Si è tenuto oggi, lunedì 20 novembre, a Torneria Tortona, quartier generale della Milano Music Week 2023, il panel “Il 2024 della musica italiana: previsioni e aspettative”, evento istituzionale di apertura della settima edizione della rassegna meneghina dedicata all’industria musicale. All’incontro - moderato dal fondatore e ceo di Rockol Giampiero Di Carlo - hanno preso parte Gianmarco Mazzi (Sottosegretario alla Cultura con delega allo Spettacolo dal vivo e alla Musica), Bruno Sconocchia (Presidente Assoconcerti), Carlo Parodi (Presidente Assomusica), Enzo Mazza (ceo di FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana), Andrea Miccichè (Presidente di NUOVOIMAIE) e Matteo Fedeli (Direttore Generale di SIAE).

L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Tommaso Sacchi e la direttrice artistica Nur Al Habash hanno rivolto alla platea i saluti istituzionali, apprezzando l’interessamente del Sottosegretario Mazzi e commentando: “la risposta più bella alla Music Week è questo pubblico, così folto e competente”. Il moderatore del panel Di Carlo, in apertura dei lavori, ha ricordato come “l’industria di settore si trovi in un buono stato di forma, tutti i dati sono positivi. Musica registrata, live e publishing sono i tre pilastri del settore: negli ultimi tempi la musica dal vivo è tornata clamorosamente in forma, mentre lo streaming continua a macinare buone performance". Quali sono, a questo punto, le opportunità e le criticità del 2024?

“Sono stati 18mila i concerti nel 2019, in Italia, e 31mila nel 2022, ovvero più 70%”, ha commentato Parodi: “Il 2022 è stato ancora viziato dal Covid, ma nei primi 5 mesi del 2023 la spesa per i concerti ha un più 45% rispetto al 2019. La forza del momento esperienziale di un live è difficilmente surrogabile dal live streaming. Il numero di concerti e festival organizzati in italia nel 2023 ha indicato una crescita degli eventi anche fuori dai soliti circuiti, generando una crescita sui territori che offre al pubblico opportunità di socialità e cultura. Occorre rendere strutturale questo fenomeno: serve una normativa di riferimento, legata al Codice dello Spettacolo, affinché tutto il sistema musicale possa camminare sulle proprie gambe”.

“Questo settore ha avuto un ricambio generazionale incredibile negli ultimi dieci anni, non solo nelle professionalità ma anche nell’innovazione tecnologica”, ha aggiunto Enzo Mazza: “Oggi l’83% del mercato italiano è digitale, il nostro settore è l’unico ad aver compiuto la transizione tecnologica. E’ una rivoluzione epocale che non è conclusa: adesso ci attende una nuova sfida del settore, l’AI generativa, che interverrà pesantemente sul modello creativo. Serve grande attenzione, perché da un lato è un’enorme opportunità, ma richiede sfide da un punto di vista legislativo e normativo. E serve che tutti lavorino insieme affinché venga tenuta al centro la creatività umana. Su questo fronte stiamo facendo un grande battaglia, a Strasburgo e a Bruxelles”.

Osservando come, grazie alla Milano Music Week, “Milano sia sempre più capitale della musica italiana”, Matteo Fedeli ha riconosciuto che l’”AI generativa è un grandissimo tema, e lo sarà sempre di più per questa generazione. Per la prima volta viene messo in discussione non lo strumento tecnologico, ma la concezione di un mondo antropocentrico: è un elemento che potrebbe creare una disruption totale. E’ fondamentale cercare di comprendere quali sono gli elementi sui quali bisogna difendere la creatività umana: questa è una tecnologica che non si ferma, bisogna cavalcare e non subire questo fenomeno. E’ opportuno creare frame governativi in grado di dare regole chiare: non ci possiamo permettere il medioevo della musica verificatosi tra Napster e lo streaming, perché rischiamo di perdere moltissimi posti di lavoro. E’ un tema sociale. Occorre portare avanti una lobbying a livello europeo che tenga al centro gli esseri umani. Come tutte le battaglie tecnologiche, questa va portata avanti con comprensione e competenza: abbiamo da difendere un patrimonio culturale e di nuove generazioni che ci impone di agire”.

“O lasciamo che il mercato vada, o cerchiamo di governarlo”, ha precisato Andrea Miccichè: “Quando va troppo in là si rischia di creare danni, anche al mercato stesso. Credo che il mercato possa rappresentare una grande opportunità, ma che serva una certa vigilanza. A distanza di 11 anni dalla liberalizzazione dei diritti connessi abbiamo visto gli effetti controproducenti che avevamo immaginato all’epoca. Oggi non c’è un disegno organico del mercato, gli utilizzatori non sanno cosa pagare a chi. Il governo può cambiare le cose. Avevamo iniziato un progetto di uno sportello unico che purtroppo non è andato a compimento. A chi ci governa vogliamo segnalare che occorre centralizzare queste operatività: il database unico è una di queste risposte. Il tasso di evasione del diritto connesso in Italia è inaccettabile: credo che la soluzione sia centralizzare alcune attività”.

“Nel settore live abbiamo dati confortanti, dal punto di vista degli incassi”, ha spiegato Bruno Sconocchia: “Perché questi numeri? C’è ancora voglia di socialità, e lo spettacolo dal vivo è l’unico posto dove l’’io’ può diventare ‘noi’. La musica è solo un momento di incontro, non di scontro, come invece talvolta lo è il calcio. L’onorevole Mazzi parla la nostra lingua e ci capisce, contiamo molto su di lui. Occorre rompere la barriera tra musica colta e musica popolare. La musica è bella o brutta, basta distinzioni tra generi. Non ha senso che ci sia un genere sovvenzionato e un altro no. Una preghiera al sottosegretario Mazzi: basta distinzioni. In questo momento di guerra e violenza la cultura ci può salvare, e la musica è cultura”.

“Sono d’accordo sul fatto che non ci debbano essere steccati tra generi”, ha premesso Gianmarco Mazzi, iniziando il suo lungo intervento: “Tengo lontana la politica da questo luogo, perché ritengo sarebbe sbagliato, e soprattutto perché non vengo dalla politica, ma dall’industria musicale. Stiamo lavorando al codice dello spettacolo, iniziando dall’indennità di discontinuità, provvedimento che rispetta la legge delega: non si perderà nulla della copertura finanziaria già annunciata. Uno degli obiettivi del governo è portare la musica e la cultura in ogni angolo del Paese: siamo attenti anche a fenomeni culturali come la danza, spesso trascurata ma che coinvolge oltre tre milioni di famiglie in Italia. Voglio essere il sottosegretario della cultura popolare: ci sono zone del paese, come le periferie, che dalla parola cultura non vengono toccate, e per noi è molto grave. Non mi occupo della cultura delle élite. E’ importante riconoscere le figure professionali, perché in questo settore ci sono enormi opportunità di lavoro. C’è stata grande attenzione su quei settori artistici a ‘rischio cultura’, ovvero quelli che non si sostengono da soli sul mercato. Chi si presume che possa farcela da solo si tende a non aiutarlo, ma credo non sia giusto, perché bisogna premiare il merito. Chi non si sostiene sui mercati va aiutato con i finanziamenti, e chi ci riesce con il tax credit. Sull’intelligenza artificiale: crea preoccupazione, per la prima volta nella storia dell’umanità si sta sviluppando una tecnologia potenzialmente alternativa all’uomo. Sono tre i rischi che vedo: che vengano spazzati via milioni di posti di lavoro, che si permetta la concentrazione di ricchezze enormi in poche mani, che si vada incontro al rischio di non distinguere più ciò che è vero da ciò che non lo è. D’accordo sulla vigilanza sul mercato a tutela dei lavoratori: terremo conto della possibilità di tariffa unica sul mercato dei diritti connessi. Ho sempre pensato che al centro ci fosse l’industria culturale, con una parte economica e una culturale: la musica ben rappresenta una realtà del genere. Entrambe devono andare a braccetto. C’era chi diceva che con la cultura non si mangia… noi riteniamo che con la cultura si possa sia mangiare, sia allo stesso tempo rappresentare bene il proprio Paese. La musica è sia un’espressione culturale sia un’espressione economica, e ha anche una valenza sociale. Quando in un paese sono crescenti i fronti di crisi, arrivare coi problemi del mondo della musica richiede la consapevolezza di sapere chi si rappresenta. La musica ha una grande rilevanza sociale, perché aggrega, e perché entra nel processo di formazione dei giovani: è un punto di riferimento importante, la musica”.

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“Chi ha la mia età è cresciuto con artisti che sono stati anche maestri di vita”, ha proseguito Mazzi introducendo la parte del suo intervento che ha suscitato più dibattito, e che sicuramente ne susciterà nei giorni a venire: “Molti di loro hanno contribuito alla mia formazione. Per sostenere questo ambiente occorre che questo ambiente difenda la sua reputazione sociale. Non ho risposte, in questo senso, ma solo domande. Amo tutte le musiche, ma oggi ci sono testi che sono inni alla violenza contro le donne: non dobbiamo solo combattere la violenza sulle donne, ma anche gli uomini che diffondono la cultura che la promuove. Questa deriva è pericolosa&nbsp;e allarmante. Il problema della reputazione lo faccio partire da alcuni testi, che hanno dietro aziende rappresentate su questo palcoscenico, e che fanno business su questi stessi testi”. Dopo aver letto alcuni versi di brani rap / trap (dei quali non cita gli autori) con espressioni sessiste, violente e volgari, il Sottosegretario ha proseguito: “Sono pronto a battermi per questo settore, ma come faccio con questi testi che girano? Dietro questi testi ci sono Sony Music, Universal Music e Warner Music: qualcuno dice che questi testi sono un riscatto, ma si può permettere un riscatto di qualcuno ai danni di una generazione - quella che ascolta queste canzoni? Questa è cultura? Di fronte a questi testi, cosa possiamo fare? Questo panel si intitola ‘Le aspettative del 2024 della musica italiana’. Cosa mi aspetto io? Che chi è seduto qui si ponga questo problema. La musica è la mia comunità, ed è composta da persone molto solidali - i produttori e organizzatori italiani sono i migliori del mondo. Per Italia Loves Romagna industria e artisti mi hanno aiutato, raccogliendo 3 milioni di euro in una sera. So quanto la comunità della musica sappia essere solidale, ma forse il tempo dei simbolismi è finito: bisogna alzarsi con indignazione per far ragionare chi danneggia non solo la comunità della musica, ma tutta la comunità. Sono per la totale libertà di espressione, ma io sono anche per la responsabilità sociale. Contesto che le aziende sostengano questo tipo di musica, perché le aziende hanno un codice etico, che hanno inventato proprio loro, le multinazionali americane. Se lo impongono ai loro lavoratori, perché non lo impongono anche fuori? Non sopporto che si faccia business su queste cosa: la tolleranza in merito dovrebbe finire”.

“E’ un problema che negli USA hanno già vissuto”, replica Mazza, citando lo scalpore che nel 1980 suscitò il brano dei Dead Kennedys “I Kill Children”: “La&nbsp;censura portò la cultura punk a moltiplicarsi, alimentata dal fascino&nbsp;del divieto. Mio figlio ascolta dieci artisti hip hop, italiani e americani, sette dei quali attualmente sono in galera: se gli muovo questo tipo di osservazioni la sua risposta è ‘stai calmo, brò: poi ne parliamo’. Far&nbsp;sembrare questi artisti censurati dalla discografia li farebbe ascoltare ancora di più di quanto non lo siano ora. Questo problema ci riguarda tutti, senz’altro: è un tema che riguarda la cultura nazionale e sociale, non solo in Italia. Ed è un tema difficile, per il quale dovremmo organizzare un convegno ad hoc. Cerchiamo di individuare un tavolo permanente di confronto per affrontare questo problema: oggi non ci sono più gatekeeper, i rapper possono andare in classifica anche senza essere sotto contratto con una casa discografica”.

FIMI

SIAE

Assomusica - Associazione Italiana Organizzatori e Produttori Spettacoli di Musi

Gianmarco Mazzi

NUOVOIMAIE

AssoConcerti - Associazione Italiana Musica dal Vivo

Milano Music Week 2023

Milano Music Week 2023, rap e censura: il dibattito

Si è tenuto oggi, lunedì 20 novembre, a Torneria Tortona, quartier generale della Milano Music Week 2023, il panel “Il 2024 della musica italiana: previsioni e aspettative”, evento istituzionale di apertura della settima edizione della rassegna meneghina dedicata all’industria musicale. All’incontro - moderato dal fondatore e ceo di Rockol Giampiero Di Carlo - hanno preso parte Gianmarco Mazzi (Sottosegretario alla Cultura con delega allo Spettacolo dal vivo e alla Musica), Bruno Sconocchia (Presidente Assoconcerti), Carlo Parodi (Presidente Assomusica), Enzo Mazza (ceo di FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana), Andrea Miccichè (Presidente di NUOVOIMAIE) e Matteo Fedeli (Direttore Generale di SIAE).

L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Tommaso Sacchi e la direttrice artistica Nur Al Habash hanno rivolto alla platea i saluti istituzionali, apprezzando l’interessamente del Sottosegretario Mazzi e commentando: “la risposta più bella alla Music Week è questo pubblico, così folto e competente”. Il moderatore del panel Di Carlo, in apertura dei lavori, ha ricordato come “l’industria di settore si trovi in un buono stato di forma, tutti i dati sono positivi. Musica registrata, live e publishing sono i tre pilastri del settore: negli ultimi tempi la musica dal vivo è tornata clamorosamente in forma, mentre lo streaming continua a macinare buone performance". Quali sono, a questo punto, le opportunità e le criticità del 2024?

“Sono stati 18mila i concerti nel 2019, in Italia, e 31mila nel 2022, ovvero più 70%”, ha commentato Parodi: “Il 2022 è stato ancora viziato dal Covid, ma nei primi 5 mesi del 2023 la spesa per i concerti ha un più 45% rispetto al 2019. La forza del momento esperienziale di un live è difficilmente surrogabile dal live streaming. Il numero di concerti e festival organizzati in italia nel 2023 ha indicato una crescita degli eventi anche fuori dai soliti circuiti, generando una crescita sui territori che offre al pubblico opportunità di socialità e cultura. Occorre rendere strutturale questo fenomeno: serve una normativa di riferimento, legata al Codice dello Spettacolo, affinché tutto il sistema musicale possa camminare sulle proprie gambe”.

“Questo settore ha avuto un ricambio generazionale incredibile negli ultimi dieci anni, non solo nelle professionalità ma anche nell’innovazione tecnologica”, ha aggiunto Enzo Mazza: “Oggi l’83% del mercato italiano è digitale, il nostro settore è l’unico ad aver compiuto la transizione tecnologica. E’ una rivoluzione epocale che non è conclusa: adesso ci attende una nuova sfida del settore, l’AI generativa, che interverrà pesantemente sul modello creativo. Serve grande attenzione, perché da un lato è un’enorme opportunità, ma richiede sfide da un punto di vista legislativo e normativo. E serve che tutti lavorino insieme affinché venga tenuta al centro la creatività umana. Su questo fronte stiamo facendo un grande battaglia, a Strasburgo e a Bruxelles”.

Osservando come, grazie alla Milano Music Week, “Milano sia sempre più capitale della musica italiana”, Matteo Fedeli ha riconosciuto che l’”AI generativa è un grandissimo tema, e lo sarà sempre di più per questa generazione. Per la prima volta viene messo in discussione non lo strumento tecnologico, ma la concezione di un mondo antropocentrico: è un elemento che potrebbe creare una disruption totale. E’ fondamentale cercare di comprendere quali sono gli elementi sui quali bisogna difendere la creatività umana: questa è una tecnologica che non si ferma, bisogna cavalcare e non subire questo fenomeno. E’ opportuno creare frame governativi in grado di dare regole chiare: non ci possiamo permettere il medioevo della musica verificatosi tra Napster e lo streaming, perché rischiamo di perdere moltissimi posti di lavoro. E’ un tema sociale. Occorre portare avanti una lobbying a livello europeo che tenga al centro gli esseri umani. Come tutte le battaglie tecnologiche, questa va portata avanti con comprensione e competenza: abbiamo da difendere un patrimonio culturale e di nuove generazioni che ci impone di agire”.

“O lasciamo che il mercato vada, o cerchiamo di governarlo”, ha precisato Andrea Miccichè: “Quando va troppo in là si rischia di creare danni, anche al mercato stesso. Credo che il mercato possa rappresentare una grande opportunità, ma che serva una certa vigilanza. A distanza di 11 anni dalla liberalizzazione dei diritti connessi abbiamo visto gli effetti controproducenti che avevamo immaginato all’epoca. Oggi non c’è un disegno organico del mercato, gli utilizzatori non sanno cosa pagare a chi. Il governo può cambiare le cose. Avevamo iniziato un progetto di uno sportello unico che purtroppo non è andato a compimento. A chi ci governa vogliamo segnalare che occorre centralizzare queste operatività: il database unico è una di queste risposte. Il tasso di evasione del diritto connesso in Italia è inaccettabile: credo che la soluzione sia centralizzare alcune attività”.

“Nel settore live abbiamo dati confortanti, dal punto di vista degli incassi”, ha spiegato Bruno Sconocchia: “Perché questi numeri? C’è ancora voglia di socialità, e lo spettacolo dal vivo è l’unico posto dove l’’io’ può diventare ‘noi’. La musica è solo un momento di incontro, non di scontro, come invece talvolta lo è il calcio. L’onorevole Mazzi parla la nostra lingua e ci capisce, contiamo molto su di lui. Occorre rompere la barriera tra musica colta e musica popolare. La musica è bella o brutta, basta distinzioni tra generi. Non ha senso che ci sia un genere sovvenzionato e un altro no. Una preghiera al sottosegretario Mazzi: basta distinzioni. In questo momento di guerra e violenza la cultura ci può salvare, e la musica è cultura”.

“Sono d’accordo sul fatto che non ci debbano essere steccati tra generi”, ha premesso Gianmarco Mazzi, iniziando il suo lungo intervento: “Tengo lontana la politica da questo luogo, perché ritengo sarebbe sbagliato, e soprattutto perché non vengo dalla politica, ma dall’industria musicale. Stiamo lavorando al codice dello spettacolo, iniziando dall’indennità di discontinuità, provvedimento che rispetta la legge delega: non si perderà nulla della copertura finanziaria già annunciata. Uno degli obiettivi del governo è portare la musica e la cultura in ogni angolo del Paese: siamo attenti anche a fenomeni culturali come la danza, spesso trascurata ma che coinvolge oltre tre milioni di famiglie in Italia. Voglio essere il sottosegretario della cultura popolare: ci sono zone del paese, come le periferie, che dalla parola cultura non vengono toccate, e per noi è molto grave. Non mi occupo della cultura delle élite. E’ importante riconoscere le figure professionali, perché in questo settore ci sono enormi opportunità di lavoro. C’è stata grande attenzione su quei settori artistici a ‘rischio cultura’, ovvero quelli che non si sostengono da soli sul mercato. Chi si presume che possa farcela da solo si tende a non aiutarlo, ma credo non sia giusto, perché bisogna premiare il merito. Chi non si sostiene sui mercati va aiutato con i finanziamenti, e chi ci riesce con il tax credit. Sull’intelligenza artificiale: crea preoccupazione, per la prima volta nella storia dell’umanità si sta sviluppando una tecnologia potenzialmente alternativa all’uomo. Sono tre i rischi che vedo: che vengano spazzati via milioni di posti di lavoro, che si permetta la concentrazione di ricchezze enormi in poche mani, che si vada incontro al rischio di non distinguere più ciò che è vero da ciò che non lo è. D’accordo sulla vigilanza sul mercato a tutela dei lavoratori: terremo conto della possibilità di tariffa unica sul mercato dei diritti connessi. Ho sempre pensato che al centro ci fosse l’industria culturale, con una parte economica e una culturale: la musica ben rappresenta una realtà del genere. Entrambe devono andare a braccetto. C’era chi diceva che con la cultura non si mangia… noi riteniamo che con la cultura si possa sia mangiare, sia allo stesso tempo rappresentare bene il proprio Paese. La musica è sia un’espressione culturale sia un’espressione economica, e ha anche una valenza sociale. Quando in un paese sono crescenti i fronti di crisi, arrivare coi problemi del mondo della musica richiede la consapevolezza di sapere chi si rappresenta. La musica ha una grande rilevanza sociale, perché aggrega, e perché entra nel processo di formazione dei giovani: è un punto di riferimento importante, la musica”.



“Chi ha la mia età è cresciuto con artisti che sono stati anche maestri di vita”, ha proseguito Mazzi introducendo la parte del suo intervento che ha suscitato più dibattito, e che sicuramente ne susciterà nei giorni a venire: “Molti di loro hanno contribuito alla mia formazione. Per sostenere questo ambiente occorre che questo ambiente difenda la sua reputazione sociale. Non ho risposte, in questo senso, ma solo domande. Amo tutte le musiche, ma oggi ci sono testi che sono inni alla violenza contro le donne: non dobbiamo solo combattere la violenza sulle donne, ma anche gli uomini che diffondono la cultura che la promuove. Questa deriva è pericolosa&nbsp;e allarmante. Il problema della reputazione lo faccio partire da alcuni testi, che hanno dietro aziende rappresentate su questo palcoscenico, e che fanno business su questi stessi testi”. Dopo aver letto alcuni versi di brani rap / trap (dei quali non cita gli autori) con espressioni sessiste, violente e volgari, il Sottosegretario ha proseguito: “Sono pronto a battermi per questo settore, ma come faccio con questi testi che girano? Dietro questi testi ci sono Sony Music, Universal Music e Warner Music: qualcuno dice che questi testi sono un riscatto, ma si può permettere un riscatto di qualcuno ai danni di una generazione - quella che ascolta queste canzoni? Questa è cultura? Di fronte a questi testi, cosa possiamo fare? Questo panel si intitola ‘Le aspettative del 2024 della musica italiana’. Cosa mi aspetto io? Che chi è seduto qui si ponga questo problema. La musica è la mia comunità, ed è composta da persone molto solidali - i produttori e organizzatori italiani sono i migliori del mondo. Per Italia Loves Romagna industria e artisti mi hanno aiutato, raccogliendo 3 milioni di euro in una sera. So quanto la comunità della musica sappia essere solidale, ma forse il tempo dei simbolismi è finito: bisogna alzarsi con indignazione per far ragionare chi danneggia non solo la comunità della musica, ma tutta la comunità. Sono per la totale libertà di espressione, ma io sono anche per la responsabilità sociale. Contesto che le aziende sostengano questo tipo di musica, perché le aziende hanno un codice etico, che hanno inventato proprio loro, le multinazionali americane. Se lo impongono ai loro lavoratori, perché non lo impongono anche fuori? Non sopporto che si faccia business su queste cosa: la tolleranza in merito dovrebbe finire”.

“E’ un problema che negli USA hanno già vissuto”, replica Mazza, citando lo scalpore che nel 1980 suscitò il brano dei Dead Kennedys “I Kill Children”: “La&nbsp;censura portò la cultura punk a moltiplicarsi, alimentata dal fascino&nbsp;del divieto. Mio figlio ascolta dieci artisti hip hop, italiani e americani, sette dei quali attualmente sono in galera: se gli muovo questo tipo di osservazioni la sua risposta è ‘stai calmo, brò: poi ne parliamo’. Far&nbsp;sembrare questi artisti censurati dalla discografia li farebbe ascoltare ancora di più di quanto non lo siano ora. Questo problema ci riguarda tutti, senz’altro: è un tema che riguarda la cultura nazionale e sociale, non solo in Italia. Ed è un tema difficile, per il quale dovremmo organizzare un convegno ad hoc. Cerchiamo di individuare un tavolo permanente di confronto per affrontare questo problema: oggi non ci sono più gatekeeper, i rapper possono andare in classifica anche senza essere sotto contratto con una casa discografica”.

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Alla Milano Music Week 2023 il confronto tra istituzioni e rap

Industria

Al panel istituzionale di apertura la settima edizione della MMW parte col botto

Anche per la prossima edizione, al via il 10 aprile prossimo, YouTube sarà streaming partner del Coachella Festival: la piattaforma video di Google si è detta “onorata di estendere l'esperienza di questo festival da sold-out a un pubblico globale, trasmettendo in diretta streaming la musica incredibile e i momenti speciali ai fan di tutto il mondo”.

Per l’edizione 2026 della manifestazione YouTube assicurerà la diretta streaming simultanea di sette palchi, tre dei quali - il Coachella Stage, l'Outdoor Theatre e il Sahara - saranno trasmessi in streaming in 4K: i momenti migliori del festival saranno rilanciati a ciclo continuo su Coachella TV, canale ad hoc che verrà aggiornato con nuovi contenuti dopo la fine dei singoli weekend durante i quali si articolerà l’evento. Per i fruitori su smart TV, sarà possibile attivare l’opzione Multiview, che permetterà di seguire in contemporanea la diretta di quattro palchi differenti. Sempre sulla piattaforma, sarà disponibile uno store virtuale di merchandising presso il quale saranno disponibili i prodotti firmati da diversi artisti presenti nel cast, come - tra gli altri - Ethel Cain, Foster The People, KATSEYE, Laufey, xx, Turnstile e Young Thug.

YouTube, rilanciata e rinnovata la partnership con il Coachella

La piattaforma anche nel 2026 coprirà il festival con una diretta sui propri canali: le novità

Le indagini commissionate dalle piattaforme secondo le quali le piattaforme committenti sono le più funzionali all’industria musicale stanno diventando un genere letterario. Dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754499/tiktok-sempre-piu-cruciale-mercato-discografico-luminate">Bytedance</a>, ad affidare a uno studio l’esaltazione delle qualità di uno dei propri prodotti è Meta: ingaggiando l’autorevole società di indagini di mercato musicali Luminate (la stessa che, nemmeno sei mesi fa, aveva definito <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754499/tiktok-sempre-piu-cruciale-mercato-discografico-luminate">TikTok "sempre più cruciale" per la discografia</a>), il gigante informatico californiano ha indicato una delle proprie piattaforme, Instagram, come l’hub designato per i superfan, di gran lunga preferibile agli stessi TikTok e YouTube.

Nel documento si definisce il segmento di pubblico più corteggiato dall’industria musicale come “consumatori che “attivano cinque delle 13 diverse leve di coinvolgimento con un artista”, tra cui partecipazione ai concerti, supporto su Patreon e passaparola da “ambasciatori”. Nel campione di riferimento (utenti social che ascoltano musica) Instagram registra un tasso di engagement del 38%; isolando i soli superfans, il dato sale al 58%, l’incremento più alto tra le piattaforme misurate.

Sul fronte della monetizzazione live, lo studio rileva che tra gli utenti “coinvolti quotidianamente con la musica” su Instagram il 45% ha partecipato ad almeno un evento dal vivo nell’ultimo anno e il 25% di questo gruppo è andato a tre o più show, entrambe percentuali superiori a quelle comparabili su TikTok e YouTube. Il report collega inoltre questi risultati alle tattiche di marketing di Meta e alla spinta su nuovi formati pubblicitari incentrati sui brand, in cui tour e uscite discografiche diventano “grandi momenti culturali” da presidiare.

Meta spinge Instagram come ‘casa dei superfan’

La società americana affida a Luminate uno studio per posizionare la propria piattaforma

SoundOn, la piattaforma di distribuzione e promozione musicale controllata da TikTok, ha attivato il servizio Derivative Works Detection di ACRCloud per individuare opere coperte da copyright caricate tramite SoundOn senza autorizzazione. L’integrazione punta a riconoscere anche tracce “significativamente alterate” tramite variazioni di velocità o tonalità: il sistema usa audio fingerprinting per identificare versioni modificate prima che arrivino ai DSP, con verifiche sia pre sia post distribuzione. Secondo TikTok l’accordo aggiunge un “ulteriore livello di rilevamento anti-frode” e, insieme all’infrastruttura interna di scansione, costruisca un “framework di rilevamento multi-segnale, all’avanguardia e superiore alla concorrenza”; l’obiettivo dichiarato è fare in modo che i contenuti consegnati ai DSP siano “originali, autorizzati e affidabili”.

Nichal Sethi, Head of SoundOn EMEA, collega la concretizzazione dell’accordo a una logica di responsabilità di filiera: “SoundOn è stato costruito per supportare gli artisti in ogni fase del loro percorso, dalla prima uscita fino al successo globale, combinando distribuzione, promozione e sviluppo del pubblico in un’unica piattaforma”. “Abilitando un’identificazione e una verifica accurate della musica su larga scala, stiamo contribuendo a supportare un ecosistema più trasparente e affidabile per artisti, titolari dei diritti e servizi digitali”, ha aggiunto Tony Li, co-fondatore di ACRCloud. La partnership arriva in una fase di crescente attenzione dell’industria verso la distribuzione di audio manipolato sui DSP e si inserisce dopo l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-744204/universal-music-e-tiktok-raggiunto-un-nuovo-accordo-di-licenza">accordo di licenza siglato da TikTok con Universal Music Group nel 2024</a>, che includeva “guardrail” contro musica manipolata o generata dall’AI.

SoundOn, una partnership con ACRCloud

Il servizio di distribuzione di TikTok dichiara guerra agli upload non autorizzati

Gianmarco Mazzi è stato&nbsp;nominato Ministro del Turismo, carica rimasta vacante dopo le dimissioni rassegnate da Santanchè lo scorso 26 marzo: il giuramento al Quirinale ha avuto luogo alle&nbsp;10.15 di oggi, venerdì 3 aprile.

"Il turismo è un mondo ricco di fascino e grandi professionalità che richiede cura attenta perché rappresenta un pilastro dell'economia italiana", ha dichiarato Mazzi - come riferisce l'agenzia ANSA - subito dopo il giuramento:&nbsp;"Sono onorato di questo incarico e ringrazio il Presidente della Repubblica e il Presidente del Consiglio per la fiducia accordatami.&nbsp;Un ringraziamento anche al Ministro Alessandro Giuli, lavorare insieme alla cultura è stato entusiasmante e continueremo a farlo".

“Tengo a ringraziare Gianmarco per l’ottimo lavoro svolto fianco a fianco al MiC; e sono certo che rafforzeremo con successo la sinergia già avviata tra i nostri dicasteri, che rappresentano due contrafforti imprescindibili per lo sviluppo della Nazione", ha dichiarato, in una nota,&nbsp;il Ministro della Cultura Alessandro Giuli.

Con la nuova nomina l’industria musicale italiana perde il proprio interlocutore con le istituzioni: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732278/gianmarco-mazzi-eletto-alla-camera-con-fratelli-d-italia">eletto nel settembre del 2022 alla Camera con Fratelli d’Italia</a>, Mazzi - alla fine dell’ottobre successivo - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-733094/mic-nominati-sottosegretari-borgonzoni-mazzi-e-sgarbi">era stato nominato Sottosegretario di Stato con delega alla Musica</a> per il Ministero della Cultura.

Già collaboratore, all’inizio degli anni Ottanta, dell’oggi presidente onorario di SIAE Mogol, Mazzi - nel corso della sua carriera - aveva lavorato con esponenti di primissimo piano del panorama canoro tricolore come Caterina Caselli e Adriano Celentano, per poi ricoprire nella seconda metà degli anni ‘90 il ruolo di direttore della comunicazione della CGD. Coinvolto nell’organizzazione del Festival di Sanremo 2003 e produttore del talent show musicale The Voice tra il 2013 e 2014, Mazzi ha prodotto i programmi musicali televisivi “La notte di Vasco” e Sanremo Young, per poi diventare amministratore delegato della società Arena di Verona. A causa del suo impegno in politica il manager&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-731915/sanremo-2023-organizzazione-via-fasulo-mazzi-dentro-lentini-taddia">aveva rinunciato al ruolo di consulente</a>&nbsp;all’interno della squadra impegnata nell’organizzazione del prossimo Festival della Canzone Italiana. La sua familiarità con i settori della musica registrata, del live e dei media l'avevano portato a essere considerato il primo esponente dell'industria musicale a ricoprire una carica istituzionale, ruolo - questo - che l'aveva portato a essere presente alla quasi totalità degli appuntamenti di rilievo per l'industria di settore - non ultimi, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757255/sanremo-2026-regione-lombardia-verso-la-music-commission">quelli tenuti</a> <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757265/sanremo-2026-stati-generali-musica-copia-privata-dichiarazioni">nell'ambito dell'ultima edizione</a> del Festival di Sanremo.

"Congratulazioni a Gianmarco Mazzi per il nuovo prestigioso incarico", ha commentato Enzo Mazza, CEO di FIMI: "La musica è una componente essenziale nell’economia del turismo e sono certo che avremo modo di continuare questa collaborazione con il settore".

"A nome di PMI, rivolgo le congratulazioni a Gianmarco Mazzi per la nomina a Ministro del Turismo", ha dichiarato&nbsp;Mario Limongelli, Presidente di PMI – Produttori Musicali Indipendenti: "La sua esperienza nel settore dello spettacolo rappresenta un elemento di valore in un ambito che oggi si nutre sempre più dell’integrazione tra cultura, creatività e territori. Il turismo contemporaneo passa anche dalla capacità di valorizzare filiere diverse – dall’audiovisivo alla musica, dagli eventi dal vivo alle produzioni culturali – che contribuiscono in modo concreto all’identità e alla competitività del Paese. Una visione integrata tra istituzioni e operatori può favorire uno sviluppo più solido e duraturo del comparto. Auguri di buon lavoro".

"E' veramente con sincero trasporto che mi congratulo con l’Onorevole Gianmarco Mazzi per l’importante e prestigioso incarico ricevuto oggi come nuovo Ministro del Turismo", ha fatto sapere Bruno Sconocchia, Presidente di AssoConcerti:&nbsp;"E' uno dei casi in cui si può senz’altro affermare che è stato premiato il merito. Conosco Mazzi da quarant’anni e posso testimoniarne le doti di competenza, passione, dedizione. Egoisticamente, devo dire che, nel mio ruolo di Presidente di AssoConcerti, l’associazione che riunisce i principali organizzatori di spettacoli di musica dal vivo, mi dispiace perdere un interlocutore con il quale, in quanto Sottosegretario alla Cultura con delega alla musica ed allo spettacolo, abbiamo in questi anni lavorato in stretto contatto e con grande soddisfazione su temi per noi importanti come il nuovo Codice dello Spettacolo, e condiviso battaglie a favore del mondo della cultura e dello spettacolo che - tra l’altro - hanno portato per la prima volta, nell’ultima legge di bilancio, alla costituzione di un <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756137/senato-approvato-il-fondo-per-la-musica-popolare-contemporanea">Fondo specifico per sostenere il mondo della musica popolare contemporanea dal vivo</a>. Naturalmente dichiariamo da subito la nostra disponibilità nei confronti di chi subentrerà in questo ruolo al Ministero della Cultura a continuare a lavorare per il riconoscimento dell’importanza sociale, culturale ed economica che il nostro settore rappresenta per il Paese. E, certi che le nostre strade comunque rimarranno strettamente intrecciate, auguriamo al nuovo Ministro del Turismo i nostri più sinceri auguri di buon lavoro".

Gianmarco Mazzi nominato nuovo Ministro del Turismo

Al già Sottosegretario con delega alla Musica del MiC il posto lasciato vacante da Santanchè

In gergo si definisce "devotional music", ovvero musica utilizzata per la preghiera o a scopi liturgici. Ed è proprio questo l'ambito di specializzazione di Music Nova, un'etichetta con sede a Mumbai: ovviamente, data la regione, si parla di musica di tradizione religiosa&nbsp;indù, buddista&nbsp;o musulmana. Universal Music Publishing India ha appena firmato un accordo di amministrazione per il catalogo della label,&nbsp;che prevede la gestione di licenze, sincronizzazione e raccolta dei diritti.&nbsp;

Il catalogo di Music Nova è particolarmente vasto, perché raccoglie brani in gran parte delle lingue e dei dialetti parlati nel subcontinente indiano: hindi, sanscrito, bengali, gujarati, haryanvi, marathi, odia, punjabi e rajasthani. L'obbiettivo, ovviamente, non è solo il mercato locale, ma quello ben più vasto della diaspora indiana, che fin dal secolo scorso ha toccato tutto il mondo.

Universal Music Publishing India: un accordo con Music Nova

Si tratta di un'etichetta specializzata in musica religiosa indiana

L’acquisizione di Revelator da parte di Warner Music - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758024/warner-music-acquisisce-revelator">annunciata ieri</a>, ma attualmente al vaglio delle autorità competenti in attesa della finalizzazione degli accordi, prevista entro il prossimo giugno - non poteva che suscitare una reazione da parte di Impala, l’associazione di categoria delle etichette indipendenti europee che, nell’ultimo anno e mezzo, si era battuta strenuamente per impedire l’acquisto (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757005/umg-acquisizione-downtown-approvazione-ue-mercato-diritti-musicali">poi ufficializzato dopo un’indagine antitrust da parte della Commissione UE</a>) di Downtown da parte di Universal Music.

"L'acquisizione di Revelator da parte di Warner Music testimonia l'innovazione nel settore indipendente”, ha fatto sapere Impala in una nota: “Come abbiamo sempre affermato, tutte le aziende indipendenti hanno bisogno di buone opzioni di uscita. I grandi player sono importanti in tutti i mercati e speriamo che questo porti a una maggiore concorrenza tra le major. Allo stesso tempo, continua la tendenza per cui etichette e artisti che hanno scelto consapevolmente di collaborare con un partner indipendente, ora si ritrovano con una major, con l'ecosistema indipendente privato una parte ulteriore della sua infrastruttura. Questa è una cattiva notizia per gli artisti, i fan e la diversità sui mercati europei nel suo complesso”.

L’associazione, quindi, ha fatto sapere di aspettarsi che “le autorità di regolamentazione nazionali [della UE, ndr] adottino un approccio strategico alla cultura”, in quanto “un mercato forte con ottime opzioni di proprietà indipendente” è “essenziale” e, pertanto, “occorre ripensare seriamente a come raggiungere questo obiettivo”.

“Con le giuste condizioni, questa rappresenta un'opportunità per il settore indipendente e anche per l'Europa”, conclude Impala: “Ciò implica meccanismi di finanziamento per operare e crescere, il consolidamento di tutte le fonti di reddito, mercati funzionanti che promuovano la diversità e la creatività umana, la collaborazione tra le industrie e il sostegno dei decisori a tutti i livelli sull'importanza strategica della diversità”.

WMG e l’acquisizione di Revelator: il commento di Impala

L’associazione di categoria indipendente chiede alla UE ‘un approccio strategico alla cultura’

Secondo uno studio della società di indagini di mercato specializzata in industria musicale Chartmetric il 2025 è stato poco favorevole, in generale, ai repertori frontline: nelle chart globali, nel primo semestre dell’anno passato, solo 23 nuovi brani hanno raggiunto la vetta delle classifiche, contro i 49 dello stesso periodo dell’anno precedente. “Le conseguenze di questo calo non si sono ancora dissipate”, osserva la ricerca: “Anche il 2026 ha avuto un inizio storicamente lento per le nuove uscite. A gennaio, i brani dell'anno in corso hanno conquistato solo il 3,5% della classifica Global Top 50 di Spotify, un dato inferiore rispetto ai tre gennaio precedenti: 26% a gennaio 2025 (grazie soprattutto al blockbuster di Bad Bunny (nella foto)&nbsp;“DeBÍ TiRAR MáS FOToS” di Bad Bunny), 9,4% a gennaio 2024 e 8,4% a gennaio 2023”.

Nonostante l’exploit della star portoricana, per Chartmetric il 2025 è stato “un anno stagnante, caratterizzato dai successi del passato” e senza alcuna traccia di tormentoni estivi. Questa situazione, secondo la ricerca, si starebbe riverberando anche sull’anno in corso, sia con brani dell’anno scorso stabilmente nella Top 50 di Spotify per tutto gennaio (come, per esempio, "The Fate of Ophelia" di Taylor Swift o "Back to Friends" di Sombr) sia con clamorosi ritorni dal passato (più o meno remoto, a seconda del trend di TikTok di riferimento) firmati da Zara Larsson, Dominic Fike e Police.

“Complessivamente, 197 brani diversi sono apparsi nella Top 50 globale di Spotify da inizio 2026 a oggi”, spiega Chartmetric: “Di questi, 116 erano brani già presenti in classifica e solo 81 erano nuove uscite. Nel primo trimestre del 2024 e del 2025, la ripartizione tra i due gruppi era molto più equilibrata”, con 197 brani in classifica dei quali 110 nuove uscite e 87 brani di catalogo.

La “mancanza di appeal pop trasversale delle nuove uscite” potrebbe essere dovuta da una parte alla “frammentazione” della fruizione su varie piattaforme, come TikTok, Instagram o YouTube, che contribuiscono a “dissolvere in gran parte la monocultura condivisa che un tempo contribuiva a lanciare nuove star”, e dall’altra all'”enorme quantità di musica registrata online, che rende semplicemente difficile per la maggior parte delle nuove canzoni emergere”, senza dimenticare che “il problema dell'immortalità dello streaming fa sì che i brani godano di una durata di vita apparentemente infinita. A differenza della radio, dove le canzoni tendevano ad avere un ciclo di vita finito prima di essere sostituite da una nuova uscita, le piattaforme di streaming permettono ai brani di rimanere in onda più a lungo del previsto”.

I dati riferiti al 2025 elaborati da Chartmetric “mostrano che solo un quarto degli stream musicali riguarda i brani più recenti”, con il resto del mercato appannaggio di repertorio la cui pubblicazione sia più “vecchia” di 18 mesi, “a riprova della difficoltà che le canzoni più recenti incontrano nel competere praticamente con l'intera storia della musica registrata”. “Servono numeri enormi per arrivare in cima e solo una piccola frazione di canzoni riesce a sfondare in modo massiccio”, osserva la ricerca, citando come esempio la hit di Lady Gaga e Bruno Mars “Die With A Smile”, uscita nell’agosto del 2024 e capace di raggiungere il miliardo di stream in appena 96 giorni, e di stare nella Top 100 di Billboard USA per 60 settimane consecutive. “Questo - sottolinea la ricerca - significa essenzialmente che le megahit si stanno accaparrando una fetta di mercato molto più grande”.

“Nel 2026, con il consumo di musica sempre più frammentato e la crescente importanza attribuita alle uscite di catalogo guidate dagli algoritmi rispetto ai nuovi brani, gli artisti emergenti faranno probabilmente più fatica a emergere e a costruirsi un pubblico”, conclude Chartmetric, collegandosi - seppure non direttamente - a quanto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756836/chartmetric-rapporto-2025-numeri-dati-streaming-industria-commento">osservato nel proprio rapporto relativo al 2025</a>: “I parametri per definire un successo sono cambiati. Un tempo, una hit seguiva un percorso ben definito, ora invece le canzoni rimangono in classifica più a lungo anche senza una storia pregressa. Ma la longevità non è più un indicatore affidabile di popolarità. Con le classifiche che rallentano e le nuove uscite oscurate dai successi già affermati, come facciamo a sapere cos'è davvero popolare?”.

Per Chartmetric anche il 2026 sarà un anno senza tormentoni

Le novità, nell’ultimo anno e mezzo, stanno soffrendo la concorrenza del catalogo

"ChatGPT è&nbsp;il luogo in cui milioni di fan stanno già chiedendo dove andare e cosa fare: vogliamo che SeatGeek sia la risposta, quando si tratta di eventi dal vivo" ha spiegato Adam Waxman, product engineer di ChatGPT, all'annuncio che la celebre piattaforma di ticketing integrerà nella sua app un chatbot di OpenAI che permetterà agli utenti di cercare biglietti e concerti prima di completare l'acquisto.&nbsp;

SeatGeek non è la prima società di ticketing che si avvale di ChatGPT: in precedenza lo hanno già fatto sia Vivid Seats che Gametime, anche se nei loro casi è abilitata solo la ricerca per i biglietti rivenduti da fan a fan. A dicembre scorso SeatGeek aveva già implementato un altro agente AI nella sua app, in questo caso operato da Google.

SeatGeek integra un chatbot di ChatGPT nella sua app

In precedenza aveva già integrato un agente AI targato Google

NuovoIMAIE propone una serie di incontri con protagonisti e protagoniste del panorama musicale italiano per parlare dei loro progetti, ma anche per approfondire le dinamiche che ruotano intorno all’essere Artista Interprete Esecutore.

Nel nuovo millennio il mestiere di cantautore è sempre più sfaccettato: c’è chi arriva dal rap, chi scrive direttamente su beat, chi sperimenta con la musica elettronica, chi non rinuncia a esibire complesse coreografie sul palco. La classica figura a cui siamo stati abituati nel ventesimo secolo (un ragazzo che imbraccia una chitarra, lo stesso strumento con cui di solito ha scritto quelle canzoni) è sempre più rara. Per fortuna alcuni ancora incarnano questo archetipo, come ad esempio Mazzariello, che non rinuncia però a portare nella sua musica tutta la freschezza dei suoi 24 anni. Con la sua “Manifestazione d’amore” lo abbiamo visto a Sanremo Giovani lo scorso febbraio, dove non solo ha sbaragliato la concorrenza ad Area Sanremo, ma ha anche vinto il premio Enzo Jannacci, assegnato ogni anno da NuovoIMAIE a una delle Nuove Proposte del Festival di Sanremo. “Artista gentile, inconsueto e sincero, con il suo brano ha saputo coniugare in maniera originale la ricerca musicale con riferimenti storici importanti, a una storia d’amore legata a immagini critiche del tessuto sociale”; questa la motivazione fornita dalla giuria del premio, composta da Paolo Jannacci (figlio di Enzo), Dodi Battaglia (portavoce NuovoIMAIE del settore Musica) e Settembre (vincitore del premio lo scorso anno). Quando lo raggiungiamo al telefono è da poco tornato a Milano, città da cui ripartirà a breve per i live estivi (il suo tour nei club, "Grandi Successi dal vivo", ripartirà invece da settembre proprio da Milano).

Come sta andando il post-Sanremo?

Benissimo. Sono stato da poco a Fiano, il paese in provincia di Salerno dove sono cresciuto, per incontrare amici e famiglia; alla fine ho incontrato praticamente tutto il paese. Sembravo un soldato tornato vittorioso dalla guerra! (ride) Un’accoglienza bellissima: sono stato in visita alle scuole elementari e medie dove gli studenti mi hanno cantato in coro “Manifestazione d’amore”, ho ricevuto un’onorificenza, tutti mi fermavano per strada… Nei posti piccoli è talmente surreale che un tuo concittadino finisca all’Ariston che è come se anche gli altri vivessero quell’esperienza attraverso te. Tornare a casa e vedere così tante persone commosse mi ha riconciliato con tante cose: dopo un po’, quando la musica diventa un lavoro, rischi di dimenticarti l’effetto che ha sulle persone reali.

Tu ormai sei un veterano del Festival: negli ultimi due anni hai collezionato partecipazioni a Sanremo Giovani, Area Sanremo e anche la finalissima sul palco dell’Ariston…

Si può dire che sia stato un caso: l’anno scorso avevo provato Sanremo Giovani senza arrivare alle fasi finali, ma vedevo che la mia canzone, Amarsi per lavoro, era molto piaciuta, cosa che mi ha incoraggiato a riprovarci. Manifestazione d’amore non è un brano nato per Sanremo: in passato ci avevo provato, a scrivere apposta per una stagione o un evento, ma non mi riusciva mai bene. Così all’ultimo, quando ho capito che il pezzo avrebbe potuto prestarsi comunque allo scopo, ho tentato Area Sanremo. L’ho vissuto in modalità “Hunger Games”: ero il tributo della Regione Campania! (ride) Eravamo 500 candidati, e ogni giorno ci dicevano chi era passato al turno successivo. A un certo punto ci siamo ritrovati in 20, poi in dieci, alla fine in due… Non potevo crederci. Suonare all’Ariston è stata un’emozione, ma sicuramente mi ha aiutato molto l’esperienza dell’anno precedente.

I concorsi sono una dinamica tipica di altri contesti, come lo sport: per un musicista spesso è strano ritrovarsi in gara. Tu come la vivi?

Sono più competitivo sui videogiochi, lo confesso. La musica per me non è fatta per le graduatorie: come si fa a dire che Manifestazione d’amore è più bella o più brutta di un’altra canzone? Nel momento in cui però decidi di intraprendere un percorso come quello di Sanremo, sei in ballo e devi ballare. Ho cercato di fare una bella esibizione, di dare il massimo e di essere me stesso fino in fondo, cosa che non si può dare sempre per scontata in un contesto televisivo.

Hai anche vinto il premio Enzo Jannacci assegnato da NuovoIMAIE, uno dei riconoscimenti più importanti per la categoria Giovani. Che significato ha per te?

È stata una soddisfazione incredibile, soprattutto perché ci tengo tantissimo ai testi. Jannacci è stato un cantautore molto ironico e autoironico, ha sempre usato la lente della comicità per tradurre la realtà che lo circondava, e nel mio piccolo provo a farlo anche io. In effetti mio padre mi faceva ascoltare spesso i suoi dischi quando ero bambino: evidentemente qualcosa è rimasto.

A proposito di ironia e autoironia, il tuo ultimo EP ha un titolo geniale: “Grandi successi”.

Mi trasmetteva un mood perfetto per il Festival della Canzone Italiana! E poi ha un doppio significato, perché in questo EP ci sono tutti i miei piccoli grandi successi, personali prima ancora che musicali: essere arrivato a Sanremo, avere la possibilità di andare in tour… Sono cose che non do assolutamente per scontate.

La presenza sul palco e la performance dal vivo è una parte importante della tua identità artistica. Dal tuo punto di vista di emergente, com’è al momento la situazione del comparto live in Italia?

Ho iniziato a suonare in giro dopo la pandemia, e nonostante tutti dicano che prima era più facile, io non posso lamentarmi. Il live è una grandissima scuola: se all’Ariston era tranquillo è anche perché ho alle spalle una lunga gavetta in locali o piazze con un’acustica pessima. Essere in grado di portare a casa la serata in ogni condizione mi ha sicuramente aiutato, perché quando mi sono ritrovato in una macchina dove tutto funziona, come Sanremo, a maggior ragione sono stato in grado di dare il meglio. Al di là di questo, per il futuro auspico che non ci siano più zone in cui è difficile portare il proprio show: nella mia provincia, ad esempio, le occasioni e le possibilità non sono tante, soprattutto per i cantautori emergenti. Sarebbe bello incuriosire i giovani ad ascoltare nuova musica, anziché puntare tutto sempre e solo sulle cover band (a cui sono molto affezionato, sia chiaro: fosse per me ne fonderei una subito dedicata agli Oasis!).

C’è qualcosa che per te sarebbe davvero utile per gli artisti emergenti, a livello istituzionale e strutturale?

Vorrei che ci fossero maggiori tutele per chi ci lavora. Non parlo tanto dei frontman, ma di tutti coloro che suonano per vivere: i musicisti, i turnisti, le backing band. Da un momento all’altro puoi ritrovarti senza lavoro, e avere un paracadute ancora più solido sarebbe utile. Nessuno di noi ha la certezza di poter fare questo lavoro per tutta la vita, e non tutti possono permettersi di fare il mestiere dell’artista, se non hanno le spalle coperte in partenza.

Mazzariello: 'L'autoironia di Jannacci mi accompagna sempre'

Il cantautore di Sanremo Giovani ha vinto il premio Jannacci assegnato da NuovoImaie: l'intervista

Si chiuderà il prossimo 23 aprile&nbsp;il termine per presentare le candidature in vista della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757084/get-it-4-music-al-via-la-seconda-edizione">seconda edizione di Get it! 4 Music</a>, iniziativa italiana dedicata allo sviluppo di iniziative imprenditoriali attive nel campo della Musica e dello Spettacolo avviata nel 2024 da Music Innovation Hub in partnership con Get it!, il programma di empowerment e impact investing per idee e start-up promosso da Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore (o “FSVGDA”) in collaborazione con Cariplo Factory, e sostenuta da Fondazione Cariplo.

In attesa che la seconda edizione di Get it! 4 Music prenda il via, Simone Serani - CEO &amp; Co-Founder di Ticketoo, una delle Best Start-up 4 Impact premiate lo scorso anno - ha concesso un’intervista a Rockol MusicBiz per raccontare la sua esperienza professionale. 
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Cosa significa, per chi decide di intraprendere un percorso di startup in Italia, venire premiati da un’iniziativa come Get it! 4 Music? Al di là dell’aspetto economico, che impatto ha avuto sulla vostra realtà essere stati protagonisti di questo programma?

Per noi è stato importante soprattutto perché è il primo programma davvero verticale sulla musica in Italia. E, lavorando in questo settore, ti accorgi subito che c’è tantissimo spazio per innovare, ma poche iniziative che spingono davvero in quella direzione. Quindi vincere Get it! 4 Music non è stato solo “un premio”, ma il fatto di trovarci finalmente in un contesto costruito attorno alla musica. Con persone che capiscono il settore, le dinamiche, i problemi veri. Più che una validazione, è stato un passaggio di consapevolezza: capire che quello che stiamo costruendo non è solo una cosa che cresce, ma è parte di qualcosa di più grande. Un settore che in Italia è importantissimo, ma che ha ancora bisogno di tanta innovazione e di startup che lo spingano avanti.

Quale opportunità emersa grazie a Get it! 4 Music state cercando di sfruttare al massimo in questo momento?

Oltre alla possibilità di accedere a dei fondi, che ovviamente ci permetterebbero di crescere più velocemente, l’opportunità più grande è il network. Sia tra founder — perché ti confronti con persone che stanno vivendo le stesse dinamiche — sia con i mentor, che ti danno una prospettiva che da solo difficilmente hai. Un’altra cosa molto importante è l’accesso diretto al settore. Non solo teoria o advisory, ma connessioni reali con chi lavora ogni giorno nell’industria musicale. Questo per noi è fondamentale, perché Ticketoo vive dentro quel mondo. Poi c’è anche un tema di velocità: entrare in un programma così ti fa comprimere mesi di errori e tentativi in settimane, perché impari molto più velocemente. E infine, ti costringe a fare ordine: a capire meglio cosa stai costruendo e dove vuoi andare. In questo momento stiamo cercando di sfruttare al massimo proprio questo: relazioni, confronto e accesso al settore.

Come definireste l’odierno scenario italiano per le startup? Cosa manca (se manca), alle nostre realtà, per essere competitive a livello globale? Che suggerimento dareste a chi, oggi, vorrebbe avviare una startup nel nostro Paese?

Lo scenario italiano per le startup è migliorato tanto negli ultimi anni, soprattutto lato programmi, accelerazione e accesso al capitale. Oggi partire è più facile rispetto a prima: il problema arriva dopo. Manca ancora una vera cultura della collaborazione, tra startup, corporate e istituzioni. L’innovazione spesso viene vista più come una minaccia che come un’opportunità, e questo rallenta tantissimo tutto il processo. Per una startup è fondamentale avere accesso a programmi di accelerazione, mentor, percorsi strutturati, ma se poi fuori non trovi un ecosistema pronto a collaborare davvero, rischi di rimanere bloccato. Quindi più che il capitale, quello che manca è il collegamento con il mondo reale. Chi può adottare innovazione — grandi aziende, player del settore, istituzioni — spesso lo fa troppo lentamente. E questo crea un gap enorme. Il consiglio che darei oggi? Fare network prima ancora di fare startup: costruire relazioni, capire il settore, parlare con le persone giuste. Perché partire già con dei contatti ti fa risparmiare mesi, a volte anni. E ti permette di muoverti molto più velocemente quando inizi davvero.

Get it! 4 Music, parla Ticketoo

I vincitori della passata edizione raccontano la loro esperienza: la testimonianza di Simone Serani

In un sistema giuridico di common law - come quello statunitense - dove un precedente è considerato vincolante, la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757897/pirateria-in-usa-la-corte-suprema-assolve-i-provider">recente sentenza della Corte Suprema a favore di Cox Communications</a> nel contenzioso tra il fornitore di servizi di telecomunicazione e le major discografiche potrebbe rappresentare un grimaldello utile a X per scardinare l’impianto accusatorio disposto dalla National Music Publishers’ Association nei propri confronti.

La causa vede gli editori musicali accusare la società di Elon Musk di violazione di copyright su larga scala per i contenuti musicali postati dagli utenti sulla piattaforma un tempo nota come Twitter: X, che sin dalle prime battute del procedimento ha evocato il concetto di safe harbor per scaricare ogni responsabilità, a metà dello scorso gennaio <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756338/x-una-controquerela-alla-national-music-publishers-association">ha presentato una controquerela</a> dove accusa i publisher di condotta commerciale scorretta atta a estorcere un accordo di licenza.

Ora, il fatto che il massimo organo giuridico degli Stati Uniti abbia sollevato - proprio con la sentenza su Cox Communications - i fornitori di servizi della responsabilità legata ai contenuti fruiti dai propri utenti, potrebbe rappresentare il precedente perfetto per disinnescare le istanze della NMPA nei confronti di X. In un documento presentato presso il tribunale federale di Nashville lo scorso 27 marzo, appena due giorni dopo la sentenza su Cox, il team legale della società di Musk ha sostanzialmente chiesto (per la seconda volta) l’archiviazione del procedimento, sostenendo che “se la Corte Suprema avesse emesso questa sentenza tre anni fa, questa Corte avrebbe respinto nella sua interezza la richiesta di risarcimento per violazione indiretta avanzata dai ricorrenti”.

Dal canto loro, gli editori - alla luce della sentenza Cox - si sono detti pronti alla sospensione del procedimento in attesa che la corte elabori il senso della decisione della Corte Suprema. Senza, tuttavia, condividere minimamente l’interpretazione data alla stessa dei legali di X. "I querelanti non concordano con l'affermazione del convenuto secondo cui la sentenza Cox implichi l'archiviazione del caso”, si legge in una memoria difensiva presentata dagli avvocati della NMPA (ottenuta da MBW): “Le accuse dei querelanti e gli elementi di fatto dimostrano la necessità di proseguire con il caso”.

X vuole usare la sentenza su Cox contro gli editori musicali

La decisione delle Corte Suprema potrebbe ‘salvare’ la piattaforma nella causa intentata dalla NMPA

Il colosso del K-pop HYBE ha annunciato un aumento di capitale da 100 milioni di dollari per la sua controllata statunitense HYBE America: l’operazione, fatta trapelare da un documento depositato presso l'autorità regolatrice dei mercati di Seul e portato a termine tramite un massiccio acquisto di azioni, ribadisce la strategia di espansione del gruppo nel mercato musicale americano. Secondo quanto comunicato, le risorse serviranno a rafforzare le capacità locali su produzione musicale, sviluppo degli artisti e iniziative di marketing, con l’obiettivo di sostenere il roster già attivo e di firmare nuovi talenti, oltre a migliorare infrastrutture produttive e attività promozionali.

L’operazione punta anche ad aumentare la capacità della società di lavorare su progetti con profilo internazionale e, nelle intenzioni, di favorire collaborazioni tra talenti coreani e americani in un contesto competitivo.

Fondata nel 2019, HYBE America ha acquisito la società di Scooter Braun Ithaca Holdings nel 2021 per oltre un miliardo di dollari: due anni dopo la società è entrata in controllo anche della label di Atlanta QC Media Holdings, grazie a un investimento da 300 milioni di dollari. L’azienda ha anche in essere joint venture con Geffen e SB Projects.

HYBE USA, un aumento di capitale da 100 milioni di dollari

La conglomerata coreana prosegue nella sua strategia di espansione degli Stati Uniti

Giacomo Maiolini, fondatore di Time Records, è stato chiamato nel cast di “Canzonissima”, reboot dello storico programma Rai andato in onda per la prima volta nel 1958 e rilanciato con una nuova edizione - condotta da Milly Carlucci - fatta debuttare su Rai 1 lo scorso 21 marzo: il discografico è stato coinvolto dalla produzione nel ruolo di giudice. 
 
Classe 1963, nato a Pedrocca, in provincia di Brescia, Maiolini - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748903/time-records-compie-quarant-anni">dopo aver festeggiato, nel 2024, i quarant’anni di Time Records</a> - lo scorso anno <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752329/giacomo-maiolini-time-records-nominato-cavaliere-della-repubblica">è stato insignito dal Presidente della Repubblica Sergio Mattarella del titolo di Cavaliere del Lavoro</a>.

Giacomo Maiolini nel cast di ‘Canzonissima’

Il fondatore di Time Records approda sul primo canale del servizio pubblico

Warner Music ha annunciato di aver chiuso un accordo per l’acquisizione di Revelator, piattaforma B2B fondata nel 2012 e specializzata nella distribuzione di musica digitale, nella gestione dei diritti, nella contabilità delle royalty e nelle analytics in tempo reale: l’operazione, che sarà finalizzata entro la fine del prossimo mese di giugno, permetterà alla major e ad ADA, la propria divisione dedicati ai servizi di artisti ed etichette, di potenziare la propria offerta rivolta al proprio roster e “alla comunità indipendente”, ampliando al contempo la propria portata.

"La combinazione della tecnologia all'avanguardia e della gamma di servizi di prim'ordine di Revelator con la nostra infrastruttura globale darà un impulso decisivo alla nostra missione comune di supportare un numero sempre maggiore di etichette e artisti in tutto il mondo”, ha dichiarato Robert Kyncl, CEO di Warner Music: “Sono molto lieto di dare il benvenuto al team di Revelator nella famiglia WMG”.

"Fin dal lancio di Revelator nel 2012, ci siamo impegnati per rendere l'industria musicale più equa, semplice e trasparente, colmando il divario tra creatività, tecnologia e distribuzione”, ha aggiunto Bruno Guez, fondatore e CEO di Revelator: “Siamo molto felici di collaborare con WMG per offrire un servizio eccellente ad artisti, etichette e distributori in tutto il mondo".

Warner Music acquisisce Revelator

La major mette le mani sulla piattaforma B2B: la transazione sarà finalizzata entro giugno

Come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757490/siae-nel-2025-superato-il-miliardo-di-euro-di-ricavi">già anticipato</a> dal Direttore Generale Matteo Fedeli nel corso di un’intervista al Sole 24 Ore lo scorso 6 marzo, SIAE - nel 2025 - a registrato un record di fatturato, incassando 1,022 miliardi di euro: la prestazione si è riverberata nelle ripartizioni erogate dalla collecting, che - lo scorso anno - hanno toccato quota 849 milioni di euro (in crescita del 15% su base annua).

Nella giornata di oggi, mercoledì primo aprile, la Società Italiana degli Autori ed Editori ha reso pubblico il proprio report annuale, rivelando altre cifre relative alle proprie attività nel corso dei dodici mesi chiusi lo scorso 31 dicembre.

Per quanto riguarda l’integrazione dell’intelligenza artificiale nei propri servizi, EVA - l’assistente virtuale attivata sul portale www.siae.it, ha gestito oltre un milione di messaggio: tramite l’app SIAE+ sono stati registrati 225.776 brani.

“La frequenza di pagamento delle royalties della musica online sono passate da due a quattro all’anno, con distribuzioni trimestrali che consentono agli aventi diritto di ricevere i compensi in tempi più rapidi”, ha fatto sapere la collecting: “L'efficientamento operativo ha contribuito alla riduzione dei costi e alla maggiore efficienza interna, permettendo una riduzione della provvigione media dal 16% del 2013 al 13,7% nel 2025, con riduzioni significative anche per eventi live e servizi digitali”.

A fine 2025 SIAE contava 125.744 iscritti, per un totale complessivo di 29,7 milioni di opere tutelate: sul fronte internazionale, la rete di tutela della collecting comprende 199 territori, 300 accordi con l’estero e 446 punti territoriali distribuiti in Italia.

Attraverso il programma Per Chi Crea, promosso dal Ministero della Cultura e gestito da SIAE, sono stati finanziati 331 beneficiari under 35, per un totale di 10 milioni di euro, mentre per il 2026 è previsto uno stanziamento di 14,5 milioni. A questo si aggiungono 5,4 milioni dedicati ad altre iniziative sociali, culturali ed educative.

“La trasformazione digitale si accompagna a una profonda evoluzione delle competenze interne: negli ultimi anni si sono registrate 300 uscite e 150 nuove assunzioni, con l’ingresso di AI engineer, data specialist e negoziatori digitali, alcuni selezionati tramite hackathon dedicati all’intelligenza artificiale”, ha concluso la collecting: “Il superamento del miliardo non è un punto d’arrivo, ma l’inizio di una nuova fase. SIAE ha avviato il piano strategico al 2030, che punta a una raccolta di 1,1 miliardi di euro e a un’ulteriore riduzione dell’aggio, con l’obiettivo di diventare una piattaforma digitale fondata su fiducia, trasparenza e innovazione”.

“Nel 2025, SIAE ha continuato a svolgere un ruolo centrale nel panorama culturale italiano,&nbsp;forte di un’eredità di oltre 143 anni”, ha commentato Salvatore Nastasi, Presidente di SIAE: “La sua missione si è rinnovata ancora una volta nel sostegno concreto a chi crea: gli autori e gli editori che nutrono ogni giorno l’immaginario collettivo del Paese. Non solo protezione dei diritti, ma un impegno più ampio nel riconoscere alla creatività il valore di motore sociale ed economico. Il contesto attuale, segnato dall’avanzare di tecnologie sempre più sofisticate, sta ridefinendo processi e linguaggi della produzione culturale. In questo scenario in trasformazione, la capacità di garantire equilibrio, visione e tutela diventa ancora più&nbsp;determinante. Il miliardo di euro di fatturato non è soltanto una cifra: è la prova concreta&nbsp;di un percorso di rafforzamento e innovazione tecnologica della nostra società. Questi risultati confermano il ruolo di SIAE come partner di sviluppo per l’intero ecosistema creativo: un punto di riferimento per chi immagina un’Italia che continui a distinguersi attraverso le sue forme d’arte, dalla musica al teatro, dal cinema alla letteratura. Sostenere la creatività significa infatti investire nelle fondamenta del nostro futuro: un patrimonio culturale vivo, riconosciuto e valorizzato”.

“Nel 2025 SIAE prosegue il proprio percorso di espansione, confermando una crescita&nbsp;costante e risultati economici senza precedenti”, ha aggiunto Matteo Fedeli, Direttore Generale della collecting: “Il raggiungimento del traguardo, strategico e simbolico, del miliardo di euro di fatturato, è l’attestazione più evidente della missione che portiamo avanti ogni giorno: incrementare sempre più il valore riconosciuto agli aventi diritto, con un aggio medio sempre più basso.&nbsp;Questa traiettoria positiva è sostenuta da un insieme di leve decisive. Da un lato, una&nbsp;maggiore forza negoziale nei confronti di soggetti come le grandi piattaforme digitali,&nbsp;indispensabile per garantire condizioni economiche più vantaggiose per autori ed editori in un mercato globale che evolve rapidamente. Dall’altro, una trasformazione interna che sta rendendo SIAE un’organizzazione sempre più agile, digitale e orientata all’efficienza: processi semplificati, adozione di tecnologie avanzate e un utilizzo crescente dell’intelligenza artificiale come alleato operativo. E’ in questa prospettiva più ampia, che integra efficienza operativa, innovazione e trasparenza, che si misura l’impatto reale di SIAE e la nostra capacità di remunerare al meglio chi crea valore culturale ed economico per il Paese”.

SIAE, i numeri del 2025

Fatturato record a 1,022 miliardi di euro e +15% nelle ripartizioni (a 849 milioni di euro)

Si è chiuso ufficialmente ieri, martedì 31 marzo, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752765/note-legali-nasce-sounds-rights">Sound Rights</a>, progetto promosso da Note Legali APS e co-finanziato dal programma europeo LIVEMX (Creative Europe), realizzato in collaborazione con KeepOn Live volto a rafforzare le competenze dei professionisti che operano nell’ambito della musica dal vivo.

L’iniziativa - sviluppata attraverso un programma articolato di 13 lezioni, tra incontri online e momenti in presenza, ospitati anche all’interno di eventi come il KeepOn LIVE Fest di Palermo e Linecheck Festival a Milano - ha coinvolto esperti del settore e rappresentanti delle principali collecting italiane, affrontando temi fondamentali nell’operatività degli addetti ai lavori come diritto d’autore e diritti connessi, licenze, gestione dei rapporti contrattuali tra artisti, promoter e spazi, ticketing e aspetti fiscali e previdenziali.

Sounds Rights ha coinvolto oltre 30 realtà da tutta Italia, tra live club, festival e organizzazioni culturali (selezionate attraverso una call pubblica), come - tra gli altri - AltreMenti Labs, Arci Bellezza, I Candelai, Associazione Glenn Gould ETS, Lumen Festival, Associazione WOM, Baumhaus, Bloom Mezzago, Circolo Magnolia, DumBo, GoMad Concerti, Hybrida APS, MONK Roma, Pablo Listening Bar, Ozono Factory APS, Senzaspine APS e Zenit APS.

A conclusione del percorso, ai partecipanti che hanno frequentato il corso secondo i criteri stabiliti verrà rilasciato un open badge digitale, a certificazione delle competenze acquisite nei diversi ambiti affrontati.

“Quando abbiamo immaginato Sounds Rights, avevamo in mente un obiettivo molto concreto: mettere finalmente gli operatori della musica dal vivo nelle condizioni di lavorare meglio, non solo di lavorare di più”, ha dichiarato Emanuela Teodora Russo, presidente di Note Legali: “Formarsi significa lavorare in modo più consapevole, ridurre i margini di errore, costruire relazioni più equilibrate e rafforzare la sostenibilità degli spazi di musica dal vivo”.

“Sounds Rights è un progetto molto importante perché permette di aggiornare le competenze di chi organizza concerti e, allo stesso tempo, di creare coesione su temi complessi ma centrali per il nostro lavoro, rafforzando l’intera categoria”, ha aggiunto Gaiané Kevorkian, project manager di KeepOn LIVE.

“L’esperienza maturata rappresenta oggi una base concreta per lo sviluppo di percorsi analoghi, contribuendo alla diffusione di pratiche condivise e a una maggiore armonizzazione delle competenze nel settore della musica dal vivo”, hanno fatto sapere gli organizzatori in una nota: “La chiusura del progetto non è quindi un punto di arrivo, ma l’avvio di una nuova fase. I contenuti sviluppati – tra cui la guida digitale finale a disposizione dei partecipanti – continueranno a rappresentare uno strumento operativo per gli operatori del settore, mentre la rete attivata durante il percorso costituisce un patrimonio relazionale destinato a crescere nel tempo”.

Sound Rights, il bilancio degli organizzatori

Dopo il termine del progetto promosso da Note Legali e realizzato in collaborazione con KeepOn

La stagione dei concerti estivi è alle porte, e una nuova location si appresta ad aprire i battenti: si tratta della Imola Music Park Arena e sarà una delle più capienti d'Europa: sviluppandosi su un’area complessiva di oltre 350.000 metri quadrati di parco potrà infatti&nbsp;ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze. Il primo live previsto è quello di Cesare Cremonini, previsto per il prossimo 13 giugno e già sold-out.

Importante anche il fattore ambientale ed ecologico: l'arena&nbsp;è stata concepita come una struttura resiliente, forte di un piano di adattamento climatico. Superfici permeabili in erba, alberature diffuse e soluzioni pensate per mitigare le alte temperature contribuiscono a ridurre l’impatto ambientale degli eventi. Strategie di economia circolare e gestione sostenibile degli eventi&nbsp;(il recupero delle eccedenze alimentari, il riciclo dei materiali e la valorizzazione dei rifiuti) completano il quadro. Il progetto è stato sviluppato come una&nbsp;collaborazione tra Live Nation, il Comune di Imola e l'Autodromo Internazionale Enzo e Dino Ferrari.

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Nasce la Imola Music Park Arena all'insegna della sostenibilità

Potrà ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze

E' un'etichetta globalista fin dalle sue origini, la nuova nata in casa UMG: Dialled In Records avrà infatti base a Londra e sarà gestita da The Collective (un celebre&nbsp;gruppo di A&amp;R trasversali ad Island ed EMI) e da un gruppo di imprenditori, consulenti musicali e produttori provenienti dall'Asia meridionale, in particolare dall'India, fondatori del collettivo Dialled In. Il gruppo è attivo da cinque anni e si è già fatto notare in territorio inglese, arrivando addirittura a piazzare alcuni suoi artisti in festival come Glastonbury.

Le prime firme dell'etichetta sono Aahadadream (artista di origini indiane già noto nel Regno Unito, che tra l'altro ha co-fondato il collettivo Dialled In) e un gruppo di artisti attivi tra New Delhi e Mumbai, gli Excise Dept. Il 30 maggio la nuova etichetta inaugurerà ufficialmente le sue attività festeggiando il quinto compleanno del collettivo con un festival da 3.000 persone.

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UMG lancia una nuova label specializzata in musica asiatica

Si chiama Dialled In Records e sarà gestita insieme a un collettivo di imprenditori indiani

Un tempo era appannaggio soprattutto degli artisti in tour, ma con l'avvento di Internet e degli e-commerce ormai ci si trova a&nbsp;constatare come ogni etichetta, produttore, rapper o cantante immetta ogni anno nel circuito del merchandising&nbsp;diversi drop (così si dice in gergo) di nuovi articoli. Ed è proprio su questo che si focalizza la nuova ricerca di Midia: quali sono i desideri e le impressioni dei potenziali acquirenti?

Stando all'indagine, la cara vecchia t-shirt della band non è più l'oggetto dei desideri dei giovanissimi: la maggior parte dei consumatori nella fascia 16-24 predilige altre opzioni, come poster, portachiavi e bigiotteria. Sempre più consolidata tra&nbsp;i giovanissimi, inoltre, l'abitudine di acquistare i formati fisici di album e singoli alla stregua di merchandising (una tendenza evidente&nbsp;anche per via del&nbsp;fatto che la maggior parte dei giovani acquirenti di LP e 45 giri non possiede un giradischi): il 27% dei consumatori di musica di questo range di età, infatti, ne ha comprato uno nell'ultimo anno.

Purtroppo, però, emergono anche alcune criticità da parte dei fan interpellati, come la sensazione&nbsp;che molti articoli siano diventati troppo costosi. Emerge anche la convinzione che questa fonte di guadagno sia ormai quasi&nbsp;abusata dagli artisti: ben il 40% degli intervistati dichiara di sentirsi a volte sfruttato (in modalità mucca da mungere, per intenderci) dai propri beniamini.

Una nuova ricerca sui trend del merchandising firmata Midia

E' una fonte di incassi sempre più redditizia per gli artisti, e non solo per quelli in tour

Il giudice federale americano Randolph D. Moss ha dichiarato incostituzionale l’ordine esecutivo con cui Donald Trump, lo scorso maggio, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756294/usa-stop-ai-finanziamenti-per-le-radio-pubbliche">aveva disposto l’eliminazione dei finanziamenti pubblici a NPR e PBS</a>, i due principali operatori nel circuito delle radio pubbliche nazionali. “Il Primo Emendamento traccia una linea, che il governo non può oltrepassare, negli sforzi di usare il potere del governo - compreso quello di finanziamento - ‘per punire o sopprimere l’espressione sfavorita’ da parte di altri”, si legge nella sentenza: “Il messaggio è chiaro: NPR e PBS non devono fare domanda per alcun beneficio federale perché il Presidente disapprova la loro linea editoriale ‘progressista’”.

La sentenza - osserva la stampa specializzata americana - non implica, tuttavia, un riavvio automatico dei fondi: Moss osserva che, poiché le risorse del Corporation for Public Broadcasting (CPB) sono già state revocate, le richieste di sollievo contro il CPB risultano prive di oggetto; al tempo stesso, ha emesso un’ingiunzione permanente per impedire l’attuazione dell’ordine esecutivo.&nbsp;

“Siamo entusiasti della decisione di oggi che dichiara l’ordine esecutivo incostituzionale… l’ordine esecutivo è una discriminazione e una ritorsione per punto di vista, incostituzionale da manuale”, ha commentato Jeremy Gaines, portavoce del PBS. Secondo la CEO di NPR Katherine Maher il tribunale ha chiarito che “il governo non può usare il finanziamento come leva per influenzare o penalizzare la stampa”, definendo la decisione “una conferma decisiva dei diritti di una stampa libera e indipendente—e una vittoria per NPR”. La portavoce della Casa Bianca Abigail Jackson ha definito la decisione della corte “ridicola”: “NPR e PBS non hanno alcun diritto di ricevere fondi dei contribuenti, e il Congresso ha già votato per togliere loro i finanziamenti”, lasciando intendere - come riferito da Politico - la possibilità di fare ricorso in appello.