La classifica degli album più venduti della settimana in USA vede debuttare direttamente al primo posto “Utopia” di Travis Scott, seguito da “Austin” di Post Malone e “One thing time” di Morgan Wallen. Nella chart dei singoli, “Last Night” di Morgan Wallen torna in vetta, sale in seconda “Fast car” di Luke Combs, mentre “Meltdown” di Travis Scott featuring Drake debutta in terza posizione. Ecco tutti i dettagli.

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La classifica Billboard Hot 200 degli album vede&nbsp;“Utopia” di Travis Scott al numero uno; nelle prime cinquanta posizioni si segnalano:

“Utopia”- Travis Scott (1)

“Austin”- Post Malone (2)

“Dave's Picks, Volume 47: Kiel Auditorium, St. Louis, MO, 12/9/79”- Grateful Dead (27)

&nbsp;

Il più alto nuovo ingresso è “Utopia” di Travi Scott in prima posizione.

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La classifica Billboard Hot 100 dei singoli vede al numero “Last Night” di Morgan Wallen; le nuove entrate nelle prime cinquanta posizioni sono:

“Meltdown”- Travis Scott featuring Drake (3)

“FE!N”- Travis Scott Featuring Playboi Carti (5)

“I Know ?”- Travis Scott (11)

“Hyaena”- Travis Scott (14)

“Thank God”- Travis Scott (16)

“Topia Twins”- Travis Scott Featuring Rob49 &amp; 21 Savage (17)

“My Eyes”- Travis Scott (19)

“Modern Jam”- Travis Scott Featuring Teezo Touchdown (23)

“Delresto (Echoes)”- Travis Scott &amp; Beyonce (25)

“Telekinesis”- Travis Scott Featuring SZA &amp; Future (26)

“Sirens”- Travis Scott (27)

“God's Country”- Travis Scott (28)

“Skitzo”- Travis Scott Featuring Young Thug (34)

“Circus Maximus”- Travis Scott Featuring The Weeknd &amp; Swae Lee (36)

“Til Further Notice”- Travis Scott Featuring James Blake &amp; 21 Savage (38)

“In Your Love”- Tyler Childers (43)

“Lost Forever”- Travis Scott Featuring Westside Gunn (46)

“Looove”- Travis Scott Featuring Kid Cudi (49)

&nbsp;

Il più alto nuovo ingresso è “Meltdown” di Travis Scott featuring Drake in terza posizione.

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Classifiche

classifiche USA

Classifiche dischi

Travis Scott

La classifica degli album più venduti della settimana in USA vede debuttare direttamente al primo posto “Utopia” di Travis Scott, seguito da “Austin” di Post Malone e “One thing time” di Morgan Wallen. Nella chart dei singoli, “Last Night” di Morgan Wallen torna in vetta, sale in seconda “Fast car” di Luke Combs, mentre “Meltdown” di Travis Scott featuring Drake debutta in terza posizione. Ecco tutti i dettagli.

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La classifica Billboard Hot 200 degli album vede&nbsp;“Utopia” di Travis Scott al numero uno; nelle prime cinquanta posizioni si segnalano:

“Utopia”- Travis Scott (1)

“Austin”- Post Malone (2)

“Dave's Picks, Volume 47: Kiel Auditorium, St. Louis, MO, 12/9/79”- Grateful Dead (27)

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Il più alto nuovo ingresso è “Utopia” di Travi Scott in prima posizione.



La classifica Billboard Hot 100 dei singoli vede al numero “Last Night” di Morgan Wallen; le nuove entrate nelle prime cinquanta posizioni sono:

“Meltdown”- Travis Scott featuring Drake (3)

“FE!N”- Travis Scott Featuring Playboi Carti (5)

“I Know ?”- Travis Scott (11)

“Hyaena”- Travis Scott (14)

“Thank God”- Travis Scott (16)

“Topia Twins”- Travis Scott Featuring Rob49 &amp; 21 Savage (17)

“My Eyes”- Travis Scott (19)

“Modern Jam”- Travis Scott Featuring Teezo Touchdown (23)

“Delresto (Echoes)”- Travis Scott &amp; Beyonce (25)

“Telekinesis”- Travis Scott Featuring SZA &amp; Future (26)

“Sirens”- Travis Scott (27)

“God's Country”- Travis Scott (28)

“Skitzo”- Travis Scott Featuring Young Thug (34)

“Circus Maximus”- Travis Scott Featuring The Weeknd &amp; Swae Lee (36)

“Til Further Notice”- Travis Scott Featuring James Blake &amp; 21 Savage (38)

“In Your Love”- Tyler Childers (43)

“Lost Forever”- Travis Scott Featuring Westside Gunn (46)

“Looove”- Travis Scott Featuring Kid Cudi (49)

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Il più alto nuovo ingresso è “Meltdown” di Travis Scott featuring Drake in terza posizione.



<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifiche%20e%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

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Classifiche USA, novità 9 agosto: Travis Scott al numero uno

Industria

“Utopia” debutta direttamente in prima posizione nella chart degli album più venduti della settimana

Virgin Music Group - la divisione dedicata ai servizi per artisti ed etichette di Universal Music Group - ha accettato di vendere Curve Royalty Systems a Jamen Capital e Merlin, in un'operazione pensata per riportare la piattaforma per l'elaborazione delle royalty a un assetto indipendente. La cessione era una condizione per il via libera concesso a febbraio dalla Commissione europea all'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757005/umg-acquisizione-downtown-approvazione-ue-mercato-diritti-musicali">acquisizione di Downtown Music Holdings</a> da parte di Universal Music Group tramite Virgin Music Group. Secondo le parti, non cambieranno brand, leadership, servizi o rapporti con i clienti: Richard Leach resterà alla guida come CEO della società, con l'attuale management e i team operativi confermati. I termini finanziari non sono stati comunicati e il closing resta soggetto all'approvazione finale della Commissione europea.

"Questo è un momento entusiasmante per Curve", ha dichiarato Leach: "Durante tutto questo processo, la nostra priorità è stata garantire che Curve rimanesse una piattaforma indipendente e agnostica, con un approccio incentrato sul cliente che ci ha permesso di conquistare la fiducia dei detentori dei diritti in tutto il settore musicale. Siamo lieti di iniziare questo nuovo capitolo con Jamen e Merlin, la cui visione per Curve è in linea con la nostra”.

"Curve è esattamente il tipo di infrastruttura critica di cui il settore musicale indipendente ha bisogno: affidabile, scalabile e costruita attorno alle reali esigenze operative delle moderne aziende musicali”, ha aggiunto Matt Spetzler , socio fondatore di Jamen Capital: "Ciò che ci ha colpito maggiormente durante questo processo non è stata solo la sofisticatezza della piattaforma, ma anche la competenza e la cultura del team che la gestisce. Curve si è guadagnata un'enorme fiducia in tutto il settore e ci impegniamo a supportare le sue significative opportunità di crescita nei settori dei pagamenti e dell'editoria musicale, garantendo al contempo un valore sempre maggiore ai suoi clienti di lunga data, tra cui etichette discografiche, distributori e artisti. Le infrastrutture per la gestione dei dati e delle royalty stanno diventando sempre più importanti per il futuro del settore musicale”.

"Curve offre un servizio essenziale alle aziende musicali indipendenti di tutto il mondo e si è guadagnata un'enorme fiducia grazie alla qualità del suo servizio e delle sue relazioni”, ha chiarito Charlie Lexton, CEO di Merlin: “Siamo qui per garantire l'indipendenza dei nostri associati e, per essere veramente indipendenti, il nostro settore ha bisogno di una propria infrastruttura. Curve è fondamentale in questo senso. Ecco perché garantire la sua futura indipendenza e neutralità era fondamentale per noi, ed è per questo che abbiamo deciso di procedere con questa acquisizione. Siamo lieti di supportare la prossima fase di crescita di Curve , assicurandoci al contempo che rimanga parte integrante della comunità a cui si rivolge”.

"Data la solidità dei nostri rapporti all'interno della comunità indipendente, siamo lieti che Jamen e Merlin siano gli acquirenti che aiuteranno Curve a continuare a prosperare come risorsa eccezionale per etichette e imprenditori indipendenti”, ha concluso Pieter van Rijn , COO di Virgin Music Group e CEO di Downtown Music: “Downtown e Virgin Music Group augurano a Richard e al team di Curve ogni successo per il futuro e siamo lieti di continuare a beneficiare dei loro servizi in qualità di clienti”.

Universal Music vende Curve a Jamen Capital e Merlin

Come promesso all’antitrust UE prima di chiudere l’acquisizione di Downtown

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da lunedì&nbsp;8&nbsp;a sabato 13 giugno 
Come sempre, l'estate è dominata soprattutto dalle presentazioni dei grandi live negli stadi: il 9 arriva Eros Ramazzotti a San Siro, il 10 Achille Lauro all'Olimpico di Roma, l'11 Irama sempre a San Siro e il 13 Geolier, anche lui al Meazza. Lunedì 8 giugno, inoltre, è prevista la presentazione dell'opera su Lucio Dalla dal titolo "L'anno che verrà", mentre martedì 9 sarà Daniele Silvestri a presentare il suo album "Canzoni a sdraio (live in studio)". 
 
Presentazioni&nbsp;in settimana a Milano e Roma

<h2>Eventi, convegni</h2>

Da mercoledì 10 a domenica 14 giugno

Prende il via la rassegna di spettacoli e incontri Milano per Gaber, giunta alla diciannovesima edizione,&nbsp;con cui la&nbsp;Fondazione Giorgio Gaber&nbsp;propone al pubblico degli appassionati e alle nuove generazioni il vastissimo repertorio musicale e teatrale dell'artista. Tra gli ospiti musicali in programma quest'anno, un incontro con&nbsp;Levante, condotto da Lorenzo Luporini, sul ruolo del cantautore oggi, e uno con&nbsp;Brunori Sas, sul rapporto tra cantautorato e teatro.

Piccolo Teatro Grassi, via Rovello 2, Milano

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Da lunedì&nbsp;8&nbsp;a sabato 13 giugno 
Dei concerti negli stadi abbiamo già detto; a questi si aggiungono Cesare Cremonini all'Ippodromo La Maura di Milano (10 giugno), l'inizio del Milano Latin Festival (11 giugno, proseguirà fino al 15 agosto),&nbsp;la tre giorni di Opel Firenze Rocks (12 giugno Lenny Kravitz, Salmo, Anna Calvi e altri; 13 giugno Robbie Williams, KT Tunstall, Mystery Jets e altri; 14 giugno The Cure, Mogwai e altri).

Venerdì 12 giugno 
Oltre al già citato Daniele Silvestri segnaliamo un trittico tutto al femminile: sul fronte internazionale c'è&nbsp;l'uscita dell'atteso album di Olivia Rodrigo "You Seem Pretty Sad for a Girl So In Love" e quello di Joan as Police Woman "Real Life Evolution" (in cui reinterpreta il suo classico "Real Life"), mentre in Italia è in uscita "Magia bianca" di Francesca Michielin.

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>

MusicBiz 7 Giorni: l'agenda dell’industria musicale

Presentazioni, release, inaugurazioni, eventi: gli appuntamenti della settimana

Che non fosse una passeggiata, trattandosi di un territorio completamente da esplorare, era ovvio. Ma ora c’è maggiore ufficialità: la partita tra major e piattaforme di AI musicale si complica. Dopo la fase delle cause per copyright contro Suno e Udio e dopo i primi accordi di licenza, arriva un nuovo fronte: quello dei musicisti che hanno suonato nelle registrazioni usate per alimentare i modelli generativi.

La American Federation of Musicians of the United States and Canada&nbsp;ha citato in giudizio Universal Music Group&nbsp;e Warner Music Group&nbsp;presso la corte federale di Manhattan. La causa, secondo&nbsp;Reuters, accusa le due major di avere violato gli accordi collettivi con i musicisti rappresentati dal sindacato, autorizzando l’uso di registrazioni su cui quei musicisti avevano lavorato senza riconoscere loro compensi o informazioni adeguate. Il nodo riguarda i settlement&nbsp;raggiunti da UMG e Warner con le piattaforme di AI musicale. Le major avevano fatto causa nel 2024 a Suno e Udio, insieme a Sony Music, accusando le due società di avere copiato registrazioni protette per addestrare sistemi capaci di generare nuova musica. In seguito, Universal e Warner hanno chiuso accordi con Udio; Warner ha anche raggiunto un accordo con Suno. Universal, invece, resta ancora in causa con Suno, mentre Sony non ha chiuso accordi con nessuna delle due piattaforme e non è parte della nuova causa intentata da AFM.&nbsp;

Secondo il sindacato, quegli accordi permetterebbero ora alle società di AI di continuare a utilizzare registrazioni licenziate dalle major per addestrare nuovi modelli. AFM sostiene che i musicisti coinvolti in quelle registrazioni non siano stati compensati, non abbiano ricevuto crediti e non abbiano ottenuto informazioni su quali incisioni e quali performance vengano utilizzate. Nella causa, il sindacato afferma che le major hanno creato una nuova fonte di ricavi attraverso licenze retroattive e prospettiche, ma avrebbero escluso i musicisti che hanno contribuito materialmente a quelle registrazioni. L'aspetto giuridico è interessante. AFM sostiene che gli accordi collettivi prevedano compensi per i cosiddetti “new uses”, cioè nuovi utilizzi delle registrazioni, spostando l’oggetto del contendere dal training illecito (ossia: hanno Suno e Udio usato cataloghi protetti senza autorizzazione per addestrare i loro modelli?), alla facoltà delle major di monetizzare licenze AI sulle registrazioni senza riconoscere una quota ai musicisti che hanno suonato su quei master.&nbsp;

Universal Music ha replicato sostenendo di essere stata in prima linea nella tutela di artisti e autori nell’era dell’AI, attraverso accordi di licenza responsabili, iniziative legislative e azioni contro operatori ritenuti scorretti; ha inoltre indicato che la questione verrà affrontata nell’ambito delle trattative collettive in corso.&nbsp;

La causa apre un fronte industriale delicato. I settlement&nbsp;tra major e AI company erano stati letti come il passaggio da una fase di scontro frontale a una fase di licensing controllato. Ma la mossa di AFM mostra che la legittimazione dell’AI musicale non dipende solo dall’accordo tra piattaforme e titolari dei cataloghi. Dipende anche dalla distribuzione interna del valore: chi viene compensato, chi controlla le informazioni, chi può autorizzare nuovi utilizzi e chi resta fuori dalla negoziazione. È una controversia che sposta il baricentro del dibattito dal solo &nbsp;rapporto tra AI e copyright al modo in cui i ricavi dell’AI verranno ripartiti dentro la filiera della musica registrata, perchè i master incorporano anche performance, &nbsp;creatività e contributi professionali di musicisti che ora chiedono di essere inclusi a pieno titolo nella nuova economia delle licenze AI.

AI, i musicisti fanno causa a UMG e Warner

Il sindacato AFM contesta i settlement con Suno e Udio: esclusi i turnisti

La RAI informa:

Con la comunicazione delle date del Festival di Sanremo 2027, a febbraio dal 16 al 20, attraverso i profili social di Stefano De Martino, la gestione del nuovo direttore artistico ha ufficialmente inizio. De Martino, insieme al Direttore dell’Intrattenimento PrimeTime, &nbsp;sta già lavorando alla fase di predisposizione della macchina organizzativa del festival.

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Sanremo

Sanremo 2027, le date della 77ª edizione

L’annuncio con un post del direttore artistico

E’ stato Al Bano a officiare il matrimonio di Antonio Vandoni, storico direttore artistico musicale di Radio Italia, che lo scorso 3 luglio, a Vasto, è convolato a nozze con la compagna da 18 anni Ileana Falcone, ufficio stampa musicale: l’artista pugliese, nel corso della cerimonia, si è esibito interpretando l’“Ave Maria” di Charles Gounod. Tra gli artisti invitati all’evento erano presenti Ermal Meta, Noemi, El Ma, Pierdavide Carone e Luca Dirisio.

&nbsp;

Al Bano celebra le nozze di Antonio Vandoni (Radio Italia)

Le cerimonia ha avuto luogo a Vasto, lo scorso 3 luglio

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 29 maggio 2026 al 4 giugno 2026, si registra un cambiamento significativo nelle prime posizioni. Il disco VANGELO di SHIVA sale dalla seconda alla prima posizione, riconquistando così la vetta della classifica. In seconda posizione si afferma il nuovo ingresso MM VOL. 5 di MADMAN, mentre in terza posizione si stabilizza un'altra new entry, IO di 18K.

Tra le nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica si segnalano:

<ul>
	<li>PER SEMPRE SÌ di SAL DA VINCI debutta in quinta posizione;</li>
	<li>THE BOYS OF DUNGEON LANE di PAUL MCCARTNEY debutta in decima posizione.</li>
</ul>

La classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF per la settimana dal 29 maggio 2026 al 4 giugno 2026 mostra stabilità nelle prime due posizioni, con il brano OSSESSIONE di SAMURAI JAY &amp; VITO SALAMANCA che mantiene il primo posto e LA TESTA GIRA di FRED DE PALMA, ANITTA &amp; EMIS KILLA che rimane sul gradino intermedio del podio. In terza posizione si registra una variazione significativa: SWAG MUSIC di ARTIE 5IVE avanza dalla sesta posizione alla terza, guadagnando così la medaglia di bronzo.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Shiva

Classifiche, novità 4 giugno: Shiva torna in testa

'Vangelo' riconquista il titolo di album più ascoltato della settimana

Lo Spirit De Milan, uno dei locali più noti e amati di Milano&nbsp;ospitato dal 2015 all'interno dell’ex stabilimento Cristallerie Livellara nel quartiere di Bovisa, è costretto a chiudere (probabilmente per sempre) dopo oltre 10 anni. Ne dà notizia il fondatore Luca Locatelli, spiegando che il motivo è da ricercarsi nello sfratto ricevuto per la prima volta nel 2020 e rimandato più volte grazie anche a una trattativa per l'acquisto da parte di un interlocutore terzo, intenzionato a mantenere il locale all'interno dello stabile. La proprietà, però, sembra avere una trattativa in fase avanzata con un altro acquirente e non ha più concesso proroghe, rendendo lo sfratto esecutivo.

"È una notizia che speravamo di non dover mai dare, ma soprattutto non con questi tempi e modalità" prosegue Locatelli. "Credevamo che si potesse arrivare ad una soluzione condivisa vantaggiosa per tutte le parti coinvolte. Il nostro pensiero ora è tutto per i nostri 60 dipendenti e per le persone che in questi anni ci hanno frequentato e per le quali siamo diventati un po’ casa. A tutti coloro che hanno sostenuto e amato lo Spirit de Milan: grazie. Siete stati voi il cuore di tutto questo progetto. Speriamo di potervi dare presto&nbsp;notizie su come e dove potremo proseguire questa avventura".

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Lo Spirit De Milan chiude i battenti dopo oltre 10 anni

Obbligato alla chiusura a causa di uno sfratto: a rischio oltre 60 posti di lavoro

Il giornalismo musicale italiano piange la scomparsa di Alfredo D’Agnese, critico e giornalista napoletano venuto a mancare a causa di una grave malattia all’età di 67 anni. Titolare di collaborazioni con La Repubblica, Venerdì, Robinson, L'Espresso e Il Giornale di Napoli, D’Agnese - come ricorda Fanpage - è stato tra i fondatori del Master in Giornalismo dell'Università Suor Orsola Benincasa di Napoli, ateneo presso il quale era salito in cattedra per il corso "Comunicazione e linguaggi musicali" e "Disagio giovanile e prodotto culturale".

“Non amava stare sotto i riflettori e rifuggiva ogni forma di protagonismo”, l’hanno ricordato gli allievi della Scuola di Giornalismo in un messaggio pubblicato sul sito dell’Università: “Preferiva il rigore del lavoro quotidiano, affrontato con uno scrupolo raro e con una curiosità mai spenta. Era capace di cogliere il valore di un dettaglio e, allo stesso tempo, di collocarlo dentro scenari più ampi, raccontando scuole, tendenze e fenomeni artistici con competenza e passione. La musica era il suo grande amore. E più nasceva dall'incontro tra linguaggi, culture e tradizioni diverse, più riusciva ad affascinarlo. Questa sua naturale inclinazione al dialogo e alla contaminazione spiega anche la sua capacità di muoversi con la stessa intensità tra la carta stampata e la radio, che considerava uno straordinario strumento di diffusione della conoscenza e delle emozioni”.

Nato nel 1959, titolare di una laurea magistrale in Discipline dello Spettacolo, D’Agnese è stato anche autore per Radio Rai e collaboratore di alcune tra le maggiori case discografiche italiane.

Addio ad Alfredo D’Agnese

Il critico e giornalista è venuto a mancare all’età di 67 anni

Matchfy PRO ha annunciato l’ingresso nel proprio network di Dario Lanzellotti (nella foto), pianista, sound designer, compositore e music supervisor residente&nbsp;a Roma.

Lanzellotti, attivo tra cinema, televisione e collaborazioni con brand internazionali, ha lavorato nel campo della composizione per film, serie TV e cortometraggi, con particolare interesse verso la post-produzione audio, il field-recording e la costruzione di paesaggi sonori. Tra le collaborazioni portate avanti dall'artista, figurano brand del calibro di Bulgari,&nbsp;Fendi, Red Bull, Vogue, Save the Children, oltre a produzioni per Netflix, Rai e Mediaset.

All'interno di Matchfy PRO, il compositore e sound designer molisano&nbsp;offrirà feedback tecnici e artistici dedicati allo sviluppo dei progetti musicali, con focus su produzione, mix, arrangiamento e direzione artistica.

Lanzellotti ha dichiarato: "Ho scelto di entrare in Matchfy PRO perché credo profondamente nel valore della condivisione e della collaborazione tra artisti. Spesso chi fa musica ha paura di esporsi per il timore del giudizio, e questo porta molti talenti a rimanere invisibili. Matchfy, invece, crea uno spazio in cui chiunque può sentirsi ascoltato in modo reale: non solo con un’opinione, ma con un confronto sincero, coerente e costruttivo. La musica cresce attraverso l’ascolto reciproco, la critica fatta bene e la possibilità di aiutare chi ha bisogno di uno sguardo esterno sul proprio lavoro".

Paolo Mantini,&nbsp;CEO e fondatore di Matchfy, ha aggiunto: "Il suo approccio rappresenta perfettamente ciò che Matchfy PRO vuole valorizzare: una visione musicale che unisce ricerca, cinema e identità sonora. La capacità di lavorare tra grandi brand internazionali e produzioni artistiche dimostra una sensibilità rara, capace di tradurre il suono in linguaggio narrativo. Il suo ingresso arricchisce la nostra community con una competenza fondamentale per il futuro della musica: quella di trasformare il suono in esperienza emotiva e culturale".

Matchfy PRO, entra Dario Lanzellotti

Pianista, compositore e sound designer, lavorerà su produzione, mix e direzione artistica

Ammonta a oltre un&nbsp;milione e 300 mila euro il totale dei fondi stanziati da NUOVOIMAIE per il sostegno al reddito Artisti Interpreti ed Esecutori dei settori audiovisivo e musicale. Obiettivo dell'intervento, ha chiarito la collecting in una nota, è "offrire un supporto concreto agli artisti che, a causa dell’età e delle trasformazioni del mercato del lavoro, incontrano maggiori difficoltà nel mantenimento della continuità professionale e reddituale".&nbsp;"Attraverso questa misura, NUOVOIMAIE intende valorizzare il contributo fornito nel corso degli anni dagli artisti, riconoscendo il ruolo centrale che svolgono nella produzione culturale italiana e sostenendoli in una fase particolarmente delicata della loro carriera", ha sottolineato l'istituto.

L’iniziativa è stata rivolta agli iscritti in possesso dei requisiti previsti dai bandi "Nelle Tue mani"&nbsp;e "Tonino Pavan": gli over 55 del settore musicale e gli over 50 del settore audiovisivo. "Così il NUOVO IMAIE conferma il proprio impegno a favore di attrici, attori, doppiatori, direttrici e direttori di doppiaggio, cantanti, musiciste, musicisti, direttrici e direttori d’orchestra, direttrici e direttori della fissazione".

Andrea Miccichè, presidente del Nuovo IMAIE, ha dichiarato: "Con questo stanziamento vogliamo offrire un segnale concreto di vicinanza agli artisti che, è risaputo, contribuiscono alla crescita e alla qualità dei settori audiovisivo e musicale italiani. Il sostegno al reddito rappresenta uno strumento importante per accompagnare questi professionisti e per riconoscere il valore del loro percorso artistico e umano".

I bandi, le modalità di partecipazione, i requisiti di accesso e le scadenze sono consultabili direttamente attraverso i canali ufficiali del NUOVOIMAIE.

NUOVOIMAIE, oltre €1,3 mln in sostegni a over 50 e over 55

'Un segnale di vicinanza a chi contribuisce alla crescita dei settori audiovisivo e musicale'

Gli amori che durano davvero per sempre sono ormai rari, di questi tempi, ma quello per la radio è uno dei più longevi in assoluto, soprattutto per chi ha cominciato a farla negli anni '70, un'epoca pionieristica e avventurosa per l'etere. Come Luca De Gennaro, oggi co-conduttore con Mixo di Capital Records ogni pomeriggio su Radio Capital:&nbsp;nel 2026&nbsp;festeggia mezzo secolo al microfono (salvo una breve interruzione quando cominciò a lavorare per Mtv nel 1996, “ma quando Linus mi ha chiesto di ricominciare su Capital ho subito chiesto il permesso alla dirigenza di Viacom di poter andare di nuovo in onda, e il resto è storia”). Nella sua vita ha militato in ogni tipo di emittente possibile: le radio locali, quelle libere, le private, il servizio pubblico. E anche ora che è giunto alle nozze d'oro con l'FM, la passione non accenna a diminuire.

Cinquant'anni di radio: te li senti tutti o ogni giorno è come il primo?

Sento senz'altro il peso dell'esperienza: so di aver passato la vita dietro al microfono e ho visto cambiare sia il suo ruolo che il suo pubblico. Ma non è mai subentrata l'abitudine. Ho iniziato in una piccola radio locale in Liguria, e tre anni dopo mi ero trasferito a Roma per prendere servizio in un'emittente un po' più grossa, Radio Luna. Ricordo che quando arrivai un mio collega mi disse: “Ora sei giovane e hai tutto l'entusiasmo del mondo, ma vedrai, tra qualche tempo sarà come lavorare in banca”. Ecco, quello per fortuna non è mai successo, l'entusiasmo è ancora uguale. Con Mixo ce lo diciamo spesso: le due ore in cui siamo in onda sono le più belle della giornata.

Alcuni dei tuoi programmi hanno contribuito a cambiare per sempre il panorama radiofonico italiano, in particolare Planet Rock, in onda nei primi anni '90 su Rai Radio2...

Come direbbe Renato Zero, quelli dal '91 al '94 sono stati i migliori anni della nostra vita!&nbsp;Era un programma serale, trasmesso dalle 21.00 a mezzanotte – non un orario di punta, quindi – ma riuscivamo a percepire che stavamo davvero lasciando il segno. Il cambiamento attorno a noi era inequivocabile: nasceva il grunge, il Manchester sound, il Brit-pop, il rap delle posse, la musica dei centri sociali. Dobbiamo dire grazie al nostro dirigente di allora, Eodele Bellisario, a cui avevamo proposto l'idea: “È un momento rivoluzionario, se ci lascerai&nbsp;fare vorremmo provare a intercettarlo”, gli avevamo detto. Lui accettò.

Dando spazio a una nuova generazione e a nuovi linguaggi.

Il titolo era un omaggio all'omonimo brano di Afrika Bambaataa, ma il concetto era che i ragazzi di quel periodo erano gli abitanti di un nuovo pianeta, quello del rock, appunto. La musica non era qualcosa da ascoltare e basta, ma un modo di vivere, tant'è che di Planet Rock nacque perfino un fan club. La radio dovrebbe sempre uscire dallo studio per interagire con il suo pubblico, e noi lo facevamo spesso, ad esempio andando nelle location dei concerti per trasmettere da lì. Fu allora che ci rendemmo conto dell'impatto che avevamo sui giovani.

E da parte della dirigenza Rai, notoriamente non molto giovane né giovanilista, non ci fu mai nulla da eccepire?

Beh, forse sì, considerando che ci chiusero! Come sempre accade alla Rai, a un certo punto sono cambiati i vertici: a Radio Rai arrivò Aldo Grasso, che decise di dare un taglio ai programmi musicali. Ma è stato bello finché è durato, per tre anni abitammo un'isola felice. Anche se effettivamente qualcosina abbiamo rischiato: negli anni di Planet Rock ci fu anche l'esplosione dei rave, ed eravamo diventati la voce anche di quella comunità. Così spesso ci capitava, tra l'altro in maniera molto diretta e plateale, di comunicare il sabato sera in diretta che il party che doveva svolgersi nel capannone X si sarebbe svolto invece nella location Y, dando anche le indicazioni per arrivare a destinazione. Per fortuna nessuno ai piani alti ha mai capito il significato di quelle frasi... (ride)

Credi che in termini di programmazione musicale il servizio pubblico debba avere una missione diversa, rispetto alle radio private?

Per noi Planet Rock rappresentava proprio questo, un'alternativa: la Rai può permettersi di non badare tanto agli ascolti quanto alla qualità del contenuto. Dare spazio a musica di protesta, che andava contro l'ordine costituito ma che aveva un'immensa valenza culturale, faceva parte della nostra mission. Lo facevano anche alcune radio private (come Albertino, che su Radio Deejay fu tra i primi a trasmettere il rap italiano, proprio come lo fummo noi), ma noi ci sentivamo in dovere di farlo in quanto parte del servizio pubblico. E credo che lo abbiamo fatto anche molto bene: basti pensare a casi come quello di Frankie Hi-NRG e Almamegretta, che da ascoltatori del programma ci mandarono i loro demo e da lì riuscirono a farsi strada nell'industria discografica italiana.

Qualche anno fa, tra l'altro, sei stato a un passo dalla direzione di Radio Rai...

Esatto, nel 2016. L'allora direttore generale della Rai era Antonio Campo Dall'Orto, che era stato il mio capo a MTV. Ne avevamo parlato e la cosa che mi aveva reso molto felice, perché era un lavoro che avrei potuto fare volentieri e bene. Dopodiché, però, erano intervenute questioni relative all'apparato aziendale che avevano reso impossibile concretizzare (ricordo che ai tempi un ex dirigente Rai mi aveva detto “Mi auguro che questa cosa ti succeda, ma non è mai capitato che una carica del genere venisse ricoperta da qualcuno che non avesse in tasca la tessera di un partito politico”). Chiaramente ci ero rimasto un po' male, anche perché c'era già un progetto impostato, ma è andata come doveva andare. Si chiude una porta e si apre un portone: poco dopo mi arrivò l'occasione di dirigere VH1, il nuovo canale del gruppo MTV, e di ricoprire una responsabilità a livello internazionale per tutta Viacom.

Tra radio e tv, quale ti ha dato più soddisfazioni?

La radio, nel ruolo che mi sento più congeniale: il disc jockey. Se non avessi iniziato così, non sarei mai riuscito a fare tutto il resto: scrivere libri e articoli, fare spettacoli teatrali, gestire un palinsesto televisivo. È il mestiere che mi ha insegnato tutti gli altri mestieri, perché il dj alla vecchia maniera è uno che lavora per gli altri, mettendo la buona musica davanti a tutto il resto. Esattamente ciò che faccio in ogni ambito della mia professione.

Si dice spesso che i giovani di oggi non utilizzano più la radio per scoprire nuova musica, e che gli ascoltatori sono destinati a invecchiare sempre di più. Tu cosa ne pensi?

Un po' è così, ma non bisogna rattristarsene. I giovani li abbiamo persi, hanno altri modi di fruire della musica: un neopatentato entra in macchina e collega immediatamente il suo telefono all'autoradio, non la accende neanche. Molti si sono scandalizzati di questa mia rassegnazione, e forse dovrei essere meno assolutista, perché negli ultimi anni ho visto che molti ragazzi ancora la ascoltano. Ma senz'altro dobbiamo fare i conti con il fatto che sono cresciuti con altre abitudini.

È solo una questione di consuetudini, quindi?

È anche cambiato il modo di fare la radio: quando ho iniziato io nelle radio libere, non era concepibile mandare in onda canzoni vecchie, anche solo di qualche anno. Si trasmettevano solo le novità, perché era il mezzo con cui i giovani facevano scoprire le ultime uscite agli altri giovani. Oggi è il contrario: si privilegiano brani oldies, repertori consolidati. A Radio Capital, che è una radio di classici, mi impongo comunque di continuare a trasmettere nuove uscite, ma le accoppio comunque con qualcosa di già conosciuto e sicuro, per rassicurare gli ascoltatori e dare una cornice di autorevolezza all'insieme.

A proposito, il gruppo GEDI ha di recente cambiato proprietà entrando in un grande gruppo internazionale, Antenna. Tra i corridoi di via Massena si percepisce aria di cambiamento?

A Radio Capital sono un soldato semplice: al mio livello non è ancora arrivata nessuna voce su eventuali cambiamenti nel prossimo futuro. Staremo a vedere, ma mi sento tranquillo: in tutti questi anni ho avuto abbastanza esperienza in materia di cambi di proprietà per sapere che sono cose che succedono nell'industria dei media. Sono transizioni che possono essere gestite bene: per fortuna Linus, che dirige le radio del gruppo, è una persona molto intelligente e capace, e tutti noi aspettiamo di capire quali saranno i nostri nuovi orizzonti.

E per quanto riguarda te, quali sono i tuoi orizzonti nell'immediato futuro?

Abbiamo in programma due grandi appuntamenti dal vivo. Il primo è Capital Live, il segmento di Party Like a Deejay dedicato a Radio Capital: come già successo negli ultimi due anni, il pomeriggio di domenica artisti come Alberto Fortis, Bluvertigo, Santamarea e Birthh animeranno il nostro palco all'interno del Castello Sforzesco di Milano. Il 12 giugno, inoltre, saremo noi ad aprire le danze della rassegna Estate al Castello con il format&nbsp;Capital Jam, che ha avuto grande successo quest'anno: la nostra band, capitanata da Vittorio Cosma e formata da turnisti fortissimi, accompagna alcuni dei migliori artisti italiani di tutte le generazioni, che si “sfogano” cantando canzoni&nbsp;loro e di altri. Capital Jam ripartirà poi in autunno, stiamo già scaldando i motori. Per quanto riguarda la vita extra-radiofonica, invece, sono al lavoro su alcuni progetti editoriali (tra cui il seguito del mio libro “Generazione alternativa”) che usciranno però più avanti.

Luca De Gennaro: 50 anni di radio e non sentirli

Dalle radio libere a Radio Capital: mezzo secolo di FM raccontato dal diretto interessato

Sarebbe, se confermato, il più grande affare - in termini finanziari - nella storia dell’editoria musicale: secondo una ricostruzione del Wall Street Journal, Garth Brooks starebbe valutando di vendere il proprio catalogo musicale per una cifra compresa tra uno e due miliardi di dollari. I potenziali acquirenti non sono stati indicati pubblicamente: tra gli indiziati potrebbe esserci Sony Music (che, attraverso la sua controllata RCA Nashville, ha già pubblicato - nel 2014 -&nbsp;l'album “Man Against Machine”, nella foto), negli ultimi anni molto attiva sul mercato degli asset musicali, con l'acquisizione del catalogo di Bruce Springsteen per 500 milioni di dollari nel 2021 e l'accordo da oltre 1 miliardo per il catalogo dei Queen nel 2024. Alla luce dei dati RIAA, che attribuiscono a Brooks 200 milioni di album venduti negli Stati Uniti, un'eventuale operazione si collocherebbe tra le più grandi mai registrate per un repertorio artistico.

Il WSJ non tralascia di sottolineare come la potenziale cessione implichi anche una componente “distributiva”: Brooks ha tenuto la propria musica fuori da tutte le piattaforme di streaming tranne Amazon Music, con cui ha stretto una partnership esclusiva nel 2016. In caso di avvio di negoziati concreti per la cessione, l'eventuale ampliamento della disponibilità del catalogo su altri servizi potrebbe diventare uno dei nodi centrali della trattativa.

Garth Brooks

Cataloghi, Garth Brooks sta valutando una cessione monstre?

La star del country potrebbe cedere i propri asset per la cifra record di 2 miliardi di dollari

Un ponte tra punk - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758276/medimex-2026-una-mostra-e-un-installazione-dedicate-ai-ramones">quello vero, “storico”</a> - e pop, ma anche attenzione per le nuove realtà locali e una spiccata propensione alla formazione e alla divulgazione: questo - in estrema sintesi - promette <a href="https://www.rockol.it/news-758980/medimex-2026-programma-concerti-biglietti-mostre">il programma dell’edizione 2026 di Medimex</a>, storica manifestazione promossa da Regione Puglia e Puglia Culture, nell’ambito del progetto Puglia Sounds, che tra i prossimi 17 e 21 giugno 2026 tornerà ad animare Taranto con panel, incontri e i concerti di - tra gli altri - Pet Shop Boys, Suede e Slowdive.

“Sarebbe stato più comodo restare sugli stessi temi, cambiando soltanto il titolo dei panel e invitando ogni anno le stesse persone”, spiega a Rockol MusicBiz Cesare Veronico, storico Coordinatore Artistico della rassegna: “Ma il rischio è quello di costruire eventi che finiscono per assomigliare sempre a sé stessi. La sperimentazione - che ha sempre fatto parte del nostro DNA, e nella quale abbiamo sempre creduto - comporta dei rischi, ma è anche ciò che permette di generare nuova energia. Non a caso, ogni Medimex è stato diverso dal precedente. Abbiamo sempre cercato di percorrere strade nuove senza adagiarci su formule già collaudate. Questo richiede molto lavoro, ma rappresenta anche una forte motivazione per tutto il gruppo”.

Il rischio di affidarsi a schemi consolidati è quello di rendere le music conference un format trito, non più in grado di stabilire un legame autentico né con la platea né tantomeno con gli operatori del settore. “Molte iniziative, effettivamente, stanno perdendo attrattività”, riflette Veronico: “Al di là delle grandi manifestazioni europee, i numeri iniziano a calare. Per questo abbiamo scelto di lavorare su progetti concreti, che producano effetti reali sul percorso artistico dei musicisti coinvolti”.

Perché la concretezza è, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-737279/medimex-2023-intervista-direttore-artistico-cesare-veronico">da anni</a>, il mantra di Veronico. “Abbiamo visto artisti partire dagli showcase del Medimex, arrivare a manifestazioni come Eurosonic e poi salire sul nostro main stage”, dice, lasciando parlare i fatti: “E’ successo, ad esempio, con Kyoto e con altri progetti che abbiamo seguito nel loro percorso di crescita. A noi interessano le azioni concrete e le conseguenze che queste generano”. Merito di un legame sempre più saldo tra Medimex e le reti di organizzatori nazionali e internazionali, grazie al quale - secondo Veronico - è stato chiuso un cerchio: “A confermarlo sono i risultati: per diversi artisti, scoperti proprio qui, quello sul main stage del festival è stato più un ritorno che un debutto”.

Riguardo invece gli approfondimenti di carattere monografico, emerge chiaramente la preferenza di lasciare spazio alle testimonianze dirette. “Non ci limitiamo a raccontare la storia”, spiega Veronico: “Certo, parleremo di luoghi simbolo come il CBGB e di fenomeni culturali che hanno segnato la musica contemporanea, ma vogliamo anche analizzare i nuovi linguaggi e le nuove tendenze. Lo faremo insieme ad artisti e professionisti che viaggiano costantemente tra Europa e Stati Uniti e che possono offrire uno sguardo diretto su ciò che sta accadendo oggi. Perché quando si invitano personalità come Eugene Hütz, Kid Congo Powers o Sam Yaffa non si porta soltanto esperienza e competenza, ma persone che hanno vissuto in prima persona determinate scene musicali e che possono raccontare non solo ciò che è accaduto, ma anche ciò che sta accadendo adesso”.

Uno degli obiettivi principali di Medimex resta quello della formazione di nuovi professionisti: tra le novità di quest'anno spicca Hip Hop Lab, un progetto pensato per avvicinare le nuove generazioni ai percorsi formativi e professionali legati alla musica. “Dai songwriting camp ai percorsi per produttori, autori e compositori di colonne sonore, le iniziative rivolte alla formazione rappresentano per noi una motivazione importantissima a continuare nella nostra missione”, assicura Veronico: “Fin dall'avvio della Scuola dei Mestieri della Musica immaginavamo attività stabili, diffuse sul territorio e possibilmente itineranti nelle diverse province pugliesi. Per molti anni abbiamo lavorato con finanziamenti annuali o con fondi provenienti da programmi europei: questo rendeva difficile pianificare attività strutturate nel lungo periodo. Dal 2027, grazie alla nuova programmazione, sarà possibile immaginare percorsi più stabili”. Perché il tema del ricambio generazionale all’interno dell’industria musicale, per Veronico, resta un tema dirimente. “E’ un tema del quale parliamo da almeno dieci anni”, conclude il Coordinatore Artistico di Medimex: “Per questo abbiamo introdotto bandi distinti per artisti emergenti e artisti già strutturati. Prima i più giovani si trovavano a competere con realtà che avevano curriculum molto più forti e inevitabilmente partivano svantaggiati. Separando i percorsi siamo riusciti a offrire opportunità più concrete alle nuove generazioni”.

Al Medimex non è passata la voglia di osare

Perché ‘andare oltre gli schemi fa parte del nostro DNA’: parla Cesare Veronico

Concord ha annunciato una partnership strategica con Lito Music, la società fondata da Lito MC Cassidy, membro del duo hip-hop portoricano Lito &amp; Polaco e figura di riferimento dell'urban latino. Secondo il comunicato diffuso dall’azienda, l'operazione segna “un passaggio chiave nella continua espansione di Concord all'interno del mercato globale della musica latina” e riflette l'impegno del gruppo a investire “al massimo livello nel futuro del reggaetón”. L'accordo “unirà la visione di Lito con l'infrastruttura globale di Concord per costruire un'etichetta orientata alla cultura, con attenzione allo sviluppo strategico degli artisti, all'esecuzione delle release e alla creazione di valore di lungo periodo per il catalogo”.

“Questa partnership riflette dove mi trovo oggi”, ha dichiarato Lito MC Cassidy: “Si tratta di usare la mia esperienza come artista per sviluppare nuovi talenti nel modo giusto, continuando a lavorare anche con artisti affermati per trasformarli in star globali e portare le loro carriere ancora più avanti nel mercato mainstream”. Per Tom Becci, CEO di Concord Label Group, “Lito porta credibilità, istinto creativo e una connessione profonda con la cultura”. I primi ingressi nel roster e le prime pubblicazioni saranno annunciate a breve.

Concord, un partnership con Lito Music

Per rafforzare la presenza del gruppo sul mercato latin

Il mercato radiofonico italiano sta vivendo una trasformazione profonda, guidata da un modello di business sempre più ibrido. Oggi la radio non vive più di solo broadcasting: si è trasformata in un ecosistema in cui l’evento&nbsp;on-field&nbsp;non è un semplice accessorio di marketing, ma un asset strategico fondamentale. Il dato emblematico, confermato dagli operatori di settore, parla chiaro:&nbsp;gli eventi rappresentano ormai oltre il 23% del fatturato&nbsp;dei principali player privati, con l’obiettivo dichiarato di crescere ulteriormente nel breve periodo.

Il modello "Live": una competizione sempre più accesa

Pilastro assoluto per la valorizzazione del brand rimane&nbsp;Radio Italia Live: il mega-concerto di Milano dimostra la capacità di radunare oceaniche platee fisiche a costo zero per l'ascoltatore, generando un enorme ritorno in termini di sponsorizzazioni. Sul fronte dell'integrazione crossmediale,&nbsp;RTL 102.5&nbsp;ha consacrato il&nbsp;Power Hits Estate&nbsp;come un vero e proprio caso studio: l’edizione 2026 al Centrale del Foro Italico (nella foto)&nbsp;ha superato i 36 milioni di contatti complessivi, registrando una crescita del 56% rispetto all'anno precedente.

La spinta prosegue con&nbsp;Radio 105&nbsp;e il suo&nbsp;Summer Festival 2026, un tour che tocca piazze iconiche (Venezia, Chiavari, Ferrara, Baia Domizia), mentre&nbsp;Radio Deejay&nbsp;punta tutto sulla&nbsp;Party Like a Deejay (Park Edition)&nbsp;all'Arco della Pace di Milano, trasformando la community in un'esperienza fisica. Non da meno&nbsp;Radio Kiss Kiss, che presidia il territorio con il&nbsp;Kiss Kiss Way.

Ma la capillarità non è prerogativa esclusiva dei grandi network nazionali. Eccellenze regionali come&nbsp;Radio Bruno&nbsp;— con il tour&nbsp;Yoga Radio Bruno Estate&nbsp;inaugurato a Riccione — confermano che la radio possiede una capacità di penetrazione sul territorio commerciale e antropologica insuperabile.

La risposta della Rai: una strategia di "presenza" a reti unite

Anche in Rai è evidente il cambio di passo impresso a&nbsp;Rai Radio 2. Il Servizio Pubblico ha compreso che per competere nell'arena attuale bisogna uscire dagli studi storici e vivere il territorio da protagonista.&nbsp;Dopo l’esperienza del Festival di Sanremo, Rai Radio 2 sta mettendo a segno operazioni di grandissimo rilievo strategico e artistico. Spiccano in questo senso le prestigiose partnership dal vivo con il&nbsp;Rock in Roma&nbsp;e l'ambitissimo&nbsp;Tour negli Stadi di Vasco Rossi. Ma la vera punta di diamante della stagione è&nbsp;"Radio2Live, il cielo è sempre più blu", il concerto evento in programma il 12 giugno a Cosenza (Piazza XV Marzo). Realizzato nell'ambito della convenzione tra la Regione Calabria e Rai Com e condotto da Ema Stockholma, la serata rappresenta il primo vero concerto "prodotto" da Radio2, che godrà di una imponente eco crossmediale grazie alla successiva messa in onda televisiva su Rai 2 il 20 luglio, in simulcast radiofonico.&nbsp;

La presenza sul territorio di Rai Radio 2 si estenderà poi in un altro spazio iconico di straordinario valore storico e globale: l'Anfiteatro degli Scavi di Pompei, leggendario palco calcato dai Pink Floyd nel 1971, dove l'emittente sarà protagonista dei concerti estivi di&nbsp;Beats of Pompei. Un calendario fittissimo che include anche il tradizionale&nbsp;CaterRaduno&nbsp;di Caterpillar a Vicenza (18-21 giugno) – storico crocevia di sociale e musica live – fino al&nbsp;Vinitaly in the City&nbsp;previsto dal 17 al 19 Luglio nello splendido Parco Archeologico Nazionale di Sibari.

La strategia estiva della Rai si muove così a reti unite, declinando la presenza fisica anche sull'informazione e lo sport. Se Rai Radio 2 presidia i grandi live musicali,&nbsp;Rai Radio 1&nbsp;si prepara a un dispiegamento di forze massiccio per la copertura dei Mondiali di calcio 2026: una sfida editoriale imponente per raccontare il grande sport globale, anche se l'Italia non sarà sul campo. Parallelamente, la capillarità stradale di&nbsp;Isoradio&nbsp;si conferma un presidio insostituibile per l'estate, trasformando il grande esodo in un racconto informativo in tempo reale.

Le emittenti locali

La capacità di generare aggregazione appartiene storicamente anche alle emittenti locali. Lo dimostrano i&nbsp;50 anni di Radio Castelluccio (RCS 75), festeggiati all'interno del "Ciclolonga Village". Il compleanno di questa realtà storica si trasforma in un hub strategico sull'evoluzione dell'audio e dell'AI, con la partecipazione di Confindustria Radio-Tv e dei maggiori protagonisti del comparto nazionale. È la prova che il presidio fisico del proprio territorio resta il vero segreto della longevità e della fidelizzazione locale.

Perché uscire dal perimetro dello studio

Se i privati usano i festival per costruire community e spingere i fatturati, la Rai valorizza il suo patrimonio unico di cultura, spettacolo e informazione. La trasformazione in atto non è solo editoriale, ma di sistema: l'evento diventa la sintesi perfetta tra brand awareness, fidelizzazione e monetizzazione.

Come dimostrano i risultati del Q1 2026, la sfida contro le piattaforme di streaming (OTT) si vince trattenendo l’ascoltatore. La "permanenza" – il tempo passato in nostra compagnia (TSL - Time Spent Listening) – deve diventare la metrica di riferimento primaria per attrarre investimenti pubblicitari, spostando il focus dalla quantità (giorno medio) alla qualità e profondità dell'ascolto.

Il futuro della radio italiana si gioca sulla capacità di non restare confinati nel perimetro dello studio. I grandi festival musicali, i tour negli stadi, le produzioni live multimediali e sul territorio, la copertura dei grandi eventi sportivi e gli appuntamenti storici locali sono la prova che la radio è, oggi più che mai, un media fisico, tattile, esperienziale.

La sfida è trasformare l'autorevolezza in una forza di "ecosistema", dove il contenuto radiofonico funge da volano per le attività sul territorio. Questo consolida quel legame emotivo con l’ascoltatore che nessuna piattaforma digitale o algoritmo potrà mai replicare.

Radio, l'era dell'evento: quando l'etere conquista le piazze

Il mercato radiofonico vira sull'ibrido: gli eventi dal vivo diventano asset strategici

Si è aperta ieri, giovedì 4 giugno, presso il Pavillon Cambon a Parigi, l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758681/100-anni-di-cisac-un-evento-a-parigi-il-4-giugno">Assemblea Generale che ha aperto le celebrazioni per il centenario di CISAC</a>, la Confédération Internationale des Sociétés d'Auteurs et Compositeurs guidata da Björn Ulvaeus, co-fondatore degli ABBA e presidente della confederazione. In apertura dei lavori, lo stesso Ulvaeus ha reso pubblica una dichiarazione che aggiorna la posizione della confederazione riguardo l’intelligenza artificiale, tema da sempre seguito con estrema attenzione dalla rappresentanza internazionale delle collecting.

“In un momento in cui i rapidi progressi dell'intelligenza artificiale rischiano di minare il valore del lavoro creativo, affermiamo una responsabilità condivisa: la creatività umana deve essere protetta, rispettata e sostenuta come forza distintiva di espressione, cultura, identità e progresso”, spiega il documento che tratteggia attraverso quattro pilastri fondamentali - la protezione della creatività umana e della diversità culturale; la trasparenza, le licenze e la giusta remunerazione nei sistemi di AI; l'importanza della gestione collettiva nel sostenere gli ecosistemi creativi; e la necessità che i governi e i decisori politici salvaguardino i diritti dei creatori e l'espressione culturale - la linea di CISAC sull’intelligenza artificiale.

Tra i primi firmatari del documento figurano - oltre che al paroliere, compositore e cantautore italiano Jacopo Ettorre e ai vertici di CISAC, Javed Akhtar (paroliere, Presidente di IPRS), Anja Unger (regista di documentari, Presidente di LaScam), Jean-Michel Jarre (compositore e artista), Simon Franglen (compositore), Paul William (autore e attore), Kevin Brennan (membro della Camera dei Lord del Regno Unito, creatore musicale), Adelaide Damoah (artista visiva), Vicco (creator musicale) e Arriën Molema (autore, Presidente CIAM).

La dichiarazione è stata presentata a seguito di un'intera giornata di discussioni incentrate sul futuro della creatività in un mondo guidato dall'IA, con creator internazionali, economisti, accademici, esperti di tecnologia e decisori politici che hanno esaminato l'impatto dell'intelligenza artificiale sulla creazione artistica, sui mezzi di sussistenza dei creatori e sul futuro della diversità culturale. I relatori che si sono succeduti durante l'Assemblea Generale della CISAC 2026 hanno incluso creatori e leader culturali del mondo della musica, dell'audiovisivo, delle arti visive e dell'editoria, insieme a rappresentanti della WIPO (OMPI), dell'Unione Africana, del Parlamento Europeo, di Deezer e delle principali istituzioni culturali internazionali.

CISAC, una dichiarazione ‘storica’ sull’AI

In occasione dell’assemblea per il centenario, in corso in questi giorni a Parigi

Nina Protocol chiuderà definitivamente il prossimo 15 luglio. La notizia, annunciata dai fondatori, segna la fine di uno dei più interessanti esperimenti nati negli ultimi anni per immaginare un’alternativa al modello dominante dello streaming musicale.

Fondata nel 2021, Nina era arrivata sul mercato in piena stagione Web3, ma sin dall’inizio aveva cercato di distinguersi da gran parte dei progetti costruiti attorno alla blockchain. Più che sulla speculazione o sui token, il progetto puntava a ripensare il rapporto tra artisti, musica e comunità.&nbsp;La piattaforma consentiva agli artisti di pubblicare direttamente le proprie opere, venderle ai fan e mantenere un controllo molto più ampio rispetto a quello normalmente garantito dai servizi di streaming tradizionali.&nbsp;

Con il passare del tempo, però, Nina era diventata qualcosa di più di un semplice strumento di distribuzione.&nbsp;Attorno alla musica erano nati spazi editoriali, playlist, podcast, eventi, pubblicazioni e hub dedicati a etichette e collettivi. Realtà di spicco nella musica indipendente ed elettronica, come Warp, Hyperdub, AD 93 e Stroom, avevano scelto di utilizzare la piattaforma come punto di aggregazione per cataloghi, contenuti e comunità.

<h3>Oltre le piattaforme: come?</h3>

L’ambizione era quella di recuperare elementi che molti osservatori ritengono progressivamente scomparsi nell’era delle piattaforme globali: il contesto culturale, la curatela, le scene locali, le relazioni dirette tra artisti e pubblico. In un ecosistema dominato da playlist algoritmiche e cataloghi praticamente infiniti, Nina provava a riportare al centro la dimensione comunitaria della scoperta musicale.&nbsp;In una lunga intervista concessa a Rolling Stone nel 2023, i fondatori avevano descritto la piattaforma come uno spazio in cui chiunque avrebbe potuto costruire il proprio “mondo”: una piccola rivista, una scena locale, un network di artisti o una comunità di appassionati. L’obiettivo non era competere frontalmente con Spotify, ma offrire un’infrastruttura diversa per chi considerava la musica anche un fenomeno culturale e sociale, non soltanto un catalogo da consumare.

Proprio questa visione rappresenta oggi il principale lascito di Nina. Nel messaggio con cui ha annunciato la chiusura, il team ha spiegato che il progetto è riuscito a creare connessioni, collaborazioni e comunità reali, ma non ha trovato una strategia di ricavi capace di sostenerne l’operatività nel lungo periodo.&nbsp;La vicenda evidenzia una delle questioni più complesse dell’economia musicale contemporanea. Se costruire una comunità può essere difficile eppure possibile, ben altro è trasformarla in un’attività economicamente sostenibile: questo è un problema ancora aperto. Esiste davvero uno spazio, nel mercato della musica digitale, per piattaforme costruite attorno alle comunità anziché alla scala?

<h3>Web3 e musica</h3>

La vicenda di Nina Protocol suona anche come una promessa non mantenuta dal Web3. Che, a&nbsp;posteriori, nella musica ha avuto un problema di fondo: ha identificato correttamente molte fratture del sistema, ma ha quasi sempre sbagliato la soluzione.&nbsp;La diagnosi era impattante: gli artisti dipendono troppo dalle piattaforme, il valore economico è distribuito male, il rapporto diretto con i fan è mediato da intermediari opachi, la musica digitale ha perso scarsità, contesto e appartenenza. Tutto difficilmente confutabile. E la&nbsp;promessa era un sistema in cui confluivano blockchain, NFT, token, wallet, smart contract per ricostruire un’economia più diretta, trasparente e partecipativa. Ma questo salto o non è avvenuto, o è avvenuto solo in nicchie molto ristrette.

Col senno di poi, pare che il&nbsp;Web3 abbia spesso confuso infrastruttura e desiderio. Il fatto che sia tecnicamente possibile vendere musica come NFT, certificare una proprietà digitale o creare una community tokenizzata non significa che pubblico, artisti e fan sentano davvero il bisogno di farlo. La tecnologia ha introdotto nuovi strumenti, ma non sempre nuovi comportamenti.&nbsp;Nella musica, ció pare essere stato plasticamente dimostrato: il fan medio non voleva “possedere” una traccia sulla blockchain: voleva ascoltare, scoprire, condividere, partecipare, sostenere un artista, sentirsi parte di qualcosa. E dire che&nbsp;Nina Protocol si collocava nella zona più “intelligente” del Web3 musicale: non vendeva solo la promessa finanziaria, ma provava a usare quell’infrastruttura per costruire contesto, curatela, comunità e relazione diretta. In questo senso era più vicina a Bandcamp, alle fanzine e alle scene indipendenti che alla retorica speculativa degli NFT. Ma non è pervenuta una buona risposta a una&nbsp;domanda brutale: chi paga, quanto paga, con quale frequenza, e per quale valore percepito? Il piano sul quale il Web3 ha fallito non è quello delle&nbsp;intuizioni ma quello del mercato, di cui ha sopravvalutato la disponibilità a cambiare abitudini per adottare un’infrastruttura più complessa. In altre parole: dove lo streaming ha affermato comodità, ubiquità e prezzo basso, qualsiasi alternativa deve battere non solo Spotify, ma l’inerzia culturale creata da Spotify e dai DSP.

<h3>Cosa resta</h3>

Però qualcosa resta. Restano l’idea di proprietà digitale più granulare, i modelli direct-to-fan, le community ristrette, le edizioni limitate, i pass artistici, le membership, i cataloghi come ambienti e non solo come file. Che, probabilmente, sopravviveranno senza chiamarsi più Web3. Diventeranno semplicemente strumenti all’interno di modelli più leggibili: membership, fan club evoluti, archivi, limited release, patronage, esperienze. Per&nbsp;il Web3 ridisegnare l’industria musicale non è stato possibile, peró ha costretto l’industria a guardare meglio alcune sue crepe: il rapporto artista-fan, la scarsità nel digitale, la proprietà, la governance delle community, il valore del contesto. Magari il suo lascito più utile non sarà una nuova infrastruttura, ma una nuova domanda brutale: come si costruisce valore musicale fuori dalla pura logica dello streaming?

Con Nina Protocol finisce il sogno di un’altra musica sul Web3

La piattaforma indipendente si spegne dopo cinque anni: mancava un modello sostenibile

L'Osservatorio sulla Comunicazione Musicale Italiana ha aperto una prima fase operativa con un sondaggio - realizzato attraverso un form apposito, disponibile a <a href="https://9uck1.r.a.d.sendibm1.com/mk/cl/f/sh/1t6Af4OiGsDg0Ys6YEogjq341WBtHp/gwiY2ihUyIR4" target="_blank">questo indirizzo</a> -&nbsp;rivolto agli addetti ai lavori del settore musicale, tra cui uffici stampa, giornalisti, label, management e operatori del settore.

E' stata fatta un'analisi approfondita per mettere in evidenza le criticità della comunicazione odierna e tirare una linea che divide ciò "ciò che è pronto per essere comunicato e ciò che non dispone ancora degli elementi necessari per sostenere una comunicazione credibile". Il lavoro dell'Osservatorio ha messo in rilievo diverse criticità che interessano l'intera filiera produttiva: "comunicati inviati senza pertinenza, pitch generici, materiali incompleti, narrazioni sovradimensionate, artisti esposti prima di avere strumenti adeguati e redazioni chiamate a orientarsi dentro una quantità crescente di proposte lontane dal proprio perimetro editoriale".

A seguito di queste considerazioni, è nato, quindi, un tavolo permanente di raccolta, "un luogo in cui opinioni, riscontri, sfoghi comprensibili e prospettive diverse hanno iniziato a comporre una fotografia più nitida del processo comunicativo".

La rilevazione è stata pensata per raccogliere indicazioni sui passaggi che precedono la promozione: catena decisionale dell’invio, completezza dei materiali, pertinenza dei destinatari e preparazione dell’artista davanti ai media. I contributi raccolti confluiranno in una sintesi pubblica dell’Osservatorio, con l’obiettivo di individuare ricorrenze e possibili strumenti di lavoro, tra cui griglie di pertinenza, tracce per materiali stampa e protocolli di preparazione.

OCMI, aperta un'indagine dedicata agli addetti ai lavori

Reso disponibile un form per raccogliere indicazioni su invii, materiali e rapporto con le redazioni

Il 2016 è stato uno degli anni di frattura della musica italiana recente, quello in cui il rap e la nuova scena urbana hanno accelerato il loro ingresso nel mainstream, spinti dall’ascesa dello streaming, dall’evoluzione dei social media e da un rapporto sempre più diretto tra artisti e fan. A dieci anni di distanza, Universal Music Italia sceglie di rileggere quella stagione con “2016X”, un progetto speciale che unisce discografia, collezionismo ed esperienza dal vivo.

Al centro dell’iniziativa c’è una special collection in vinile dedicata a sette album pubblicati nel 2016 e considerati rappresentativi di quella fase di trasformazione. I titoli scelti sono “Crack Musica” di Tony Effe &amp; Side Baby - Dark Polo Gang, “Succo di zenzero” di Wayne Santana - Dark Polo Gang, “The Dark Album” di Wayne Santana - Dark Polo Gang, “Dasein Sollen” di Rkomi, “Sfera Ebbasta” di Sfera Ebbasta, “Santeria” di Marracash &amp; Guè e “Malammore” di Luchè. Per “Succo di zenzero”, “Dasein Sollen” e “Malammore” si tratta della prima pubblicazione in vinile.

Artwork e tracklist sono gli originali, ma riletti in una veste da collezione. Ogni album sarà caratterizzato da uno sticker identificativo “2016X” e stampato su vinile crystal con lavorazione splatter ispirata ai colori dell’estetica originale di ciascun disco. La produzione è interamente Made in Italy e realizzata con lavorazione artigianale: ogni copia splatter viene prodotta singolarmente, rendendo ciascun vinile diverso dagli altri.

Le edizioni saranno numerate e limitate a 2016 copie per titolo, con preordine già disponibile <a href="https://shop.universalmusic.it/collections/2016x">qui</a>. Ma il progetto non si ferma al supporto fisico. L’acquisto di almeno uno dei sette vinili darà infatti accesso alla ZONA 2016X, una mostra-evento in programma dal 5 al 7 giugno presso Spazio Stoppani, in via Antonio Stoppani 40 a Milano.

Pensata come un’esperienza immersiva dedicata alla scena del 2016, ZONA 2016X racconterà quell’anno attraverso immagini, suoni, oggetti e storie. Ogni album avrà un proprio spazio, tra installazioni e corner dedicati, con l’obiettivo di trasformare in percorso espositivo l’immaginario di una stagione che ha inciso profondamente sulla musica italiana contemporanea. All’interno dello spazio sarà presente anche un temporary shop dedicato a “2016X”, con vinili e merch esclusivo, oltre a un’area per talk, incontri e firmacopie con gli artisti.&nbsp;

“2016X”: con Universal il 2016 del rap italiano rivive in vinile

La major celebra l’anno che ha cambiato una scena: 7 album simbolo, limited editions, mostra-evento

The Saifam Group e AMS Records hanno annunciato una collaborazione che mira alla pubblicazione, ristampa e valorizzazione su CD e vinile&nbsp;di album legati al progressive italiano e alle colonne sonore.

L'accordo nasce dall'incontro di due realtà indipendenti e unisce Saifam Group,&nbsp;etichetta discografica e società editoriale con sede a Verona, e AMS Records, realtà milanese attiva nel recupero e nella valorizzazione di repertori musicali di interesse storico, con particolare attenzione al rock progressivo, alle colonne sonore e al mercato del vinile. Il progetto sarà incentrato sulla fabbricazione di nuove edizioni di vinili e CD, con&nbsp;ristampe arricchite da contenuti d’archivio, note di copertina, fotografie, testimonianze e contributi editoriali. La collaborazione comprenderà anche la pubblicazione di nuovi album legati a progressive, musica strumentale e colonne sonore.

Fabio Sgaravato, direttore artistico di The Saifam Group, ha dichiarato: "Questa collaborazione nasce dalla volontà di dare nuova centralità a repertori che meritano di essere riscoperti, studiati e presentati con la massima cura. Non si tratta semplicemente di ristampare album, ma di costruire attorno ad ogni uscita un lavoro di valorizzazione reale, rispettoso dell’opera originale e al tempo stesso capace di parlare al pubblico di oggi".

Matthias Scheller di AMS Records ha aggiunto: "Siamo entusiasti di avviare questa collaborazione con THE SAIFAM GROUP, perché nasce da una visione condivisa: credere che il valore di un catalogo si costruisca investendo sul suo sviluppo, con ambizione e capacità di guardare avanti. Siamo convinti che molte opere del patrimonio musicale italiano abbiano ancora tanto da raccontare e meritino di essere accompagnate da visione, coraggio e dalla volontà concreta di svilupparne pienamente il valore artistico e culturale."

La prima uscita nata dalla collaborazione sarà "Il RAS del quartiere", colonna sonora inedita dei Goblin, prevista per il 19 giugno.

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