Il Consiglio dei Ministri convocato per oggi, lunedì 28 agosto, ha approvato su proposta del Ministro della Cultura Gennaro Sangiuliano uno schema di decreto legislativo “riguardante il riordino e la revisione degli ammortizzatori e delle indennità nonché l’introduzione di un’<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/indennita-di-discontinuita-490068">indennità di discontinuità</a> in favore dei lavoratori dello spettacolo”. Il provvedimento, specifica il MiC in una nota, “è il risultato del lavoro congiunto svolto dal Ministro Sangiuliano e dal Ministro del Lavoro e delle Politiche Sociali, Marina Elvira Calderone”.

“La copertura finanziaria prevista è di 100 milioni di euro per il 2023, 46 milioni per il 2024, 48 milioni per il 2025 e 40 milioni a decorrere dal 2026”, chiarisce il MiC: “Tali cifre saranno incrementate dagli oneri contributivi a carico dei datori di lavoro (pari all’1 per cento dell’imponibile contributivo); dal contributo di solidarietà, a carico dei lavoratori iscritti al Fondo pensione lavoratori dello spettacolo (pari allo 0,50 per cento della retribuzione); dalla revisione e dal riordino degli ammortizzatori sociali e delle indennità”.&nbsp;

Il numero dei beneficiari del provvedimento è stato stimato in circa 21mila lavoratori discontinui dello spettacolo (autonomi, co.co.co. e subordinati a tempo determinato) per attività connessa direttamente con la produzione e la realizzazione di spettacoli o in modo meno diretto rispetto al settore dello spettacolo (maschere teatrali, guardarobieri etc.) individuati con decreto interministeriale (Lavoro - Cultura), nonché i lavoratori a tempo indeterminato con contratto di lavoro “intermittente”, se non sono titolari di indennità di disponibilità. A questi andranno in media, a decorrere dall’anno 2023, circa 1.500 euro.

L'indennità sarà erogata in un'unica soluzione previa domanda presentata dal lavoratore all'INPS ogni anno, con riferimento ai requisiti maturati dal richiedente nell'anno precedente.

“Lo schema di decreto legislativo varato oggi dal Consiglio dei Ministri ha un’importanza grandissima e rappresenta una norma di giustizia sociale da troppi anni attesa”, ha dichiarato il Ministro Sangiuliano: “Siamo riusciti, in tempi rapidissimi, a dare seguito alla nostra promessa di intervenire per tutelare una delle categorie più esposte e che da tempo reclamava un intervento. Abbiamo voluto occuparci delle tante lavoratrici e lavoratori dello spettacolo che non sono sui palchi, che non hanno visibilità, ma il cui lavoro oscuro è indispensabile e consente a questi momenti di cultura di realizzarsi. Ringrazio il Ministro Calderone, il Sottosegretario alla Cultura Gianmarco Mazzi, gli esponenti della maggioranza, i Presidenti delle Commissioni Cultura Roberto Marti e Federico Mollicone, ma anche quelli dell’opposizione come l’onorevole Matteo Orfini, che si sono attivamente adoperati per il provvedimento. Con oggi diamo concretezza e protezione a tutti quei lavoratori del mondo dello spettacolo che subiscono più degli altri gli effetti negativi di un settore caratterizzato da alti livelli di frammentarietà e discontinuità”.

"Con questo provvedimento interveniamo su un comparto, come quello dello spettacolo, fortemente penalizzato dalla pandemia”, ha aggiunto il Ministro del Lavoro e delle Politiche Sociali, Marina Calderone: “E che in futuro avrà a disposizione un nuovo ammortizzatore in grado di difendere la dignità dei lavoratori in caso di interruzione involontaria dell’attività lavorativa”.

Gianmarco Mazzi

Ministero della Cultura

Gennaro Sangiuliano

indennità di discontinuità

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Lavoratori dello spettacolo, arriva l’indennità di discontinuità

Industria

Approvato oggi dal CdM uno schema di dl: copertura da 234 milioni di euro fino al 2026

La classifica annuale che Forbes&nbsp;dedica alle “celebrità defunte con i maggiori guadagni” dell’anno è uscita la scorsa settimana. 
 
Lanciata nel 2001, quella prima edizione vide Elvis Presley&nbsp;piazzarsi in vetta:&nbsp;da allora è apparso in ogni edizione dei successivi 25 anni, incassando complessivamente oltre 1,2 miliardi di dollari&nbsp;in questo arco di tempo. Quest’anno The King compare al settimo posto della graduatoria con ricavi pari a $ 17 milioni. Ovvero, circa il 15% rispetto al numero uno:&nbsp;suo genero.&nbsp; 
Al primo posto c’è infatti un altro “re”, ma quello del pop, che scava un solco netto rispetto al resto della top 10: Michael Jackson ha generato guadagni stimati in 105 milioni di dollari&nbsp;nel 2025, grazie sia alle royalty derivanti dallo streaming&nbsp;che, soprattutto, anche a cinque produzioni di MJ: The Musical&nbsp;e a uno spettacolo del Cirque du Soleil a Las Vegas. Jackson ha guidato la classifica postuma di Forbes&nbsp;in 13 dei 16 anni solari completi&nbsp;trascorsi dalla sua morte, avvenuta nel 2009, e la rivista finanziaria stima che il suo patrimonio abbia generato complessivamente 3,5 miliardi di dollari&nbsp;nell'intero periodo.

Altri musicisti scomparsi presenti nella lista includono Rick Wright&nbsp;e Syd Barrett&nbsp;dei Pink Floyd, appaiati al terzo posto con 81 milioni di dollari ciascuno, The Notorious B.I.G.&nbsp;al quarto con 80 milioni, Miles Davis&nbsp;al quinto con 21 milioni, Elvis Presley&nbsp;al settimo (17 milioni), Jimmy Buffett&nbsp;all’ottavo, (14 milioni), Bob Marley al nono&nbsp;(13 milioni) e John Lennon&nbsp;al decimo (12 milioni). L’unico intruso nella classifica di quest’anno, al secondo posto, è Dr. Seuss, con 85 milioni di dollari&nbsp;derivanti dalle vendite continue dei libri, dalle licenze&nbsp;e da una partnership con Netflix.

Tornando a Jackson, i proventi più significativi sono derivati dallo smobilizzo degli asset accumulati in vita: oltre a possedere i propri diritti editoriali e i master delle proprie registrazioni, nel 1985 Jackson acquistò il catalogo ATV&nbsp;per 47,5 milioni di dollari, che includeva quasi 4.000 brani, tra cui quasi tutti i successi scritti insieme&nbsp;da John Lennon e Paul McCartney. Quell’investimento si è poi trasformato in un ritorno di 750 milioni di dollari nel 2016&nbsp;(circa 1 miliardo oggi), quando la estate&nbsp;di Jackson ha venduto la sua quota a Sony. Da quella vendita erano rimasti esclusi i diritti editoriali e i master delle opere di Jackson, ma nel 2024&nbsp;è stato ceduto a Sony il 50% di tali asset per altri 600 milioni di dollari (un’operazione che la madre di Jackson, Katherine, ha cercato di bloccare in tribunale).

Il crescente peso dei cataloghi nell’economia dell’industria musicale ha messo lo zampino nella graduatoria 2025 di Forbes, come mostrano alcune new entry in classifica quest’anno, forti (per quanto defunte) della vendita dei diritti sui propri ricavi futuri a terze parti. È il caso di&nbsp;The Notorious B.I.G., di Miles Davis&nbsp;e soprattutto dei due&nbsp;Pink Floyd originali Wright e Barrett, che&nbsp;hanno realizzato enormi guadagni grazie a un'operazione&nbsp;sul mercato aperto perfezionatasi nell’ultimo anno (Sony Music Publishing si è assicurata i diritti dei Pink Floyd per circa $ 400 milioni, ripartiti in parti uguali tra i tre membri vivi della band e i due defunti).

Che la si definisca “afterlife economy”&nbsp;o “celebrità postuma”, quella che inizialmente si era manifestata come una bizzarra ed estemporanea coda nostalgica oggi è una asset class attiva e gestita&nbsp;come un’impresa. Il legacy management di Michael Jackson, in particolare, rappresenta un caso da scuola di business: il suo patrimonio funziona come una major autonoma — gestisce diritti, spettacoli, publishing, musical, merchandising e IP e poggia su una strategia ventennale di valorizzazione cross-mediale. 
La memoria artistica è ora un format industriale, replicabile e scalabile e oggi la musica “vecchia” genera più valore stabile della nuova, perché è prevedibile, assicurata, e già testata sul mercato. 
 
È la cultura dell’eternità, quella in cui il morto non riposa in pace&nbsp;ma viene ri-sincronizzato&nbsp;culturalmente per ogni nuova generazione di pubblico.&nbsp;Il corpo muore, ma il catalogo è immortale. E il mercato lo sa.

Michael Jackson

Afterlife economy: Michael Jackson è sempre il defunto più pagato

Nella top 10 di Forbes per il 2025 anche Presley, Lennon, Marley e...una quota dei Pink Floyd

Universal Music Publishing ha chiesto - e ottenuto - la rimozione da X dell’ultimo spot elettorale utilizzato dal nuovo sindaco di New York Zohran Mamdani nella campagna che l’ha portato a diventare il primo cittadino della Grande Mela.

La clip aveva come colonna sonora uno di brani più conosciuto del Premio Nobel per la Letteratura 2016, "The Times They Are A-Changin'", brano del ‘64 negli anni riletto da giganti come Nina Simone, Byrds, Simon &amp; Garfunkel, Billy Joel e Bruce Springsteen: la richiesta di takedown avanzata dalla divisione editoriale della major guidata da Lucian Grainge è giustificata da una policy “storica” di Universal Music Publishing che esclude la concessione in licenza di opere di Dylan per operazioni legate alla politica.

"Come politica di lunga data, non concediamo in licenza le composizioni di Bob Dylan per progetti che coinvolgono personaggi politici", ha fatto sapere un portavoce della società di publishing ai media americani.

Lo stesso spot è stato diffuso anche su TikTok e Instagram: non è noto, al momento, se anche le piattaforme rispettivamente di Bytedance (la cui operatività negli USA presto verrà ceduta a un consorzio di investitori americani) e Meta abbiano ricevuta la notifica di takedown.

Il catalogo di Dylan, controllato da Universal Music Publishing, per l’utilizzo sui social da parte degli utenti è coperto dagli accordi di licenza generici stipulati tra i gestori delle piattaforme e le società di edizioni: l’utilizzo specifico in uno spot, tuttavia, richiede l’autorizzazione degli aventi diritto tramite una licenza di sincronizzazione. Tuttavia, nel caso di utilizzo di repertori da parte di politici, le contestazioni legali non sempre vengono accolte, come dimostrano le numerose contestazioni intentate da esponenti di spicco della comunità musicale statunitense (e non solo) a Donald Trump per l’utilizzo non autorizzato di brani - tra gli altri, "The Fate of Ophelia" di Taylor Swift e "Revival" di Zach Bryan - nei propri spot elettorali sui social.

Benché tecnicamente possibile - l’utilizzo di un brano in uno spot è effettivamente un’operazione di sincronizzazione, a differenza dell’utilizzo durante un comizio, inquadrabile come pubblica esecuzione - intentare causa al governo degli Stati Uniti è reso tecnicamente molto difficile dalla sovereign immunity, dottrina propria degli ordinamenti di common law secondo la quale un’istituzione non può essere citata in giudizio senza il proprio consenso.

Bob Dylan, UMGP oscura uno spot elettorale di Zohran Mamdani

Il neo-sindaco di New York aveva scelto ‘The Times They Are A-Changin'’, ma…

“El Galactico” dei Baustelle, “Furèsta” di La Niña, “Libertà negli occhi” di Niccolò Fabi, “Dalla tua parte” di Francesco Gabbani, e i nuovi album di Fabrizio Moro, Mannarino e Caparezza: è un’istantanea, estremamente sintetica, del 2025 discografico di BMG Italy. Dino Stewart, dal 2013 Managing Director delle attività di BMG in Italia, ha una spiccata attitudine pop - “un termine - dice - di solito utilizzato come contraltare a ciò che è nobile e ‘alto’, ma non colgo il senso di questa dicotomia: Lucio Dalla, Franco Battiato e Sergio Endrigo hanno scritto pagine di pop eccezionali, che meriterebbero di essere studiate nelle scuole” - e, sul lavoro, ha una sensibilità da architetto o da artista visivo: il calendario di uscite e il roster, quindi, viene inteso come fosse un quadro o un edificio, dove sfumature e proporzioni concorrono a concretizzare un unico, grande disegno. Un atteggiamento che si manifesta, in modo evidente, nella cura riservata alle pubblicazioni in formato fisico (come, per esempio, quella in edizione limitata dell’ultimo album di Fabi). Quando lo incontriamo nel quartier generale milanese dell’etichetta e casa discografica oggi guidata a livello internazionale da Thomas Coesfeld, lo troviamo entusiasta di coordinare un periodo di pubblicazioni così intenso ma anche estremamente indaffarato. “E’ normale - spiega - quando si ha un roster con un certo tipo di artisti”... 
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Perché?

Nell’industria musicale contemporanea il discografico è visto più che altro come un fornitore di servizi. Un tempo, invece, era una figura di riferimento, e per gli artisti di una certa generazione è ancora così. Per esempio, con Ornella [Vanoni, ndr] ci sentiamo spessissimo. Mi chiama e mi dice: “Che ne pensi se da Fazio dicessi che…”. Io non ho voce in capitolo riguardo quello che Ornella voglia dire da Fazio, ma mi fa molto piacere che mi chiami per dirmelo. Penso, quindi, ad artisti di vent’anni o poco più che capitano in questa situazione…

In un’epoca dove si parla di disumanizzazione dei rapporti dovrebbe essere una cosa molto positiva…

E’ una peculiarità di una realtà come la nostra. Tutti i nostri artisti parlano con tutto il nostro team, sia con me che con i membri dei team marketing, sync, legal e finance. E’ molto bello, ma anche impegnativo.

Venendo al vostro roster, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751664/bmg-italy-caparezza-entra-nel-roster">uno degli ultimi ingressi è Caparezza</a>, tornato con un <a href="https://www.rockol.it/news-754984/caparezza-orbit-orbit-significato-intervista-canzoni-acufene-fumetto">nuovo concept – album / fumetto</a> dopo quattro anni. Non deve essere stato facile aggiudicarsi la sua firma…

Non è stata una semplice bidding war - almeno, non in termini meramente economici. Caparezza lavora da tanti anni con un suo team, guidato da Paolo D’Alessandro, che conosce BMG da tanti anni. Credo che la volontà, da parte loro, fosse lavorare con un team non troppo grosso, ma con una progettualità molto ben definita. C’è, poi, anche un tema di posizionamento nel roster: credo che il suo ingresso aggiunga alla nostra proposta una sfumatura importante. Lui non è un rapper in senso stretto, né un cantautore, ma - allo stesso tempo - è entrambe le cose. Per come la vedo, appartiene a una schiera di artisti sempre più pregiata e molto ristretta.

Parlando di roster, sono previsti altri ingressi in BMG, prima della fine dell’anno?

Sì, ce ne sarà ancora qualcuno. Uno&nbsp;è quello di&nbsp;Tosca, fresca vincitrice del Premio Tenco, che pubblicherà il nuovo lavoro nel corso del 2026. Poi c'è Hugo Russo...

A oggi che bilancio puoi tracciare del 2025 discografico di BMG?

Direi positivo. Francesco Gabbani, al di là del posizionamento al Festival di Sanremo, sta andando bene. Anche nel ruolo di giudice di X Factor, sta ottenendo grandi consensi grazie alla sua simpatia e alla sua preparazione. E poi c'è La Niña. L’ho vista dal vivo più volte, l’ho trovata pazzesca, e non vedo l'ora di vederla mercoledì prossimo, 12 novembre,&nbsp;a Milano, al Fabrique. Spesso l’hype che si crea attorno a un progetto nasce dal vivo ma non si riverbera, immediatamente, negli ascolti in streaming: per lei, invece, il riscontro è stato quasi immediato. Iniziano anche ad arrivare segnali di interesse dall’estero, sia dai colleghi di BMG (che recentemente hanno potuto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752852/bmg-anche-la-nina-ai-central-europe-days-2025-di-berlino">apprezzarla in uno showcase presso la sede berlinese del gruppo</a>) che dai promoter europei. <a href="https://www.rockol.it/news-753038/targhe-tenco-2025-vincitori-lucio-corsi-la-nina-anna-castiglia">Il Premio Tenco</a>, anche in questo caso, è un’ulteriore soddisfazione...

Al di là dei nuovi ingressi nel roster, ci sono progetti riguardo eventuali acquisizioni di cataloghi discografici?

Oltre ad aggiungere nuovi artisti al nostro roster, l'acquisizione di cataloghi musicali rimane un pilastro fondamentale della nostra strategia globale. Ci concentriamo sulla creazione di valore sostenibile e a lungo termine, combinando intuizione creativa e analisi rigorosa. Offriamo inoltre una gestione personalizzata tramite i nostri team dedicati, specializzati in marketing, sincronizzazione e ottimizzazione dei metadati. Tutto questo massimizza il potenziale di ogni catalogo.

Che indirizzo sta dando, a voi come alle vostre consorelle internazionali, Thomas Coesfeld, insediatosi da quasi due anni nel ruolo di CEO di BMG?

Thomas ci sta guidando verso un'azienda musicale moderna e lungimirante che guida il settore attraverso l'innovazione e la perfetta integrazione tra tecnologia e arte. Questa visione è racchiusa nella frase: "globale dove possibile, locale dove necessario". Abbiamo semplificato le interazioni con i nostri clienti e partner, unificando le funzioni globali nei settori Catalogo, Vendite, Marketing, Distribuzione e Analisi, e abbiamo reso i nostri team locali un punto di riferimento affidabile per cantautori e artisti.

Rispetto alle altre vostre consorelle, c'è qualcosa nella quale BMG Italy si distingue particolarmente?

In BMG operiamo come un'unica azienda globale, in cui tutte le nostre filiali internazionali collaborano per raggiungere obiettivi comuni. Ogni territorio contribuisce con punti di forza e competenze locali uniche, che ci permettono di raggiungere il successo collettivo.

In questo spirito, le nostre prestazioni di vendita nel segmento dei formati fisici sono molto solide. Consideriamo le pubblicazioni fisiche come prodotti di nicchia: devono essere perfette sotto ogni punto di vista, dalla stampa alla grafica, dai testi alle note. Sebbene si tratti di un mercato di nicchia con le sue complessità, la nostra dedizione alla qualità garantisce che questi prodotti siano molto apprezzati dai fan, spesso portando a piacevoli sorprese e rafforzando la nostra posizione in questo importante segmento.

BMG Italy, la visione oltre le uscite

Una casa discografica che sia ‘casa’, davvero: il 2025 della label raccontato da Dino Stewart

Claudio Trotta, fondatore di Barley Arts nonché promotore del comitato Sì Meazza, è stato ascoltato stamattina in procura nell'ambito di un'inchiesta per turbativa d'asta per l'acquisto dello stadio di San Siro. L'inchiesta in questione prende le mosse da una lettera aperta al sindaco firmata proprio da Trotta qualche mese fa, che denunciava l'impossibilità a partecipare al bando aperto dal comune per la&nbsp;presentazione del documento di fattibilità delle alternative progettuali da parte di Milan e Inter. Il bando in questione, della durata di poco più di un mese, presentava infatti a suo dire tempistiche troppo strette, e forse non a caso si era chiuso senza che nessun'altra realtà presentasse progetti alternativi per l'area.&nbsp;

Nel frattempo, sempre stamattina è avvenuto il rogito di San Siro, ora a tutti gli effetti di proprietà di Milan e Inter: il prezzo della vendita è 197 milioni di euro versati al comune di Milano, di cui circa 22 "scontati" in cambio dell'esecuzione di una serie di opere di pubblica utilità all'interno dell'area in questione. 
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San Siro, Claudio Trotta (Barley Arts) ascoltato in procura 

Nell'ambito dell'inchiesta in corso per turbativa d'asta

Un decreto che mette a disposizione oltre 10,5 milioni di euro per il sostegno delle attività di spettacolo dal vivo nelle aree periferiche di 14 città metropolitane italiane: lo comunica il Ministero della Cultura. Le risorse sono destinate nello specifico a&nbsp;Bari, Bologna, Cagliari, Catania, Firenze, Genova, Messina, Milano, Napoli, Palermo, Reggio Calabria, Roma, Torino e Venezia, con l'obbiettivo di "promuovere inclusione sociale, riequilibrio territoriale e valorizzazione del patrimonio culturale attraverso le arti performative", recita il comunicato. 9,5&nbsp;milioni&nbsp;di euro provengono dal Fondo Nazionale per lo Spettacolo dal Vivo, mentre il restante milione deriva da fondi residui non spesi, ora reimpiegati per finanziare nuove progettualità.&nbsp;

I fondi, spiegano dal MIC,&nbsp;"saranno gestiti dall’Istituto Centrale per il Patrimonio Immateriale, in collaborazione con la Direzione generale Spettacolo, e ripartiti tra i Comuni secondo criteri che combinano una quota fissa e una proporzionale alla popolazione residente".&nbsp;I Comuni capoluogo, inoltre, potranno inoltre sottoscrivere accordi con e rispettive città metropolitane per ampliare la portata delle iniziative.

Le risorse saranno impiegate non solo per concerti o spettacoli dal vivo, ma anche per rafforzare l'offerta culturale&nbsp;e promuovere laboratori e percorsi formativi dedicati alle arti performative.&nbsp;I beneficiari dei contributi saranno organismi professionali del settore, attivi da almeno tre anni o già finanziati nell’ambito del Fondo nazionale per lo spettacolo dal vivo. Per quanto riguarda invece i&nbsp;criteri di selezione tramite bando pubblico, saranno privilegiati la qualità artistica dei progetti, la coerenza economica, la capacità di generare coesione sociale e impatto culturale sul territorio, oltre all’accessibilità al pubblico e alle sinergie con soggetti pubblici e privati.&nbsp;I fondi potranno essere anticipati fino all’80%. "Con questo intervento si intende portare la luce dello spettacolo dal vivo nei luoghi più decentrati, facendone un motore di partecipazione, dialogo e inclusione sociale" sottolinea il Ministero.

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MIC: 10,5 mln di euro per lo spettacolo dal vivo nelle periferie

Lo stanziamento in un decreto per il sostegno di "musica, teatro, danza e nuove forme artistiche"

La società di formazione musicale Music Business Italia ha annunciato il lancio di Chiaro Rercords, etichetta di orientamento urban distribuita da Believe Italia concepita per formare gli artisti emergenti ancora non entrati in contatto con realtà discografiche, editoriali o manageriali.

“Per troppo tempo il mondo della discografia si è nutrito dell’ignoranza degli artisti”, hanno dichiarato Antonio Greco e Michele Scotti, fondatori di Music Business Italia e Chiaro Records: “Chiaro Records vuole cambiare le regole del gioco: un artista emergente deve firmare un contratto solo quando è consapevole di ciascun dettaglio della macchina discografica, che sia la percentuale di proprietà dei Master, le attività editoriali o gli accordi con le varie agenzie di booking”.

“Il problema di questo settore è che l’artista emergente è quasi sempre il prodotto gratuito di qualcun altro”, precisa Greco: “Esempio banale: non conoscendo la differenza tra diritti d’autore e proprietà dei master, gli artisti emergenti si ritrovano, senza rendersene conto, a regalare i propri brani, la propria creatività e tutto ciò che concerne il proprio progetto artistico alle label, perdendone completamente il controllo”.

Il debutto di Chiaro Records avrà luogo venerdì 14 novembre 2025 con “Soldi”, il primo singolo di Luca Mangia, 22enne rapper monzese in arte Stamina, prodotto da Malogrido e Kavah (produttore di Willie Peyote): a inizio 2026, Chiaro Records pubblicherà anche il primo, eponimo album dell’artista, composto da dieci tracce sempre prodotte da Malogrido e Kavah. Stamina presenterà al pubblico il suo primo singolo, Soldi, venerdì 14 novembre 2025 al Legend Club di Milano, in occasione della seconda data del contest di freestyle Tecniche Perfette.

Nasce Chiaro Records

La nuova etichetta è lanciata da Music Business Italia con la collaborazione di Believe

Nel terzo trimestre 2025 Live Nation ha visto i propri ricavi crescere dell’11% su base annua a quota 8,5 miliardi di dollari, con un reddito operativo a +24% a quota 793 milioni di dollari: la performance della multinazionale americana è stata trainata da un aumento del 60% degli show organizzati a livello globale (+60% su base annua) con una spesa dei fan in crescita nelle arene (+8%) e ai festival (+6%).

La divisione dedicata al live promoting ha visto aumentare i propri ricavi dell’11% a 7,3 miliardi di dollari, mentre Ticketmaster - ramo d’azienda dedicato alla biglietteria - ha registrato una crescita del proprio fatturato del 15% a 798 milioni di dollari. A completare il quadro, le prestazioni di Live Nation Sponsorship, cresciuta del 13% a quota 443 milioni di dollari.

Per l’ultimo quarto di quello che il gigante guidato da Michael Rapino continua a definire il proprio “anno più forte di sempre” le previsioni sono di una crescita del 4% nella vendita dei biglietti, che ci si aspetta tocchi i 160 milioni di unità smerciate entro fine dicembre. Per il 2026 gli show nelle venue di grandi proporzioni “cresceranno a doppia cifra”, così come le vendite di biglietti per i concerti in stadi, arene e festival, e gli incassi medi per i concerti di tutte le proporzioni.

"La forte domanda dei fan ha guidato un altro trimestre record, mentre continuiamo ad attrarre più fan a più spettacoli a livello globale”, ha commentato Rapino: “Grazie a questi fattori favorevoli, il 2026 inizia alla grande con un aumento a due cifre della nostra pipeline di show in grandi sale e un aumento dei livelli di sell-through per questi spettacoli. Allo stesso tempo, continuiamo a investire in nuove venue per far crescere il mercato, creare posti di lavoro e offrire agli artisti ancora più modi per raggiungere i fan, posizionando Live Nation su un percorso chiaro per un reddito operativo in crescita a doppia cifra per quest’anno, e continuando a questo livello di crescita nei prossimi anni".

Live Nation, nel Q3 2025 ricavi su dell’11% a $8,5 miliardi

Michael Rapino: ‘Un altro trimestre record’

Si chiude con una grande rivoluzione interna il 2025 di Warner Music Italy: come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-738564/warner-music-italy-nuovo-corso-intervista-pico-cibelli-gianluca-guido">anticipato dal CEO Pico Cibelli (nella foto, a sinistra) e dal Vice President&nbsp;Gianluca Guido (a destra)&nbsp;già nel 2023</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic">reso ufficiale pochi giorni fa</a>, la filiale italiana della major ha ridefinito il proprio assetto aziendale basando la propria divisione frontline su due marchi storici, Warner Records e Atlantic Records, con un inevitabile mutamento del proprio organico.

A capo di Warner Records è stata nominata Eleonora Rubini come Label Director, con Leonardo Luan come Head of A&amp;R, Ruth Hagos come Senior A&amp;R Urban, Anna Rampinelli come Head of Marketing e Sara Daniele come Head of Promotion.

Le redini di Atlantic Records sono state affidate al <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743739/professione-aandr-intervista-marco-masoli-warner-music-italy">già A&amp;R Director</a> Marco Masoli come Label Director, con Filippo Gimigliano come Head of A&amp;R, Riccardo Primavera come Senior A&amp;R Urban, Gianluca Covezzi come Head of Marketing e Eleonora Bruno come Head of Promotion.

Ogni struttura dispone di un account digitale dedicato e Project Manager, A&amp;R e Promotion Manager che riportano ai rispettivi team dirigenziali. I quali, a loro volta, riportano al Vice Presidente di Warner Music Italy Gianluca Guido, collegamento tra le due etichette e il Presidente e CEO.

“Da tre anni a questa parte siamo un treno in corsa. Siamo arrivati e siamo partiti a mille”, riflettono Cibelli e Guido nella sala panoramica di WMG Italy che affaccia sullo skyline di Porta Nuova, a Milano: “Per come la vediamo, però, adesso è arrivato il momento di concentrarci su quello che abbiamo fatto. Siamo stati bravi, diamoci pure una pacca sulla spalla. Ora dobbiamo mettere a fuoco i nostri obiettivi e alzare ulteriormente il livello qualitativo”. Come? “Innanzitutto con una pulizia del roster: abbiamo già operato alcuni tagli, perché adesso ci focalizzeremo ancora di più su ogni singolo passo che faremo con gli artisti. In una prima fase siamo effettivamente stati un po’ aggressivi perché l’azienda stava uscendo da un periodo di stasi: non avevamo una cantera. Oggi, al contrario, siamo in una fase nella quale possiamo scegliere, e - infatti - spesso ci tocca dire no. Quality vs Quantity”. Quello, in sostanza, che gli anglofoni chiamano happy problem. “Sta accadendo quello che, quando siamo partiti, quasi ci sembrava un miraggio. Avere così tanti artisti che vogliono lavorare con noi da avere l’imbarazzo della scelta…”. 
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<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747855/warner-music-italy-risultati-2024-obiettivi-intervista-guido-cibelli">Un anno fa</a> avevate parlato della fine della luna di miele seguita al lancio della “nuova” Warner Music Italy, e al fatto che “il gioco, andando avanti, si sarebbe fatto sempre più difficile”. E’ andata davvero così?

Cresciamo da tre anni a doppia cifra, quindi - ricordandomi di aver parlato della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747855/warner-music-italy-risultati-2024-obiettivi-intervista-guido-cibelli">riconferma come obiettivo</a> - possiamo dire “missione compiuta”. Oggi siamo in quella che si potrebbe dire “fase della maturità”, dove la priorità è capire dove stiamo andando, cosa stiamo facendo e - soprattutto - come farlo meglio. Quindi, come accennavamo prima, concentrarsi al massimo sugli artisti, anche al costo di limare il roster, perché mai come in questa fase storica l’artista è al centro di tutto.

Cosa ve lo fa capire?

Dopo un’epoca di grandi canzoni, adesso è l’artista il centro di gravità attorno al quale ruota tutto il sistema industriale. Quindi servono creatività, tempo e risorse. Per lavorare in un contesto del genere, serve mettere la testa su ogni singolo dettaglio.

Il fatto di evitare la dispersione di risorse ed energie si tradurrà in maggiori attività sul fronte di acquisizione dei cataloghi?

Crediamo proprio di sì. Là fuori ci sono molte occasioni e sta a noi trovarle e sfruttarle al meglio.

C’è molta concorrenza, in questo settore?

Decisamente: non è una partita che stiamo giocando da soli e la competizione è altissima, perché poter contare sulle rendite dei cataloghi è importante per le aziende che operano in questo settore. Ci piace pensare, però, che non sia solo una questione di soldi. Pensiamo, per esempio, all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749477/warner-music-italy-partnership-su-piu-fronti-con-saifam-group">accordo che abbiamo siglato con Saifam Group</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754815/addio-a-mauro-farina-co-fondatore-di-saifam-group">il compianto Mauro Farina</a>. Con Renato [Tanchis, già Director Catalogue and Strategic Marketing di WMG Italy, ora a capo di ADA, ndr] avevamo costruito una relazione con lui prima ancora di arrivare in Warner Music. Un rapporto basato innanzitutto sulla fiducia.

Farina aveva citato l’accordo con voi come esempio virtuoso di collaborazione tra major e indie…

La fortuna di fare questo lavoro è che se sei corretto, ti comporti da persona seria e mantieni le promesse che fai, alla lunga vieni ripagato. Certo, tutti commettiamo errori. Ma nel momento in cui dimostri di avere un certo atteggiamento al quale resti fedele, alla fine i tuoi meriti vengono riconosciuti, traducendosi in notevoli vantaggi, anche nella routine lavorativa quotidiana.

A maggio, Pico, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752161/wmg-italy-cibelli-nella-global-power-players-2025-di-billboard-usa">sei stato incluso nella Global Power Players 2025 di Billboard USA</a>: cosa ha significato, per te, questo riconoscimento?

[Cibelli] Non me l’aspettavo, davvero. L’ho scoperto una mattina, per caso, da una nostra mailing list interna. E’ la prima volta che capita a un italiano, e penso sia incredibile. Non lo considero, tuttavia, un riconoscimento rivolto solo a me e alla mia carriera, ma a tutto il lavoro fatto dal team di Warner Music Italy in questi tre anni. E come quando si vince un Oscar: magari lo vince il regista, ma il merito va anche a tutto il cast, agli sceneggiatori, alla produzione e a chiunque abbia lavorato al progetto. Ancora più in generale, credo sia un riconoscimento all’industria musicale italiana, compresi i nostri concorrenti. Il nostro settore è composto da professionisti di altissimo livello.

Quando si parla di mercati globali, quella italiana - generalmente - è considerata una realtà sì sviluppata, ma, per così dire, di seconda fascia: rispetto ai tedeschi e ai francesi, siamo quelli poveri, ma bravi… Ma questa rappresentazione quanto corrisponde alla realtà?

Il problema dell’Italia, che per esempio la Spagna non ha, è la lingua. Da un punto di vista numerico, il nostro mercato ha ancora moltissimo, da dare, soprattutto in termini di revenue. Il segmento del digitale che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753743/fimi-mercato-musicale-registra-10-primo-semestre-2025">continua a crescere a doppia cifra</a>, per come la vediamo, è un ottimo segnale. D’altro canto, il nostro grande problema è che esportiamo poco. Il che ci porta a investire molto nel repertorio locale, ma in modo sproporzionato, se considerato in rapporto a quanto le nostre produzioni viaggiano all’estero. Stiamo ragionando molto su questo aspetto, perché il caso dei Maneskin - del quale siamo stati testimoni oculari diretti quando eravamo in Sony Music Italy - è da considerare a sé, e soprattutto difficilmente replicabile. Un’idea per riaprire opportunità internazionali potrebbe essere quella di tornare a concentrarci sulla dance, genere che, grazie ad artisti come Gabry Ponte, Benny Benassi, Eiffel 65, Bloody Beetroots e Meduza, solo per citarne alcuni, ci ha sempre visto in una posizione centrale, a livello globale. Oppure puntare sulle produzioni geolocalizzate, come abbiamo fatto per il featuring di C. Gambino con Baby Gang su “Mentalité” in Scandinavia”.

E’ possibile che Warner Music Italy possa mettere sotto contratto artisti stranieri?

E’ una cosa che in genere passa dalle country di origine dell’artista, ma sì, potrebbe accadere. Marco [Alboni, ex Presidente di WMI, ndr] fece un grande colpo prendendo Dennis Lloyd da Time Records: ancora oggi vediamo i risultati delle sue hit globali. La sfida, adesso, è capire se siamo in grado di sviluppare un progetto italiano con respiro internazionale. In questo senso siamo fortunati, perché il team EMEA [Europa, Medio Oriente e Africa, ndr]&nbsp;di Warner Music è molto sensibile, al riguardo. Però, sia chiaro, non si tratta di tradurre una canzone in una lingua diversa dall’italiano: la chiave è costruire progetti che abbiano una mentalità internazionale fin dal giorno zero. Dobbiamo pensare in maniera diversa…

Tornando all’Italia, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748533/sanremo-2025-il-cast-dal-punto-di-vista-della-discografia">nel 2025</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-741010/sanremo-2024-il-cast-dal-punto-di-vista-della-discografia">nel 2024</a> siete stati l’etichetta più rappresentata al Festival di Sanremo…

Sì, sono stati due anni fortunati.

Considerate la presenza preponderante nel cast del Festival come una prova della bontà del vostro lavoro?

No, più che altro è una questione di business. Negli ultimi anni, Sanremo ha sempre avuto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752941/classifiche-italia-primo-semestre-2025-olly-in-testa">un forte impatto</a> sulle chart annuali, quindi avere tanti artisti al Festival vuol dire essere nelle playlist, avere più opportunità di fare hit e tutto il resto. Detto ciò, non ne facciamo una questione numerica, perché a vincere Sanremo non è chi ha più artisti nel cast, ma chi azzecca più successi. Quindi non è il fatto di esserci con 10, 12 o 15 artisti, ma esserci con le canzoni giuste. Sanremo è un tassello importante della nostra strategia.

Oltre a quello Kids, quali altri segmenti sono strategici per Warner Music Italy?

La chiave, per come la vediamo noi, è “di tutto un po’”. Ci stiamo avviando a diventare un mercato maturo, dove gli iscritti ai DSP hanno una confidenza del mezzo tale da portarci ad avere proposte diverse per target diversi. Quindi, dopo un primo periodo di penetrazione, adesso andremo a mirare su tutte le aree tematiche dove, al momento, siamo meno presenti, cercando di colmare le lacune nella nostra offerta evitando di creare doppioni che vadano a sovrapporsi sugli stessi target. Direi che, al momento, siamo messi abbastanza bene su tutti i fronti. Una delle aree di business che stiamo sondando e nella quale vorremmo entrare è quella del merchandising: pur non avendo una vera e propria divisione dedicata, abbiamo avuto diversi esempi molto positivi sia in Italia (con Annalisa e The Kolors) che a livello internazionale (con gli Oasis): il nostro gruppo ha una grande volontà di dedicarcisi, e noi stiamo lavorando sullo sviluppo domestico del fronte già da un anno”.

Warner Music Italy: il momento di pensare in grande, da grandi

L’ingresso in una nuova fase nel racconto del CEO Pico Cibelli e del Vice President Gianluca Guido

Nel terzo trimestre del 2025 Spotify ha visto i suoi ricavi crescere del 12% su base annua, toccando quota 4,3 miliardi di euro: tra gli scorsi mesi di luglio e settembre il DSP svedese ha visto i propri abbonati crescere del 12% su base annua (a quota 281 milioni) e gli utenti attivi mensili crescere dell’11% - sempre su base annua - a quota 713 milioni.

Il margine operativo lordo è aumentato di 56 punti base su base annua, raggiungendo il 31,6%, con un reddito operativo a quota 582 milioni di euro.

“Il business è in salute. Stiamo lavorando più velocemente che mai”, ha dichiarato Daniel Ek, Fondatore e CEO (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754434/spotify-cambio-ai-vertici-ek-lascera-il-ruolo-di-ceo">fino alla fine del prossimo dicembre</a>, prima di assumere il ruolo di Presidente Esecutivo e di cedere la propria posizione a Gustav Söderströmm, attualmente co-presidente e Chief Product and Technology Officer, e Alex Norström, dal 2023 co-presidente e Chief Business Officer) di Spotify: “E abbiamo gli strumenti di cui abbiamo bisogno - prezzi, innovazione di prodotto, leva operativa e la ripresa degli annunci pubblicitari - per garantire sia la crescita dei ricavi che l'espansione dei profitti. Tutto è volto a porre l’utente al centro ed è qui che ci troviamo: 700 milioni di utenti che continuano a tornare sulla piattaforma, con livelli di coinvolgimento mai così alti. Stiamo costruendo Spotify pensando al lungo termine”.

Spotify, nel Q3 2025 ricavi a +12%

A quota 4,3 miliardi di euro. Ek: ‘Il business è in salute’

Il CEO di FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana Enzo Mazza ha accolto molto favorevolmente <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">l'accordo siglato tra Universal Music Group e Udio</a>, uno dei principali player e livello mondiale nel settore dell’intelligenza artificiale generativa in campo musicale. L’intesa - che oltre a definire i rapporti tra le due aziende chiude un contenzioso legale avviato un anno e mezzo fa - è stata presentata da Mazza in un articolo pubblicato da Repubblia come “una vittoria per gli artisti e i loro fan”.

Il nuovo corso inaugurato dal gruppo Universal Music e Udio - osserva il CEO di FIMI - “protegge gli artisti umani dalla concorrenza sleale della musica generata da AI, e consente ai fan di accedere a contenuti per creare opere verticali, remixare canzoni e utilizzare la voce degli artisti che decidono di fare opt-in nella nuova piattaforma di Udio, contrariamente a quanto avvenuto fino ad oggi con lo scraping indiscriminato della musica protetta per l’addestramento dei sistemi di AI generativa”.

“Dopo l’era di Napster e della pirateria digitale, trasformatasi poi in un’opportunità con lo streaming musicale, l’industria musicale dimostra ancora che tramite l’adattamento di modelli di licenza esclusivi ed innovativi si possono difendere i diritti degli artisti anche nell’era dell’intelligenza artificiale”, ha concluso Mazza.

Accordo UMG / Udio, Mazza (FIMI): ‘Vittoria per artisti e fan’

A dimostrazione che 'si possono difendere i diritti anche nell’era dell’intelligenza artificiale'

L’edizione 2026 dello Sziget Festival (annunciata oggi, martedì 4 novembre,&nbsp;per la settimana compresa tra i&nbsp;prossimi 11 e 15 di agosto) fino a pochi giorni fa era tutto meno che scontata. In pochissimi, oltre i confini ungheresi, erano al corrente che una delle manifestazioni musicali più note a livello europeo, che in trentadue anni ha richiamato sull’isola di Obuda, a pochi chilometri dal centro di Budapest, 11 milioni di spettatori da tutto il mondo, fosse sul bordo del precipizio.

Eppure, lo scorso agosto, il comunicato ufficiale di chiusura dell’edizione 2025 della rassegna parlava di “un trionfo” suggellato da 416mila paganti e oltre mille performance: non esattamente la rappresentazione di un festival in sofferenza. Qualcosa, però, dietro le quinte dello Sziget qualcosa s’era già inceppato. Da parecchio tempo, per giunta.

Per avere un quadro più chiaro della situazione bisogna fare qualche passo indietro. Nel 1993 i fondatori del festival, Károly Gerendai e Müller Péter Sziámi, aprono una società -&nbsp;la Sziget Cultural Management Ltd - per organizzare quello che&nbsp;all’epoca&nbsp;era poco più di un raduno studentesco dedicato ai giovani di Budapest. In vent’anni il festival cresce a dismisura, diventando una delle manifestazioni estive più popolari a livello internazionale. Un po’ per ragioni personali e un po’ per rafforzare la posizione del festival in un contesto reso sempre più competitivo dall’aumento vertiginoso degli ingaggi richiesti dagli artisti, nel 2017 Gerendai cede&nbsp;il 70% delle quote della società fondata con&nbsp;Sziámi (uscito dal capitale già nel 2007)&nbsp;al gruppo anglo-statunitense <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/superstruct-entertainment-484304">Superstruct Entertainment</a>, attraverso il fondo Providence Equity Partners.

Superstruct è una realtà enorme, che vanta nel proprio portfolio altri festival di altissimo profilo come - tra gli altri - il Wacken Open Air e il Sónar, ma nulla può contro la pandemia: come altri grandi raduni di richiamo internazionale - tra gli altri, il Primavera Sound e il Glastonbury -&nbsp;anche lo Sziget è costretto allo stop forzato nelle estati del 2020 e del 2021. Nel 2022, quanto il festival riapre i battenti, le vendite al botteghino restano buone, ma la società organizzatrice del festival va in perdita. Il rosso si replica anche in occasione delle edizioni successive, fino a che - nel 2024 - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745339/kkr-acquisisce-superstruct-musica-dal-vivo-concerti-festival">Superstruct viene acquisita dal gigante del private equity KKR</a>. Che, conti alla mano, preferisce&nbsp;concentrarsi sugli eventi nell’Europa occidentale tagliando, altrove,&nbsp;i rami secchi - Sziget, suo malgrado, incluso.

E qui torna&nbsp;in scena Gerendai. Per salvare un evento che non solo rappresenta un simbolo per Budapest e l’Ungheria, ma che riversa sulla capitale magiara e sull’intero paese una discreta ricaduta in termini di indotto, il co-fondatore&nbsp;viene&nbsp;chiamato&nbsp;a riprendere il timone della sua creatura per salvarla. Ci sono, però, due problemi da risolvere.

Il primo, ovviamente, è tornare in possesso del marchio Sziget. La società originale fu ceduta a Supersturct in termini molto vantaggiosi per&nbsp;Gerendai&nbsp;e Sziámi. Nonostante Gerendai, oggi, da una prospettiva commerciale si trovi&nbsp;in una posizione tutto sommato favorevole, rilevare il brand - in termini finanziari - resterebbe un’operazione troppo impegnativa per una newco che - a conti fatti - è partita praticamente da zero. I termini degli accordi che hanno regolato il rientro sulle scene del fondatore, al momento, non sono stati resi noti - li abbiamo chiesti allo stesso Gerendai: siamo in attesa di risposta. Fonti di stampa ungheresi parlano di una concessione del brand in licenza alla newco magiara&nbsp;da parte di&nbsp;Supersturct, ma - a oggi - nessuna indiscrezione è stata ufficialmente confermata.

Il secondo ostacolo&nbsp;riguarda la concessione, da parte del Comune di Budapest, degli spazi sull’isola di Obuda. A ingarbugliare la situazione, su questo fronte, è più la politica dell’economia. Il sindaco della capitale ungherese è Gergely Karácsony, esponente di Párbeszéd – A Zöldek Pártja, partito di sinistra all’opposizione dell’attuale maggioranza guidata dal conservatore Viktor Orban: i tre schieramenti più rappresentati in consiglio comunale sono Fidesz (il partito dello stesso Orban), Tisza (formazione di centro destra fondata e guidata dall’astro nascente della politica nazionale - e probabile avversario di Orban alle prossime elezioni politiche - Péter Magyar) e una coalizione di formazioni composta da formazioni minori. In un primo momento sia Fidesz che Tisza si sono astenute dalla votazione per il sì al rinnovo della concessione dell’isola agli organizzatori dello Sziget, di fatto sfrattando il festival dalla sua venue storica. Poi, pochi giorni fa, grazie all’intervento dello stesso Magyar, organizzatori e comune sono riusciti a trovare un’intesa, offrendo a Gerendai un contratto di concessione decennale - con scadenza nel 2036 - pagabile in tre rate entro il 2030.

E così, finalmente, sono arrivati il lieto fine e le relative dichiarazioni ufficiali riguardanti la prossima edizione.&nbsp;"Per il 2026, lavoriamo per lo stesso obiettivo di sempre: continuare a far crescere il Sziget come uno dei festival più importanti d'Europa, con la solida programmazione e il fascino internazionale che lo hanno reso un evento unico per decenni”, ha fatto sapere il CEO di Sziget Tamás Kádár, elemento storico del team di Gerendai rimasto al timone del festival anche durante la gestione operata dal gruppo britannico: "Il periodo di coinvolgimento operativo di Superstruct nel festival ci ha permesso di superare la pandemia e di investire nella qualità dell'esperienza del festival per i visitatori provenienti da tutta Europa: siamo grati per tutto il loro supporto”.

"Lo Sziget di quest'anno ha già mostrato sviluppi molto positivi, fornendoci una solida base su cui costruire”, ha aggiunto Gerendai: “Allo stesso tempo, c'è sempre molto lavoro da fare per garantire al festival un posto speciale nel cuore dei fan che ci visitano da tutto il mondo. Il nostro obiettivo ora è enfatizzare ancora di più l'identità e i valori unici dello Sziget. Non solo attraverso gli artisti principali, ma anche approfondendo il significato culturale del festival e il suo legame con Budapest".

Venerdì 7 novembre a mezzogiorno inizierà una prevendita esclusiva di 48 ore per i pass completi per il Sziget Festival 2026, con prezzi a partire dagli stessi prezzi dell'edizione dello scorso anno. Le preregistrazioni si chiuderanno mercoledì 5 novembre a mezzogiorno e saranno disponibili sul sito www.szigetfestival.com.

Lo Sziget ha rischiato grosso, ma (per ora) si è salvato

Il festival ungherese evita la chiusura tornando in mano al suo fondatore per le prossime edizioni

Dopo diversi investimenti milionari (tra cui quello in Rebellion Records, specializzata in musica virale, e in&nbsp;AntiFragile Equity Partners, specializzata nella valorizzazione di cataloghi poco conosciuti), Too Lost annuncia un'altra novità che va a posizionarla tra le avanguardie della distribuzione. Si tratta di una partnership con&nbsp;Xposure Music, una società tech che si occupa di finanza e funding&nbsp;in ambito musicale. La sinergia dovrebbe essere volta a accelerare il finanziamento dell'acquisizione di cataloghi indipendenti.

Too Lost, quindi, fornirà servizi di distribuzione e gestione diritti, mentre i cataloghi saranno acquisiti e controllati direttamente da Xposure Music, dopo un'attenta analisi dei big data per individuare quelli più promettenti in termini di redditività. Tra le prime acquisizioni effettuate&nbsp;attraverso la partnership ci sono brani di artisti indipendenti del calibro di&nbsp;Tskinz, Fukkit, Fly Rich Double, FLVME e&nbsp;Secret!

Nuova mossa per Too Lost: una partnership con Xposure Music

La società di distribuzione aveva già fatto diversi investimenti milionari di recente

Si terrà tra i prossimi 6 e 8 novembre presso gli spazi di Officina Pasolini, a Roma, l’edizione 2025 degli Stati Generali dello Spettacolo: l’evento - promosso da Left Wing in collaborazione con Officina Pasolini e curato da Annarita Masullo - “riguarderà - spiega la nota di presentazione - problematiche, sfide e prospettive dei mondi dello spettacolo e della cultura che continuano a vivere in un contesto caratterizzato da incertezza, inadeguatezze normative e mancanza di investimenti certi e strutturati”.

“I temi sui quali si concentrerà la terza edizione degli Stati Generali sono stati scelti per offrire occasioni di confronto sia su problematiche urgenti che su prospettive future per il settore”, proseguono gli organizzatori: “Si spazierà dall’intelligenza artificiale all’accessibilità dei luoghi dello spettacolo, passando attraverso la discussione sul Codice dello Spettacolo e un tema che da mesi è al centro del dibattito politico sul cineaudiovisivo come il Tax Credit. Sarà dato spazio anche allo stato dell’industria culturale e creativa e alle sue prospettive con un tavolo di lavoro dedicato all’economia della cultura e a un approfondimento sull’ottenimento di una legge a tutela degli spazi culturali e dei festival”.

Il programma completo degli incontri è disponibile sul sito ufficiale dell’evento all’indirizzo www.statigeneralidellospettacolo.it.

Roma, al via gli Stati Generali dello Spettacolo 2025

Dal 6 all’8 novembre a Officina Pasolini

Forse è solo una coincidenza legata all’assenza, tra le uscite discografiche delle ultime settimane, di grandi dischi rap, o forse è un vero e proprio segno dei tempi. Quel che è certo è che per la prima volta in 35 anni, tra le prime quaranta posizioni della Billboard Hot 100, la classifica settimanale relativa ai 100 brani di maggiore successo negli Stati Uniti, non c’è traccia di brani rap. Analizzando i dati della settimana che va dal 19 al 25 ottobre, per trovare il primo brano ascrivibile al genere bisogna scendere fino alla&nbsp;posizione #44, occupata da Cardi B e Kehlani con “Safe”. Una situazione simile si riscontra anche nell’ultima settimana rilevata, quella dal 26 ottobre all’1 novembre, in cui il primo brano rap si attesta alla posizione #43, occupata da YoungBoy Never Broke Again con “Shot Callin’”. Dalla posizione #42 in su è tutto un trionfo di k-pop (a partire dai brani della colonna sonora del film fenomeno di Netflix “Kpop Demon Hunters”), pop (Benson Boone, Tate McRae, Justin Bieber, Sabrina Carpenter), nuovo country (Luke Combs, Morgan Wallen) e, naturalmente, Taylor Swift (che piazza praticamente tutti i brani del suo ultimo album, “The life of a showgirl”, conquistando la vetta con “The fate of Ophelia”). La musica black si concede qualche incursione, ma solo grazie all’R&amp;B (Tinashe, Ravyn Lenae, Olivia Dean, Chris Brown).

<h2>Il record (negativo)</h2>

L’assenza di brani rap tra le prime quaranta posizioni della Billboard Hot 100, che viene stilata combinando lo streaming dei singoli sulle piattaforme, le vendite digitali e i passaggi in radio, non si registrava dal 1990. Era il 2 febbraio 1990 quando “Just a friend” di Biz Markie si fermò alla posizione #41, salvo poi balzare alla ventinovesima la settimana successiva dando inizio a quella scalata di canzoni rap nella top 40 della Hot 100 che sarebbe durata per i successivi trentacinque anni, otto mesi e tre settimane. Come riportato proprio da Billboard, le recenti modifiche alle regole della metodologia con la quale viene stilata la Hot 100 potrebbero aver contribuito alla fine di questa striscia positiva. In base alle nuove regole, se dopo 26 settimane in classifica una canzone scende al di sotto della posizione #25, non viene più conteggiata: è il motivo che ha portato all’uscita di “Luther” di Kendrick Lamar e Sza, che era scesa alla posizione numero 38 della Hot 100 della settimana precedente, alla sua quarantaseiesima settimana di permanenza nella classifica. Rimane però il fatto che nessun’altra canzone rap è riuscita a entrare nella top 40.

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<h2>La tendenza al ribasso (anche in Italia)</h2>

Il dato è l’ultimo segnale di un recente calo del predominio commerciale del rap nelle classifiche, che si è registrato non solo negli Usa ma anche da quest’altra parte dell’Atlantico, nel nostro Paese. Guardate l’ultima versione della classifica FIMI relativa ai dischi più venduti della settimana. Al primo posto c’è un album di un artista classic pop, Tiziano Ferro, seguito al secondo posto da Olly con “Tutta vita (Sempre)”. Al terzo posto c’è un rapper, Ernia, con il suo “Per soldi e per amore”, ma sono lontani i tempi in cui il genere monopolizzava la top ten. Al quarto posto c’è il cofanetto “Nebraska ’82: Expanded Edition” di Bruce Springsteen, al quinto altro pop con “Antologia della vita e della morte” di Irama. Al sesto troviamo l’album di Charlie Charles, “La bella confusione”, al settimo “Discordia, armonia e altri stati d’animo” di Mecna, all’ottavo “The life of a showgirl” di Taylor Swift, al nono “Ma io sono fuoco” di Annalisa e al decimo la colonna sonora di “Kpop Demon Hunters”. Due anni fa la classifica nella stessa settimana di riferimento vedeva al primo posto Thasup con “Carattere speciale” e al secondo Lazza con “Sirio”. Nella top ten c’erano altri quattro dischi rap: “Salvatore” di Paky al quarto posto, “Botox” di Night Skinny al sesto, “Disumano” di Fedez al settimo, “Taxi driver” di Rkomi al nono.

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<h2>Un dato estemporaneo o un trend effettivo?</h2>

Bisogna fare attenzione, però, a non scambiare un dato estemporaneo con un effettivo trend. Se infatti è senz’altro vero che il pop italiano sta vivendo un momento d’oro, e che negli Stati Uniti il k-pop e il country stanno creando fan-base sempre più ampie, ad analizzare il quadro generale il rap sembra tutt’altro che spacciato. Basta dare uno sguardo alla Billboard 100 degli album per notare che la prospettiva si ribalta: nella settimana dal 26 ottobre all’1 novembre, infatti, sono presenti ben 18 album rap, di cui 8 nella top 40. Molti di essi sono prodotti d’annata (come “Curtain Call: the Hits”, una raccolta di Eminem pubblicata nel 2005 e attualmente alla n°37), altri nomi sono super ricorrenti (il solo Drake è presente con ben sei album: “Take Care”, “$ome $exy $ong 4 You” con PartyNextDoor, “Views”, “For All the Dogs”, “Certified Loverboy” e “Scorpion”). Se sui singoli brani il pop predomina, insomma, sui formati più lunghi e longevi l’hip hop continua a dimostrarsi ben ancorato al mercato. In Italia la solidità del genere è invece evidenziata soprattutto dalle certificazioni: se prendiamo in esame i dischi di platino certificati da inizio agosto a fine ottobre 2025, i prodotti rap che hanno ottenuto la targhetta sono stati 17 su 40, e per la stragrande maggioranza si tratta di rap italiano. Insomma, magari le nuove uscite partono più a rilento rispetto a un tempo, ma sul lungo periodo dalle nostre parti si continua ad ascoltare tantissimo hip hop locale, anche d’annata.

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<h2>Le cifre, analizzate</h2>

Billboard sottolinea che comunque una flessione nell’ultimo periodo c’è stata. La quota di mercato complessiva dell’hip hop negli Usa ha raggiunto un picco nel 2020, quando si è avvicinata al 30%. Era scesa a poco più del 25% nel 2023 e si è attestata al 24% nel 2025, fino alla settimana del 23 ottobre. Nella classifica Hot 100 della settimana equivalente di cinque anni fa (datata 24 ottobre 2020), ben 16 delle prime 40 erano canzoni rap, mentre nella classifica equivalente di due anni fa (28 ottobre 2023) c'erano otto canzoni rap nella top 40. Resta però possibile che sia una contingenza temporanea, ed è senz’altro prematuro trarre conclusioni sulla base delle classifiche dei singoli, da sempre estremamente fluttuanti e negli ultimi anni anche molto influenzate dalla viralità.

È finita la festa per i rapper? Il dato della classifica Usa

Per la prima volta in 35 anni non ci sono brani rap nella top 40 americana: un segno dei tempi?

C’è soddisfazione per la diciannovesima edizione di Hit Week, il festival itinerante dedicato all’export musicale italiano che tra gli scorsi 17 e 21 ottobre ha fatto tappa a Miami e Los Angeles: FIMI, che insieme a Italian Trade Agency è tra i finanziatori del progetto, in una nota ufficiale ha parlato di “grande successo” per l’evento di quest’anno, “caratterizzato da un focus sull’intersezione tra musica e cinema con una riflessione sul ruolo sempre più dinamico delle sincronizzazioni, che ricoprono il 3% del fatturato italiano del 2024”.

<a href="https://www.rockol.it/gallerie-fotografiche/8669/hit-week-2025">Guarda la gallery di Hit Week 2025</a>.

Oltre alle performance dei due headliner di Hit Week 2025 - la cantautrice e producer Joan Thiele, che ha proposto un set semi-acustico introspettivo, e i Calibro 35, che hanno offerto un’immersione nelle colonne sonore degli Anni Sessanta e Settanta - la manifestazione, grazie ai panel e agli incontri professionali, “ha confermato la sua vocazione nell’attivare relazioni internazionali di rilievo attraverso l’attività di networking tra operatori dell'industria musicale e delle istituzioni culturali sia italiane sia statunitensi, grazie a diversi workshop e panel organizzati in sedi prestigiose”, “raggiungendo l’obiettivo dell’amplificazione dell'impatto significativo che la musica italiana ricopre nello scenario globale, e promuovendo non solo artisti e repertori, ma anche un’immagine di comparto dinamico e competitivo”.

Hit Week 2025, conclusa ‘con successo’ la 19esima edizione

Dopo gli appuntamenti a Miami e Los Angeles, con panel ed eventi live

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751569/stai-innovando-la-musica-raccontacelo-speciale-startup-musicbiz">Come già annunciato a metà dello scorso mese di maggio</a>, Rockol MusicBiz - la sezione di Rockol dedicata all’industria musicale - ha avviato un focus sulle start-up musicali italiane. Nelle prossime settimane, con cadenza regolare, su queste pagine presenteremo i profili delle nuove aziende che stanno cercando di innovare l’industria di settore combinando tecnologia a sensibilità artistica e creativa. Protagonista della puntata di oggi è…

Nome del progetto: Livist 
Anno fondazione: 2025 
Sede operativa: Bologna 
Nome e ruolo dei fondatori: Federico Russo, CEO e founder&nbsp;

Descrizione sintetica dell’attività:

Il progetto consta nella creazione Livist, un'applicazione che funga da punto di contatto tra artisti emergenti, locali/club/circoli culturali e pubblico desideroso di ascoltare nuova musica. Il nome rappresenta la crasi tra la parola Live e Artist, il fulcro da cui nasce tutto. 
Per l’ideazione di quest’app, ho cercato di mettere i cappelli dei tre macro-operatori in questione, nonché raccogliere pareri sul vivere il mondo della musica live:

·&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; da musicista di gruppi emergenti, ho spesso riscontrato difficoltà ad affacciarmi al mondo del live per&nbsp;far sentire la mia musica, oppure a sapere agevolmente dove trovare delle jam session a cui partecipare;

·&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; i locali non hanno la capienza e l’acustica adatta a tutti i musicisti, nonché problemi a calendarizzare in modo efficace gli eventi musicali, ricevendo quindi moltissime mail e richieste da artisti che per genere e numero dei componenti non coincidono con le possibilità e lo stile della venue;

·&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp; da curioso ascoltatore di musica inedita faccio spesso affidamento al passaparola, alle pagine social e siti web dei locali o di profili social adibiti agli eventi (spesso centralizzanti di eventi generalisti) o ad altre applicazioni che mostrano concerti prevalentemente a pagamento, nonché devo svolgere una ricerca attiva e dispersiva tra le già citate soluzioni.

Livist propone di unire tutto ciò in un’app intuitiva in cui utente, artista e locale con i rispettivi profili ed interfacce, possono comodamente scegliere, organizzare e vivere il mondo musicale intuitivamente e a portata di un tap.

C’è un plus per l’utente al quale dedico particolare attenzione: la community.

L’utente che partecipa all’evento desiderato, potrà entrare in contatto con gli altri partecipanti tramite chat interna, conoscendo a sua volta nuovi utenti; passato l’evento, l’utente guadagnerà punti XP che sommandosi andranno a sbloccare badge e riconoscimenti che gli permetteranno di ottenere scontistiche sul food &amp; beverage del locale, oppure sconti sul biglietto o sul merch dell’artista.

In questo micro/macro-cosmo, gli artisti potranno ottenere la visibilità che meritano (e partecipare a loro volta a jam session ed eventi aggreganti), gestendo in modo snello e pratico le programmazioni live in accordo con i gestori delle venue, che a loro volta darà una marcia in più nella scelta degli artisti in base al “dress code” musicale ideale e ad un’affluenza maggiore e controllata di clienti. Gli utenti avranno una sola app in cui cercare nuova musica, conoscere e chattare con gente affine e guadagnare punti che porterà ad un aumento attivo e partecipativo agli eventi.

Nel futuro di Livist è prevista l’integrazione della mobilità sharing e la creazione e partecipazione a talk di settore e laboratori di sensibilizzazione alla musica: tutto questo è il Livist MusicLab.

Voglio che Livist diventi per la musica emergente quello che Airbnb è stato per i viaggiatori: un sistema partecipativo e soprattutto umano. Dove la musica dal vivo è accessibile, sostenibile e realizzabile.

Stato attuale: idea

Partnership o investitori: al momento assenti

Contatti diretti: mail (federusso1996@gmail.com), tel 3454621463

Startup musicali, il focus: Livist

Una panoramica sulle realtà innovative italiane: oggi parliamo di…

Il turismo del live sta giocando un ruolo importante nell'incrementare il flusso di turisti verso gli Emirati Arabi Uniti: lo sostiene il&nbsp;Gulf Cooperation Council al termine di un recente studio, che ha analizzato i dati di flusso degli ultimi anni. I loro meriti, secondo il GCC, sarebbero diversi, e non riguarderebbero solo la loro capacità di attirare&nbsp;pubblico sul territorio

Innanzitutto, la&nbsp;loro costruzione alimenta il miglioramento delle infrastrutture circostanti e dell'offerta in termini di accoglienza, un dato che inevitabilmente si riverbera anche sul turismo "tradizionale" e non solo su quello musicale. In secondo luogo, difficilmente le arene restano tali: in genere si trasformano in una fonte di business a 360 gradi. L'esempio più lampante è quello dell'Al Dana Amphitheatre del Bahrain: aperto nel&nbsp;2021 per soli tre concerti (oggi sono oltre 25 all'anno), era un'arena all'aperto da 10.000 posti.&nbsp;Ad essa si è presto aggiunto un anfiteatro al chiuso da 3.500 posti, una serie di eventi itineranti, un nightclub da 600 posti e un'ulteriore venue all'aperto da 1.500 posti, il Desert Garden. E' ora in costruzione anche un centro congressi da 4.000 posti.

Tra gli altri fattori di catalizzazione citati dallo studio ci sono un mercato discografico particolarmente vivace come quello del Medio Oriente e un pubblico disposto a viaggiare: i fan della musica araba e nordafricana sono spesso persone altospendenti che si spostano in tutta la regione e anche a livello internazionale per partecipare a eventi sempre più spettacolari. Molto importante anche l'attenzione alla diversità delle varie sottoculture presenti sul territorio, come nel caso della Coca-Cola Arena di Dubai, una città dove si parlano otto dialetti diversi e che attira pubblico da tutto il mondo, tanto che il calendario accoglierà presto anche concerti di artisti iraniani, greci e turchi.

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Le grandi arene stanno trainando il turismo degli Emirati

Lo sostiene il Gulf Cooperation Council al termine di un recente studio

Che i giapponesi siano particolarmente affezionati al formato fisico è cosa già nota, tanto che molti prodotti, locali e non, vengono stampati appositamente per quel mercato. Ora, però, una delle aziende simbolo del Giappone sembra voler fare&nbsp;la stessa&nbsp;scommessa anche in un territorio dove di solito l'operazione funziona molto meno: gli Stati Uniti. E' stato deciso, infatti, che la colonna sonora del videogame&nbsp;“The Legend of Zelda: Breath of the Wild” verrà pubblicata in vinile anche negli USA, in collaborazione con l'etichetta&nbsp;Laced Records.

In uscita a giugno 2026, ma in preorder già da questa settimana,&nbsp;è un prodotto da collezione a tutti gli effetti, con una versione in doppio LP e un boxset da 8 LP, entrambi disponibili sia in versione nera che colorata, con prezzi che variano dai 49,99 dollari ai 194,99 dollari. Gli artwork si basano su disegni e&nbsp;materiale di studio degli sviluppatori del gioco. Se dovesse funzionare, è possibile che si tratti del primo vinile di una lunga serie.

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Nintendo si apre al mercato del fisico anche negli USA

Pubblicherà anche in territorio americano il vinile di “The Legend of Zelda: Breath of the Wild”

L’associazione di categoria americana di artisti e autori Music Artists Coalition ha diffuso pubblicamente un documento firmato da uno dei suoi fondatori - Irving Azoff, negli anni Ottanta a capo della MCA, successivamente passato a Warner Music (grazie alla quale lanciò Giant Records) e poi diventato CEO di Ticketmaster e Presidente di Live Nation, e attualmente impegnato nel settore della gestione dei diritti come co-fondatore e presidente di Iconic Artists Group - dove vengono poste domande importanti riguardanti l’accordo chiuso la scorsa settimana tra Universal Music Group e la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">startup di intelligenza artificiale generativa Udio</a>.

"Ogni progresso tecnologico offre delle opportunità, ma dobbiamo assicurarci che non avvenga a scapito delle persone che effettivamente creano la musica: artisti e autori", ha precisato Azoff: “Abbiamo già visto situazioni simili: tutti parlano di 'partnership', ma gli artisti finiscono in disparte con gli scarti. Gli artisti devono avere il controllo creativo, un giusto compenso e chiarezza sugli accordi conclusi in base ai loro cataloghi”.

Secondo Azoff “qualsiasi sistema musicale basato sull'intelligenza artificiale” dovrebbe rispettare “tre principi fondamentali”:

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	<li>Consenso dell'artista : i creator musicali originali hanno bisogno di un controllo significativo sul concedere la disponibilità ed eventualmente su come il loro lavoro viene utilizzato per addestrare i sistemi di intelligenza artificiale.&nbsp;</li>
	<li>Compensazione equa : gli artisti devono condividere in modo significativo queste entrate, con ripartizioni che riflettano il valore fondamentale del loro lavoro creativo.&nbsp;</li>
	<li>Chiarezza degli accordi e dei dati : gli artisti hanno bisogno di una chiara visibilità degli accordi conclusi e di come il loro lavoro viene utilizzato dalla piattaforma.</li>
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Quindi Azoff si pone altrettante domande circa l’accordo tra Universal Music e Udio:

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	<li>Consenso significativo : in che modo gli artisti controllano effettivamente gli usi che autorizzano? Cosa succede quando più autori o interpreti di una stessa canzone sono in disaccordo sulla partecipazione?&nbsp;</li>
	<li>Ripartizione dei ricavi : quale percentuale dei ricavi va agli artisti, all'etichetta o all'azienda di intelligenza artificiale quando la loro musica viene utilizzata per addestrare modelli o generare nuove opere?</li>
	<li>Trasparenza dei dati e degli accordi: è stato versato il denaro dell'accordo? Come verrà distribuito agli artisti? I compensi degli artisti per un nuovo flusso di entrate verranno semplicemente applicati ai vecchi saldi non recuperati? Gli artisti vedranno esattamente come il loro lavoro viene utilizzato all'interno del sistema di intelligenza artificiale e avranno visibilità continua sul suo utilizzo?</li>
</ol>

"L'adesione volontaria degli artisti sembra promettente, ma la partecipazione senza un giusto compenso non è una partnership; è solo un permesso", ha dichiarato Ron Gubitz, Direttore Esecutivo del MAC: "Gli artisti creano l'opera che rende possibili questi sistemi di intelligenza artificiale. Meritano sia il controllo su come il loro lavoro viene utilizzato sia un compenso adeguato per la sua creazione di valore. Sono le tre C: consenso, compenso e chiarezza".

"L'industria musicale è a un bivio", ha concluso Gubitz: "Le decisioni che vengono prese in questo momento influenzeranno il modo in cui la musica verrà creata, distribuita e monetizzata per i decenni a venire".

AI, le domande di Irving Azoff sull’accordo tra UMG e Udio

I dubbi del veterano della discografia USA in una lettera aperta della Music Artist Coalition

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da lunedì 3 novembre a giovedì 6 novembre 
La prima a presentare il suo album nella prima settimana di novembre sarà Giorgia, in uscita con l'album "G" venerdì prossimo. Tra le altre presentazioni da citare, ricordiamo senz'altro quella del rapper Il Tre (in uscita con l'album "Anima nera") e del poliedrico artista Venerus (in uscita con l'album "Speriamo").

Presentazioni&nbsp;in settimana a Milano

<h2>Eventi, convegni</h2>

Da sabato 1 novembre 
Giunto alla&nbsp;49° edizione, torna&nbsp;dall’1 al 23 novembre&nbsp;il&nbsp;Roma Jazz Festival, diffuso&nbsp;fra&nbsp;l’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone, la&nbsp;Casa del Jazz&nbsp;e il&nbsp;Monk. Tra gli artisti a esibirsi citiamo&nbsp;Makaya McCraven, David Murray Quartet, Joe Sanders, Bilal, Camilla George e molti altri.

Roma, festival diffuso

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Venerdì 7 novembre 
Oltre ai già menzionati italiani in uscita (Giorgia con "G", Il Tre con "Anima nera" e Venerus con "Speriamo) è il momento di Rosalìa, che esce a sorpresa con l'album "Lux" annunciato pochi giorni fa.

Da mercoledì 5 novembre a domenica 9&nbsp;novembre 
Il primo Forum di Assago non si scorda mai: vale anche per Neffa, un veterano che conquista la sua prima data all'Unipol Forum il 5 novembre. Entra nel vivo anche il tour nei palasport di Bresh, che dopo la prima data di sabato scorso a Roma sbarca a Milano (doppia data 6 e 7 novembre) e Bologna (9 novembre). Da segnalare inoltre anche il mini tour nei club italiani&nbsp;della superstar del soul Erykah Badu, con doppia data a Milano (7 e 8 novembre) e una tappa a Roma (10 novembre).

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>