WMG ha annunciato un accordo con Splinterlands, società fondata nel 2018 specializzata nello sviluppo di videogiochi basati sulla tecnologia blockchain che a oggi vanta quasi due milioni di utenti a livello globale: la partnership, definita “unica nel suo genere”, vedrà la due aziende collaborare per favorire e promuovere la creazione di community in modo più veloce di quanto già accade sui tradizionali servizi play to earn, soluzioni di gaming che “remunerano” i giocatori con NFT scambiabili sugli appositi marketplace.

“Dalle collezioni ai diritti d'autore, il Web3 rappresenta un futuro entusiasmante per l'industria musicale che aiuterà i nostri artisti a raggiungere milioni e milioni di nuovi fan in modi interessanti e innovativi”, ha commentato il ceo di Warner Music Steve Cooper, al quale ha fatto eco Oana Ruxandra, Chief Digital Officer di WMG: “Non credo sia il caso di sottovalutare quanto siano enormi le opportunità legate ai giochi play to earn. La nostra partnership con Splinterlands si concentra sui nostri artisti e sulla loro musica, sullo sfondo di uno sforzo comune volto allo sviluppo e alla realizzazione di piattaforme tokenizzate. Grazie a questa operazione sbloccheremo nuovi flussi di entrate per i nostri artisti, rafforzando ulteriormente la partecipazione dei fan al valore che verrà generato”.

“Warner Music Group è un leader nell'industria musicale”, ha concluso il co-fondatore e ceo di Splinterlands Jesse Reich: “La label sta contribuendo a innovare il proprio settore per soddisfare gli standard stabiliti dai membri della comunità Web 3.0. Siamo entusiasti di lavorare con loro e non vedo l'ora di nuove collaborazioni rivolte alle interazioni tra gaming, musica, criptovalute, NFT e blockchain”.

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Warner Music di corsa su NFT e Web3: siglata una partnership con Splinterlands

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L'accordo ‘unico nel suo genere’ è volto alla collaborazione nello sviluppo di piattaforme di gaming basati sulla tecnologia blockchain

E’ cosa fatta la fusione tra BMG e Concord, colossale merger <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758547/bmg-e-ufficiale-la-fusione-con-concord">annunciato per la prima volta alla fine dello scorso aprile</a> che all’inizio di quest’estate aveva ricevuto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759644/merger-bmg-concord-semaforo-verde-in-usa-e-germania">il semaforo verde dalle autorità antitrust di Stati Uniti e Germania</a>: in una nota congiunta diffusa oggi, martedì 1 settembre, le due aziende hanno annunciato “il completamento con successo” dell’operazione di fusione, che - dopo “aver ricevuto tutte le approvazioni normative richieste” - darà vita a “una nuova società musicale globale con le dimensioni, l'esperienza e le capacità necessarie per offrire maggiori opportunità ai creator”.

Come già anticipato, il quartier generale della società sarà spostato a Nashville: a Berlino, fino a oggi sede degli uffici centrali di BMG, resterà il presidio di riferimento europeo della nuova entità.

Con effetto immediato, il CEO di Concord Bob Valentine assume la carica di Amministratore Delegato di BMG: l’attuale CEO della stessa BMG, Thomas Coesfeld, passa al ruolo di Presidente del Consiglio di Amministrazione (dove siedono Johannes von Schwarzkopf e Rolf Hellermann di Bertelsmann, Alex Thomson di Great Mountain Partners e Steve Smith, socio fondatore di Concord) della nuova realtà, che resterà una società privata a maggioranza (pari al 67%) controllata da Bertelsmann, con Great Mountain Partners a guidare la cordata di investitori di minoranza.

Come già confermato, il già Direttore Esecutivo di RTL Group Björn Bauer è stato confermato nel ruolo di CFO, con Sebastian Hentzschel a ricoprire la carica di COO, Victor Zaraya quella di Chief Revenue Officer, Amanda Molter quella di responsabile dell’ufficio legale e Kent Hoskins quella di Chief Transformation Officer.

“La società è in una posizione unica per offrire un servizio differenziato ad artisti e autori, grazie alla solida cultura imprenditoriale e alla flessibilità che contraddistinguono entrambe le aziende”, recita il comunicato congiunto: “Grazie alla sua solida base finanziaria, alle maggiori dimensioni, all'esperienza e alle capacità consolidate, l'azienda è ben posizionata per perseguire nuove opportunità di crescita, concentrandosi al contempo sulla tutela dei creatori, sulla gestione responsabile dei diritti e su un servizio di eccellenza”.

Obiettivo della nuova entità - che continuerà a chiamarsi BMG - è quello di “raggiungere un fatturato superiore a 2,5 miliardi di dollari e un EBITDA di 1,2 miliardi di dollari nel medio termine”.

“Il completamento di questa transazione segna l'inizio di un nuovo capitolo per BMG, dando vita a un'azienda con le dimensioni e le risorse necessarie per affrontare il futuro. Crediamo che investire nei creatori, nei diritti musicali e nell'intelligenza artificiale ci permetterà di sbloccare nuove opportunità per artisti e autori in un settore in rapida evoluzione”, ha dichiarato Coesfeld: “Facendo leva sulla cultura imprenditoriale e sullo spirito indipendente che da sempre contraddistinguono entrambe le organizzazioni, abbiamo creato una piattaforma che occupa una posizione unica nel settore musicale ed è predisposta per una crescita sostenibile a lungo termine. Sono fermamente convinto che, insieme, i nostri team appassionati continueranno a innovare con uno scopo preciso e a fornire un servizio eccezionale ai nostri partner creativi in ​​tutto il mondo”.

“Oggi si apre un nuovo entusiasmante capitolo per la nostra azienda unificata e per i creatori che rappresentiamo”, ha aggiunto Bob Valentine, Amministratore Delegato di BMG: “Abbiamo riunito team eccezionali, cataloghi prestigiosi, roster diversificati e di talento e la convinzione condivisa che il talento creativo meriti sia un sostegno dedicato che investimenti costanti. Pur avendo ampliato il nostro raggio d'azione, la missione che ci ha uniti rimane la stessa: supportare gli artisti a lungo termine, onorare l'eredità che rappresentiamo e contribuire a costruire la prossima generazione di musica e cultura durature”.

“Il nuovo team dirigenziale riunisce leader con l'esperienza, il giudizio e la determinazione necessari per realizzare le ambizioni di BMG”, ha proseguito Valentine: “In questo nuovo capitolo, la nostra priorità è consolidare i punti di forza di entrambe le realtà, creando un'organizzazione chiara e focalizzata, in grado di agire con agilità, investire con convinzione e generare valore a lungo termine per gli artisti, gli autori e i drammaturghi con cui collaboriamo e che rappresentiamo”.

La nuova BMG ha anche nominato uno Strategic Leadership Council composto da Tom Becci (Global Recorded Operations), Alberto Chullen (Corporate Development &amp; Investments), Sophia Dilley (Concord Originals), Sean Flahaven (Concord Theatricals), Celine Joshua (Global Marketing &amp; Streaming), Nitsa Kalispera (Global Supply Chain Operations), Jon Loba (Global Frontline Recordings), Ruth Martinez (Human Resources), Kristal McKanders Dube (Corporate Communications), Alistair Norbury, Senior Creative Advisor di Valentine), Tom Scherer (Global Catalog Recordings) e Jim Selby (Global Music Publishing).

“Lo Strategic Leadership Council ci offre un gruppo più ampio di leader attorno a un tavolo, riunendo diverse aree di competenza e prospettive all'interno di BMG”, ha concluso Valentine: “Ciò contribuirà a garantire che rimaniamo connessi come team di leadership, ad affinare il nostro pensiero e a mantenere l'allineamento mentre traduciamo la nostra strategia in azioni concrete in tutta l'azienda”.

BMG, ultimata la fusione con Concord

L’azienda ha ricevuto tutte le approvazioni normative necessarie: ‘Inizia un nuovo capitolo’

Secondo il report relativo al primo semestre del 2026 compilato dalla Recording Industry Association of America, entità che rappresenta l’industria discografica a stelle e strisce, il settore della musica registrata negli Stati Uniti ha raggiunto un giro d’affari pari a 5,97 miliardi di dollari tra gli scorsi mesi di gennaio e giugno, in crescita del 6,9% su base annua. All’interno del dato, gli abbonamenti premium ai servizi di streaming sono saliti del 7,8%, generando ricavi per 3,11 miliardi di dollari, mentre gli abbonamenti freemium sono scesi del 9% a 239,1 milioni; i ricavi dello streaming gratuito sono invece aumentati del 3,7% a 899,6 milioni.

La crescita è stata ancora più marcata nei formati fisici: il vinile è salito del 17,7% a 543,8 milioni di dollari e i CD del 58,6% a 171,1 milioni. Molto buona è stata la performance registrata dalle sincronizzazioni, cresciute del 18,2% a 231,8 milioni di dollari.&nbsp;

"Mentre i ricavi della musica negli Stati Uniti continuano a crescere in tutti i formati, le etichette stanno rafforzando i legami tra artisti, fan e le piattaforme che distribuiscono il lavoro creativo", ha spiegato, in una nota, Mitch Glazier, presidente e CEO della RIAA: "Questa sinergia sta alimentando l’engament in modi nuovi e in espansione per creare opportunità che sosterranno l'intera comunità musicale per gli anni a venire”.

"La forza della musica, potenziata dagli auricolari ai listing party casalinghi fino alle playlist della Coppa del Mondo in tutti gli Stati Uniti, si riflette non solo nel suo significato culturale ma anche nei 6 miliardi di dollari di ricavi documentati da questo report", ha aggiunto Matt Bass, VP of Research della RIAA: "Questi risultati indicano un mercato sano e diversificato che sostiene continui investimenti negli artisti e nuovi modi per il pubblico di vivere la musica”.

I dati registrati nel primo semestre del 2026 dalla discografia americana segnano un netto miglioramento rispetto a quelli fatti segnare lo scorso anno, e una possibile inversione di quella tendenza che, nelle ultime stagioni, ha visto i mercati più avanzati a livello globale vedere la propria crescita rallentare progressivamente: a metà 2025 la crescita del comparto della musica registrata USA <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753965/discografia-usa-crescita-sotto-l-1-nel-primo-semestre-2025">si era arrestata al +0,9%</a>. A far segnare inversioni di tendenza particolarmente marcate sono stati i segmenti delle sync (passate dal -7,9% di metà 2025 al +18,2% di quest’anno) e dei CD, che dal -22% dello scorso anno sono passati al 58,6% di metà 2026.

Sempre nel primo semestre di quest'anno, il settore discografico italiano - come riferito da FIMI lo scorso 26 agosto - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760828/discografia-in-italia-nel-primo-semestre-2026-mercato-a-7-3">è cresciuto del 7,3%</a>, per un fatturato complessivo pari a&nbsp;circa 225 milioni di euro.

USA, nel primo semestre 2026 musica registrata a +6,4%

A quota +6,9 miliardi di dollari: bene streaming premium e vinile, benissimo CD e sync

Mary J. Blige, star dell'R&amp;B dalla carriera trentennale e per anni venerata dai critici per il suo timbro caldo, umano e imperfetto, sta facendo molto parlare di sé per una discussa scelta: quella di diventare testimonial della piattaforma&nbsp;Suno AI. Blige è infatti protagonista di una nuova campagna di spot lanciati&nbsp;ieri sul web. Nel breve video, che a prima vista appare&nbsp;un'interazione spontanea catturata da un telefono, è in studio con un produttore, che le fa ascoltare alcune canzoni generate con l'AI. Lei sembra apprezzare molto, affermando che non ne sa molto di intelligenza artificiale, ma che è molto curiosa di capirne il processo e di saperne di più, perché i brani che ha sentito&nbsp;"spaccano".

Sui social c'è chi ipotizza che lo spot sia parte di un accordo milionario tra Mary J. Blige e Suno che include anche diritti sulla sua voce; in realtà, però, né la società né la star hanno divulgato finora l'esistenza di una partnership, ragion per cui al momento si tratta solo di una diceria non confermata.&nbsp;&nbsp;

Mary J. Blige è la nuova testimonial di Suno

La leggenda R&B è protagonista di un nuovo spot a favore dell'intelligenza artificiale generativa

L’AI sta letteralmente invadendo i profili di numerosi musicisti jazz, diffondendo brani di bassa qualità sui principali DSP, tra cui YouTube, Spotify e Amazon Music, con pubblicazioni accompagnate spesso da copertine generate dall’intelligenza artificiale che finiscono per "sporcare" l’identità musicale di alcuni colossi della musica jazz: a rivelarlo è un'inchiesta firmata dal saggista e docente&nbsp;Joe Wilkins per Futurism.

Il fenomeno riporta al centro il tema dell’identità degli artisti nell’era della musica generata dall’AI&nbsp;e della capacità delle piattaforme di distinguere tra pubblicazioni autentiche e contenuti caricati impropriamente.

William "Sonny" Criss, Jean Carne, Red Nichols e Jimmie Noone sono solo alcuni degli artisti coinvolti. Sui loro profili sono comparsi nuovi singoli attribuiti all’editore Ami Bacuk, con caratteristiche visive e sonore assolutamente&nbsp;lontane dal repertorio originale degli artisti. In alcuni casi, la natura anomala delle pubblicazioni è resa ancora più evidente dal fatto che si tratta di musicisti scomparsi da decenni.

Sul profilo Spotify di Sonny Criss, storico sassofonista statunitense scomparso nel '77, sono comparsi ad esempio due nuovi brani accompagnati da copertine raffiguranti personaggi in stile anime. Le tracce risultavano attribuite a un compositore indicato come Zainul Irpan e, secondo quanto riportato, non sembravano essere remix o rielaborazioni riconducibili al musicista jazz. Ancora più eclatante è il caso di Jimmie Noone, clarinettista e direttore d’orchestra morto nel '44, infatti,&nbsp;ad aprile sono stati pubblicati quattro nuovi singoli a suo nome, caratterizzati da sonorità pop e da una voce femminile apparentemente generata dall’AI.

Spotify, in merito alla vicenda, si è esposto spiegando di aver immediatamente rimosso le pubblicazioni coinvolte per "proteggere l'identità degli artisti". Il servizio sta testando <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757879/cosi-spotify-vuole-proteggere-gli-artisti-dai-deepfake-ai">una funzione che consentirà agli artisti di approvare o rifiutare le nuove uscite</a> prima che vengano associate al proprio profilo.

Spotify e YouTube, brani AI sui profili di storici jazzisti

Nuove uscite generate dall’AI compaiono anche sui profili di artisti scomparsi da decenni

Come sempre, nell'era dei social network&nbsp;il catalogo si rivela un ottimo investimento: anche quest'estate i brani più virali su TikTok non sono i classici tormentoni, ma grandi classici d'annata. A occupare il podio della classifica Songs of the Summer 2026 (relativa per il momento solo agli USA, quella italiana non è ancora stata svelata) sono infatti brani di minimo dieci anni fa. Il primo gradino è occupato da Katy Perry con "The One That Got Away" del 2011; Perry, che vince anche la palma della Song of the Summer 2026 a livello mondiale, ha definito "surreale che la canzone sia tornata così ascoltata dopo tutti questi anni". Al secondo posto in america c'è "Cinderella" di Mac Miller feat. Ty Dolla Sign (2016) e al terzo "It Ain't Over Till Is Over" di Lenny Kravitz" (addirittura 1991).&nbsp;&nbsp;

Tra le menzioni d'onore a livello globale per il 2026, i cosiddetti TikTok Summer Honors, il social ha premiato Zara Larsson per le coreografie virali, i&nbsp;tedeschi KITSCHKRIEG feat. Blumengarten e Shirin David per "Du Bist Gut Genug" (diventati noti per il trend Doobie Scoot Canoe),&nbsp;la boy band Cortis e l'emergente Slayyyter. Zara Larsson, Katy Perry e i CORTIS saranno anche protagonisti della campagna social&nbsp;Songs of the Summer, Vol. 2026.

"Ancora una volta l'iniziativa Songs of the Summer svela come la nostra community abbracci la musica in tutte le sue forme:&nbsp;artisti emergenti trovano un pubblico planetario su TikTok e amatissimi brani di catalogo vengono scoperti da nuove generazioni per la prima volta" ha commentato&nbsp;Tracy Gardner, Global Head of Music Business Development per TikTok. "E' qui che la cultura musicale viene plasmata e che crescono le fan base, e tutto ciò va ben oltre la nostra piattaforma".

TikTok, svelata la classifica Songs of the Summer 2026 negli USA

Il podio è occupato esclusivamente da brani di catalogo, con Katy Perry in testa anche nel mondo

Udio AI ha ufficialmente depositato la risposta formale alla <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760273/sony-music-nuova-causa-contro-udio" target="_blank">nuova causa legale intentata da Sony Music a fine luglio</a>, rivendicando la propria difesa basata sul fair use e contestando le accuse della major relative al presunto utilizzo&nbsp;non autorizzato di registrazioni protette per l’addestramento dei suoi modelli di intelligenza artificiale. Il procedimento in questione riguarda nel dettaglio oltre 30mila opere, al centro del tentativo di Sony di ampliare la causa&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752317/major-contro-suno-e-udio-sta-iniziando-il-disgelo" target="_blank">avviata in origine nel 2024</a>.

La startup americana&nbsp;sostiene fermamente che il proprio processo di creazione del prodotto, che si avvale dell'AI,&nbsp;sia "invisibile al pubblico e non violi in nessun modo il diritto d'autore".&nbsp;La piattaforma definisce tale processo come una forma di fair use e accusa&nbsp;Sony Music di portare avanti attività anticoncorrenziali volte a estendere un presunto monopolio sulla produzione e commercializzazione della musica.

La nuova azione legale era stata avviata da Sony dopo che, a luglio, il giudice federale Hellerstein&nbsp;aveva respinto la richiesta della major di aggiungere oltre 30mila opere alla causa originaria, lasciando quest’ultima circoscritta a circa 300 registrazioni. Sony aveva quindi aperto un secondo procedimento separato per contestare il presunto utilizzo delle ulteriori opere individuate.&nbsp;Tra gli elementi contenuti nella risposta, Udio AI ha anche riconosciuto di aver ottenuto i dati audio da YouTube per l’addestramento e di aver acquisito parte di questi dati attraverso YT-DLP, software utilizzato per estrarre contenuti dalle piattaforme di streaming. La circostanza assume rilievo anche rispetto alle contestazioni avanzate da Sony Music ai sensi del Digital Millennium Copyright Act (DMCA).

La difesa, inoltre, sostiene che parte di quanto richiesto da Sony&nbsp;sarebbe escluso&nbsp;dai termini di prescrizione applicabili. Il tribunale ha fissato un'udienza preliminare per la fine di ottobre.

Udio AI replica alla nuova causa intentata da Sony Music

La piattaforma rivendica il fair use e sostiene che il processo tecnologico non violi il copyright

La drastica riduzione dei tour degli artisti UK, a seguito del fenomeno Brexit, avrebbe generato, tra il 2022 e il 2024, una perdita stimata di 208 milioni di sterline in valore aggiunto lordo e di 2.490 posti di lavoro a tempo pieno nel Regno Unito. Nei Paesi dell’UE analizzati, l’impatto economico sale a circa 1,04 miliardi di sterline e 17.010 posti di lavoro.

A quantificare il tutto è l'ultimo report del Department for Culture, Media and Sport (DCMS) britannico, che offre dati rilevanti rispetto alla situazione in esame. Già lo scorso giugno, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759632/post-brexit-tournee-artisti-britannici-in-europa-problemi-e-criticita" target="_blank">la commissione Cultura, Media e Sport del Parlamento britannico aveva richiamato l’attenzione sulle difficoltà incontrate dagli artisti UK</a>, soprattutto giovani ed emergenti, nelle tournée europee post-Brexit.

A risentire maggiormente delle nuove condizioni sono state soprattutto le tournée di piccole e medie dimensioni. Tra le principali criticità individuate figurano i requisiti legati a immigrazione, dogane, trasporti, tassazione e sicurezza sociale, che hanno aumentato costi e complessità per gli artisti britannici impegnati nei tour europei.

"Questi risultati suggeriscono che la riduzione dell’attività di tournée ha portato a perdite economiche misurabili sia per il Regno Unito che per l’UE", si legge nel rapporto. Il documento aggiunge che "le evidenze indicano inoltre la possibilità che l’allentamento delle attuali barriere possa contribuire a ripristinare il valore perduto e a sostenere la sostenibilità del settore a lungo termine".

Brexit, 208 milioni di perdite per il live britannico

Tra il 2022 e il 2024 stimati 2.490 posti di lavoro a tempo pieno in meno nel Regno Unito

Fondazione Lotus ETS e Youth &amp; Future - Parola ai Giovani APS, le organizzazioni no-profit fondate rispettivamente da Elisa e Giovanni Caccamo, hanno annunciato ufficialmente una nuova collaborazione.

Il primo progetto comune sarà Plantasia - Parco Sonoro, un'iniziativa di riqualificazione ambientale, urbana e culturale promossa a Milano in collaborazione con Music Innovation Hub e con il contributo del Comune di Milano. L'intervento evolverà nel Bosco del Cambiamento,&nbsp;estendendo il proprio raggio d'azione alla partecipazione giovanile e alla dimensione artistica. L'elemento musicale mantiene una posizione centrale nel progetto: mediante l'impiego della fitoacustica, l'area verde verrà concepita come Parco Sonoro, integrando l'ambiente naturale con l'esperienza artistica. Music Innovation Hub e Fondazione Lotus hanno strutturato il modello operativo coinvolgendo diversi attori della filiera musicale, tra cui Assoconcerti.

Plantasia si sviluppa su una superficie di circa 40.000 metri quadrati presso l’ex cava di via Quarenghi, nel Municipio 8 di Milano. L'iniziativa versa attualmente in fase preliminare, con lo svolgimento di indagini e rilievi tecnici propedeutici alla sperimentazione del fitorimedio, tecnica basata sull’impiego di specifiche specie vegetali per il recupero di terreni degradati o contaminati. Le operazioni sul campo avranno inizio a settembre 2026, mentre a partire dalla primavera 2027 si procederà con la selezione e la messa a dimora delle essenze arboree individuate. Il Comune di Milano ha già stanziato circa 300.000 euro destinati al piano di caratterizzazione ambientale e all’analisi di rischio del sito. Contestualmente, la raccolta fondi privata ha raggiunto 136.000 euro, con l'obiettivo di toccare quota 200.000 euro entro il 31 dicembre 2026 per sostenere la fase di prova su una prima porzione di terreno compresa tra 1.700 e 2.000 metri quadrati.

"La sostenibilità non può essere soltanto una parola e nemmeno soltanto un intervento sul territorio. Deve diventare cultura, partecipazione, responsabilità condivisa", ha dichiarato Elisa. Per Giovanni Caccamo, Plantasia rappresenta "un luogo nel quale la cura della terra può diventare anche cura delle comunità".

Elisa e Giovanni Caccamo insieme per "Plantasia - Parco Sonoro"

Le no-profit dei due artisti uniscono le forze per il progetto del Bosco del Cambiamento

Warner Music Group e Blavatnik Family Foundation, attraverso il Social Justice Fund, hanno ufficialmente annunciato il primo gruppo di beneficiari per il 2026. Si tratta di un investimento di 6 milioni di dollari destinato a 17 organizzazioni, con particolare attenzione alle realtà che utilizzano la musica come strumento di cambiamento sociale.

Tra i beneficiari figurano per la prima volta: Atlanta Music Project, che offre formazione musicale gratuita agli studenti dei quartieri svantaggiati di Atlanta; VOICES del Brooklyn Youth Sports Club, dedicato alla composizione, all’esecuzione e all’ingegneria del suono; Classical Pride e Generator, organizzazione britannica attiva nello sviluppo professionale di artisti e operatori creativi. Il fondo andrà a sostenere la realizzazione e la manutenzione di 75 nuove biblioteche carcerarie negli Stati Uniti attraverso Freedom Reads e programmi di formazione elettorale all’interno del sistema giudiziario penale tramite il Global Black Economic Forum.

Il WMG/Blavatnik Family Foundation Social Justice Fund dal 2020 ha raccolto quasi 100 milioni di dollari, 52 dei quali sono stati destinati a organizzazioni attive negli ambiti della giustizia penale, dell’istruzione, dell’arte e della cultura.

"Siamo onorati di aiutare persone di talento di ogni estrazione sociale a trasformare il loro potenziale in risultati concreti", ha dichiarato Len Blavatnik. Robert Kyncl, CEO di Warner Music Group, ha poi sottolineato: "La musica ha il potere di contribuire a un reale cambiamento sociale. Siamo orgogliosi di sostenere queste organizzazioni nel loro impegno per connettere, guarire, trasformare e creare importanti opportunità".

Yrthya Dinzey-Flores, presidente del WMG/BFF Social Justice Fund, ha aggiunto che la strategia di erogazione delle sovvenzioni continuerà a essere aggiornata "con l’obiettivo di sostenere progetti capaci di generare un impatto duraturo e misurabile nelle comunità".

Warner Music Group, nuovi investimenti dal Social Justice Fund

Con Blavatnik Family Foundation, quasi 6 milioni di dollari a 17 organizzazioni nel 2026

Ogni volta che si parla di giovani emergenti e di come rilanciare la nuova musica italiana, l'offerta sembra infinita: concorsi a premi, festival estivi e bandi di scouting sbandierati come grandi trampolini. Ma la realtà nuda e cruda è un’altra: troppe volte queste iniziative si riducono a vetrine estemporanee, ottime per le foto istituzionali ma incapaci di garantire a un giovane artista un reale inserimento strutturale nell'airplay quotidiano. Spesso ci si chiede se in Italia, per chi comincia, ci sia davvero speranza o solo un vicolo cieco.

Quando si discute di tutela del repertorio nazionale, si tende spesso a guardare fuori dai confini, invocando modelli basati su rigide percentuali d'ascolto. Tuttavia, osservando i dati reali di Radiomonitor e Earone, la musica italiana non è affatto emarginata: i brani tricolori occupano stabilmente le posizioni di vertice in modo del tutto spontaneo. Va riconosciuto con onestà che le radio commerciali sono aziende a tutti gli effetti, il cui obiettivo primario è massimizzare gli ascolti e garantirsi la sopravvivenza economica. A questo si aggiunge un cortocircuito evidente: le emittenti faticano a rischiare sui giovani perché inseguono ciecamente i dati di consumo dello streaming — guidati dai volumi di piattaforme come Spotify e YouTube — e subiscono le logiche di marketing e le rotazioni pesanti dettate dalle major discografiche e dai grandi gruppi indipendenti. Il risultato? La tendenza è puntare sulle certezze e a suonare sempre le stesse cose.

A fare da contraltare c'è l'offerta del servizio pubblico — con il lavoro di reti generaliste come Rai Radio 2 e canali digitali dedicati come Rai Radio Tutta Italiana — insieme a emittenti verticali come Radio Italia, Radio Zeta, Radio KissKiss Italia, o a progetti orientati ai nuovi linguaggi come NoName, che offrono spazi specifici per la nostra musica.

Il vero nodo, però, è economico. La contrazione dei ricavi pubblicitari tradizionali — polarizzati verso il digitale — e l'aumento dei costi stringono la filiera. Uscire da questa situazione non significa sperare in aiuti calati dall'alto, ma modernizzare il lavoro delle radio sfruttando il digitale per tagliare gli sprechi, facendo però i conti con un limite strutturale tutto italiano: la ritrosia cronica degli editori a dar vita ad alleanze industriali o a consorzi di scopo. Chiusi in una logica di concorrenza solitaria esasperata, i singoli editori evitano di condividere investimenti, idee o costi di produzione per la ricerca. Eppure, in uno scenario globale così competitivo, la mancanza di strumenti consortili per ammortizzare il rischio sui nuovi contenuti rappresenta un autogol che penalizza l'intera filiera.

Se si guarda alle alternative internazionali, l'esperienza di Paesi come la Francia — spesso indicata come modello per l'imposizione di rigide quote nei palinsesti — dimostra i limiti di un approccio simile: la Legge Toubon ha generato un effetto distorsivo, spingendo i network a blindare le rotazioni sugli stessi pochissimi artisti "sicuri" per rientrare nei parametri di legge.

Per dare davvero spazio ai giovani e valorizzare le nuove produzioni, guardando oltre i confini europei, esistono alternative ben più credibili. Si pensi al modello britannico incentrato su piattaforme di scouting pubblico come BBC Introducing — nate per far emergere i nuovi talenti del territorio — o ai fondi di filiera e ai meccanismi canadesi di co-finanziamento (dove i grandi broadcaster privati e i fondi collettivi alimentano strutturalmente la ricerca artistica). Queste esperienze dimostrano che la chiave non è la coercizione punitiva per legge, ma la costruzione di incentivi fiscali premiali e fondi di compensazione industriale. In questo circolo virtuoso, chi intercetta i grandi numeri commerciali contribuisce a sostenere incubatori digitali e finestre di rischio editoriale, sgravando i singoli editori dai costi vivi della ricerca.

A frenare l'innovazione in Italia non sono solo i bilanci, ma anche una resistenza culturale interna. L'architettura della radio italiana si regge storicamente su modelli di programmazione rigorosi: che si tratti del Top 40 (un carosello serrato di novità e flash), di un formato All News (scandito da cicli fissi di notiziari) o di flussi come il Classic Hits o l'Easy Listening, il principio operativo non cambia. Il perno resta sempre il format clock: quella griglia a fette di torta che governa implacabilmente ogni singolo minuto dell'ora radiofonica.

La domanda da porsi oggi, senza ipocrisie e superando l'idea di non cambiare nulla perché "ha sempre funzionato", è radicale: questi format ingessati sono ancora utili? Mettere in discussione questo impianto non significa certo mettere in discussione chi gestisce con successo emittenti basate sulla formattazione rigida e continua a trarne vantaggi, né fare una crociata contro chi difende la propria trincea. Il punto è che blindarsi dietro a un clock e a una programmazione totalmente ingegnerizzata finisce per generare evidenti contraddizioni logiche e industriali. La forte dipendenza da schemi rigidi — ideati per un'epoca radiofonica lontana e oggi anacronistici, per quanto nati per garantire continuità e fidelizzazione — rischia di trasformarsi in una vera e propria gabbia dorata. L'immobilismo di chi rifiuta ogni evoluzione dimentica un paradosso fondamentale: se è vero che lo zoccolo duro dell'ascolto radiofonico — a partire da chi guida quotidianamente in auto, tra Boomer, Gen X e Millennials — resta il pilastro del mezzo, trattare questo pubblico (e i giovani che si affacciano all'etere) con la logica del pilota automatico e dei palinsesti fotocopia significa spegnere ogni vitalità. Continuare a rifugiarsi in un format ingegnerizzato non protegge gli ascolti, ma accelera la disaffezione generale.

Anziché rifugiarsi in una comfort zone protettiva o inseguire obblighi normativi sterili, la vera svolta sta nel restituire ai programmatori lo spazio e le risorse per un coraggio autoriale calcolato e sostenibile, aprendo finestre protette nei palinsesti in cui la scoperta e la freschezza tornino a essere il motore trainante della radiofonia.

Radio e musica italiana: la vera sfida sono i giovani

Le classifiche smentiscono i vecchi cliché: la nostra lingua domina l'etere. Ma...

Debutterà il 10 dicembre Stage Tour, il nuovo videogame musicale sviluppato dal team di produzione originale che ha dato vita a titoli iconici come Guitar Hero e Rock Band. Il gioco, nato in collaborazione con Gibson, sarà disponibile su PlayStation 5, Xbox Series, Switch 2 e PC.

Il titolo includerà oltre 90 brani su licenza distribuiti lungo sei decenni di storia della musica, con artisti del calibro di Rolling Stones, Metallica, Radiohead, Red Hot Chili Peppers, Paramore, Olivia Rodrigo, Slipknot e ZZ Top. Il gameplay supporterà controller per chitarra e batteria, microfoni e gamepad tradizionali, oltre alla modalità cooperativa online multipiattaforma e al multiplayer locale fino a quattro giocatori.

Grazie all'accordo con Gibson, all'interno di Stage Tour saranno presenti oltre 180 chitarre dei marchi Gibson, Epiphone e Kramer, sbloccabili progressivamente e disponibili già dal lancio. Verranno inoltre lanciati controller ufficiali su licenza Gibson, tra cui le edizioni speciali Gibson Explorer 8K 20th Anniversary Edition e Gibson Les Paul Oxblood Edition. Tra le varie opzioni d'acquisto è previsto anche un bundle comprensivo di controller Kramer Guitar e gioco completo, oltre a un fumetto realizzato in collaborazione con Dark Horse Comics per chi effettuerà il preordine. Il prezzo base del gioco sarà di 39,99 dollari.

Gibson firma una partnership con il videogioco "Stage Tour"

Il progetto ha coinvolto gli sviluppatori veterani di Guitar Hero e Rock Band

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da giovedì 3 a sabato 5 settembre 
La stagione autunnale ricomincia con lo showcase di presentazione di Oyster Music, etichetta discografica fondata da Gué, Shablo e Jacopo Pesce. Presenta il suo nuovo album "Vita, morte e miracoli" anche J-Ax; sabato 5 settembre, infine, sbarca al Festival del Cinema di Venezia il documentario "Oasis: Don't Look Back in Anger" per una proiezione fuori concorso. 
 
Presentazioni&nbsp;in settimana a Milano e Venezia

<h2>Eventi, convegni</h2>

Mercoledì 2 settembre

In prima serata su Rai1 verrà trasmesso in prima visione tv "Roma, Baby. Cremonini Live Circo Massimo".&nbsp;Film musicale dedicato al concerto dello scorso 6 giugno al Circo Massimo di Roma, tra le immagini del live e contenuti inediti di backstage firmati da Greg Williams, fotografo e filmmaker di fama internazionale che è da tempo una figura di spicco dell’industria cinematografica.

Rai1, ore 21.00

Da mercoledì 2 a sabato 12 settembre

Torna la Mostra del Cinema di Venezia, che come sempre prevede molti eventi collaterali, molti dei quali hanno la musica come protagonista assoluta.

Venezia, evento diffuso

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Da lunedì 31 agosto a domenica 6 settembre 
Il 31 agosto i Wilco portano all'Auditorium Parco della Musica di Roma il doppio show "An evening with Wilco"; il 2 settembre RTL 102.5 sbarca all'Arena di Verona con il tradizionale format di fine estate Power Hits (seguito il giorno dopo da Radio Zeta Future Hits); il 4 settembre comincia la leg finale degli I-Days con il concerto di TonyPitony all'ippodromo SNAI San Siro, seguito il 6 settembre da quello di David Guetta nella stessa location.

Venerdì 4 settembre 
Oltre al già citato J-Ax con "Vita, morte e miracoli", sul fronte internazionale si segnalano due uscite molto inglesi, quella di Ellie Goulding con "I Know Too Much" e quella dei Kasabian con "Act III".

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>

MusicBiz 7 Giorni: l'agenda dell’industria musicale

Presentazioni, release, inaugurazioni, eventi: gli appuntamenti della settimana

Sony Music Publishing e Warner Chappell Music, le divisioni editoriali di Sony Music e Warner Chappell, hanno depositato una causa contro Anthropic, società sviluppatrice di Claude, presso il tribunale distrettuale della California: l’accusa rivolta presso la corte californiana dai due publisher all’indirizzo dell’azienda guidata da Dario Amodei parla di "uno dei più grandi e plateali furti in corso di proprietà intellettuale della storia", messo in atto tramite "sfacciata campagna di torrenting, scraping e download illegali di opere protette da copyright su scala massiccia" per addestrare l’LLM fatto debuttare sui mercati nel marzo del 2023. Le due aziende hanno richiesto fino a 150.000 dollari per ogni opera violata e 25.000 dollari per ogni rimozione di informazioni sulla gestione del copyright; secondo l'atto di citazione, sarebbero state raccolte illegalmente "migliaia e migliaia di composizioni musicali protette da copyright degli editori musicali", una scala che, stando alle accuse, potrebbe portare il contenzioso a valere diversi miliardi di dollari.

La causa sostiene che Benjamin Mann (insieme ad Amodei uno dei cofondatori della società informatica) abbia usato BitTorrent per scaricare oltre cinque milioni di libri piratati, che dipendenti di Anthropic ne abbiano scaricati almeno altri due milioni da Pirate Library Mirror e che l’azienda abbia raccolto testi da siti come MusixMatch e LyricFind, che licenziano contenuti dai detentori dei diritti. Tra i brani indicati come presenti - in modo ovviamente non autorizzato - nei dataset di training compaiono “Ain’t No Mountain High Enough”, “Livin’ On a Prayer”, “September”, “Hallelujah” e “Paper Rings”.

Quella annunciata in queste ore è solo l’ultima delle vertenze che stanno impegnando in tribunale l'azienda con quartier generale al 500 di Howard Street, San Francisco: Anthropic, a metà dello scorso agosto, era stata portata in tribunale da un altro editore musicale, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760728/round-hill-music-una-causa-a-suno-e-anthropic">Round Hill Music</a>, e prima ancora - lo scorso febbraio - da <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757736/bmg-una-causa-ad-anthropic">BMG</a>, con sostanzialmente le stesse accuse mosse da altri tre editori musicali, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756687/universal-music-publishing-una-nuova-causa-ad-anthropic">Universal Music Publishing, Concord e ABKCO</a>, nel contenzioso avviato alla fine dello scorso gennaio. Se tutte le cause dovessero risolversi a favore dei querelanti, Anthropic (che a inizio giugno <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759337/anthropic-verso-l-ipo-dopo-un-maxi-round-di-finanziamento">ha presentato i documenti per quotarsi in borsa</a>) potrebbe essere costretta a versare diverse decine di miliardi di dollari, comunque a fronte di una valutazione - effettuata dopo l’ultimo round di finanziamento da 65 milioni di dollari - pari a 965 miliardi di dollari.

Sony Music Publishing e Warner Chappell, una causa ad Anthropic

Per ‘uno dei più grandi e sfacciati furti di proprietà intellettuale in corso nella storia’

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 21 agosto 2026 al 27 agosto 2026&nbsp;le prime tre posizioni sono rimaste invariate rispetto al precedente rilevamento. In vetta si conferma&nbsp;TUTTO È POSSIBILE di GEOLIER, seguito - come sette giorni fa - da&nbsp;TUTTA VITA (SEMPRE) di OLLY&nbsp;e&nbsp;VANGELO di SHIVA, rispettivamente in seconda e terza posizione.

Per quanto riguarda le nuove entrate nelle prime dieci posizioni, non si segnalano nuovi ingressi.

Anche nella Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 21 agosto 2026 al 27 agosto 2026&nbsp;si registra una sostanziale stabilità nelle prime posizioni. Il brano LA TESTA GIRA di FRED DE PALMA, ANITTA &amp; EMIS KILLA mantiene la prima posizione, confermandosi come il singolo più ascoltato in Italia. Al secondo posto resta stabile DAI DAI di SHAKIRA &amp; BURNA BOY. Si nota invece un movimento sul gradino più basso del podio, dove CANZONE D'AMORE di GEOLIER guadagna una tacca rispetto alla settimana precedente, salendo dalla quarta alla terza posizione.

Per quanto riguarda le nuove entrate nelle prime dieci posizioni, non si segnalano nuovi ingressi.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Geolier

Classifiche, novità 27 agosto: Geolier si riconferma primo

'Tutto è possibile' resta l'album più ascoltato della settimana

Nel primo semestre del 2026 BMG ha visto i propri ricavi crescere del 5% a quota 444 milioni di euro: l’azienda tedesca - che entro la fine dell’anno finalizzerà la propria <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758547/bmg-e-ufficiale-la-fusione-con-concord">fusione con Concord</a>, dando via alla più grande società discografica ed editoriale indipendente al mondo - ha registrato un EBITDA operativo di 127 milioni di euro (+4% su base annua), mantenendo un margine EBITDA del 29%, in linea con il livello record raggiunto nell'anno precedente.

“I risultati sono stati trainati dalla continua crescita degli abbonamenti allo streaming di musica registrata, dalle ottime uscite discografiche, dai progressi costanti nell'ambito della strategia BMG Next dell'azienda e dagli investimenti nei diritti musicali attraverso il programma Boost di Bertelsmann”, ha fatto sapere la società in una nota.

“I nostri risultati del primo semestre riflettono la solidità del business che abbiamo costruito negli ultimi anni”, ha commentato Thomas Coesfeld, CEO di BMG: “Grazie a BMG Next , siamo diventati un'azienda più focalizzata, più redditizia e orientata al digitale, in grado di investire meglio in artisti, autori e diritti musicali a lungo termine. La crescita organica sostenuta, la redditività record e il nostro più alto investimento di sempre nei diritti musicali nel primo semestre ci offrono una solida base per le opportunità future. L'intelligenza artificiale viene ora applicata su larga scala in tutta BMG per servire al meglio i nostri clienti e i titolari dei diritti, connettendo la musica con il pubblico giusto, rafforzando il coinvolgimento dei fan, generando opportunità di guadagno e migliorando la produttività”.

Tra le principali acquisizioni in termini di catalogo BMG cita quelle di Jelly Roll, Fuji Music Group, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758902/bmg-jet-acquisizione-diritti-editoriali-nic-cester-heath-johns">Jet</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759352/bmg-acquisisce-le-edizioni-di-luca-anzilotti">Luca Anzilotti</a>, indicando in <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757078/gary-barlow-accordo-publishing-globale-bmg-catalogo-take-that">Gary Barlow</a>, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760228/publishing-tricky-stuart-firma-per-bmg">Tricky Stewart</a>, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759911/kybba-tribal-kush-bmg-accordi-editoriali-publishing-basshall-movement">Kybba</a> e MCR-T i nuovi ingressi nel roster di spicco dal punto di vista editoriale e in <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757272/jamiroquai-un-nuovo-contratto-con-bmg">Jamiroquai</a>, Yung Gravy, Ocean Sleeper, Carly Pearce e Tash Sultana quelli sul versante discografico.

Nella comunicazione relativa alla semestrale BMG ha precisato di “aver continuato ad espandere” le proprie capacità tecnologiche, “utilizzando l'intelligenza artificiale e i dati per identificare il pubblico più propenso a interagire con specifici artisti e pubblicazioni, affinare il marketing digitale e il coinvolgimento dei fan, attivare il catalogo in modo più efficace e generare ulteriori opportunità di guadagno”. L’AI è stata anche applicata per “migliorare i flussi di lavoro e la produttività in tutta l'azienda”, attraverso - per esempio - “BMG Motion AI, una soluzione basata sull'intelligenza artificiale che consente la creazione scalabile di Motion Art di alta qualità per Apple Music”.

“Guardando al futuro, la fusione tra BMG e Concord, annunciata ad aprile e supportata dall'investimento previsto da Bertelsmann di oltre 1,16 miliardi di dollari, rappresenterà il passo successivo nella strategia a lungo termine di BMG”, prosegue l’azienda: “Subordinatamente all'approvazione delle autorità di regolamentazione, l'operazione dovrebbe dare vita alla principale società musicale indipendente al mondo e a un'attività di gestione della proprietà intellettuale più integrata, con una maggiore portata, una maggiore capacità di investimento e una più solida capacità di creare valore duraturo dai diritti musicali. La società risultante dalla fusione sarà controllata per circa il 67% da Bertelsmann e per circa il 33% da società affiliate di Great Mountain Partners”.

"Insieme a Concord, avremo una portata maggiore, capacità più ampie e una maggiore possibilità di investire in artisti e autori, rafforzare il supporto che offriamo a creatori e partner e generare un maggiore valore a lungo termine dai diritti musicali", ha concluso Coesfeld.

BMG, nel primo semestre 2026 ricavi a +5%

Fatturato a quota 444 milioni di euro ed EBITDA operativo a 127 milioni di euro (+4%)

Beggars Group ha archiviato l'esercizio 2025 con un fatturato complessivo di 134,48 milioni di sterline, inclusive delle quote relative alle joint venture, evidenziando un incremento del 20% su base annua. Il gruppo fa capo alle etichette discografiche XL Recordings, Rough Trade Records, Matador e Young Recordings.

I ricavi netti si sono attestati a 113,97 milioni di sterline, contro i 75,21 milioni dell'anno precedente, segnando una crescita del 51,5%. Sul mercato britannico il fatturato ha raggiunto 24 milioni di sterline (+56,6%), mentre sui mercati internazionali si è attestato a 90,22 milioni di sterline, registrando un aumento del 50%.

Sul fronte della redditività, l'utile netto ha rilevato una contrazione, passando da 9,77 milioni a 7,72 milioni di sterline, con una flessione dell'utile operativo pari al 22,3%, sceso a quota 8,17 milioni di sterline. Nel medesimo periodo la struttura organizzativa si è rafforzata, con un incremento dell'organico da 169 a 197 dipendenti.

Nel corso dell’anno le etichette del gruppo hanno rilasciato 30 nuovi album, a fronte delle 32 pubblicazioni del 2024. "La ricerca dei talenti e il supporto agli artisti durante il loro percorso di sviluppo rappresentano il fulcro strategico della nostra attività", si legge nella relazione finanziaria. "Confermiamo il nostro primario impegno nell'investire in nuova musica originale".

Tra le principali uscite discografiche del periodo figurano "More" dei Pulp, "Eusexua" di FKA Twigs, "Who Is The Sky?" di David Byrne, "Double Infinity" dei Big Thief e "Black British Music" di Jim Legxacy.

Beggars Group, fatturato in crescita del 20% nel 2025

I ricavi raggiungono 134,48 milioni di sterline; utile operativo in calo del 22,3%

Come ogni anno la European Broadcasting Union ha pubblicato il suo report sull'edizione più recente di Eurovision Song Contest, che quest'anno partiva un po' azzoppata dalla defezione di numerosi paesi (tra cui uno dei cosiddetti Big 5, la Spagna) che non hanno partecipato all'evento, o addirittura non lo hanno trasmesso, in segno di protesta per l'ammissione in gara di Israele. Dal punto di vista televisivo, la cosa ha pesato parecchio: sono stati 132 i milioni di telespettatori nel mondo, contro i 166 del 2025. Il boicottaggio, insomma, sembra aver funzionato, e EBU dovrà senz'altro tenerne conto per le prossime edizioni, anche se in termini di share la finale è andata molto bene (42,1% in tutta Europa).

Quanto alla musica, ESC si conferma un importante veicolo di promozione radiofonica: ben 9 canzoni del concorso sono entrate nella top 50 dell'airplay delle&nbsp;radio pubbliche europee durante la settimana di Eurovision, con l'italiana "Per sempre sì" di&nbsp;Sal Da Vinci alla n°20. Complessivamente, le canzoni di Eurovision hanno generato 583 milioni di streaming e - indizio di ottima salute per il mercato italiano - il brano più ascoltato in assoluto risulta essere proprio "Per sempre sì" con 98 milioni di streaming (ben 18 in più della vincitrice, la bulgara Dara, con "Bangaranga"). L'Italia, inoltre, è presente anche in un'altra classifica: quella dei brani&nbsp;più ascoltati tra quelli dei concorrenti degli ultimi anni, dove si piazza al quarto posto grazie agli 1,1 miliardi di streaming raccolti da "Zitti e buoni" dei Maneskin, vincitori dell'edizione 2021.

Molto bene anche le piattaforme digitali, con 2,1 miliardi di views sui principali social per i video e le canzoni di Eurovision e 82,5 milioni di interazioni. Per il secondo anno, inoltre, ESC era presente anche su Roblox: anche in questo caso il successo è stato notevole, con 400.000 utenti da oltre 100 territori e oltre 650.000 ascolti delle canzoni di Eurovision all'interno della piattaforma di gioco.

Infine, una nota sulle città che ospitano Eurovision Song Contest: EBU segnala che a Vienna, dove si è svolta l'edizione 2026, per ogni euro investito dalla città se ne sono generati 1,70. Il fattore moltiplicatore è senz'altro dovuto anche alla mole di turisti, addetti ai lavori e fan che si sono riversati sul posto (oltre 150.000 persone): le strutture di accoglienza viennesi, durante il mese di maggio 2026, hanno incassato 150,6 milioni di euro, +7% rispetto allo stesso periodo dello scorso anno.

Eurovision Song Contest, EBU pubblica il report 2026

Persi più di 30 milioni di telespettatori, ma "Per sempre sì" è la canzone più ascoltata

Warner Music Austria e ADA Central Europe hanno siglato ufficialmente un accordo di partnership con Tonherd, etichetta indipendente, casa editrice e hub creativo con sede a Vienna. In base ai termini dell'accordo, WMG Austria e ADA Central Europe cureranno la distribuzione globale e forniranno supporto strategico per lo sviluppo del roster di Tonherd sui mercati nazionale e internazionale.

L'intesa prevede inoltre che gli artisti locali di Warner possano accedere alle strutture di Tonherd, usufruendo dei relativi studi di registrazione e del polo creativo dedicato. La società viennese, fondata da Constantin Kaiser, Florian Koch e Valentin Bröderbauer, opera nei settori della composizione, produzione e publishing.

La prima pubblicazione frutto dell'accordo è firmata dall’artista pop Michael Russ, a cui faranno seguito nel corso dell’anno i nuovi progetti di ams, Fräulein Peter e Now. Il team di produzione di Tonherd ha inoltre collaborato in passato con diversi artisti della scena austriaca, tra cui Ina Regen, Josh. e Pizzera &amp; Jaus.

"Attraverso questa partnership intendiamo affiancare e sostenere gli artisti fin dalle prime fasi del loro percorso conoscitivo e professionale, confermando il nostro costante impegno nei confronti della scena musicale austriaca", ha dichiarato Franz Pleterski, Managing Director di Warner Music Austria, evidenziando&nbsp;l’obiettivo di strutturare un nuovo modello di sinergia tra il comparto indipendente e il mercato delle major.

WMG e ADA, nuova partnership per gli artisti locali

L’intesa con Tonherd unisce distribuzione globale, produzione e sviluppo del roster

Authentic Brands Group ha acquisito la quota di maggioranza nella proprietà intellettuale di October’s Very Own, il marchio di abbigliamento di Drake: la gestione operativa delle attività sarà affidata, in licenza, a Vince Holding Corp.. Authentic non ha comunicato il valore complessivo dell’operazione, ma ha precisato che “Drake manterrà una significativa quota di proprietà” e continuerà a definire la “visione creativa” di OVO. In una presentazione diffusa da Vince, la nuova entità ABG OVO risulta controllata al 51% da Authentic, al 44% da Drake e al 5% da Vince.

Sul piano operativo, Vince rileverà il business per 6 milioni di dollari e supervisionerà design di prodotto e le attività di vendita. Jamie Salter, fondatore e executive chairman di Authentic, ha dichiarato: “Vediamo un'opportunità significativa per portarlo ancora oltre, aprendo nuovi mercati, costruendo nuove attività e raggiungendo più persone in tutto il mondo senza perdere ciò che rende OVO unica”.

“Pochi marchi riescono a combinare influenza, stile raffinato e accessibilità come fa OVO”, ha aggiunto Brendan Hoffman, CEO di Vince Holding Corp: “Siamo orgogliosi che Authentic ci abbia scelto come partner e la fiducia che ne deriva ci dà grande energia. L'identità creativa e di design di OVO rimane inalterata e il nostro ruolo è quello di supportare questa visione e portarla a un numero sempre maggiore di consumatori in tutto il mondo”.

Nella seconda metà dello scorso giugno OVO era stata <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759741/drake-problemi-legali-per-ovo">citata in giudizio da Applied Real Intelligence</a> per una controversia su un finanziamento da 3,7 milioni di dollari erogato nel 2025: la transazione annunciata oggi - in base alle clausole del contratto sottoscritto, sostengono diversi osservatori americani - dovrebbe aver sancito la risoluzione delle pendenze dell’azienda.

Drake, Authentic Brands rileva la maggioranza di OVO

All’artista resterà il 44% delle quote. A Vince Holding la gestione operativa

Universal Music e Sony Music hanno accusato Suno di aver prelevato contenuti da YouTube tramite stream ripping per addestrare la propria intelligenza artificiale. Secondo nuovi documenti presentati dalle due società nell’ambito del <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759209/sony-music-e-universal-music-si-intensifica-la-causa-contro-suno">contenzioso in corso</a> presso la corte distrettuale del Massachusetts, la società di AI avrebbe scaricato e riprodotto senza autorizzazione flussi musicali presenti sulla piattaforma, includendo nei dati di training opere protette da copyright.

Il giudice al quale è stato affidato il procedimento, Dennis Saylor IV, pur accogliendo la modifica della denuncia presentato dalle due major, ha rigettato la richiesta avanzata da Universal Music e Sony Music di estendere la causa dalle 560 opere segnalate in prima istanza a un totale di poco superiore alle 61mila canzoni, che potrebbe far lievitare la richiesta di danni a oltre 9 miliardi di dollari (circa 4 in più rispetto all’attuale valutazione di Suno).