<a href="https://www.facebook.com/AelleMag/photos/a.108710355005399/117114020831699/">La foto di 2Pac con in mano un numero di Aelle</a>, proprio nel giorno in cui Paola Zukar lo ha intervistato in una camera d'albergo a Milano tra una sfilata e l'altra, è uno dei picchi più alti raggiunti da un magazine che ha letteralmente fatto la storia in Italia, portando alla luce una cultura e una musica in anni non semplici. Aelle (AL, negli ultimi tempi divenuta AL Magazine) è stata una rivista italiana di cultura hip hop nata nel 1991 a Genova. Ha terminato le sue pubblicazioni nel 2001 dopo dieci anni. Ma ora sta per riemergere dalle ceneri.&nbsp;

Il progetto fu fondato da Claudio "Sid" Brignole: inizialmente veniva pubblicata come fanzine, i primi numeri in bianco e nero sono ancora oggi delle chicche per gli appassionati. Veniva distribuita a mano nelle varie jam hip-hop della Penisola e nei negozi di dischi. Piano piano la rivista ha acquisito sempre più notorietà e spessore, arrivando nelle edicole e diventando centrale per la diffusione della cultura hip hop a 360°, non solamente della musica rap. Nel tempo, a colori e sempre più ricca, in quegli anni senza internet diffuso massicciamente nelle case e senza le contemporanee piattaforme streaming, è stata una finestra sull’Italia e sul mondo per tantissimi fan, capace di fare da lente di ingrandimento su un universo che nel nostro Paese era in larga parte sconosciuto. Il rap in quel periodo non aveva certo una dimensione mainstream come quella di oggi: Aelle era uno dei pochi modi per informarsi. 

La collaborazione di Paola Zukar, anche lei genovese,&nbsp;futura manager di Fabri Fibra, Marracash, Clementino e Madame, è stata fondamentale per la crescita di Aelle soprattutto per le sue interviste di livello internazionale. Proprio in questi giorni Aelle, attraverso la creazione delle pagine social e di un canale YouTube, ha annunciato il suo “ritorno”. A breve verrà reso operativo un sito su cui si potranno trovare curiosità e rileggere gli articoli, le interviste e gli approfondimenti della mitica rivista, riavvolgendo il nastro del tempo. Intanto sui social in questi giorni vengono pubblicate foto meravigliose come quella Questlove dei The Roots che sta guardando concentrato il numero 34 di Aelle del marzo 1999 che aveva due copertine diverse, in questo caso quella con Melma e Merda, l'altra era con i Cypress Hill. 

Ecco il post pubblicato da Claudio "Sid" Brignole per annunciare il ritorno: “Ora si può dire, nel 2022 AL Magazine torna, ma non riprendiamo le pubblicazioni dopo 20 anni, torniamo riproponendo gli articoli e recensioni apparse nei dieci anni del primo media che ha parlato di rap e hip hop in Italia”. Poi continua: “Un'operazione nostalgia? In parte ovviamente sì, ma anche un modo per creare una connessione tra i nostri giorni e gli anni ‘90 che hanno visto la nascita, lo sviluppo del rap e dell'hip hop italiano, la golden age come viene chiamata oggi. Gli ultimi tempi hanno mostrato che la scena sia sempre sostenuta dai pilastri che hanno decenni d'esperienza alle spalle senza seguire mode e trend, ma semplicemente essendo loro stessi e comunicando ciò che appartiene loro davvero. E allora qui Aelle torna in gioco, sia per i nostalgici del "era meglio ai nostri tempi" (ma noi non siamo tra questi), sia per chi è più giovane, ma ha la curiosità di capire maggiormente da dove arriva ciò che oggi lo appassiona tanto. Consiglio: se vuoi esserci ancora tra vent'anni, meglio che studi le fondamenta”. 

Ma in che maniera torna AL Magazine? “<a href="https://almagazine.it/?fbclid=IwAR38LZ07TRiD5iePVhPuTN8FqKCkiEkahKuYM2PgfBfsj9Nk17PJY_VM2jI">Con un sito dove verrà pubblicata una volta a settimana una selezione di articoli e recensioni dell'archivio di Aelle</a>, ma anche con materiale nuovo in forma di video dove ci saranno interviste che faranno da ponte tra gli anni ‘90 e i giorni nostri. E quando sarà disponibile? Entro gennaio 2022, quindi presto – conclude Sid - e se sei arrivato fino a qui allora posso chiederti di lasciare un commento in cui racconti i tuoi ricordi o fatti che ti sono accaduti relativi ad Aelle, tipo i viaggi che ti facevi per trovare un edicola che lo avesse, gli amici che hai trovato grazie alla rivista, gli artisti che ti hanno ispirato attraverso le sue pagine, quello che vuoi. Poi questi commenti verranno inseriti anche all’interno del sito perché non si perdano nel mare del web”.

Paola Zukar

2Pac

Questlove

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Aelle: la prima rivista rap in Italia è tornata

Industria

Lo storico magazine nato a Genova torna riproponendo articoli e recensioni apparsi dal 1991 al 2001: un modo per rituffarsi nella storia della cultura hip hop italiana. Ci saranno anche contributi inediti. 

<a href="http://musicbiz.rockol.it/tutto-su/nuovoimaie-453984">NUOVO IMAIE</a>&nbsp;propone una serie di incontri con protagonisti e protagoniste del panorama musicale italiano per parlare dei loro progetti, ma anche per approfondire le dinamiche che ruotano intorno all’essere Artista Interprete Esecutore.

Benché noto al grande pubblico grazie alle apparizioni a trasmissioni televisive come Made in Sud, Colorado, Stasera tutto è possibile, Mad in Italy e Audiscion, Gino Fastidio nasce come musicista: l’artista napoletano, nel 2005, debutta con un trio disco-punk, con il quale si segnala sul panorama underground con tre autoproduzioni - "L’era dello sporco digitale" (2005), "Odio l’era moderna" (2006) e "Io rifletto" (2009). Diventato popolare grazie al passaparola nel circuito live indipendente, il performer campano decide di cambiare strada, avvicinandosi al cabaret e trasformandosi in “cantautore comico”. La popolarità raggiunta grazie al piccolo schermo, tuttavia, non ha tolto a Gino Fastidio la voglia di tornare al proprio primo amore: lo scorso 6 giugno è uscito per Full Heads Records “Trockstar”, primo album ufficiale dell’artista partenopeo, che fonde alla comicità surreale che l’ha fatto conoscere alla platea generalista sonorità electro-punk. Un ritorno alle origini “necessario”, ha spiegato l’artista, che ha parlato della sua prova sulla lunga distanza come di una “liberazione”. Un disco comico, ma non necessariamente demenziale, almeno nell’accezione meno nobile del termine. Perché - come spiega lui - “chi l’ha detto che non si può ridere senza esprimere il disagio che ci circonda?”... 
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Presentando “E’ gas”, hai parlato di “Trockstar” come di “un debito che volevo saldare da anni”: c’è stato qualcosa che ti ha fatto sentire che era arrivato il momento giusto?

E’ stata più che altro una necessità: sono arrivato al punto da non poter più aspettare. Non ce la facevo più a tenere le canzoni nel cassetto, così, con l’aiuto di Luciano [Chirico, CEO di Full Heads Records, ndr], le ho pubblicate. Sentivo fosse necessario farlo… 
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Quanto tempo hai lavorato sulle canzoni finite in “Trockstar”?

In media tre o quattro anni, anche se su alcune stavo lavorando dal 2020. Su altre addirittura da prima del Covid, più o meno dal 2018… 
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Qual è stata la fase più lunga, in sede di lavorazione? La scrittura o la produzione musicale?

Per la verità, entrambe. C’è stata una prima fase di lavorazione che mi ha impegnato più sul versante musicale, poi - in un secondo momento - mi sono dedicato all’adattamento dei testi in funzione delle basi che avevo creato… 
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Il tuo progetto musicale è nato vent’anni fa, nel 2005: come hai ritrovato il mondo della musica, in tutto questo tempo? Cosa è cambiato in meglio? E cosa in peggio?

All’epoca facevamo punk demenziale, e ricordo che a Napoli, come nel resto dell’Italia, c’era una scena underground veramente corposa. Oggi, purtroppo, non si suona più. Intendo nei club. E quando si suona, anche i cantanti usano le basi. Non è una critica, vorrei essere chiaro: le basi le uso anch’io… 
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Per quelle che sono le sonorità di “Trockstar”, la tua è però una scelta artistica, non di comodo…

Sì, il suono che cercavo era quello. La presentazione del disco l’abbiamo fatto in trio, chitarra, basso e batteria, ma mi piace e mi diverte usare l’elettronica. In genere ho due set differenti: nelle situazioni più “comode”, quelle dove si può suonare live, sentendosi bene e divertendosi, la formazione che uso è il trio. Nei contesti meno attrezzati, invece, ricorro al one man show, accompagnandomi con la chitarra e le basi: dopo tutto, è la formula più semplice da organizzare… 
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Prima hai utilizzato il termine “demenziale”, al quale spesso ti si vede accostato dai media. Ti piace, come definizione, o ti va stretta? O la apprezzi in virtù del retaggio musicale che si trascina dietro, dagli Skiantos agli Elio e le Storie Tese?

Essere accostato agli artisti che hai citato non mi dispiace affatto, quindi in questo senso non ho nulla contro il termine demenziale. Però, probabilmente, non è proprio demenziale in senso stretto. Ha più a che fare con il nonsense. E poi, ovviamente, spero che l'effetto sia comico… 
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Quanto assomiglia il tuo processo di scrittura da cantautore a quello da stand up comedian? Qual è il vantaggio che gli anni passati tra teatro e cabaret ti hanno dato come artista musicale?

Sono due processi piuttosto diversi. Ho un home studio, a casa, e quando ho iniziato a fare musica il tutto è partito da fare esperimenti con gli strumenti che avevo a disposizione. Poi, pian piano, mi accorgevo in avere in mano delle tessere di un puzzle che potevo comporre, abbinando le varie basi musicali a dei testi che avevo pronti. Così ho costruito le mie canzoni. A differenza del lavoro sugli spettacoli di stand-up comedy, non partivo dall’idea di voler dire qualcosa di particolare, che invece sta alla base del mio lavoro da comico - dove, invece, la parola è assolutamente centrale, perché tutto parte da lì. Un caso ancora diverso - probabilmente a metà strada tra i due già citati - sono le canzoni [in “Trockstar, in particolare, “Skizzikea” e “Canewedde”, ndr] scritte chitarra e voce… 
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Da un punto di vista musicale, quali sono i tuoi riferimenti?

Mi piacciono i Daft Punk, i Kraftwerk e moltissime altre cose. Ascolto tantissima musica, ma non ho avuto riferimenti precisi, per “Trockstar”: non ho seguito un approccio particolare, in fase di lavorazione, concedendomi molta libertà… 
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Il tuo progetto musicale è completamente indipendente: è una scelta precisa, o semplicemente è stata la cosa più naturale per la natura del progetto stesso?

Per pubblicare “Trockstar” non ho cercato contatti con le etichette. Mi sono sentito direttamente con Luciano di Full Heads, per spiegargli il progetto. Lui ha mostrato interesse, quindi abbiamo definito i dettagli e siamo partiti: ho trovato una porta aperta e ci sono entrato immediatamente. Quindi no, non c’è stata una riflessione particolare, dietro a questa scelta… 
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Per la realizzazione di “Trockstar” hai ricevuto il contributo di NUOVOIMAIE: credi che un supporto “istituzionale” di questo genere sia importante per gli artisti che - come te - sono esterni al circuito major?

Sì, è stato molto importante. Produrre un album comporta delle spese economiche, che possono rendere difficile la gestione di un progetto: ricevere questo contributo, quindi, è stato molto bello. Allargando il campo, il lavoro di NUOVOIMAIE, anche in termini di divulgazione circa il tema dei diritti degli artisti, è fondamentale: io stesso, nonostante una carriera lunga più di vent’anni, continuo a scoprire cose nuove… 
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Stai già pensando a dare un seguito a “Trockstar”?

Per natura non riesco a stare fermo, quindi sì, sto già lavorando a nuove canzoni. Mi piacerebbe fare un disco grunge, con una direzione completamente diversa da quella di “Trockstar”, qualcosa che incorpori anche derive prog. Lo farò con la band, perché mi piace suonare dal vivo… Sì, sarà interessante: sono contento di quello che sto facendo.

Gino Fastidio

Gino Fastidio ha saldato il suo debito con la musica

Lo stand up comedian torna al suo primo amore con 'Trockstar': 'Più nonsense che demenziale. E...'

Nel secondo trimestre del 2025 Tencent Music, in principale servizio di streaming musicale cinese, ha visto le proprie entrare crescere su base annua del 17,1% a quota 611 milioni di dollari: benché il totale degli utenti attivi mensili sia diminuito (del 3,2%, a 553 milioni di unità), il DSP ha visto i propri abbonati premium crescere del 6,3% (a quota 124,4 milioni), con un ricavo medio per utente in crescita del 9,3% a 1,63 dollari per unità.

A trainare la performance è stata la nuova formula di abbonamento “Super Vip”, programma dedicato ai superfans - molto simile a quello ancora allo studio da parte di Spotify - che, nonostante i costi superiori a quelli standard, dalla sua presentazione ha raccolto oltre 15 milioni di abbonati.

"La nostra attenzione all'innovazione del prodotto per offrire esperienze utente immersive ha guidato una solida crescita nel nostro business musicale online”, ha dichiarato il CEO di Tencent Music Ross Liang: “Ciò si riflette nella continua espansione sia della nostra base di abbonati che dell'ARPPU, oltre a un maggiore coinvolgimento degli utenti. Siamo particolarmente lieti di vedere che i nostri abbonati Super Vip abbiano recentemente superato i 15 milioni, un nuovo traguardo che riflette la profonda fiducia e la fedeltà nei nostri confronti. Vediamo un grande potenziale nel settore dell'intrattenimento musicale e continuiamo a impegnarci a investire in nuove iniziative che creino valore e impatto duraturi per i creatori musicali e i consumatori”.

"Sebbene la nostra attività di abbonamento musicale sia rimasta un fattore di crescita fondamentale, la nostra gamma in espansione di servizi legati alla musica, tra cui pubblicità, concerti e merchandising degli artisti, ha mostrato uno slancio impressionante”, ha aggiunto il Presidente di Tencent Music Cussion Pang: "Mentre continuiamo a espandere la nostra piattaforma, ci concentriamo sulla creazione di una destinazione di servizi musicali dinamica e completa che dia potere ai creatori di contenuti e rimodelli i rapporti con gli amanti della musica in modi significativi”.

Tencent Music, nel Q2 2025 ricavi su del 17,1%

Entrate per 611 milioni di dollari grazie (anche) ai superfans

Si aggiunge un nuovo capitolo all’estenuante saga della quotazione sui mercati di StubHub, la piattaforma di secondary che dopo la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-724762/viagogo-cedute-attivita-stubhub-dopo-accordo-antitrust-inglese">fusione della propria branca nordamericana con Viagogo nel 2021</a> ha tentato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-727603/secondary-ticketing-stubhub-verso-la-quotazione">un primo sbarco sui mercati azionari nel 2022</a>, per poi <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743862/secondary-ticketing-stubhub-ancora-verso-la-quotazione">riprovarci (senza successo) prima nel 2024</a> e poi <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750835/stubhub-pronta-per-l-ipo">nel marzo di quest’anno</a>: secondo quanto riferito da The Information i gestori del servizio avrebbero presentato alla Securities and Exchange Commission - autorità di regolamentazione americana dei mercati azionari - ieri, lunedì 11 agosto, una nuova richiesta di IPO. L'obiettivo, sempre secondo la testata americana, sarebbe quello di sbarcare il borsa in autunno.

Il quarto tentativo dell’azienda di quotarsi sul mercato, tuttavia, non è detto che abbia esito positivo. Sempre nelle ultime ore la società ha presentato i dati relativi al secondo semestre del 2025, che hanno evidenziato un rallentamento nei ricavi (dal 30% dello scorso anno al 10% di oggi, a quota 398 milioni di dollari) con una liquidità praticamente dimezzata dal 14% al 7%: per gli analisti di StubHub l’opacità della performance sarebbe imputabile a “variazioni nelle modalità di svolgimento dei grandi eventi musicali e sportivi”.

La storia infinita: StubHub, nuovo tentativo di IPO

La piattaforma verso la quotazione in autunno: ma l’ultima trimestrale dice che…

Sta diventando un caso internazionale l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751561/streaming-tax-major-canadesi-passano-al-contrattacco">Online Streaming Act, legge canadese - più nota come streaming tax</a> - che impone ai DSP di versare il 5% dei ricavi generati dalle attività nel Paese allo Stato. Il testo, pensato per sostenere gli artisti indipendenti locali, è finito nel mirino di una delegazione repubblicana del Congresso degli Stati Uniti.

In una lettera indirizzata alla Presidenza USA i firmatari hanno invitato la Casa Bianca a fare pressioni sul governo di Ottawa perché il provvedimento venga abrogato: la speranza della rappresentanza repubblicana è che il tema della streaming tax venga inserito nei negoziati con il Canada per la definizione dei dazi commerciali con gli Stati Uniti, attualmente fissati dall’amministrazione Trump al 35%, tra le percentuali più alte fissate a livello internazionale.

"Questo settore rappresenta un motore di crescita economica per gli Stati Uniti, e dovrebbe essere considerato prioritario nei nostri negoziati in corso con il Canada”, si legge nella lettera, dove il volume d’affari dello streaming a beneficio degli USA è stato stimato (per il 2023) in 70 miliardi di dollari (14,3 dei quali derivanti dallo streaming musicale): secondo i diciotti firmatari della richiesta lo streaming act canadese “discrimina chiaramente le aziende americane, interferisce con la scelta dei consumatori e danneggia gli artisti e i titolari dei diritti americani".

Al momento non è chiaro se il governo canadese presieduto da Mark Carney posso considerare l’eventualità di abrogare la norma varata dal suo predecessore, Justin Trudeau: sul tema, la portavoce del primo ministro Emily Williams ha preferito evitare commenti.

Streaming tax, i Repubblicani USA contro il governo canadese

Pressioni sulla Casa Bianca per portare Ottawa all’abrogazione: ‘Discrimina le aziende americane’

Nella classifica Top Album FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 1 agosto 2025 al 7 agosto 2025 in prima posizione risale dalla seconda posizione&nbsp;OLLY con l'album TUTTA VITA, che scalza dalle vetta&nbsp;SADTURS &amp; KIID con NO REGULAR MUSIC 2. In terza posizione si colloca GEOLIER con DIO LO SA - ATTO II, che avanza dalla quarta posizione.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni della chart.

Nella classifica Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 1 agosto 2025 al 7 agosto 2025 "A ME MI PIACE" di ALFA &amp; MANU CHAO risale dalla seconda posizione alla prima, lasciandosi alle spalle&nbsp;"HALO" di SAMURAI JAY &amp; VITO SALAMANCA, in risalita&nbsp;dalla sesta posizione. Scende di poco ma rimane tra i primi tre "DÉSOLÉE" di ANNA, che passa dalla prima alla terza posizione.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni della chart.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Olly

Classifiche, novità 7 agosto: Olly torna in testa

'Tutta la vita' è l'album più ascoltato della settimana

L’etichetta italiana di musica cristiana La Gloria ha ottenuto un riconoscimento in occasione della prima edizione dei Catholic Music Awards, evento promosso dalla Fondazione Ramon Pané per valorizzare la musica cattolica a livello globale la cui cerimonia di premiazione si è tenuta lo scorso 27 luglio presso l’Auditorium della Conciliazione, in Vaticano. Alla label è stato assegnato il premio - destinato alle case discografiche - come miglior “Realtà musicale”.

“Questo evento, che certamente ha bisogno di maggiore sostegno da parte di tutta la Chiesa, accende un faro sui tanti artisti che si spendono quotidianamente in quello che è un vero e proprio ‘ministero’: quello di evangelizzare utilizzando quel potente e bellissimo strumento che è la musica”, ha dichiarato il direttore artistico della label Andrea Marco Ricci:&nbsp;“E' una festa più che un concorso, perché riunisce artisti di tutto il mondo accomunati dalla stessa passione e dalle stesse scelte, promuove la pace tra i popoli e l’unità della Chiesa, una grande occasione di fraternità dove tutti siamo invitati a gareggiare solo nello stimarci a vicenda e a incoraggiarci. Lavoriamo perché ce ne possano essere altre edizioni. Che sia di incoraggiamento a tutti gli artisti, premiati, nominati o meno cui va il nostro sostegno e abbraccio”.

Alla loro prima edizione, i Catholic Music Awards hanno ricevuto quasi 1.500 candidature da tutto il mondo, con riconoscimenti in varie categorie per artisti di lingua italiana, inglese, spagnola e portoghese. La serata, aperta dal Cardinale Óscar Andrés Rodríguez Maradiaga, ha visto le esibizioni di artisti internazionali come Matt Maher e Rob Galea, insieme agli italiani Gen Verde, The Sun, Debora Vezzani, Kantiere Kairòs e d_Peppe.

Nelle categorie dedicate agli artisti La Gloria ha visto diversi artisti del proprio roster premiati come - tra gli altri -&nbsp;The Sun (miglior band, miglior video e canzone italiana), Reale (miglior brano in portoghese, miglior brano rock e pop),&nbsp;Debora Vezzani (miglior cantante femminile).

All’artista italiano e star internazionale Andrea Bocelli è andato un premio alla carriera.

A <a href="https://catholicmusicawards.world/winners-italiano/">questo indirizzo</a> è disponibili l'elenco dei riconoscimenti assegnati.

I Catholic Music Awards hanno anticipato di qualche giorno il Giubileo dei Giovani, che il 2 agosto scorso, a Tor Vergata, ha visto oltre trenta artisti esibirsi in occasione della Veglia con Papa Leone XIV davanti a oltre un milione di giovani: tra gli artisti intervenuti - oltre ai già citati Reale e The Sun - ci sono stati gli italiani Gen Rosso, Kantiere Kairòs, Marco Mammoli, Elena Martelli e Nuovi Orizzonti Music, Dajana con Erminio Sinni, Rinnovamento nello Spirito Santo, Grande Coro Hope Music e Tu sei Bellezza, e le star internazionali Matt Maher (titolare di nove nomination ai Grammy e tre volte vincitore del GMA Dove Award), Sarah Kroger e il brasiliano Thiago Brado (che ha lanciato con i Reale il duetto “La mia essenza”, versione italiana di un suo successo internazionale). Il Volo è intervenuto per una partecipazione straordinaria con una performance accompagnata dal Coro della Diocesi di Roma diretto dal Mons. Marco Frisina.

Catholic Music Awards, premiata l’etichetta La Gloria

Vittoria della label come miglior ‘Realtà musicale’. Tanti i riconoscimenti per gli artisti italiani

Nel secondo trimestre del 2025 Live Nation ha registrato ricavi per 7 miliardi di dollari, in crescita del 16% su base annua: al brillante risultato - che ha portato il reddito operativo del gruppo californiano a 487 milioni di dollari (+4% su base annua) ha contribuito la redditività record dei concerti e la partecipazione dei fan, aumentata del 14% rispetto allo stesso periodo dello scorso anno a 44 milioni (con la presenza ai grandi eventi negli stadi addirittura triplicata).

I biglietti venduti hanno superato la soglia del 130 milioni, in crescita del 6%. L’andamento delle vendite è stato definito dall’azienda “ottimo” in tutte le fasce di prezzo: oltre il 40% degli show ha esaurito il 95% degli ingressi a disposizione nella prima settimana di messa in vendita. Alla luce dei risultati conseguiti al termine del primo semestre, gli analisti di Live Nation prospettano “un altro anno record”, con circa 70 milioni di fan accolti complessivamente ai propri concerti.

La divisione dedicata ai concerti di Live Nation ha fatto segnare il proprio miglior trimestre di sempre in termini finanziari, con 6 miliardi di dollari di entrate (+19% su base annua): a dare slancio alla performance è stato l’aumento del volume di spettatori di oltre il 30% rispetto allo stesso periodo del 2024, grazie alle prestazioni particolarmente brillanti sui mercati europei, asiatici e dell’America Latina.

La divisione dedicata alle venue del gruppo sta puntando sull’ampliamento del portfolio delle strutture di proprietà, con una “pipeline di sviluppo in continua crescita, che prevede l'apertura di dieci nuove grandi strutture il prossimo anno, ciascuna con una capacità di 3.000 unità e oltre, negli Stati Uniti e nei mercati internazionali”. Secondo Live Nation gli investimenti in nuove costruzioni e in ristrutturazioni “continuano a generare rendimenti superiori al 20%”, grazie alla robusta redditività delle concessioni (in crescita a doppia cifra).

Ticketmaster, la divisione dedicata alla biglietteria del gruppo, ha registrato ricavi per 743 milioni di dollari, in crescita del 2% su base annua, con oltre 83 milioni di tagliandi venduti (+4% su base annua): anche in questo settore, a trainare la performance sono state le vendite sui mercati internazionali, cresciute a doppia cifra.

Live Nation Sponsorship, la divisione del gruppo dedicata alla pubblicità, nel Q2 è cresciuta del 9%, generando ricavi per 341 milioni di dollari grazie all’ampliamento del portafoglio di partnership, che ha riguardato brand come Kraft Heinz, Airbnb e Samsung.

"L'espansione globale continua a trainare la crescita dei tour, con l'affluenza dei fan che raggiunge nuovi massimi e un forte acquisto di biglietti a ogni fascia di prezzo, dai VIP alle ultime file”, ha dichiarato il Presidente e CEO di Live Nation Michael Rapino: “Per rispondere a questo slancio, stiamo ampliando il nostro portfolio di location globali e investendo negli artisti che rendono tutto ciò possibile. Continuiamo a registrare ricavi e vendite di biglietti per concerti da record e, con investimenti concentrati sui mercati in forte crescita e sulle esperienze dei fan, siamo posizionati per aumentare il reddito operativo e il reddito operativo rettificato a due cifre quest'anno e negli anni a venire”.

Live Nation, nel Q2 2025 ricavi su del 16% a $ 7 miliardi

La performance trainata dalla crescita internazionale: record di biglietti venduti

Sarà “un’edizione straordinaria” quella del 2025 del KeepOn Live Fest, meeting nazionale degli spazi di musica dal vivo promosso dalla rete KeepOn Live: l’evento, in programma per i prossimi 24, 25 e 26 settembre, si terrà tra Palermo e Novara.

La prima parte della manifestazione, tra il 24 e 25 settembre, sarà ospitata da Palermo, e - oltre a panel e showcase - farà da cornice alla tappa inaugurale del corso di formazione nazionale di "Sounds Rights", il progetto di Note Legali - finanziato dall’Unione Europea tramite il programma LIVEMX -&nbsp; ideato per sostenere e formare professionisti e professioniste della filiera musicale.

“Nel 2025 il Fest tornerà in Sicilia, sempre a Palermo, a conferma del fatto che le cose che funzionano beneficiano anche della facoltà di ripetersi”, ha dichiarato Davide Fabbri, Presidente di KeepOn Live: “Una possibilità che è direttamente collegata al valore che la scena musicale attribuisce al nostro festival, l’evento di (e per) chi organizza eventi”. Come lo scorso anno, l’evento sarà diffuso tra vari spazi di musica live della città.

Il 26 settembre l’evento proseguirà a Novara all’interno di ArtLab, piattaforma dedicata al settore culturale sostenuta da Fondazione Cariplo e dal Comune di Novara, dove il focus sarà centrato sui nuovi modelli di investimento sugli spazi culturali, sullo sviluppo degli spazi sociali ibridi, sul ruolo della cultura nella rigenerazione territoriale e sull’innovazione digitale nei settori culturali e creativi. La tappa novarese si chiuderà con una festa per i 20 anni di KeepOn Live.

“Vent’anni di montagne russe per il contesto della musica dal vivo, che ha risentito di ogni accadimento globale, ma nei quali KeepOn non è rimasta indifferente: è cambiata e si è modellata per accompagnare gli spazi in questi passaggi e - oggi possiamo dirlo - riuscendo ad alzare l'asticella di riconoscimento, riconoscibilità e sostegno ai Live Club e Festival italiani”, ha dichiarato Federico Rasetti, direttore di KeepOn Live: “Lo testimonia il fatto che non basti più fisicamente andare in un una sola città ed in un solo territorio, ma sia anzi necessario rispondere a chiamate e approfondire luoghi diversi, nonché ibridare il settore degli spazi di musica dal vivo in contesti sempre più vari. Siamo contenti di vedere come si riconosca sempre più l’importanza degli spazi di musica dal vivo per la cultura, ma anche per i territori e lo vediamo soprattutto nei lavori di mappatura che abbiamo portato avanti in questi anni. Questo riconoscimento crediamo debba essere uno stimolo per la nostra filiera: parleremo molto, durante questa edizione del KeepOn Live Fest dell’importanza di auto-riconoscersi e di rimanere coesi, in un sistema dove la concentrazione di fondi, di economie e di politiche è sempre più accentrata sui grossi player,&nbsp; peraltro molto spesso stranieri. È fondamentale che il settore degli spazi inizi a ragionare su come mettere in comune delle risorse per rafforzarsi, anche attraverso la rappresentanza, e quindi contare sempre di più, forti del ruolo culturale che la musica agisce in Italia”.

Il programma degli eventi sarà comunicato nel dettaglio nelle prossime settimane sul sito ufficiale di KeepOn Live.

KeepOn Live Fest 2025, l’evento si sdoppia tra Palermo e Novara

I primi dettagli sulla prossima edizione del meeting degli spazi di musica dal vivo

AGCOM ha reso note le modifiche al Regolamento in materia di tutela del Diritto d’Autore sulle reti di comunicazione elettronica, inserendo nuove previsioni di tutela dei prodotti musicali al termine di un processo iniziato lo scorso marzo con l’avvio di una consultazione pubblica partecipata da FPM – Federazione contro la Pirateria Musicale e Multimediale.

“In sede di consultazione FPM aveva chiesto di estendere l’utilizzo della piattaforma Piracy Shield alle pre-release (opere diffuse abusivamente prima del loro rilascio ufficiale sul mercato) e di garantire le forme di tutela delle piattaforme a tutte le opere sonore per le due settimane successive alla loro pubblicazione”, ha fatto sapere la Federazione contro la Pirateria Musicale e Multimediale in una nota: “Accogliendo le richieste dell’industria musicale, AGCOM si pone ancora una volta all’avanguardia nella tutela della proprietà intellettuale, arricchendo il Regolamento di nuovi e preziosi strumenti”.

“A conferma dell’impegno continuo nella difesa dei diritti dell’industria musicale, FPM può contare sugli strumenti operativi di alto livello di DcP – Digital Content Protection, società di servizi di alto profilo tecnologico fondata e posseduta dalla Federazione”, ha spiegato la federazione: “Nata dall’esperienza trentennale di FPM, DcP supporta l’attuazione delle strategie di enforcement e il dialogo tecnico con le Autorità, contribuendo a rendere sempre più efficace il sistema di contrasto alla pirateria online”.

Il nuovo regolamento prevede il blocco dei siti che mettono a disposizione abusivamente le pre-release entro 30 minuti dalla segnalazione e che mettono a disposizione opere musicali pubblicate nelle due settimane precedenti entro 30 minuti dalla segnalazione: è stata inoltre confermata la possibilità di bloccare a livello IP i siti illegali in qualsiasi caso.

FPM, Piracy Shield più potente contro la pirateria musicale

Accolte dall'AGCOM le richieste dell'industria di settore

Nel secondo trimestre del 2025 Warner Music ha registrato un fatturato complessivo pari a 1,68 miliardi di dollari, in crescita del 8,7% su base annua.

I ricavi da musica registrata sono aumentati dell'8,2% su base annua, “trainati - spiega la major - dagli incrementi nei ricavi digitali, nei servizi agli artisti e nell'ampliamento dei diritti e delle licenze, parzialmente compensati da una diminuzione dei ricavi fisici”. I ricavi dal digitale sono aumentati del 5,3%, con quelli da streaming cresciuti del 3,7%.&nbsp;

“La crescita dei ricavi da musica registrata è stata influenzata negativamente dalla risoluzione di BMG, che ha comportato una riduzione di 14 milioni di dollari rispetto al trimestre dell'anno precedente (10 milioni di dollari in formato fisico e 4 milioni di dollari in streaming)”, ha spiegato WMG: “Al netto di queste voci, i ricavi totali sono aumentati del 10,1%, e i ricavi digitali sono aumentati del 6,7%. I ricavi da licenze sono aumentati del 23,3%, “trainati dagli accordi di licenza principalmente nel Regno Unito e in Cina e dalla tempistica di altri accordi per violazione del copyright”. I ricavi derivanti dai servizi agli artisti e dall'espansione dei diritti sono aumentati del 22,6%, “grazie ai maggiori ricavi derivanti dalla promozione dei concerti, principalmente in Francia e Spagna”. I ricavi generati dai mercati fisici sono diminuiti dello 0,8%, “poiché la crescita derivante dalle ottime uscite in Corea e Giappone è stata compensata dall'impatto di 10 milioni di dollari della risoluzione del contratto con BMG”.

I ricavi dell'editoria musicale sono aumentati del 10,2% su base annua. “L'aumento è stato trainato dalla crescita dei ricavi digitali, delle performance, della sincronizzazione e della musica meccanica”, ha chiarito il gruppo: “I ricavi digitali sono aumentati del 5,2% e i ricavi dello streaming sono aumentati del 5,2%, trainati dall'impatto dei rinnovi degli accordi digitali, principalmente negli Stati Uniti. I ricavi delle performance sono aumentati dell'11,5%, attribuibile alla crescita di concerti, radio ed eventi dal vivo principalmente in Europa”. Il segmento delle sync è cresciuto del 28,6%, mentre i ricavi da riproduzione meccanica sono aumentati del 23,1%.

L'utile operativo è diminuito del 18% a 169 milioni di dollari rispetto ai 207 milioni di dollari del trimestre dell'anno precedente: l’utile operativo lordo rettificato è aumentato del 18% a 373 milioni di dollari, rispetto ai 316 milioni di dollari del trimestre dell'anno precedente, mentre la liquidità generata dalle attività operative è diminuita a 46 milioni di dollari rispetto ai 188 milioni di dollari del trimestre dell'anno precedente.

"In questo trimestre abbiamo ottenuto grandi successi in classifica, abbiamo visto nascere star nel nostro roster, e abbiamo registrato una forte crescita del fatturato e guadagni di quote di mercato”, ha commentato Robert Kyncl, CEO di Warner Music Group: “Tutti fattori che dimostrano che la nostra strategia sta funzionando. Mentre continuiamo a far evolvere la nostra azienda, ci stiamo concentrando sugli artisti, sugli autori e sui mercati con il maggiore potenziale, ampliando al contempo il nostro catalogo iconico e creando team e strumenti dinamici che aiuteranno i nostri talenti ad avere il maggiore impatto globale".

"La nostra solida performance in questo trimestre riflette il nostro impegno a investire nella grande musica, a promuovere una maggiore efficienza e a creare valore a lungo termine per i nostri artisti, autori e azionisti", ha aggiunto Armin Zerza, CFO di Warner Music Group: "Ci concentriamo sull'accelerazione della crescita del nostro core business, sull'espansione dei margini e sull'impiego del capitale in modo da rafforzare il nostro impatto creativo e finanziario".

Warner Music, nel Q2 2025 ricavi su del 8,7% a $1,68 mld

Il CEO Robert Kyncl: ‘La nostra strategia sta funzionando’

Nel secondo trimestre del 2025 Sony Music ha generato ricavi per 2,76 miliardi di dollari, in crescita dell’8,8% su base annua. Il settore della musica registrata, complessivamente, ha contribuito al bilancio delle entrate per 2,09 miliardi di dollari (+8,4% su base annua), dei quali 1,36 ascrivibili al segmento streaming (+7,3% su base annua). A brillare nella divisione dedicata alla discografia è stato il formato fisico, che tra gli scorsi mesi di aprile e giugno ha registrato una crescita del +19% su base annua, generando ricavi per 180 milioni di dollari. Le linee di ricavo secondarie - merchandising, licensing, sync e pubblica esecuzione - hanno generato complessivamente 481 milioni di dollari (+3,1% su base annua).

La divisione dedicata all’editoria della major nel secondo trimestre 2025 ha generato 683 milioni di dollari, in crescita del 9,9% su base annua: solo il consumo di catalogo sulle principali piattaforme digitali ha fruttato a Sony Music Publishing 392 milioni di dollari (+8% su base annua).

“Nella segmento della musica registrata, gli album delle etichette discografiche di proprietà e distribuite da SME (Sony Music Entertainment) hanno conquistato il 42% della top 10 settimanale degli album globali su Spotify durante il trimestre, con la nuova uscita di Bad Bunny che ha conquistato il primo posto per 6 settimane consecutive”, ha fatto sapere la major in una nota: “Il contributo dei prodotti in catalogo ai nostri ricavi continua&nbsp;ad aumentare, e continuiamo ad impegnarci nell'acquisizione di cataloghi sia nel settore&nbsp;della musica registrata che in quello dell'editoria musicale, perché crediamo che&nbsp;l'opportunità di aumentare la monetizzazione di queste risorse acquisendone di più continuerà”.

Sony Music, nel Q2 2025 ricavi su dell’8,8% a $2,76 mld

Bene sia musica registrata che edizioni: crescita a doppia cifra del fisico (+19%)

beatBread, la piattaforma che permette ad artisti ed etichette di finanziarsi tramite anticipi sui propri ricavi dalle attività di streaming e airplay, ha annunciato di aver ricevuto 124 milioni di dollari in finanziamenti da investitori tra i quali figurano Citi, Deciens Capital, Mucker Capital e Advantage Capital. Il capitale - hanno fatto sapere i gestori del servizio, che dall’inizio della sua attività ha collaborato con oltre 1300 clienti, erogando importi compresi tra i 1000 e i 10 milioni di dollari - sarà impiegato per espandere le attività commerciali e di marketing, oltre che le lo sviluppo di nuovi prodotti che rendano i finanziamenti ad artisti, autori ed etichette più flessibili.

"A beatBread stiamo costruendo una base finanziaria per una vera indipendenza degli artisti e delle etichette”, ha dichiarato il CEO della società Peter Sinclair: “Offrendo ai creator più scelta, più accesso e più controllo, li aiutiamo a rimanere indipendenti alle loro condizioni. Crediamo in un futuro in cui artisti ed etichette indipendenti avranno il potere e la libertà di plasmare il proprio successo, confrontare diverse opzioni di finanziamento da diverse fonti e fare la scelta giusta per loro, che si tratti di finanziamenti da beatBread, da un partner o persino da un concorrente".

"Siamo entusiasti di supportare beatBread, che offre agli artisti indipendenti soluzioni di finanziamento basate sulla tecnologia”, ha aggiunto Lee Smallwood, Head of Markets Innovation and Investments di Citi: “Questo investimento segna anche un passo significativo nella nostra esposizione alle royalty musicali come asset class in ripresa".

beatBread, raccolti 124 milioni di dollari di investimenti

Per finanziare gli anticipi agli artisti: tra gli investitori anche Citi

Potrebbe concludersi positivamente il negoziato tra Comune di Sanremo, RAI e industria discografica per raggiungere un accordo riguardo l’organizzazione delle prossime tre edizioni del Festival della Canzone Italiana. Secondo quanto riferito da Mario Ajello sul Messaggero di fronte al possibile Aventino di servizio pubblico ed etichette - sia <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752818/festival-di-sanremo-via-da-sanremo-la-rai-pronta-a-fare-da-sola">RAI</a> che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752722/sanremo-2026-fimi-pronti-a-tirarci-indietro">FIMI</a> avevano esplicitamente fatto sapere di essere pronte al passo indietro&nbsp;nel caso Palazzo Bellevue non avesse rinunciato alle richieste presentate nel bando di gara per l’organizzazione della manifestazione - il Municipio della cittadina ligure avrebbe aperto alla richieste delle controparti per scongiurare la rottura definitiva.

Il Comune, secondo quanto riferito, si sarebbe impegnato a rinunciare all’incasso dell’1% dei ricavi pubblicitari - condizione, tra quelle imposte, più sgradita a viale Mazzini, non solo per ragioni finanziarie ma anche per motivi strategici, perché avrebbe costretto il gruppo a rendere pubblici dati sensibili riguardanti la propria operatività - e a farsi carico dell’ospitalità degli artisti in gara e dei relativi staff, onere fino all’ultima edizione del Festival in carico alle label, alle quale veniva erogato un rimborso comunque giudicato dal settore gravemente insufficiente.

I segnali di apertura da parte del Comune segnano una parziale vittoria della linea intransigente tenuta da Rai e discografia, che però deve essere ancora formalizzata perché la macchina organizzativa del Festival possa effettivamente mettersi in moto: sempre secondo fonti di stampa il servizio pubblico - dati i tempi tecnici indispensabili per mettere in scena la manifestazione nella seconda metà del prossimo mese di febbraio - avrebbe indicato per la fine di questo agosto il termine ultimo per siglare ufficialmente il patto con il Comune.

Sanremo, il Comune apre alle richieste di Rai e discografia

Secondo indiscrezioni la città pronta a contribuire concretamente alla manifestazione

L’app di mobile payment Satispay e la piattaforma di ticketing TicketOne hanno annunciato l’integrazione del circuito della tech company tra i metodi di pagamento accettati dalla società italiana parte del gruppo CTS Eventim. L’accordo, “per la community di oltre 5,5 milioni di utenti creatasi attorno al circuito di pagamento mobile di nuova generazione - e in continua crescita - aggiunge la possibilità - spiegano le società in una nota congiunta - di acquistare con la massima semplicità, e la tipica esperienza rapida e fluida, anche i biglietti del più ricco calendario di eventi live in programma”.&nbsp;

Per TicketOne, questa partnership “significa ampliare ulteriormente le opzioni di pagamento a disposizione degli utenti, offrendo un’esperienza d’acquisto ancora più semplice per accedere a concerti, spettacoli, eventi sportivi e culturali”.

“La collaborazione ha inizio in un periodo ricco di eventi, tra la fine dell’estate e l’inizio della stagione autunnale, caratterizzata da un fitto calendario di concerti, spettacoli teatrali e manifestazioni culturali e sportive”, hanno spiegato Satispay e TicketOne: “L’obiettivo comune è rendere l'esperienza d'acquisto più semplice per gli appassionati di eventi live, aggiungendo una modalità di pagamento rapida e pratica accanto a quelle tradizionali già presenti su Sito ed App TicketOne.it e sul sito ufficiale di rivendita fanSALE.it”.

“Siamo costantemente al lavoro per accrescere le opportunità di utilizzo di Satispay per la nostra community di milioni di persone che, a gran voce, ci testimonia ogni giorno nei numeri la preferenza per il nostro sistema di pagamento”, ha commentato Angela Maria Avino, Chief Business Development Officer di Satispay: “Al contempo i nostri sforzi si concentrano anche sulla possibilità di offrire a più merchant possibili, fisici e online, il valore di un sistema di pagamento in grado di generare relazione e fidelizzazione, sostenuta anche dell’importante programma di loyalty messo in campo con Satispay Punti. L'integrazione con TicketOne rappresenta l’esempio perfetto di come, consolidando la nostra presenza nel mondo dell’intrattenimento, generiamo valore per tutti, facilitando per i nostri utenti l’accesso a un mondo di esperienze che incidono sulla vita quotidiana delle persone, e portando il valore della nostra tecnologia in settori strategici online come l'entertainment, dove l'esperienza d'acquisto fa ancora più la differenza”.

“La collaborazione con Satispay rappresenta un'evoluzione naturale della nostra strategia di innovazione digitale”, ha dichiarato Giorgio Aretino, Online Marketing &amp; Ecommerce Director di TicketOne: “Vogliamo continuare a investire in nuove tecnologie per offrire ai nostri clienti un’ampia gamma di soluzioni sempre più avanzate e personalizzate. Satispay si inserisce perfettamente in questa visione, permettendoci di rispondere con maggiore flessibilità alle diverse esigenze di pagamento del nostro pubblico. L’integrazione assume inoltre un valore strategico alla luce della crescente centralità della Gen Z, una generazione sempre più attratta da strumenti di pagamento smart e da un’esperienza utente fluida e intuitiva".

TicketOne, una partnership con Satispay

L’accordo ‘amplia l'ecosistema di pagamenti digitali per il più ricco calendario di eventi live’

Capo Plaza è stato coinvolto nel lancio della nuova divisa della Salernitana, realizzata da Puma: la prima maglia della squadra campana (nella foto, indossata dall'artista) è caratterizzata da un inserto bianco che richiama quella utilizzata nel corso della stagione 1983 / 1984, e realizzata in tessuto traspirante dryCELL. Il colore granata - recita la nota di presentazione - “forma un blocco unico con i calzoncini (...) e i calzettoni”.

“Il nuovo home kit nasce dalla voglia di segnare la partnership tecnica Puma-Salernitana con un riferimento al senso di appartenenza, alle radici che più sono forti e più aiutano a stare in piedi, a crescere forti, a saper innovare”, ha fatto sapere l’azienda: “Valori in comune con Capo Plaza, che qualche giorno fa ha già ‘spoilerato’ la nuova felpa black Puma esibendosi nella sua città e ‘digitando’ il suo prefisso sulle spalle, lo 089”.

La nuova divisa della Salernitata per il campionato 2025/26 sarà acquistabile presso i rivenditori autorizzati Puma, tramite lo store online dell'U.S. Salernitana 1919 e - dalle prossime settimane - anche alla riapertura dello store ufficiale granata a Salerno, in piazza Caduti Civili di Guerra, 2. Il costo della maglia gara è di 80 euro (più 10 per la personalizzazione).

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Capo Plaza

Capo Plaza, una partnership con Puma per la Salernitana

Il nuovo home kit della squadra promosso dal rapper campano

Sony Music ha citato in giudizio Infinite Reality, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750894/infinite-reality-acquisisce-napster-per-207-milioni-di-dollari">la società che lo scorso marzo ha acquisito Napster</a>, per mancato pagamento di royalties: la major ha presentato una richiesta di risarcimento pari a 9,2 milioni di dollari, cifra che secondo i querelanti corrisponderebbe non solo all’ammontare dei diritti maturati a partire da oltre un anno fa, quando si sarebbero interrotti i pagamenti da parte di Napster, ma anche all’utilizzo del catalogo del gruppo da parte dell’azienda a partire dallo scorso giugno, data di scadenza dell’accordo di licenza tra le parti che non è stato rinnovato proprio a causa dell’inadempienza di Napster.

“Non abbiamo commenti sul contenzioso in corso”, ha fatto sapere Infinite Reality in una nota consegnata all’edizione americana di Billboard: “Diamo grande valore ai rapporti con tutti i nostri partner. Restiamo impegnati a ricostruire i rapporti con tutte le principali etichette discografiche e confidiamo in una risoluzione rapida e amichevole”.

Quella con Sony Music non è la prima vertenza per mancato versamente di royalties che interessa Napster: a luglio SoundExchange ha intentato causa a Sonos per mancato pagamento dei diritti maturati dal suo servizio Sono Radio riferiti al periodo compreso tra il 2020 e il 2023, quando era gestito proprio da Napster.

Sony Music, una causa a Napster per 9,2 milioni di dollari

Per royalties non pagate. I querelati: ‘Stiamo ricostruendo i rapporti con i partner discografici’

La società specializzata in intelligenza artificiale ElevenLabs ha annunciato il lancio di Eleven Music, modello di AI generativa musicale che permette la creazione di tracce ad alta qualità grazie a semplici prompt vocali. A differenza di competitor come Suno e Udio, Eleven Music opera sulla base di accordi di licenza stipulati con due player di primissimo piano sul panorama indipendente internazionale, Kobalt e Merlin.

"Eleven Music è stata creata in collaborazione con artisti, etichette discografiche ed editori, e include misure di protezione per proteggere i titolari dei diritti", ha precisato la nota stampa del progetto.

“I nostri autori e clienti si affidano a noi per garantire che la rivoluzione dell'intelligenza artificiale includa sia solide tutele per i loro diritti di proprietà intellettuale per la formazione sull'intelligenza artificiale, sia opportunità lungimiranti e ponderate per partecipare ai flussi di entrate dell'intelligenza artificiale, nel rispetto di criteri chiari ed equi”, ha precisato il CEO di Kobalt Laurent Hubert: “ElevenLabs è stato un partner collaborativo, impegnato a reperire i dati direttamente dai titolari dei diritti e a proteggerli".

"Siamo entusiasti di collaborare con ElevenLabs”, gli ha fatto eco il CEO di Merlin Jeremy Sirota: “La nostra partnership con loro dimostra che i titolari dei diritti musicali possono negoziare accordi ponderati e lungimiranti con le aziende di intelligenza artificiale”.

"Insieme abbiamo creato delle linee guida responsabili che mostrano come le aziende di intelligenza artificiale e i titolari dei diritti musicali possono collaborare".

"Come azienda audio che si occupa di intelligenza artificiale, espanderci nel settore musicale è stata una progressione naturale e siamo entusiasti di presentare oggi Eleven Music", ha aggiunto il CEO di ElevanLabs Mati Staniszewski: "Abbiamo ricevuto un'enorme richiesta da parte dei nostri partner aziendali e degli utenti per un modello musicale come questo e ci siamo presi il tempo necessario per distribuirne uno che siamo certi piacerà loro. Siamo orgogliosi di farlo in collaborazione con partner dell'industria musicale che riconoscono gli enormi vantaggi e le possibilità dell'innovazione dell'AI nella musica”.

Per tutelare i titolari dei diritti, Elevan Music vieta espressamente l’utilizzo, nei prompt, dei nomi di artisti esistenti - viventi e non - e i titoli di album e canzoni, oltre che ai nomi di case discografiche e società di edizioni, di elementi testuali che facciano riferimento a brani specifici, e di richieste che portino il modello a effettuare voice cloning di qualsiasi artista musicale.

Secondo quanto riferito da MBW tra gli aspetti rivoluzionari dell'accordo - che potrebbe servire da modello a un'intesa su vasta scala tra industria creativa e settore tecnologico - c'è anche una sostanziale parità tra musica registrata ed editoria nelle royalties generate dall'utilizzo del servizio.

ElevenLabs lancia Eleven Music

Per il nuovo modello di AI generativa musicale la società ha siglato accordi con Kobalt e Merlin

Margherita Gnech (nella foto), <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752763/sony-music-publishing-italia-margherita-gnech-e-la-nuova-md">dall’inizio dello scorso giugno alla guida di Sony Music Publishing Italy</a>, ha un profilo professionale piuttosto atipico per l’industria musicale italiana. Laureata in Giurisprudenza, Avvocato, con Master in Tech Law &amp; Digital Transformation, la nuova Managing Director della branca editoriale della major nel nostro Paese è, in tutto e per tutto una tecnica, con il plus indispensabile della passione per la musica, presente da generazioni nella sua famiglia. Tra i suoi trascorsi lavorativi non ci sono periodi di apprendistato in etichette o società di edizioni indipendenti, ma esperienze in grandi studi legali internazionali come Osborne Clarke e Simmons &amp; Simmons. Una carriera già solida e promettente, alla quale però mancava qualcosa. “In Osborne Clarke tra i nostri clienti c’era una delle major, che ho avuto modo di seguire per una serie di consulenze e contenziosi”, racconta Gnech a MusicBiz: “Data la mia forte passione per la musica, quel mondo mi ha molto affascinata. La vita negli studi legali è dura: non ci sono orari, non c’è weekend. Quando ho visto che presso Sony Music Publishing Italia c’era una posizione aperta mi sono buttata…” 
&nbsp;

Ma era il periodo del Covid…

Già. Avevo già fatto le selezioni, poi - poco dopo - è scoppiata la pandemia. Credevo che tutto fosse andato a monte. A marzo 2020, come tutti, lavoravo da casa, sette giorni su sette, fino a tarda notte. Un giorno mi chiama Roberto Curti [General Manager di SMP Italy, ndr] per chiedermi se fossi ancora interessata al posto. Ovviamente gli ho risposto che sì, ero ancora interessata. Molto interessata. 
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Il tuo retroterra professionale è prettamente tecnico. Qual è il tuo background musicale?

Vengo da una famiglia di appassionati di musica, di ogni genere, dal rock alla classica. Ma, essendo una millennial, sono cresciuta col pop, il genere che ancora seguo più di tutti, specialmente dal vivo. Mai avrei pensato che sarebbe diventato il mio lavoro… 
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E invece sei finita nel publishing, uno dei comparti più sfaccettati e complessi dell’industria musicale…

Se ti piace la musica, il tuo lavoro non può che essere quello dell’editore. L’editore crea le canzoni, da zero. Ricordo ancora l’emozione provata quando durante la mia prima settimana in SMP, con le colleghe A&amp;R, abbiamo aperto e ascoltato una cartella dropbox di provini di brani dei nostri autori, scritti per artisti interpreti terzi. In base alle atmosfere, alle topline, al testo e alle melodie immaginavamo a chi avremmo affidato queste canzoni. E’ davvero il lavoro migliore che avrei potuto immaginare. Peccato che sia ancora pressoché sconosciuto, sia presso il pubblico che presso gli stessi addetti ai lavori. E’ incredibile quanti artisti, ancora, non riescano a cogliere i vantaggi di lavorare con un editore… 
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Qual è stata la prima cosa alla quale hai pensato quando ti è stata confermata la nomina a Managing Director?

Assumere un direttore artistico. Le selezioni sono già state avviate, non dovrebbe mancare molto… 
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Perché un direttore artistico?

I risultati più recenti – come, ad esempio, l’assenza dall'edizione 2025 del Festival di Sanremo – evidenziano la necessità di rafforzare la presenza di una figura creativa che possa rappresentare in modo chiaro e autorevole l’azienda verso l’esterno. È un tema che riguarda la percezione e la credibilità nel mercato, soprattutto in un settore dove le relazioni e la visibilità sono fondamentali. Attualmente, il mio ruolo comporta responsabilità operative e strategiche, che non consentono di seguire in modo continuativo anche la direzione creativa di un’area così centrale per l’identità dell’azienda. Proprio per questo ritengo importante che le due funzioni restino distinte e possano contare su un presidio dedicato e competente. 
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Cosa hai notato, dell’azienda Sony Music Publishing, dalla tua nuova prospettiva di Managing Director?

Dal momento in cui mi è stata ufficializzata la nomina, ho subito ricevuto tantissimo supporto, sia a livello locale che a livello internazionale. Dai vertici global alle dirigenze locali, ho sentito tutti davvero molto vicini nell’aiutarmi a elaborare piani e strategie. Ho avuto la sensazione di trovarmi in un ambiente familiare, nonostante la dimensione da multinazionale. Lavoriamo tutti come una squadra: sembra strano, ma è una cosa da non dare affatto per scontata, nel nostro settore… 
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Come vedi posizionata Sony Music Publishing Italy sul mercato nazionale?

Il nostro obiettivo è tornare a essere un punto di riferimento per il pop mainstream, segmento dove - per via di determinate scelte strategiche - negli ultimi anni abbiamo perso un po’ di terreno: quindi ci rimboccheremo le maniche per tornare ad avere un ruolo da protagonisti. Sul fronte indie - che oggi può essere considerato parte effettiva del mainstream - siamo sempre stati forti, grazie anche al lavoro di Roberto Trinci - già nostro direttore artistico ai tempi di EMI - e del team. Siamo riusciti negli anni a farci un nome nel segmento urban, genere su cui puntiamo moltissimo anche a livello internazionale, grazie anche a una figura appositamente dedicata. 
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Per quanto riguarda il catalogo, invece, quali sono i vostri obiettivi per crescere nello sfruttamento dei repertori nazionali?

Sul fronte sync siamo sempre stati un team molto forte: su Milano abbiamo in essere diversi accordi sul versante pubblicitario, con partnership molto interessanti con diverse case di moda e operazioni di alto profilo con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748687/francesco-de-gregori-principe-sync-pubblicita-enel-canzoni">grandi aziende come Enel</a>. Siamo, insomma, un punto di riferimento per tante realtà molto importanti. Riguardo invece cinema e TV, il nostro ufficio a Roma è un presidio importantissimo: abbiamo tanti autori di livello impegnati nella scrittura di colonne sonore coi quali continuiamo a lavorare, e sui quali continuiamo a investire, oltre che una serie di accordi di consulenza volti a rafforzare sempre più i nostri rapporti con le società di produzione e i music supervisor. 
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E per quanto invece riguarda le brand partnership?

Benché non sia considerato un ambito operativo proprio del publishing - perché il ritorno in termini di immagine che può avere una label non è mai stato recepito dagli editori come una fonte di potenziali introiti immediati - credo che in futuro si debba lavorare anche in quella direzione, soprattutto a beneficio degli autori emergenti. E’ sicuramente un segmento sul quale ci concentreremo. 
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Quali altri progetti vi impegneranno, a breve termine?

Stiamo organizzando un camp internazionale dedicato alle sync in concomitanza con la prossima edizione della Milano Music Week, proprio per sfruttare la presenza in città degli operatori generata dalla manifestazione. E continuiamo a lavorare moltissimo sul roster dei nostri autori, che vogliamo nutrito ma non troppo affollato: non ha senso mettere sotto contratto artisti e poi lasciarli parcheggiati perché manca il tempo di seguirli. Sarebbe controproducente per noi, in termini di reputazione, ma - soprattutto - ingiusto nei loro confronti. 
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Oggi quali sono le aree di ricerca migliori per fare scouting di autori?

Ci sono varie fonti. Tra di esse spicca il mondo social: abbiamo un team internazionale dedicato allo scouting in questo ambito, che sfrutta vari software in grado di individuare le prossime rising star, e - più in generale – fornisce report di data analysis sui diversi mercati a livello globale. Io resto convinta che, in tema di A&amp;R, siano i rapporti umani a fare la differenza: lo vedo dai legami che i miei colleghi hanno instaurato con gli autori più giovani, con le etichette indipendenti, con i manager e con tutti i nostri interlocutori. Si inizia sempre da un primo contatto, e poi si cresce: da un rapporto umano il più delle volte nasce una relazione professionale, destinata col tempo ad ampliarsi. 
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Ribaltando la prospettiva, come si lavora - in Italia - un catalogo gigantesco come quello (globale) di Sony Music Publishing?

Possiamo dire di essere i più grandi publisher al mondo, con milioni di canzoni presenti nei repertori che controlliamo. E noi, per sfruttarli al meglio, dobbiamo conoscerli alla perfezione. Non è una cosa da poco: c’entra la passione, senza dubbio, ma serve anche tanto studio. Far utilizzare in Italia il nostro catalogo internazionale è relativamente semplice, soprattutto quando si tratta di artisti iconici come i Beatles o i Queen: la forza di quei nomi parla da sé. La vera sfida, però, è far percepire alla committenza quanto un brano senza tempo possa realmente arricchire un progetto creativo — che si tratti di una campagna pubblicitaria o di una scena cinematografica. In un contesto economico complesso come quello attuale, è ancora più importante saper raccontare e valorizzare il potenziale emotivo e narrativo della musica. Non possiamo però affidarci soltanto alla determinazione di chi si rivolge a noi: abbiamo obiettivi internazionali ben precisi da rispettare, anche in termini di budget. In aziende come la nostra, il ritorno sugli investimenti — soprattutto quando si parla di cataloghi — è fondamentale. Detto questo, il lavoro che personalmente trovo più stimolante è quello “a specchio”: riuscire a piazzare un brano italiano all’estero. Non è semplice, per evidenti barriere linguistiche e culturali, ma ci siamo tolti delle belle soddisfazioni. L’anno scorso, ad esempio, un importante brand inglese ha sincronizzato il brano “L’estate sta finendo” in una campagna pubblicitaria. A ben vedere, non è così strano: è vero, è una canzone profondamente italiana, ma è anche un piccolo capolavoro pop, con un’identità musicale così forte da superare i confini linguistici. 
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Che rapporto avete con i music supervisor di piattaforme come Netflix?

Siamo in ottimi rapporti con i music supervisor delle piattaforme, sono il tramite essenziale per entrare in contatto con le produzioni. E, in questo senso, stiamo andando oltre. Per esempio, abbiamo in essere rapporti di consulenza diretti con le produzioni stesse, che ci permettono di essere parte attiva ai progetti fin dalle primissime fasi di lavorazione. Abbiamo poi siglato una partnership con uno sceneggiatore di spicco del mercato cinematografico, che pone la musica in una posizione fondamentale già dall’elaborazione dello script, prima ancora di andare sul set. 
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In questo senso il presidio nella Capitale è stato fondamentale?

Sì, assolutamente. Cinema e musica sono spesso due mondi separati, che raramente dialogano in modo naturale. Avere un team presente sul territorio, capace di interagire quotidianamente e con sensibilità condivisa con i propri interlocutori, è stato determinante. La possibilità di costruire relazioni dirette, al di là degli schermi e delle call su Teams, ha fatto la differenza. Alla fine, sono sempre le persone – e il modo in cui sanno interpretare e coltivare i rapporti – a determinare la qualità delle connessioni professionali. 
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Le riunioni da remoto sono una delle tante cattive abitudini ereditate dal periodo del Covid che non siamo ancora riusciti a perdere…

Purtroppo è così. Stiamo parlando di progetti artistici, dove il confronto diretto, fisico, è fondamentale per comprendere le ragioni del proprio interlocutore, e per trasmettere l’essenza del proprio messaggio. Sono cose impossibili da fare, da remoto. E poi sfido chiunque a rimanere concentrato alla settima video-call della giornata. La vera differenza l’abbiamo percepita nel rapporto con i nostri artisti dopo l’apertura degli studi in house [nel quartier generale di Milano, in via Vespri Siciliani, ndr]. Niente Whatsapp, messaggi, chiamate, Zoom o altro. Ci vediamo in fondo al corridoio e ci beviamo un caffè… 
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Un dato comune a tutte le ultime earnings call delle multinazionali è stato il sorpasso del publishing sulla musica registrata nelle percentuali di crescita: ti sei fatta un’idea di quali siano le ragioni?

Non credo si tratti di una bolla o di un rimbalzo, anche se lo slancio del settore live, che sta effettivamente registrando numeri mai visti, effettivamente ci fa gioco. Credo che il publishing sia il segmento al quale restano margini di crescita più ampi: mi riferisco agli accordi di licenza con le piattaforme digitali, che stanno iniziando a pagare, ai contratti di rilievo chiusi con le aziende televisive, e anche al miglioramento del trattamento da parte dei DSP tradizionali. Come comparto abbiamo ancora molto da dimostrare… 
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Linee di ricavo nel segmento dell’intrattenimento digitale considerate per il momento accessorie - come, per esempio, il gaming - sono da tenere in considerazione?

Senz’altro. Come gruppo Sony abbiamo un collegamento diretto con la divisione dedicata all’elettronica di consumo, ma anche con Playstation; quindi, è nel DNA del gruppo immaginare di sfruttare i nostri asset al meglio collaborando tra consorelle a livello internazionale. In Italia lo sviluppo di videogame non è un segmento ancora molto sviluppato, ma non è affatto da escludere che in futuro lo sarà. E noi dovremo farci trovare pronti, soprattutto con il repertorio italiano… 
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In questo senso sono le richieste del mercato a orientare la produzione?

Certo. E’ l’autore, in casi come questi, a guadagnare non solo in termini finanziari, ma anche di visibilità. Mi riferisco sia agli autori “puri” che ai cantautori o compositori che vogliano ampliare il proprio raggio d’azione. Noi diamo un brief agli autori riguardo le richieste della committenza, proprio per indirizzarli a seconda dei vari utilizzi richiesti, che riguardino cinema, TV, pubblicità, videogiochi o altro. Può essere il brano, in sostanza, a seguire l’utilizzo. 
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A livello internazionale, Sony Music Publishing negli ultimi anni ha messo a segno acquisizioni importanti come quelle relative ai repertori di Bruce Springsteen e Queen: ci sono programmi analoghi, nel prossimo futuro, che riguardano anche il panorama italiano?

Assolutamente sì. In Italia ci sono cataloghi molto interessanti, che rientrano nei nostri obiettivi. Che si tratti di offerte provenienti direttamente dagli artisti, o da società di edizioni, se sono sul mercato per noi sono opportunità da valutare. Se penso al nostro catalogo attuale, che incorpora anche quello che fu di EMI, credo che una delle porzioni di repertorio meno presidiate sia quello relativo alle opere italiane anni Ottanta: quello, per esempio, potrebbe essere uno dei nostri obiettivi prioritari. Tuttavia, non abbiamo nessuna intenzione di porci alcun paletto dal punto di vista temporale: il nostro lavoro è continuare ad arricchire il catalogo. In questa prospettiva, quindi, più opere acquisiamo meglio è.

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Spotify ha annunciato un nuovo aumento al prezzo degli abbonamenti a livello globale. “Spotify si impegna a offrire un'esperienza personalizzata e di livello mondiale a ogni utente”, si legge nella nota con la quale i gestori del DSP hanno confermato ufficialmente il ritocco al rialzo: “Per continuare a innovare la nostra offerta di prodotti e funzionalità, e offrire agli utenti la migliore esperienza possibile, aggiorniamo periodicamente i nostri prezzi. Nel corso del prossimo mese, gli abbonati Premium in diversi mercati dell'Asia meridionale, del Medio Oriente, dell'Africa, dell'Europa, dell'America Latina e della regione Asia-Pacifico riceveranno un'e-mail che spiegherà le implicazioni di questo aggiornamento per i loro abbonamenti”.

In Italia il costo dell’abbonamento individuale è stato alzato a 11,99 euro al mese: la sottoscrizione riservata agli studenti è stata fissata a 6,49 euro al mese, quella per coppie - Duo - a 16,99 euro al mese e quella dedicata alle famiglie (che prevede l’abilitazione di 6 account Premium per il singolo abbonamento) a 20,99 euro al mese.

L’innalzamento dei prezzi ha rilanciato il titolo di Spotify a Wall Street, che dopo la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753417/spotify-perche-e-crollata-in-borsa-dopo-seconda-trimestrale-2025">clamorosa flessione</a> seguita all’annuncio della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753413/spotify-risultati-finanziari-secondo-trimestre-2025">seconda trimestrale del 2025</a> nella giornata di oggi, lunedì 4 agosto, ha recuperato terreno con un rialzo del 6%, che ha portato le azioni della servizio a essere scambiate a 667 dollari l’una.

Spotify, un nuovo aumento al prezzo degli abbonamenti

Il costo della sottoscrizione singola, in Italia, è salito a 11,99 euro

L’Autorità per le Garanzie nelle Comunicazioni ha comminato una multa pari a 675mila euro a un bagarino: come riferisce l’agenzia ANSA, quella approvata dall’AGCom nel corso della riunione di Consiglio dello scorso 30 luglio è la prima diretta a una persona fisica per la rivendita illegale di biglietti per spettacoli, ai sensi dell'articolo 1, comma 545, legge 11 dicembre 2016, n. 232.

L’importo stabilito per sanzionare la violazione - che riguarda 90 eventi - è stato stabilito tenendo conto dell’illecito arricchimento conseguito dal rivenditore per mezzo dell’attività illegale.

“Grazie al supporto del Nucleo speciale per la radiodiffusione e l'editoria della Guardia di Finanza è emerso un sofisticato sistema fraudolento grazie al quale i soggetti coinvolti sono riusciti ad assicurarsi, tramite costanti e frazionate operazioni di acquisto l'accaparramento massivo di biglietti relativi ad eventi di spettacolo e sportivi dal mercato primario con il solo e unico scopo di rivenderli nel mercato secondario e a prezzi maggiorati", ha precisato AGCom in una nota, ricordando come le sanzioni amministrative pecuniarie per questo genere di violazioni possano andare “dai 5000 ai 180mila euro per ogni condotta”.