Nel marzo 2022 i Coldplay hanno parlato del loro <a href="https://www.rockol.it/news-729025/coldplay-tour-2022-concerti-eco-friendly-scaletta-canzoni-video">tour eco-friendly</a>, spiegando cosa dovessimo aspettarci dai live di "<a href="https://www.rockol.it/recensioni-musicali/album/9945/coldplay-music-of-the-spheres">Music of the spheres</a>", come, per esempio, un palco costruito con materiali riutilizzabili e sostenibili tra cui bambù e acciaio riciclato.&nbsp;

A distanza di più di un anno e dopo essere stati costretti a cancellare alcune date per <a href="https://www.rockol.it/news-732519/chris-martin-coldplay-malato-polmoni-music-of-the-spheres-tour-fermato">problemi di salute del frontman Chris Martin</a>, la band britannica ha pubblicato i risultati di un'analisi dei dati relativi ai primi 12 mesi del tour, spiegando tramite un posto sui social: "In un confronto spettacolo per spettacolo, il tour di Music Of The Spheres ha finora prodotto il 47% in meno di emissioni di CO2e (anidride carbonica equivalente) rispetto al nostro ultimo tour negli stadi (2016-17). Questo è un buon inizio - e qualcosa di cui la nostra incredibile crew dovrebbe essere molto orgogliosa - ma chiaramente c'è ancora modo di migliorare”.

Le misure adottate durante il tour vanno dall'incoraggiamento ai fan a recarsi agli spettacoli con i mezzi pubblici e a portare con sé bottiglie d'acqua ricaricabili, a piste da ballo "cinetiche" che generano energia, batterie a energia rinnovabile e carburante sostenibile per gli spostamenti.

Il posto continua: "Abbiamo iniziato a gestire l'intero spettacolo (audio, luci, laser, ecc.) da un sistema di batterie elettriche che ci permette di utilizzare il 100% di energia rinnovabile nel modo più efficiente possibile e utilizzato veicoli elettrici, carburanti alternativi ovunque possibile, oltre a ridurre al minimo i rifiuti e l'uso della plastica".

Nonostante le buone intenzioni e le azioni intraprese per rendere il tour sostenibile, non sono mancate le perplessità, come quelle esposte dagli ambientalisti che hanno chiesto maggior informazioni sull’azienda con cui i Coldplay stanno collaborando per la produzione di biocarburanti sostenibili e privi di olio di palma, dal momento che questa stessa ne faceva uso in attività esterne al partnership con la band.

Il tema della sostenibilità ambientale degli eventi dal vivo, in particolare negli ultimi, è stato affrontato da diverse istituzioni ed enti; per esempio: lo scorso maggio a Greener Future (AGF), in precedenza A Greener Festival, e l'European Arenas Association (EAA) hanno pubblicato <a href="https://www.rockol.it/news-737172/greener-future-ha-pubblicato-le-linee-per-la-sostenibilita-dei-live">le linee guida per la sostenibilità dell'AGF</a> per le arene europee rivolte ai membri (e no) della EAA, indicando “i passi fondamentali che le strutture di tutti i Paesi devono compiere" per ottenere la certificazione "Greener Arena". 

Nel comunicato diffuso si legge: "I nostri membri sono impegnati a ridurre il loro impatto ambientale e a promuovere la sostenibilità in tutto il nostro settore”

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Coldplay, l'impatto ambientale del tour "Music of the spheres"

Industria

La band ha dichiarato che sono stati prodotti il 47% in meno di emissioni di CO2e

Si è tenuta nella serata di oggi, sabato 23 novembre, a conclusione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, la seconda edizione dei SIAE Music Awards, premi istituiti lo scorso anno dalla storica collecting italiana per celebrare gli autori e gli editori italiani di maggior successo nel nostro Paese e all’estero. L'evento, condotto&nbsp;da Amadeus, ha visto assegnare riconoscimenti in diciotto&nbsp;diverse categorie.

Di seguito,&nbsp;le opere premiate e gli artisti insigniti del riconoscimento: 
&nbsp;

Miglior canzone - Locali da ballo con musica live&nbsp;

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone - Club&nbsp;

Freed from desire 
Autori: Molella, Phil Jay, Gala (PRS) 
Editori: Mollyville Publishing, Wise Music Italy 
&nbsp;

Miglior canzone - Locali con musica live&nbsp;

Nel blu, dipinto di blu 
Autori: Domenico Modugno, Franco Migliacci 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior canzone - Radio

Italodisco 
Autori: Alex, Stash, Starchild, Davide Petrella 
Editori: Wonder Manage, The Beautiful Ones, Baraonda Edizioni, Diana, Garage Days, Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior canzone italiana all’Estero

I’m good (Blue)&nbsp; 
Autori: Maury, Jeffrey Jey, Massimo Gabutti, Kamille (BMI), Philip Plested (ASCAP), David Guetta (SACEM), Bebe Rexha (BMI) 
Editori: GZ2538, DiPiù, Sony Music Publishing Italy, BMG Rights Management 
&nbsp;

Miglior canzone Streaming Italia

Cenere 
Autori: Lazza, Dardust, Davide Petrella 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Me Next, J 
&nbsp;

Miglior canzone Social Italia

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone Jazz

Diavolo Rosso 
Autori: Paolo Conte 
Editori: Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Cinema

C’è ancora domani 
Autori: Daniele Marchitelli 
Editori: Flipper, Nightingale Songs 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film tv

I cacciatori del cielo 
Autori: Pasquale Catalano, Antonio Fresa 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv

Imma Tataranni - Sostituto Procuratore 3 
Autori: Andrea Farri 
Editori: Rai Com, 9 aprile 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film streaming

Il grande giorno 
Autori: Brunori Sas 
Editori: Warner Chappell Music Italiana, Picicca 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv streaming

Mare Fuori 
Autori: Stefano Lentini, Raiz, Matteo Paolillo, Lolloflow 
Editori: Rai Com, Coloora 
&nbsp;

Best Recorded Track

Rewind 
Autori: Vasco Rossi, Gaetano Curreri 
Editori: Emi Music Publishing, Giamaica 
&nbsp;

Miglior canzone live concert&nbsp;(in venue superiore ai 5000 posti)

Giovani Wannabe

Autori: Riccardo Zanotti, Marco Paganelli, Enrico Brun, Andrea Pisani, Giorgio Pesenti 
Editori: BMG Rights Management, Tuttomoltobenegrazie 
&nbsp;

Miglior canzone live recital&nbsp;(in venue con meno di 5000 posti)

C'era una volta il west

Autori: Ennio Morricone&nbsp; 
Editori: Universal Music Publishing, Musica e Oltre§ 
&nbsp;

Miglior autore Under 35

Ultimo 
&nbsp;

Premio speciale 2024

Turandot

Autori: Giacomo Puccini, Franco Alfano, Giuseppe Adami, Renato Simoni&nbsp; 
Editore: Casa Ricordi 
&nbsp;

Le nomination si basano sulle rilevazioni dei consumi di musica certificati da SIAE e delle royalties distribuite e pagate nel 2024.

SIAE Music Awards 2024, l'elenco dei vincitori

A chi sono andati i premi della seconda edizione della serata di gala organizzata dalla collecting

Cosa significa avere successo nel settore musicale? Chi sono i professionisti che contribuiscono a rendere la carriera di un artista costellata di premi, grandi guadagni, primi posti nelle classifiche? Ma, soprattutto, esiste la formula perfetta per raggiungere il successo?

Questo tema socio economico è all’ordine del giorno di professionisti e artisti; le dinamiche che si susseguono nel confronto tra le due parti sono state spiegate durante il panel “Il segreto del successo: tutto quel che un manager deve sapere nel 2024” organizzato da Rockol e Siae - tenutosi nell’ambito della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a> venerdì 22 novembre alle ore 17 presso la Sala Viscontea – che ha avuto tra i suoi ospiti Marta Donà (Ceo Latarma), Paola Zukar (Ceo Big Picture Management), Ciro Buccolieri (Ceo &amp; Cofounder Thaurus Music), Nicola Migliardi (Coo SIAE). A moderare il panel, Giampiero di Carlo, Ceo di Rockol.

“La gestione dei talenti: quali sono le sfide più difficili e se notate delle differenze nel vostro mestiere?": è stata la domanda che ha aperto il dibattito.

La prima a rispondere è stata Paola Zukar: “Tutto si è trasformato rapidamente e in modo significativo. I concetti chiave sono la fiducia e la lealtà: i dati non possono essere ignorati, ma ancora non li gestisco perfettamente e mi confronto spesso con persone come Nicola per poterli interpretare al meglio. Gli artisti ricevono l’80-85% dei guadagni, mentre il manager prende il resto. Il successo sta nel puntare sull’artista con cui ci si sente più affini…In Big Picture Management abbiamo ancora un approccio ‘artigianale’ e non industriale”.

La “Signora del rap” ha raccontato della prima volta che ha incontrato Tiziano Ferro, con cui collabora da qualche tempo: “Vi racconto un aneddoto del 1997: c’era un ragazzo molto interessante che faceva i cori con gli Atipici. Lo fermo e gli dico che avrebbe fatto strada. Lui aveva radici nel rap e, da quel momento, ci siamo sempre sentiti. Ci capiamo, abbiamo la stessa base e vedremo se funzionerà davvero”.

Marta Donà ha aggiunto: "Ho iniziato 15 anni fa con Sony Music. Marco Mengoni mi chiese di lavorare con lui e inizialmente dissi di no, ma dopo una serie di colloqui con altri manager, lui mi ha confermato di volere me suo manager perché si fidava di me. Noi cresciamo insieme agli artisti e ai loro racconti. L’obiettivo principale è l’ascolto, la resilienza e la pazienza di essere una famiglia, fidanzati, manager per questi artisti. Esprimo sempre la mia opinione e c’è un continuo scambio di idee. Mi chiedo sempre: possiamo essere un valore aggiunto per quel progetto? Solo così possiamo capire se come realtà siamo davvero in grado di portare qualcosa di significativo".

Ciro Buccolieri ha proseguito: “Il tema della fiducia è fondamentale. Non vediamo semplicemente materassi, ma rappresentiamo persone per le quali la musica è la vita, e questa fiducia bisogna guadagnarsela. Devo dire che, sebbene l’amicizia non sia essenziale, è importante avere rispetto reciproco. Bisogna imparare a trattare ogni aspetto con il giusto peso e ricordare che non è il viaggio del manager, ma dell’artista, e quindi a volte è necessario fare un passo indietro. Questo ruolo mi ha sempre affascinato: essere imprenditore, manager, e al tempo stesso restare fedeli a sé stessi. È proprio essere autentica che mi ha permesso di avere successo. Vengo dal commercio e ho cercato di portare questa esperienza nell'azienda. È fondamentale, come abbiamo concordato con Paola, che ci piaccia davvero l’artista che seguiamo…Per quanto riguarda i featuring, parlo da fan: li ho sempre amati perché molte volte permettono a mondi diversi di incontrarsi. Ultimamente, però, c’è un leggero abuso di collaborazioni, e credo che siamo ipocriti nel dire che i numeri pubblici non influenzano gli artisti. Tutti hanno la pressione di performare, anche in relazione ai concorrenti. È più importante dare valore a un disco e il fatto che venda o meno è un problema nostro, non del pubblico. La retorica delle certificazioni e il desiderio di chi è stato bullizzato di mostrare i risultati raggiunti sono temi che mi fanno riflettere. Il rap, per anni, è stato escluso dall'industria e ora, finalmente, stiamo mostrando i risultati ottenuti”.

Nicola Migliardi ha esposto il panorama attuale degli autori in Italia, spiegando che la platea è molto eterogenea; quindi, non esiste un unico segreto per il successo, ma ognuno ha il proprio e che i manager svolgono un ruolo importante come ponte tra questi il mondo “dei numeri” e quello creativo. Ha poi parlato del periodo di grande cambiamento in cui ci troviamo, con l'avvento dell'AI, degli shorts e dei reels, che hanno creato dinamiche e successi differenti, influenzando anche le classifiche, oggi sfalsate dalle nuove modalità di business, come i trend di TikTok e le app di discovery music. Tuttavia, ha anche evidenziato aspetti positivi, come il fatto che il 20% degli autori e compositori è under 35, segno di un cambiamento in corso. Ha infine sottolineato che solo il 6% dei compositori è donna, una disparità che rappresenta un’opportunità per promuovere una maggiore inclusività nel settore.

Diritti d’autore: come gli artisti percepiscono questo tema oggi gli artisti?

Ciro Buccolieri ha concordato sul fatto che il tema è centrale: un autore ben amministrato alla fine dell'anno “porta a casa dei soldi”, ed è un aspetto concreto e fondamentale. Ha aggiunto che mettono gli artisti davanti a questo tema: più la loro carriera cresce, più ci tengono ai loro cataloghi.

Marta Donà si ha spiegato che i suoi artisti si concentrano sui progetti senza pensare a ciò che possono guadagnare perché è compito dei manager far comprendere l’importanza di questo aspetto.

Paola Zukar ha sottolineato un lato negativo: quando si entra nel meccanismo si subisce la pressione dei numeri e i dati possono influenzare negativamente la fase creativa. Ha osservato che, purtroppo, tutta questa matematica non sempre aiuta il ciclo creativo e, nonostante questo, l'aspetto positivo che la mantiene legata all'artigianato è il sentimento e l'emozione che passano alla fine della giornata. Ha anche sottolineato l’importanza di fare una distinzione tra operazioni di marketing e quelle artistiche.

Ma che strumenti hanno i manager per migliorare la situazione? Ha posto, come ultima domanda, Di Carlo; Nicola Migliardi ha risposto: “È un mondo complesso e stiamo cercando di adottare un linguaggio semplice e diretto, digitale, per adattarci alle nuove modalità, ad esempio con le app. L’obiettivo è essere semplici e chiare nel comunicare un tema complesso come il diritto d’autore. Il diritto d’autore è una rendita e un asset, e se il mio catalogo musicale vale tanto, posso stare tranquillo. La sfida di oggi è creare musica che duri nel tempo, e di conseguenza costruire un catalogo che resti valido a lungo termine. Questo è il segreto del successo".

MMW24, il panel “Il segreto del successo"

Con Marta Donà, Paola Zukar, Ciro Buccolieri e Nicola Migliardi

“Il valore artistico delle colonne sonore” è il titolo del panel presentato da SIAE, tenutosi venerdì 22 novembre alle ore 16 presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco in occasione della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a>.

“Affronteremo questo talk come se fosse un viaggio”: sono le parole con cui il giornalista Claudio Cabona, moderatore del talk, ha dato inizio all’evento con gli ospiti Elisabetta Biganzoli (Executive Director Sugarmusic Group), Paolo Buonvino (Compositore) e Pivio (Compositore, Consigliere di Gestione SIAE).

Si parla tanto di “valore”, ma cosa significa esattamente? La prima a rispondere a questa domanda è stata Elisabetta Biganzoli: “Faccio parte di un gruppo che gestisce il repertorio CAAM, composto da oltre 2700 colonne sonore che inizialmente non erano accessibili al pubblico indipendentemente dal film. Quando lo abbiamo acquisito, solo 300 erano disponibili per l’ascolto, ma grazie alla digitalizzazione e alla presentazione in diverse forme, abbiamo avuto l’opportunità di riflettere profondamente sul valore della colonna sonora. Ribadisco il concetto espresso nell’articolo 44 della legge sul diritto d’autore, che riconosce la colonna sonora come parte integrante dell’opera cinematografica. Molte colonne sonore superano i confini di tempo e spazio del film, come dimostrano esempi iconici quali Ennio Morricone o La dolce vita, conosciuti universalmente. Con i compositori con cui collaboro, attribuisco grande importanza al raccontare la storia della colonna sonora, perché essa ha una profondità che va oltre il film o l’opera per cui è stata creata. Quando una composizione musicale ha un autentico valore artistico, questo persiste e supera il contesto cinematografico originario”.

Biganzoli ha sottolineato che, quando nella musica è presente un autentico valore, è possibile intraprendere azioni concrete per garantirne il successo, mettendo a disposizione tutte le risorse necessarie. Ha espresso la convinzione che la musica da film rappresenti la nuova musica classica, destinata a superare le barriere del tempo. Ha poi spiegato che spesso incoraggia, talvolta con determinazione, le compositrici e i compositori a pubblicare le loro opere, poiché tendono ad essere piuttosto riservati su questo aspetto. Un'altra azione rilevante di cui ha parlato è il lavoro sulle sincronizzazioni, ossia il riutilizzo di queste musiche in altri film, magari con registi diversi, per donare loro nuova vita e ulteriore diffusione.

La colonna sonora può effettivamente cambiare la percezione di ciò che vediamo; Paolo Buonvino ha spiegato: “Il compositore riceve una storia ed è chiamato a scrivere qualcosa che ancora non esiste, aggiungendo un significato che va oltre le azioni e le parole. La musica ha la capacità unica di toccare aspetti dell’essere che immagini e dialoghi non riescono a raggiungere. Nel caso del film di Muccino, il racconto si focalizza sulle azioni, ma il mio intento era cogliere qualcosa di più profondo: per esempio, per il personaggio della ragazza, ho cercato di esprimere la ricerca di autenticità nel proprio essere. Ho tratto ispirazione da un passaggio di Così parlò Zarathustra, dove si affronta il rischio di mettersi in gioco fino a morire, perché ciò che è autentico non muore mai. Il coro femminile, in questo caso, rappresenta la coscienza, e la scelta della lingua tedesca mi ha trasmesso un senso di imperativo e universalità. Non so se tutto questo arrivi pienamente al pubblico, ma ciò che conta è che il compositore riesca a superare i confini imposti da immagini e parole. Sono stimoli che ognuno poi interpreta e assimila a modo proprio”.

Pivio ha aggiunto: “La colonna sonora non è una semplice playlist. Guardando l’intero film e cogliendone il disegno complessivo, emerge chiaramente l’intento del compositore, che segue una visione più ampia e articolata. La mia esperienza personale in questo campo è stata piuttosto insolita, dettata da una serie incredibile di coincidenze. Tuttavia, ciò che non è stato casuale è il percorso precedente: si inizia con impegno e serietà. In passato, ero un ingegnere e la mia prima esperienza con le colonne sonore è stata per Ferzan Özpetek con Il bagno turco. Partendo da una scena specifica, cercavamo un elemento che caratterizzasse timbricamente il momento. Ci siamo imbattuti in un brano di musica classica turca e, forti della nostra esperienza nel prog rock, abbiamo preso un frammento di quel brano, lo abbiamo rielaborato invertendolo, e da quelle note, con quel timbro, abbiamo costruito la colonna sonora perfetta per quel film. Il tema inizialmente aveva un’impronta occidentale, utilizzando un pianoforte, ma poi si è evoluto verso sonorità tipicamente ottomane. La lezione che ho tratto da questa esperienza è che non si può arrivare impreparati quando si presenta un’occasione. È fondamentale essere pronti, rimanere fedeli a sé stessi, conoscere il proprio valore e avere qualcosa di concreto per dimostrarlo”.

Non è mancato un momento dedicato ai numeri: quanto vale oggi una colonna sonora? Pivio ha spiegato che, dal punto di vista economico, la musica per film ha un grande valore, rappresentando circa il 25% del fatturato SIAE, è un settore capace di superare i confini geografici e culturali, con un’arte che si distingue perché non è legata ai meccanismi di mercato del momento. Questo, ha aggiunto, consente di operare con libertà, senza essere vincolati ai trend, un aspetto che considera particolarmente gratificante. Inoltre, l’internazionalità di questo mercato è estremamente solida e non si tratta di un fenomeno casuale, ma del risultato di “un’onda lunga” iniziata negli anni Sessanta, un periodo in cui l’Italia è riuscita a imporsi con forza nel panorama musicale internazionale.

Un tema di cui non si poteva non discutere e l’impatto dell’AI in questo segmento; a far chiarezza ci ha pensato Paolo Buonvino: “Si tratta di un grande cambiamento nella nostra esistenza. Questo mestiere racchiude una forza straordinaria già insita nella parola chiave: musica. Fare musica deriva dal termine Muse, le figlie di Zeus, ed evoca qualcosa di divino, autentico e profondamente radicato nella nostra essenza. L’intelligenza artificiale è uno strumento potente, basato su un’intelligenza logico-matematica estremamente rapida. Tuttavia, l’intelligenza umana si distingue perché abbraccia anche l’aspetto emotivo, spirituale, intuitivo. Ha a che fare con l’ispirazione, una qualità che appartiene solo agli esseri umani e che rende la creatività un’esperienza unica e profondamente personale”.

MMW24, il panel “Il valore artistico delle colonne sonore” 

Con Elisabetta Biganzoli, Paolo Buonvino e Pivio

La classifica Airplay della settimana dal 15 al 21 novembre dei brani più trasmessi vede ancora in vetta “Ora che non ho più te” di Cesare Cremonini, al numero due “Dancing in the flames” The Weeknd e a seguire “Feeling” di Tiziano Ferro ed Elodie. Nella classifica dei brani esordienti più trasmessi troviamo “Aria” di Valentina Indelicato. Ecco le novità.

&nbsp;

<a href="https://radioairplay.fm/" target="_blank">La classifica Radio Airplay</a>&nbsp;della settimana dal 15 al 21 novembre vede al primo posto “Ora che non ho più te” di Cesare Cremonini; i nuovi ingressi nelle prime cinquanta posizioni sono:

“Islanda” – Pinguini Tattici Nucleari (4)

“Dillo solo al buio” – Elisa (6)

“Il cielo” – Tiromancino (25)

“L'attrazione” - Gianni Morandi (29)

“Nevrotika” - M¥SS KETA (44)

&nbsp;

Il più alto nuovo ingresso è “Islanda” dei Pinguini Tattici Nucleari in quarta posizione.

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<a href="https://radioairplay.fm/classifiche-musicali/classifiche/italia/absolute-beginners-by-rockol/" target="_blank">La classifica Airplay Absolute Beginners</a>&nbsp;&nbsp;della settimana&nbsp;dal 15 al 21 novembre degli artisti esordienti più trasmessi in radio della settimana vede in vetta “Aria” di Valentina Indelicato; le nuove entrate nella Top Ten sono:

“Aria” - Valentina Indelicato (1)

“DCP” - Disco Club Paradiso (5)

“Cringe inferno” – tropea (6)

“Noi soltanto” – Martina (8)

&nbsp;

Il più alto nuovo ingresso è “Aria” di Valentina Indelicato in prima posizione.

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Nella&nbsp;"Rit Parade di Stefano Cilio"&nbsp;(<a href="http://www.stefanocilio.com/" target="_blank">www.stefanocilio.com</a>), classifica delle canzoni più popolari in Italia sommando tutte le modalità di riproduzione e acquisto della musica (streaming, download, radio airplay, visualizzazioni video e identificazioni), questa settimana troviamo tre nuove entrate&nbsp;in top 30. Al numero 27 entra in classifica "Marziani" dei Negramaro, seguita in ventunesima posizione dal nuovo singolo di Holden con Mew, "Grandine". Direttamente al numero 5 troviamo la più alta nuova entrata, "Feeling", il duetto di Elodie e Tiziano Ferro. Il podio della "Rit Parade" vede al numero 3 stabile&nbsp;"Amore disperato" di Achille Lauro, mentre in seconda posizione resta&nbsp;l'ex numero 1 di Olly e Angelina Mango, "Per due come noi". La canzone più popolare in Italia si conferma nuovamente&nbsp;"Ora che non ho più te" di Cesare Cremonini, che resta così in vetta alla classifica per la quinta settimana.

&nbsp;

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce" target="_blank">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche Airplay, 21 novembre: Cremonini ancora al numero uno

"Ora che non ho più te” si conferma il singolo più trasmesso dalle radio

La classifica UK degli album più venduti della settimana dal 15 al 21 novembre vede debuttare al numero uno “From zero” dei Linkin Park, stabile in seconda posizione “Short n’sweet” di Sabrina Carpenter e “Access all areas” delle Flo. I primi tre singoli della classifica dei brani sono: “That’s so true” di Gracie Abrams, “Sailor song” di Gigi Perez e “Apt” di Rose e Bruno Mars. Ecco la novità.

&nbsp;

La UK Charts album della settimana dal 15 al 21 novembre vede al primo posto “From zero” dei Linkin Park; le nuove entrate fra le prime cinquanta posizioni sono:

“From zero” - Linkin Park (1)

“Access all areas” – Flo (3)

“Golden Hour - Pt 2” – Ateez (4)

“Shawn” - Shawn Mendes (22)

&nbsp;

Il più alto nuovo ingresso è “From zero” dei Linkin Park in prima posizione.

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La UK Charts singoli della settimana dal 15 al 21 novembre vede al primo posto “That’s so true” di Gracie Abrams; le nuove entrate in classifica nelle prime cinquanta posizioni sono:

“People watching” - Sam Fender (4)

“2 Hands” - Tate Mcrae (8)

“Two faced” - Linkin Park (22)

“Juno” - Sabrina Carpenter (24)

“Running wild” – Jin (25)

“Dirty cash (Money Talks)” - Pawsa/Adventures of Stevie V (44)

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Il più alto nuovo ingresso è “People watching” di Sam Fender in dodicesima posizione.

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<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifiche%20e%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche UK, novità 21 novembre: Linkin Park in vetta

“From zero” è l’album più venduto della settimana 

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, presso lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano si è tenuto nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "A cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?", presentato da PMI. Moderato da&nbsp;Gianni Sibilla di&nbsp;Rockol, l'incontro ha visto partecipare&nbsp;Jessica Gaibotti, CEO About; Dario Giovannini, Managing Director Carosello Records; e&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, Founder Maciste Dischi. Partendo dal presupposto che l’industria musicale sta attraversando una fase di disintermediazione, in cui un artista può gestire l’intero processo creativo e distributivo di una canzone direttamente da casa, il talk si è posto la domanda su qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente? Durante il panel si è quindi esplorato&nbsp;il ruolo cruciale che hanno le strutture indipendenti nella creazione, nello sviluppo e nel consolidamento della carriera di un artista.

Per aprire il talk,&nbsp;Gianni Sibilla è partito dalla domanda: "Cosa significa essere indipendente oggi, nell'industria musicale?". Ha quindi risposto Jessica Gaibotti che ha raccontato: "In quanto ex discografica, avendo lavorato per Universal, nel mio percorso 'indipendente' ha significato fare un passo&nbsp;e poter collaborare con più realtà. Quindi non avere un unico interlocutore, un unico team e solo certi artisti, ma poter scegliere di collaborare con tutti e poter scegliere anche quali artisti seguire". A lei ha fatto eco&nbsp;Dario Giovannini, il quale ha affermato: "Io ho&nbsp;iniziato in un'etichetta dance, negli anni '90, che era la Digit International, e ormai sono da quasi 15 anni in Carosello.&nbsp;Ho notato che l'approccio è diverso: noi in Carosello abbiamo un approccio molto familiare.&nbsp;Non ci poniamo come un discografico, figura spesso vista contro l'artista. Il nostro ruolo non è più scoprire artisti, ma è&nbsp;la cura e la tutela di un’artista. L'ideale è avere una struttura indipendente che permette di seguire in ogni fase l’artista". Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, ha spiegato: "Un’etichetta indipendente è un’etichetta come le altre, come una major. Mi rendo conto che bisogna fare di più. C'è liberta nel raggiungimento di un obiettivo, senza uno schema prefissato, quindi&nbsp;il metodo cambia di volta in volta. Nell’approccio c'è la sostanziale differenza e la struttura è diversa. Poi c’è una differenza numerica e di struttura".

Partendo dai singoli case history,&nbsp;Gianni Sibilla&nbsp;ha poi invitato Jessica Gaibotti a raccontare l'approccio&nbsp;nel comunicare i progetti, rispetto a prima. "Io non credo di aver cambiato troppo l’approccio. Una cosa che ho imparato è che la comunicazione non è solo un pezzo, ma più pezzi", ha narrato Gaibotti:&nbsp;"Si fa parte di un progetto sempre, devi abbracciarlo e seguirlo in ogni momento, negli alti e bassi. Nel mio caso, l'importanza sta nel&nbsp;scegliere di seguire tutto di un artista, oltre che scegliere&nbsp;un progetto".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha invece rifletutto sul ruolo e sull'approccio&nbsp;di Carosello, che nel 2019 ha festeggiato 60 anni di attività, nella discografia oggi, e ha raccontato: "Tra la rivoluzione dello streaming e la pandemia negli ultimi anni c’è stata una rivoluzione e c'è stata un esplosione dal punto di vista economico.&nbsp;Facendo un esempio banale e pensando all'impegno economico,&nbsp;fino al 2016, 2017, 2018, 2019 si firmavano artisti per 20mila euro. Gli stessi progetti oggi è possibile firmarli aggiungendo uno zero alla cifra. Quindi è tutti più&nbsp;difficilmente sostenibile per le etichette indipendenti. Inoltre, la musica nel mondo, anche in Italia, è esplosa. Le multinazioni oggi hanno più o meno circa 150 artisti nel loro roster, trasformandosi sempre più in distribuzione.&nbsp;Noi 150 progetti non possiamo permetterceli. Noi abbiamo quindi dovuto attuare un cambiamento e&nbsp;oggi Carosello va in controtendenza, diminuendo i numeri e firmando&nbsp;molti&nbsp;meno artisti, non andando dietro alle mode del momento, ma cercando progetti che possono durare nel tempo". A proposito del caso di Maciste Dischi, fondata nel 2014,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha detto: "Credo che ci sia stato un processo simbiotico da menti sparse per l'Italia, per cui in maniera abbastanza casuale in quegli anni tre o quattro ragazzi hanno iniziato a creare etichette disocogratiche. Nel mio caso specifico, senza neanche conoscerne il significato. Quindi è stato un tuffo, bellissimo, ma comunque un tuffo. Probabilmente, mi permetto di pensare che dopo un decennio di musica bruttina che era quella del pop 2000-2010, a grandi linee, c'è stata la voglia di qualcosa di diverso e più profondo. La mia è&nbsp;una storia nata dalla cameretta, che ci ha visto spostarci per produrre il primo disco. E poi ci siamo aiutati tra varie etichette, penso a Bomba Dischi di Roma e altre. Ci siamo tutte confrontate negli anni e abbiamo creato quella che conosciamo come la scena indie di questi ultimi anni. Quella di Maciste è&nbsp;una storia come tante altre, nasce come una pagina Facebook, diventa un S.R.L.. Da una persona si è diventati un gruppo di dieci persone. Siamo totalmente indipendenti, ma magari&nbsp;abbiamo accordi di distribuzione o di licenza con le major. Da una parte noi cerchiamo di tutelare quell’aspetto di famiglia e cerchiamo di tutelare gli artisti. Non avere regole, significa averle inventate, in qualche maniera, sia per incoscienza e poi per sostenibilità".

Nel raccontare il rapporto con le major e la differenza tra queste e le etichette indipendenti, è emerso dai diversi punti di vista come sia fondamentale il concetto di "qualità" rispetto alla "quantità" delle multinazionali. "Noi&nbsp;da una parte facciamo più fatica per ottenere certi risultati, ma&nbsp;dall’altra c'è fierezza nel scegliere su cosa non lavorare", ha sottolineato&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi. Per&nbsp;Dario Giovannini, "la differenza sostanziale sta nell’approccio: io scelgo le persone con cui lavorare. Accanto agli artisti ci sono manager di comprovata capacità, ma ultimamente è peggiorato il livello, perché c’è un sottobosco non all’altezza. Quando ascolto un progetto musicale buono, guardo anche il team dietro le quinte". Secondo Jessica Gaibotti, "la differenza che non c’è tra etichette indipendenti e major è la professionalità, ovvero le persone che lavorano. In un mondo in cui sono esplosi tantissimi artisti, va da sé che la professione da imparare va imparata&nbsp;in fretta. E&nbsp;mancano quindi figure qualificate. La professionalità e la competenza fanno il 90% di tutto, nell’indipendente e nelle major. Chiaro che in un ambiente più piccolo, la competenza forse è ancora più fondamentale".

"Il mercato è cresciuto troppo? I&nbsp;numeri vanno bene, ma una crescita troppo esponenziale,&nbsp;porta anche lati oscuri?", ha quindi chiesto Gianni Sibilla.&nbsp;Jessica Gaibotti&nbsp;ha sostenuto: "Tanta musica fa bene a tutti, ma c’è un problema ora che prima non c’era: tutto va a tutti. E questa cosa rende tutto più difficile per tutti. Da un lato è un bene, dall’altro è esaurente". Secondo&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, "bisogna capire cosa è mercato quando si dice che va bene: più grande significa anche più frammentato. Bisogna avere a che fare con i sogni degli artisti e i conti aziendali.&nbsp;Avendo fatto diventare l’artista&nbsp;un account, e la canzone un file, il mercato ha seguito delle tendenze tecnologiche. Non voglio mettere il mio gusto davanti al mio lavoro, ma non nego di avere&nbsp;difficoltà di posizione lavorativo rispetto a oggi cosa al momento funziona, dove la quantità sembra essere sinonimo di qualità. Dall’altro lato c’è la crisi di targetizzazione".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha poi evidenziato: "C’è stata una rivoluzione, la forza dal basso. Una volta c’erano le radio, poi Mtv con TRL, poi è arrivato YouTube e quindi Spotify. Da due anni a questa parte Spotify è stata superata da TikTok. Quindi ci troviamo ogni giorno a non sapere esattamente l'andamento di un brano, che può andare virale su un social, ma non fare numeri sulle piattaforme di streaming, perché non è automatico".

L'ultima domanda&nbsp;posta da Gianni Sibilla è stata quindi in merito al valore aggiunto di una realtà indipendente in un mercato tanto complesso come quello odierno. "Io dico il supporto che noi diamo all'artista", ha affermato&nbsp;Dario Giovannini. Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha fatto sapere: "Quello che diciamo all'artista al momento della firma è che per noi non sarà mai un numero e un suo successo sarà anche un nostro successo. La forma famiglia, dal momento che firmiamo un artista all'anno, è quindi garanzia di cura e attenzione". Jessica Gaibotti ha sottolineato: "Per me sono le persone a fare la differenza e la quantità".

MMW24, a cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?

Qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente?

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano ha ospitato nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Come far fruttare il master di un brano con i diritti connessi", presentato da Evolution. L'incontro si è quindi concentrato sui&nbsp;diritti connessi – ovvero quei diritti che prevedono un compenso economico per lo sfruttamento del master – e di come si sono dimostrati una delle fonti di ricavo più solide per le etichette indipendenti, eppure molte realtà del settore ne ignorano ancora l’esistenza. A questa mancanza di consapevolezza si aggiunge una storica disattenzione nei confronti di tali diritti, che ha portato le case discografiche a focalizzarsi quasi esclusivamente sul diritto d’autore.

Nel corso del workshop, moderato da&nbsp;Giampiero Di Carlo, fondatore e CEO di Rockol, si è quindi visto come questi diritti hanno vissuto una crescita continua negli ultimi anni e, in termini temporali, offrono prospettive di guadagno che si estendono per almeno due generazioni e, quindi, per come sono strutturati legalmente, rappresentano un’importante garanzia per il futuro. Per analizzare la situazione sono intervenuti soggetti&nbsp;chiave della filiera, rappresentata da una società di collecting grazie alla presenza di&nbsp;Luca Barone – Vicepresidente Evolution Collecting, e dalla figura del produttore, con&nbsp;Luca Cecchi – Label Director Nar International. Inoltre, Cristina Ranieri – Managing Director Sintonia Copyright Solution, ha offerto&nbsp;un punto di vista sul fronte degli utilizzatori.

"Questo panel, vuole connettere due puntini molto importanti sulla scena musicale italiana contemporanea, che sono il mondo degli indipendenti&nbsp;e tutta la sfera dei diritti connessi": così Giampiero Di Carlo&nbsp;ha introdotto l'incontro: "Qualcuno&nbsp;potrebbe iniziare questo panel con l'impressione che, in alcune circostanze,&nbsp;alcuni operatori, soprattutto quelli appartenti al mondo indipendente, non abbiano una cognizione sufficiente e lascino i soldi sul tavolo".

Ha preso quindi parola Luca Barone che, per offrire qualche lume sul mercato e sulle caratteristiche salienti di questa scena, ha sottolineato: “Da più di 10 anni il diritto connesso è stato liberalizzato, e la cosa più importante è che sono nate più collecting indipendenti di diritti connessi. Ci troviamo in un sistema che non vede partecipare solo le collecting ma anche i produttori, che sono i beneficiari di queste somme. Inoltre, ci sono gli utilizzatori, che sono le società che devono pagare queste somme alle collecting, che poi le versano ai produttori. È un sistema estremamente complesso, fosse uno tra i più complessi che in discografia. E a causa anche di questa complessità le etichette indipendenti spesso hanno snobbato un po' questo diritto, non informandosi in maniera adeguata. Negli anni è successo che il diritto connesso è cresciuto e sta crescendo. E non crescerà soltanto in termini quantitativi, ma anche in termini qualitativi. Quindi, questo offre la dimensione del fatto che non pensare, non valutare, non considerare i diritti connessi come una risorsa importante, è un errore. È assolutamente importante capire che stiamo parlando di qualcosa di economico e fondamentale”.

Giampiero Di Carlo ha poi introdotto un altro aspetto importante, legato all’importanza della scena indipendente e ha fatto luce sui dati resi noti recentemente secondo cui ci sono circa 13mila etichette indipendenti a livello internazionale. “La cosa interessante è che, a fronte di questa pletora di protagonisti, che vanno a erodere le quote di mercato delle major, il 5% di queste fanno la maggior parte dei ricavi”, ha sottolineato Di Carlo. A lui ha fatto eco Luca Barone, che ha aggiunto: “Assolutamente giusto. Consideriamo anche che a differenza del diritto connesso degli interpreti, il diritto dei quello dei produttori fonografici è cedibile. E molti produttori indipendenti preferiscono cedere i diritti connessi invece che capire la loro complessità. Nella nostra mission non c’è solo quello che chiede la direttiva di essere trasparenti, efficaci e veloci nella ripartizione, ma anche di far comprendere ai nostri mandanti come è meglio lavorare su questi diritti e come è meglio approciarsi. Per cui non è soltanto un fatto di incassare e di ripartire, ma il lavoro è molto più a 360 gradi”.

Per capire meglio cosa sono i diritti connessi e come evolvono nel tempo, è quindi intervenuto Luca Cecchi: “I diritti connessi sono tutti diritti di sfruttamento economico i cui compensi devono essere corrisposti quando un brano viene diffuso in locali aperti al pubblico, in radio, in tv, sul web. Per semplificare il concetto, faccio spesso l’esempio del concetto di B2B e di B2C. Se pensiamo a un modello B2C, è quando un'etichetta realizza il proprio prodotto, distribuisce la realizzazione del proprio catalogo, lo fa verso un pubblico di consumatori, di musica, di fan e quindi comunque fa un uso privato. Il modello B2B è quando c’è un fine commerciale, dove la musica registrata viene utilizzata per creare un valore di business”. Ha continuato: “È un mondo che è cambiato tanto. Io ho iniziato nel 2007 e dal mio primo giorno ho dovuto capire i diritti connessi. La fortuna della mia formazione è stata quella di focalizzarsi su questi aspetti. L’equivoco che tutti facevano e spesso fanno ancora è quello di confondere i diritti connessi con quelli della SIAE”. E ancora: “Oggi si è arrivati a un punto in cui è possibile conoscere una conversione che offre un’opportunità di trasparenza del dato. Oggi siamo arrivati a una profondità del dato molto complesso. Ma se il dato non è catalogato bene, può provocare un mancato guadagno. Quindi bisogna avere archivi ben definiti. I data scientist sono quindi figure importanti oggi, perché nei dati si scoprono gli andamenti e le previsioni future. L’ultimo anno abbiamo sviluppato un gestionale customizzato per importare i dati di streaming e lo abbiamo sviluppato personalmente. E abbiamo scoperto cose che non avremmo mai immaginato su come sta performando un determinato brano o artista. Questo è fondamentale e mi piacerebbe farlo anche sui diritti connessi. Sul diritto connesso dobbiamo ogni volta inventarci delle formule per stimolare l’attenzione di un brano o un artista affinché possa essere diffuso. Ogni volta dobbiamo quindi pensare e inventare azioni da fare. Non possiamo distrarci”.

Con l'intendo di capire la complessità per gli utilizzatori, Cristina Ranieri ha dichiarato: “Per gli utilizzatori deve essere fondamentale chiaro che quando si pagano i diritti d’autore, manca un pezzetto, in cui rientrano i diritti connessi. I dati che noi condividiamo sono dati di crescita per una copertura maggiore. Rispetto al diritto d’autore, in Italia il diritto connesso viene gestito da poco tempo. L’utilizzatore per le collecting è fondamentale perché permette di incassare con la ripartizione. A volte gli utilizzatori sottovalutano o non danno il giusto peso ai diritti connessi. Inoltre deve essere chiaro che il diritto connesso non è una tassa. Per questo bisognerebbe migliorare la comunicazione verso l’utilizzatore e lavorare verso una maggiore consapevolezza. Una consulenza quindi permette di comprendere cosa si sta pagando e capire i soggetti coinvolti, che con la liberalizzazione sono aumentati. Per gli addetti ai lavori è faticoso capirlo, per gli utilizzatori che sono di altri settori è ancora più difficile”.

MMW24, come far fruttare un brano con i diritti connessi

Come i diritti connessi offrono prospettive di guadagno e rappresentano una garanzia per il futuro

La classifica degli album più venduti in Italia della settimana dal 15 al 21 novembre vede debuttare direttamente in vetta “From Zero” dei Linkin Park, al numero due “Ferite (Deluxe Edition)” di Capo Plaza e scende in terza “Tutta vita” di Olly. Le prime tre posizioni nella chart dei singoli sono ancora: “Islanda” dei Pinguini Tattici Nucleari, “Per due come noi” di Olly, Angelina Mango e Jvli, “Ora che non ho più te” di Cesare Cremonini. Ecco le novità.

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La classifica Top Album FIMI Top of the Music&nbsp;della settimana dal 15 al 21 novembre vede al numero uno&nbsp;“From Zero” dei Linkin Park; le nuove entrate tra le prime cinquanta posizioni della chart sono:

“From Zero” - Linkin Park (1)

“Lieto fine” – Disme (18)

“Lunga vita a sto” – Ghali (25)

“Cosa nuestra” - Rauw Alejandro (30)

“Powerslave (40th Anniversary Edition)” - Iron Maiden (35)

“Shawn” - Shawn Mendes (43)

“Christmas” - Michael Bublè (47)

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Il più alto ingresso è “From Zero” dei Linkin Park in prima posizione.&nbsp;<div class='embed'>		 <iframe 
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Nella classifica Top Singoli FIMI Top of the Music&nbsp;della settimana dal 15 al 21 novembre vede in vetta “Islanda” dei Pinguini Tattici Nucleari; i nuovi ingressi tra le prime cinquanta posizioni sono:

“Islanda” - Pinguini Tattici Nucleari (1)

“Nuovo inizio” - Capo Plaza Feat. Shiva (15)

“Nati bastardi” - Capo Plaza Feat. Tony Effe (25)

“Lo so che” - Capo Plaza (30)

“Dillo solo al buio” – Elisa (47)

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Il più alto ingresso è “Islanda” dei Pinguini Tattici Nucleari in prima posizione.

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<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce" target="_blank">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Classifiche, 21 novembre: i Linkin Park debuttano in vetta

“From Zero” è l’album più venduto della settimana

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella primo pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Dynamic pricing, sta arrivando la tempesta?".&nbsp;L'incontro è partito analizzando come le prevendite per il reunion tour degli Oasis hanno fatto conoscere al mondo il dynamic pricing, ovvero il prezzo dinamico per i biglietti dei concerti: il modello, già ampiamente utilizzato anche in Italia in altri settori – tra gli altri, quello alberghiero e quello dei trasporti – negli Stati Uniti è già una realtà consolidata, e presto potrebbe arrivare anche da noi. Le istituzioni europee stanno già monitorando la situazione da vicino, dividendosi tra i favorevoli alla regolamentazione e i più intransigenti, orientati verso il divieto. Durante il panel si è quindi cercato di capire alcune domande: la lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto? Chi favorisce davvero questa pratica? Il prezzo dinamico può davvero arginare il fenomeno del secondary ticketing? E, in ultima analisi: il dynamic pricing è – come sostiene chi lo promuove – un modo per rendere ancora più florido un settore già di per sé molto ricco e per sostenere in modo diretto gli artisti, o è – come hanno lasciato intendere migliaia di fan dei fratelli Gallagher – la peggiore minaccia che potrebbe incombere sul comparto della musica dal vivo?&nbsp;

Il talk, moderato da&nbsp;Davide Poliani di&nbsp;Rockol, ha visto intervenire l'On. Pier Francesco Maran – Europarlamentare; Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano; Fulvio De Rosa, Assomusica; Matteo Fedeli, SIAE; Andrea Grancini, Ticketone; Ferdinando Salzano, Founder Friends&amp;Partners; Marta Fantin - Director of Partnerships Italy - DICE;&nbsp; e Giampiero di Carlo, Fondatore e CEO Rockol.

"Il fenomeno è tornato di strettissima attualità con la situazione degli Oasis, tracimata dai social media, fino alla politica e agli accademici. Gli economisti hanno detto che il fatto degli Oasis&nbsp;ha&nbsp;dato una lezione del capitalismo", ha spiegato&nbsp;Giampiero di Carlo&nbsp;di Rockol nell'aprire l'incontro: "È un meccanismo che si conosce da tempo perché attuato in molti altri ambiti, ancora prima che nella musica, dove non è comunque qualcosa di novissimo. Nel 2022 è un tema salito agli onori della cronaca per Bruce Springsteen e che ha poi fatto ancora più rumore con Taylor Swift.&nbsp;Il dynamic pricing è un meccanismo che cerca di bilanciare la domanda con l'offerta. Nella musica ci sono diverse fazioni: chi è pro rivendica il fatto che è un meccanismo che può ostacolare il secondary ticketing e che i prezzi maggiori genererebbero soldi che finirebbero a ricircolare nell'industria. Chi è contro accusa il fatto di scarsa trasparenza. La musica rivendia la propria unicità e si vuole smarcare dal dibattito su altre fazioni, perché ci sono di mezzo gli artisti e il fattore esperienziale. Tra gli artisti, si è levata la voce di Neil Young che ha evidenziato la paura degli artisti di mettere a rischio il rapporto con la fanbase. Ci sono altri artisti come i Cure che sono proprio contrari o gli Oasis che hanno affermato di esserne all'oscuro.&nbsp;Il&nbsp;problema adesso è capire se il fenomeno può essere normato, regolamentato e legiferato, con meccanismi di altri settori, che la politica non sarebbe incline a punire".

La parola passa quindi a&nbsp;Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano, che ha affermato: "Per entrare subito nel vivo di questo tema, due parole sul perché abbiamo pensato perché&nbsp;non potesse mancare una riflessione su questo tema. Innanzitutto si tratta di una prima volta. Siamo tutti pronti a demonizzare il secondary ticketing, che tradisce le aspettative dei consumatori. Sul dynamic pricing si è spaccata l’opinione degli addetti ai lavori e degli artisti. Alcuni di questi hanno scelto di distaccarsi per paura di tradire la propria fanbase. È la prima volta che si parla di un'azione che può tradire le aspettative dei consumatori, ma&nbsp;può sconfiggere o contrastare forme illecite di rivendita, di bagarinaggio o di lievitazione dei costi non normati. Credo che sia importante in questa Milano Music Week occuparsi di questo tema, sicuramente scomodo per capire come ogni soggetto si comporta in merito a questo aspetto. Inoltre un enorme dettaglio di consumo si sta orientando verso questa dinamicità e variabilità dei prezzi. Non dico che sia giusto che il mondo dei concerti viva questo fenomeno come qualcosa di fisiologico, anzi, siamo qui per parlarne in modo critico. Sicuramente oggi inizia un dialogo che avrà anche uno sviluppo politico”.

Davide Poliani ha così invitato Marta Fantin di Dice a intervenire: "Noi come Dice siamo un’azienda multinazionale nata in Inghilterra e il dynamic pricing lo stiamo vivendo da anni soprattuto, già negli Stati Uniti", ha affermato Fantin: "Su Dice, come piattaforma, abbiamo attuato diverse azioni: mostrare il biglietto solo poche ore prima dell’evento per contrastare il secondary ticketing. In relazione del dynamic pricing noi come piattaforma siamo contrari. Uno è il caso del concerto dei Cure al Troxy di Londra, di cui ci siamo occupati insieme al management della vendita dei biglietti, dal prezzo bloccato. Proprio la nostra campagna è contro il dynamic pricing e il secondary ticketing".

Ha preso poi parola&nbsp;Andrea Grancini&nbsp;di Ticketone e ha sottolineato: "Quello che vedo io, soprattutto sulla tematica concerti, che trovo un ambito diverso dai voli e dagli alberghi, è che dire che il dynamic pricing possa contrastare il secondary ticketing è un discorso che può essere fatto fuori dall’Italia. Nel nostro Paese abbiamo attuato molte strategie per gestire la nuova normativa per contrastare il secondary ticketing e sono stati fatti molti passi avanti, dal biglietto nominativo alle verifiche con i codici otp legati ai numeri di telefono". Ha continuato: "Io porto anche l'esperienza sul territorio: prendo a esempio un caso della scorsa estate di un'artista internazionale, che potete immaginare di chi sto parlando, che ha fatto due date a San Siro a Milano dove il 30% del pubblico era straniero, perché la spesa tra biglietti e viaggi era inferiore al costo dei biglietti nel loro Paese. L'altra osservazione è legata ai prezzi dei biglietti, che è vero che sono aumentati nel corso degli anni,&nbsp;ma a differenza degli altri paese in Italia rimangono&nbsp;comunque più bassi".

Fulvio De Rosa&nbsp;di&nbsp;Assomusica ha aggiunto: “Un pò come per tutti i fenomeni economici e sociali, bisogna analizzarli. Il dynamic pricing è un fenomeno che esiste da tempo e che esiste in Italia, dove è stato introdotto da siti di rivendita italiani dove vengono offerti biglietti a prezzi verificati, ma con diciture diversificate, come 'biglietti platinum'. La strategia è proprio stata quella di utilizzare quel termine per camuffare biglietti regolari ma che può avere più fasce di prezzo".

In qualità di fondatore di&nbsp;Friends&amp;Partners,&nbsp;Ferdinando Salzano ha affermato:&nbsp;"Il punto è capire se è un vantaggio e se in Italia siamo pronti, anche in termini di artisti italiani. Noi siamo passati attraverso un periodo che dopo il Covid ha visto una crescita esponenziale&nbsp; dei prezzi negli eventi di grossa portata. In questo momento storico con il dynamic pricing noi mettiamo a rischio un rapporto straordinario tra pubblico e artista rispetto a un meccanismo costosissimo, che porterebbe a una situazione di non trasparenza e chiarezza. Io oggi sono contrario per quanto investito nel rapporto tra spettatori e artisti, non dico che sono contrario a quello che potrà essere tra qualche anno.

Per SIAE, Matteo Fedeli è intervenuto sulle criticità che comporterebbe il dynamic pricing: “Sicuramente non è semplice, ma oggi viviamo in un mercato in cui esistono complicazioni ben più grandi. Il mondo dei biglietti è fermo indietro nel tempo. Se andassimo dall’amministratore delegato di Ryanair e mettessimo in vendita biglietti per un volo in programma tra sei mesi e faccessimo sold out, sarei licenziato. Perché venderemmo biglietti a un prezzo troppo basso. Non è facile, ma va fatto tutto quanto in una maniera digeribile. Come qualsiasi altra tecnologia può essere usata benissimo o malissimo. Qua bisogna ragionare sul suo utilizzo. Un artista potrebbe anche vederci un utilizzo etico, perché ci sono anche consumatori disposti ad acquistare biglietti il giorno prima dell’evento a prezzo maggiorato perché ha anche capacità di spesa”.

Nel suo intervento, l’On. Pier Francesco Maran ha posto l’attenzione sul dynamic pricing in relazione ai grandi eventi e ha dichiarato: “Il 3% dei concerti ha questa caratteristica e questo tipo di attenzione. L’altro 97% lo leverei da questa discussione. Concentrandoci sugli eventi di quel 3%, si nota che hanno regole ben diverse da altre situazioni. Inoltre, gli eventi più grandi influiscono sull’incremento turistico e culturale dei paesi. In merito al Dynamic pricing ci sono da tenere conto del rapporto di fiducia tra artisti e pubblico, e dall’unicità di ogni vento. Dal punto di vista legislativo è possibile isolare eventi o artisti in base alla loro grandezza o risonanza. In questi giorni stiamo dando il via alla nuova commissione europea e in merito al dynamic pricing si andrà a discutere per i grandi eventi dal vivo e ci sarà un primo passaggio di trasparenza”.

MMW24, il talk sul dynamic pricing: "Sta arrivando la tempesta?"

La lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto?

L’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> &nbsp;si terrà dal 18 al 24 novembre a Milano; l’evento dedicato all'industria musicale&nbsp;è promosso dal Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, Assoconcerti, Assomusica, Fimi, Nuovo Imaie e Siae. Main sponsor:&nbsp;UniCredit, UniCredit Allianz Vita&nbsp;e&nbsp;TicketOne.

Ecco gli eventi di sabato 23 novembre, sesta giornata:

14.30: "Christmas Dance con Carolina Benvenga" (Santeria Toscana 31)

Con:&nbsp;Carolina Benvenga

Presentato da Rockol e&nbsp;Sony Music Entertainment.

MMW24, gli appuntamenti professionali di sabato 23 novembre

Gli ospiti, gli orari, i dettagli...

Pubblicato il report fiscale del terzo trimestre di Warner Music Group, che totalizza un +6% rispetto allo stesso periodo dello scorso anno. Il buon risultato è trainato in particolare dalla crescita dei ricavi provenienti dallo streaming in abbonamento (+10,6%, che corrispondono a 645 milioni di dollari), sebbene leggermente più bassi rispetto ai precedenti tre trimestri (+12% nel Q4 2023, +13,5% nel Q1 2024 e +13,7% nel Q2 2024).

Tra i tasti dolenti, invece, incassi leggermente più bassi nell'ambito della musica registrata (comparto digitale) a causa del mancato rinnovo dell'accordo di distribuzione con BMG, che ha portato a 25 milioni di dollari in meno.&nbsp;Non benissimo&nbsp;anche il settore del publishing, stavolta a causa di una sentenza sfavorevole del Copyright Royalty Board che ha portato a sostenere costi più alti, quantificati in 17 milioni di dollari. In generale, comunque, si tratta di un periodo molto favorevole per WMG: con l'aggiunta di quelli di questo trimestre, il&nbsp;totale dei ricavi 2024&nbsp;arriva a toccare 1630 miliardi di dollari.

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Warner Music Group: nel Q3 +6% di ricavi rispetto a un anno fa

Bene in particolare i proventi derivanti dagli streaming in abbonamento

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella tarda mattinata di oggi, 22 novembre, il panel "Turismo e spettacoli dal vivo: connubio per un nuovo turismo culturale in Italia", presentato da&nbsp;Assomusica - Associazione Italiana Organizzatori e Produttori Spettacoli di Musica dal vivo.&nbsp;L'incontro è partito dal presupposto che gli spettacoli dal vivo sono una fonte di sviluppo economico e un volano per le aziende della filiera del turismo, non solo nelle grandi città ma anche nei borghi d’Italia. Un altro punto centrale&nbsp;del talk si basa sul concetto che analizzare il significato strategico e il valore economico dell’evento e dello spettacolo dal vivo, equivale a comprenderne l’impatto economico e culturale sul territorio.

Introdotto da&nbsp;Carlo Parodi - Presidente Assomusica, e moderato da&nbsp;Paolo Giordano – Giornalista de "Il Giornale", l'incontro ha visto intervenire l'On. Gianluca Caramanna – X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia; On. Matteo Ricci – Eurodeputato – Parlamento europeo (in videoconferenza); On. Manlio Messina – VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati (videoconferenza); Dott. Alessandro Leon – Presidente Cles Srl; Dott. Costantino Ciulla – Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli – Agrigento Capitale italiana della Cultura 2025.

Nel 2017 i Rolling Stones hanno suonato alle Mura Storiche di Lucca in un mitico concerto ospitato dal Lucca Summer Festival, portando a un indotto di circa 20milioni di euro. Prendendo questo evento come esempio, Paolo Giordano ha aperto così l’incontro: “Solo quel concerto ha fatto lavorare tutto il tessuto imprenditoriale intorno a Lucca”. Ha quindi preso parola Carlo Parodi&nbsp;- Presidente Assomusica: “Partirei da un aneddoto per introdurre l’argomento: prima di tutto io sono un organizzatore di concerti e festival. Organizzo un Festival in una città vicino a Torino, e a una prima edizione ricordo che mi sono trovato ai cancelli a parlare con il Sindaco delle modalità dell’organizzazione di un evento. E in quel contesto vediamo avvicinarsi una signora determinata che cercava l’organizzatore dell’evento e dice: ‘Vorrei ringraziarvi perché ho assistito al concerto di Gianna Nannini ed è stato fantastico. Inoltre sono proprietaria di un agriturismo qui vicino e in concomitanza del festival la mia struttura è sold out’. Organizzare eventi nella loro complessità porta ricadute importanti sul territorio e per tutta la filiera. Quindi oltre a esaurire la sua primaria funzione nel creare cultura, genera anche economia. perché è un valore che genera valore e dobbiamo ragionarci in maniera importante”.

Il talk ha poi visto intervenire, in videocollegamento, l’On. Matteo Ricci. In qualità di ex sindaco di Pesaro, carica ricoperta dal 2014 al 2024 prima del ruolo di europarlamentare, Ricci ha sottolineato: “Quello che noi abbiamo cercato di fare in questi anni è di trasformare Pesaro in una città della musica, che investe nella musica e nello spettacolo. Abbiamo uno dei palasport più grandi e importanti di Italia che ci permette di ospitare grandi eventi nazionali e internazionali. Abbiamo ristrutturato il vecchio palasport per rispettare l’esigenza della musica e ospitare eventi più piccoli. Pesaro è stata proclamata Capitale italiana della cultura 2024 e in questo anno abbiamo registrato il 30% del turismo. E sono convinto che gli effetti migliori li avremo negli anni a a venire. Abbiamo già deciso di candidarci a Capitale italiana della cultura 2033 e sarà un’altra grande opportunità per dare continuità a una strategia. È importante inoltre sottolineare che l’Italia è un paese attrattivo per il turismo che verrà”.

Dal canto suo, il Dott. Alessandro Leon&nbsp;– Presidente Cles Srl e Segretario Generale&nbsp;dell'Associazione per l'Economia della Cultura ha affermato: “Riferendomi all’esempio di Parodi, dal canto mio ricordo che molti anni fa lavorai su un gradissimo progetto che si chiamava ‘Residenze Sabaude’ che ha consentito il recupero integrale di una cinquantina di residenze sabaude. Allora, nella metà anni Ottanta, non si pensava che la musica popolare potesse svolgere un ruolo fondamentale e non era stata presa in considerazione. Oggi, invece, ci si rende conto di quanto la cultura e la musica possano giocare un ruolo centrale nel generare aspetti economici”.

In qualità di Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli, in merito ad Agrigento,&nbsp;proclamata Capitale&nbsp;italiana&nbsp;della Cultura 2025, il Dott. Costantino Ciulla ha poi dichiarato: “Agrigento potrebbe essere un esempio e un caso studio per quella che è l’economia che viene riportata dallo svolgimento degli eventi e quelle che sono le ricadute sul turismo e l’economia locale".

In videocollegamento, l’On. Manlio Messina&nbsp;– VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati, ha raccontato: “In Sicilia c’è ancora un certo retaggio culturale secondo cui la musica e lo spettacolo sono solo divertimento, e quindi investire in questo settore non potrebbe creare indotto. Facendo rete possiamo sconfiggere questo retaggio culturale perché i numeri sull’apporto economico della cultura sono reali e incoraggianti.&nbsp;Per sostenere la filiera abbiamo triplicato il fondo per lo spettacolo, da 3,5 milioni a 9,5 milioni. Inoltre, abbiamo fatto riscoprire un personaggio come&nbsp;Nick la Rocca, il cui padre era&nbsp;originario di Salaparuta prima di trasferirsi a New Orleand, che&nbsp;incise il primo disco della storia del Jazz. Per questo abbiamo creato il Sicilia Jazz Festival che dura due settimane e che ha portato solo nell'ultima edizione più di 100mila presenza nella città di Palermo. Inoltre abbiamo istituito il&nbsp;Bellini Festival, in onore del compositore Vincenzo Bellini, che ha sempre registrato più di 100mila presenze".&nbsp;

Nel suo intervento, l'On. Gianluca Caramanna&nbsp;– X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia - ha infine evidenziato: “Il turismo non può fare a meno degli eventi, che siano sportivi o spettacoli dal vivo. Sono un valore aggiunto che spesso riesce&nbsp;a destagionalizzare. Anche se organizzati con anticipo, i grandi eventi si concentrano spesso in due o tre mesi estivi, perché spesso le location sono all'aperto e&nbsp;hanno bisogno della stagione estiva. Noi abbiamo quindi bisogno di invertire la rotta, avendo palazzetti al chiuso, dobbiamo estendere&nbsp;anche agli altri periodi dell’anno per destagionalizzare. Inoltre, il turismo si interseca con tutti gli altri ministeri, che sia agricoltura o trasporti o interni. Tutti i ministeri hanno bisogno di parlare con il turismo. Insieme ai grandi eventi e piccoli eventi dobbiamo fare un grande lavoro per destagionalizzare e delocalizzare il turismo, per dare visibilità e notorietà alle aree meno conosciute. Secondo me attraverso gli spettacoli è possibile".

MMW24, il talk su turismo e spettacoli dal vivo in Italia

Analizzare il valore dello spettacolo dal vivo per comprenderne l'impatto economico e sul territorio

Un quarto di secolo tondo dalla fondazione di&nbsp;Nun Entertainment, l'etichetta fondata da Stefano Senardi in collaborazione con Edel. Per festeggiarla, un evento speciale condotto da Luca De Gennaro&nbsp;con la partecipazione di molti ospiti, tra cui Luca Fantacone, Christina Iredale, Simonetta Simonetto, Pietro Monti, Stefano Pierini, Alessandra Piccioni, Maryon Pessina e l’amichevole supporto di Paolo De Francesco. L'appuntamento è per stasera alle 18.30 presso Detune Milano (via Felice Casati 24), nell'ambito della Milano Music Week. 
 
"La NuN è stata senza dubbio un’esperienza fondamentale, arrivata in un momento molto particolare della mia vita"&nbsp;afferma Stefano Senardi.&nbsp;"Pur non essendo durato a lungo, è stato un capitolo intenso, fatto di amicizie profonde e di grande professionalità, vissuto in un contesto di divertimento e passione in un periodo di notevoli cambiamenti. Alla comunità musicale ha lasciato un segno, un seme piantato sul terreno che, nei miei sogni più belli, potrebbe ancora germogliare".

Stefano Senardi festeggia i 25 anni della Nun Entertainment

In occasione della Milano Music Week, un evento speciale con molti ospiti

Si è tenuto nell’ambito dell’edizione 2024 della Milano Music Week un panel, presentato da FIMI, dal titolo “A European agenda for music. How European policies influence record industry”, in cui si è analizzato l’interazione tra la normativa europea e il business musicale. 

Sul palco in veste di relatori: Enzo Mazza - CEO FIMI; Antonio Guisasola - Presidente Promusicae, Spagna; Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia; René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, Germania; Francesca Trainini - Vice Presidente PMI &amp; Presidente IMPALA. L’incontro è stato moderato da Lodovico Benvenuti – Director of Multilateral Relations and Regional Director, Europe, IFPI. 

Le politiche europee svolgono un ruolo sempre più significativo nell'industria musicale, influenzando le dinamiche della discografia e le opportunità di crescita all'interno del mercato unico. Nell’incontro esperti del settore hanno esaminato le sfide e le opportunità presentate dalle politiche europee, evidenziando le iniziative chiave volte a sostenere l'industria musicale in un contesto globale. 

L’introduzione del panel è stata affidata a Lodovico Benvenuti, direttore di IFBI, quello che definisce “l’organizzazione internazionale che rappresenta l'industria del settore. Rappresentiamo, oltre alle tre principali label, la musica indie, la musica locale e musica internazionale, per oltre 8000 label nel mondo.” La loro visione e conoscenza del mercato è dunque ampia, globale ma ultimamente hanno concentrato la loro attenzione sul mercato europeo, quello dell’Unione Europa come entità politica, non quella geografica. Al fine di queste attenzioni hanno generato un report che ha sancito l’Europa come secondo mercato mondiale della musica. 

“Il rapporto - spiega Benvenuti - ha evidenziato le consistenze e le divergenze all'interno del mercato europeo e fornito strumenti per prendere decisioni politiche migliori, ai player del mercato, ma anche a quelli che creano le regole che sono rilevanti al nostro interno.” Nella sua analisi il direttore di IFBI fa notare che il mercato europeo ha una lenta crescita e resta ancora lontano dai livelli del riferimento americano.&nbsp; 

“Il mercato europeo - ha notato Benvenuti - ha diversi ritmi di crescita, e questo è in relazione con il livello di penetrazione del streaming. Quindi, ci sono mercati in cui c'è più streaming, e sono le nazioni con una maggior crescita. Qui è bello per me, come italiano, salutare il fatto che l'Italia è tra i paesi che sono cresciuti di più. Ciò che è molto buono del mercato europeo è il successo dei repertori locali e anche qui l'Italia è uno dei mercati migliori”. ma l’analisi fa anche notare che ”abbiamo una forte spinta locale che tuttavia non genera fenomeni globali e questo influisce sull’export della musica. Stiamo analizzando i modelli della Corea e quelli del Sud America che esportano un’ampia fetta della loro musica nazionale.” 

Benvenuti mette in campo un dato sull’investimento economico dell’industria musicale: “Se guardiamo a uno studio fatto un paio di anni fa, si nota che un euro investito da un’entità legata al mondo della produzione musicale rende 1,8 euro di output. È un dato straordinario, un qualcosa che i politici non devono dimenticare.”&nbsp; 

Benvenuti inoltre affronta il problema dell’AI e dei Deepfakes lamentando che non esistano regole precise a livello europeo e che andrebbero sviluppate e chiarite quelle già presenti piuttosto che creare altra normativa. Il direttore dell’ IFBI ha chiuso il suo intervento analizzando anche il mercato digitale europeo per il quale fa notare una grande frammentazione a livello nazionale, citando come esempio la “tax streaming” francese “Queste iniziative che sono nate in un paese, e poi non sono coordinate a livello europeo, creano un elemento di incertezza che è un ostacolo per gli investitori internazionali in Europa.” 

Nel suo intervento Francesca Trainini - Presidente di IMPALA - l’associazione che raccoglie circa 4000 label indie - ha sottolineato il valore delle etichette indipendenti per gli artisti, che spesso tendono a creare loro realtà. Francesca ha sottolineato che senza una struttura gli artisti potrebbero trovarsi in difficoltà nella loro carriera. Ha inoltre concordato con la necessità di rafforzare le regolazioni stabilite dall'Unione Europea, che sono considerate efficaci e ben bilanciate. Ha espresso soddisfazione nel riscontrare che i colleghi internazionali lodano queste regolazioni, evidenziando la differenza tra avere regolazioni e l'effettivo loro enforcement. 

Il terzo intervento è stato di Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia che ha illustrato il mercato del suo paese notando che anche per loro lo streaming (a pagamento) è un elemento importante e anche in Francia il mercato locale è molto forte, tutelato dalle leggi d’Oltralpe che impongono quote di programmazione di artisti locali. “Dei 100.000 brani più ascoltati in Francia lo scorso anno, quasi due terzi sono stati prodotti in Francia o sviluppati da team francesi” ha affermato. 

Alexandre Lasch ha espresso una forte critica sulla streaming tax menzionata prima. “L'anno scorso il governo francese ha introdotto una tassa sulle piattaforme di streaming che colpisce in particolare la maggior parte dei player virtuali, come Spotify, Deezer, Cobus, fondamentalmente i servizi in abbonamento. Ora possiamo vedere chiaramente quanto sia stata e sia tuttora una cattiva idea, perché da allora le piattaforme, che non sono nazionali, hanno ridotto i loro investimenti marketing in Francia. Inoltre, alcune di esse, hanno aumentato le tariffe, come nel caso di Spotify, per coprire i costi associati a questa tassa. Tutto ciò rende ancora più difficile lo sviluppo del mercato. E paradossalmente, i proventi di questa tassa non hanno l'effetto ridistribuivo che il governo sperava di ottenere.” 

René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, da l’idea della buona salute del mercato musicale tedesco seppure i dati siano contrastanti: “In Germania l'anno scorso abbiamo avuto un mercato di 2,2 miliardi. L'anno prossimo sarà di circa 2,3 miliardi. Ma veniamo da un picco di 2,8 miliardi, con l’80 % degli introiti che arrivano dallo streaming.” 

Il discografico tedesco affronta anche i problemi legislativi: “Come industria musicale amiamo la legislazione europea. E ci piacciono più gli atti che le direttive. Esistono due tipi di leggi diverse. L'atto è fondamentalmente europeo e il singolo Stato non può più fare nulla. La direttiva può essere attuata. Devono attuarla. Ma in Germania, a volte la politica si siede e dice: "Sì, direttiva, buona idea, ma facciamo in modo diverso". E allora noi ci dobbiamo riorganizzare. E questo non è sempre a favore del mercato, non aiuta la crescita. Quindi, questo è il problema.”&nbsp; 

René Houareau nota che il mercato tedesco vive di “importazione” da Francia e Italia in particolar modo e dice “chi di vi ha recentemente ascoltato una canzone tedesca?” 

Ben diversa è invece la situazione della Spagna che di musica ne esporta parecchia. “lo spagnolo è la lingua del nuovo pop - afferma Antonio Guisasola, Presidente Promusicae - Penso che in passato le persone preferissero qualcosa in inglese piuttosto che in spagnolo. Ma ora sono abituati ad ascoltare musica in spagnolo e ritengono che sia buona quanto quella in inglese. Quindi questo pop urbano con ritmi latini si è consolidato come un nuovo stile musicale. Il problema è che siamo 49 milioni di abitanti e siamo in “contatto” con 500 milioni di persone che parlano in spagnolo, la più grande colonia degli Stati Uniti. Quindi riceviamo molte pressioni da questo punto di vista. Per questo motivo, credo che abbiamo bisogno di un aiuto da parte delle autorità per promuovere gli investimenti locali. Abbiamo molta concorrenza dalla Colombia, da Porto Rico, da Miami, perché sono Paesi che investono molto nell'industria musicale e danno aiuti a questa industria. In Spagna, a causa dell'alto livello di pirateria che si è registrato in passato e del disinteresse di alcuni governi, l'industria musicale è in ritardo.&nbsp; 

L’ultimo intervento è quello di Enzo Mazza - CEO FIMI che espone la situazione italiana: “Abbiamo recentemente raccolto i numeri del terzo trimestre e abbiamo visto ancora una crescita intorno al 15% dell’intero mercato, trainata dallo streaming in abbonamento, che è creciuto del 21%. Questo significa che l'Italia sta ancora correndo e che ci sono alcune opportunità che possiamo vedere, in particolare perché l'Italia è rimasta indietro per molti anni nella penetrazione degli abbonamenti allo streaming. Abbiamo tra i 5 e i 6 milioni di abbonati alla piattaforma musicale nel Paese ed è meno, assolutamente meno di altri Paesi in Europa. Quindi, in questi termini, credo che guarderemo all'Italia come a un Paese meno sviluppato per lo streaming. Dall'altro lato, è un'opportunità perché sappiamo di poter raggiungere un numero sempre maggiore di abbonati in futuro. Come ad esempio la penetrazione nel settore della telefonia mobile, le giovani generazioni utilizzano sempre più smartphone per ascoltare la musica.” 

Mazza chiude il suo intervento osservando la forza del repertorio locale: “è piuttosto forte, come in altri Paesi, ma in particolare qui, sta crescendo rapidamente con un'intera generazione di artisti. Il mercato rimane piuttosto piccolo rispetto alla Francia e gli investimenti che le aziende possono fare sul repertorio locale sono ovviamente meno rilevanti. In particolare, perché il costo dell'investimento sul repertorio locale sta crescendo. I contratti sono più alti rispetto all'era fisica, con un fatturato che non è lo stesso. Quindi, paghiamo molto per i nuovi talenti. Le aziende lottano per ottenerli e offrono contratti molto buoni, ma questo non si traduce nel livello di entrate che abbiamo ottenuto in passato. Quindi, l'unica possibilità è l'esportazione. L'esportazione è probabilmente una delle aree più interessanti da esplorare.”

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MMW24, il panel sulle politiche europee e la discografia

Come leggi e normative a livello europeo siano sfida ed opportunità per l’industria musicale

La musica emergente è stata la protagonista della serata di ieri sera, 21 novembre, al Ronin. Nel quartiere milanese di China Town, il sofisticato cocktail bar e ristorante ha ospitato GenZ Stage, momento che ha visto esibirsi alcuni degli artisti più promettenti e talentuosi della nuova scena musicale italiana. L’evento è stato organizzato da Rockol con la collaborazione di TuneCore Italy&nbsp;nell'ambito dell'<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>.

Nessuna distinzione di genere e di stili, solo un sacco di voglia di suonare, quella dei sette artisti che sono saliti ieri sera sul palco:&nbsp;The Snookers, Niveo,&nbsp;Chyky,&nbsp;Klaus Noir,&nbsp;Montag, Anna Castiglia&nbsp;ed&nbsp;Ethan.

Tra cocktail elaborati e piatti fusion, ogni musicista protagonista sul GenZ Stage, ha animato la serata con la propria musica e la propria personalità. L'elettronica rock ha aperto quindi l'evento con il duo composto da&nbsp;Anita e Federico, anime di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748131/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-sono-the-snookers">The Snookers</a>, prima di lasciare la scena al cantautorato di&nbsp;Marco Fasano in arte <a href="https://www.rockol.it/news-748149/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-niveo">Niveo</a>. I ritmi hip hop e le trame rap hanno poi fatto da padroni con i set di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748150/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-chyky">Chyky</a>&nbsp;e&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748132/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-klaus-noir">Klaus Noir</a>, seguiti dalla prorompenza della chitarra e dalla voce di <a href="https://www.rockol.it/news-748081/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-montag">Montag</a>. La sofisticatezza e delicatezza di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748130/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-anna-castiglia">Anna Castiglia</a> hanno poi colorato il Ronin di&nbsp;pop e R&amp;B, influenze samba, swing e gipsy, prima di trasformarsi in un club techno berlinese con <a href="https://www.rockol.it/news-748133/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-ethan">Ethan</a>, che ha portato sul palco trame sonore su atmosfere baile funk, R&amp;B, suoni elettronici sperimentali e hardcore.

MMW24, la musica emergente protagonista del GenZ Stage

Ieri sera, 21 novembre, il Ronin ha ospitato il live di 7 artisti emergenti

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Geolier, Enrico Nigiotti, Mameli, Napoleone e MaLaVoglia.

<h2>MAI PER SEMPRE - Geolier - Warner</h2>

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Geolier è uscito&nbsp;con il&nbsp;nuovo singolo "Mai per sempre", in concomitanza con l'uscita dell'album "Dio lo sa&nbsp;- Atto&nbsp;II". Il progetto è pubblicato sotto l'etichetta Warner Music Italy.

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<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/geolier-mai-per-sempre-309443749">Leggi il testo di "MAI PER SEMPRE" </a>

Emanuele Palumbo alias Geolier è un rapper nato a Napoli il 23 marzo del 2000. Il suo debutto discografico risale al 2018 con il singolo "P Secondigliano" (feat Nicola Siciliano), seguito, sempre nello stesso anno dagli altri singoli "Mercedes" e "Queen". Nel 2019 collabora con Rocco Hunt per il brano "Nisciun'". E' dell'ottobre 2019 il primo album, EMANUELE. Al disco hanno collaborato, tra gli altri, Luché, Gué Pequeno e Emis Killa. Nel 2020 è apparso nei singoli "Fuego", inciso con Lele... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/geolier/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Tu sei per me - Enrico Nigiotti - Sony</h2>

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Il singolo "Tu sei per me" di Enrico Nigiotti&nbsp;è pubblicato da Columbia Records e Sony Music Italy. La canzone, scritta dallo stesso Nigiotti, è stata prodotta da Jvli e Enrico Brun.

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<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/enrico-nigiotti-tu-sei-per-me-309435661">Leggi il testo di "Tu sei per me" </a>

Enrico Nigiotti è un cantautore livornese che fa il suo debutto ufficiale nel 2008, dopo aver incontrato Caterina Caselli, con il singolo "Addio" (prodotto da Michele Canova, brano che vede la partecipazione di Elisa in qualità di arrangiatrice dei cori). Nel 2009 prende parte alla nona edizione di "Amici di Maria De Filippi": in seguito alla partecipazione al talent show, Enrico pubblica il suo primo album dal titolo eponimo, co-prodotto da Michele Canova, Corrado Rustici e Davide Rossi e... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/enrico-nigiotti/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Mezz'ora d'amore - Mameli - Universal</h2>

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Mameli&nbsp;ha pubblicato il singolo "Mezz'ora D'amore", estratto dal suo ultimo EP "Fino all'ultimo respiro". I video dei singoli sono parte integrante del progetto, realizzati per creare un cortometraggio a puntate, dove ogni episodio è strettamente legato a uno dei brani. La produzione di questi contenuti visivi mira a fornire un'esperienza immersiva, unendo musica e immagini in un racconto continuo.

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Mario Castiglione, in arte Mameli, è nato a Catania e vive a Milano. Oltre a scrivere i testi e comporre, si occupa personalmente della produzione dei suoi brani. 
Nel 2019 partecipa al talent show “Amici” di Maria de Filippi e pubblica due brani inediti: “Ci vogliamo bene” e “Casa di Carta”. 
Nell'aprile dello stesso anno esce il suo EP di debutto intitolato "Inno", prodotto da Mameli e Mixato da Alex Trecarichi ("Ci vogliamo bene") e Ivan Rossi, ingegnere del suono che ha lavorato... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/mameli/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Voglia 'E Turnà - Napoleone - INRI</h2>

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Napoleone e Teresa De Sio presentano una nuova versione del brano "Voglia 'e Turnà", originariamente pubblicato 42 anni fa. Il singolo è stato realizzato sotto l'etichetta Inri Records in collaborazione con ADA. La produzione è a cura di Giordano Colombo.

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<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/napoleone-feat-teresa-de-sio-voglia-e-turna-309435753">Leggi il testo di "Voglia 'E Turnà" </a>

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<h2>Freddie - MaLaVoglia - Autoprodotto</h2>

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E' stato pubblicato il nuovo singolo dei MaLaVoglia, intitolato “Freddie”. Il brano si concentra sulla figura di Freddie Mercury.&nbsp;Questo singolo rappresenta il decimo lavoro discografico di MaLaVoglia.

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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Geolier, Enrico Nigiotti, Mameli, Napoleone e MaLaVoglia

Nuovi singoli, le uscite del 22 novembre

La Società Italiana degli Autori e degli Editori è stata la protagonista dell’ultimo segmento del Music Publishing Day, evento dedicato all’editoria musicale in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> chiusosi nel tardo pomeriggio di ieri, giovedì 21 novembre, presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco di Milano. Sul palco, oltre al dg della collecting Matteo Fedeli, anche i due autori (e membri del Consiglio di Sorveglianza) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732037/siae-nuovo-consiglio-sorveglianza-giovani-andrea-tonoli-intervista">Andrea Tonoli</a> e Giovanni Caccamo, il discografico ed editore (ed ex presidente di SIAE) Filippo Sugar e gli editori (e membri del consiglio di sorveglianza SIAE) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732659/siae-under-30-ai-vertici-guendalina-gramitto-ricci-intervista">Guendalina Gramitto Ricci</a> e Claudio Buja.

“Per noi autori è formativo entrare nel Consiglio di Sorveglianza”, spiega Tonoli: “Essere a contatto con i grandi professionisti dell'editoria è un grande regalo, è una fonte di istruzione su quello che sarà il nostro futuro. Quello che stiamo vivendo ora è il frutto di una visione collettiva che è stata portata avanti nel tempo: SIAE oggi è molto digitale e innovativa, dobbiamo dare atto a Matteo (Fedeli, ndr) di questo”.

“Da giovane e da editore, dico che è un'occasione di imparare, e un onore e un onore, una cosa bellissima e una fortuna esserne parte”, conferma Gramitto Ricci, alla quale fa eco Caccamo: “Prima di entrarci avevo la percezione della SIAE paradossalmente quasi negativa - dico ‘paradossale’ perché senza il diritto d'autore gli artisti non esisterebbero” - spiega l’artista - “Essere parte di questa società è un onore, una responsabilità e anche un'opportunità: in questi anni ho avuto l’opportunità di arricchire la padronanza degli strumenti a nostra disposizione da SIAE, e sarei felice che tutti gli autori soci avessero le stesse conoscenze che ho acquisito io”.

“Il lavoro di SIAE è semplice”, interviene Fedeli, insediatosi come dg della collecting prima di compiere quarant’anni: “Si tratta di gestire al meglio il diritto che autori ed editori ci hanno affidato, ovvero ottenere dal mercato il valore più fair possibile per il loro lavoro spendendo il meno possibile. Non dobbiamo fare profitto, e questa è la nostra forza. Spendendo il meno possibile il nostro servizio costa sempre di meno: lo scorso anno il nostro fatturato è stato di 883 milioni di euro, più di 100 milioni superiore all’ultimo pre-pandemia. E' stato necessario cambiare tante cose, e il cambiamento è partito prima del mio arrivo, da una decina d'anni: oggi la velocità del cambiamento sta aumentando, le cose che riusciamo a portare a casa sono sempre di più. Se siamo perfetti? No, non lo siamo: c'è sempre qualcosa per cui vale la pena innovarsi. L'AI, per esempio, sarà una sfida generazionale. Di quello che abbiamo fatto siamo abbastanza fieri: stiamo cambiando a 360° la società con persone che credono a questo cambiamento”.

Quali valori dovranno ispirare la collecting per il futuro?

“C'è bisogno di giovani negli organi sociali, perché il cambiamento è legato alle energie”, chiarisce Sugar: “SIAE è autori ed editori insieme, e in questa unione c'è la forza di rappresentare tutto il mondo della creatività e dell'editoria in un unico organo che non deve guadagnare, ma essere il più efficiente possibile. La SIAE è aperta, e possiamo indirizzare il valore della società, per esempio scegliendo un dg di nemmeno quarant'anni. Il nuovo gruppo sta facendo un grande lavoro di trasformazione digitale, efficienza e comunicazione. Per il futuro occorrerà cercare di aumentare l’efficienza anche a livello internazionale: per farlo, le collecting dovrebbero aggregarsi e accelerare il flusso di recupero di denaro da fuori dall'Italia. E non dimenticare che questa capacità di stare insieme consente di creare un contesto legislativo che nessuno di noi, da solo, avrebbe la forza di poter sostenere, trovando equilibrio nelle trattative per le remunerazioni”.

“Ho trascorso più di vent'anni della mia vita professionale con SIAE, compresi momenti difficili, tipo tra il 2010 e il 2020, quando sono stati apportati gravi danni al patrimonio di SIAE”, spiega Buja: “Poi c'è stata una svolta molto positiva, siamo come risultati che come professionisti entrati in organico. In questo momento la proiezione per il futuro non può che essere molto ottimista. Ci sono temi da affrontare subito che possono essere migliorati, come l'efficienza all’estero, dove ci sono paesi che non riconoscono il diritto d'autore o che lo gestiscono in modo oscuro. Sull’intelligenza artificiale: quello <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748084/collecting-e-intelligenza-artificiale-gema-fa-causa-a-openai">che ha fatto GEMA</a> è sacrosanto, perché l’AI lavora su opere che attingono alla creatività di autori umani. SIAE non si occupa di sync: con l'avvento dei social e delle piattaforme come TikTok, Youtube e i videogame online, tuttavia, dovrebbe assumere il ruolo di gestore delle sincronizzazioni non commerciali (come, per esempio, stories su TikTok), perché venga riconosciuto agli aventi diritto quello che gli deve essere corrisposto”.

“Affrontiamo questo tipo di cambiamento come abbiamo affrontato gli altri in tutta la nostra storia”, risponde Fedeli, “Perché l'essere umano si adatta sempre. Riguardo l’AI, la domanda è: in quanto tempo ci si deve adattare? Quella per l'intelligenza artificiale sarà una lotta generazionale, che non si esaurirà in pochi anni. Oggi verso l'AI generativa c'è una sovra-aspettativa, ma resto convinto che debba essere utilizzata, perché è un valore. Oggi è necessario creare competenza sul tema, ma vanno capite le paure che l’AI suscita”.

Sulla sperequazione che caratterizza i compensi di discografia ed editoria - a favore della prima - da parte delle piattaforme digitali, per Buja è importante che il comparto del publishing mantenga “la propria specificità, che ci consente di rapportarci con discografia e con chi lavoro per noi e con noi – le collecting, appunto – per ottenere il massimo per tutti gli aventi diritto”.

“E’ brutto muoversi guerra tra aventi diritto”, commenta Sugar: “La svolta digitale del mercato ha sicuramente premiato la discografia rispetto al diritto d'autore, e a tendere questo sbilanciamento deve essere corretto. Ma la discografia, alla vigilia dell’irruzione sui mercati dei DSP, veniva da anni molto difficili, mentre il nostro settore aveva retto meglio il cambiamento tecnologico”. “In assenza di unanimità a livello internazionale su tematiche fondamentali come il value gap tra discografia ed editoria, SIAE deve essere il baluardo della sfida comune a tutta l'industria”, conclude Gramitto Ricci: “Due parti che lavorano a stretto contatto devono trovare il modo per collaborare al meglio”.

“Gli strumenti ora ci sono”, osserva Tonoli riguardo le strategie che la collecting dovrà adottare nei prossimi anni: “Dobbiamo portare ‘dentro’ la società gli autori che non conoscono tante delle cose sulle quali stiamo lavorando, dobbiamo fare un sforzo per avvicinarci di più ai nostri colleghi”. “L'80% dei giovani oggi ha spento il motore dei sogni e di questo siamo tutti responsabili”, conclude Caccamo: “Abbiamo accorciato così tanto la distanza tra desiderio e realtà che i giovani non sognano più. Dobbiamo dare la parola e la speranza ai giovani perché riaccendano i loro sogni”.

MMW24, ‘Immaginando la SIAE del futuro’

Una lunga storia alle spalle, un futuro in mano ai giovani: il punto coi vertici della collecting

La classifica USA degli album più venduti della settimana del 23 novembre vede stabile in prima posizione “Chromakopia” di Tyler, The Creator, al numero due debutta “The Star Chapter: Sanctuary (EP)” dei Tomorrow X Together e a seguire“Short n’ sweet” di Sabrina Carpenter. Le prime tre posizioni della chart dei singoli sono: “A bar song (Tipsy)” di Shaboozey, “Die with a smile” di Lady Gaga e Bruno Mars e “Birds of a feather” di Billie Eilish. Ecco le novità.

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La classifica Billboard Hot 200 degli album&nbsp;vede posizione “Chromakopia” di Tyler, The Creator al numero uno; le nuove entrate nelle prime cinquanta posizioni sono:

“The Star Chapter: Sanctuary (EP)” - Tomorrow X Together (2)

“Richey Rich” - Real Boston Richey (49)

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Il più alto ingresso è “The Star Chapter: Sanctuary (EP)” dei Tomorrow X Together in seconda posizione.

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La classifica Billboard Hot 100 dei singoli vede in vetta “A bar song (Tipsy)” di Shaboozey; le nuove entrate nelle prime cinquanta posizioni sono: 

“High road” - Zach Bryan (29)

“This world's a giant” - Zach Bryan (49)

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Il più alto ingresso è “High road” di Zach Bryan in ventinovesima posizione.

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Classifiche USA, 23 novembre: Tyler, The Creator sempre in vetta

“Chromakopia” è ancora l’album più venduto della settimana

Si può pensare a un brano come un organismo composto da tante piccole cellule che entrando in contatto tra loro e tramite reazioni e concatenazioni danno vita alla canzone. 

Ci si sofferma, spesso, sul testo, sull’interpretazione, ma c’è una cellula che contribuisce in maniera significativa: il suono.

Il suono dà, forse più di tutti, carattere, entità al brano e chi se non i producer possono raccontare questo processo creativo? In occasione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> i produttori Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani (A&amp;R Tuttomoltobenegrazie / Nigiri) e Paolo Colavolpe (Head of M.A.S.T.) si sono confrontati proprio sul ruolo del suono di questi ultimi anni. 

A moderare l’evento è stato il giornalista Claudio Cabona, il quale ha iniziato con una riflessione: “Oggi i produttori sono le nuove star del settore”.

Paolo Colavolpe ha risposto: "L'importanza dei produttori oggi è fondamentale, sia per il sound, che fa la differenza per chi ascolta, sia per il modo in cui la musica viene creata e usufruita. Con il progredire della digitalizzazione, sono cambiati sia i processi creativi che il modo di fruire la musica. Questo si collega all'importanza del produttore, non solo in studio, ma anche nella scelta di quello giusto per l’artista. Questo discorso è valido in qualsiasi periodo storico, ma ciò che ha portato alla ribalta la figura del producer oggi è il fatto che, se un tempo era noto solo agli addetti ai lavori, oggi, grazie anche all'hip hop, è riconosciuto anche a livello popolare, dai fan. Questo ruolo raccoglie e amplifica il rapporto artistico tra produttore e artista. Oggi ciò che fa davvero la differenza è il mood dell'artista, e questi elementi diventano decisivi per i risultati finali."

Martina Giannitrapani ha aggiunto: "Il sound è un concetto ampio, specialmente oggi. La parola stessa è fondamentale, così come la sua scelta. Per esempio: per una canzone dei Pinguini Tattici Nucleari, c’è stata una lunga ricerca per darle una direzione mirata verso il giusto target. Oggi l’arrangiatore è stato inserito tra gli aventi diritto, perché ha acquisito un ruolo significativo anche nella fase di scrittura, contribuendo a definire un’identità sonora. Diversi elementi determinano questa identità. Un altro esempio è il modo in cui i Negramaro utilizzano la voce”

Ogni produttore, quindi, ha un proprio modo di lavorare con l’artista; Bobo ha raccontato: "Principalmente non esiste una regola, specialmente nell'arte. La mia forza sta nel saper capire l’artista: mi considero più uno psicologo, capace di indirizzarlo nella scelta del sound. Mi piace molto comporre al momento. Di solito preparo una base a casa e poi la mando al rapper. Non seguo mai un metodo fisso e amo spaziare tra generi diversi.La sinergia si crea lavorando insieme”

Brail: "Condivido il riferimento alla psicologia: mi rappresenta molto, soprattutto quando lavoro con un artista che non conosco. Non sono un fan delle sessioni 'one day': prima di tutto, bisogna capire chi si ha di fronte, anche dal punto di vista umano, per poter produrre al meglio. È come essere un sarto: devi cucire un vestito su misura che l’artista possa indossare comodamente, facendolo sentire a suo agio. Prima ancora di accendere il computer, deve esserci un confronto umano. Mi capita anche di lavorare sulla parte testuale, in alcune occasioni. Ad esempio: quando ho collaborato con Mannarino, voleva aprirsi verso un mondo più elettronico. In quel caso, ho fatto una lunga ricerca prima di entrare in studio, cercando materiali e ispirazioni. Con Madame, invece, ci siamo trovati spontaneamente: ho buttato giù un giro di piano mentre lei scriveva, e da lì è nato un testo che si intrecciava in maniera imprescindibile con il suono. Quel pezzo aveva già una forte identità e non aveva bisogno di grandi interventi. Dal punto di vista della scrittura (melodia e testo), preferisco partire dalla chitarra. Le reference sono importanti, ma la parte più divertente è elaborare quegli spunti e trasformarli in qualcosa di unico e personale”. 

Estremo: "Accolgo gli artisti a casa mia, dove ho il mio studio, e questo aiuta a creare un ambiente confidenziale e rilassato. È fondamentale trovare una sinergia e un punto di unione: l'idea si costruisce quando si riesce a individuare questo punto di connessione. La voce è un vero e proprio strumento. Di solito inizio dal pianoforte, abbozzo delle melodie e osservo le reazioni degli artisti, ma spesso, una volta in studio, stravolgo tutto dopo aver registrato la traccia vocale. Trovo molto creativo e stimolante utilizzare la voce come campione o sample: in questo modo, diventa uno strumento a tutti gli effetti. Mi piace rompere un po' il mood generale dell’artista e portarlo nel mio mondo. Credo che il valore fondamentale di un produttore sia quello di valorizzare l’artista, lavorando sulle sue caratteristiche e sul suo range espressivo."

Negli ultimi anni molti produttori hanno pubblicato quelli che, per l’appunto, vengono definiti “producer album”. 

Estremo ha spiegato che sta lavorando a un producer album, ma ritiene che abbia senso farlo solo quando si ha un’idea chiara e qualcosa di nuovo da proporre. Ha osservato che spesso, dietro l’ondata di album dei produttori, manca una vera visione. Inoltre, ha sottolineato che realizzare un progetto di questo tipo comporta mettersi in prima linea e svolgere attività che, da semplice produttore, non si affrontano abitualmente.

Brail ha evidenziato che ogni produttore è diverso, e che alcuni sono anche artisti e riescono così a proporre qualcosa di personale. È un fan di chi riesce a "sparire", cioè di chi si adatta a ogni progetto e si identifica con un suono unico per ciascuno. Ha aggiunto che potrebbe immaginare un disco come un’indagine sul suono, una ricerca, ma ha escluso, almeno per ora, l’idea di realizzare un producer album nel senso classico del termine.

Bobo ha affermato di avere una visione musicale molto ampia e di considerare importante non "provare tanto per provare" quando si parla di producer album. Secondo lui, è fondamentale sapere chi si è e cosa si vuole fare. Non è interessato a pubblicare qualcosa di isolato, ma di preferire la costruzione di un percorso coerente, capace di lasciare il segno attraverso una ricerca sonora approfondita. Per lui, una volta che si conoscono le regole, si può anche decidere di romperle.

Non è mancata una riflessione sul futuro del suono.

Martina Giannitrapani: "Penso che riconoscibilità e differenziazione siano fondamentali sia per l’artista che per il suo sound. Con la quantità enorme di materiale presente sul mercato, è facile che i progetti si confondano tra loro e che si tenda a seguire ciò che ha già funzionato. Ciò che davvero rende unico un progetto, invece, è il modo in cui l’artista riesce a comunicare il proprio messaggio, rendendolo originale e diverso rispetto agli altri”.

Paolo Colavolpe ha aggiunto: "Non ho una sfera di cristallo per prevedere come si evolverà il panorama musicale, specialmente nel rapporto tra dimensione locale e globale. L’artista è come una spugna, si lascia ispirare da ciò che lo circonda. Mi piace immaginare un futuro caratterizzato da contaminazioni e crossover, dove le regole sonore vengono infrante e tutto smette di essere rigidamente incasellato. Sono certo che, in qualche modo, si arriverà a qualcosa di nuovo. Quando si raggiunge un punto di saturazione, chi ascolta sente il bisogno di novità, e prima o poi arriverà qualcosa capace di rompere quella diga, portando a un’evoluzione. La musica, così come l’arte, nasce da un’esigenza, e quando quel momento arriverà, sarà uno dei più emozionanti per il mercato”.

Il tema dell'educazione all'ascolto del pubblico è oggetto di un acceso dibattito tra i professionisti, ognuno con una prospettiva diversa.

Paolo Colavolpe ha espresso la sua contrarietà al concetto di "educare" il pubblico, ritenendo che non esista una distinzione tra musica alta e bassa. Secondo lui, parlare di educazione implica voler insegnare qualcosa, ma la musica nasce da esigenze profonde e spesso i musicisti più visionari sono quelli capaci di percepire e rispondere in anticipo ai bisogni degli ascoltatori.

Estremo ha sottolineato l'importanza della diversità, spiegando che essere diversi fa la differenza e che l'errore, spesso, è ciò che porta alla novità, generando stupore. Ha raccontato di dedicare molto tempo alla ricerca di qualcosa di unico e che possa appassionarlo, considerando questa pratica fondamentale.

Brail ha condiviso un’esperienza personale, raccontando di aver fatto scoperte importanti proprio sbagliando in studio. Per lui, la creatività nasce anche dal remixare il passato e vivere il presente con uno sguardo aperto, traendo ispirazione da ambienti inaspettati, come un museo. Ha aggiunto che le opere più memorabili sono quelle che suscitano sorpresa e spingono il pubblico a chiedersi di cosa si tratti, garantendo così la loro permanenza nel tempo.

Bobo ha evidenziato che anche nel rap è sempre necessario introdurre qualcosa di nuovo, definendo il processo creativo come un riciclo continuo. Ha ribadito che sbagliare è fondamentale per andare avanti, sottolineando l’importanza di come si reagisce agli errori e agli eventi nella musica e nella vita.

L'evento è stato organizzato da&nbsp;Believe e&nbsp;M.A.S.T.

MMW24, il panel "Speed Of Sound: La viralità nasce dal suono"

Con Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani e Paolo Colavolpe

La musica non è solo espressione artistica o uno strumento di intrattenimento, ma è un bene economico strategico, in grado di influenzare mercati, plasmare carriere e trasformare interi settori industriali.&nbsp; 

In occasione dell’edizione 2024 della MMW viene annunciata la seconda edizione dello studio di settore “La Musica che Conta”, promosso da AFI in collaborazione con Fondazione Assolombarda. L’analisi, relativa al mondo delle etichette indipendenti, restituisce all’industria discografica una visione razionale e analitica, capace, nell’esplorare gli scenari economici del settore, di tenere in considerazione anche e soprattutto il contesto nazionale. 

L’incontro, presentato da AFI e Fondazione Assolombarda, ha visto come relatori: Sergio Cerruti – Past President di AFI | Presidente della Commissione Affari Legali ed Istituzionali di AFI | CEO di Just Entertainment; Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi, Territorio e Ambiente di Assolombarda; Federico Bagnoli Rossi – Presidente FAPAV; Chiara Santoro – Music &amp; Tech Executive | Strategy Advisor | Editor in Chief, AIRIA 

“Siamo orgogliosi di presentare la seconda edizione di questa analisi “La musica che conta”, una innovativa iniziativa presentata lo scorso anno e che ora approfondisce ancor più l’analisi.” Così dice Sergio Cerruti presentando un veloce estratto dei dati contenuti nello studio di settore. 

“I numeri sono fantastici - prosegue - ma vanno analizzati per contrastare un’informazione che può essere distorta, che può fargli assumere un valore e significato diverso.” Dunque il Centro Studi di Assolombarda ha elaborato i dati grezzi forniti da GFK aggregandoli, pronti per essere capiti ed interpretati correttamente da chi è deputato a farlo, cioè l’industria. 

Il primo dato che fornisce Cerruti è positivo. “L’89% italiani (con età superiore ai 14) ha un’interazione con la musica che vuol dire un + 1% rispetto allo scorso rilievo. Nel periodo del Covid - prosegue Cerruti - c’è stato un forte incremento (poi mantenuto) delle strutture deputate all’audiovisivo, essendo costretti a stare chiusi in casa. Ma il post pandemia ha confermato questo trend di crescita.” Lo studio poi passa ad analizzare le modalità di fruizione della musica: “il mezzo più diffuso per l’ascolto in Italia è la radio. Seguono poi lo streaming on line, i canali televisivi musicali, includendo anche le trasmissioni sulle tv generaliste, seguono i vinili e lo streaming a pagamento con scarico. Infine - conclude Cerruti - resta una quota marginale per il semplice download.” 

L’analisi poi si sposta sul mondo delle piattaforme, la cui fruizione ha uno stretto legame con l’anagrafe. I maggior numero di contatti in assoluto sono generati da YouTube (26,8% dello streaming), a cui accedono i più anziani, mentre Spotify è la più “frequentata” dalle giovani generazioni. Tra le due piattaforme si colloca Tik Tok.&nbsp; 

Dopo questi dati, il focus si sposta sul mondo dell’industria musicale nell’era digitale con l’intervento di Chiara Santoro che ha lavorato a Youtube e che con i suoi tredici anni in azienda, prima di rivolgersi ad altre sfide professionali, ha “vissuto la trasformazione digitale dal di dentro”.&nbsp; 

“Nel mercato della musica digitale possiamo identificare cinque aree specifiche. La prima - dice Chiara Santoro - è la comprensione degli intenti e gradimento dei consumatori/fan. Capisci come cambiano le loro esigenze analizzando i social e i commenti. Cosa che prima non potevi fare. Il fatto che la musica digitale sia distribuita sulla piattaforme permette una maggior integrazione di esperienze per i fruitori, esperienze sempre più ampie e collegate tra loro anche attraverso gli strumenti a disposizione. L’esempio - dice Chiara forte della sua esperienza e conoscenza - è vedere come Youtube è cambiato nel tempo con accesso delle label e degli artisti e altre implementazioni. Questo influisce anche sull’area della competizione tra le diverse piattaforme.”&nbsp; 

Tornando ai dati l’ex Youtube fa notare che “ora sono molto più facili e veloci da ottenere e consultare e queste informazioni possono essere trasformate in azioni sul mercato. Questo influisce anche sulla sfera di come stare sul mercato. Infine l’innovazione è più facile rispetto al “fisico”. Infine con il digitale cresce la facilità di sperimentazione che può essere fatta sia dalle label che dagli artisti stessi oltre che dalle medesime piattaforme.” 

Il terzo intervento è di Federico Bagnoli Rossi, il quale si occupa di pirateria audio e video che fa notare che questo problema, presente anni fa, ora nella musica è quasi assente, mentre affligge maggiormente l’audio video e il mondo delle Tv. “Abbiamo però creato uno spot che andrà prossimamente in visione, in cui uniamo in un unico promo un invito a lottare contro il fenomeno.” 

Chiude il panel l’intervento di Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi di Assolombarda - colei che lo studio l’ha elaborato. La direttrice fornisce una confortante analisi riguardo agli introiti dell’industria musicale entrando in dettagli specifici molto economici. “I numeri non dicono tutto ma molto - afferma - Lo studio non deve solo contare ma misurare e quantificare per dare un valore ai numeri stessi.” Ecco allora che dall’analisi emerge che la quota PIL dell’industria musicale è notevolmente incrementata grazie a tutta la filiera a monte ed è ancor di più corposa se si aggiunge l’indotto a valle. Il tutto viene quantificato in più di 260 milioni di euro sul PIL. 

Dallo studio spiega Valeria Negri emergono le tre “V” del settore: “vitalità” (perché al netto del successo del periodo Covid è un settore in forte crescita rispetto al pre covid), “varietà” (imprese diverse con business model diversi, di dimensioni diverse, realtà nuove o storiche) e “vicinanza” (con una grande diffusione sul territorio delle imprese del mondo musicale). 

In chiusura Sergio Cerruti, dopo avere mostrato l’anteprima cartacea dello studio annuncia che, una volta sistemati piccoli o grandi refusi, l’elaborato sarà, “non prima del 1 dicembre” disponibile per la consultazione direttamente on line.

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