“E’ bellissimo avere nel telefono mille canzoni, sempre disponibili, ovunque. Ma la musica ascoltata in auto, in metropolitana o per la strada ha sempre un rumore di fondo. Se invece ci si mette ad ascoltare un vinile o un nastro, anche con delle cuffie da 50 euro, ci si accorge che la differenza è enorme”: si potrebbero dire mille cose riguardanti il rilancio, a 55 anni dalla nascita - avvenuta il primo dicembre 1967 - della PDU, storica etichetta fondata dal padre di Mina, Giacomo Mazzini, per assicurare maggior controllo sulle opere della figlia, già allora superstar, ma Massimiliano Pani - produttore e musicista, figlio di Mina, che dal nonno ha idealmente raccolto il testimone - preferisce strizzare lo spirito dell’operazione in una metafora eno-gastronomica.

“La gente va a mangiare al fast food, ma ci sono ragazzi che vanno a cercare anche trattorie che offrono tagliatelle fatte a mano e birre artigianali”, ci spiega: “Sono due tipi di realtà che esistono, e convivono. Nella musica, però, una coesistenza del genere non c’è. Questo ci ha fatto pensare di creare un luogo dedicato agli appassionati di vinile ad alta fedeltà”.

“Limitarsi a questo, però, non sarebbe bastato, perché avrebbe significato escludere dall’equazione il futuro, che - per quella che è la nostra visione - non può essere compresso e limitato a un file da 4 megabyte”, prosegue: “Di qui l’idea di ricorrere alla blockchain, che al momento offre ancora un grande spazio. In questo settore, gli artisti si stanno muovendo solo adesso nel realizzare prodotti di qualità. Prima la componente preponderante era rappresentata dall’hype, da immagini di coniglietti e scimmiette a favore di speculazione. Oggi l’NFT - se utilizzato correttamente - può davvero essere considerato il prodotto da collezione definitivo in ambito digitale. Per questo abbiamo pensato da una parte di realizzare vinili e nastri analogici, con tutte le attenzioni artigianali del caso, e dall’altra di sperimentare con la cripto-arte”.

La chiave del rilancio della PDU passa proprio dal dualismo tra analogico vintage a digitale avanzato. Da una parte, la produzione di vinili (rigorosamente a 180 grammi) e nastri da un quarto di pollice, formati nei quali saranno stampati un disco inedito di riletture in chiave jazz di classici di Mina firmato dal trio composto da Danilo Rea, Alfredo Golino e Massimo Moriconi; “Dilettevoli eccedenze”, raccolta di Mina che raccoglie rarità, lati B, outtake e inediti; “Encadenados”, un disco di Mina in spagnolo pubblicato una sola volta nel mercato latin negli anni ’90; “Mina in Studio 2001-2021”, doppio in vinile mai pubblicato in CD, che ripropone il repertorio del DVD “Mina in Studio” del 2001 con, come bonus track, l’inedita “Accarezzame” e, in collaborazione con Warner Music e Il Volatore, tre album di Ivano Fossati (“Musica Moderna” del 2008, “Decadancing” del 2011, il suo ultimo album di inediti prima di “Mina-Fossati”, e il doppio live “Dopo tutto” del 2012), oltre che a titoli di - tra gli altri - Domenico Modugno e Mia Martini. Dall’altra gli NFT, che inizialmente si concretizzeranno in due brani inediti di Mina (che non verranno distribuiti in altro modo) e le opere di Mauro Balletti, grafico di fiducia della PDU che firmò le cover di “Canarino Mannaro”, “Rane Supreme”, Salomè” e “Veleno”, tutte trasformate in token non fungibili con l’aggiunta di contenuti speciali.

“Ivano Fossati ha chiesto di radunare in PDU Music tutta la sua produzione”, spiega Pani: “E con Warner Music, grazie soprattutto a Patrizio Romano (responsabile del catalogo e del marketing strategico della filiale italiana della major), stiamo guardando al repertorio per tirare fuori i titoli più interessanti da pubblicare in vinile e su nastro. L’idea è di creare un catalogo misto, con titoli già editi e cose nuove, da jazz alla classica, ma anche con qualche giovane”. Al momento, fa sapere Pani,&nbsp;sono in corso trattative anche con BMG per operazioni di ripubblicazione dal catalogo.

Per il resto, precisa Pani, “i nuovi lavori di Mina usciranno solo qui. Non si troveranno da nessun’altra parte, né Amazon, né Feltrinelli, e nemmeno sulle piattaforme digitali. La prima pubblicazione sarà un disco di inediti, in uscita a gennaio”. Che parte ha avuto lei, in questa iniziativa? "L'idea è partita da me, dalla mia sensibilità di audiofilo. Poi le ho parlato, e quando le ho detto che i suoi nuovi dischi sarebbero stati disponibili solo da noi lei ha accettato, immediatamente. Perché nei confronti delle iniziative un po' pazze, soprattutto quelle che sovvertono le regole commerciali convenzionali, lei ha sempre dimostrato grande entusiasmo".

“I nostri sono prodotti per chi ancora ama la musica di qualità, fatta bene”, continua Pani: “Il bell’oggetto, da possedere, fatto ‘a mano’. L’industria discografica delle major si è buttata completamente sul digitale, ma non si può fare a meno di notare come si sia aperto un divario tra vertici della discografia e conoscenza diretta del prodotto discografico. Purtroppo c’è un grande scollamento tra quello che le multinazionali della musica registrata trattano e la conoscenza dei processi di produzione, tra il prodotto e chi lo commercializza. I primi discografici erano editori, musicisti, gente del mestiere: quello che manca oggi è il lavoro sul campo. Un tempo negli uffici dei direttori artistici delle etichette c’era sempre un pianoforte o una chitarra: erano posti dove si suonava. Negli uffici delle multinazionali di adesso non è più così…”.

La rinata PDU, non c’è bisogno di dirlo, va in direzione opposta. “Non abbiamo la pretesa di fare numeri favolosi: il nostro obiettivo è mettere a disposizione prodotti confezionati con molta cura a chi è interessato”, tiene a precisare Pani, escludendo a priori qualsiasi ansia da prestazione numerica. La sfida, per la sua etichetta, è quella di confrontarsi con un pubblico estremamente esigente: “Per produrre vinili all’altezza delle aspettative dei collezionisti abbiamo compiuto scelte precise”, chiarisce, “A partire dalle fonti, che sono nastri analogici o, nel caso dei titoli più recenti, DAT, per poi passare da una filiera d’eccellenza - i transfer agli studi di Abbey Road, a Londra, il processo di galvanica a Sheffield, sempre in Inghilterra, fino alla stampa, affidata a Mother Tongue, azienda di Verona che ogni 100 copie prodotte lava la macchina stampatrice. E’ un prodotto che non può costare 10 euro, ma destinato a una fascia di pubblico ben precisa. C’è chi sceglie di fare i prodotti in serie, e chi in modo artigianale. Noi abbiamo scelto la seconda opzione, pur tentando di tenere dei prezzi accettabili per dei prodotti di altissima qualità. E, da audiofilo quale sono, mi ha fatto molto piacere che la mia idea sia stata subito accolta da Fossati”.

Riguardo invece agli NFT, la società alla quale è stata affidata la produzione dei token è stata la Deziro di Roma: la commercializzazione delle opere avverrà sulla piattaforma Opensea, che permetterà di partecipare ai processi di vendita anche via carta di credito, senza l’acquisto preventivo di bitcoin - il cambio con la valuta corrente sarà attuato nel corso della transazione, in base a un tasso giornaliero stabilito dai mercati.

La scelta di tagliare fuori i canali di vendita istituzionali e - soprattutto - le piattaforme di streaming potrebbero esporre l’operazione ad accuse di elitarismo. “La nostra scelta è quella di fare le cose bene, e in questo senso la metafora della trattoria è calzante”, insiste Pani: “Tutti i processi che portano al lavoro finale sono fatti da artigiani, in questo caso dell’elettronica. Nella storia si va sempre avanti, ma di tanto in tanto ci si ferma per guardare indietro: noi abbiamo guardato al passato per seguire l’esempio di chi le cose le sapeva fare bene. Non è, quindi, un discorso elitario, ma di alto livello. Pur proponendo un prodotto estremamente curato sotto tutti gli aspetti - non solo audio, ma anche grafiche e packging - cerchiamo di tenere i prezzi nel mercato (39 euro, per i vinili a 180 grammi)”.

In casi di importanti operazioni sui cataloghi storici, lo streaming viene dipinto come la porta dall’accesso alle orecchie - inevitabilmente via playlist - delle giovani generazioni. Porta che, in questo caso, pare destinata a rimanere chiusa. “Lo streaming resta una cosa molto comoda, ne sono convinto”, racconta Pani: “Ascoltare bene musica, tuttavia, è un’altra cosa. E poi bisogna considerare che in streaming non c’è tutto: di vecchi dischi, per esempio, sono disponibili solo alcune canzoni. Un disco lo si prende dallo scaffale, lo si mette sul giradischi e lo si ascolta, nella sua interezza. Lo scopo è quello di costruire un piccolo catalogo che, partendo da quello di Mina, tirerà fuori sia delle chicche dagli archivi sia titoli nuovi, non solo in vinile ma anche in nastro. Gli NFT, invece, sono per gli esperimenti, sia di arte visiva che per qualsiasi altra cosa. Per esempio, anche Ivano Fossati mi ha detto che gli sarebbe piaciuto, per i token non fungibili, raccontare qualcosa di suo interesse: e io, da suo fan, sarei molto curioso di sapere cosa”.

Concentrare la produzione fisica su vinili ad alta qualità e nastri potrebbe pagare molto all’estero, soprattutto in mercati dove alla passione per la tradizione italiana si associa quella per l’alta fedeltà analogica. “I nastri hanno sicuramente grosse potenzialità, soprattutto perché quello che viene offerto sul mercato è ancora molto poco, e noi partiremo con dieci ore di nastri di artisti che, in questo formato, non hanno mai pubblicato”, riflette Pani: “Stiamo cercando di capire come arrivare ai collezionisti stranieri, che - come è noto - fanno parte di un circolo piuttosto chiuso, dove il tam tam è fondamentale”.

Non ci sono responsabili marketing o indagini di mercato dietro il rilancio di uno dei marchi più pregiati della tradizione musicale italiana. “Ci presentiamo come una piccola banda di matti, ed è quello che effettivamente siamo”, sorride Pani: “Questa operazione non nasce dalle ricerche di mercato, ma dal voler dimostrare amore verso una cosa importante, e dalla voglia di cercare di offrire qualcosa che il mercato attualmente non offre. Oggi non ho idea se quello che facciamo possa interessare a 100, 1000 o 10.000 persone: staremo a vedere. Da parte mia, come musicista e audiofilo, sentivo l’esigenza di lasciare qualcosa di tangibile, perché oggi i dischi - specie di generi particolari come il jazz - non si trovano più. Si trovano le compilation, che sono fatte da persone che quasi mai conoscono gli artisti, e che ricadono nella logica della playlist streaming, ovvero quella di inanellare i titoli più scontati di un repertorio”.

La nuova PDU non si dedicherà solo alle gemme d’archivio: come più volte ricordato da Pani, l’etichetta ha in programma anche di aprire alle nuove produzioni inedite. E i lavori di scouting sono già iniziati.

“Sto lavorando con dei ragazzi, e sentendo produzioni italiane molto valide, specie per quanto riguarda il jazz”, spiega, al proposito, Pani: “C’è ancora tanta musica bella in giro, anche nuova: bisogna solo andare a cercarla. La nostra fortuna è che quasi tutti gli autori italiani propongono delle canzoni a Mina, e in quel bacino qualcuno di veramente bravo lo si trova sempre. Per il resto, vado ai concerti, giro molto, e quando sento qualcosa che mi piace provo a stabilire un contatto. In questo momento c’è un fermento forte. Che poi le multinazionali prediligano la trap va bene, ma resto convinto che ci sia spazio anche per il resto”.

La PDU è stata attiva dal 1967 - anno di pubblicazione del primo disco di Mina per la label, non a caso intitolato “Dedicato a mio padre” - e fino alla fine degli anni Settanta ha tenuto alti ritmi di pubblicazioni annuali. Poi, a partire dagli anni Ottanta, le uscite si sono progressivamente diradate, fino al 1991, anno in cui sono stato pubblicati gli ultimi due album della “vecchia” PDU, “Mensaje de tango” di Angel Pato Garcia e “L’occasione” dello stesso Pani (“Il mio primo disco”, scherza lui, “Quello che mi ha fatto capire che il mio lavoro sarebbe stato far fare i dischi agli altri”). C’è qualche artista, uscito in questi trent’anni di sospensione delle attività, che a Pani - da discografico - dispiace essersi perso?

“Sì. Mario Biondi, per esempio: quando l’ho sentito mi ha sorpreso”, racconta: “Negli anni ci sono artisti che sono stati capaci di arrivare al pubblico con una proposta forte e interessante, e che poi ce l'hanno fatta. E non parlo dei grandissimi, come Zucchero o Vasco Rossi. Di artisti di valore ce ne sono eccome: ho solo paura che, adesso, nessuno li ascolti. Stiamo vivendo un momento di massificazione, Vittorio Gassman lo diceva già negli anni Ottanta. E noi non abbiamo la pretesa di salvare la discografia italiana…”.

Le attrezzature d’epoca che cinquant’anni fa popolavano gli studi milanesi della PDU, in Corso Italia, ci sono ancora: sono state tenute in funzione e trasferite a Lugano. Un piccolo grande patrimonio fatto di microfoni Neumann anni Cinquanta, compressori e altro oggi integrato a tecnologia più recente, ma che resta uno standard in fatto di ripresa e cattura del suono. “Abbiamo sempre fatto dischi acustici e ci servivano gli strumenti giusti per registrare bene gli strumenti acustici”, dice Pani: “E’ un bagaglio tecnologico che rappresenta il nostro tesoretto, e che in occasione di operazioni come queste torna particolarmente utile. Possiamo garantire che il procedimento analogico sia il più coerente possibile”.

Un’isola felice, ai margini della corrente temporale dove algoritmi, chart in real time e views dettano legge. “Il dato commerciale, oggi, non certifica la validità artistica di un progetto”, conclude Pani: “Milioni di visualizzazioni non sono garanzia di qualità, anche se - considerando le classifiche italiane, o internazionali - si incappa tanto in ottime produzioni quanto in produzioni scadenti. Un tempo era diverso: nelle chart si trovavano quasi solo prodotti di qualità. Poi la discografia è diventata un’industria, guidata da gente magari bravissima a fare i conti, che però appartiene ad altri ambiti, e non ama né conosce il prodotto che tratta. Di una cosa, però, sono fermamente convinto: la musica bella c’è ancora, e vince sempre: bisogna solo andarla a cercare”.

Massimiliano Pani

vinile

Warner Music Italy

Mina

Ivano Fossati

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Massimiliano Pani racconta il rilancio della PDU

Industria

Tra analogico e NFT, con un solo obiettivo: ‘Qualità artigianale per veri appassionati’

AssoConcerti ha lanciato un’opportunità per gli appassionati di musica: una nuova grande indagine nazionale sull’impatto economico degli eventi dal vivo, in collaborazione con il Prof. Nicola Salvati, Ordinario di Statistica presso l’Università di Pisa e direttore del Centro Dagum.

L’associazione di categoria che raggruppa i più importanti organizzatori e produttori di musica dal vivo in Italia ha aperto le candidature a intervistatori e intervistatrici “motivati, dinamici e pronti a immergersi nell’atmosfera unica dei festival e i live più attesi dell’estate”. Da Napoli a Firenze, passando per Roma e Milano, i selezionati avranno il compito di interagire con il pubblico e raccogliere preziose testimonianze e dati attraverso questionari sul campo per un’analisi approfondita del valore culturale ed economico degli eventi musicali nel nostro Paese e potranno assistere gratuitamente al concerto.

Per partecipare alla selezione, è necessario compilare il form al seguente link <a href="https://forms.gle/9REdy3yN6Nqqmg2A7">https://forms.gle/9REdy3yN6Nqqmg2A7</a>&nbsp; entro e non oltre il 31 maggio: i candidati - specificano gli organizzatori - “dovranno avere ottime capacità comunicative, predisposizione alle relazioni, conoscenza dell’inglese e, soprattutto, una grande passione per gli spettacoli dal vivo”. "Gli intervistatori - conclude AssoConcerti - potranno vivere l’emozione di tutti i più grandi eventi in programma e parteciperanno ad un progetto di ricerca che analizzi i concerti non solo come manifestazioni artistiche ed esperienze collettive di valore, ma importanti elementi chiave per la crescita economica e culturale locale e nazionale”.

Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748188/ricadute-economiche-concerti-in-italia-studio-dati-milano-music-week">primo studio sulle ricadute economiche dei concerti italiani</a> è stato presentato dall'Università di Pisa in collaborazione con AssoConcerti lo scorso anno: l’indagine è stata condotta in occasione di spettacoli dal vivo di star nazionali e internazionali come - tra le altre - Vasco Rossi, Coldplay, Taylor Swift, David Gilmour e Zucchero, e di festival ospitati da località turistiche come il Lucca Summer Festival o La Prima Estate.

AssoConcerti, biglietti omaggio per volontari: ecco come

Per un ricerca sull’impatto economico dei live in collaborazione con l’Università di Pisa

Secondo i dati registrati dal più popolare servizio di streaming musica a livello internazionale, “Volevo essere un duro” di Lucio Corsi è la seconda canzone più ascoltata sulla piattaforma tra quelle in gara alla prossima edizione dell’Eurovision Song Contest, con oltre 6 milioni di ascolti solo nell’ultimo mese. Primo per ascolti nel nostro Paese, il brano è apprezzato anche all’estero, e in particolar modo in Germania e nel Regno Unito, rispettivamente secondo e terzo Paese per numero di ascolti dopo l’Italia.

La hit di Gabry Ponte, “Tutta L’Italia”, in gara per San Marino, risulta essere la seconda canzone più ascoltata in Italia, ma anche in Svizzera, dove l’Eurovision Song Contest avrà luogo, a Basilea.

A completare la top five degli ascolti italiani ci sono Tommy Cash con “Espresso Macchiato” al terzo posto, seguito da “Bara Bada Bastu” dei KAJ e “Lighter”, brano del norvegese Kyle Alessandro.

In vista delle semifinali che inizieranno la prossima settimana, “Bara Bada Bastu” del trio finlandese (ma in gara per la Svezia) KAJ si conferma essere la canzone in gara più ascoltata sulla piattaforma, con oltre 13 milioni di ascolti registrati solo nell’ultimo mese. Dopo il brano di Lucio Corsi, al terzo posto viene “C'est La Vie”, portata al Festival da Claude, in rappresentanza dei Paesi Bassi. A completare la top five ci sono il brano di San Marino “Tutta L'Italia” di Gabry Ponte al quarto posto e al quinto l’estone Tommy Cash con la sua “Espresso Macchiato”.

Per Spotify “Eurovision si conferma essere uno dei momenti culturali più importanti, in Europa, in termini di valorizzazione dei talenti e di supporto agli artisti nella loro crescita a livello globale. Lo dimostra anche l’andamento degli ascolti del più recente vincitore: nel corso dell’anno seguito al trionfo all’Eurovision Song Contest 2024, con la sua ‘The Code’, Nemo ha visto la propria carriera decollare, con ascolti che su Spotify sono cresciuti di oltre il 1700%. Un successo capace di valicare i confini dell’Europa: considerando gli ascolti dal 2011, i dati di Spotify mostrano come Eurovision abbia contribuito significativamente a far conoscere al di fuori del perimetro europeo i talenti del continente. In media, i passati vincitori dell’Eurovision Song Contest hanno visto aumentare i propri ascolti sulla piattaforma di più del 1500% nell’anno successivo alla propria partecipazione alla manifestazione, arrivando a casi eclatanti come quello della concorrente austriaca Conchita Wurst, che ha vinto l’Eurovision nel 2014 con ‘Rise Like a Phoenix’, per esempio, i cui ascolti sono cresciuti di oltre il 6000% nel corso dei 12 mesi successivi”.

Eurovision Song Contest 2025, gli ascolti pre-gara su Spotify

Bene (sia a livello nazionale che internazionale) Lucio Corsi e Gabry Ponte

Descritta dai suoi creatori come&nbsp;"una piattaforma digitale che permette agli artisti di vendere musica e contenuti esclusivi direttamente ai propri fan, prima che vengano distribuiti su altri canali", la startup Heartist è basata - come ha spiegato a Rockol MusicBiz il fondatore Alberto Marenco (nella foto) -&nbsp;"un modello innovativo che valorizza il legame artista-fan e offre nuove opportunità di monetizzazione attraverso prodotti digitali in anteprima ed esperienze personalizzate".&nbsp;"Non è un’alternativa allo streaming", ha precisato Marenco,&nbsp;"ma un’integrazione che mette al centro la community e il valore culturale della musica".

A che profilo di artista si rivolge, tendenzialmente, Heartist? Cosa vi ha guidato nel selezionare e mettere sotto contratto i primi artisti partner?

In questa prima fase ci stiamo concentrando su artisti indipendenti che abbiano una fanbase attiva e un forte controllo creativo sul proprio progetto. Questo ci consente di lavorare con chi è pronto a sperimentare modelli di distribuzione e monetizzazione più diretti, senza vincoli contrattuali troppo stringenti. La selezione dei primi artisti partner è avvenuta con grande cura, privilegiando chi ha una visione chiara, un’identità forte e soprattutto un dialogo autentico con il proprio pubblico. Heartist nasce per dare potere agli artisti: non cerchiamo "catalogo", ma storie, personalità e comunità vive.

Qual è il razionale che ha definito il vostro modello di business?

Abbiamo costruito un modello centrato sui prodotti digitali, venduti in anteprima ed esclusiva&nbsp;ai fan più affezionati. Ci rivolgiamo in particolare al segmento dei superfan, persone disposte a supportare economicamente un artista in cambio di contenuti speciali, accessi prioritari, esperienze personalizzate. È un modello che restituisce valore alla musica, trasformandola da semplice flusso da ascoltare passivamente a prodotto culturale da collezionare e vivere. I margini sono più equi, la relazione tra artista e fan è più forte, e la sostenibilità economica ne esce rafforzata.

Ritenete che l'approccio artist centric adottato da DSP come Spotify e Deezer possa rivelarsi un vantaggio o uno svantaggio per gli utenti di Heartist?

Crediamo che ogni tentativo di avvicinarsi agli artisti sia positivo, ma la realtà è che i DSP restano strutturalmente concentrati sull'ascolto in massa. Anche con politiche “artist centric”, i ricavi per singolo artista restano bassi e la relazione con il fan è pressoché inesistente. Heartist va in un’altra direzione: qui l’artista ha un controllo totale su cosa pubblicare, quando farlo, a che prezzo e per chi.&nbsp;Non vogliamo competere con lo streaming, ma offrire una finestra in più di monetizzazione: la possibilità di vendere la propria musica in anteprima e in digitale, direttamente ai fan più coinvolti.

Quanti finanziamenti avete raccolto, fino a oggi? Avete un obiettivo per un eventuale prossimo round di finanziamento?

In questa fase stiamo portando avanti una raccolta in modalità bootstrapping, utilizzando lo strumento SAFE (Simple Agreement for Future Equity), molto diffuso nella Silicon Valley, che consente agli angel investor di entrare a condizioni vantaggiose e con grande rapidità. C'è ancora un po' di spazio disponibile, ma abbiamo già ricevuto diverse richieste che stiamo valutando attentamente. Chiusa questa fase, partiremo con un round pre-seed: a giugno avremo un primo incontro con potenziali investitori, organizzato nell’ambito del percorso di accelerazione di MVP Factory promosso da Nana Bianca, che ci ha selezionati lo scorso settembre tra poche startup nel settore entertainment.

Quali sono gli obiettivi nel vostro primo anno di attività?

Il nostro obiettivo principale è lanciare la prima versione della piattaforma a ottobre e arrivare entro fine anno ad avere almeno 20 artisti attivi, di cui due prodotti direttamente da noi sotto il marchio Original Heartist. Con questa linea vogliamo sviluppare non solo la distribuzione, ma anche contenuti originali e proprietari, in grado di valorizzare al massimo il potenziale degli artisti. Siamo a buon punto: il primo artista Original Heartist uscirà con un EP e un documentario esclusivo che produrremo a Los Angeles, dove abbiamo già stabilito connessioni importanti. Heartist è un progetto internazionale fin dalla nascita, e vogliamo dimostrarlo sin da subito.

Come funziona Heartist: parla Alberto Marenco

Un modello centrato sui prodotti digitali, venduti in anteprima ed esclusiva ai superfans

Apple Music ha annunciato di aver reso disponibile da oggi, venerdì 9 maggio, l'intero catalogo degli Oasis in audio spaziale con Dolby Atmos. Gli album della band, tra cui “(What’s The Story) Morning Glory?” e “Be Here Now”, insieme a tre raccolte — “The Masterplan”, “Time Flies… (1994-2009)” e “Stop The Clocks” — si uniscono al disco di debutto “Definitely Maybe”, ai live “Oasis Knebworth 1996 (Live)” e “Familiar To Millions (Live)”, tutti pubblicati da Big Brother Recordings Ltd.

L’etichetta ha incaricato il produttore e ingegnere del suono vincitore Ryan Hewitt di ricreare questi mix da zero: il processo ha richiesto oltre 18 mesi di lavoro.

“Rispettare i mix originali e l’idea sonora di questi dischi — così potenti ed esplosivi — e trasferirli in Dolby Atmos è stata una delle sfide più grandi della mia carriera”, ha dichiarato Hewitt: “Questi dischi avevano un sound già enorme, e ora su Apple Music in audio spaziale sono ancora più imponenti, pur mantenendo intatto lo spirito originale delle registrazioni”.

Per celebrare il lancio, Matt Wilkinson ha intervistato Ryan Hewitt sul processo di adattamento di ogni album a questa nuova esperienza immersiva: lo speciale radiofonico dedicato agli Oasis è già disponibile su Apple Music all’indirizzo apple.co/_MattWilkinson.

Oasis

Apple Music, online tutto il catalogo degli Oasis in Dolby Atmos

Remixati da zero da Ryan Hewitt

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Miley Cyrus, Fabio Rovazzi, Kid Cudi, Nada e Alfa.

<h2>More to Lose - Miley Cyrus</h2>

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È uscito oggi, venerdì 9 maggio, “More to lose”, il nuovo brano di Miley Cyrus estratto dal nuovo album di inediti “Something beautiful” (Columbia/Sony Music), in uscita il 30 maggio. La popstar aveva presentato&nbsp;in anteprima il nuovo brano durante un esclusivo evento pre-MET GALA curato da Moncler presso Casa Cipriani a New York.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/more-to-lose-miley-cyrus-ctid-204066047">Leggi il testo di "More to Lose" </a>

Nata il 23 novembre 1992, Miley – anche grazie al padre noto musicista - incomincia a interessarsi a questa carriera molto presto, scrivendo le sue canzoni e imparando a cantare. La sua grande occasione avviene però nel 2005 quando entra a far parte del cast di “Hannah Montana” che le permette di farsi conoscere immediatamente al pubblico; nell’ottobre 2006 viene realizzata la colonna sonora del telefilm in cui Miley canta otto canzoni, incluso un duetto tra lei e il padre dal titolo "I... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/miley-cyrus/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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 <a href="https://www.rockol.it/singoli">Scopri qui</a> tutti i singoli in uscita!
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<h2>Red Flag - Fabio Rovazzi - Sony</h2>

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Fabio Rovazzi pubblica il nuovo singolo intitolato "Red flag", disponibile a partire da venerdì 9 maggio 2025. Il brano è prodotto da ROOM9 e pubblicato sotto l'etichetta Columbia Records/Sony Music Italy. La canzone presenta la collaborazione di Paola Iezzi e Dani Faiv. Come spiegato in un comunicato, Rovazzi utilizza il sarcasmo per esplorare temi attuali legati all'amore.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/red-flag-fabio-vieira-ctid-182179776">Leggi il testo di "Red Flag" </a>

Su YouTube si definisce ironicamente un "noto politico italiano". In realtà, Fabio Rovazzi è una web-star, ovvero un personaggio noto al mondo del web. Classe 1994, da qualche tempo a questa parte Rovazzi sta riscuotendo un grande successo in rete come youtuber, grazie ad una serie di video-parodie alcuni dei quali realizzati insieme ad altri youtubers (Edoardo Mecca, Homyatol, TheShow) che hanno racimolato diverse visualizzazioni sul Tubo. Fedez lo ha voluto al suo fianco nel video di "Non... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/fabio-rovazzi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Neverland - Kid Cudi</h2>

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Kid Cudi&nbsp;fa il suo ritorno con “Neverland”, il&nbsp;nuovo singolo&nbsp;disponibile dal 9 maggio&nbsp;su tutte le&nbsp;piattaforme digitali. Il brano porta lo stesso titolo del cortometraggio di&nbsp;Kid Cudi, diretto da&nbsp;Ti West&nbsp;e prodotto dalla&nbsp;Monkeypaw Productions, “Neverland”, che farà il suo debutto a giugno al Tribeca Film Festival. Riguardo al nuovo singolo,&nbsp;l'artista&nbsp;ha dichiarato:&nbsp;“Neverland&nbsp;segna l’inizio di un nuovo ed emozionante capitolo per me. Vado molto fiero di questo nuovo sound e non vedo l’ora che i miei fan - nuovi o di vecchia data - possano ascoltarlo. Tra l’album e il cortometraggio che presenterò al Tribeca, questo è solo l’inizio di qualcosa di molto più grande”.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/neverland-kid-cudi-ctid-204280119">Leggi il testo di "Neverland" </a>

Scott Ramon Seguro Mescudi nasce il 30 gennaio 1984 a Cleveland, nell'Ohio. Trascorre una serena infanzia a Shaker Heights, un verdeggiante paesino di provincia. Sua madre, di origini afro-americane, è insegnante di canto; il padre, messicano, è imbianchino. Entrambi avranno una grande influenza su di lui, anche se quella del padre avrà purtroppo un risvolto amaro: l'uomo muore infatti di malattia quando Scott ha solo 11 anni. 
Il ragazzo eredita dalla madre la passione per la musica, e... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/kid-cudi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Bella più Bella - Nada - Santeria</h2>

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Il nuovo album di Nada, intitolato "Nitrito" esce oggi&nbsp; 9 maggio per l'etichetta Santeria e distribuito da Audioglobe. L'album è prodotto da John Parish e rappresenta il primo lavoro inedito dopo cinque anni dal precedente disco, "La paura va via da sé se i pensieri brillano". Nitrito è anticipato dai singoli "Un giorno da regalare"&nbsp;e "Una notte che arriva". In concomitanza con l'uscita dell'album, è stato pubblicato anche il singolo "Bella più Bella", accompagnato da un videoclip. Le registrazioni sono state effettuate negli studi J&amp;J di Bristol, UK. La collaborazione con John Parish prosegue dopo lavori precedenti, tra cui "Tutto l’amore che mi manca" (2004), "E’ un momento difficile tesoro" (2019) e "La paura va via da sé se i pensieri brillano" (2022). La copertina dell'album è realizzata da Iacopo Gradassi.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/bella-piu-bella-nada-ctid-204385987">Leggi il testo di "Bella più Bella" </a>

Nata a Livorno nel 1953, Nada debutta al Festival di Sanremo 1969, appena quindicenne, con “Ma che freddo fa”, il suo primo successo. L’anno seguente è la volta di “Pa’ diglielo a ma’”, ancora a Sanremo, e di “Che male fa la gelosia”, presentata a Canzonissima ’70. Seguono “Il cuore è uno zingaro”, con cui Nada vince Sanremo 1971, e “Re di denari”, con cui l’anno dopo ottiene il terzo posto al festival. A 18 anni si avvicina alla canzone d’autore iniziando a collaborare con giovani... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/nada/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>A me mi piace - Alfa - Artist First</h2>

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Il 9 maggio 2025 esce il nuovo singolo di Alfa,&nbsp;“A me mi piace”, in collaborazione con Manu Chao, disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali. Questo brano anticipa la pubblicazione della versione deluxe dell'album “NON SO CHI HA CREATO IL MONDO MA SO CHE ERA INNAMORATO”. La nuova edizione dell'album comprenderà cinque canzoni inedite, includendo “A me mi piace”, che rappresenta una collaborazione tra artisti di generazioni diverse. Questa composizione non è una rilettura di “Me Gustas Tu”, ma un'opera originale che ne raccoglie l'eredità emotiva. Il video del singolo è stato girato a Genova, in diverse location significative della città.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/a-me-mi-piace-alfa-ctid-203565945">Leggi il testo di "A me mi piace" </a>

Andrea De Filippi, noto come Alfa, è un cantautore genovese nato nel 2000. Inizia a dedicarsi alla musica già da giovanissimo: dopo i primi studi di chitarra e pianoforte a otto anni, a quindici l'artista inizia a partecipare a concorsi di freestyle. Nel 2018 partecipa ai casting di X Factor ma viene scartato. Inizia a fare numeri sulle piattaforme social e digitali: Si fa notare nel 2019 con "Cin Cin", un singolo che ottiene milioni di stream in Italia e all’estero, e che diventa una... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/alfa/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Miley Cyrus, Fabio Rovazzi, Kid Cudi, Nada e Alfa

Nuovi singoli, le uscite del 9 maggio

Nella Classifica USA album relativa alla settimana dal 5 maggio 2025 all'11 maggio 2025&nbsp;si registra un cambiamento significativo nella parte alta della graduatoria. Skeleta&nbsp;dei Ghost debutta direttamente in prima posizione, scalzando dalla vetta SOS di SZA, che scende così in seconda posizione. In terza posizione si posiziona GNX di Kendrick Lamar, che scende dalla seconda piazza della settimana precedente.

Oltre a quella già citata, non si segnalano altre nuove entrate nella prime dieci posizioni.

Nella Classifica USA singoli relativa alla settimana dal 5 maggio 2025 all'11 maggio 2025, il brano "Luther" di Kendrick Lamar &amp; SZA mantiene la&nbsp; prima posizione. In seconda posizione si registra una crescita per "Ordinary" di Alex Warren, che guadagna una tacca rispetto alla settimana precedente, salendo dal&nbsp;terzo&nbsp;al&nbsp;secondo&nbsp;posto. Sul gradino più basso del podio si installa&nbsp;"Die With A Smile" di Lady Gaga &amp; Bruno Mars, che passa dalla seconda alla terza posizione.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Ghost

Classifiche USA, novità 11 maggio: i Ghost subito primi

'Skeleta' è l'album più ascoltato della settimana

Si terrà tra i prossimi primo luglio e 5 agosto la seconda edizione di BOP - Beats Of Pompeii, rassegna ospitata dall’antico Anfiteatro degli Scavi Archeologici di Pompei. Patrocinata dal Ministero della Cultura e dal Parco Archeologico di Pompei, in collaborazione con il Comune di Pompei e Regione Campania, la rassegna ha la direzione artistica di Giuseppe Gomez e l’organizzazione tecnica delle società Blackstar Entertainment e Fast Forward.

Il programma dall’edizione 2025 della rassegna prevede le esibizioni di star nazionali e internazionali come - tra le altre - Nick Cave, Jean-Michel Jarre, Wardruna, Ben Harper, Bryan Adams, Dream Theater, Stefano Bollani, Gianna Nannini e Antonello Venditti.

La manifestazione, per il Sottosegretario alla Cultura con delega alla Musica Gianmarco Mazzi, “sarà l’occasione non solo per assistere alle esibizioni di artisti come Jean-Michel Jarre, che con il brano ‘Oxygen’ ha rappresentato uno spartiacque per me e un'intera generazione, unendo melodie e utilizzo di sintetizzatori. Ma rappresenterà anche quell'alleanza tra beni e attività culturali che auspico e senza la quale questi luoghi meravigliosi non vivono, non respirano. Spero che Pompei diventi un esempio per tutta Italia e un'icona nel mondo anche per questo"

“La rassegna BOP-Beats of Pompeii – ha aggiunto il Direttore artistico Peppe Gomez - è anche il riflesso del fermento culturale che sta vivendo Napoli e la Campania, sempre più protagoniste sulla scena internazionale. La rassegna rappresenta un’occasione per promuovere il territorio, incentivando il turismo stanziale e sostenendo l’economia locale”.

Alla luce del forte afflusso di pubblico registrato lo scorso anno, gli organizzatori della manifestazione - grazie a interventi su sicurezza, controlli e uscite di emergenza - hanno aumentato la capienza delle venue dai 2750 posti dello scorso anno ai 3000 previsti per l’edizione 2025.

L’Anfiteatro di Pompei è entrato nella storia del rock mondiale nel 1971, quando i Pink Floyd scelsero la struttura del Parco Archeologico per registrare il leggendario film concerto “Pink Floyd: Live at Pompeii”, <a href="https://www.rockol.it/news-751374/pink-floyd-live-at-pompeii-al-cinema-un-esperienza-unica">tornato di recente nelle sale</a> in una nuova versione restaurata e rimasterizzata.

Estate 2025, torna BOP - Beats of Pompeii

La rassegna ospitata dagli scavi archeologici rilancia con star internazionali

Si è tenuta ieri, giovedì 8 maggio, la trentottesima Assemblea Nazionale dei Soci di Assomusica. Per l’occasione il Presidente dell’entità che rappresenta parte dei produttori e degli organizzatori italiani di spettacoli musicali dal vivo ha ribadito le priorità dell’associazione nel contesto normativo e produttivo dello spettacolo dal vivo.

Nel suo intervento, Parodi ha sottolineato l’urgenza dell’approvazione del Codice dello Spettacolo entro la scadenza prevista per agosto 2025, definendolo “uno strumento fondamentale per riconoscere, tutelare e far crescere il settore”.

“Ci auguriamo che il Codice dello Spettacolo – ha dichiarato Parodi – veda finalmente la luce nei tempi previsti e che al suo interno siano valorizzati elementi cruciali come il riconoscimento delle professionalità del comparto, il sostegno concreto ai live club, e un tax credit strutturato a favore degli operatori”.

“Serve una riforma capace di semplificare l’organizzazione di concerti ed eventi, offrendo maggiori opportunità di realizzazione su tutto il territorio nazionale. La cultura non è solo un valore sociale, ma anche un potente motore economico e occupazionale, in grado di generare ricadute significative nelle comunità locali”, ha concluso il Presidente.

Assomusica rilancia sul Codice dello Spettacolo

In occasione della 38esima Assemblea Nazionale dei Soci

Elemedia - società del Gruppo GEDI che edita Radio Deejay, Radio Capital, m2o e OnePodcast - ha rinnovato oggi, giovedì 8 maggio, il Consiglio di Amministrazione, nominando Pasquale di Molfetta (Linus) Presidente.

La nomina - precisa l’azienda - “riconosce il contributo determinante prestato da Linus per lo sviluppo del polo radiofonico di GEDI, e ribadisce la fiducia nelle sue capacità manageriali per assicurare una nuova fase di crescita alle radio nel Gruppo, dove manterrà l’incarico di Direttore Editoriale delle Radio GEDI e Direttore Artistico di Radio Deejay, Radio Capital e OnePodcast”.

Nel corso della medesima riunione, è stato inoltre cooptato Fabiano Begal, che entra a far parte del CDA di Elemedia. Carlo Ottino continuerà a esercitare le deleghe operative per la gestione della società.

Linus

Linus nominato Presidente di Elemedia

Dopo il rinnovo del Consiglio di Amministrazione

Nella Classifica Radio Airplay relativa alla settimana dal 2 maggio 2025 al 8 maggio 2025, la vetta è occupata da Achille Lauro con il brano Amor, in risalita dalla nona posizione. Subito dietro, in seconda posizione, si riconferma&nbsp;Ed Sheeran con il singolo Azizam. In terza posizione si colloca Miley Cyrus con End Of The World, in risalita dalla quinta posizione.

Non si segnalano nuovi ingressi nella top ten.

Nella Classifica Radio Airplay Absolute Beginners relativa alla settimana dal 2 maggio 2025 al 8 maggio 2025, la vetta è occupata da Florinda con il brano Ma che vuò, in risalita dalla seconda posizione. Subito dietro, sul gradino intermedio del podio, si colloca l'ex testa di serie&nbsp;Dario Di Bona con il singolo Jaded. In terza posizione si riconferma&nbsp;Doctum con il brano Whip.

Tra le prime dieci posizioni, le nuove entrate sono:

<ul>
	<li>Io sono Luca di Dellai debutta in settima posizione</li>
	<li>Vittoria di Casadilego debutta in decima posizione</li>
</ul>

Achille Lauro

Classifiche Airplay, novità 8 maggio: Lauro torna in vetta

'Amor' è il brano più trasmesso dalle radio

Warner Music Group ha comunicato oggi i dati finanziari relativi al primo trimestre del 2025. La major guidata da Robert Kyncl ha registrato ricavi per 1,484 miliardi di dollari (-1% su base annua): al fatturato totale la divisione dedicata alla musica registrata ha contribuito per 1,17 miliardi di dollari (-1% su base annua), con 310 milioni (+1%) generati dalla divisione editoriale.

L’utile netto è calato del 63% dai 96 milioni dello scorso anno ai 36 del 2025, mentre il reddito operativo è salito del 41% a 168 milioni di dollari dai 119 dello scorso anno, così come la liquidità netta, salita da 31 a 69 milioni di dollari. La positività della gestione operativa e l'apparente peso di ristrutturazioni e acquisizioni sul bilancio fotografano&nbsp;WMG nei primi tre mesi dell'anno come a una tappa intermedia verso il compimento di un percorso propedeutico a investimenti futuri.&nbsp;

“I ricavi da musica registrata sono diminuiti dell'1,2% a causa delle diminuzioni nei servizi digitali e per gli artisti e dei ricavi derivanti dall'espansione dei diritti, parzialmente compensati dalla crescita dei ricavi da servizi fisici e licenze”, ha fatto sapere WMG in una nota: “I ricavi digitali sono diminuiti dello 0,8% e i ricavi da streaming sono diminuiti dello 0,4%. I ricavi da streaming riflettono una crescita dei ricavi da abbonamento dell'1,1%, parzialmente compensata da un calo dei ricavi da pubblicità del 4,7%. I ricavi da streaming hanno risentito di un confronto anno su anno difficile, in particolare per quanto riguarda i ricavi da streaming da abbonamento, aggravato da un programma di uscite più limitato e dalla perdita di quote di mercato in Cina”.

Al contrario, spiega sempre Warner Music, “i ricavi generati dalla divisione editoriale sono aumentati dell'1,3%. L'aumento è stato trainato dalla crescita dei ricavi digitali, della pubblica esecuzione, delle sync e dei diritti di riproduzione meccanica. I ricavi digitali sono aumentati dello 0,5% e i ricavi da streaming sono rimasti invariati rispetto al trimestre dell'anno precedente, trainati dall'impatto dei rinnovi degli accordi digitali principalmente negli Stati Uniti. I ricavi da pubblica esecuzione sono aumentati dell'1,9%, grazie alla crescita di concerti, radio ed eventi dal vivo principalmente al di fuori degli Stati Uniti. I ricavi della sincronizzazione sono aumentati del 2,1% (lo stesso a valuta costante) grazie alla maggiore attività di licenze televisive e commerciali e all'impatto delle acquisizioni, parzialmente compensati dalla tempistica degli accordi per violazione del copyright. I ricavi da diritti di riproduzione meccanica sono aumentati del 6,7%, trainati dall'aumento delle vendite fisiche nel trimestre”.

"La nostra strategia sta iniziando a dare i suoi frutti, con la nostra più forte presenza in classifica degli ultimi due anni, che si traduce in un'espansione della quota di mercato delle nuove uscite negli Stati Uniti”, ha commentato il CEO di Warner Music Robert Kyncl: “Di conseguenza, la nostra vera forza in questo trimestre è stata parzialmente offuscata da confronti difficili con la sovraperformance dell'anno scorso. Mentre replichiamo la nostra strategia su altre etichette e aree geografiche e guidiamo un circolo virtuoso di maggiori reinvestimenti, prevediamo di offrire un valore duraturo ad artisti e cantautori e una crescita e una redditività sostenute per gli azionisti".

Warner Music, nel Q1 2025 ricavi giù dell’1% a $ 1,48 miliardi

Crolla l’utile netto (-63%) ma è boom del reddito operativo (+41%)

Edizioni Curci ha visto tre dei suoi autori venire premiati alla settantesima edizione dei David di Donatello, uno dei più prestigiosi premi cinematografici italiani la cui serata di gala per l’edizione 2025 si è tenuta nella serata di ieri, mercoledì 7 maggio, a Roma: Andrea Bonomo, Edwyn Roberts e Gianluigi Fazio figurano infatti nei crediti di “Aria!”, brano portante della colonna sonora di “Gloria!”, film diretto da Margherita Vicario premiato, come Miglior Canzone Originale. Alla scrittura della canzone - registrata dalla stessa Vicario, che figura nei crediti anche come co-autrice - ha contribuito anche Dade, all’anagrafe Davide Pavanello, bassista e produttore già co-fondatore dei Linea77 e dell’etichetta INRI e del gruppo Metatron - nel roster della divisione editoriale del quale è presente anche Vicario.

“Un riconoscimento che celebra non solo l’originalità e la forza narrativa della canzone, ma anche il talento e la sinergia creativa dei nostri autori, che ancora una volta confermano la qualità e l’eccellenza del catalogo Curci nel panorama musicale e cinematografico italiano”, ha commentato - in una nota - la storica società di edizioni milanese.

Edizioni Curci, un premio ai 70esimi David di Donatello

Ad ‘Aria’ di Margherita Vicario la vittoria nella categoria Miglior Canzone Originale

Shazam ha annunciato il lancio delle chart Hit Virali da Classifica, ideate - precisa l’azienda in una nota - “per offrire agli appassionati di musica una panoramica completa dei brani in più rapida crescita a livello globale”.

Aggiornate quotidianamente su Shazam e Apple Music, le chart utilizzano le caratteristiche della piattaforma per individuare in tempo reale i brani che stanno diventando virali, classificandoli poi in base alla loro crescita settimanale in base al numero dei tap. “Le classifiche non si limitano a tracciare i successi dei social media, ma catturano l’intero spettro di modalità con cui i brani raggiungono la notorietà, inclusi momenti culturali legati ai media tradizionali, lo streaming on-demand e gli eventi di grande richiamo”, precisano i gestori della piattaforma: “Shazam Hit Virali da Classifica mira a individuare i brani che stanno crescendo più rapidamente in tutto il mondo, in tutte le modalità con cui oggi gli ascoltatori scoprono nuova musica”.

“Grazie all’aggiornamento quotidiano di Shazam Hit Virali da Classifica, gli utenti potranno vedere e ascoltare tutto questo in un unico luogo”, conclude il servizio: “Le classifiche Shazam Hit Virali da Classifica offrono una visione globale e completa, con una classifica mondiale e 42 classifiche nazionali. La classifica globale comprende i 50 brani principali, mentre le classifiche nazionali ne elencano 25”.

Shazam lancia Hit Virali da Classifica

‘Per offrire una panoramica dei brani in più rapida crescita a livello globale’

Identificare eventuali pratiche dannose nei confronti del pubblico e istituire nuove normative volte a tutelare i consumatori: questi, in estrema sintesi, gli obiettivi del Dipartimento di Giustizia e della Federal Trade Commission - equivalente statunitense della nostra Autorità Garante della Concorrenza e del Mercato, che hanno ufficialmente avviato un’inchiesta destinata a scandagliare a fondo il comparto della musica dal vivo in quello che, a livello mondiale, rappresenta il primo mercato per il settore.

Dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751019/usa-ticketing-da-trump-un-ordine-esecutivo-contro-le-speculazioni">la firma dell’ordine esecutivo da parte di Donald Trump lo scorso 31 marzo</a>, le due agenzie hanno fatto sapere di essere pronte a collaborare con il Segretario del Tesoro alla stesura di un rapporto congiunto non solo sul secondary ticketing, ma - più in generale - su qualsiasi “condotta o pratica sleale e anticoncorrenziale nel settore dei concerti dal vivo e dell'intrattenimento”.

Allo scorso, Dipartimento di Giustizia e Federal Trade Commission si sono rivolte al pubblico incoraggiando gli appassionati a fornire “suggerimenti che offrano informazioni sugli effetti concorrenziali delle attuali normative e leggi statali e federali nel settore live, compreso il mercato secondario dei biglietti”: il termine per fare pervenire le segnalazioni è stato fissato per il prossimo 6 luglio. L’invito a contattare le istituzioni è stato esteso anche ad “artisti, piccole imprese, associazioni commerciali, analisti del settore e altre entità colpite da pratiche anticoncorrenziali nel settore".

"I mercati competitivi dell'intrattenimento dal vivo dovrebbero offrire valore sia agli artisti che ai fan", ha dichiarato il procuratore generale aggiunto Abigail Slater della divisione antitrust del Dipartimento di Giustizia: "Continueremo a esaminare attentamente questo mercato e a cercare opportunità in cui un'applicazione rigorosa delle leggi antitrust possa portare a una maggiore concorrenza, rendendo i biglietti più accessibili per i fan e offrendo al contempo una compensazione più equa per gli artisti".

"Molti americani hanno la sensazione che i prezzi dell'intrattenimento dal vivo vengano compromessi da bagarini, bot e altre pratiche ingiuste e ingannevoli”, ha aggiunto il presidente della FTC Andrew Ferguson: “Ora le loro voci vengono ascoltate. Il presidente Trump ha inviato un messaggio chiaro: i malintenzionati che sfruttano gli appassionati e distorcono il mercato non saranno tollerati. La FTC è orgogliosa di contribuire a mantenere questa promessa e a ripristinare mercati equi e competitivi che avvantaggiano i cittadini americani".

Questo procedimento si somma a quello - già avviato, ma non ancora entrato nella fase processuale - che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750711/usa-la-causa-antitrust-contro-live-nation-continua">il Dipartimento di Giustizia ha avviato nei confronti di Live Nation e Ticketmaster</a> per sospetto abuso di posizione dominante.

Negli USA la musica dal vivo è finita sotto inchiesta

Il Dipartimento di Giustizia e la Federal Trade Commission avviano un'istruttoria

Fondata nel 2011 in Canada e trapiantata anche a Los Angeles, Monstercat è un'etichetta molto solida, nell'ambiente della musica elettronica: finora ha pubblicato oltre 8.000 progetti tra album e singoli, inclusi quelli di&nbsp;Kaskade, Alan Walker, Vicetone, Punctual, Whipped Cream, DJ Diesel (altrimenti noto come&nbsp;Shaquille O’Neal) e Koven. Ha anche una divisione editoriale, e vanta 13 milioni di follower sui social e&nbsp;un canale YouTube da 9 milioni di abbonati. E' molto attiva anche nell'ambito delle sincronizzazioni,&nbsp;tanto che nel solo 2024 ha piazzato oltre 150 canzoni del suo catalogo in vari videogame. Dalla sua apertura a oggi, tra diritto d'autore, diritti connessi e royalties ha redistribuito oltre 60 milioni di dollari ai suoi artisti.

L'acquisizione da parte di Create Music Group, annunciata oggi, sarà all'insegna della continuità: continuerà infatti ad operare in maniera indipendente sotto la guida dell'attuale presidente&nbsp;Daniel Turcotte, mentre i fondatori Mike Darlington e Ari Paunonen rivestiranno il ruolo di consulenti creativi. Il business plan per i prossimi due anni prevede che Create investa 50 milioni di dollari in artist development e infrastrutture per l'etichetta.

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Create Music Group acquisisce l'etichetta EDM Monstercat

Nata in Canada, è considerata una delle realtà più redditizie della musica elettronica indipendenti

Sperlari, storica azienda dolciaria fondata a Cremona nel 1836 oggi di proprietà del gruppo tedesco Katjes International, ha annunciato una collaborazione con Mina in occasione dell’anniversario per i 190 anni di attività del marchio: il sodalizio prevede la pubblicazione di un brano inedito cantato dall’artista, che sarà reso disponibile sul sito di Sperlari a partire dall’ultima settimana di maggio.

“Due simboli della città di Cremona si incontrano: Sperlari, icona della dolcezza in Italia e nel mondo e Mina, una delle voci più belle di sempre”, ha spiegato l’azienda: “Insieme danno vita a una collaborazione inedita, che segna il rilancio del marchio con un’identità rinnovata a partire da una canzone scritta ed interpretata in esclusiva per il brand. Il Gruppo Sperlari, con i suoi quasi 190 anni di storia, si propone come custode della tradizione dolciaria italiana, un ponte tra passato e futuro, in grado di creare un valore duraturo e autentico. La storia e la cultura del territorio italiano rappresentano non solo la base, ma anche l’ispirazione per la continua evoluzione di Sperlari”.

“Mina, una voce senza tempo, che da oltre sessant’anni accompagna la memoria collettiva italiana”, prosegue Sperlari: “Mina è un’icona trasversale, amatissima da generazioni diverse, capace di reinventarsi pur restando sempre fedele alla sua essenza. Il suo legame con Cremona è profondo, così come quello con la musica che emoziona, che resta, che attraversa epoche e linguaggi. La sua presenza in questo progetto non è solo artistica, ma profondamente simbolica: rappresenta quella stessa capacità di attraversare il tempo e di emozionare che oggi definisce anche il nuovo volto di Sperlari”.

La collaborazione prenderà forma attraverso la campagna “Storie dolci, più la tua”, “guidata da una narrazione che valorizza il legame profondo tra Sperlari e le emozioni legate alla condivisione, al gusto, ai ricordi”. La canzone interpretata da Mina accompagna due creatività: una focalizzata sul mondo caramelle in partenza a fine maggio, l’altra legata ai prodotti di Natale (torrone e torroncini), che saranno al centro di una seconda fase di comunicazione a partire da novembre.

Sempre nell’ambito della campagna, Sperlari ha aperto - tra il 7 e l’11 maggio - un temporary store in Piazza Gae Aulenti, a Milano. Presso lo spazio - “pensato per coinvolgere il pubblico in un’esperienza immersiva” - saranno presenti una jukebox candy machine, un Sensorial Game dedicato agli aromi, un photo booth e un’esposizione esclusiva dei prodotti Sperlari e sarà possibile ascoltare in anteprima la nuova canzone di Mina per Sperlari.

Mina, una collaborazione con Sperlari

Per il rebranding della storica azienda dolciaria cremonese

Il CEO di FIMI Enzo Mazza è intervenuto oggi, mercoledì 7 maggio, davanti alle Commissioni riunite Trasporti e Attività produttive della Camera nell'ambito&nbsp;dell'esame del disegno di legge, approvato dal Senato, recante disposizioni e&nbsp;deleghe al Governo in materia di intelligenza artificiale. "L'intelligenza artificiale generativa rappresenta anche una potenziale opportunità, già in parte utilizzata nel settore, ma il tema più rilevante è il diritto d'autore e la necessità di garantire la tutela delle imprese e degli&nbsp;aventi diritto da questo saccheggio che è sostanzialmente incorso da parte delle piattaforme dei contenuti che vengono utilizzati per addestrare i propri sistemi", ha spiegato, come riferito da AGCult, Mazza: “Le piattaforme hanno rastrellato tutto quello che era esistente utilizzandolo per addestrare piattaforme che oggi generano contenuti in competizione con contenuti legittimi, quindi si tratta probabilmente del più grande furto del XX e del XXI secolo di contenuti tutelati dai diritti d'autore, di cui ovviamente una gran parte sono contenuti italiani, tra cui contenuti musicali, cinematografici e televisivi”.

Fondamentale, per Mazza, è che “che l'AI Act, il Regolamento Europeo, e le norme nazionali siano coordinate. Oggi la normativa italiana in alcuni casi sembra ridondante, quindi&nbsp;dovremmo avere una norma unica”.

Mazza (FIMI): ‘Tutelare diritti dalle piattaforme AI’

Il CEO di Federazione Industria Musicale Italiana in audizione oggi alla Camera

Innovazione e cultura sono un binomio difficile.

E il mondo della finanza, nel nostro paese, lo ritiene un binomio addirittura difficilissimo: il riconoscimento dell’innovazione culturale è, pertanto, molto scarso. Da questa considerazione si può partire per analizzare la fragilità dell’ecosistema di supporto alle startup in Italia, soprattutto in ambito culturale e, quindi, musicale.

Scalare o non scalare?

Le startup che operano all’incrocio tra cultura, arte e tecnologia faticano a far riconoscere il proprio valore economico nei contesti istituzionali, bancari e imprenditoriali. La principale ragione è che il comparto creativo viene percepito come "non scalabile" o "troppo di nicchia", nonostante pubblico e utenza non manchino affatto. La conseguenza di questa presunta non-scalabilità è che, se la creazione di un algoritmo dedicato all’automazione diventa sinonimo di “innovazione” in modo del tutto naturale, altrettanto non si può dire della percezione di un progetto per una piattaforma orientata ai superfans.

E’ vero che quello italiano è un mercato finanziario che per dimensioni, tecnicismi e maturità non compete con l’élite mondiale; tuttavia sarebbe sbrigativo affermare che da noi manca il “funding”. La verità è che i fondi disponibili sono spesso orientati a settori più tech-driven, come il fintech e la mobilità. Potrebbero accorrere in soccorso dei progetti artistico-culturali i bandi e i fondi pubblici ma, come per troppi altri ambiti in Italia, assenza di agilità ed eccesso di burocrazia finiscono per rendere certi percorsi meno praticabili del dovuto. Un punto di collegamento ideale sarebbe una rete strutturata di angel investor che abbiano un autentico background di natura musicale o creativa. Purtroppo questo manca.

Bootstrappers

Tutto quanto sopra causa una conseguenza diffusa, ossia che molti fondatori autofinanziano la propria impresa oltre il necessario, con le migliori intenzioni ma rallentando la crescita. Più per necessità che per scelta, portano avanti il proprio progetto senza cercare supporti esterni e usando risorse minime anche quando potrebbero (o dovrebbero) provare a spiccare un salto verso il livello successivo. Fare tutto da soli significa lavorare con fondi propri, evitando round di investimento e crescendo in modo organico, controllato ma lento. Restare troppo tempo in una fase “artigianale” comporta perdere occasioni di crescita rapida, ma anche non potersi permettere di assumere talenti chiave per mancanza di budget e rinunciare a sviluppare tecnologie o prodotti scalabili. Insomma: “bootstrappare” è sano fino a un certo punto: anche con un’ottima idea, se non si aggiunge il motore del capitale il rischio di rimanere piccoli, poco visibili o bloccati diventa elevato.

Il peso della ‘vocazione’

In Italia, poi, ad una cultura artistica forte corrisponde una cultura imprenditoriale più fragile. Molte startup musicali italiane nascono da musicisti, manager, promoter con un background creativo o operativo. Hanno visione e passione, ma spesso mancano di strumenti imprenditoriali concreti: non conoscono bene le metriche di prodotto e incontrano due generi di problemi. Non tengono nel dovuto conto quanto sia importante a validare l’offerta prima di investire risorse e, a causa di certe carenze di know-how, sono poco disposti a “cambiare idea” se qualcosa non funziona. Un esempio: una piattaforma di booking è, di per sé, sicuramente una buona idea imprenditoriale in campo musicale; ma verificare che gli utenti siano disposti a pagare ciò che si intende proporre, che il modello sia compreso o che l’eventuale frizione tra domanda e offerta sia poi gestibile è una fase cruciale.

Raramente questi fondatori concepiscono il ‘pivot’ come un’opzione naturale, anzi: accade più spesso che a quel punto rinuncino. Eppure un pivot non equivale a un fallimento, semmai è un’iterazione intelligente. Di nuovo: dove non c’è capitale di rischio, l’ansia di sbagliare blocca la sperimentazione. Gli startupper si concentrano solo su ciò che “possono permettersi” e temono il fallimento di un’idea perché significherebbe “aver sprecato tutto”; evitano il rischio, proprio quando il rischio serve per crescere.

Trattare la musica più come arte o vocazione che non come terreno per un’innovazione metodica fa sì che molte startup munite di ottime idee e intuizioni non evolvano. Servirebbe maggiore formazione imprenditoriale nei contesti musicali; sarebbe auspicabile più contaminazione tra chi fa musica e chi fa startup; e si avverte la carenza di un buon numero di investitori e mentori con esperienza in questo incrocio.

Una filiera musicale disarticolata

Chi opera nell’industria musicale a stretto contatto con realtà e settori diversi è abituato a pronunciare o ad ascoltare la frase: “la musica, in Italia, è un mondo a sé”. E’ vero o è un alibi? Entrambe le cose. E’ conclamato che unità e senso di appartenenza non siano le maggiori virtù della filiera musicale nostrana: la comunicazione tra artisti, discografici, operatori del settore live ed editori è frammentaria e, spesso, caratterizzata da inutili divisioni (basti ricordare la folla di rappresentanti alle trattative col governo ai tempi dei sussidi per il covid). Dunque pensare che possano comunicare in modo fluido con gli imprenditori tecnologici e gli sviluppatori, che abitano un altro pianeta, rasenta l’utopia. E così le opportunità di co-progettazione o contaminazione sono rare e manca un “mercato di test” cooperativo che una startup possa frequentare per sperimentare con un’etichetta, una scuola di musica, un promoter. Non che non accada mai; però gli episodi sono una cosa, ben altro è un vero ecosistema. E’ anche in questo modo che le startup musicali finiscono ai margini dell’industria tradizionale.

Marketing e creatività: due sport diversi

Si invoca spesso una maggiore contaminazione tra mondi differenti: tanti progetti nascono da musicisti, tecnologi o creativi con poca esperienza imprenditoriale - viceversa, chi ha effettive competenze di business spesso non conosce le dinamiche dell’industria musicale. 
Si avverte, dunque, la mancanza di una ‘mentorship’ diffusa e specializzata, il cui effetto consisterebbe nel diffondere una discreta formazione imprenditoriale.

Privi di un vero ecosistema, gli startupper musicali scontano la debolezza nel cosiddetto “go-to-market”: nonostante molte nuove aziende italiane abbiano buone idee, non dispongono di chiare strategie di marketing e faticano a definire con precisione il problema reale che si prefiggono di risolvere.

La creatività non basta se non si accompagna a una cultura del test, del dato, del pivot.

L’accesso a dataset significativi consente di condividere metriche di settore importanti come conversioni, retention, dinamiche di prezzo e di partecipare a comunità di startup o incubatori verticali che aiutano a imparare dagli altri. Parametri come il Customer Lifetime Value (CLTV), che esprimono il valore totale che un cliente porta a un'azienda nell’arco del tempo in cui continuerà a usare il suo prodotto o servizio, sono fondamentali nella comprensione di quanto si può spendere per acquisirlo, quanto conviene che la fidelizzazione prevalga sulle vendite una tantum, quali clienti sono più preziosi (segmentazione) e, in ultima analisi, se un modello di business è sostenibile nel lungo periodo.

In una fase “early stage” la rapidità dei feedback è essenziale per validare i test, incrementare l’apprendimento e apportare modifiche e miglioramenti. In Italia questo accade di rado e il riscontro dal mercato arriva tardi, lentamente e in modo disomogeneo.

In mancanza di confronto, ogni errore sembra isolato. E ogni successo sembra casuale.

Denaro, visione e industria

Dunque: storie di musica e impresa spesso straordinarie ancora più spesso, non ce la fanno nemmeno a partire davvero. Perché?

Le startup italiane nella musica, e nella cultura più in generale, non mancano decisamente di idee, creatività o passione, ma dove spesso inciampano è nella mancanza di connessioni abilitanti e strutturate tra tre elementi chiave: il capitale (denaro), la visione (strategia) e il sistema (l’industria, le reti, le policy).

Il risultato è un cortocircuito: la cultura innova, ma non scala. E un Paese ricco di talento rischia di perdere opportunità decisive perché le startup culturali soffrono di isolamento sistemico. Manca un ecosistema che faccia dialogare in modo fluido e continuativo l’energia creativa, il capitale privato e i player istituzionali; un sistema che sappia finanziare e integrare l’innovazione culturale. Senza queste connessioni abilitanti, l’innovazione culturale resta artigianale, fragile, spesso invisibile e molte iniziative brillanti rimangono condannate alla marginalità, all’isolamento o a precoci interruzioni.

Come parte attiva dell’industria musicale e come rappresentanti centrali del sistema dei media che le ruota intorno, proveremo a fare la nostra parte fin dai prossimi giorni. Il nostro ruolo ci consente di diffondere la consapevolezza del problema e la presenza dell’opportunità che le startup musicali italiane rappresentano, di offrire un’esposizione significativa ai loro fondatori e di attivare connessioni tra mondi diversi per i quali rappresentiamo un punto di informazione comune. E questo ruolo utilizzeremo fin dai prossimi giorni con una call to action dedicata.

Music startups: la distanza tra idea, mercato e capitale

La cultura e l’infrastruttura adatte che in Italia stentano ad affermarsi

Anche quest'anno l'esclusiva sulle dirette streaming del Primavera Sound è in capo ad Amazon, che&nbsp;trasmetterà il festival sia su Prime che sul suo canale Twitch. Oltre alle performance dal vivo, saranno disponibili anche contenuti backstage e interviste agli artisti.&nbsp;

La società di Jeff Bezos ha dimostrato un grande interesse per la trasmissione live&nbsp;o in differita degli eventi musicali: accordi simili erano già stati stipulati in passato con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751167/stagecoach-ancora-a-amazon-music-la-diretta">Stagecoach</a> e, sul fronte italiano, l'anno scorso ha stabilito un accordo con il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745668/amazon-music-rinnovata-la-collaborazione-con-il-red-valley-fest">Red Valley Festival</a> di Olbia per pubblicare&nbsp;degli Amazon Music Originals dalla performance di ciascuno degli artisti che si esibivano nel corso della kermesse.

Anche quest'anno, il Primavera Sound sarà trasmesso da Amazon

Per il quarto anno di fila, Amazon trasmetterà il festival su Prime e su Twitch

Sesh&nbsp;è una delle startup che puntano a sbloccare il mercato dei <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/superfans-259644">superfans</a> per gli artisti, e da poche settimane può contare su un round di finanziamento da 7 milioni di dollari che è stato guidato dalla società d’investimento Miura Global (vi hanno partecipato anche angel investor provenienti dai settori della musica e della tecnologia).

La startup afferma di lavorare già con oltre 250 artisti che insieme totalizzano più di 750 milioni di ascoltatori mensili su Spotify. Il suo approccio alle community di superfans&nbsp;ruota attorno a una “Member Card” che gli artisti condividono tramite un link tracciabile.

I fan la scaricano poi nel wallet del proprio telefono e ricevono notifiche push dirette dall’artista. Esiste anche un’app che offre “spazi gamificati” per le fanbase degli artisti, oltre a integrazioni con TikTok e Spotify.

Ma il recente round da 7 milioni di dollari raccolto da <a href="https://www.joinsesh.ai/">Sesh</a>&nbsp;è solo l’ultimo segnale della crescente attenzione verso il mercato dei superfans: quel 10–20% più attivo e coinvolto del pubblico musicale, capace di generare oltre il 70% della spesa complessiva in musica registrata, secondo Universal Music Group.

Sesh – che nel linguaggio colloquiale britannico è una forma abbreviata e informale di “session” ma che in slang indica anche una sessione prolungata di bevute e divertimento - si inserisce in una corsa già affollata ma in pieno fermento. Accanto a essa, spiccano realtà come:

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	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/weverse-498753">Weverse</a> (HYBE): la piattaforma che ha consolidato il modello coreano del fan-engagement, con oltre 150 milioni di download globali e 162 community di artisti. Offre contenuti esclusivi, live, merch e livelli di abbonamento a pagamento.</li>
	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/stationhead-483967">Stationhead</a>: basata su audio live, consente agli artisti di condurre “radio sociali” con i propri fan, monetizzando tramite ascolti e interazioni. È stata adottata da star come Nicki Minaj e BTS.</li>
	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/news-740460/fave-ha-lanciato-fanfinder">Fave</a>: startup americana che consente ai fan di guadagnare “badge” e status partecipando attivamente alla community, con logiche di gioco e riconoscimento.</li>
</ul>

Tutte queste piattaforme — compresa Sesh — condividono un obiettivo comune: disintermediare il rapporto artista-fan, offrendo strumenti diretti per comunicare, coinvolgere e monetizzare al di fuori dei circuiti tradizionali (streaming, social network mainstream).

Il segmento sembra destinato a crescere rapidamente, sospinto anche da colossi come Spotify, che ha annunciato il lancio imminente di superfan clubs, e Warner Music Group, che sta testando la propria app dedicata agli artisti e alle fanbase più fedele.