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La band torinese capeggiata da Max Casacci avrebbe abbandonato la Mescal di Valerio Soave per accasarsi presso la EMI: questa, in sostanza, la notizia riportata dal sito di Rockstar, www.rockstar.it. Alla base del cambio di scuderia ci sarebbe un contratto milionario offerto al gruppo dalla major, che concederebbe alla band una maggiore tranquillità economica. Nella bacheca del sito ufficiale dei Subsonica, Boosta ha scherzosamente annunciato che il prossimo disco, attualmente in lavorazione, verrà pubblicato "tra gennaio e dicembre".


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E’ successo nel 2004: 27 agosto

Industria

Il Presidente di AssoConcerti Bruno Sconocchia (nella foto) è stato nominato come membro del Consiglio Superiore dello Spettacolo. “È un grande onore entrare a far parte di questo prestigioso organismo”, ha dichiarato Sconocchia: “Si tratta di un incarico che rappresenta un motivo di soddisfazione personale, ma che considero soprattutto il riconoscimento del lavoro e dell’impegno svolto in questi anni da AssoConcerti a tutela e valorizzazione del comparto, quale componente fondamentale del mondo dello spettacolo e della cultura tout court”.

Composto da quindici membri scelti tra esperti del settore, artisti, professionisti e rappresentanti delle categorie dello spettacolo, il Consiglio è l’organo tecnico-consultivo istituito per supportare il Ministero della Cultura nella formulazione di proposte sugli indirizzi generali delle politiche pubbliche e sugli interventi normativi e regolamentari del settore dello spettacolo, nell’espressione di pareri sugli atti normativi e sui decreti del Ministero e nella definizione dei criteri generali per l’assegnazione dei fondi pubblici alle attività di spettacolo.&nbsp;

“Ringrazio vivamente il Presidente Francesco Giambrone e l’AGIS tutta per aver proposto la mia candidatura e soprattutto il Ministro della Cultura Alessandro Giuli per la fiducia accordatami affidandomi questo incarico, che sicuramente onorerò con tutto l’impegno possibile a favore di tutta la filiera che costituisce il mondo dello spettacolo”, ha concluso il Presidente Bruno Sconocchia.

AssoConcerti, Sconocchia entra nel CS dello Spettacolo

Per il Presidente dell’associazione di promoter musicali ‘un grande onore’

Nella Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF per la settimana dal 18 settembre 2026 al 24 settembre 2026 l’album MIRIA di 22SIMBA entra nella chart direttamente in prima posizione, spodestando dalla vetta l’ex testa di serie TUTTO E’ POSSIBILE di GEOLIER, che retrocede al secondo posto. Sul gradino più basso del podio sale un’altra new entry, SONO LUCIO di LUCIO DALLA.

Oltre a quelle già segnalate, nella top ten si segnala un’altra nuova entrata:

<ul>
	<li>BASS PERSUADES, di MILEY (Cyrus), compie il suo ingresso direttamente in decima posizione</li>
</ul>

Nella Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 18 settembre 2026 al 24 settembre 2026 LONTANO di SFERA EBBASTA entra direttamente in prima posizione. L’ex capolista PER NOI di GEOLIER feat. ACHILLE LAURO retrocede al secondo posto, seguita da SOTTOGONNA di BLANCO, che dal secondo scende sul gradino più basso del podio.

Oltre a quella già citata, tra le new entry nelle prime dieci posizioni si segnalano:

<ul>
	<li>DISFRUTO di CARLA MORRISON, in quinta posizione</li>
	<li>TUTTO di ULTIMO, in settima posizione</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

22simba

Classifiche, novità 17 settembre: 22Simba sale al comando

‘Miria’ è l’album più ascoltato della settimana 

Con una nota stampa Warner Music Group ha annunciato radicali cambiamenti nel suo team dirigenziale global messi in atto per guidare l’azienda nella “sua prossima fase di crescita”.

Val Blavatnik, figlio di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-728917/len-blavatnik-ucraino-da-odessa-a-warner-music">Len Blavatnik</a> (fondatore e proprietario di Access Industries, conglomerato che detiene la quota di maggioranza di WMG), è stato nominato Managing Director di Warner Music North America e UK, e per il Corporate Development: suo compito, ha fatto sapere l’azienda, sarà quello di “unificare e guidare la strategia commerciale e operativa in questi mercati, orientando al contempo la strategia di investimento dell'azienda a supporto della crescita”.

Simon Robson, da trent’anni nel team della major, a fine anno lascerà l’incarico di Presidente per la Musica Registrata per Europa, Medio Oriente e Africa a Guillermo Gonzalez, che a sua volta cederà la precedente carica di Presidente di Warner Music Iberia ad Andrés Rothschild.

Elliot Grainge, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746066/warner-music-riorganizzata-la-divisione-musica-registrata">figlio del Presidente e CEO di Universal Music Group Lucian Grainge, già nello staff di Warner Music come Presidente e CEO di Atlantic Music Group</a>, allargherà il proprio raggio d’azione anche alla divisione dedicata ai servizi per artisti ed etichette dell’azienda, ricoprendo anche l’incarico di Presidente di ADA per gli Stati Uniti, coadiuvato dal collega Zach Friedman, già COO di Atlantic, nel ruolo di vicepresidente di ADA.

"Per consolidare il successo del nostro anno, durante il quale abbiamo raggiunto tutti e tre gli obiettivi strategici di crescita della quota di mercato, aumento del valore della musica e miglioramento dell'efficienza, questi cambiamenti ai vertici rafforzano il nostro team di leadership, già di prim'ordine, con competenze diversificate per affrontare la prossima fase di crescita di WMG", ha commentato Robert Kyncl, CEO di Warner Music Group: "Elliot, Aaron, Alejandro e Guillermo sono leader eccezionali, dinamici e di comprovata esperienza, che hanno trasformato i loro settori, e valorizzarli ci permette di amplificare ulteriormente il loro successo”.

Warner Music Group, grandi cambiamenti ai piani alti

Entra Val Blavatnik, a Elliot Grainge anche la guida di ADA USA. Esce Simon Robson

Apple Music ha ufficialmente siglato una partnership con Goldenovice al fine di costruire una collaborazione per la trasmissione live in streaming di Head Trip, evento in programma il prossimo 10 e 11 ottobre all'Empire Polo Club di Indio, in California. La piattaforma trasmetterà in diretta le esibizioni dallo stage principale durante entrambe le giornate, con programmazione e orari che saranno comunicati in seguito.

Apple Music e Goldenvoice collaboreranno, inoltre, con Chase Sapphire Reserve, i cui titolari idonei potranno accedere a biglietti, pass VIP e alcune esperienze dedicate durante l’evento. Tra gli artisti annunciati figurano Calvin Harris, Skrillex, Swedish House Mafia, Peggy Gou, Four Tet, Dom Dolla e Kettama. Si tratta della prima partnership per Apple Music per il livestream di un festival del genere e si inserisce all'interno della strategia del DSP di dedicare visibilità alla musica dance, già lavorata ampiamente attraverso il programma DJ Mix e Apple Music Club Radio.

"Il nostro obiettivo in Apple Music è sempre stato quello di avvicinare i fan agli artisti, alle scene e alle piste da ballo che fanno progredire questa cultura", ha dichiarato Stephen Campbell, Global Head of Dance, Electronic Music &amp; DJ Mixes di Apple Music, sottolineando come la collaborazione con Goldenvoice permetta di estendere l’esperienza di Head Trip oltre il pubblico presente a Indio.

Apple Music e Goldenvoice insieme per il livestream di Head Trip

Si tratta della prima partnership di Apple Music per il livestream di un festival di questa portata

Nuovo IMAIE ha rinnovato il proprio impegno come promotore della Milano Music Week, evento “diffuso” dedicato all’industria musicale la cui decima edizione è in programma tra i prossimi 16 e 22 novembre nel capoluogo lombardo.

La collecting dedicata agli artisti, interpreti ed esecutori sarà presente fisicamente alla manifestazione con degli appuntamenti professionali che avranno luogo presso la Fabbrica del Vapore, struttura scelta dal direttore artistico Linus come quartier generale per l’edizione 2026 dell’evento: ulteriori dettagli relativi a temi, orari e modalità di partecipazione verranno annunciati nelle prossime settimane.

"La nostra presenza alla Milano Music Week&nbsp;è un'occasione per ascoltare, dialogare e guardare al futuro, mettendo gli artisti al centro e contribuendo alla crescita di un ecosistema musicale capace di riconoscere e valorizzare il loro lavoro", ha fatto sapere la collecting:&nbsp;"In un mercato musicale in continua trasformazione, crediamo sia essenziale garantire nuove opportunità, promuovere la cultura dei diritti e sostenere concretamente chi vive del proprio talento. Il NUOVO IMAIE sarà a Milano per accompagnare la musica di oggi verso le sfide di domani".

Nuovo IMAIE alla Milano Music Week 2026

Anche quest’anno la collecting sarà presente alla conference dedicata all’industria musicale

A poche settimane dalla decisione favorevole a Bad Bunny rispetto alla controversie sul cosiddetto "dembow beat", i ricorrenti hanno chiesto espressamente al giudice federale&nbsp;André Birotte Jr. di riesaminare il provvedimento finale. L'istanza punta a rimettere in discussione la sentenza sommaria parziale che aveva ridimensionato una grande parte delle contestazioni sul copyright.

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760973/bad-bunny-vince-causa-ritmo-reggaeton-dembow-beat-cos-e" target="_blank">La corte aveva accolto, a inizio settembre, l'argomento della difesa di Bad Bunny</a> secondo cui&nbsp;Cleveland Browne e gli eredi di Wycliffe Johnson avrebbero costruito una rivendicazione "Frankenstein", combinando elementi provenienti da più opere senza individuare un’unica composizione protetta che li contenesse tutti. Quindi, la decisione aveva escluso la possibilità di procedere sulla base di quella specifica ricostruzione.&nbsp; Nella nuova istanza, i ricorrenti contestano però questa lettura e sostengono che la propria rivendicazione si sia sempre basata su un’unica opera, "Fish Market", firmata da Steely &amp; Clevie. Secondo la loro tesi, le successive "Dem Bow"&nbsp;e "Pounder Dub Mix II"&nbsp;non avrebbero aggiunto nuovi elementi, ma avrebbero semplicemente incorporato quelli già presenti nella composizione originaria.&nbsp;

I ricorrenti hanno inoltre richiamato le testimonianze e le perizie già prodotte nel procedimento, chiedendo alla corte di ripristinare la precedente ordinanza di 'summary judgment'. L’udienza sulla richiesta di riesame è al momento prevista per la fine di ottobre.

Bad Bunny

Bad Bunny, nuovo capitolo nella causa "salva reggaeton"

I ricorrenti chiedono il riesame della decisione finale favorevole all’artista

Aaron Dessner (cantautore, chitarrista dei The National e produttore di molti tra i progetti più interessanti degli ultimi anni, tra cui il dittico "Folklore" ed "Evermore" di Taylor Swift) è in procinto di aprire una nuova etichetta in collaborazione con Interscope. Prenderà il nome dal suo home studio, Long Pond Music, situato nella valle del fiume Hudson a nord dello stato di New York. Proprio il luogo in cui lavorò con Swift ai suoi album ai tempi del lockdown.

"Long Pond è come uno strumento in sé e per sé, è un luogo magico" ha dichiarato Dessner. "L'idea è di dare una casa al tipo di musica che ha bisogno di più tempo per svilupparsi e prosperare. E' un posto in cui la gente si sente a suo agio e può trovare la sua vera voce. Non vogliamo creare un grande impero finanziario, ma solo aiutare gli artisti a crescere". Il primo nome del roster è il cantautore Hudson Ingram, mentre sul fronte discografico avrà al suo fianco Charlie Christie e John Janick di Interscope.

Aaron Dessner (The National) lancia una sua label con Interscope

Il produttore l'ha battezzata Long Pond Music, come il suo home studio che ne è il quartier generale

Ace Records ha comunicato ufficialmente che procederà ad affidare a Proper Music la distribuzione fisica del proprio catalogo nel Regno Unito e in Irlanda, a partire dal&nbsp;1° ottobre, mettendo fine ad un modello di gestione interna portato avanti dalla label per più di 50 anni. Proper Music Distribution, quindi, si occuperà direttamente delle vendite, fatturazione e riscossione dei pagamenti per le varie pubblicazioni dell'etichetta.

"È per noi motivo di grande orgoglio ricevere la fiducia di Ace in un momento di cambiamento così significativo, dopo 50 anni di gestione autonoma della distribuzione", ha dichiarato Drew Hill, CEO di Proper, sottolineando l’obiettivo di utilizzare l’infrastruttura della società per ampliare la presenza delle pubblicazioni Ace sul mercato britannico.

Ace Records, fondata nel 1975, rappresenta una delle etichette indipendenti più longeve del Regno Unito e ha pubblicato, fino ad oggi, 5.772 album per oltre 12 milioni di unità vendute. All'interno del catalogo, sono comprese ristampe e restauri di registrazioni di artisti come Gil Scott-Heron, John Lee Hooker, Etta James, B.B. King, Funkadelic e Isaac Hayes, oltre a compilation curate internamente.

Per Neil Scaplehorn, CEO di Ace Records, il passaggio a Proper rappresenta "uno degli ultimi tasselli fondamentali del puzzle"&nbsp;nel processo di revisione dell’attività avviato dopo il passaggio di gestione dai fondatori nel 2021. La partnership arriva inoltre dopo il 50° anniversario di Ace, celebrato nel 2025 con concerti, un pop-up shop e nuove pubblicazioni.

Ace Records cambia modello per la distribuzione fisica

L'etichetta si affiderà a Proper per la gestione delle operazioni relative al catalogo

Qobuz&nbsp;ha recentemente introdotto una nuova modalità per etichettare i brani generati dall'AI e segnalarli agli utenti. Il sistema è stato sviluppato internamente e punta ad accentuare la trasparenza rispetto alla natura dei contenuti disponibili sulla piattaforma, inserendosi come uno step fondamentale del percorso già avviato con la Carta sull'AI pubblicata a febbraio.

"Oggi la sfida non è più solo quella di rilevare la musica generata dall’AI, ma di consentire agli ascoltatori di riconoscerla chiaramente", ha dichiarato Georges Fornay, Vice CEO di Qobuz, aggiungendo che "la scoperta musicale deve rimanere guidata da scelte umane".

La piattaforma mantiene un'impostazione e una struttura editoriale basata sulla selezione umana, i contenuti generati dall'AI vengono direttamente esclusi dai percorsi pensati per gli utenti, dalle playlist curate e dai contenuti in evidenza disponibili.&nbsp;Secondo i dati diffusi dalla società, il 60% degli streaming relativi a brani identificati come generati dall’AI è considerato fraudolento dai sistemi antifrode e viene quindi escluso dal pagamento delle royalty. Oltre un terzo degli album AI privi di attività di ascolto, pari complessivamente a quattro milioni di brani, è stato rimosso dal motore di ricerca. Nel complesso, solo lo 0,38% degli stream su Qobuz proviene da contenuti identificati come generati dall’intelligenza artificiale.

Qobuz, ecco un nuovo tag per identificare i brani AI

Il 60% degli ascolti di brani generati dall’intelligenza artificiale è considerato fraudolento

Negli ultimi anni siamo stati abituati a leggere il mercato dei media attraverso la lente asfissiante della competizione totale: TV contro streaming, carta contro feed digitali, editoria tradizionale contro big tech globali. Una specie di tutti contro tutti che, sotto la superficie di una modernità urlata, ha spesso mascherato una profonda debolezza strutturale.

A rompere questo schema di isolamento corporativo è intervenuto di recente&nbsp;Roberto Sergio, Amministratore Delegato della Rai,&nbsp;che in <a href="https://www.linkedin.com/posts/roberto-sergio-833a93b_meritare-il-tempo-delle-persone-gruppo-sae-share-7507131919520686080-hUvR?utm_medium=ios_app&amp;rcm=ACoAAAxSUd0ByWZHjBEMXNd0rtw6ClVciVG0kxw&amp;utm_source=social_share_send&amp;utm_campaign=gmail">un’analisi pubblicata su&nbsp;La Stampa</a>&nbsp;ha offerto una prospettiva pragmatica e di ampio respiro sulla transizione del sistema mediale. Il punto focale sollevato dall'intervento non riguarda solo la fine del monopolio della scarsità a favore di un’economia dell'abbondanza — dove la vera moneta rara è il tempo e l'attenzione delle persone — ma la necessità urgente di archiviare le piccole gelosie di bottega per inaugurare una vera "cultura delle alleanze".

<h3>La debolezza della frammentazione nazionale</h3>

Nel mercato globale odierno, dominato da piattaforme transnazionali che muovono capitali sterminati e detengono le chiavi della distribuzione digitale, continuare a ragionare per recinti nazionali o steccati di categoria è un lusso suicida. Frammentarsi significa farsi piccoli.

La visione tracciata da Sergio indica una rotta industriale ben precisa: costruire sinergie operative, condividere tecnologie, produzioni e filiere distributive senza per questo confondere i ruoli o appiattire l'identità editoriale. È il tentativo — finalmente concreto — di rimettere a sistema le eccellenze italiane (televisive, radiofoniche, editoriali e creative) per erigere un'infrastruttura informativa solida. In questo ecosistema complesso, la radio non vive come un corpo estraneo o un relitto analogico, ma come un nodo strategico e industriale fondamentale capace di dialogare alla pari con la filiera discorsiva della cultura.

<h3>Dall'autoreferenzialità all'architettura fluida dei contenuti</h3>

Il superamento dell'isolamento passa necessariamente anche attraverso la liberazione del contenuto dalla gabbia della mono-piattaforma. Per troppo tempo i media hanno pensato ai propri prodotti in modo verticale e rigido: un format nato per la tv, un articolo scritto solo per la carta, un'intervista confinata all'etere.

Oggi l'architettura dei contenuti deve farsi fluida. Un'idea forte nasce visivamente, si approfondisce sulla stampa, diventa materia di dibattito in un palinsesto radiofonico, alimenta le community digitali e trova una sua chiusura (o una nuova apertura) nel formato podcast. Non si tratta di moltiplicare i canali per fare rumore, ma di concepire il racconto come un organismo vivente e multiforme.

A ben guardare, del resto, a questa intuizione strategica c'era già arrivato negli anni Ottanta un precursore come&nbsp;Claudio Cecchetto. Con il geniale trittico composto da radio, TV e stampa — sintetizzato magistralmente nella formula di&nbsp;Deejay Television&nbsp;—, Cecchetto aveva anticipato i tempi: ti faccio vedere ciò che ascolti in radio e te lo faccio raccontare e approfondire con ciò che ti faccio leggere (DjShow, lo storico&nbsp;house organ&nbsp;della radio). Quello che oggi chiamiamo crossmedialità o ecosistema fluido, insomma, affonda le sue radici migliori nella visione pionieristica dell'ideatore di Radio Deejay.

<h3>Il radicamento come argine alla desertificazione globale</h3>

In un cortocircuito paradossale, più la rete ci spinge verso una globalizzazione anonima e standardizzata, più avvertiamo il bisogno di ritrovare coordinate reali. Lo stesso principio vale per il racconto dei territori: non una ritirata nostalgica o provinciale, ma l'uso delle specificità locali e culturali come chiavi di lettura universali. La prossimità geografica e culturale non è un limite, ma un formidabile moltiplicatore di autorevolezza e un presidio insostituibile di democrazia culturale.

In definitiva, come ci ricorda la riflessione di Roberto Sergio sul futuro dei media, la ricetta per non soccombere non consiste nel produrre più rumore o contenuti a basso costo, ma nel recuperare autorevolezza, fondere l'innovazione con il rigore e puntare decisamente sulla qualità irriproducibile dell'esperienza umana. Il futuro non appartiene alle tifoserie contrapposte o agli automatismi algoritmici, ma alla capacità del sistema di fare squadra: unire le forze editoriali, valorizzare le voci vive — a partire da quella insostituibile della radio — e difendere un perimetro condiviso di autenticità è l'unica vera strada per continuare a guidare il cambiamento, anziché subirlo passivamente.

Media, radio e filiera unita: la forza del futuro

Oltre la guerra delle piattaforme: perché l'etere guida il futuro dei media

FIMI -&nbsp;Federazione Industria Musicale Italiana e PMI -&nbsp;Produttori Musicali Indipendenti hanno espresso il proprio sostegno alla Airplay Policy adottata da EarOne, inserendola nel percorso di progressivo allineamento del settore musicale italiano sul tema dell’intelligenza artificiale generativa.

Le due associazioni richiamano, tra i passaggi più recenti, i principi introdotti a luglio per la Top of the Music by FIMI/NIQ, in linea con le regole globali di IFPI condivise da IMPALA, oltre alle disposizioni definite dalla Rai per Sanremo 2027.

"Le classifiche ufficiali di vendita e streaming, il principale festival musicale italiano e ora anche le classifiche airplay condividono dunque lo stesso criterio: l’AI può essere uno strumento prezioso se usato in modo responsabile e nel rispetto dei diritti, ma non può sostituire la creatività umana", hanno dichiarato Enzo Mazza, CEO di FIMI, e Dario Giovannini, Presidente di PMI, definendo il quadro emergente "un segnale di coerenza importante per tutto l’ecosistema musicale italiano".

FIMI e PMI accolgono la nuova Airplay Policy di EarOne

Un altro passo importante nel percorso di allineamento del settore riguardante l'AI generativa

In un periodo storico in cui si tende a preferire l'online, riducendo o addirittura abbandonando la carta, Drowned in Sound e Music Venue Trust scelgono la direzione opposta lanciando Shownotes, una nuova rivista musicale gratuita da 64 pagine che sarà distribuita dai primi di novembre in oltre 500 venue del Regno Unito con una tiratura prevista di 50mila copie.

"Il giornalismo musicale può apparire statico e privo di vitalità, soprattutto dopo anni di continui tagli al personale e chiusure di testate", ha dichiarato Ewens, giornalista e autrice britannica. "L’idea di una rivista che utilizzi qualcosa di così viscerale e immediato come l’esperienza dal vivo come lente attraverso cui comprendere e celebrare la musica rappresenta l’antidoto perfetto".

Il progetto prende vita con lo scopo di raccontare l'esperienza musicale nella maniera più genuina possibile, partendo dal live.&nbsp;La redazione, interamente femminile, sarà guidata dalla giornalista e autrice Hannah Ewens, mentre Raissa Pardini ricoprirà il ruolo di direttrice creativa. Il Music Venue Trust ha fornito il finanziamento iniziale necessario per avviare la pubblicazione.

Shownotes, i live tornano sulle riviste cartacee

50mila copie gratuite in oltre 500 venue britanniche, con Drowned in Sound e Music Venue Trust

Secondo un’inchiesta del Vanderbilt Policy Accelerator, il peso di Live Nation nel mercato statunitense degli anfiteatri all’aperto poggerebbe in misura rilevante su strutture pubbliche e sussidi locali. Il report ha censito 64 venue di rilevanza primaria controllate dal gruppo negli Stati Uniti: stando ai risultati dell’indagine, 30 di esse - circa il 47% del totale - pare siano di proprietà di enti pubblici che ne affidano la gestione a Live Nation, in genere senza bando di gara. Gli autori dell’inchiesta stimano almeno in 420 milioni di dollari i contributi pubblici dei quali avrebbe beneficiato Live Nation, senza i ricavi generati da altre agevolazioni come canoni di affitto sensibilmente sotto i valori di mercato o le quote sui naming rights delle strutture di proprietà pubblica.

Lo studio individua tre leve ricorrenti: finanza pubblica e incentivi fiscali, terreni e infrastrutture concessi a condizioni favorevoli, e soprattutto contratti di locazione operativi di lungo periodo su venue pubbliche. Tra i casi citati compaiono Richmond, con un contributo fino a 37 milioni di dollari per l’Allianz Amphitheater, Riverside, con 120 milioni di bond pubblici più 15 milioni di incentivi per il Morton Amphitheater, e Noblesville, dove una ticket tax da 1 dollaro ha convogliato 8,2 milioni in infrastrutture intorno al Ruoff Music Center, con Live Nation coinvolta nella scelta dei progetti da finanziare. Sul fronte degli accordi di affitto, il report definisce il contratto di Dallas “eccezionalmente sbilanciato”, mentre a Chicago il canone annuo di 350.000 dollari sarebbe rimasto invariato dal 2013, senza adeguamento all’inflazione. Gli autori segnalano inoltre audit a Virginia Beach e Atlanta che avrebbero rilevato lacune nelle informazioni finanziarie necessarie a verificare la quota spettante alle città.

Il documento indica però anche modelli alternativi. A Nashville, sul rinnovo dell’Ascend Amphitheater, Opry Entertainment Group ha vinto proponendo una gestione “open room”, aperta a qualunque promoter, con un affitto più alto per la città rispetto all’accordo di Dallas e 15 milioni di dollari di migliorie finanziate dall’operatore. A Denver, il Red Rocks Amphitheatre continua invece a essere gestito direttamente dal comune, senza operatore esclusivo. Più netta la rottura di Irvine, dove nel 2023 il consiglio comunale ha interrotto i negoziati per un anfiteatro permanente da 14.000 posti su terreno pubblico, un progetto che avrebbe potuto costare alla città fino a 150 milioni di dollari. Secondo la fonte, Live Nation aveva avvertito che “si rifiuterebbe di programmare qualsiasi spettacolo in una venue del genere” se la sala fosse stata pensata come “open room”. Gli autori propongono ora due strade per gli enti locali: un modello di “esternalizzazione con condizioni” oppure una gestione pubblica diretta tramite non profit.&nbsp;

Dopo il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758296/live-nation-verdetto-colpevolezza-processo-antitrust-usa">verdetto di colpevolezza</a> emesso a metà dello scorso aprile nell’ambito della causa legale intentata da 30 stati per presunto abuso di posizione dominante, il giudice al quale è stato affidato il caso, Arun Subramanian, sta ancora lavorando alla stesura della sentenza del procedimento antitrust, che potrebbe includere l’eventuale scorporo forzato della divisione ticketing della società, Ticketmaster - eventualità, questa, che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757584/live-nation-ticketmaster-processo-antitrust-accordo-cosa-succedera">l’azienda guidata da Michael Rapino considera il worst case scenario</a>. <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758813/live-nation-il-calendario-della-causa-antitrust-usa">Secondo i tempi della giustizia americana</a> il procedimento potrebbe chiudersi definitivamente entro la fine del 2027.

Live Nation, altre ombre sulla leadership di mercato negli USA

Secondo un rapporto Vanderbilt l’azienda avrebbe beneficiato di fondi pubblici e altre agevolazioni

Si è conclusa poche ore fa, a Milano, la prima edizione di “Paris Goes to Milan Fashion Week 2026”, il writing camp internazionale organizzato da Sony Music Publishing Italy - in collaborazione con Sony Music Publishing France - che ha richiamato nel capoluogo lombardo tra il 22 e il 24 settembre, in concomitanza con la Milano Fashion Week, una quarantina tra artisti italiani e francesi.

L’iniziativa - ospitata dagli spazi di Moysa, factory polifunzionale - è stata concepita, ha spiegato SMPI, con l’obiettivo di “creare una vera sinergia tra artisti, producer e autori italiani e alcuni dei nomi più interessanti del mercato musicale francese, dando vita a un polo multiculturale di scambio artistico proprio nel cuore della settimana più importante di Milano”. “Cuore dell’operazione è lo scambio culturale” tra gli artisti coinvolti, resi protagonisti di “un’occasione per favorire nuove connessioni, collaborazioni e progetti che mettano in dialogo due scene musicali di grande rilievo”.

Il camp si è articolato nell’arco delle tre giornate, con due sessioni di lavoro al giorno - una diurna e una serale. Ad assicurare la propria presenza sono stati, tra gli altri, Aitch, Emma, Clara, Astro, Quest, Nicolò Filippucci, Angelica Bove, G. Mineiro, Ele A, Lil Cr, 18K, Westcross, Julien Lieb, Arty Prod, Promessa, Mew, Giuse the Lizia e&nbsp;Mida.

Oltre che a “creare contatti tra autori italiani e francesi” in vista di future collaborazioni, l’operazione “Paris Goes to Milan Fashion Week 2026” - spiega Margherita Gnech, Managing Director di Sony Music Publishing Italy (nella foto) - dimostra quanto la divisione editoriale della major guidata da Jon Platt sappia essere “una realtà multinazionale capace di coniugare le attività dei diversi Paesi con quelle dell'Italia”. “Sappiamo che il mercato italiano è tendenzialmente locale, ma ci piacerebbe coinvolgere sempre di più la dimensione internazionale”, dice: “Per questo abbiamo invitato artisti delle diverse label, con l'obiettivo di creare occasioni di collaborazione e dare ai nostri autori l'opportunità di connettersi con artisti stranieri. Allo stesso tempo, vogliamo dare agli autori francesi la possibilità di lavorare su brani italiani”.

A “Paris Goes to Milan Fashion Week 2026” verrà dato un seguito, oltralpe?

Questo camp nasce in realtà da un'idea di Sony Music Publishing France, che ha iniziato a organizzarlo in occasione della Fashion Week di Parigi. Il prossimo camp si terrà a febbraio, sempre in occasione della Fashion Week di Parigi, e in quell'occasione abbiamo già l'idea di portare molti artisti e autori italiani, portando avanti la sinergia con il nostro ufficio francese. Il nostro obiettivo a lungo termine è, infatti, quello di organizzare due volte l'anno camp di questo genere, con target precisi e focalizzati su determinati artisti. L'idea è favorire l'arrivo a Milano di talenti provenienti da diverse città straniere. Questo è “Paris Goes to Milan”, ma potremmo fare anche “Berlin Goes to Milan”, “Madrid Goes to Milan” e così via.

Da publisher, quando arriveranno i frutti delle collaborazioni che hanno avuto e stanno avendo luogo durante questo writing camp, cosa ti aspetti? Qual è l'elemento che percepisci come valore aggiunto nel materiale prodotto in questi contesti?

L’idea di questo camp nasce dalla volontà di creare connessioni tra artisti, quindi in primo luogo, mi aspetto che dalle session organizzate a Milano possano crearsi dei veri e propri team di lavoro creativo. La fusione delle due culture musicali, infatti, sta generando brani con sonorità particolari, in cui l’influenza francese è stata determinante sia nelle topline che nella produzione.

Guardando invece a una dimensione più ampia, mondiale, vi aspettate qualcosa anche dalle vostre consorelle straniere, non necessariamente anglofone?

Certamente, SMPI è una realtà internazionale che collabora attivamente proprio per creare sinergie tra tutti i paesi del proprio network. Un esempio di tale sinergia è stato il Fusion Camp in Nigeria, organizzato lo scorso anno ed in programma a breve, che coinvolge oltre 100 autori, che spaziano dall’urban, al pop, afrobeat ecc. L'anno prossimo verranno lanciati i primi camp in Corea e a Tokyo, con l'obiettivo di portare autori europei e statunitensi a scrivere per il K-pop e il J-pop, che sappiamo essere mercati molto importanti.

Nella geografia delle sonorità internazionali hai citato la Nigeria e l'Afrobeat e la Corea con il K-pop. Ritieni ci siano altri mercati interessanti?

Sì. Abbiamo aperto un ufficio per l’area MENA, così come in vari paesi dell’Asia, tra cui Tailandia, Filippine, Malesia e altri e stiamo attualmente pianificando un coinvolgimento dei nostri autori anche in tali luoghi, per essere sempre un passo avanti sulle sonorità di tutto il mondo.

Quanto è importante per i publisher avere a disposizione degli studi, come quelli che a breve saranno ultimati presso i vostri uffici milanesi?

Fondamentale direi. Il lavoro del publisher si svolge quasi interamente in studio e avere a disposizione strutture idonee che possano accogliere artisti di un certo calibro, sia italiani che stranieri, risulta estremamente strategico.&nbsp; Poter ospitare i nostri autori presso gli uffici rende anche semplice il costante confronto con loro e il lavoro svolto e ci coinvolge fin da subito nel processo creativo.

Sony Music Publishing Italy, debutta il camp Paris Goes to Milan

Si è chiusa la prima edizione dell'iniziativa legata alla Fashion Week: lo spirito, gli obiettivi

A quattro mesi dal lancio, Spotify ha aggiunto tre nuove funzioni a Reserved, l’iniziativa che individua i fan più attivi sulla propria piattaforma - in base a stream, salvataggi e condivisioni - e riserva per loro due biglietti quando viene annunciato un tour, a condizione che siano abbonati Premium. Dopo i test estivi su alcune tournée prodotte da Live Nation negli Stati Uniti, da giovedì 24 settembre arrivano due share card personalizzate da inviare via messaggio o sui social, setlist dedicate per chi acquista tramite Reserved e un hub in-app che raccoglie card, informazioni sull’evento, dettagli relativi alla venue e contenuti pre e post-show. Le setlist, fornite da setlist.fm, compariranno nella pagina evento dell’utente, si aggiorneranno dopo ogni concerto e, successivamente, mostreranno i brani eseguiti nella data effettivamente vista.

L’implementazione della nuova suite di funzionalità è già cominciata: a breve saranno disponibile le prime scalette degli eventi tenuti da artisti che hanno aderito all’iniziativa, come - tra gli altri - Role Model, Miley Cyrus, Skillet, Beabadoobee, Jonas Brothers, Young Thug e Metallica.

“Reserved è solo l'ultimo modo in cui Spotify ti aiuta ad avvicinarti alla musica dal vivo”, ha spiegato l’azienda in un post sul proprio blog aziendale: ‘Cerca ‘live events’ nell'app per essere diretto al Live Events hub, dove puoi esplorare i concerti vicino a te personalizzati in base ai tuoi gusti. All'interno del feed, la playlist ‘Concerts Near You’ ti presenta artisti che si esibiscono nelle vicinanze, con aggiornamenti regolari ogni mercoledì e link a dettagli degli eventi e biglietti”.

“Mentre queste funzionalità ti aiutano a scoprire nuovi spettacoli, Reserved riconosce la tua passione per un artista”, ha concluso il DSP: “Utilizza segnali come streaming, salvataggi e condivisioni per identificare i fan più fedeli di un artista e premiarli con l'accesso a biglietti riservati esclusivamente a loro. E’ il nostro modo di ringraziarti e di avvicinare i fan agli artisti che amano”.

Spotify Reserved, in arrivo setlist e card personalizzate

Il DSP ha potenziato il suo servizio dedicato al ticketing

ArtGoArt (AGA) nasce nell'autunno del 2025 con l'obiettivo di semplificare e strutturare al meglio il processo di booking artistico, mettendo in contatto musicisti e artisti con privati, aziende e organizzatori di eventi. La startup, che ha sede in Polonia, ha sviluppato una piattaforma che riunisce all'interno di un unico ecosistema digitale servizi come: ricerca degli artisti, disponibilità degli stessi, comunicazione e prenotazione.

Oggi, il progetto conta 160 artisti verificati provenienti da svariati Paesi europei. Il team operativo è composto da 16 persone, distribuite principalmente tra Polonia, Spagna e Italia. L'offerta comprende DJ, musicisti e performer e si rivolge sia al mercato degli eventi privati e corporate sia alle attività pubbliche che cercano artisti da inserire nella propria programmazione.

ArtGoArt, accanto al servizio base offerto dalla piattaforma, sta sviluppando anche partnership con caffè e ristoranti, supportandoli nella ricerca di artisti. Tra i vari mercati su cui la startup polacca sta concentrando la crescita c'è indubbiamente la Spagna, dove entro la fine di settembre sono previsti 15 eventi dal vivo legati al brand. L'italia rientra nei Paesi che sono nel mirino di AGA, con degli artisti già presenti in piattaforma e diverse prenotazioni effettuate da parte di clienti ed utenti italiani.

"Quando mi sono trasferito in un altro Paese, ho capito quanto una carriera musicale dipenda dalle relazioni. Potevo portare con me il mio strumento, ma non la rete di contatti che avevo costruito negli anni. All’improvviso mi sono ritrovato a ripartire da zero, e so che molti musicisti vivono la stessa esperienza", racconta Petr Klyuev, musicista, songwriter e co-founder di ArtGoArt. "Non vogliamo sostituire le relazioni umane o il talento: vogliamo rendere più semplice per musicisti e performer trovare nuove opportunità, così che possano dedicare meno tempo alla ricerca di ingaggi e più tempo a ciò che amano davvero: creare ed esibirsi".

ArtGoArt, una startup digitale per il booking artistico

La piattaforma, in fase beta, offre servizi già a 160 artisti verificati da diversi Paesi europei

Epidemic Group, publisher indipendente attivo anche nella gestione dei diritti e nelle licenze sync con focus sui mercati emergenti proprietaria di <a href="http://musicbiz.rockol.it/tutto-su/epidemic-sound-396898">Epidemic Sounds</a>, ha nominato Erik Wahlberg nuovo CEO. L’insediamento avviene dopo le dimissioni dalla carica di ad del co-fondatore dell’azienda, Oscar Höglund, rassegnate lo scorso 11 marzo, alle quali seguì l’interim assegnato a Sara Börsvik.

L’incarico a Wahlberg è stato assegnato in virtù del suo status di co-fondatore e CEO di Blenda Labs, società tecnologica svedese che lo scorso luglio ha acquisito Epidemic Group.

Il nuovo assetto aziendale - che diventerà effettivo a partire dal prossimo primo ottobre - prevede Börsvik assuma il ruolo congiunto di COO e CFO, concentrandosi sulla crescita operativa e sulla supervisione finanziaria.

"Milioni di creatori e i più grandi marchi al mondo si affidano a Epidemic", ha dichiarato Wahlberg: "Ho trascorso la mia carriera nel punto d'incontro tra creatività e tecnologia e, ora che l'intelligenza artificiale sta riscrivendo il modo in cui vengono create le storie, mettendo nuove possibilità nelle mani dei creatori umani, non potrei essere in nessun altro posto”.

Epidemic Group, Erik Wahlberg è il nuovo CEO

Sara Börsvik passa al ruolo congiunto di COO e CFO

Universal Music Group e Lady Gaga si sono ufficialmente pronunciati per richiedere un rimborso di 232.000 dollari di spese legali a Lost International, nell'ambito della controversia sul marchio "Mayhem". La richiesta è arrivata a seguito del rigetto definitivo dell'azione promossa dal brand di surf, che aveva precedentemente accusato UMG/Bravado di aver utilizzato un logo ritenuto "quasi identico" al proprio per la produzione dell'album, per il tour e per il relativo merchandising.

La somma che è stata richiesta riguarda esclusivamente le spese sostenute nel dicembre 2025 a seguito del rigetto della richiesta di provvedimento cautelare avanzata da Lost. Universal Music e Lady Gaga sostengono che la causa e la prosecuzione della stessa abbiano generato dei costi legali assolutamente non necessari.&nbsp;La controversia era nata dalla commercializzazione di prodotti legati a Mayhem. Lost International, che utilizza da tempo il marchio per abbigliamento e tavole da surf, aveva inizialmente chiesto un risarcimento da 100 milioni di dollari, sostenendo che i convenuti avessero violato i propri diritti sul nome e sul logo. UMG e Lady Gaga hanno respinto fin dall’inizio le accuse, definendole giuridicamente infondate.

Nonostante l'avanzamento, però, la vicenda non è ancora conclusa, in quanto Lost International ha presentato ricorso formale presso la Corte d'Appello del Nono Circuito contro il rigetto definitivo della causa. Resta completamente aperta la questione, sia sul fronte dell'appello che sul fronte del rimborso delle spese legali.

UMG e Lady Gaga insieme nel caso “Mayhem”

A Lost International chiesti 232mila dollari di spese legali, mentre il brand presenta ricorso

Primary Wave ha annunciato una partnership con gli eredi di Robert Palmer che include l’acquisizione, da parte della società, di una quota dei diritti editoriali e sulle registrazioni del catalogo dell’artista, oltre che la condivisione dei diritti su nome e immagine: i termini economici e legali dell’accordo, al momento, non sono stati rivelati. Il contratto copre tutti i 14 album in studio solisti pubblicati tra “Sneakin' Sally Through the Alley” (1974) e “Drive” (2003), con brani come “Johnny and Mary”, “Every Kinda People” e “Simply Irresistible”; rientrano anche diverse versioni live e remix, una quota della parodia “Addicted to Spuds” di Weird Al Yankovic e “Remain in Light” dei Talking Heads, alla quale Palmer contribuì con percussioni aggiuntive.

“Siamo molto entusiasti di collaborare con Primary Wave”, hanno dichiarato gli eredi, ai quali ha fatto eco Samantha Rhulen, SVP business and legal affairs della società: “Robert Palmer è stato un artista davvero unico, la cui voce, il cui songwriting e il cui stile distintivi hanno lasciato un segno indelebile sulla musica popolare”. Per Primary Wave, l'operazione arriva dopo la chiusura del quarto fondo da 2,2 miliardi di dollari a fine aprile e segue le partnership annunciate a settembre con l'Estate di Wilson Pickett e con Daniel Jones degli Savage Garden.

Primary Wave, un accordo con gli eredi di Robert Palmer

Su edizioni, master e diritti di immagine

L’IFPI ha annunciato l’avvio di Operation Lumen, iniziativa di oscuramento dei siti che prende di mira oltre 300 servizi di stream-ripping in Perù, Paraguay, Brasile, Repubblica Dominicana ed Ecuador, con l’agenzia peruviana INDECOPI - l’Istituto Nazionale per la Difesa della Concorrenza e la Tutela della Proprietà Intellettuale - nel ruolo guida. Secondo l’ente le “azioni coordinate” hanno bloccato 317 siti; 275 domini risultano già non accessibili da Brasile (143) e Perù (132). L’IFPI aggiunge che 44 domini erano associati alla distribuzione di malware o ad altre attività malevole e attribuisce ai siti coinvolti 15 milioni di visite mensili complessive e 5,4 milioni di visitatori unici nell’ultimo anno. La campagna conferma il passaggio, dopo costose battaglie legali e risultati alterni, verso il blocco dell’accesso ai domini su base nazionale.

Sul piano di mercato, la federazione cita uno studio del 2025 secondo cui il blocco dei siti riduce il traffico verso i servizi illegali e aiuta a spostare gli utenti verso piattaforme musicali con licenza: con blocchi continuativi, sostiene l’IFPI, le visite ai servizi autorizzati sono cresciute dal 15% al 50%, con un aumento più contenuto anche nelle pagine di nuovo account o upgrade a pagamento. Per la CEO Victoria Oakley, “Operation Lumen mostra ciò che si può ottenere quando le autorità lavorano insieme oltre i confini per affrontare minacce come la pirateria” e il blocco dei siti può essere “uno strumento efficace e proporzionato” contro i servizi illegali.