Si è tenuto oggi, lunedì 20 novembre, a Torneria Tortona, quartier generale della Milano Music Week 2023, il panel “Il 2024 della musica italiana: previsioni e aspettative”, evento istituzionale di apertura della settima edizione della rassegna meneghina dedicata all’industria musicale. All’incontro - moderato dal fondatore e ceo di Rockol Giampiero Di Carlo - hanno preso parte Gianmarco Mazzi (Sottosegretario alla Cultura con delega allo Spettacolo dal vivo e alla Musica), Bruno Sconocchia (Presidente Assoconcerti), Carlo Parodi (Presidente Assomusica), Enzo Mazza (ceo di FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana), Andrea Miccichè (Presidente di NUOVOIMAIE) e Matteo Fedeli (Direttore Generale di SIAE).

L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Tommaso Sacchi e la direttrice artistica Nur Al Habash hanno rivolto alla platea i saluti istituzionali, apprezzando l’interessamente del Sottosegretario Mazzi e commentando: “la risposta più bella alla Music Week è questo pubblico, così folto e competente”. Il moderatore del panel Di Carlo, in apertura dei lavori, ha ricordato come “l’industria di settore si trovi in un buono stato di forma, tutti i dati sono positivi. Musica registrata, live e publishing sono i tre pilastri del settore: negli ultimi tempi la musica dal vivo è tornata clamorosamente in forma, mentre lo streaming continua a macinare buone performance". Quali sono, a questo punto, le opportunità e le criticità del 2024?

“Sono stati 18mila i concerti nel 2019, in Italia, e 31mila nel 2022, ovvero più 70%”, ha commentato Parodi: “Il 2022 è stato ancora viziato dal Covid, ma nei primi 5 mesi del 2023 la spesa per i concerti ha un più 45% rispetto al 2019. La forza del momento esperienziale di un live è difficilmente surrogabile dal live streaming. Il numero di concerti e festival organizzati in italia nel 2023 ha indicato una crescita degli eventi anche fuori dai soliti circuiti, generando una crescita sui territori che offre al pubblico opportunità di socialità e cultura. Occorre rendere strutturale questo fenomeno: serve una normativa di riferimento, legata al Codice dello Spettacolo, affinché tutto il sistema musicale possa camminare sulle proprie gambe”.

“Questo settore ha avuto un ricambio generazionale incredibile negli ultimi dieci anni, non solo nelle professionalità ma anche nell’innovazione tecnologica”, ha aggiunto Enzo Mazza: “Oggi l’83% del mercato italiano è digitale, il nostro settore è l’unico ad aver compiuto la transizione tecnologica. E’ una rivoluzione epocale che non è conclusa: adesso ci attende una nuova sfida del settore, l’AI generativa, che interverrà pesantemente sul modello creativo. Serve grande attenzione, perché da un lato è un’enorme opportunità, ma richiede sfide da un punto di vista legislativo e normativo. E serve che tutti lavorino insieme affinché venga tenuta al centro la creatività umana. Su questo fronte stiamo facendo un grande battaglia, a Strasburgo e a Bruxelles”.

Osservando come, grazie alla Milano Music Week, “Milano sia sempre più capitale della musica italiana”, Matteo Fedeli ha riconosciuto che l’”AI generativa è un grandissimo tema, e lo sarà sempre di più per questa generazione. Per la prima volta viene messo in discussione non lo strumento tecnologico, ma la concezione di un mondo antropocentrico: è un elemento che potrebbe creare una disruption totale. E’ fondamentale cercare di comprendere quali sono gli elementi sui quali bisogna difendere la creatività umana: questa è una tecnologica che non si ferma, bisogna cavalcare e non subire questo fenomeno. E’ opportuno creare frame governativi in grado di dare regole chiare: non ci possiamo permettere il medioevo della musica verificatosi tra Napster e lo streaming, perché rischiamo di perdere moltissimi posti di lavoro. E’ un tema sociale. Occorre portare avanti una lobbying a livello europeo che tenga al centro gli esseri umani. Come tutte le battaglie tecnologiche, questa va portata avanti con comprensione e competenza: abbiamo da difendere un patrimonio culturale e di nuove generazioni che ci impone di agire”.

“O lasciamo che il mercato vada, o cerchiamo di governarlo”, ha precisato Andrea Miccichè: “Quando va troppo in là si rischia di creare danni, anche al mercato stesso. Credo che il mercato possa rappresentare una grande opportunità, ma che serva una certa vigilanza. A distanza di 11 anni dalla liberalizzazione dei diritti connessi abbiamo visto gli effetti controproducenti che avevamo immaginato all’epoca. Oggi non c’è un disegno organico del mercato, gli utilizzatori non sanno cosa pagare a chi. Il governo può cambiare le cose. Avevamo iniziato un progetto di uno sportello unico che purtroppo non è andato a compimento. A chi ci governa vogliamo segnalare che occorre centralizzare queste operatività: il database unico è una di queste risposte. Il tasso di evasione del diritto connesso in Italia è inaccettabile: credo che la soluzione sia centralizzare alcune attività”.

“Nel settore live abbiamo dati confortanti, dal punto di vista degli incassi”, ha spiegato Bruno Sconocchia: “Perché questi numeri? C’è ancora voglia di socialità, e lo spettacolo dal vivo è l’unico posto dove l’’io’ può diventare ‘noi’. La musica è solo un momento di incontro, non di scontro, come invece talvolta lo è il calcio. L’onorevole Mazzi parla la nostra lingua e ci capisce, contiamo molto su di lui. Occorre rompere la barriera tra musica colta e musica popolare. La musica è bella o brutta, basta distinzioni tra generi. Non ha senso che ci sia un genere sovvenzionato e un altro no. Una preghiera al sottosegretario Mazzi: basta distinzioni. In questo momento di guerra e violenza la cultura ci può salvare, e la musica è cultura”.

“Sono d’accordo sul fatto che non ci debbano essere steccati tra generi”, ha premesso Gianmarco Mazzi, iniziando il suo lungo intervento: “Tengo lontana la politica da questo luogo, perché ritengo sarebbe sbagliato, e soprattutto perché non vengo dalla politica, ma dall’industria musicale. Stiamo lavorando al codice dello spettacolo, iniziando dall’indennità di discontinuità, provvedimento che rispetta la legge delega: non si perderà nulla della copertura finanziaria già annunciata. Uno degli obiettivi del governo è portare la musica e la cultura in ogni angolo del Paese: siamo attenti anche a fenomeni culturali come la danza, spesso trascurata ma che coinvolge oltre tre milioni di famiglie in Italia. Voglio essere il sottosegretario della cultura popolare: ci sono zone del paese, come le periferie, che dalla parola cultura non vengono toccate, e per noi è molto grave. Non mi occupo della cultura delle élite. E’ importante riconoscere le figure professionali, perché in questo settore ci sono enormi opportunità di lavoro. C’è stata grande attenzione su quei settori artistici a ‘rischio cultura’, ovvero quelli che non si sostengono da soli sul mercato. Chi si presume che possa farcela da solo si tende a non aiutarlo, ma credo non sia giusto, perché bisogna premiare il merito. Chi non si sostiene sui mercati va aiutato con i finanziamenti, e chi ci riesce con il tax credit. Sull’intelligenza artificiale: crea preoccupazione, per la prima volta nella storia dell’umanità si sta sviluppando una tecnologia potenzialmente alternativa all’uomo. Sono tre i rischi che vedo: che vengano spazzati via milioni di posti di lavoro, che si permetta la concentrazione di ricchezze enormi in poche mani, che si vada incontro al rischio di non distinguere più ciò che è vero da ciò che non lo è. D’accordo sulla vigilanza sul mercato a tutela dei lavoratori: terremo conto della possibilità di tariffa unica sul mercato dei diritti connessi. Ho sempre pensato che al centro ci fosse l’industria culturale, con una parte economica e una culturale: la musica ben rappresenta una realtà del genere. Entrambe devono andare a braccetto. C’era chi diceva che con la cultura non si mangia… noi riteniamo che con la cultura si possa sia mangiare, sia allo stesso tempo rappresentare bene il proprio Paese. La musica è sia un’espressione culturale sia un’espressione economica, e ha anche una valenza sociale. Quando in un paese sono crescenti i fronti di crisi, arrivare coi problemi del mondo della musica richiede la consapevolezza di sapere chi si rappresenta. La musica ha una grande rilevanza sociale, perché aggrega, e perché entra nel processo di formazione dei giovani: è un punto di riferimento importante, la musica”.

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“Chi ha la mia età è cresciuto con artisti che sono stati anche maestri di vita”, ha proseguito Mazzi introducendo la parte del suo intervento che ha suscitato più dibattito, e che sicuramente ne susciterà nei giorni a venire: “Molti di loro hanno contribuito alla mia formazione. Per sostenere questo ambiente occorre che questo ambiente difenda la sua reputazione sociale. Non ho risposte, in questo senso, ma solo domande. Amo tutte le musiche, ma oggi ci sono testi che sono inni alla violenza contro le donne: non dobbiamo solo combattere la violenza sulle donne, ma anche gli uomini che diffondono la cultura che la promuove. Questa deriva è pericolosa&nbsp;e allarmante. Il problema della reputazione lo faccio partire da alcuni testi, che hanno dietro aziende rappresentate su questo palcoscenico, e che fanno business su questi stessi testi”. Dopo aver letto alcuni versi di brani rap / trap (dei quali non cita gli autori) con espressioni sessiste, violente e volgari, il Sottosegretario ha proseguito: “Sono pronto a battermi per questo settore, ma come faccio con questi testi che girano? Dietro questi testi ci sono Sony Music, Universal Music e Warner Music: qualcuno dice che questi testi sono un riscatto, ma si può permettere un riscatto di qualcuno ai danni di una generazione - quella che ascolta queste canzoni? Questa è cultura? Di fronte a questi testi, cosa possiamo fare? Questo panel si intitola ‘Le aspettative del 2024 della musica italiana’. Cosa mi aspetto io? Che chi è seduto qui si ponga questo problema. La musica è la mia comunità, ed è composta da persone molto solidali - i produttori e organizzatori italiani sono i migliori del mondo. Per Italia Loves Romagna industria e artisti mi hanno aiutato, raccogliendo 3 milioni di euro in una sera. So quanto la comunità della musica sappia essere solidale, ma forse il tempo dei simbolismi è finito: bisogna alzarsi con indignazione per far ragionare chi danneggia non solo la comunità della musica, ma tutta la comunità. Sono per la totale libertà di espressione, ma io sono anche per la responsabilità sociale. Contesto che le aziende sostengano questo tipo di musica, perché le aziende hanno un codice etico, che hanno inventato proprio loro, le multinazionali americane. Se lo impongono ai loro lavoratori, perché non lo impongono anche fuori? Non sopporto che si faccia business su queste cosa: la tolleranza in merito dovrebbe finire”.

“E’ un problema che negli USA hanno già vissuto”, replica Mazza, citando lo scalpore che nel 1980 suscitò il brano dei Dead Kennedys “I Kill Children”: “La&nbsp;censura portò la cultura punk a moltiplicarsi, alimentata dal fascino&nbsp;del divieto. Mio figlio ascolta dieci artisti hip hop, italiani e americani, sette dei quali attualmente sono in galera: se gli muovo questo tipo di osservazioni la sua risposta è ‘stai calmo, brò: poi ne parliamo’. Far&nbsp;sembrare questi artisti censurati dalla discografia li farebbe ascoltare ancora di più di quanto non lo siano ora. Questo problema ci riguarda tutti, senz’altro: è un tema che riguarda la cultura nazionale e sociale, non solo in Italia. Ed è un tema difficile, per il quale dovremmo organizzare un convegno ad hoc. Cerchiamo di individuare un tavolo permanente di confronto per affrontare questo problema: oggi non ci sono più gatekeeper, i rapper possono andare in classifica anche senza essere sotto contratto con una casa discografica”.

FIMI

SIAE

Assomusica

Gianmarco Mazzi

NUOVOIMAIE

ASSOCONCERTI

Milano Music Week 2023

Milano Music Week 2023, rap e censura: il dibattito

Si è tenuto oggi, lunedì 20 novembre, a Torneria Tortona, quartier generale della Milano Music Week 2023, il panel “Il 2024 della musica italiana: previsioni e aspettative”, evento istituzionale di apertura della settima edizione della rassegna meneghina dedicata all’industria musicale. All’incontro - moderato dal fondatore e ceo di Rockol Giampiero Di Carlo - hanno preso parte Gianmarco Mazzi (Sottosegretario alla Cultura con delega allo Spettacolo dal vivo e alla Musica), Bruno Sconocchia (Presidente Assoconcerti), Carlo Parodi (Presidente Assomusica), Enzo Mazza (ceo di FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana), Andrea Miccichè (Presidente di NUOVOIMAIE) e Matteo Fedeli (Direttore Generale di SIAE).

L’Assessore alla Cultura del Comune di Milano Tommaso Sacchi e la direttrice artistica Nur Al Habash hanno rivolto alla platea i saluti istituzionali, apprezzando l’interessamente del Sottosegretario Mazzi e commentando: “la risposta più bella alla Music Week è questo pubblico, così folto e competente”. Il moderatore del panel Di Carlo, in apertura dei lavori, ha ricordato come “l’industria di settore si trovi in un buono stato di forma, tutti i dati sono positivi. Musica registrata, live e publishing sono i tre pilastri del settore: negli ultimi tempi la musica dal vivo è tornata clamorosamente in forma, mentre lo streaming continua a macinare buone performance". Quali sono, a questo punto, le opportunità e le criticità del 2024?

“Sono stati 18mila i concerti nel 2019, in Italia, e 31mila nel 2022, ovvero più 70%”, ha commentato Parodi: “Il 2022 è stato ancora viziato dal Covid, ma nei primi 5 mesi del 2023 la spesa per i concerti ha un più 45% rispetto al 2019. La forza del momento esperienziale di un live è difficilmente surrogabile dal live streaming. Il numero di concerti e festival organizzati in italia nel 2023 ha indicato una crescita degli eventi anche fuori dai soliti circuiti, generando una crescita sui territori che offre al pubblico opportunità di socialità e cultura. Occorre rendere strutturale questo fenomeno: serve una normativa di riferimento, legata al Codice dello Spettacolo, affinché tutto il sistema musicale possa camminare sulle proprie gambe”.

“Questo settore ha avuto un ricambio generazionale incredibile negli ultimi dieci anni, non solo nelle professionalità ma anche nell’innovazione tecnologica”, ha aggiunto Enzo Mazza: “Oggi l’83% del mercato italiano è digitale, il nostro settore è l’unico ad aver compiuto la transizione tecnologica. E’ una rivoluzione epocale che non è conclusa: adesso ci attende una nuova sfida del settore, l’AI generativa, che interverrà pesantemente sul modello creativo. Serve grande attenzione, perché da un lato è un’enorme opportunità, ma richiede sfide da un punto di vista legislativo e normativo. E serve che tutti lavorino insieme affinché venga tenuta al centro la creatività umana. Su questo fronte stiamo facendo un grande battaglia, a Strasburgo e a Bruxelles”.

Osservando come, grazie alla Milano Music Week, “Milano sia sempre più capitale della musica italiana”, Matteo Fedeli ha riconosciuto che l’”AI generativa è un grandissimo tema, e lo sarà sempre di più per questa generazione. Per la prima volta viene messo in discussione non lo strumento tecnologico, ma la concezione di un mondo antropocentrico: è un elemento che potrebbe creare una disruption totale. E’ fondamentale cercare di comprendere quali sono gli elementi sui quali bisogna difendere la creatività umana: questa è una tecnologica che non si ferma, bisogna cavalcare e non subire questo fenomeno. E’ opportuno creare frame governativi in grado di dare regole chiare: non ci possiamo permettere il medioevo della musica verificatosi tra Napster e lo streaming, perché rischiamo di perdere moltissimi posti di lavoro. E’ un tema sociale. Occorre portare avanti una lobbying a livello europeo che tenga al centro gli esseri umani. Come tutte le battaglie tecnologiche, questa va portata avanti con comprensione e competenza: abbiamo da difendere un patrimonio culturale e di nuove generazioni che ci impone di agire”.

“O lasciamo che il mercato vada, o cerchiamo di governarlo”, ha precisato Andrea Miccichè: “Quando va troppo in là si rischia di creare danni, anche al mercato stesso. Credo che il mercato possa rappresentare una grande opportunità, ma che serva una certa vigilanza. A distanza di 11 anni dalla liberalizzazione dei diritti connessi abbiamo visto gli effetti controproducenti che avevamo immaginato all’epoca. Oggi non c’è un disegno organico del mercato, gli utilizzatori non sanno cosa pagare a chi. Il governo può cambiare le cose. Avevamo iniziato un progetto di uno sportello unico che purtroppo non è andato a compimento. A chi ci governa vogliamo segnalare che occorre centralizzare queste operatività: il database unico è una di queste risposte. Il tasso di evasione del diritto connesso in Italia è inaccettabile: credo che la soluzione sia centralizzare alcune attività”.

“Nel settore live abbiamo dati confortanti, dal punto di vista degli incassi”, ha spiegato Bruno Sconocchia: “Perché questi numeri? C’è ancora voglia di socialità, e lo spettacolo dal vivo è l’unico posto dove l’’io’ può diventare ‘noi’. La musica è solo un momento di incontro, non di scontro, come invece talvolta lo è il calcio. L’onorevole Mazzi parla la nostra lingua e ci capisce, contiamo molto su di lui. Occorre rompere la barriera tra musica colta e musica popolare. La musica è bella o brutta, basta distinzioni tra generi. Non ha senso che ci sia un genere sovvenzionato e un altro no. Una preghiera al sottosegretario Mazzi: basta distinzioni. In questo momento di guerra e violenza la cultura ci può salvare, e la musica è cultura”.

“Sono d’accordo sul fatto che non ci debbano essere steccati tra generi”, ha premesso Gianmarco Mazzi, iniziando il suo lungo intervento: “Tengo lontana la politica da questo luogo, perché ritengo sarebbe sbagliato, e soprattutto perché non vengo dalla politica, ma dall’industria musicale. Stiamo lavorando al codice dello spettacolo, iniziando dall’indennità di discontinuità, provvedimento che rispetta la legge delega: non si perderà nulla della copertura finanziaria già annunciata. Uno degli obiettivi del governo è portare la musica e la cultura in ogni angolo del Paese: siamo attenti anche a fenomeni culturali come la danza, spesso trascurata ma che coinvolge oltre tre milioni di famiglie in Italia. Voglio essere il sottosegretario della cultura popolare: ci sono zone del paese, come le periferie, che dalla parola cultura non vengono toccate, e per noi è molto grave. Non mi occupo della cultura delle élite. E’ importante riconoscere le figure professionali, perché in questo settore ci sono enormi opportunità di lavoro. C’è stata grande attenzione su quei settori artistici a ‘rischio cultura’, ovvero quelli che non si sostengono da soli sul mercato. Chi si presume che possa farcela da solo si tende a non aiutarlo, ma credo non sia giusto, perché bisogna premiare il merito. Chi non si sostiene sui mercati va aiutato con i finanziamenti, e chi ci riesce con il tax credit. Sull’intelligenza artificiale: crea preoccupazione, per la prima volta nella storia dell’umanità si sta sviluppando una tecnologia potenzialmente alternativa all’uomo. Sono tre i rischi che vedo: che vengano spazzati via milioni di posti di lavoro, che si permetta la concentrazione di ricchezze enormi in poche mani, che si vada incontro al rischio di non distinguere più ciò che è vero da ciò che non lo è. D’accordo sulla vigilanza sul mercato a tutela dei lavoratori: terremo conto della possibilità di tariffa unica sul mercato dei diritti connessi. Ho sempre pensato che al centro ci fosse l’industria culturale, con una parte economica e una culturale: la musica ben rappresenta una realtà del genere. Entrambe devono andare a braccetto. C’era chi diceva che con la cultura non si mangia… noi riteniamo che con la cultura si possa sia mangiare, sia allo stesso tempo rappresentare bene il proprio Paese. La musica è sia un’espressione culturale sia un’espressione economica, e ha anche una valenza sociale. Quando in un paese sono crescenti i fronti di crisi, arrivare coi problemi del mondo della musica richiede la consapevolezza di sapere chi si rappresenta. La musica ha una grande rilevanza sociale, perché aggrega, e perché entra nel processo di formazione dei giovani: è un punto di riferimento importante, la musica”.



“Chi ha la mia età è cresciuto con artisti che sono stati anche maestri di vita”, ha proseguito Mazzi introducendo la parte del suo intervento che ha suscitato più dibattito, e che sicuramente ne susciterà nei giorni a venire: “Molti di loro hanno contribuito alla mia formazione. Per sostenere questo ambiente occorre che questo ambiente difenda la sua reputazione sociale. Non ho risposte, in questo senso, ma solo domande. Amo tutte le musiche, ma oggi ci sono testi che sono inni alla violenza contro le donne: non dobbiamo solo combattere la violenza sulle donne, ma anche gli uomini che diffondono la cultura che la promuove. Questa deriva è pericolosa&nbsp;e allarmante. Il problema della reputazione lo faccio partire da alcuni testi, che hanno dietro aziende rappresentate su questo palcoscenico, e che fanno business su questi stessi testi”. Dopo aver letto alcuni versi di brani rap / trap (dei quali non cita gli autori) con espressioni sessiste, violente e volgari, il Sottosegretario ha proseguito: “Sono pronto a battermi per questo settore, ma come faccio con questi testi che girano? Dietro questi testi ci sono Sony Music, Universal Music e Warner Music: qualcuno dice che questi testi sono un riscatto, ma si può permettere un riscatto di qualcuno ai danni di una generazione - quella che ascolta queste canzoni? Questa è cultura? Di fronte a questi testi, cosa possiamo fare? Questo panel si intitola ‘Le aspettative del 2024 della musica italiana’. Cosa mi aspetto io? Che chi è seduto qui si ponga questo problema. La musica è la mia comunità, ed è composta da persone molto solidali - i produttori e organizzatori italiani sono i migliori del mondo. Per Italia Loves Romagna industria e artisti mi hanno aiutato, raccogliendo 3 milioni di euro in una sera. So quanto la comunità della musica sappia essere solidale, ma forse il tempo dei simbolismi è finito: bisogna alzarsi con indignazione per far ragionare chi danneggia non solo la comunità della musica, ma tutta la comunità. Sono per la totale libertà di espressione, ma io sono anche per la responsabilità sociale. Contesto che le aziende sostengano questo tipo di musica, perché le aziende hanno un codice etico, che hanno inventato proprio loro, le multinazionali americane. Se lo impongono ai loro lavoratori, perché non lo impongono anche fuori? Non sopporto che si faccia business su queste cosa: la tolleranza in merito dovrebbe finire”.

“E’ un problema che negli USA hanno già vissuto”, replica Mazza, citando lo scalpore che nel 1980 suscitò il brano dei Dead Kennedys “I Kill Children”: “La&nbsp;censura portò la cultura punk a moltiplicarsi, alimentata dal fascino&nbsp;del divieto. Mio figlio ascolta dieci artisti hip hop, italiani e americani, sette dei quali attualmente sono in galera: se gli muovo questo tipo di osservazioni la sua risposta è ‘stai calmo, brò: poi ne parliamo’. Far&nbsp;sembrare questi artisti censurati dalla discografia li farebbe ascoltare ancora di più di quanto non lo siano ora. Questo problema ci riguarda tutti, senz’altro: è un tema che riguarda la cultura nazionale e sociale, non solo in Italia. Ed è un tema difficile, per il quale dovremmo organizzare un convegno ad hoc. Cerchiamo di individuare un tavolo permanente di confronto per affrontare questo problema: oggi non ci sono più gatekeeper, i rapper possono andare in classifica anche senza essere sotto contratto con una casa discografica”.

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Alla Milano Music Week 2023 il confronto tra istituzioni e rap

Industria

Al panel istituzionale di apertura la settima edizione della MMW parte col botto

Elemedia - società del Gruppo GEDI che edita Radio Deejay, Radio Capital, m2o e OnePodcast - ha rinnovato oggi, giovedì 8 maggio, il Consiglio di Amministrazione, nominando Pasquale di Molfetta (Linus) Presidente.

La nomina - precisa l’azienda - “riconosce il contributo determinante prestato da Linus per lo sviluppo del polo radiofonico di GEDI, e ribadisce la fiducia nelle sue capacità manageriali per assicurare una nuova fase di crescita alle radio nel Gruppo, dove manterrà l’incarico di Direttore Editoriale delle Radio GEDI e Direttore Artistico di Radio Deejay, Radio Capital e OnePodcast”.

Nel corso della medesima riunione, è stato inoltre cooptato Fabiano Begal, che entra a far parte del CDA di Elemedia. Carlo Ottino continuerà a esercitare le deleghe operative per la gestione della società.

Linus

Linus nominato Presidente di Elemedia

Dopo il rinnovo del Consiglio di Amministrazione

Warner Music Group ha comunicato oggi i dati finanziari relativi al primo trimestre del 2025. La major guidata da Robert Kyncl ha registrato ricavi per 1,484 miliardi di dollari (-1% su base annua): al fatturato totale la divisione dedicata alla musica registrata ha contribuito per 1,17 miliardi di dollari (-1% su base annua), con 310 milioni (+1%) generati dalla divisione editoriale.

L’utile netto è calato del 63% dai 96 milioni dello scorso anno ai 36 del 2025, mentre il reddito operativo è salito del 41% a 168 milioni di dollari dai 119 dello scorso anno, così come la liquidità netta, salita da 31 a 69 milioni di dollari. La positività della gestione operativa e l'apparente peso di ristrutturazioni e acquisizioni sul bilancio fotografano&nbsp;WMG nei primi tre mesi dell'anno come a una tappa intermedia verso il compimento di un percorso propedeutico a investimenti futuri.&nbsp;

“I ricavi da musica registrata sono diminuiti dell'1,2% a causa delle diminuzioni nei servizi digitali e per gli artisti e dei ricavi derivanti dall'espansione dei diritti, parzialmente compensati dalla crescita dei ricavi da servizi fisici e licenze”, ha fatto sapere WMG in una nota: “I ricavi digitali sono diminuiti dello 0,8% e i ricavi da streaming sono diminuiti dello 0,4%. I ricavi da streaming riflettono una crescita dei ricavi da abbonamento dell'1,1%, parzialmente compensata da un calo dei ricavi da pubblicità del 4,7%. I ricavi da streaming hanno risentito di un confronto anno su anno difficile, in particolare per quanto riguarda i ricavi da streaming da abbonamento, aggravato da un programma di uscite più limitato e dalla perdita di quote di mercato in Cina”.

Al contrario, spiega sempre Warner Music, “i ricavi generati dalla divisione editoriale sono aumentati dell'1,3%. L'aumento è stato trainato dalla crescita dei ricavi digitali, della pubblica esecuzione, delle sync e dei diritti di riproduzione meccanica. I ricavi digitali sono aumentati dello 0,5% e i ricavi da streaming sono rimasti invariati rispetto al trimestre dell'anno precedente, trainati dall'impatto dei rinnovi degli accordi digitali principalmente negli Stati Uniti. I ricavi da pubblica esecuzione sono aumentati dell'1,9%, grazie alla crescita di concerti, radio ed eventi dal vivo principalmente al di fuori degli Stati Uniti. I ricavi della sincronizzazione sono aumentati del 2,1% (lo stesso a valuta costante) grazie alla maggiore attività di licenze televisive e commerciali e all'impatto delle acquisizioni, parzialmente compensati dalla tempistica degli accordi per violazione del copyright. I ricavi da diritti di riproduzione meccanica sono aumentati del 6,7%, trainati dall'aumento delle vendite fisiche nel trimestre”.

"La nostra strategia sta iniziando a dare i suoi frutti, con la nostra più forte presenza in classifica degli ultimi due anni, che si traduce in un'espansione della quota di mercato delle nuove uscite negli Stati Uniti”, ha commentato il CEO di Warner Music Robert Kyncl: “Di conseguenza, la nostra vera forza in questo trimestre è stata parzialmente offuscata da confronti difficili con la sovraperformance dell'anno scorso. Mentre replichiamo la nostra strategia su altre etichette e aree geografiche e guidiamo un circolo virtuoso di maggiori reinvestimenti, prevediamo di offrire un valore duraturo ad artisti e cantautori e una crescita e una redditività sostenute per gli azionisti".

Warner Music, nel Q1 2025 ricavi giù dell’1% a $ 1,48 miliardi

Crolla l’utile netto (-63%) ma è boom del reddito operativo (+41%)

Matchfy.io ha annunciato oggi, giovedì 8 maggio, la nascita di un accordo commerciale con Musixmatch Pro, leader mondiale nella gestione dei testi musical. “La partnership - ha fatto sapere per mezzo di una nota ufficiale l’azienda fondata e diretta da Paolo Mantini - segna un nuovo capitolo nell’espansione globale di Matchfy, che nel 2024 ha completato con successo un <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743755/matchfy-round-da-2-milioni-di-euro-per-la-startup-italiana">round di finanziamento da 2 milioni di euro</a>, consolidando la sua posizione tra le migliori&nbsp;piattaforme del settore musicale a livello internazionale”.

“La partnership con Musixmatch Pro apre per Matchfy una nuova fase di sviluppo, con l'obiettivo di innovare ulteriormente il panorama della promozione musicale streaming”, prosegue Matchfy: “Questo accordo rappresenta una svolta nel modo in cui la musica viene promossa nel mercato globale, mettendo gli artisti – emergenti&nbsp;e affermati – al centro di un sistema più dinamico e interattivo”.

I dettagli e le modalità della collaborazione saranno comunicati a breve tramite i canali ufficiali delle due aziende.

Matchfy, una partnership con Musixmatch Pro

Un accordo che segna ‘una svolta nel modo in cui la musica viene promossa nel mercato globale’

Edizioni Curci ha visto tre dei suoi autori venire premiati alla settantesima edizione dei David di Donatello, uno dei più prestigiosi premi cinematografici italiani la cui serata di gala per l’edizione 2025 si è tenuta nella serata di ieri, mercoledì 7 maggio, a Roma: Andrea Bonomo, Edwyn Roberts e Gianluigi Fazio figurano infatti nei crediti di “Aria!”, brano portante della colonna sonora di “Gloria!”, film diretto da Margherita Vicario premiato, come Miglior Canzone Originale. Alla scrittura della canzone - registrata dalla stessa Vicario, che figura nei crediti anche come co-autrice - ha contribuito anche Dade, all’anagrafe Davide Pavanello, bassista e produttore già co-fondatore dei Linea77 e dell’etichetta INRI e del gruppo Metatron - nel roster della divisione editoriale del quale è presente anche Vicario.

“Un riconoscimento che celebra non solo l’originalità e la forza narrativa della canzone, ma anche il talento e la sinergia creativa dei nostri autori, che ancora una volta confermano la qualità e l’eccellenza del catalogo Curci nel panorama musicale e cinematografico italiano”, ha commentato - in una nota - la storica società di edizioni milanese.

Edizioni Curci, un premio ai 70esimi David di Donatello

Ad ‘Aria’ di Margherita Vicario la vittoria nella categoria Miglior Canzone Originale

Shazam ha annunciato il lancio delle chart Hit Virali da Classifica, ideate - precisa l’azienda in una nota - “per offrire agli appassionati di musica una panoramica completa dei brani in più rapida crescita a livello globale”.

Aggiornate quotidianamente su Shazam e Apple Music, le chart utilizzano le caratteristiche della piattaforma per individuare in tempo reale i brani che stanno diventando virali, classificandoli poi in base alla loro crescita settimanale in base al numero dei tap. “Le classifiche non si limitano a tracciare i successi dei social media, ma catturano l’intero spettro di modalità con cui i brani raggiungono la notorietà, inclusi momenti culturali legati ai media tradizionali, lo streaming on-demand e gli eventi di grande richiamo”, precisano i gestori della piattaforma: “Shazam Hit Virali da Classifica mira a individuare i brani che stanno crescendo più rapidamente in tutto il mondo, in tutte le modalità con cui oggi gli ascoltatori scoprono nuova musica”.

“Grazie all’aggiornamento quotidiano di Shazam Hit Virali da Classifica, gli utenti potranno vedere e ascoltare tutto questo in un unico luogo”, conclude il servizio: “Le classifiche Shazam Hit Virali da Classifica offrono una visione globale e completa, con una classifica mondiale e 42 classifiche nazionali. La classifica globale comprende i 50 brani principali, mentre le classifiche nazionali ne elencano 25”.

Shazam lancia Hit Virali da Classifica

‘Per offrire una panoramica dei brani in più rapida crescita a livello globale’

Identificare eventuali pratiche dannose nei confronti del pubblico e istituire nuove normative volte a tutelare i consumatori: questi, in estrema sintesi, gli obiettivi del Dipartimento di Giustizia e della Federal Trade Commission - equivalente statunitense della nostra Autorità Garante della Concorrenza e del Mercato, che hanno ufficialmente avviato un’inchiesta destinata a scandagliare a fondo il comparto della musica dal vivo in quello che, a livello mondiale, rappresenta il primo mercato per il settore.

Dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751019/usa-ticketing-da-trump-un-ordine-esecutivo-contro-le-speculazioni">la firma dell’ordine esecutivo da parte di Donald Trump lo scorso 31 marzo</a>, le due agenzie hanno fatto sapere di essere pronte a collaborare con il Segretario del Tesoro alla stesura di un rapporto congiunto non solo sul secondary ticketing, ma - più in generale - su qualsiasi “condotta o pratica sleale e anticoncorrenziale nel settore dei concerti dal vivo e dell'intrattenimento”.

Allo scorso, Dipartimento di Giustizia e Federal Trade Commission si sono rivolte al pubblico incoraggiando gli appassionati a fornire “suggerimenti che offrano informazioni sugli effetti concorrenziali delle attuali normative e leggi statali e federali nel settore live, compreso il mercato secondario dei biglietti”: il termine per fare pervenire le segnalazioni è stato fissato per il prossimo 6 luglio. L’invito a contattare le istituzioni è stato esteso anche ad “artisti, piccole imprese, associazioni commerciali, analisti del settore e altre entità colpite da pratiche anticoncorrenziali nel settore".

"I mercati competitivi dell'intrattenimento dal vivo dovrebbero offrire valore sia agli artisti che ai fan", ha dichiarato il procuratore generale aggiunto Abigail Slater della divisione antitrust del Dipartimento di Giustizia: "Continueremo a esaminare attentamente questo mercato e a cercare opportunità in cui un'applicazione rigorosa delle leggi antitrust possa portare a una maggiore concorrenza, rendendo i biglietti più accessibili per i fan e offrendo al contempo una compensazione più equa per gli artisti".

"Molti americani hanno la sensazione che i prezzi dell'intrattenimento dal vivo vengano compromessi da bagarini, bot e altre pratiche ingiuste e ingannevoli”, ha aggiunto il presidente della FTC Andrew Ferguson: “Ora le loro voci vengono ascoltate. Il presidente Trump ha inviato un messaggio chiaro: i malintenzionati che sfruttano gli appassionati e distorcono il mercato non saranno tollerati. La FTC è orgogliosa di contribuire a mantenere questa promessa e a ripristinare mercati equi e competitivi che avvantaggiano i cittadini americani".

Questo procedimento si somma a quello - già avviato, ma non ancora entrato nella fase processuale - che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750711/usa-la-causa-antitrust-contro-live-nation-continua">il Dipartimento di Giustizia ha avviato nei confronti di Live Nation e Ticketmaster</a> per sospetto abuso di posizione dominante.

Negli USA la musica dal vivo è finita sotto inchiesta

Il Dipartimento di Giustizia e la Federal Trade Commission avviano un'istruttoria

Fondata nel 2011 in Canada e trapiantata anche a Los Angeles, Monstercat è un'etichetta molto solida, nell'ambiente della musica elettronica: finora ha pubblicato oltre 8.000 progetti tra album e singoli, inclusi quelli di&nbsp;Kaskade, Alan Walker, Vicetone, Punctual, Whipped Cream, DJ Diesel (altrimenti noto come&nbsp;Shaquille O’Neal) e Koven. Ha anche una divisione editoriale, e vanta 13 milioni di follower sui social e&nbsp;un canale YouTube da 9 milioni di abbonati. E' molto attiva anche nell'ambito delle sincronizzazioni,&nbsp;tanto che nel solo 2024 ha piazzato oltre 150 canzoni del suo catalogo in vari videogame. Dalla sua apertura a oggi, tra diritto d'autore, diritti connessi e royalties ha redistribuito oltre 60 milioni di dollari ai suoi artisti.

L'acquisizione da parte di Create Music Group, annunciata oggi, sarà all'insegna della continuità: continuerà infatti ad operare in maniera indipendente sotto la guida dell'attuale presidente&nbsp;Daniel Turcotte, mentre i fondatori Mike Darlington e Ari Paunonen rivestiranno il ruolo di consulenti creativi. Il business plan per i prossimi due anni prevede che Create investa 50 milioni di dollari in artist development e infrastrutture per l'etichetta.

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Create Music Group acquisisce l'etichetta EDM Monstercat

Nata in Canada, è considerata una delle realtà più redditizie della musica elettronica indipendenti

Sperlari, storica azienda dolciaria fondata a Cremona nel 1836 oggi di proprietà del gruppo tedesco Katjes International, ha annunciato una collaborazione con Mina in occasione dell’anniversario per i 190 anni di attività del marchio: il sodalizio prevede la pubblicazione di un brano inedito cantato dall’artista, che sarà reso disponibile sul sito di Sperlari a partire dall’ultima settimana di maggio.

“Due simboli della città di Cremona si incontrano: Sperlari, icona della dolcezza in Italia e nel mondo e Mina, una delle voci più belle di sempre”, ha spiegato l’azienda: “Insieme danno vita a una collaborazione inedita, che segna il rilancio del marchio con un’identità rinnovata a partire da una canzone scritta ed interpretata in esclusiva per il brand. Il Gruppo Sperlari, con i suoi quasi 190 anni di storia, si propone come custode della tradizione dolciaria italiana, un ponte tra passato e futuro, in grado di creare un valore duraturo e autentico. La storia e la cultura del territorio italiano rappresentano non solo la base, ma anche l’ispirazione per la continua evoluzione di Sperlari”.

“Mina, una voce senza tempo, che da oltre sessant’anni accompagna la memoria collettiva italiana”, prosegue Sperlari: “Mina è un’icona trasversale, amatissima da generazioni diverse, capace di reinventarsi pur restando sempre fedele alla sua essenza. Il suo legame con Cremona è profondo, così come quello con la musica che emoziona, che resta, che attraversa epoche e linguaggi. La sua presenza in questo progetto non è solo artistica, ma profondamente simbolica: rappresenta quella stessa capacità di attraversare il tempo e di emozionare che oggi definisce anche il nuovo volto di Sperlari”.

La collaborazione prenderà forma attraverso la campagna “Storie dolci, più la tua”, “guidata da una narrazione che valorizza il legame profondo tra Sperlari e le emozioni legate alla condivisione, al gusto, ai ricordi”. La canzone interpretata da Mina accompagna due creatività: una focalizzata sul mondo caramelle in partenza a fine maggio, l’altra legata ai prodotti di Natale (torrone e torroncini), che saranno al centro di una seconda fase di comunicazione a partire da novembre.

Sempre nell’ambito della campagna, Sperlari ha aperto - tra il 7 e l’11 maggio - un temporary store in Piazza Gae Aulenti, a Milano. Presso lo spazio - “pensato per coinvolgere il pubblico in un’esperienza immersiva” - saranno presenti una jukebox candy machine, un Sensorial Game dedicato agli aromi, un photo booth e un’esposizione esclusiva dei prodotti Sperlari e sarà possibile ascoltare in anteprima la nuova canzone di Mina per Sperlari.

Mina

Mina, una collaborazione con Sperlari

Per il rebranding della storica azienda dolciaria cremonese

Il CEO di FIMI Enzo Mazza è intervenuto oggi, mercoledì 7 maggio, davanti alle Commissioni riunite Trasporti e Attività produttive della Camera nell'ambito&nbsp;dell'esame del disegno di legge, approvato dal Senato, recante disposizioni e&nbsp;deleghe al Governo in materia di intelligenza artificiale. "L'intelligenza artificiale generativa rappresenta anche una potenziale opportunità, già in parte utilizzata nel settore, ma il tema più rilevante è il diritto d'autore e la necessità di garantire la tutela delle imprese e degli&nbsp;aventi diritto da questo saccheggio che è sostanzialmente incorso da parte delle piattaforme dei contenuti che vengono utilizzati per addestrare i propri sistemi", ha spiegato, come riferito da AGCult, Mazza: “Le piattaforme hanno rastrellato tutto quello che era esistente utilizzandolo per addestrare piattaforme che oggi generano contenuti in competizione con contenuti legittimi, quindi si tratta probabilmente del più grande furto del XX e del XXI secolo di contenuti tutelati dai diritti d'autore, di cui ovviamente una gran parte sono contenuti italiani, tra cui contenuti musicali, cinematografici e televisivi”.

Fondamentale, per Mazza, è che “che l'AI Act, il Regolamento Europeo, e le norme nazionali siano coordinate. Oggi la normativa italiana in alcuni casi sembra ridondante, quindi&nbsp;dovremmo avere una norma unica”.

Mazza (FIMI): ‘Tutelare diritti dalle piattaforme AI’

Il CEO di Federazione Industria Musicale Italiana in audizione oggi alla Camera

Innovazione e cultura sono un binomio difficile.

E il mondo della finanza, nel nostro paese, lo ritiene un binomio addirittura difficilissimo: il riconoscimento dell’innovazione culturale è, pertanto, molto scarso. Da questa considerazione si può partire per analizzare la fragilità dell’ecosistema di supporto alle startup in Italia, soprattutto in ambito culturale e, quindi, musicale.

Scalare o non scalare?

Le startup che operano all’incrocio tra cultura, arte e tecnologia faticano a far riconoscere il proprio valore economico nei contesti istituzionali, bancari e imprenditoriali. La principale ragione è che il comparto creativo viene percepito come "non scalabile" o "troppo di nicchia", nonostante pubblico e utenza non manchino affatto. La conseguenza di questa presunta non-scalabilità è che, se la creazione di un algoritmo dedicato all’automazione diventa sinonimo di “innovazione” in modo del tutto naturale, altrettanto non si può dire della percezione di un progetto per una piattaforma orientata ai superfans.

E’ vero che quello italiano è un mercato finanziario che per dimensioni, tecnicismi e maturità non compete con l’élite mondiale; tuttavia sarebbe sbrigativo affermare che da noi manca il “funding”. La verità è che i fondi disponibili sono spesso orientati a settori più tech-driven, come il fintech e la mobilità. Potrebbero accorrere in soccorso dei progetti artistico-culturali i bandi e i fondi pubblici ma, come per troppi altri ambiti in Italia, assenza di agilità ed eccesso di burocrazia finiscono per rendere certi percorsi meno praticabili del dovuto. Un punto di collegamento ideale sarebbe una rete strutturata di angel investor che abbiano un autentico background di natura musicale o creativa. Purtroppo questo manca.

Bootstrappers

Tutto quanto sopra causa una conseguenza diffusa, ossia che molti fondatori autofinanziano la propria impresa oltre il necessario, con le migliori intenzioni ma rallentando la crescita. Più per necessità che per scelta, portano avanti il proprio progetto senza cercare supporti esterni e usando risorse minime anche quando potrebbero (o dovrebbero) provare a spiccare un salto verso il livello successivo. Fare tutto da soli significa lavorare con fondi propri, evitando round di investimento e crescendo in modo organico, controllato ma lento. Restare troppo tempo in una fase “artigianale” comporta perdere occasioni di crescita rapida, ma anche non potersi permettere di assumere talenti chiave per mancanza di budget e rinunciare a sviluppare tecnologie o prodotti scalabili. Insomma: “bootstrappare” è sano fino a un certo punto: anche con un’ottima idea, se non si aggiunge il motore del capitale il rischio di rimanere piccoli, poco visibili o bloccati diventa elevato.

Il peso della ‘vocazione’

In Italia, poi, ad una cultura artistica forte corrisponde una cultura imprenditoriale più fragile. Molte startup musicali italiane nascono da musicisti, manager, promoter con un background creativo o operativo. Hanno visione e passione, ma spesso mancano di strumenti imprenditoriali concreti: non conoscono bene le metriche di prodotto e incontrano due generi di problemi. Non tengono nel dovuto conto quanto sia importante a validare l’offerta prima di investire risorse e, a causa di certe carenze di know-how, sono poco disposti a “cambiare idea” se qualcosa non funziona. Un esempio: una piattaforma di booking è, di per sé, sicuramente una buona idea imprenditoriale in campo musicale; ma verificare che gli utenti siano disposti a pagare ciò che si intende proporre, che il modello sia compreso o che l’eventuale frizione tra domanda e offerta sia poi gestibile è una fase cruciale.

Raramente questi fondatori concepiscono il ‘pivot’ come un’opzione naturale, anzi: accade più spesso che a quel punto rinuncino. Eppure un pivot non equivale a un fallimento, semmai è un’iterazione intelligente. Di nuovo: dove non c’è capitale di rischio, l’ansia di sbagliare blocca la sperimentazione. Gli startupper si concentrano solo su ciò che “possono permettersi” e temono il fallimento di un’idea perché significherebbe “aver sprecato tutto”; evitano il rischio, proprio quando il rischio serve per crescere.

Trattare la musica più come arte o vocazione che non come terreno per un’innovazione metodica fa sì che molte startup munite di ottime idee e intuizioni non evolvano. Servirebbe maggiore formazione imprenditoriale nei contesti musicali; sarebbe auspicabile più contaminazione tra chi fa musica e chi fa startup; e si avverte la carenza di un buon numero di investitori e mentori con esperienza in questo incrocio.

Una filiera musicale disarticolata

Chi opera nell’industria musicale a stretto contatto con realtà e settori diversi è abituato a pronunciare o ad ascoltare la frase: “la musica, in Italia, è un mondo a sé”. E’ vero o è un alibi? Entrambe le cose. E’ conclamato che unità e senso di appartenenza non siano le maggiori virtù della filiera musicale nostrana: la comunicazione tra artisti, discografici, operatori del settore live ed editori è frammentaria e, spesso, caratterizzata da inutili divisioni (basti ricordare la folla di rappresentanti alle trattative col governo ai tempi dei sussidi per il covid). Dunque pensare che possano comunicare in modo fluido con gli imprenditori tecnologici e gli sviluppatori, che abitano un altro pianeta, rasenta l’utopia. E così le opportunità di co-progettazione o contaminazione sono rare e manca un “mercato di test” cooperativo che una startup possa frequentare per sperimentare con un’etichetta, una scuola di musica, un promoter. Non che non accada mai; però gli episodi sono una cosa, ben altro è un vero ecosistema. E’ anche in questo modo che le startup musicali finiscono ai margini dell’industria tradizionale.

Marketing e creatività: due sport diversi

Si invoca spesso una maggiore contaminazione tra mondi differenti: tanti progetti nascono da musicisti, tecnologi o creativi con poca esperienza imprenditoriale - viceversa, chi ha effettive competenze di business spesso non conosce le dinamiche dell’industria musicale. 
Si avverte, dunque, la mancanza di una ‘mentorship’ diffusa e specializzata, il cui effetto consisterebbe nel diffondere una discreta formazione imprenditoriale.

Privi di un vero ecosistema, gli startupper musicali scontano la debolezza nel cosiddetto “go-to-market”: nonostante molte nuove aziende italiane abbiano buone idee, non dispongono di chiare strategie di marketing e faticano a definire con precisione il problema reale che si prefiggono di risolvere.

La creatività non basta se non si accompagna a una cultura del test, del dato, del pivot.

L’accesso a dataset significativi consente di condividere metriche di settore importanti come conversioni, retention, dinamiche di prezzo e di partecipare a comunità di startup o incubatori verticali che aiutano a imparare dagli altri. Parametri come il Customer Lifetime Value (CLTV), che esprimono il valore totale che un cliente porta a un'azienda nell’arco del tempo in cui continuerà a usare il suo prodotto o servizio, sono fondamentali nella comprensione di quanto si può spendere per acquisirlo, quanto conviene che la fidelizzazione prevalga sulle vendite una tantum, quali clienti sono più preziosi (segmentazione) e, in ultima analisi, se un modello di business è sostenibile nel lungo periodo.

In una fase “early stage” la rapidità dei feedback è essenziale per validare i test, incrementare l’apprendimento e apportare modifiche e miglioramenti. In Italia questo accade di rado e il riscontro dal mercato arriva tardi, lentamente e in modo disomogeneo.

In mancanza di confronto, ogni errore sembra isolato. E ogni successo sembra casuale.

Denaro, visione e industria

Dunque: storie di musica e impresa spesso straordinarie ancora più spesso, non ce la fanno nemmeno a partire davvero. Perché?

Le startup italiane nella musica, e nella cultura più in generale, non mancano decisamente di idee, creatività o passione, ma dove spesso inciampano è nella mancanza di connessioni abilitanti e strutturate tra tre elementi chiave: il capitale (denaro), la visione (strategia) e il sistema (l’industria, le reti, le policy).

Il risultato è un cortocircuito: la cultura innova, ma non scala. E un Paese ricco di talento rischia di perdere opportunità decisive perché le startup culturali soffrono di isolamento sistemico. Manca un ecosistema che faccia dialogare in modo fluido e continuativo l’energia creativa, il capitale privato e i player istituzionali; un sistema che sappia finanziare e integrare l’innovazione culturale. Senza queste connessioni abilitanti, l’innovazione culturale resta artigianale, fragile, spesso invisibile e molte iniziative brillanti rimangono condannate alla marginalità, all’isolamento o a precoci interruzioni.

Come parte attiva dell’industria musicale e come rappresentanti centrali del sistema dei media che le ruota intorno, proveremo a fare la nostra parte fin dai prossimi giorni. Il nostro ruolo ci consente di diffondere la consapevolezza del problema e la presenza dell’opportunità che le startup musicali italiane rappresentano, di offrire un’esposizione significativa ai loro fondatori e di attivare connessioni tra mondi diversi per i quali rappresentiamo un punto di informazione comune. E questo ruolo utilizzeremo fin dai prossimi giorni con una call to action dedicata.

Music startups: la distanza tra idea, mercato e capitale

La cultura e l’infrastruttura adatte che in Italia stentano ad affermarsi

Anche quest'anno l'esclusiva sulle dirette streaming del Primavera Sound è in capo ad Amazon, che&nbsp;trasmetterà il festival sia su Prime che sul suo canale Twitch. Oltre alle performance dal vivo, saranno disponibili anche contenuti backstage e interviste agli artisti.&nbsp;

La società di Jeff Bezos ha dimostrato un grande interesse per la trasmissione live&nbsp;o in differita degli eventi musicali: accordi simili erano già stati stipulati in passato con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751167/stagecoach-ancora-a-amazon-music-la-diretta">Stagecoach</a> e, sul fronte italiano, l'anno scorso ha stabilito un accordo con il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745668/amazon-music-rinnovata-la-collaborazione-con-il-red-valley-fest">Red Valley Festival</a> di Olbia per pubblicare&nbsp;degli Amazon Music Originals dalla performance di ciascuno degli artisti che si esibivano nel corso della kermesse.

Anche quest'anno, il Primavera Sound sarà trasmesso da Amazon

Per il quarto anno di fila, Amazon trasmetterà il festival su Prime e su Twitch

Sesh&nbsp;è una delle startup che puntano a sbloccare il mercato dei <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/superfans-259644">superfans</a> per gli artisti, e da poche settimane può contare su un round di finanziamento da 7 milioni di dollari che è stato guidato dalla società d’investimento Miura Global (vi hanno partecipato anche angel investor provenienti dai settori della musica e della tecnologia).

La startup afferma di lavorare già con oltre 250 artisti che insieme totalizzano più di 750 milioni di ascoltatori mensili su Spotify. Il suo approccio alle community di superfans&nbsp;ruota attorno a una “Member Card” che gli artisti condividono tramite un link tracciabile.

I fan la scaricano poi nel wallet del proprio telefono e ricevono notifiche push dirette dall’artista. Esiste anche un’app che offre “spazi gamificati” per le fanbase degli artisti, oltre a integrazioni con TikTok e Spotify.

Ma il recente round da 7 milioni di dollari raccolto da <a href="https://www.joinsesh.ai/">Sesh</a>&nbsp;è solo l’ultimo segnale della crescente attenzione verso il mercato dei superfans: quel 10–20% più attivo e coinvolto del pubblico musicale, capace di generare oltre il 70% della spesa complessiva in musica registrata, secondo Universal Music Group.

Sesh – che nel linguaggio colloquiale britannico è una forma abbreviata e informale di “session” ma che in slang indica anche una sessione prolungata di bevute e divertimento - si inserisce in una corsa già affollata ma in pieno fermento. Accanto a essa, spiccano realtà come:

<ul>
	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/weverse-498753">Weverse</a> (HYBE): la piattaforma che ha consolidato il modello coreano del fan-engagement, con oltre 150 milioni di download globali e 162 community di artisti. Offre contenuti esclusivi, live, merch e livelli di abbonamento a pagamento.</li>
	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/stationhead-483967">Stationhead</a>: basata su audio live, consente agli artisti di condurre “radio sociali” con i propri fan, monetizzando tramite ascolti e interazioni. È stata adottata da star come Nicki Minaj e BTS.</li>
	<li><a href="https://musicbiz.rockol.it/news-740460/fave-ha-lanciato-fanfinder">Fave</a>: startup americana che consente ai fan di guadagnare “badge” e status partecipando attivamente alla community, con logiche di gioco e riconoscimento.</li>
</ul>

Tutte queste piattaforme — compresa Sesh — condividono un obiettivo comune: disintermediare il rapporto artista-fan, offrendo strumenti diretti per comunicare, coinvolgere e monetizzare al di fuori dei circuiti tradizionali (streaming, social network mainstream).

Il segmento sembra destinato a crescere rapidamente, sospinto anche da colossi come Spotify, che ha annunciato il lancio imminente di superfan clubs, e Warner Music Group, che sta testando la propria app dedicata agli artisti e alle fanbase più fedele.

Superfans: cosa fa esattamente Sesh

La startup ha recentemente raccolto investimenti per 7 milioni di dollari

Manifest Financial, una nuova piattaforma di soluzioni finanziarie creata esclusivamente per i&nbsp;creator, ha annunciato qualche giorno fa il lancio della sua app mobile per il "business banking".&nbsp;

Già disponibile su iOS e Android, Manifest Financial è pensata per risolvere le sfide finanziarie uniche della creator economy, di cui si stima un valore di mercato pari a mezzo trilione di dollari entro il 2027: parliamo di flussi di reddito frammentati, ritardi nei pagamenti e mancanza di servizi bancari adeguati da parte delle banche tradizionali. E gestire entrate provenienti da brand, merchandising, donazioni del pubblico e altre fonti resta una sfida su più piattaforme.

<a href="https://manifestfinancial.com/">Manifest Financial</a>&nbsp;combina una profonda esperienza finanziaria con una reale comprensione delle esigenze dei creator. Fondata da Michael Cavallaro, con una lunga carriera in fintech, banking e media, e da Manny Alvarez, esperto fintech di rilievo nazionale ed ex Commissario per le banche della California, Manifest offre soluzioni pensate su misura in un ecosistema di strumenti pensati per le esigenze specifiche della creator economy:

<ul>
	<li>monitoraggio finanziario integrato: gestire pagamenti, spese e fatture in un’unica app, separando le finanze personali da quelle professionali</li>
	<li>supporto per la dichiarazione dei redditi: categorizzazione e tracciamento delle spese per semplificare la fiscalità</li>
	<li>depositi diretti rapidi: collegamento diretto alle piattaforme dei creator per ricevere pagamenti più velocemente</li>
	<li>trasferimenti peer-to-peer: invio e ricezione di denaro tra creator in modo veloce e sicuro</li>
	<li>strumenti di risparmio semplificati: funzioni come “arrotondamento” e “salva per le tasse” per costruire stabilità</li>
	<li>fatturazione e mance integrate: creazione e gestione di fatture professionali con pochi clic e possibilità di ricevere mance dal pubblico</li>
</ul>

A margine, è recente anche l’annuncio di due partnership strategiche: una con hoo.be, il tool esclusivo su invito per i link-in-bio destinato a brand e creator, e una con Too Lost, importante distributore musicale. Attraverso la partnership con hoo.be&nbsp;– piattaforma usata da migliaia di creator, influencer e brand per semplificare la propria presenza digitale – Manifest integra le sue soluzioni finanziarie B2B direttamente nell’ecosistema hoo.be. In questo modo i&nbsp;creator&nbsp;ottengono depositi diretti rapidi e trasferimenti peer-to-peer più veloci, risolvendo nodi critici della gestione finanziaria.

Manifest ha inoltre siglato un accordo con Too Lost, piattaforma di distribuzione musicale al servizio di oltre 250.000 artisti ed etichette indipendenti in tutto il mondo. L’obiettivo è portare chiarezza finanziaria all’interno del settore musicale, dove i flussi di denaro sono spesso imprevedibili e la collaborazione è costante. Questa integrazione permette agli artisti di tracciare entrate diversificate, automatizzare pagamenti e gestire tutto da un’unica piattaforma.

Il music fintech è un settore in espansione, almeno per quanto riguarda il numero crescente di startup che stanno emergendo. In particolare, prima di Manifest Financial, aveva già fatto un po’&nbsp;di rumore Belong, fondata da&nbsp;Nick Holmstén&nbsp;(ex dirigente Spotify), che adotta un approccio opposto ma complementare: mette al centro i fans. L’idea è creare per loro un&nbsp;ambiente digitale sicuro e curato&nbsp;dove possano supportare i propri artisti preferiti, con contenuti esclusivi, community e interazioni privilegiate. Non si tratta di banking in senso tradizionale, ma di un ecosistema che consente agli artisti di monetizzare relazioni profonde attraverso offerte mirate ai superfans. Qui, il denaro non viene gestito per “fare impresa”, ma per&nbsp;alimentare appartenenza e supporto.

In sintesi, se&nbsp;Manifest&nbsp;si rivolge a chi&nbsp;genera valore e ha bisogno di strumenti professionali,&nbsp;Belong&nbsp;costruisce valore sul lato di chi&nbsp;lo sostiene. Entrambe nascono da una consapevolezza comune: il sistema bancario tradizionale è inadatto a gestire i flussi economici della nuova economia culturale digitale.

Manifest Financial, una app bancaria per creator

Un mercato in espansione: anche un ex Spotify nell'arena

Marta Fantin ha annunciato di aver lasciato il team di Dice Italia, dove dal luglio del 2022 ricopriva il ruolo di Director of Partnerships.

“E’ stato un viaggio bellissimo e indimenticabile, pieno di persone fantastiche, a tratti impegnativo (come affrontare una pandemia a soli due mesi dal lancio), ma profondamente gratificante, sia a livello personale che professionale”, ha fatto sapere Fantin sulla propria pagina LinkedIn personale: “Nel corso degli anni, abbiamo costruito qualcosa di cui sono davvero orgogliosa: vedere DICE diventare così popolare, fino a essere un punto di riferimento per la cultura indipendente e l'intrattenimento dal vivo. E’ una cosa incredibilmente commovente. Voglio ringraziare ogni collega, locale, festival, promoter e artista con cui ho lavorato e da cui ho imparato”.

“Ora non vedo l'ora di iniziare il prossimo capitolo, di cui parlerò molto presto”, ha concluso Fantin, lasciando intuire di aver deciso di continuare la propria carriera nel settore.

Laureata in Scienze della Comunicazione all’Università di Bologna, dopo un’esperienza come Web Editor e Social Media Producer a MTV Italy tra il 2008 e il 2009, Fantin è entrata in Attractive prima come Ticketing Manager poi come Head of E-Commerce: dopo essere entrata in DICE Italy nel 2019 come Account Manager, tra il 2021 e il 2022 ha ricoperto il ruolo di Music Lead e Head of Music, per poi essere nominata Director of Partnership.

Dice Italy, esce Marta Fantin

‘E’ stato un viaggio bellissimo e indimenticabile’

Sugar Music ha presentato i nuovi loghi (nelle foto, qui sotto): creata da Cabinet Milano e Nicola Narbone, la nuova identità visiva del gruppo - ha spiegato l’azienda - è stata declinata sia per la divisione discografica della società, Sugar Music, che per quella editoriale del gruppo, Sugar Music Publishing.

<div class='embed'><img src="https://images.rockol.it/CRkfmK3i7hPkF_FwEG60tZ1ZUas=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicdisc-1.jpg" alt="https://images.rockol.it/CRkfmK3i7hPkF_FwEG60tZ1ZUas=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicdisc-1.jpg" title="https://images.rockol.it/CRkfmK3i7hPkF_FwEG60tZ1ZUas=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicdisc-1.jpg" class="img-responsive" /></div>

<div class='embed'><img src="https://images.rockol.it/x_yRATXh9l-0-uMc5Tuqhwowd4E=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicpub-1.jpg" alt="https://images.rockol.it/x_yRATXh9l-0-uMc5Tuqhwowd4E=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicpub-1.jpg" title="https://images.rockol.it/x_yRATXh9l-0-uMc5Tuqhwowd4E=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/sugarmusicpub-1.jpg" class="img-responsive" /></div>

“Ogni stagione ha la sua estetica, un modo di esprimersi che riflette il cambiamento in atto”, ha spiegato&nbsp;in una nota Filippo Sugar, Chairman e CEO di Sugar Music: “Cambiamento è la parola chiave qui in Sugar: sinonimo di apertura mentale e ricerca costante, di percorso più che di arrivo. Dal 1932, è un valore che ci accompagna verso sfide e scoperte che danno senso al nostro lavoro. Siamo felici di presentare la nuova identità visiva e logo del Gruppo Sugar, declinato in bianco per l’etichetta discografica Sugar Music e in blu per la casa editrice Sugar Music Publishing. Un nuovo abito per una nuova stagione, che non vediamo l’ora di vivere insieme”.

Lo studio Cabinet Milano è stato fondato nel 2018 da Rossana Passalacqua (direttrice creativa già titolare di diverse consulenze in ambito editoriale) e Francesco Valtolina (creative director, graphic designer e docente già legato professionalmente a marchi come Pirelli, Memphis Milano, Louis Vuitton, Hermes e Moncler).

Nuovi loghi per Sugar Music

Presentata la nuova identità visiva del gruppo indipendente italiano

Uscito nel 1985, “La vita è adesso” - decimo album di studio di Claudio Baglioni - resta ancora oggi uno dei prodotti discografici di maggior successo nella storia della canzone italiana, con oltre 4,5 milioni di copie vendute e 27 settimane in vetta alle classifiche del nostro Paese: il quarantesimo anniversario dalla pubblicazione dell’opera viene celebrata con due iniziative speciali firmate da Sony Music Italy e da Edizioni Curci.

La filiale italiana della major ha reso disponibile in queste ore un doppio vinile in confezione gatefold e 4 formati differenti CD e digitale del titolo, con 11 tracce interamente risuonate e cantate in studio – dal vivo – con nuovi arrangiamenti: nella tracklist è inclusa anche “Il sogno è sempre”, definitivo dalla label “sequel narrativo tra il progetto di allora e l’idea di oggi”.

Questo l’elenco dei brani inclusi:

1) &nbsp; Un nuovo giorno o un giorno nuovo 
2) &nbsp; L’amico e domani 
3) &nbsp; Uomini persi 
4) &nbsp; La vita è adesso 
5) &nbsp; Tutto il calcio minuto per minuto 
6) &nbsp; Andiamo a casa 
7) &nbsp; Amori in corso 
8) &nbsp; E adesso la pubblicità 
9) &nbsp; Un treno per dove 
10) &nbsp; Notte di note, note di notte 
11) &nbsp; Il sogno è sempre

La cover e i booklet della pubblicazione “ripercorrono la narrazione che collega passato, presente e futuro, attraverso il concept e le foto scattate in studio, durante le registrazioni dell’album, dal fotografo di fama internazionale Toni Thorimbert”, che firmò anche la copertina e il corredo fotografico della pubblicazione del 1985.

Sempre per celebrare la ricorrenza Edizioni Curci renderà disponibile, a partire dall’11 giugno, il cofanetto super deluxe a edizione limitata (ad appena mille copie) “La vita è adesso, il sogno è sempre”. Il prodotto comprende tre contenuti speciali, a cominciare dal table book (31,5x31,5 cm) di Emiliano Ponzi, uno dei maggiori artisti visivi contemporanei italiani, in cui le tavole dell’artista - come recitano le note di presentazione - “captano, interpretano e ridisegnano i temi e le intuizioni delle canzoni de ‘La vita è adesso’ trasformando le liriche di Baglioni in immagini di altrettanta straordinaria intensità. Ogni illustrazione è un invito a riscoprire lo spirito dell’album che, intercettando i sogni dell’Italia degli anni Ottanta, giunge ai nostri giorni con la stessa e intatta capacità di parlare ancora al cuore di tutti. Un oggetto da collezione in edizione lusso, in cui le figurazioni di Emiliano Ponzi si accostano a frasi estratte dalle composizioni in un armonico flusso emotivo. La creazione di quadri istantanei che raccontano relazioni, sentimenti, gesti e fatti di vita quotidiana, in bilico tra desideri e ricordi’.

Il cofanetto include inoltre la versione del doppio vinile nero (180 gr), comprensivo di booklet, de “La vita è adesso, il sogno è sempre”, nella nuova edizione con cui Sony Music Italy celebra i 40 anni di questo album, che include una cartolina d’autore, siglata da Claudio Baglioni, “in cui il tratto di Emiliano Ponzi s’intreccia con la firma autografa del cantautore, in una simbolica fusione dei due artisti e della loro arte, uniti in un messaggio di saluto e gratitudine verso il pubblico di ascoltatori”.

Claudio Baglioni

Claudio Baglioni celebrato da Sony Music ed Edizioni Curci

Per i quarant’anni di ‘La vita è adesso’

A partire dal 1 gennaio 2026 e per i successivi cinque anni, tutti gli eventi live di Andrea Bocelli saranno prodotti e promossi da&nbsp;AEG Presents. Il roster dell'agenzia&nbsp;è impressionante: organizza festival del calibro del Coachella e di Summer Time a Londra, ma produce anche i tour mondiali di artisti come Taylor Swift, Ed Sheeran, Elton John, Paul McCartney, Rolling Stones, Celine Dion, Justin Bieber&nbsp;e molti altri.&nbsp;

L'accordo è stato fortemente voluto da AEG Presents, come racconta il CEO Jay Marciano: "Sono volato personalmente in Italia durante il Coachella per conoscere Andrea e il suo management nel loro ambiente.&nbsp;È un privilegio accogliere nella nostra casa Andrea e accompagnarlo in un nuovo viaggio che alzerà ulteriormente l’asticella della sua arte". Grande soddisfazione anche da parte dei co-manager Veronica Berti e Francesco Pasquero: "Abbiamo scelto AEG Presents per entrare nel gotha della musica globale: un gruppo che non solo ha dimostrato visione e solidità, ma ha anche determinazione e volontà nel chiudere questo deal. È un traguardo importante per noi, per l’Italia e per la musica italiana nel mondo".

Dal punto di vista discografico, invece, resta solido il legame con Universal Music Group e quello storico con Sugar Music, che detiene i diritti del catalogo di Bocelli ai tempi dei suoi esordi.

Andrea Bocelli: un accordo quinquennale con AEG Presents

Tra le agenzie più importanti al mondo nell'ambito del live, produrrà tutti gli eventi del tenore

Il lento sold out non è un flop: è il nuovo successo (programmato). O, almeno, così ci si spiegano certe vendite di biglietti non proprio fulminee. E il lingo&nbsp;dell’industria del live evolve e si adatta alla realtà: ecco perchè oggi parliamo di “slow sell”.&nbsp;Questa la narrativa in sintesi: se un tempo il sold out immediato era l'unico parametro di successo per un tour, oggi il paradigma sta cambiando e sempre più spesso le vendite dei biglietti si distribuiscono nel tempo.

Slow sell: funzionamento e meccanismi

L​o&nbsp;slow sell&nbsp;è una strategia di ticketing sempre più adottata nell’industria del live, soprattutto in mercati maturi o in segmenti ad alto valore. C​os'è, perché si usa e quando è più vantaggiosa rispetto alla vendita tradizionale?

Lo slow sell&nbsp;è l’opposto del modello “tutto esaurito in pochi minuti”: invece di puntare a vendere rapidamente tutti i biglietti appena messi in vendita, si sceglie deliberatamente di vendere i biglietti in modo graduale, controllato e distribuito nel tempo. La logica strategica consiste nel:

1.&nbsp;Massimizzare il ricavo per biglietto (e non il volume totale), perché:

<ul>
	<li>vendere lentamente consente di testare la domanda reale e&nbsp;aggiustare i prezzi dinamicamente;</li>
	<li>si lascia spazio a più ondate di acquirenti (early fans, general public, last minute).</li>
</ul>

2.&nbsp;Evitare il secondary market aggressivo:

<ul>
	<li>se si vende tutto subito a prezzo fisso, si dà spazio ai bagarini online;</li>
	<li>lo slow sell, unito al pricing dinamico o personalizzato,&nbsp;riduce le opportunità per il bagarinaggio digitale.</li>
</ul>

3.&nbsp;Estendere la finestra promozionale:

<ul>
	<li>una vendita rapida concentra l’hype ma accorcia la visibilità;</li>
	<li>lo slow sell permette una promozione continuativa,&nbsp;aumenta la copertura mediatica e stimola vendite anche in fasi successive.</li>
</ul>

4.&nbsp;Permettere l’inserimento di fasce e pacchetti a valore aggiunto:

<ul>
	<li>pacchetti VIP, accessi early entry, esperienze esclusive possono essere&nbsp;rilasciati gradualmente&nbsp;per stimolare nuovi cicli di domanda.</li>
</ul>

Non una strategia per qualsiasi tour

Lo ‘slow sell’ si rivela una strategia più vantaggiosa dello schema tradizionale in casi precisi, ossia:

<ul>
	<li>Quando&nbsp;la domanda non è garantita, ma potenzialmente alta se ben coltivata (artisti emergenti, ritorni, tournée particolari).</li>
	<li>Quando si ha&nbsp;flessibilità nel pricing, ad esempio con piattaforme che gestiscono&nbsp;dynamic pricing o waitlists.</li>
	<li>Quando si punta a&nbsp;massimizzare il valore medio per biglietto, non solo il sold out.</li>
	<li>Quando si vuole&nbsp;prolungare la narrativa&nbsp;attorno all’evento: coinvolgere media, influencer, campagne social in più fasi.</li>
</ul>

E’ invece&nbsp;meno indicata:&nbsp;

<ul>
	<li>Se l’artista ha un’audience limitata o volatile: si rischia di non creare mai l’effetto scarsità.</li>
	<li>Se ci sono vincoli temporali o logistici (venue da confermare, calendario troppo fitto).</li>
	<li>Se i canali di distribuzione sono rigidi e poco adatti alla modulazione (es. rivenditori tradizionali senza pricing flessibile).</li>
</ul>

Beyoncé e lo slow sell adattivo

Ma quando&nbsp;lo ‘slow sell’ è una strategia effettivamente nativa e quando, invece, è una mossa adattiva e difensiva? E’&nbsp;una domanda che in questo nuovo contesto è suggerita soprattutto dal <a href="https://www.rockol.it/news-751548/cowboy-carter-tour-beyonce-setlist-video-blue-ivy-rumi-carter">"Cowboy Carter Tour" di Beyoncé, lanciato a fine aprile 2025</a>: sebbene Live Nation sottolinei che ne sia stato venduto il 94% dei biglietti e siano state aggiunte nuove date a Las Vegas, la percezione pubblica e mediatica è parecchio più sfumata di così. E’&nbsp;accaduto che alcuni biglietti per le date americane sono scesi sotto i 60 dollari, una cifra sorprendente considerando che durante il Renaissance Tour del 2023 i prezzi partivano da 115 dollari. Ciò ha generato malcontento tra quei fans (molti) che avevano acquistato i biglietti in anticipo a prezzi più&nbsp;alti. La situazione è stata poi aggravata da problemi tecnici su Ticketmaster e da una politica di prezzi dinamici che ha fatto lievitare i costi iniziali.&nbsp;

Prezzi iniziali altissimi: aspettative vs realtà

Quando Beyoncè ha annunciato il Cowboy Carter Tour, i prezzi dei biglietti erano tra i più&nbsp;alti di sempre per un'artista in tour. Si parlava di oltre 200-300 dollari per i posti base, con le sezioni premium che superavano facilmente i 1.000 dollari grazie al dynamic pricing. Questa scelta sembrava poggiarsi sulla scia del successo colossale del Renaissance Tour, che aveva generato quasi 580 milioni di dollari. L'aspettativa era chiara: tutto esaurito rapido, domanda travolgente, posizionamento da luxury experience. Ma qualcosa è&nbsp;andato diversamente. Alcuni fattori possono avere inciso:

<ul>
	<li>il sound country del nuovo album ("Cowboy Carter"), meno mainstream per parte della fanbase;&nbsp;</li>
	<li>l'inflazione e l'affaticamento del pubblico nei confronti dei prezzi live post-pandemia;&nbsp;</li>
	<li>
	la saturazione del mercato con altri tour di grandi nomi nello stesso periodo.
	</li>
</ul>

Fatto sta che, d​opo il lancio iniziale, le vendite sono rallentate&nbsp;e Beyoncè e Live Nation hanno corretto la strategia: svendite last minute (anche sotto i 60 dollari in alcuni casi), promozioni mirate, rilascio a scaglioni dei biglietti. Quindi: slow sell nativo o adattato? 
In questo caso non si è trattato di uno slow sell nativo, progettato fin dall'inizio per diluire le vendite nel tempo. Piuttosto, si è trattato di un riposizionamento adattivo: una risposta a un mercato meno reattivo del previsto, con una transizione verso lo slow sell&nbsp;come strategia di salvataggio per ottimizzare incassi e riempimento arene. Non un piano, ma una mossa in difesa; intelligente, anche, ma con un obiettivo chiaro: riempire comunque gli stadi, anche senza l'illusione del sold out in 10 minuti. 
 
Conclusioni 
Quella che alimenta lo "slow sell"&nbsp;è&nbsp;un​a logica commerciale che desidera essere anche sostenibile, secondo questo razionale: in un contesto di prezzi elevati, portafogli sotto pressione e sovraccarico di offerta live, vendere bene nel tempo è meglio che vendere subito e rischiare il vuoto dopo. L'importante è il risultato finale: arene piene, fans soddisfatti e incassi record. E’&nbsp;come se l'urgenza costruita artificialmente dal tutto esaurito in un’ora non sia più necessaria - e, forse, nemmeno più&nbsp;credibile. Lo&nbsp;slow sell&nbsp; sposta il focus dal “tutto esaurito” immediato alla costruzione di valore nel tempo, ed è tanto più efficace quanto più si padroneggia il controllo su prezzo, comunicazione e accesso diretto ai fans. Ecco perché tende a massimizzare il ricavo per biglietto rispetto all’incasso totale.

'Slow Sell': una nuova strategia per live e ticketing

Ha fatto riflettere, e fa discutere, il caso del Cowboy Carter Tour di Beyoncé

Nel 2024 SCF, la collecting dedicata ai diritti connessi per produttori e discografici, ha ripartito ai propri associati oltre 51 milioni di euro, cifra superiore del 7,7% a quella registrata l’anno precedente. In particolare, la&nbsp;quota di ripartito ai produttori ha superato i 42 milioni di euro, "in significativo aumento" - precisa la società - rispetto al 2023.

“Questo risultato è stato sostenuto da una crescita a doppia cifra dei diritti connessi (+19,3%), trainata sia dal settore Broadcasting e Web (+12,6%) sia dal comparto del Public Performance&nbsp;(+27,4%), che ha più che compensato la contrazione registrata nel ripartito di copia privata (-15,4%), conseguente al calo delle vendite di dispositivi digitali”, ha spiegato in una nota ufficiale la stessa SCF, che - sempre nel 2024 - ha ripartito 9,1 milioni di euro alle collecting di produttori e artisti dai quali ha ricevuto mandato: “Conseguentemente, la base degli utilizzatori ha superato oltre i 200.000 soggetti, segnando +210% rispetto al 2008 grazie a un costante lavoro di sensibilizzazione e acquisizione, anche tramite attività legali mirate e azioni antipirateria. Prosegue anche il rafforzamento della base rappresentata da SCF: nel 2024 si è registrata una crescita significativa dei mandanti, soprattutto tra i produttori discografici indipendenti sia locali sia internazionali rappresentati da società intermediarie, posizionando sempre più SCF come la principale collecting di riferimento per i produttori indipendenti”.

“Il bilancio del 2024 rappresenta un importante punto di equilibrio tra crescita, efficienza e innovazione”, ha dichiarato il DG di SCF Mariano Fiorito, che lo scorso marzo aveva annunciato una <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750854/scf-nuova-riduzione-dell-aggio-su-broadcast-e-web-2025">nuova riduzione dell'aggio su Broadcast e Web a partire dal 2025</a>: “Siamo riusciti a incrementare le ripartizioni, rafforzare la rete internazionale, ridurre ulteriormente gli aggi e offrire ai nostri mandanti strumenti sempre più evoluti per l’analisi delle royalties: la conferma dell’Italia come settimo paese al mondo per i diritti connessi - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750752/discografia-nel-mondo-e-in-italia-andamento-mercati-nel-2024">come riporta IFPI nel recente Global Music Report</a> - è il segnale più forte del lavoro di sistema che stiamo portando avanti con coerenza. Continueremo su questa strada, con l’obiettivo di valorizzare il repertorio italiano in ogni sua forma".

SCF, nel 2024 ripartizioni a quota 51 milioni di euro

In crescita del 7,7% su base annua

L'associazione Green Music Australia ha commissionato un report sul cambiamento climatico e sull'impatto che ha sull'industria del live del paese che, come sappiamo, al momento è tra i più colpiti dagli eventi estremi. I risultati sono sorprendenti: l'85% degli intervistati ha dichiarato che nell'ultimo anno ha avuto a che fare con un evento climatico estremo durante la partecipazione a un festival musicale. Il 13% di loro ha dichiarato che ha deciso di partecipare a meno eventi all'aperto proprio a causa del clima impazzito, e il 34% si dichiara "più cauto" nell'acquistare biglietti.

Non solo: dal 2015 a oggi oltre 50 festival australiani sono stati cancellati o rimandati a causa del meteo estremo, di cui addirittura 26 nel solo mese di febbraio scorso, quando il ciclone Alfred si è abbattuto sull'Oceania. Preoccupa in particolare il fenomeno del cosiddetto "Rain, heat, repeat", ovvero l'alternanza di caldo torrido e piogge torrenziali, che ormai caratterizza la primavera e l'estate anche nelle fasce geografiche che una volta erano definite temperate. Che l'Europa si avvii verso lo stesso destino?