione numero 36. L'evento si è svolto nella sera del 24 febbraio, ancora una volta presso la 02 Arena di Londra. La mattatrice della serata è stata - manco a dirlo - <a href="http://www.rockol.it/artista/Adele">la voce di "25"</a> Adele, che ha portato a casa ben quattro premi.

Ecco l'elenco completo dei vincitori per ogni categoria:

Global Success Award: 
Adele

British Male Solo Artist: 
James Bay

British Female Solo Artist: 
Adele

British Group: 
Coldplay

British Breakthrough Act: 
Catfish and Bottlemen

British Single: 
Adele - Hello

Mastercard British Album of Year 
Adele - 25

British Producer of Year: 
Charlie Andrew

British Video of the Year: 
One Direction - "Drag Me Down"

International Male Solo Artist: 
Justin Bieber

International Female Solo Artist: 
Bjork

International Group: 
Tame Impala

Critics' Choice 
Jack Garratt

brit awards 2016

Coldplay

Adele

One Direction

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Rockol.com S.R.L.

BRIT Awards 2016, l'elenco completo dei vincitori: Adele trionfa

Industria

brit awards 2016 vincitori adele coldplay

Il Digital Services Act (DSA), il regolamento europeo sui servizi digitali, impone alle grandi piattaforme online, tra cui TikTok, Instagram e YouTube, di pubblicare periodicamente dati relativi alla propria base utenti, consentendo di monitorarne l’andamento e la crescita all’interno dell’Unione Europea.

TikTok ha pubblicato il suo settimo "Report sulla trasparenza", dal quale emerge che l’app raggiunge oggi 189 milioni di persone ogni mese nell’UE. Il dato, riferito al primo semestre del 2026, è in crescita rispetto ai 169 milioni registrati a fine giugno 2025 e ai 178 milioni di fine dicembre: negli ultimi dodici mesi la piattaforma ha quindi guadagnato circa 20 milioni di utenti, di cui 11 milioni nei primi sei mesi di quest'anno.

Per quanto concerne le altre piattaforme, Instagram ha registrato 297 milioni di utenti attivi nell’UE nella prima metà dell’anno, mentre Facebook si è attestato a 264 milioni. YouTube, invece, ha riportato circa 520,3 milioni di account con accesso effettuato ogni mese, in calo rispetto ai 548,2 milioni registrati l’anno precedente.

Tik Tok, Instagram e Youtube, pubblicati i dati sugli utenti UE

Il DSA impone una rendicontazione periodica sull’andamento delle piattaforme

SM Entertainment e Tencent Music Entertainment Group hanno costituito STE, una joint venture basata a Pechino, nata con l'intento di rafforzare concretamente le attività delle società all'interno dell'ecosistema cinese. Ci sarà Zhoumi alla guida della società, ex direttore della filiale cinese di SM Entertainment.

Una delle prerogative del progetto sarà un nuovo gruppo idol destinato al mercato cinese, il cui debutto è previsto entro due o tre anni. Ci sarà, inoltre, un focus specifico su attività di audizione e casting, oltre che sulla gestione locale del gruppo, una volta avviato il progetto.

STE assumerà un ruolo cruciale nella gestione degli artisti appartenenti al roster di SM Entertainment attivi nella Grande Cina, fornendo supporto operativo e promozionale sul territorio. Tra i nomi coinvolti, figurano Renjun degli NCT Dream e Yangyang e Xiaojun dei WayV.

"Combinando appieno i punti di forza unici di SM in termini di proprietà intellettuale e produzione di contenuti con le caratteristiche del mercato della Grande Cina, presenteremo contenuti differenziati e genereremo risultati significativi", ha dichiarato Zhoumi, CEO di STE.

SM Entertainment e Tencent Music lanciano STE

La joint venture svilupperà un nuovo gruppo idol cinese e gestirà gli artisti SM nella Grande Cina

Il Premio SIAE al Talento Creativo, assegnato nell’ambito delle Giornate degli Autori dell’annuale edizione della Mostra del Cinema di Venezia, di cui SIAE da quest’anno è main sponsor, va a Cosimo Messeri per “Il massacro”, presentato nella sezione Eventi Speciali l’8 settembre alle ore 11:00 in Sala Perla, al Lido.

“SIAE assegna il Premio al talento creativo a Cosimo Messeri che con ‘Il Massacro’ mette in scena il complesso e spesso doloroso processo di gestazione di un'opera, raccontando il travaglio dell'autore nel tentativo di dare forma alle proprie idee, alle proprie ossessioni e ai propri sogni”, ha commentato Roberto Cicutto, Presidente del Consiglio di Sorveglianza SIAE: “Attraverso episodi realmente vissuti e attinti dalla sua biografia, il film diventa una riflessione sincera e originale sulla condizione di chi crea: sulla fatica dell'attesa, sulle incertezze, sui fallimenti e sulla tenacia necessaria per trasformare un'intuizione in un'opera compiuta. Messeri riesce a raccontare con ironia, sensibilità e coraggio questa dimensione intima e universale, offrendo uno sguardo autentico sul valore della creazione e sul prezzo che spesso essa richiede. A rendere ancora più significativa questa prova d'autore è la sua natura personale e multidisciplinare: Messeri firma infatti la regia, la sceneggiatura, le musiche, l'interpretazione e la produzione del film, incarnando pienamente la figura dell'autore contemporaneo. E lo fa con grazia e amore assoluto per il Cinema, come dimostrano le rispettose, ma anche ironicamente sfrontate, citazioni di Maestri della settima arte, da Fellini a Moretti”.

“Il film nasce da dieci anni in cui non sono riuscito a fare un film”, ha commentato Messeri: “A un certo punto ho pensato che invece di nascondere quel vuoto potevo filmarlo. Non so cosa spero arrivi al pubblico, forse proprio il fatto che non ho cercato di spiegare o risolvere niente. Per un film indipendente come ‘Il Massacro’ ricevere un riconoscimento importante come il Premio SIAE al talento creativo è un segnale di attenzione molto forte, e tutt’altro che scontato. Lo dedico ad una persona che per me è stata un grande amico ma che attraverso l’amore per il Cinema è diventato un amico di tutti: Federico Frusciante”.

La cerimonia di consegna del Premio SIAE al talento creativo si svolgerà martedì 8 settembre alle ore 11:00 in Sala Perla e sarà seguita dalla proiezione del film.

Messeri è nato a Fiesole. Dopo aver lavorato come assistente di Nanni Moretti e Carlo Mazzacurati, nel 2009 ha realizzato a Los Angeles il documentario “The One Man Beatles”, ritratto del cantautore americano Emitt Rhodes, candidato al David di Donatello per il miglior film documentario che ha legato il suo nome al mondo della musica. “Metti una notte” è stato il suo primo film di finzione, vincitore del premio Panorama Italiano al Festival di Roma.

SIAE, a Cosimo Messeri il Premio al Talento Creativo 2026

Per il film ‘Il massacro’, presentato nella sezione Eventi Speciali alla Mostra del Cinema

Sony Music Entertainment Japan ha ufficialmente annunciato la chiusura di un accordo finalizzato all'acquisizione del&nbsp;23% di&nbsp;GungHo Online Entertainment, società giapponese attiva nel settore dei videogiochi e nota soprattutto per il titolo mobile Puzzle &amp; Dragons. Il perfezionamento dell'operazione è previsto per la fine del 2026, le azioni&nbsp;saranno rilevate dal precedente investitore SON Financial.

La collaborazione tra le due società prevede l’esplorazione dello sviluppo e della gestione congiunta di videogiochi per smartphone, console e PC, oltre a iniziative promozionali legate ai titoli di GungHo e alla valutazione di nuovi progetti che potranno utilizzare anche le proprietà intellettuali del gruppo Sony Music Entertainment Japan.

GungHo è una società quotata in borsa con una capitalizzazione di mercato indicata in circa 139,66 miliardi di yen, pari a circa 873 milioni di dollari. L’ingresso di Sony Music Japan&nbsp;sarà accompagnato anche da una nuova alleanza commerciale tra le due aziende.&nbsp;L’operazione amplia così il perimetro di attività della società musicale nel gaming, mettendo in relazione investimenti e&nbsp;sviluppo di nuovi titoli.

Sony Music Japan investe in GungHo Online Entertainment

L’operazione riguarda quasi il 23% del capitale, aprendo nuovi confini nel gaming.

Tre anni fa, in un'annata climaticamente ben più clemente di questa, la ventitreenne Ana Clara Benevides Machado era morta a un concerto di Taylor Swift a Rio de Janeiro in seguito a un malore: le cause, aveva poi stabilito l'autopsia, erano il calore e la disidratazione, probabilmente dovuti alla lunga attesa per vedere la sua beniamina senza avere accesso ad acqua e ombra. Per scongiurare queste disgrazie, il Brasile ha firmato ora una "Legge Taylor Swift" (così è stata informalmente ribattezzata dai giornali) per garantire più sicurezza agli utenti dei mega-concerti.

La legge è stata fortemente sostenuta dalle fan-base organizzate di artisti come la stessa Swift, i BTS, Lady Gaga ed Harry Styles, e numerosi artisti brasiliani hanno partecipato alla cerimonia della firma alla presenza del presidente Lula. In base al testo, qualsiasi concerto con un pubblico previsto oltre le 1.000 persone dovrà fornire acqua gratuitamente e permettere agli spettatori di introdurre nella venue bottiglie e borracce. La norma prende anche di mira i bagarini online e gli algoritmi utilizzati dai ticket broker: d'ora in poi le piattaforme di ticketing dovranno mostrare il prezzo originale dei biglietti in maniera trasparente e implementare un sistema di rivendita da fan a fan che non preveda costi aggiuntivi.&nbsp;

Live, il Brasile legifera per rendere i mega-live più sicuri

L'iniziativa dopo che una fan di Taylor Swift era morta per un colpo di calore a Rio de Janeiro

Ufficialmente esiste da febbraio 2025, ovvero da quando Shablo, Gué, Tormento e Joshua hanno partecipato al Festival di Sanremo con il brano "La mia parola".&nbsp;Presentata in quell'occasione, l'etichetta Oyster Music è stata descritta così sui social dai suoi fautori: "Ci piace definire il genere che produrremo 'luxury music', nel senso che ci prenderemo il lusso di fare la musica che piace a noi, senza dover sottostare alle dinamiche di mercato che influenzano in maniera negativa la qualità e la produzione artistica".

Fondata dallo stesso Shablo insieme a Gué e a Jacopo Pesce, ha inaugurato il suo catalogo&nbsp;nel 2025 con l'album di Shablo "Manifesto", uscito in collaborazione con Island Records (Universal Music Group distribuirà tutti gli&nbsp;album della label). Nel 2026, invece, i prodotti targati Oyster Music usciti finora sono stati il&nbsp;mixtape di Gué "Fastlife 5: Audio Luxury" e l'album di Tormento "Antidoto" (la seconda parte dell'album uscirà entro la fine dell'anno, con un primo singolo in uscita a ottobre). Nel frattempo, all'inizio dell'estate&nbsp;il roster si è ampliato con la firma di due rapper emergenti, Bliz (il cui ultimo singolo uscito a fine agosto è "Uomo da 100")&nbsp;e Tokyo (un progetto lavorato insieme a Real Music Entertainment; il suo nuovo singolo, "Maria", esce venerdì e anticipa un EP in arrivo il 25 settembre). Ed è proprio per presentare la nuova squadra che è stato organizzato uno showcase all'interno della sede italiana di Universal.

"Volevamo far nascere una realtà che andasse oltre le dinamiche del mercato di oggi e desse opportunità ad artisti nuovi, senza pensare troppo a vendite e numeri, come abbiamo dimostrato a Sanremo, dove nel 2025 avevamo presentato un brano al di fuori da ogni canone classico" ha commentato Jacopo Pesce prima di cedere il microfono all'esibizione dei suoi artisti. "Stiamo anche lavorando al nuovo album di Gué, che uscirà l'anno prossimo".&nbsp;

Presentata a Milano l'etichetta Oyster Music

Fondata da Gué, Shablo e Jacopo Pesce, è distribuita da Universal Music Group

Si fa di giorno in giorno più affollata l’agenda legale di Suno: la collecting canadese SOCAN ha avviato un'azione legale contro la società informatica americana con l’accusa di violazione di opere coperte da diritto d’autore. Nella querela, SOCAN chiede al tribunale di "imporre a Suno di conformarsi alla legge sul copyright, smettere di rendere disponibili output in violazione" e di "rispettare i diritti dei creator musicali e degli editori ogni volta che le loro opere vengono usate". La collecting afferma di aver depositato un campione di 150 output generati da Suno che, dalla sua entrata nel mercato canadese nel 2023, violerebbero in larga parte o integralmente materiale del proprio repertorio - comprese hit come “Sk8er Boi” di Avril Lavigne e “Life Is a Highway” di Tom Cochrane.

Secondo Andrea Kokonis, chief legal officer e general counsel di SOCAN, "Suno ha lanciato il suo servizio in Canada [nel dicembre 2023] senza averci contattato e senza cercare il nostro consenso": i successivi colloqui tra la collecting e l’azienda AI statunitense si sarebbero rivelati infruttuosi ai fini di un accordo.

Per la CEO di SOCAN Jennifer Brown, "l'innovazione non può avvenire a spese della creatività umana", mentre Kokonis aggiunge che autori e compositori "devono essere pagati quando le loro canzoni vengono usate".

La notizia dell’avvio della vertenza è arrivato praticamente in contemporanea a <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760984/intelligenza-artificiale-fair-use-dipartimento-di-giustizia-usa-causa">una presa di posizione del Dipartimento di Giustizia americano</a> riguardo il contenzioso tra New York Times, OpenAI e Microsoft che potrebbe ridefinire radicalmente - in termini affatto favorevoli all’industria creativa - il concetto di fair use di materiale coperto da copyright nell’ambito dei processi di training dei modelli di intelligenza artificiale generativa.

Suno, una causa anche da SOCAN

La collecting canadese cita in giudizio la società AI per presunta violazione di copyright

Il Dipartimento di Giustizia Usa ha sostenuto, in un documento di 20 pagine presentato nell’ambito della causa tra New York Times, OpenAI e Microsoft, che l'addestramento degli modelli di intelligenza artificiale LLM su testi protetti da copyright rientra nel fair use. La disputa, avviata a fine 2023, nasce dall'accusa del quotidiano secondo cui i convenuti avrebbero copiato e usato milioni di articoli del Times per costruire modelli generativi e poi monetizzare prodotti sostitutivi senza autorizzazione né pagamento. Per il DOJ “ la copia di articoli di testo protetti nell'ambito della formazione di un LLM costituisce un utilizzo di tipo o carattere diverso, ovverotrasformativo, e in modo spettacolare”. “Il training degli LLM è un uso a sé”, ha proseguito il Dipartimento di Giustizia: “Non comporta alcuna sostituzione”. Pertanto l'eventuale danno di mercato agli aventi diritto legato a output futuri non sarebbe rilevante per valutare quel singolo uso.

Allo stesso tempo, il Dipartimento distingue nettamente i risultati generati: “Nella fase di output (anziché di training), certi usi potrebbero non essere trasformativi se l'LLM ricostruisce e diffonde un'opera originale protetta da copyright”.

Il New York Times ha reagito accusando l'amministrazione di “schierarsi con una manciata di aziende AI da trilioni di dollari a scapito degli innumerevoli creator americani il cui lavoro hanno rubato”. Il DOJ, dal canto suo, ha sottolineato come un eccesso di vincoli sullo sviluppo dell'AI possa comportare rischi per la sicurezza nazionale e un punto debole rispetto alla concorrenza di Paesi con tutele della proprietà intellettuale più deboli.

Per il settore musicale la distinzione tra training e output potrebbe pesare anche nelle cause contro <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/suno-ai-499125">Suno</a>, che citano più output ritenuti illeciti. In questo senso, si potrebbe prospettare una nuova profonda divergenza, questa volta dal punto di vista normativo, tra Stati Uniti e Unione Europea: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760457/gema-sconfigge-suno-in-tribunale">la sentenza di primo grado</a> con la quale il tribunale di Monaco di Baviera ha riconosciuto Suno colpevole di violazione di copyright nell’ambito della causa intentata dalla collecting GEMA è imperniata proprio su una concezione di fair use opposta a quella enunciata dal Dipartimento di Giustizia americano.

USA, il DoJ ‘sdogana’ il training AI non autorizzato

Nella causa tra New York Times, OpenAI e Microsoft una posizione potenzialmente dirompente

Alanis Morissette ha citato in giudizio la sua ex tour manager Keren Urinov, accusandola di estorsione, frode e false dichiarazioni nell’ambito di una vicenda nata durante una tournée della cantante. La causa, depositata il 1° settembre presso la Corte Distrettuale degli Stati Uniti per il Distretto Centrale della California, arriva dopo una serie di presunte richieste e minacce che, secondo il team legale dell’artista, avrebbero avuto l’obiettivo di ottenere dalla cantante un nuovo accordo professionale di lunga durata.

La vicenda risale nello specifico alla scorsa estate, quando Urinov sarebbe stata fermata dalla British Border Force - l'agenzia responsabile del controllo delle frontiere nel Regno Unito - mentre viaggiava con la cantante e il suo staff verso un concerto in Spagna. Durante i controlli sarebbe stata sequestrata una borsa contenente cannabis e xilazina, un tranquillante non oppioide utilizzato anche in ambito veterinario. Negli atti legali si legge che l’ex tour manager avrebbe dichiarato alle autorità che la borsa e le sostanze appartenevano alla Morissette, versione fermamente contestata dall'artista.

Morissette sostiene che l’ex collaboratrice le avrebbe chiesto di dichiarare alle forze dell’ordine la paternità delle sostanze, prospettando in cambio la possibilità di chiudere la questione a fronte di un contratto di quindici anni come tour manager, completo di compenso fisso, aumenti e bonus. A seguito del rifiuto della cantante, sarebbe poi arrivata la minaccia di denunciarla alle autorità britanniche per traffico di stupefacenti. Negli atti Morissette si definisce vittima di una "campagna di ricatto premeditata" e afferma di aver avviato il procedimento "a malincuore", ritenendo di non avere altra scelta per tutelarsi. L’azione civile comprende richieste per estorsione, frode e false dichiarazioni; la cantante ha chiesto un processo con giuria, un risarcimento danni superiore a 75 mila dollari e il riconoscimento di ulteriori danni punitivi.

Alanis Morissette

Alanis Morissette, causa contro l’ex tour manager

Accuse di estorsione e frode contro Keren Urinov: chiesto un risarcimento danni di 75 mila dollari

Il giudice federale André Birotte Jr. della Corte Distrettuale della California ha dato ragione a Bad Bunny disinnescando buona parte di una maxi causa che sta coinvolgendo centinaia di artisti.

Oggetto del contendere è stato il dembow beat, ritmo sviluppatosi nella Repubblica Dominicana che nella sua forma più tipica - una struttura sincopata 3+3+2 distribuita su due battute, con la grancassa in battere sul primo movimento e in levare a seguire - è diventato la base percussiva tipica di praticamente tutti i brani reggaetton. Il produttore giamaicano Cleveland "Clevie" Browne e gli eredi di Wycliffe "Steely" Johnson (quest’ultimo parte, insieme allo stesso Browne, del duo di produttori giamaicano Steely and Clevie, molto popolare tra la metà degli anni Ottanta e la prima parte dei Duemila), avevano chiesto, nel 2021, di brevettare questo particolare tipo di ritmo, intentando causa a oltre 150 artisti che l’avevano incluso nelle proprie composizioni (tra gli altri, Karol G, Daddy Yankee, J Balvin, Drake e Luis Fonsi) per violazione di copyright. Secondo i querelanti, l’”origine” del dembow sarebbe da rintracciare nel brano strumentale del 1989 “Fish Market”, firmato appunto da Steely &amp; Clevie.

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La corte, tuttavia, ha stabilito che Steely &amp; Clevie non hanno dimostrato di controllare validamente il copyright sul pattern ritmico associato a quasi ogni brano reggaeton. Secondo Billboard USA, la prima fonte a riferire la notizia, l’ordinanza appena emessa elimina una parte sostanziale della controversia.

Birotte ha accolto l’argomento della difesa secondo cui i ricorrenti stavano combinando più canzoni in un “copyright Frankenstein”: per il giudice, il diritto d’autore statunitense non protegge “un amalgama astratto di elementi estratti da più opere esistenti indipendentemente”, né una “raccolta di somiglianze assemblata ai fini del contenzioso”. Restano aperte le contestazioni su brani che avrebbero campionato direttamente le registrazioni sonore di Steely &amp; Clevie, ma sono rivendicazioni più limitate rispetto alla parte compositiva appena rigettata.

“Non si può mettere sotto copyright un ritmo ricostruendolo a ritroso da tre canzoni diverse, quando si è già in tribunale”, ha commentato Kenneth D. Freundlich, legale di Bad Bunny.

Bad Bunny ha vinto la causa ‘salva reggaeton’

Il ritmo tipico del popolare genere latino era diventato oggetto di un contenzioso paradossale

Arriva ufficialmente "Songs of Summer Italia 2026", l'iniziativa di Spotify che permette agli utenti di scegliere direttamente dall’app il brano più rappresentativo dell’estate. Le votazioni saranno aperte dal 31 agosto al 6 settembre e la selezione riguarda 25 canzoni presenti nella playlist "Estate 2026". Gli utenti abbonati avranno a disposizione tre voti al giorno, mentre chi utilizza la versione gratuita potrà votare al massimo una volta al giorno.

Tra i brani selezionati figurano:&nbsp;"AYAYAY" di Sfera Ebbasta e DYSTINCT, "DAI DAI" di Shakira e Burna Boy, "Canzone d’amore" di Geolier, "Scialla" di Nu Genea, "SWAG MUSIC" di Artie 5ive e "WHITE GIRL WASTED" di ANNA.

Oltre ai dati sulle votazioni, la piattaforma ha diffuso le statistiche relative alle playlist generate dagli utenti italiani durante la stagione. "Estate" resta la parola chiave più utilizzata, sebbene in calo dell’1,9% rispetto al 2025, mentre crescono i termini legati al benessere e all’energia: "Aura" segna un +410%, "Latina" un +379%, "Upbeat" un +6.367% ed "Energia" un +4.430%. In aumento anche le playlist dedicate ai viaggi in "Macchina" (+19%).

Le novità non finiscono qui: è stata infatti registrata una crescita nell'ascolto dei podcast True Crime, che durante l’estate hanno rappresentato oltre il 20% degli ascolti complessivi della categoria in Italia, circa due punti percentuali in più rispetto alla media annuale. Tra i titoli più ascoltati figurano "Indagini" ed "Elisa True Crime", quest’ultimo disponibile anche in formato videopodcast.

Spotify, arriva "Songs of Summer Italia 2026"

Gli utenti potranno votare sull’app la canzone dell’estate tra 25 brani selezionati

Baumhaus, storico spazio culturale di Bologna, lancia il "Club delle Cause Perse", un nuovo modello di sostegno alla propria programmazione musicale dal vivo basato su abbonamento e coproduzione. Questa iniziativa nasce dalla volontà concreta di incrementare la sostenibilità dello spazio senza incidere sul costo dei singoli biglietti.

Il "Club delle Cause Perse" si inserisce nel percorso avviato da Baumhaus dopo l’apertura dello spazio nell’ottobre 2025 e a seguito di iniziative dedicate alla ricerca musicale come TANCA FEST. Alla dimensione dal vivo si affiancano attività di formazione e lavoro sviluppate all’interno della filiera del centro.

La nuova formula di business sostenibile prevede un abbonamento al costo di 65 euro, comprensivo di cinque accrediti flessibili utilizzabili per gli eventi in programma tra ottobre e dicembre (fino a un massimo di due ingressi per serata). L'obiettivo principale è coinvolgere il pubblico nel finanziamento della stagione, condividendo il rischio legato alla programmazione. Con questo modello, Baumhaus punta a sperimentare una "co-tutela" in cui la comunità contribuisce direttamente alla sostenibilità economica dello spazio e alla continuità delle attività, riducendo la dipendenza da logiche esclusivamente commerciali.

Il Baumhaus di Bologna lancia un nuovo format per la musica live

Il Club delle Cause Perse sperimenta un modello di abbonamento a sostegno della programmazione live

Warner Music Central Europe ha ufficialmente annunciato il lancio di Warner Records Germany, nuova label con sede a Berlino. Alla guida è stata nominata Lea Londa, che farà capo a Jean-Sebastien Permal, Senior Vice President A&amp;R per l’Europa Centrale. Il nuovo lancio in Germania risponde all'obiettivo di riorganizzazione della divisione centrale di WMG, che nell'ottobre 2025 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic" target="_blank">aveva già portato alla nascita di Atlantic Records Italy</a>.

Lea Londa lavora&nbsp;in Warner Music da oltre dieci anni, dove ha ricoperto diversi incarichi fino alla direzione della sezione marketing. Nel corso della sua carriera ha seguito campagne per artisti internazionali come Coldplay, Ed Sheeran, Enya e Linkin Park, oltre a lavorare sul mercato tedesco con nomi quali Udo Lindenberg, Apache 207, Provinz, Robin Schulz e MilleniumKid. Il roster di Warner Records Germany comprende già Udo Lindenberg, Provinz, Yasola e LINA. La nuova struttura punta a sviluppare artisti affermati e talenti emergenti, con l’obiettivo di rafforzarne la presenza sul mercato tedesco e internazionale.

"Il lancio di Warner Records Germany rappresenta un passo decisivo per la nostra crescita e Lea era la scelta ideale per guidarlo", ha dichiarato Jean-Sebastien Permal. Niels Walboomers, presidente di Warner Music Central Europe, ha aggiunto che l’arrivo del marchio Warner Records in Germania rafforza l’impegno del gruppo nella regione e nello sviluppo della cultura musicale locale.

Warner Music lancia Warner Records Germany

La nuova etichetta con sede a Berlino sarà guidata da Lea Londa

Diversi artisti come Jason Isbell, David Lowery, Guy Forsyth ed Ed Calle hanno depositato presso un tribunale federale del Massachusetts una denuncia contro Suno, accusando la piattaforma AI di sfruttare senza autorizzazione nomi, identità e immagine dei musicisti. Secondo la class action Suno sarebbe stata progettata “con la possibilità di usare i nomi dei musicisti” nei prompt: in questo modo, sostengono i querelanti, “l’inserimento del nome di un artista induce il sistema a generare un output basato sull’artista stesso”. Il testo sostiene anche che la barriera sui prompt nominativi - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760575/suno-difesa-mikey-shulman-da-accuse-processo-gema-monaco">secondo Suno disabilitati</a>, proprio in virtù della linea più conciliante dell’ex startup nei confronti del comparto creativo - sia facilmente aggirabile, e che il prodotto sia costruito per riconoscere i musicisti per nome e restituire output evocativi della loro identità.

Per i ricorrenti, “i diritti fatti valere qui non derivano dalla titolarità di alcun copyright” e la domanda è più circoscritta: “nessuno può sfruttare commercialmente il diritto di pubblicità altrui sul proprio nome e sulla propria identità”. Su questa base, la class action punta a includere musicisti e patrimoni ereditari i cui nomi siano o siano stati accettati come prompt da Suno, oltre a una sottoclasse in Illinois per i professionisti “che hanno creato registrazioni sonore contenenti impronte vocali o identificatori vocali” raccolti o usati senza consenso scritto informato. Il ricorso chiarisce inoltre che, anche dove esistano accordi di licensing con Suno - si vedano, a proposito, le mosse di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755613/ai-warner-music-sigla-un-accordo-con-suno">Warner Music</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760665/suno-un-accordo-con-bmg">BMG</a>, le contestazioni riguardano i comportamenti precedenti all’intesa e, più in generale, l’assenza di licenze espresse su diritti di immagine, identità e dati biometrici.

Suno, una nuova class action sui diritti di immagine

L'azione promossa (tra gli altri) da Jason Isbell e David Lowery è, a suo modo, rivoluzionaria

Benché le nuove tecnologie siano state in grado di azzerare le distanze, in termini di comunicazione, e il disgraziato biennio 2020 / 2021 ci abbia abituato - nostro malgrado - a interagire da dietro gli schermi di computer, tablet e smartphone, ci sono ambiti dove la presenza fisica rappresenta un plus irrinunciabile. Anche nel lavoro creativo, che in astratto è immateriale, condividere gli stessi spazi&nbsp;- quando il processo di genesi di un’opera coinvolge più persone con mansioni diverse - diventa fondamentale. Lo sa bene Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italy, che da ormai più di vent’anni opera in uno dei pochissimi avamposti dell’industria musicale italiana - storicamente milanese, con qualche importante eccezione - nella Capitale. La divisione tricolore dedicata all'audiovisivo della major che vanta il catalogo editoriale più ricco al mondo ha scelto deliberatamente di stare vicino ai propri interlocutori - produttori, registi, sceneggiatori e, soprattutto, music supervisor - per lavorare letteralmente gomito a gomito, entrando il più possibile negli iter creativi che portano le opere dall’ideazione al grande (e piccolo) schermo. Perché, oggi, la “colonna sonora” è molto più di un semplice commento musicale…

Il Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italia, con sede a Roma, esiste ormai da molti anni. Come nasce e di cosa si occupa oggi?

È un reparto con una storia molto lunga, che risale a quasi quarant'anni fa. Nasce all'interno di EMI Music Publishing come dipartimento dedicato alla musica per l'audiovisivo. Da circa quindici anni, con l'acquisizione di EMI Music Publishing da parte di Sony Music Publishing, il reparto è confluito tra quelli controllati dall'azienda, mantenendo però la stessa vocazione. Inizialmente il focus era soprattutto la produzione di colonne sonore originali; nel tempo, però, il mercato è cambiato e di conseguenza si sono evoluti anche la struttura e le attività del dipartimento. Oggi il nostro lavoro è molto più ampio e articolato.

È significativo che, nonostante le sedi italiane delle principali multinazionali discografiche ed editoriali siano a Milano, questo ufficio abbia sede a Roma. Immagino che la scelta sia legata alla vicinanza con il mondo dell'audiovisivo…

Esattamente. Il reparto è stato creato a Roma proprio per ragioni strategiche. Storicamente, il cuore dell'industria audiovisiva italiana è sempre stato qui: Cinecittà, la RAI, il cinema e, per molti anni, anche la televisione erano concentrati nella capitale. Con il tempo il panorama è cambiato, prima con l'arrivo di Mediaset e poi con le piattaforme streaming, ma Roma continua a essere il principale centro della produzione audiovisiva italiana. Avere una struttura dedicata qui significa essere nel luogo in cui prendono forma la maggior parte dei progetti.

Quindi non si tratta soltanto di una questione logistica, ma di una vera esigenza professionale: essere presenti dove i progetti nascono e vengono sviluppati…

Abbiamo rapporti quotidiani con i principali professionisti del settore e lavorare a Roma rappresenta un enorme vantaggio. Possiamo incontrare con facilità registi, produttori, montatori, partecipare alle sessioni di montaggio e seguire da vicino lo sviluppo dei progetti. Gran parte dei film e delle serie viene ancora realizzata e post-prodotta qui, quindi essere presenti sul territorio ci permette di lavorare in modo molto più efficace.

Il tema del lavoro di squadra sembra attraversare tutto il vostro lavoro. Vale sia all'interno del dipartimento sia nel rapporto con le produzioni?

Sì. Negli ultimi anni, soprattutto nel campo della supervisione e della consulenza musicale, sono nate molte figure freelance che seguono i progetti come music supervisor. È un'evoluzione importante del settore. Quello a cui tengo particolarmente, come responsabile del reparto e dopo tanti anni di esperienza sul campo, è far capire quanto sia fondamentale lavorare come una squadra. Nel nostro reparto siamo tre persone, con me lavorano Federico Diliberto Paulsen (Film &amp; TV Manager) e Lorena Anastasio (Film &amp; TV Coordinator) e ciascuno conosce perfettamente il lavoro degli altri: ci supportiamo continuamente e affrontiamo insieme ogni progetto. Ma il concetto di squadra va ben oltre il nostro ufficio. Lavoriamo quotidianamente con gli altri reparti di Sony Music Publishing, in particolare con l'A&amp;R, perché è fondamentale conoscere i nostri autori e offrire loro opportunità di partecipare a produzioni audiovisive. Allo stesso tempo collaboriamo con le case discografiche, con gli altri editori musicali, con i quali condividiamo spesso repertori in coedizione, e naturalmente con produzioni, registi e tutti gli altri professionisti coinvolti nei progetti. È una rete di relazioni che funziona solo se tutti lavorano in modo coordinato.

Del resto il cinema è, per definizione, un'arte collettiva…

Quando guardiamo un film o una serie vediamo il risultato finale, ma dietro ogni progetto esiste un universo di professionisti che rimangono invisibili al pubblico e che, invece, sono determinanti per la riuscita dell'opera. Ognuno contribuisce con il proprio lavoro affinché il progetto funzioni e riesca a coinvolgere lo spettatore.

Hai citato più volte il ruolo del music supervisor. Ci spieghi perché questa figura è diventata così centrale e perché, secondo te, esprime il massimo del proprio valore quando opera all'interno di un team?

Il ruolo del music supervisor si è affermato soprattutto negli ultimi dieci anni, anche se negli ultimi cinque ha assunto un'importanza ancora maggiore grazie allo sviluppo delle piattaforme streaming e all'influenza del modello produttivo americano, dove questa figura è riconosciuta da tempo. Il music supervisor è il professionista che coordina tutti gli aspetti musicali di un progetto audiovisivo. Da un lato segue la realizzazione della colonna sonora originale, lavorando a stretto contatto con il compositore; dall'altro propone i brani da sincronizzare, dialoga con regista e produzione e gestisce tutto il percorso autorizzativo necessario per ottenere le licenze di utilizzo della musica. Si tratta di una figura centrale, soprattutto nei progetti in cui la colonna sonora combina musica originale e brani già esistenti, perché è chiamata a tenere insieme esigenze artistiche, produttive e legali. Naturalmente esistono molti professionisti freelance che svolgono questo lavoro con grande competenza. Nel nostro caso, però, la supervisione musicale è soprattutto un lavoro di squadra. Avere alle spalle un reparto come il nostro significa poter contare su competenze diverse e, soprattutto, su uno dei cataloghi editoriali più importanti al mondo. Questo ci permette di proporre un numero enorme di possibili soluzioni musicali, di ottenere risposte più rapidamente e di negoziare le condizioni migliori. Per questo, nel nostro caso, non è mai il singolo a essere protagonista: è il team che lavora insieme per costruire il miglior progetto musicale possibile per un film o una serie.

È un ruolo relativamente giovane rispetto alla storia del vostro dipartimento, che esiste da quasi quarant'anni. Come lo hai visto evolversi e quale pensi sarà la sua evoluzione futura?

Quando ho iniziato a lavorare nell'editoria musicale, i progetti audiovisivi prevedevano quasi esclusivamente una colonna sonora originale. Il compositore realizzava le musiche e l'editore seguiva essenzialmente quel processo. Con il tempo il mercato è cambiato. I grandi broadcaster, per esempio, hanno portato un nuovo modo di raccontare le storie, cambiando anche la fruizione dei progetti audiovisivi da parte del pubblico. Questo ha comportato una richiesta sempre maggiore di brani di repertorio nei film e nelle serie TV, a volte anche a discapito della colonna sonora originale. È cresciuta l'esigenza di inserire nei film e nelle serie brani già conosciuti dal pubblico, e noi non cerchiamo solo di rispondere a queste nuove esigenze, ma anche di anticiparle. Oggi la maggior parte dei film, delle serie, dei documentari e dei cortometraggi prevede l'utilizzo di brani riconoscibili accanto alla colonna sonora originale. Questo rende il ruolo del music supervisor sempre più strategico: deve conoscere profondamente la musica, il mercato e il repertorio disponibile, per suggerire ogni volta le scelte più adatte al racconto e alle esigenze della produzione.

Da quello che racconti sembra che oggi il music supervisor, e più in generale la componente musicale, abbia un peso molto maggiore rispetto al passato all'interno di una produzione audiovisiva. È una lettura corretta?

Sì. Una cosa che ripeto spesso quando iniziamo a lavorare con un regista o con una produzione è che oggi la musica deve essere considerata un vero e proprio protagonista del progetto, quasi un attore in più. Così come si sceglie con attenzione il cast, è fondamentale costruire un racconto musicale che accompagni quello della sceneggiatura. La musica non è più soltanto un elemento di supporto: contribuisce a dare identità al film, ne rafforza il linguaggio, amplifica le emozioni e accompagna lo spettatore lungo tutto il percorso narrativo. Per questo il suo ruolo è diventato centrale.

Quali sono i progetti più significativi a cui il vostro dipartimento ha lavorato nell'ultimo periodo?

Negli ultimi anni abbiamo seguito moltissimi progetti. Quello di cui vado più orgogliosa è sicuramente la produzione della colonna sonora -&nbsp;composta da Andrea Farri - di “Io Capitano” di Matteo Garrone,&nbsp;un film presentato alla Mostra del Cinema di Venezia, premiato in numerose occasioni e arrivato fino alla candidatura agli Oscar. L'attività del nostro reparto è stata sempre molto intensa: solo nell'ultimo anno abbiamo prodotto sei colonne sonore originali e seguito circa quindici grandi progetti tra consulenza musicale e music supervision. Tra i lavori più recenti c'è “Notte prima degli esami 3.0”, prodotto da Italian International Film. È un progetto che rappresenta perfettamente il nostro modo di lavorare, perché siamo stati coinvolti fin dalle prime fasi di sviluppo, collaborando direttamente con il regista e co-sceneggiatore Tommaso Renzoni già durante la scrittura del film. In quell'occasione abbiamo realizzato la supervisione musicale e coinvolto una nostra autrice, Ditonellapiaga (Margherita Carducci) che ha composto un brano originale pensato appositamente per il film. È stato un grande lavoro di squadra, esattamente nel senso che intendo quando parlo del nostro approccio. Abbiamo inoltre prodotto la colonna sonora del documentario “Franco Battiato – Il lungo viaggio”, uscito nelle sale e successivamente trasmesso dalla Rai. È un progetto particolarmente significativo anche perché gran parte del repertorio di Franco Battiato è amministrato da noi. Stiamo lavorando anche a diverse serie destinate alle piattaforme streaming, ma sono produzioni ancora inedite i cui dettagli, almeno per il momento, sono ancora riservati.

Allargando lo sguardo al mercato, come descriveresti oggi lo stato di salute delle sincronizzazioni in Italia? Negli ultimi anni si è passati da una forte espansione a un certo rallentamento - gli <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760828/discografia-in-italia-nel-primo-semestre-2026-mercato-a-7-3">ultimi dati di FIMI riferiti al primo semestre 2026</a> parlano di un segmento in contrazione dell'1,8% su base annua. Qual è la fotografia più attuale di questo comparto?

Sicuramente il mercato è cambiato rispetto agli anni immediatamente successivi alla pandemia. In quel periodo abbiamo assistito a una vera e propria esplosione delle produzioni audiovisive: produzioni italiane, broadcaster e piattaforme investivano moltissimo e il volume di lavoro era straordinario. Oggi assistiamo a un rallentamento. I budget si sono ridotti e questo inevitabilmente incide sulla capacità produttiva. La musica, purtroppo, è ancora una delle voci di spesa che talvolta viene sacrificata, anche se questo può sembrare in contraddizione con la crescente importanza che ha assunto all'interno del racconto audiovisivo. Detto ciò, le sync rimangono un elemento centrale. Gli investimenti sono probabilmente meno numerosi, ma anche più selettivi e mirati. Il settore resta dinamico, pur non avendo più i volumi eccezionali di tre anni fa.

Guardando invece all'estero, l'utilizzo del repertorio italiano nelle produzioni straniere rappresenta un'opportunità interessante?

Direi di sì. C'è sempre stato un interesse da parte delle produzioni internazionali verso il repertorio italiano e oggi continua a esserci. Ennio Morricone rimane uno degli autori più richiesti in assoluto, ma vediamo crescere anche l'attenzione nei confronti di artisti e autori italiani contemporanei. È un fenomeno molto positivo. Resta comunque una differenza significativa: nelle produzioni italiane il ricorso a repertori internazionali è ancora più frequente rispetto all'utilizzo di musica italiana nelle produzioni estere. Tuttavia l'interesse verso il nostro repertorio esiste ed è un segnale incoraggiante.

Se dovessi individuare una tendenza nell'utilizzo del vostro catalogo da parte delle produzioni italiane, quale sarebbe? Esiste una prevalenza di artisti internazionali "legacy" oppure le richieste sono più diversificate?

Le richieste sono piuttosto varie, anche se ci sono periodi in cui alcuni brani o determinati artisti vengono richiesti con maggiore frequenza. Molto dipende naturalmente dal tipo di progetto e, soprattutto, dal budget a disposizione della produzione. Ci sono artisti che rappresentano quasi un punto di riferimento per il settore audiovisivo: i Queen, ad esempio, sono tra i più richiesti in assoluto. Tuttavia il loro utilizzo è inevitabilmente legato alle risorse economiche disponibili, perché ogni sincronizzazione ha costi differenti. Se dovessi tracciare un quadro generale, direi che circa il 60% delle richieste riguarda repertorio internazionale, mentre il restante 40% è rappresentato da musica italiana. È una proporzione indicativa, naturalmente, perché ogni progetto ha esigenze narrative e artistiche specifiche.

Hai parlato spesso di un approccio sartoriale del tuo team ai progetti che vi vengono affidati: è una linea meritoria, ma - immagino - abbastanza faticosa…

È un lavoro molto impegnativo, perché bisogna riuscire a tenere insieme le esigenze di tutte le figure coinvolte nel progetto. C'è il produttore, che deve gestire il budget e chiede di rispettare determinati vincoli economici; c'è il regista, che ha una propria visione artistica; c'è il montatore, che durante la lavorazione può innamorarsi di un brano che, magari, non è utilizzabile per ragioni di diritti o di costi. In questi casi bisogna trovare rapidamente un'alternativa altrettanto efficace, prima che quella scelta provvisoria diventi definitiva nell'immaginario di chi sta lavorando al film. Sono davvero molti gli interlocutori con cui ci confrontiamo ogni giorno e, proprio per questo, ogni progetto richiede un percorso costruito su misura. La musica deve essere "cucita addosso" al film o alla serie, che si tratti di una piccola produzione o di una grande serie composta da molti episodi.

E, pare di capire, una spiccata intelligenza emotiva è una qualità tutt’altro che secondaria, per chi opera in questo settore…

Alla base del nostro lavoro ci sono i rapporti umani. Bisogna costruire relazioni solide, essere credibili, affidabili e conquistare la fiducia di tutti i professionisti coinvolti. È un percorso che richiede competenza, serietà, impegno e una forte capacità di lavorare insieme.

Al cinema e in TV la musica non è più solo un commento sonoro

Brani e score non sono mai stati così centrali nell'audiovisivo: parla Valentina Iacoacci (SMP)

Secondo il report relativo al primo semestre del 2026 compilato dalla Recording Industry Association of America, entità che rappresenta l’industria discografica a stelle e strisce, il settore della musica registrata negli Stati Uniti ha raggiunto un giro d’affari pari a 5,97 miliardi di dollari tra gli scorsi mesi di gennaio e giugno, in crescita del 6,9% su base annua. All’interno del dato, gli abbonamenti premium ai servizi di streaming sono saliti del 7,8%, generando ricavi per 3,11 miliardi di dollari, mentre gli abbonamenti freemium sono scesi del 9% a 239,1 milioni; i ricavi dello streaming gratuito sono invece aumentati del 3,7% a 899,6 milioni.

La crescita è stata ancora più marcata nei formati fisici: il vinile è salito del 17,7% a 543,8 milioni di dollari e i CD del 58,6% a 171,1 milioni. Molto buona è stata la performance registrata dalle sincronizzazioni, cresciute del 18,2% a 231,8 milioni di dollari.&nbsp;

"Mentre i ricavi della musica negli Stati Uniti continuano a crescere in tutti i formati, le etichette stanno rafforzando i legami tra artisti, fan e le piattaforme che distribuiscono il lavoro creativo", ha spiegato, in una nota, Mitch Glazier, presidente e CEO della RIAA: "Questa sinergia sta alimentando l’engament in modi nuovi e in espansione per creare opportunità che sosterranno l'intera comunità musicale per gli anni a venire”.

"La forza della musica, potenziata dagli auricolari ai listing party casalinghi fino alle playlist della Coppa del Mondo in tutti gli Stati Uniti, si riflette non solo nel suo significato culturale ma anche nei 6 miliardi di dollari di ricavi documentati da questo report", ha aggiunto Matt Bass, VP of Research della RIAA: "Questi risultati indicano un mercato sano e diversificato che sostiene continui investimenti negli artisti e nuovi modi per il pubblico di vivere la musica”.

I dati registrati nel primo semestre del 2026 dalla discografia americana segnano un netto miglioramento rispetto a quelli fatti segnare lo scorso anno, e una possibile inversione di quella tendenza che, nelle ultime stagioni, ha visto i mercati più avanzati a livello globale vedere la propria crescita rallentare progressivamente: a metà 2025 la crescita del comparto della musica registrata USA <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753965/discografia-usa-crescita-sotto-l-1-nel-primo-semestre-2025">si era arrestata al +0,9%</a>. A far segnare inversioni di tendenza particolarmente marcate sono stati i segmenti delle sync (passate dal -7,9% di metà 2025 al +18,2% di quest’anno) e dei CD, che dal -22% dello scorso anno sono passati al +58,6% di metà 2026.

Sempre nel primo semestre di quest'anno, il settore discografico italiano - come riferito da FIMI lo scorso 26 agosto - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760828/discografia-in-italia-nel-primo-semestre-2026-mercato-a-7-3">è cresciuto del 7,3%</a>, per un fatturato complessivo pari a&nbsp;circa 225 milioni di euro.

USA, nel primo semestre 2026 musica registrata a +6,4%

A quota +6,9 miliardi di dollari: bene streaming premium e vinile, benissimo CD e sync

E’ cosa fatta la fusione tra BMG e Concord, colossale merger <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758547/bmg-e-ufficiale-la-fusione-con-concord">annunciato per la prima volta alla fine dello scorso aprile</a> che all’inizio di quest’estate aveva ricevuto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759644/merger-bmg-concord-semaforo-verde-in-usa-e-germania">il semaforo verde dalle autorità antitrust di Stati Uniti e Germania</a>: in una nota congiunta diffusa oggi, martedì 1 settembre, le due aziende hanno annunciato “il completamento con successo” dell’operazione di fusione, che - dopo “aver ricevuto tutte le approvazioni normative richieste” - darà vita a “una nuova società musicale globale con le dimensioni, l'esperienza e le capacità necessarie per offrire maggiori opportunità ai creator”.

Come già anticipato, il quartier generale della società sarà spostato a Nashville: a Berlino, fino a oggi sede degli uffici centrali di BMG, resterà il presidio di riferimento europeo della nuova entità.

Con effetto immediato, il CEO di Concord Bob Valentine assume la carica di Amministratore Delegato di BMG: l’attuale CEO della stessa BMG, Thomas Coesfeld, passa al ruolo di Presidente del Consiglio di Amministrazione (dove siedono Johannes von Schwarzkopf e Rolf Hellermann di Bertelsmann, Alex Thomson di Great Mountain Partners e Steve Smith, socio fondatore di Concord) della nuova realtà, che resterà una società privata a maggioranza (pari al 67%) controllata da Bertelsmann, con Great Mountain Partners a guidare la cordata di investitori di minoranza.

Come già confermato, il già Direttore Esecutivo di RTL Group Björn Bauer è stato confermato nel ruolo di CFO, con Sebastian Hentzschel a ricoprire la carica di COO, Victor Zaraya quella di Chief Revenue Officer, Amanda Molter quella di responsabile dell’ufficio legale e Kent Hoskins quella di Chief Transformation Officer.

“La società è in una posizione unica per offrire un servizio differenziato ad artisti e autori, grazie alla solida cultura imprenditoriale e alla flessibilità che contraddistinguono entrambe le aziende”, recita il comunicato congiunto: “Grazie alla sua solida base finanziaria, alle maggiori dimensioni, all'esperienza e alle capacità consolidate, l'azienda è ben posizionata per perseguire nuove opportunità di crescita, concentrandosi al contempo sulla tutela dei creatori, sulla gestione responsabile dei diritti e su un servizio di eccellenza”.

Obiettivo della nuova entità - che continuerà a chiamarsi BMG - è quello di “raggiungere un fatturato superiore a 2,5 miliardi di dollari e un EBITDA di 1,2 miliardi di dollari nel medio termine”.

“Il completamento di questa transazione segna l'inizio di un nuovo capitolo per BMG, dando vita a un'azienda con le dimensioni e le risorse necessarie per affrontare il futuro. Crediamo che investire nei creatori, nei diritti musicali e nell'intelligenza artificiale ci permetterà di sbloccare nuove opportunità per artisti e autori in un settore in rapida evoluzione”, ha dichiarato Coesfeld: “Facendo leva sulla cultura imprenditoriale e sullo spirito indipendente che da sempre contraddistinguono entrambe le organizzazioni, abbiamo creato una piattaforma che occupa una posizione unica nel settore musicale ed è predisposta per una crescita sostenibile a lungo termine. Sono fermamente convinto che, insieme, i nostri team appassionati continueranno a innovare con uno scopo preciso e a fornire un servizio eccezionale ai nostri partner creativi in ​​tutto il mondo”.

“Oggi si apre un nuovo entusiasmante capitolo per la nostra azienda unificata e per i creatori che rappresentiamo”, ha aggiunto Bob Valentine, Amministratore Delegato di BMG: “Abbiamo riunito team eccezionali, cataloghi prestigiosi, roster diversificati e di talento e la convinzione condivisa che il talento creativo meriti sia un sostegno dedicato che investimenti costanti. Pur avendo ampliato il nostro raggio d'azione, la missione che ci ha uniti rimane la stessa: supportare gli artisti a lungo termine, onorare l'eredità che rappresentiamo e contribuire a costruire la prossima generazione di musica e cultura durature”.

“Il nuovo team dirigenziale riunisce leader con l'esperienza, il giudizio e la determinazione necessari per realizzare le ambizioni di BMG”, ha proseguito Valentine: “In questo nuovo capitolo, la nostra priorità è consolidare i punti di forza di entrambe le realtà, creando un'organizzazione chiara e focalizzata, in grado di agire con agilità, investire con convinzione e generare valore a lungo termine per gli artisti, gli autori e i drammaturghi con cui collaboriamo e che rappresentiamo”.

La nuova BMG ha anche nominato uno Strategic Leadership Council composto da Tom Becci (Global Recorded Operations), Alberto Chullen (Corporate Development &amp; Investments), Sophia Dilley (Concord Originals), Sean Flahaven (Concord Theatricals), Celine Joshua (Global Marketing &amp; Streaming), Nitsa Kalispera (Global Supply Chain Operations), Jon Loba (Global Frontline Recordings), Ruth Martinez (Human Resources), Kristal McKanders Dube (Corporate Communications), Alistair Norbury, Senior Creative Advisor di Valentine), Tom Scherer (Global Catalog Recordings) e Jim Selby (Global Music Publishing).

“Lo Strategic Leadership Council ci offre un gruppo più ampio di leader attorno a un tavolo, riunendo diverse aree di competenza e prospettive all'interno di BMG”, ha concluso Valentine: “Ciò contribuirà a garantire che rimaniamo connessi come team di leadership, ad affinare il nostro pensiero e a mantenere l'allineamento mentre traduciamo la nostra strategia in azioni concrete in tutta l'azienda”.

BMG, ultimata la fusione con Concord

L’azienda ha ricevuto tutte le approvazioni normative necessarie: ‘Inizia un nuovo capitolo’

Mary J. Blige, star dell'R&amp;B dalla carriera trentennale e per anni venerata dai critici per il suo timbro caldo, umano e imperfetto, sta facendo molto parlare di sé per una discussa scelta: quella di diventare testimonial della piattaforma&nbsp;Suno AI. Blige è infatti protagonista di una nuova campagna di spot lanciati&nbsp;ieri sul web. Nel breve video, che a prima vista appare&nbsp;un'interazione spontanea catturata da un telefono, è in studio con un produttore, che le fa ascoltare alcune canzoni generate con l'AI. Lei sembra apprezzare molto, affermando che non ne sa molto di intelligenza artificiale, ma che è molto curiosa di capirne il processo e di saperne di più, perché i brani che ha sentito&nbsp;"spaccano".

Sui social c'è chi ipotizza che lo spot sia parte di un accordo milionario tra Mary J. Blige e Suno che include anche diritti sulla sua voce; in realtà, però, né la società né la star hanno divulgato finora l'esistenza di una partnership, ragion per cui al momento si tratta solo di una diceria non confermata.&nbsp;&nbsp;

Mary J. Blige è la nuova testimonial di Suno

La leggenda R&B è protagonista di un nuovo spot a favore dell'intelligenza artificiale generativa

L’AI sta letteralmente invadendo i profili di numerosi musicisti jazz, diffondendo brani di bassa qualità sui principali DSP, tra cui YouTube, Spotify e Amazon Music, con pubblicazioni accompagnate spesso da copertine generate dall’intelligenza artificiale che finiscono per "sporcare" l’identità musicale di alcuni colossi della musica jazz: a rivelarlo è un'inchiesta firmata dal saggista e docente&nbsp;Joe Wilkins per Futurism.

Il fenomeno riporta al centro il tema dell’identità degli artisti nell’era della musica generata dall’AI&nbsp;e della capacità delle piattaforme di distinguere tra pubblicazioni autentiche e contenuti caricati impropriamente.

William "Sonny" Criss, Jean Carne, Red Nichols e Jimmie Noone sono solo alcuni degli artisti coinvolti. Sui loro profili sono comparsi nuovi singoli attribuiti all’editore Ami Bacuk, con caratteristiche visive e sonore assolutamente&nbsp;lontane dal repertorio originale degli artisti. In alcuni casi, la natura anomala delle pubblicazioni è resa ancora più evidente dal fatto che si tratta di musicisti scomparsi da decenni.

Sul profilo Spotify di Sonny Criss, storico sassofonista statunitense scomparso nel '77, sono comparsi ad esempio due nuovi brani accompagnati da copertine raffiguranti personaggi in stile anime. Le tracce risultavano attribuite a un compositore indicato come Zainul Irpan e, secondo quanto riportato, non sembravano essere remix o rielaborazioni riconducibili al musicista jazz. Ancora più eclatante è il caso di Jimmie Noone, clarinettista e direttore d’orchestra morto nel '44, infatti,&nbsp;ad aprile sono stati pubblicati quattro nuovi singoli a suo nome, caratterizzati da sonorità pop e da una voce femminile apparentemente generata dall’AI.

Spotify, in merito alla vicenda, si è esposto spiegando di aver immediatamente rimosso le pubblicazioni coinvolte per "proteggere l'identità degli artisti". Il servizio sta testando <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757879/cosi-spotify-vuole-proteggere-gli-artisti-dai-deepfake-ai">una funzione che consentirà agli artisti di approvare o rifiutare le nuove uscite</a> prima che vengano associate al proprio profilo.

"Stiamo investendo ulteriormente in sistemi di cui vi fidate da anni, come Content ID, per creare nuove garanzie per il rilevamento delle somiglianze, contrastando al contempo la diffusione di contenuti di bassa qualità generati dall'IA sulla nostra piattaforma", aveva dichiarato lo scorso maggio Lyor Cohen, Global Head of Music di YouTube, in una lettera ai partner musicali della piattaforma, tra i quali era stato citato il gruppo Universal Music, definito dallo stesso Cohen un "alleato fondamentale".

Spotify e YouTube, brani AI sui profili di storici jazzisti

Nuove uscite generate dall’AI compaiono anche sui profili di artisti scomparsi da decenni

Come sempre, nell'era dei social network&nbsp;il catalogo si rivela un ottimo investimento: anche quest'estate i brani più virali su TikTok non sono i classici tormentoni, ma grandi classici d'annata. A occupare il podio della classifica Songs of the Summer 2026 (relativa per il momento solo agli USA, quella italiana non è ancora stata svelata) sono infatti brani di minimo dieci anni fa. Il primo gradino è occupato da Katy Perry con "The One That Got Away" del 2011; Perry, che vince anche la palma della Song of the Summer 2026 a livello mondiale, ha definito "surreale che la canzone sia tornata così ascoltata dopo tutti questi anni". Al secondo posto in america c'è "Cinderella" di Mac Miller feat. Ty Dolla Sign (2016) e al terzo "It Ain't Over Till Is Over" di Lenny Kravitz" (addirittura 1991).&nbsp;&nbsp;

Tra le menzioni d'onore a livello globale per il 2026, i cosiddetti TikTok Summer Honors, il social ha premiato Zara Larsson per le coreografie virali, i&nbsp;tedeschi KITSCHKRIEG feat. Blumengarten e Shirin David per "Du Bist Gut Genug" (diventati noti per il trend Doobie Scoot Canoe),&nbsp;la boy band Cortis e l'emergente Slayyyter. Zara Larsson, Katy Perry e i CORTIS saranno anche protagonisti della campagna social&nbsp;Songs of the Summer, Vol. 2026.

"Ancora una volta l'iniziativa Songs of the Summer svela come la nostra community abbracci la musica in tutte le sue forme:&nbsp;artisti emergenti trovano un pubblico planetario su TikTok e amatissimi brani di catalogo vengono scoperti da nuove generazioni per la prima volta" ha commentato&nbsp;Tracy Gardner, Global Head of Music Business Development per TikTok. "E' qui che la cultura musicale viene plasmata e che crescono le fan base, e tutto ciò va ben oltre la nostra piattaforma".