L’intesa tra <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/pirames-international-211512">Pirames International</a> e il Gruppo Colasanti - comprese le società Emergency, New Emergency e Cyberatica - è stata confermata, stipulando un accordo esclusivo di licenza e distribuzione del catalogo di entrambe le società, grazie al quale i titolari di diritti avranno l’integrazione con la gestione e la raccolta worldwide dei diritti connessi (anche dall’estero) e delle Sync, sia diretta che tramite collecting.

Il catalogo comprende le opere dei compositori Nicola Piovani, Pino Donaggio, Franco Piersanti, Santi Pulvirenti, Ritz Ortolani – per citarne alcuni – e otre 400 soundtracks tra film e telefilm di registi come Nanni Moretti, i fratelli Taviani, Giuseppe Tornatore, Luigi Magni, Damiano Damiani e Mario Monicelli. 

Non solo: Pirames International - l’aggregatore digitale di contenuti musicali audio e video guidato dal ceo Federico Montesanto –&nbsp;ha annunciato il rinnovo della collaborazione con il Gruppo Leonardi (Edizioni Leonardi e Nazional Music), il cui catalogo composto da più di 10.000 brani contiene tra i titoli “La stranezza”, original motion picture soundtrack dell’omonima opera di Roberto Andò, che si è appena aggiudica la vittoria nella categoria <a href="https://www.rockol.it/news-740845/siae-music-awards-vincitori-prima-edizione-2023">Colonna Sonora Cinema alla prima edizione dei SIAE Music Awards</a>&nbsp;(nella foto, Piero Leonardi e Anna Leonardi con Emanuela Colli, Senior Label Manager di Pirames International).

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distribuzione digitale

collecting

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Pirames, accordi con Gruppo Colasanti ed Edizioni Leonardi

Industria

Le due società hanno stretto un accordo esclusivo di licenza e distribuzione del proprio catalogo

Qualche giorno fa vi <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752984/live-il-record-di-marko-perkovi-thompson-a-zagabria">davamo notizia</a> del cambio ai vertici della classifica dei concerti a maggior affluenza di sempre: il Modena Park di Vasco Rossi del 2017 (oltre 225.000 biglietti venduti) era stato infatti spodestato da quello del croato Marko Perković Thompson a Zagabria (intorno ai 450.000 spettatori). Ora la classifica va di nuovo cambiata, e per via di una gradita new entry tutta italiana: quella di Ultimo.

L'annuncio arriva sui social dell'artista: con oltre 250.000 biglietti venduti nelle prime tre ore di prevendita, infatti, il suo mega-evento a Tor Vergata "La favola per sempre" (previsto per il 4 luglio 2026 e prodotto da Vivo Concerti in collaborazione con l'amministrazione di Roma Capitale) non solo è già sold-out, ma è anche entrato negli annali come il secondo concerto più partecipato di sempre, posizionandosi sul secondo gradino del podio&nbsp;tra quello di&nbsp;Perković Thompson e quello di Vasco. E' una enorme soddisfazione per un artista indipendente non ancora trentenne&nbsp;che ha già fatto 42 concerti in uno stadio, per un&nbsp;totale&nbsp;di oltre 1.750.000 di biglietti venduti in carriera.

Ultimo: venduti 250.000 biglietti per "La favola per sempre"

Ultimo supera il record del Modena Park di Vasco, ora è Marko Perković Thompson l'uomo da battere

Come precedentemente riferito, Spotify sta collaborando con un’indagine antitrust in Turchia ma, al contempo, secondo il Times starebbe anche valutando di lasciare il mercato del paese sul Bosforo. L’indagine in questione è stata avviata in seguito a critiche che alcuni ministri locali hanno rivolto a&nbsp;Spotify per playlist create dagli utenti che prendevano in giro la coppia presidenziale del paese, ed è sfociata in&nbsp;un’indagine antitrust lanciata contro il DSP da parte dell’autorità turca della concorrenza Rekabet Kurumu.

Dopo avere dichiarato nei giorni scorsi di “collaborare con l’indagine, di impegnarsi attivamente per comprenderla e di lavorare per una risoluzione rapida e costruttiva” con l’autorità, secondo l’autorevole quotidiano britannico Spotify ora prenderebbe in considerazione l’idea di annunciare o ventilare l'abbandono della Turchia: la minaccia vorrebbe preludere a una risoluzione rapida della controversia,&nbsp;considerando che il mercato della musica registrata in Turchia è in forte crescita e un ritiro sarebbe una cattiva notizia per l’economia locale, dopo che ricavi sono quasi raddoppiati nel 2024, arrivando a circa $ 88 milioni (con lo streaming che pesa più dell’86% del totale), spingendo il paese dal 32º al 27º posto nella classifica globale dell’IFPI.&nbsp;

Spotify - ma anche altri DSP - possono fare leva su una relativa posizione di forza anche grazie alla crescita della musica locale sulla sua piattaforma, sia a livello nazionale che internazionale, la cui quota di stream è passata dall’11% (2013)&nbsp;al 65% (2024), con 93 dei suoi 100 artisti più ascoltati dell’anno scorso che erano locali. Un beneficio apportato all’industria locale che si scontra, per l’appunto, con la preoccupazione per una crescente spinta verso la censura che arriva non solo dalle autorità, ma anche dagli utenti e dalle opinioni espresse da alcuni artisti turchi. L’organizzazione attivista IFOD ha recentemente additato il gruppo folk di sinistra Grup Yorum che, come conseguenza, si è visto bloccare l’accesso ai propri album su Spotify e Apple Music e a 450 dei suoi video su YouTube, su richiesta del governo turco pervenuta dopo la segnalazione dal basso. Il gruppo ha a sua volta invitato al boicottaggio di Spotify e YouTube, rendendo il proprio catalogo disponibile come download gratuito tramite un account Google Drive.

Spotify fuori dalla Turchia?

Il DSP valuterebbe di ritirarsi a causa della disputa sulla pressione censoria

I Velvet Sundown sono diventati un caso internazionale: allo stato attuale si tratta senz'altro della band generata dall'intelligenza artificiale (e quindi di fatto inesistente) più famosa del web. Finora la maggior parte delle piattaforme avevano tollerato la sua esistenza senza prendere particolari provvedimenti, ma è possibile che qualcosa stia cambiando: da stamattina, infatti, è scomparso dal profilo Spotify del gruppo il loro ultimo album pubblicato, "Paper Sun Rebellion II", mentre resta disponibile tutta la loro "discografia" (le virgolette sono d'obbligo) precedente.

Al momento Spotify non ha commentato questo takedown, e addirittura non è ancora chiaro se si tratti di un takedown vero e proprio (in alcuni territori, come quello USA, diversi blog riportano che l'intera discografia sarebbe scomparsa dal profilo artista della band e accessibile solo tramite ricerche dirette, così come quella di alcuni artisti ad esso correlati, come i Crimson Daydream, anche "loro" AI-generated). Ma senz'altro, nell'eterna disputa sull'intelligenza artificiale generativa,&nbsp;vale la pena segnalare il fatto in attesa di ulteriori sviluppi.

Spotify ha preso provvedimenti nel caso Velvet Sundown?

Da stamattina alcuni dei lavori della band AI-generated sembrerebbero scomparsi dal DSP

Tra i molti campi di indagine di Midia Research figura&nbsp;ora anche il songwriting: il prestigioso istituto di ricerca ha infatti raccolto le opinioni di un ampio campione di autori di canzoni da tutto il mondo (per un totale di quasi 800 intervistati). I risultati sono molto interessanti, e soprattutto dipingono uno scenario molto diverso rispetto a quello di anche solo qualche anno fa.&nbsp;

A colpire è soprattutto la diversificazione di fonti di guadagno, che non è necessariamente una scelta ma più che altro una necessità: almeno un autore&nbsp;su cinque ritiene che "affermare il proprio brand sui social" sia prioritario, così come l'utilizzo di piattaforme e marketplace per creators come Fiverr e SoundBetter. Colpisce anche la disaffezione nei confronti di fonti di guadagno più tradizionali (forse considerate ormai un retaggio del passato?): ben il 61% degli intervistati dichiara di non essere iscritto a una collecting specializzata in diritti fonomeccanici. Si può visionare il report nella sua interezza <a href="https://www.midiaresearch.com/reports/songwriter-survey-2025-reinvention">qui</a>.

Midia Research: nuovo report globale sui songwriter

L'istituto di ricerca mette sotto la lente di ingrandimento gli autori di canzoni

La strada per i Grammy Awards è lastricata di molte tappe e appuntamenti, e una di queste è l'invito a essere ospite presso il Grammy Museum di Los Angeles. E così, mentre&nbsp;come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753107/la-recording-academy-da-il-benvenuto-a-3600-nuovi-membri">vi raccontavamo</a>&nbsp;gli italiani cominciano a ingrossare le fila della Recording Academy, uno degli italiani più in vista all'estero conquista anche questo grande onore: si tratta di Damiano David, che il 29 luglio sarà il protagonista di un evento speciale presso la prestigiosa istituzione.

La serata, nella cornice del Clive Davis Theater annesso al museo, è parte della rassegna "Spotlight", volta proprio a far conoscere gli artisti emergenti (quantomeno per il mercato statunitense) a pubblico e addetti ai lavori. Sarà preceduta da un approfondito talk nel quale Damiano parlerà del processo creativo che ha guidato la realizzazione del suo primo album solista "Funny Little Fears", e proseguirà quindi con una performance live. Tra gli altri ospiti della stessa rassegna figurano artisti del calibro di El Malilla, Jessie Reyez e Noah Cyrus.

Damiano David sarà ospite del Grammy Museum di Los Angeles

Nella programmazione di luglio figura una serata a lui dedicata, con un talk e uno showcase

<a href="http://musicbiz.rockol.it/tutto-su/nuovoimaie-453984">NUOVO IMAIE</a> propone una serie di incontri con protagonisti e protagoniste del panorama musicale italiano per parlare dei loro progetti, ma anche per approfondire le dinamiche che ruotano intorno all’essere Artista Interprete Esecutore.

Diplomata nel 1983 in pianoforte al Conservatorio Santa Cecilia di Roma, Maria Grazia Fontana ha, da anni, una visione privilegiata sul dietro le quinte del mondo dello spettacolo, specialmente per quanto riguarda il panorama canoro: tra le vocal coach più apprezzate dall’industria italiana dell’intrattenimento, Fontana ha collaborato non solo con grandissimi artisti - tra gli altri, Alex Baroni, Renato Zero, Umberto Tozzi, Luca Barbarossa e Giorgia - ma anche con le produzioni di programmi televisivi come Domenica In, Amici, Tale &amp; Quale Show e Lasciami cantare!, dove le performance vocali hanno un ruolo assolutamente centrale. Accompagnare gli artisti al successo, racconta, è un lavoro bellissimo e difficile, talvolta frustrante, ma sempre fonte di grandi soddisfazioni, quando ci si rende conto di aver fornito a un talento gli elementi necessari a sbocciare. Ma il talento, è bene tenerlo presente, è da dare tutto meno che scontato… 
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Come hai visto cambiare gli allievi da quando hai iniziato?

Molto, soprattutto a seconda dei messaggi che hanno recepito dal mainstream e dai mezzi di comunicazione. Oggi tutto pare essere semplice, a portata di mano. Poi, però, quando ci si accorge che le cose non sono sempre facili, soprattutto quando si parla di arte, dove i risultati sono figli di uno specifico percorso di maturazione, ecco arrivare i problemi… 
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Si è persa, quindi, la disponibilità alla fatica e al lavoro?

Sì. E, in genere, la cognizione dell’importanza dell’impegno è prerogativa di chi ce la fa, ma solo a posteriori. E parlo di una fatica fisica: penso a chi balla o a chi suona uno strumento, che deve fare pratica diverse ore al giorno, tutti i giorni. Ci sono cose che non si possono comprare al supermercato… 
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Credi che gli strumentisti abbiano una vocazione al sacrificio maggiore, rispetto ai cantanti?

Sono due tipi di sacrificio diversi. Il musicista instaura un rapporto simbiotico col proprio strumento, che passa anche dalla pratica. Chi canta non lavora solo sulla propria voce, ma anche su un piano più profondo, utile alla costruzione di un personaggio. E’ un impegno di tipo intellettuale, se possibile ancora più duro e logorante di quello esclusivamente musicale, perché impone di essere sempre alla ricerca di nuovi stimoli. Ricordo, per esempio, Lucio Dalla, col quale ho lavorato tanti anni: anche quando la sua carriera era ampiamente affermata, aveva sempre viva, in lui, una curiosità quasi infantile, che gli ha permesso di navigare i tanti mari che ha solcato col suo progetto personale. 
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Il fatto che oggi chi si affaccia sul panorama musicale sia tecnicamente più preparato rispetto ai debuttanti di venti o trent’anni fa è il segno di una perdita generale di quella naïveté che ha reso grandi artisti come Dalla?

Il messaggio che arriva a chi oggi sceglie la carriera da artista è che le tappe si possano bruciare. Poi, in un modo o nell’altro, in genere si capisce che non è questa la via. Per esempio, partecipare a un talent non è un punto di arrivo, ma un punto di partenza, perché una volta finito il programma bisogna essere all’altezza di lanciare un messaggio comprensibile a tutti. Perché, alla fine, la fenomenologia del fandom è sempre quella: mi piaci tu, mi piace quello che dici, quindi mi identifico in te e ti sostengo. 
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Pensi che i media abbiano una responsabilità nell’aver fatto arrivare ai giovani un’immagine distorta del percorso da fare per intraprendere una carriera da artisti?

No, non direi. Più che altro, mi riferisco a quella rete di persone che circonda gli artisti, quelli che promettono produzioni importanti a chi ha appena iniziato. E ai poteri forti dell’industria musicale, che blindano gli spazi imponendo a chi inizia dinamiche precise. Per dire: una volta un emergente andava a un talent, dimostrava di valere, e veniva messo sotto contratto. Oggi un ragazzo che magari non sa nemmeno cantare viene ingaggiato solo in virtù dei numeri che fa su social e piattaforme. Poi ovviamente ci sono le eccezioni, come - per esempio - Brunori: il suo successo all’ultimo Sanremo corona una carriera lunga, fatta di tanto lavoro e tanta gavetta. Ma il mainstream, come sempre, fa vedere solo l’aspetto più scintillante del successo, non gli anni passati a suonare nei piccoli locali… 
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Ma i nodi vengono sempre al pettine, giusto? L’esempio di Brunori lascia intuire che pubblico sia in grado di riconoscere e premiare l’impegno e la qualità…

Sì, anche se una parte di pubblico mi pare per certi versi anestetizzata dal mainstream. Che la platea sia in grado di riconoscere la qualità è vero, ma poi c’è il giudice supremo, il tempo, che determina successi e insuccessi. Perché per un artista il discorso non è solo raggiungere la fama, ma - soprattutto - mantenerla… 
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Pare un discorso più strutturale, che va oltre la sola industria musicale…

E’ così: è qualcosa che riguarda molto da vicino la società. Quando ho iniziato io, negli anni Settanta, era tutto molto più spontaneo. Io e Rita Marcotulli, pur avendo preso strade differenti, abbiamo avuto un sacco di opportunità: ma allora eravamo di meno. Oggi le donne che suonano il piano sono tantissime: magari non tutte eccellono in preparazione, ma tutte - probabilmente - si aspettano una collocazione come artiste. E questo è un problema. Il fatto è che abbiamo pochi idraulici e troppi musicisti, molti dei quali non abbastanza talentuosi per intraprendere la carriera artistica… 
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E’ come se, per il solo fatto di avere la passione per la musica, molti considerino il successo come un diritto…

Chi di noi il successo l’ha ottenuto ha sudato sangue per ottenerlo. L’arte non ti chiede niente, ti si dona sempre. Ma per raggiungere alti livelli esige di essere amata allo stesso modo. Essere artisti significa avere addosso gli sguardi di tutti, sempre. Quindi più di tanto non si può mentire: la mancanza di idee e di talento si può nascondere, ma fino a un certo punto. E’ una cosa che i ragazzi dovrebbero tenere molto ben presente, prima di credere che sia tutto facile. Faccio un esempio: facevo la vocal coach nella produzione di un musical, diretto da Luca Tommassini con Lorella Cuccarini come protagonista. Ricordo una data in Emilia, in un teatro sperduto, in pieno inverno, dove non funzionava il riscaldamento. Ho visto Lorella stare 15 ore al giorno con le scarpe di scena, con un tacco altissimo, senza mai lamentarsi di nulla… 
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Spesso hai parlato di ridare dignità al mestiere dell’artista…

Sì, e mi riferisco soprattutto ai giovani. Spesso vedo ragazze e ragazzi molto preparati, che studiano anni, impegnandosi anche economicamente e acquisendo bagagli formativi pazzeschi, finire nelle grinfie di “localari”, che li fanno esibire a batterie da 15 - 20 per serata senza né soundcheck né cachet. Buttati sul palco giusto per fare serata: è umiliante. Il fatto è che i giovani per farcela, ormai, accettano di tutto: per me è profondamente doloroso vedere il talento svilito in questo modo, perché - come docente - devo essere anche una motivatrice. Ma a tratti è frustrante… 
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In tema di diritti, NUOVO IMAIE ha fatto molto per formare gli artisti a inizio carriera…

Da questo punto di vista sono eccezionali: si sono messi in gioco con tante iniziative per raccontare ai ragazzi le dinamiche che regolano questo settore e i loro diritti, insegnandogli a tutelarsi… 
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Sempre in tema di emergenti, anche tu hai avviato una tua iniziativa…

Sì, si chiama <a href="https://www.instagram.com/genere.fluido/">Genere Fluido</a>. E’ un format live che per il momento teniamo una volta al mese in un locale qui, a Roma: la serata prevede l’esibizione di tre artisti già affermati, a livello sia locale che nazionale, preceduta da una sezione di open mic, durante la quale chi si iscrive può salire sul palco e cantare un proprio brano originale. Le cover sono severamente bandite. Nel corso della serata una pittrice dipinge tre quadri, ognuno abbinato al set degli artisti principali. A fine serata le opere vengono messe all’asta: del ricavato, la maggior parte va all’autrice dei quadri, il 15/20% all’artista al quale l’opera è stata abbinata e il 5% per coprire le spese di organizzazione. I proventi dagli ingressi - fissati a 6 euro - vanno agli artisti che si esibiscono. Io non faccio politica, ma la mia mission è quella: restituire dignità agli artisti. 
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A partire dal prossimo mese di settembre, Maria Grazia Fontana tornerà a essere occupata come vocal coach per la nuova stagione di “Tale &amp; Quale Show”. Sempre a settembre ripartiranno a Roma gli eventi di Genere Fluido, mentre a fine agosto riprenderà la residenza creativa di Fontana battezzata “Playing Memories”, che vede 15 giovani artisti selezionati dalle istituzioni coinvolte nel progetto per la realizzazione di una spettacolo della durata di 40 minuti che prevede esibizioni vocali e di danza: l’iniziativa è promossa dal St. Louis College of Music, dove la stessa Fontana fa parte del corpo docente.

Maria Grazia Fontana

Maria Grazia Fontana: ‘Restituire dignità agli artisti’

‘Oggi c’è chi crede che tutto sia facile, ma il successo non è un diritto. Anzi…’

Qualche giorno fa ​Spotify ha annunciato ufficialmente la restituzione di Pod.link al suo creatore originale, Nathan Gathright, riportando sotto il controllo indipendente uno degli strumenti più utilizzati per la distribuzione multi-piattaforma dei podcast. Si tratta tanto di un gesto simbolico quanto di un passaggio&nbsp;sostanziale nel mondo del podcasting.

Pod.link è stato lanciato nel 2018 con l’obiettivo di risolvere un problema semplice ma centrale per i creator: creare un unico link che indirizzi automaticamente l’ascoltatore verso la propria piattaforma di ascolto preferita — da Amazon a Pocket Casts, da Spotify ad Apple. Lo strumento è cresciuto organicamente fino a contare oltre 1,7 milioni di link attivi sul web e, dopo essere stato acquisito da Podsights nel 2021, era entrato nel portafoglio di Spotify nel 2022, quando quest’ultima aveva inglobato Podsights per potenziare la sua infrastruttura di analytics&nbsp;pubblicitari. Tuttavia l’evoluzione della propria strategia interna ha indotto Spotify a&nbsp;fare un passo indietro. In un comunicato ufficiale il DSP svedese ha dichiarato:

<blockquote>
“Spotify is committed to building great products that help creators succeed. As part of that focus, we’ve decided to return Pod.link to its founder. We’re working closely with Nathan to ensure a smooth transition and continued support for the millions of creators and listeners who rely on the platform.”
</blockquote>

La restituzione non impatta in alcun modo sui link esistenti, che continueranno a funzionare senza interruzioni. Al contrario, potrebbe aprire una nuova fase di sviluppo per lo strumento, ora nuovamente nelle mani del suo ideatore. Nel contesto sempre più affollato di strumenti per la promozione e la distribuzione dei podcast, Pod.link si distingue per la sua semplicità, affidabilità e natura gratuita. È proposto come lo strumento ideale per creator indipendenti e piccoli progetti editoriali, senza l’obbligo di dover affrontare costi di abbonamento o complessità tecniche. La concorrenza che fronteggia è ormai &nbsp;ampia e, in diversi casi, punta a soddisfare esigenze più avanzate e a target che richiedono anche strumenti di statistica e analisi — è il caso di Podfollow, di Linkfire (nato in ambito musicale) e di SmartLink by Chartable. Più affine a Pod.link, invece, è Episodes.fm, che si concentra su link brevi e ha funzionalità ridotte al minimo.

In un’epoca di ecosistemi chiusi attorno ai propri strumenti proprietari, la scelta di Spotify di restituire Pod.link al suo sviluppatore originale è in controtendenza. Per Nathan Gathright è l’occasione per riportare lo strumento alle sue radici: uno strumento semplice, utile e indipendente al servizio della comunità dei podcaster.

Nel medio termine, la mossa lascia intendere che Spotify concentrerà i suoi sforzi su prodotti interni e soluzioni integrate, mentre Pod.link potrà evolvere secondo logiche più agili e aperte. Un equilibrio che potrebbe giovare a tutto l’ecosistema, mantenendo in vita uno degli strumenti più amati dai professionisti dell’audio.

Spotify restituisce Pod.link al suo creatore

Il tool che torna indipendente è anche un messaggio per l’ecosistema podcast

Parecchi​e società musicali quotate in borsa sono riuscite a sfuggire ai danni causati ai mercati da marzo in poi, quando l’amministrazione Trump ha annunciato e introdotto una quantità di dazi diretti nelle direzioni più svariate. Mentre l’S&amp;P 500 e il Nasdaq sono cresciuti rispettivamente del 4,4% e del 3,8%, la performance dei maggiori operatori musicali si è dimostrata di gran lunga migliore.

In <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751130/i-dazi-e-l-industria-musicale">questo articolo</a>&nbsp;avevamo ipotizzato varie gradazioni di impatto, a seconda del comparto di appartenenza delle aziende; e, in effetti, dall’esame delle performance dei primi sei mesi del 2025 delle maggiori public music companies, si riscontra come dato più eclatante quello riguardante tre giganti dello streaming: la svedese Spotify e i leader cinesi&nbsp;Tencent Music Entertainment e NetEase Cloud Music.

Quello di quest’ultima ​è stato il titolo con la migliore performance a metà anno, con un aumento del 114,8% e una quotazione giunta fino a 241,00 HKD (circa $ 30,7), mentre Tencent Music Entertainment (TME) è cresciuta del 75% fino a 19,51 dollari. &nbsp;Dopo il giro di vite del 2021, caratterizzato da molte sanzioni, le autorità cinesi hanno rivisto leggi e regolamenti, offrendo maggiore chiarezza a imprese e investitori: così entrambe le aziende hanno beneficiato di un contesto più favorevole per le società tecnologiche in casa propria, battendo nettamente l'indice SSE Composite della Cina, aumentato del 7,35%.&nbsp;

Spotify è cresciuta a sua volta del 64,4%, fino a $755,95 , aumentando la propria capitalizzazione di mercato di 61,5 miliardi di dollari nel semestre. Nel raffronto con TME il DSP europeo stravince il confronto per numero di abbonati (268 contro 122,9 milioni); ma mentre Tencent cresce perchè conta anche su una diversificazione delle linee di ricavo e su partecipazioni rilevanti, Spotify prolifera nei conti dall’inizio del 2024, quando ha cominciato ad incrementare il proprio margine lordo, salito al 31,6% (+400% anno su anno) in concomitanza con i licenziamenti che dall’anno prima avevano interessato circa un quarto del personale.

Non è tutto oro ciò che stremma, si potrebbe tuttavia affermare, e le dimensioni e le economie di scala sembrano fare una gran differenza: Deezer è infatti calata del 5,3%, mentre per Anghami si parla di crollo (-37%).

Tra le etichette discografiche occidentali, solo UMG è cresciuta (+14,9%), mentre Warner Music Group ha perso il 12,2%. Si deve rilevare anche la crescita di valore di Believe che, però, è attribuibile a un’offerta di acquisto: il prezzo delle azioni è salito del 25,5% il consorzio guidato dal suo CEO ha aumentato da € 15,30&nbsp;a € 17,20 per azione la sua offerta.&nbsp;

Infine, con una domanda per concerti e festival ancora sostenuta, spicca il gigante del ticketing tedesco CTS Eventim, che con un +&nbsp;25,6% ha distanziato Live Nation (+16,8%) nel settore live.

Lontano dai dazi: e i DSP volano in borsa

Sono diversi i titoli musicali che battono gli indici nel primo semestre dell’anno

Era stata approvata lo scorso ottobre dalla Federal Trade Commission, ma a quanto pare la tanto attesa norma soprannominata "Click-to-Cancel" si farà ancora attendere prima di entrare in vigore. Si tratta di un regolamento che rende obbligatorio per i fornitori di servizi digitali (come ad esempio i DSP o le piattaforme di streaming video) fornire indicazioni chiare e trasparenti su come disiscriversi: se per abbonarsi basta un clic, infatti, molto spesso cancellare l'abbonamento diventa una via di mezzo tra una&nbsp;corsa a ostacoli e una caccia al tesoro, cosa fortemente contestata dalle associazioni dei consumatori.&nbsp;

Purtroppo, però, quello che doveva essere un semplice cambiamento di policy in nome del buonsenso si è scontrato con la burocrazia: la corte d'appello americana ha infatti respinto al mittente la nuova regolamentazione per errori procedurali. Era infatti stata presentata un'analisi che quantificava in oltre 100 milioni di dollari le perdite economiche ai danni dei consumatori: "Anche se questa corte non approva certo questo tipo di pratica, è necessario integrare i dati in modo da validarli" recita una nota del tribunale. Nell'attesa la normativa "Click-to-Cancel", che doveva entrare in vigore proprio oggi, è rimandata a data da destinarsi.

Un tribunale USA stoppa la norma "Click-to-Cancel"

Era stata studiata per rendere più facile la cancellazione di abbonamenti a servizi digitali

La nozione della quota di mercato come principale KPI (key performance indicator) per una major è cosa nota. In queste settimane, all’interno di un periodo in cui l’economia musicale sta rivivendo più intensamente l’antica contrapposizione tra grandi gruppi e indipendenti, <a href="https://musicbiz.rockol.it/ricerca?query=downtown">la vicenda UMG-Downtown</a> riporta il tema della market share sotto i riflettori: quanto più è elevata all’interno di un mercato di riferimento, tanto più attentamente l’acquirente viene monitorato dall’antitrust e tanto minori sono le possibilità di approvazione dell’operazione, al netto del rumore di fondo generato dalle opinioni contrapposte.

Ma, uscendo dalla cronaca e entrando nella prassi, può avere senso chiedersi perché la quota di mercato è un parametro significativo. E anche: perché il secondo parametro significativo, per una major musicale, è l’EBITDA. E, infine: quali sono i loro effettivi riflessi numerici.

Una quota di mercato dell’1% per l’industria globale della musica registrata ha un valore annuale di circa $ 296 milioni (l’1% dell’intero mercato che, secondo i dati IFPI, nel 2024 era di $ 29,6 miliardi). Per analogia, l’1% sul mercato italiano vale € 4,6 milioni (il totale essendo, in base ai dati FIMI, di circa € 461 milioni). L’aritmetica, quindi, fornisce subito una sensazione pratica di come conquistare o perdere una frazione di quota di mercato in un anno possa determinare certi destini aziendali.

Se la quota di mercato, in senso relativo, esprime il valore della produzione (i ricavi, visti come quota parte dei ricavi del mercato intero), l’EBITDA (Earnings Before Interest, Taxes, Depreciation, and Amortization) esprime il margine operativo, fornisce l’indicazione chiave di come il business ordinario sta remunerando l’attività aziendale. Nell’industria della musica registrata, in ambito major, per consuetudine questo margine è individuabile all’interno della forbice 20%-25% (nel 2023, a livello globale: UMG: 21.5% ca., WMG: 23% ca.). Quindi, se lo colleghiamo a una quota di mercato dell’1%, l’EBITDA in questione si posiziona tra i $ 59 e 74 milioni a livello mondo e tra i € 920.000 e € 1.150.000 in Italia. Che significa, in pratica? Diverse cose, soprattutto due.

In un contesto di acquisizioni (quello che, in qualche modo, è un tema sottostante a questo articolo), è in grado di offrire una misura del valore dell’azienda: applicare a un EBITDA annuale di $ 60–70 milioni un multiplo di 15x–18x, significa attribuire all’azienda un valore che si posiziona nella forchetta $1–1.2 miliardi.

In secondo luogo, l’EBITDA gioca un ruolo cruciale nel determinare i budget di marketing perché è un KPI che fa luce sulla profittabilità operativa e sulla capacità di generare liquidità di un’azienda. Per le label è, al contempo, un abilitatore e un limite per le cosiddette spese discrezionali – che, nello specifico, includono marketing, A&amp;R e acquisizioni di cataloghi. Azionisti e case madri monitorano da vicino l’EBITDA per valutare la prestazione e fissare i budget annuali.

Scendendo lungo questo metaforico funnel, ci si imbatte nella correlazione tra EBITDA e marketing. Il marketing, nel bilancio, è un centro di costo e contribuisce in maniera diretta alla riduzione dell’EBITDA nel breve periodo. Ecco che, di conseguenza, le etichette si trovano a ricercare il bilanciamento tra le spese anticipate di marketing varate per spingere al successo le pubblicazioni da un lato e la protezione del margine dall’altro – questo è un mandato ‘corporate’ molto stringente, anche perché influenza sia il corso delle azioni che i bonus dei dirigenti.

Quota di mercato e EBITDA creano, pertanto, una tensione costante che è riassumibile dal dilemma: investo ora in modo aggressivo sugli artisti o preservo il margine?

Questa tensione costante è un problema irrisolto e diventa, in questa industria, un compagno di viaggio con cui si convive; e, per conviverci, le label operano con un modello di portfolio. Dato che la predizione di un successo è cosa molto aleatoria, le label distribuiscono le spese di marketing su un portfolio di artisti secondo una logica che prevede, a spanne, che i 20 artisti top finanzino circa l’80% dell’EBITDA aziendale. Ne consegue che se un artista o un’uscita non proiettano un ROI (Return On Investment) robusto, il budget di marketing viene tagliato. L’EBITDA per artista/progetto diventa, dunque, una cornice al cui interno misurare il ROI sul marketing.

Ne consegue che in anni di EBITDA elevato è prevedibile notare maggiore aggressività nella firma di nuovi artisti, rilevare maggiore disponibilità a scommettere sugli emergenti, più disinvoltura nell’approvare spese in marketing e sync e una propensione superiore sia all’acquisizione di cataloghi che a operazioni di M&amp;A; per converso, se l’EBITDA è sotto pressione in una fase recessiva o in un ciclo negativo per la label, i budget di marketing vengono tagliati, i progetti rimandati, i licenziamenti diventano un’opzione e gli artisti considerati più ‘rischiosi’ scivolano in basso nelle priorità di investimento.

Le etichette calcolano il ROI sul marketing in un contesto caratterizzato dall’EBITDA. Assumendo che si spendano €200K per promuovere un album e che il modello preveda ricavi per €600K nei successivi 18 mesi con un EBITDA del 25% (che, in questo esempio, corrisponde a €150K), nell’anno si registrerebbe un impatto negativo (€150K – €200K = - €50K). Ma nel più lungo termine? Questa domanda spinge a spostare l’ottica dalla frontline al catalogo. Immaginiamo che la label voglia resuscitare un titolo vecchio 20 anni, magari investendo € 100k in un misto di azioni: la sync di un documentario, un revival su TikTok, un ‘edizione rimasterizzata e una nuova edizione su vinile accompagnate da promozioni a pagamento e playlist sui DSP. Ebbene, nel caso del catalogo le regole del gioco cambiano sia sul fronte della spesa (che può essere minore, perché l’asset esiste ed è già ampiamente ammortizzato) che sul fronte dell’EBITDA atteso (che può salire tra il 35% e il 50% per analoghe ragioni). In questo caso si registrerebbe un impatto positivo per € 40k-100k (-100k investiti + 140k/200k ricavati). In una logica EBITDA, il marketing sui cataloghi è molto promettente perché non ci sono costi di produzione, anticipi o supporti per il tour, perchè la domanda per il prodotto (che è una IP consolidata) è molto più prevedibile, perché le curve di ricavo sono note e anche sforzi modesti posso attivare vendite che durino per mesi o anni.

Quota di mercato, EBITDA, marketing, ROI, frontline e catalogo. Non si scherza nemmeno sullo 0,1%.

Il peso delle quote di mercato nella musica registrata

M​arket share ed EBITDA: cosa sono, come funzionano, e come determinano le strategie delle label

A partire dal 15 luglio 2025, YouTube introdurrà un aggiornamento significativo alla sua policy di monetizzazione, con l’obiettivo di contrastare la diffusione di contenuti generati in serie e ripetitivi, spesso associati all’uso di intelligenza artificiale. Il cambiamento coinvolge direttamente il programma YouTube Partner Program&nbsp;(YPP), fonte di reddito per molti creator. Il focus è sui cosiddetti ‘mass-produced and repetitious content’. Di cosa si tratta?

Per mass-produced content&nbsp;si intendono quei video creati automaticamente o in grandi quantità con strumenti standardizzati, come slideshow generati da software, narrazioni AI text-to-speech o template ripetuti con minime variazioni. Per repetitious content&nbsp;si intendono video quasi identici caricati ripetutamente, come reaction&nbsp;o clip duplicati, con lievi modifiche nei titoli, miniature o effetti visivi.

La nuova policy di YouTube prevede che questi tipi di contenuti verranno penalizzati e potrebbero essere esclusi dalla monetizzazione: si tratta di una posizione assunta in un contesto di crescente preoccupazione per la proliferazione di video generati da intelligenza artificiale che saturano la piattaforma, contenuti spesso privi di valore aggiunto - l’esplosione di strumenti di generazione automatica accresce la probabilità che sempre più contenuti si rivelino poco originali, di bassa qualità o ingannevoli.

L’obiettivo di YouTube&nbsp;è garantire che il programma di monetizzazione premi contenuti autentici, creativi e trasformativi, scoraggiando pratiche automatizzate che minano la qualità dell’ecosistema. La piattaforma video di Alphabet, quindi, continuerà a monetizzare contenuti che, pur usando elementi ripetuti (intro, outro, format ricorrenti), presentano ogni volta elementi originali e significativi. Saranno pertanto ancora ammessi:

<ul>
	<li>
	Video educativi con valore informativo unico
	</li>
	<li>
	Contenuti commentati o trasformativi
	</li>
	<li>
	Produzioni che impiegano l'AI come strumento, ma con un apporto creativo umano evidente.
	</li>
</ul>

I canali che si affidano a contenuti automatizzati o ripetitivi rischiano, quindi, la revoca della monetizzazione e l’esclusione dal programma YPP a causa di un controllo che si annuncia molto più rigoroso. Esultano, per contro, i creator professionisti, che da tempo chiedono maggiore chiarezza e giustizia nel sistema di monetizzazione. Allo stesso tempo, preoccupa alcuni piccoli creator che temono interpretazioni troppo estensive o arbitrarie della nuova policy.

Secondo le dichiarazioni ufficiali, l’uso dell’intelligenza artificiale non è vietato in sé, ma deve essere integrato in contenuti originali, autentici e con un valore percepibile per l’utente.

YouTube aggiorna le sue regole di monetizzazione

Stop ai compensi per i 'mass-produced and repetitious content'

Come ogni anno, a luglio la Recording Academy comunica gli esiti del processo di selezione per i nuovi membri, che entreranno di diritto a far parte della giuria dei Grammy Awards. Sono oltre 3.600 gli artisti e i professionisti del settore che sono stati invitati a unirsi alla prestigiosa istituzione, aumentando ulteriormente la platea dei votanti nell'ottica di incrementare la diversità e l'inclusività: il 49% della cosiddetta "Class of 2025"&nbsp;è costituita da donne, il 56% da persone di etnia non bianca e il 60% è costituito da under 40.&nbsp;

Tra i neo-nominati ci sono molti volti noti, come la cantante pop Addison Rae, il rapper Joey Bada$$ e il gruppo k-pop KATSEYE. Quest'anno, inoltre, ci sono anche diversi italiani, tra cui il produttore (e già vincitore di Grammy Awards) Tommaso Colliva, la flautista Ginevra Petrucci, la cantautrice Aurora D'Amico, i&nbsp;compositori Nico Pacella e Antonio Di Iorio e la cantante e dj Paola Arcieri. A tutti loro vanno le nostre congratulazioni.

La Recording Academy dà il benvenuto a 3.600 nuovi membri

Nella "Class of 2025", ovvero i nuovi membri di quest'anno, figurano anche diversi italiani

La vedova di&nbsp;Notorious B.I.G. nonché madre di uno dei suoi figli, Faith Evans, ha ricevuto la notifica di una causa legale ai suoi danni, legata alla vendita del catalogo del compianto gigante dell'hip hop americano, che nel marzo 2025 era stato acquisito al 50% da Primary Wave. A beneficiare dei proventi di questa transazione&nbsp;figuravano le due proprietarie della società che gestisce l'eredità del defunto: Evans, appunto, e la madre del rapper, Violetta Wallace. Che però è venuta a mancare un mese prima della chiusura dell'accordo.

A quanto pare, ora Evans è accusata di aver trattenuto l'intero ammontare della vendita redistribuendolo tra i due figli del rapper e se stessa, senza però contemplare l'asse ereditario di Violetta Wallace, che comprende una fondazione aperta in suo nome. La vicenda sta facendo molto scalpore in America non solo per i nomi coinvolti (anche Faith Evans è una famosa cantante R&amp;B), ma anche per il grande valore del catalogo in questione: tra diritti discografici, edizioni e diritti di immagine, il lascito di Notorious B.I.G.&nbsp;è stato stimato in oltre 200 milioni di dollari dal Wall Street Journal.

Una causa contro la vedova di Notorious B.I.G.

Avrebbe trattenuto indebitamente parte dei proventi della vendita del catalogo a Primary Wave

Nella Classifica UK album della settimana dall'11 luglio 2025 al 17 luglio 2025, si registra un significativo cambiamento nelle prime posizioni. Gli&nbsp;OASIS&nbsp;, freschi dell'avvio del loro reunion tour, conquistano le prime due posizioni con&nbsp;gli album TIME FLIES - 1994-2009, che ha scalato la classifica passando dalla sesta alla prima posizione,&nbsp;e con il classico&nbsp;WHAT'S THE STORY MORNING GLORY, che ha registrato un progresso notevole passando dalla quattordicesima alla seconda posizione. In terza posizione rimane stabile l'album SHORT N' SWEET di SABRINA CARPENTER.

Non si segnalano&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni.

Nella Classifica UK singoli della settimana dall'11 luglio 2025 al 17 luglio 2025&nbsp;il brano DIOR di MK ft Chrystal sale dalla seconda posizione alla prima, conquistando così la vetta della classifica. In seconda posizione si colloca MANCHILD di Sabrina Carpenter, che guadagna una posizione rispetto alla settimana precedente, passando dal&nbsp;terzo al secondo gradino del podio. Sale di una lunghezza anche LOVE ME NOT di Ravyn Lenae, passa dalla quarta alla terza posizione.

Non si segnalano new entry nelle prime dieci posizioni della classifica.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Oasis

Classifiche UK, novità 11 luglio: Oasis a tutta forza

Forte dell'avvio del reunion tour, la band dei fratelli Gallagher conquista l'album chart

Nella Top Album FIMI/GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 4 luglio 2025 al 10 luglio 2025, il disco UFORIA di TONY BOY mantiene la sua posizione di vertice. In seconda posizione si registra un significativo balzo in avanti per ULTIMO con il suo album ULTIMO LIVE STADI 2024, che passa dall'undicesima posizione alla seconda. Sul gradino più basso del podio sale&nbsp;OLLY con TUTTA VITA, che guadagna una posizione rispetto alla settimana precedente.

Tra le nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica si segnalano:

<ul>
	<li>ANNO ZERO di ICY SUBZERO che debutta in quinta posizione</li>
</ul>

Per la settimana dal 4 luglio 2025 al 10 luglio 2025, la classifica Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF mostra stabilità al vertice, "DÉSOLÉE" di ANNA&nbsp;che mantiene la prima&nbsp;posizione, seguita - come sette giorni fa, da&nbsp;"A ME MI PIACE" di ALFA &amp; MANU CHAO&nbsp;e "LA PLENA" di W SOUND, BEÉLE &amp; OVY ON THE DRUMS.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Tony Boy

Classifiche novità, 10 luglio: Tony Boy si riconferma primo

'Uforia' è ancora l'album più ascoltato della settimana

Come ogni anno, gli organizzatori del Primavera Sound hanno calcolato l’impatto economico sul territorio della manifestazione, che nel 2025 - grazie a headliner come Chappell Roan, Charli xcx e Sabrina Carpenter - ha visto sfilare sotto i propri palchi complessivamente 293mila spettatori, il dato più alto mai registrato dall’evento ospitato dal Parc del Fòrum di Barcellona.

Secondo la società di consulenza Experientia, partner dell’iniziativa, la maratona musicale che ha animato la capitale catalana tra gli scorsi 4 e 8 giugno ha generato una ricaduta economica sul territorio per 339,5 milioni di euro: di questi, 195 milioni sono stati generati direttamente dall’evento, 67,5 milioni dall’indotto e 64 milioni dalle entrate fiscali riconducibili alle attività connesse al festival.

L’edizione 2025 del Primavera Sound ha creato 8666 posti di lavoro, contribuendo all’aumento del PIL della città per lo 0,11%.

Experientia stima che la spesa media dei partecipanti stranieri sia stata di 1559,5 euro: gli spettatori residenti a Barcellona hanno speso in media 268,1 euro, mentre quelli provenienti dal resto della Spagna di 581,7 euro.

Primavera Sound 2025, ricadute economiche per €339,5 milioni

Il calcolo realizzato grazie alla collaborazione con Experientia

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Wolf Alice,&nbsp;Gemelli DiVersi, Mameli, Neida e Viito.

<h2>The Sofa - Wolf Alice - Columbia Records</h2>

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 <img src="https://images.rockol.it/6oaC76rfNL2t5MgwF8ART0M_mtA=/200x200/smart/rockol-img/release-single/wa-thesofa-nologo-a.2025-07-11-12-22-38-ts-1752229360.jpg" alt="">
 </div></div>

È uscito oggi, venerdì 11 luglio, “The Sofa”, il nuovo singolo della band britannica dei Wolf Alice, contenuto nel loro&nbsp;nuovo album, “The clearing”, in uscita il 22 agosto. In un comunicato stampa, la cantante Ellie Rowsell ha commentato: “Il brano parla di non sforzarsi così tanto per capire tutto. È una riflessione sull'invecchiare e di cercare di non tormentarsi per cose che sono successe o non sono successe nella propria vita. Parla anche di cercare di fare i conti con quegli aspetti polarizzanti della propria vita quando si è in una band. Hai appena finito un grande tour, e poi torni a casa, a cenare sul divano. Per me, questo è riassunto in come tratto la TV. Una volta non guardavo mai due volte la stessa cosa, perché pensavo che ci fosse così tanto da scoprire! E ora sono tipo: va bene se voglio semplicemente riguardare Peep Show per la tredicesima volta". Per presentare dal vivo il nuovo album, già anticipato da "Bloom Baby Bloom”, i&nbsp;Wolf Alice saranno impegnati in un tour che include un'unica data in Italia in programma giovedì 13 novembre 2025 all’Alcatraz di Milano.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/the-sofa-wolf-alice-ctid-205612708">Leggi il testo di "The Sofa" </a>

I londinesi Wolf Alice si fanno conoscere con i due EP "Blush" e "Creature songs" fino a entrare nella prestigiosa lista "BBC Sound of 2015" (venendo pure nominati da iTunes come "Artist for 2014"). 
A luglio 2015 arriva il disco di debutto MY LOVE IS COOL, Prodotto da Mike Crossey (Arctic Monkeys, Foals e Black Keys). 
I Wolf Alice sono: Ellie Rowsell (chitarra/voce), Theo Ellis (basso), Joff Oddie (chitarra) e Joel Amey (batteria e voce). 
Nel 2017 esce VISIONS OF A LIFE... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/wolf-alice/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>1993 - Gemelli DiVersi - Dischi Dei Sognatori</h2>

<div class='embed'> <div class="flex items-center justify-center">
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 </div></div>

L'11 luglio 2025 segna l'uscita del nuovo singolo "1993" dei Gemelli Diversi, pubblicato per l'etichetta Dischi Dei Sognatori. Il brano segue&nbsp;"Impossibile", uscito a&nbsp;dicembre 2024.&nbsp;

Il gruppo è composto da un DJ (THG), due rappers (Grido e Thema), ed un cantante (Strano): il quartetto nasce quando La Cricca, duo composto da Thema e THG, si fonde con l’altro duo, Rima Nel Cuore. Nel settembre 1998 esce il primo singolo, "Un attimo ancora", ricavato da "Dammi solo un minuto" dei Pooh. E’ un debutto fortunato, cui seguono l’album GEMELLI DIVERSI e diversi riconoscimenti, tra i quali l’inclusione tra i candidati al PIM, Premio Italiano della Musica ‘99, come rivelazione... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/gemelli-diversi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Colpa Nostra - Mameli - Universal</h2>

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Il cantautore siciliano Mameli&nbsp;pubblica il suo nuovo EP, intitolato "estate blu", il 11 luglio 2025. L'EP include quattro brani, tra cui il singolo "colpa nostra", presentato come la "focus track" del progetto. La pubblicazione era già stata anticipata dal primo singolo, "serie crime". La tracklist dell'EP include i seguenti brani: "serie crime", "colpa nostra", "malissimo" e "fino all’ultimo respiro".&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/colpa-nostra-mameli-ctid-215241951">Leggi il testo di "Colpa Nostra" </a>

Mario Castiglione, in arte Mameli, è nato a Catania e vive a Milano. Oltre a scrivere i testi e comporre, si occupa personalmente della produzione dei suoi brani. 
Nel 2019 partecipa al talent show “Amici” di Maria de Filippi e pubblica due brani inediti: “Ci vogliamo bene” e “Casa di Carta”. 
Nell'aprile dello stesso anno esce il suo EP di debutto intitolato "Inno", prodotto da Mameli e Mixato da Alex Trecarichi ("Ci vogliamo bene") e Ivan Rossi, ingegnere del suono che ha lavorato... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/mameli/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Alla baia - Neida - YOURVOICE RECORDS</h2>

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L'11 luglio 2025 esce il nuovo singolo dei Neida, intitolato “Alla Baia”. Il brano è disponibile su tutte le piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica. La produzione è avvenuta a Rimini presso Mondo REC. “Alla Baia” sarà la sigla ufficiale del BAIA Summer Festival, evento musicale programmato dal 13 luglio al 17 agosto a Rimini. Il videoclip del brano è stato&nbsp;girato nella stessa località, con la direzione&nbsp;affidata a Guido Milani e Fabio Cacciola, con riprese aeree curate da Samuele Fantini.

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<h2>Squali (tutti al mare) - Viito - Warner</h2>

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 <img src="https://images.rockol.it/9N3UTnnbGB78Z4AyNV8nDW9JH3c=/200x200/smart/rockol-img/release-single/squali-tutti-al-mare-viito-cover-single-ts1752213696.jpg" alt="">
 </div></div>

I&nbsp;Viito&nbsp;hanno pubblicato il loro nuovo singolo intitolato "Squali (tutti al mare)", disponibile dal 11 luglio 2025 per l'etichetta ADA/Warner Music.&nbsp;

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/squali-tutti-al-mare-viito-ctid-215244289">Leggi il testo di "Squali (tutti al mare)" </a>

I Viito sono Giuseppe e Vito, dure ragazzi romani di adozione, coinquilini fuori sede. Nella loro convivenza da studenti hanno scritto diverse canzoni, fino a venire messi sotto contratto da Sugar, che ha pubblicato il primo singolo "Bella come Roma" lo scorso 19 gennaio. 
La band è poi tornata con una seconda canzone, "Industria porno".

 
<a href="https://www.rockol.it/artista/viito/biografia">Leggi la biografia completa </a>

<div class='embed'><div class="py-4 text-lg text-center border-black border-solid bg-gray-100 border border-l-0 border-r-0 italic font-bold">
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<h2>Vuoi promuovere su Rockol il tuo singolo in uscita?</h2>

Scrivici all’indirizzo singoli@rockol.it, ti daremo tutti i dettagli utili per comunicare e promuovere al meglio la tua nuova produzione!

Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Wolf Alice, Gemelli DiVersi, Mameli, Neida e Viito

Nuovi singoli, le uscite dell'11 luglio

Gli OneRepublic hanno firmato un contratto discografico con BMG: la band di Ryan Tedder - legata discograficamente a Universal Music dall’album di debutto “Dreaming Out Loud” del 2007 ad “Artificial Paradise” del 2024 - pubblicherà nell’ambito dell’accordo un nuovo album di studio, il cui primo estratto - "Beautiful Colors" - sarà spedito sui mercati a partire dal prossimo 25 luglio.

"Siamo entusiasti di unirci alla famiglia BMG per continuare a pubblicare musica che i nostri fan ameranno”, ha dichiarato Tedder: “Jon [Loba, BMG President, Frontline Recordings per la regione americana, ndr] e Dan [Gill, BMG EVP, Recorded Music per la West Coast, ndr] si sono già dimostrati partner incredibili durante tutto questo processo e non vediamo l'ora di continuare a supportarci. Non vediamo l'ora che i nostri fan ascoltino il nostro nuovo singolo 'Beautiful Colors', ispirato alla serie anime giapponese 'Kaiju No. 8', in uscita alla fine di questo mese".

"Gli OneRepublic sono una delle band più dinamiche e durature degli ultimi due decenni, con un'impronta globale che spazia da successi in vetta alle classifiche, miliardi di streaming e un vasto catalogo di musica che ha segnato un'epoca”, ha aggiunto Loba: “La loro capacità di evolversi, innovare e connettersi con il pubblico di tutto il mondo si allinea perfettamente con la filosofia di BMG che mette l'artista al primo posto".

"Questa partnership segna un nuovo entusiasmante capitolo, non solo per la band”, ha concluso Gill: “La partnership con gli OneRepublic rafforza ulteriormente la nostra capacità di collaborare ai massimi livelli e di offrire risultati eccellenti ad artisti di questo calibro. Siamo pienamente impegnati a supportare la visione creativa dei OneRepublic e a garantire che il loro prossimo album raggiunga i fan a un livello mai visto prima".

BMG, gli OneRepublic entrano nel roster

In vista della pubblicazione del settimo album in studio della band di Ryan Tedder

Spotify ha comunicato il rafforzamento degli investimenti sulle piattaforme pubblicitarie Spotify Ad Exchange e Spotify Ads Manager, al fine di offrire agli inserzionisti “maggiore flessibilità e controllo, permettendo loro di scegliere la modalità di acquisto più adatta alle proprie esigenze”.

“Con l’aumento costante dei podcast all’interno della piattaforma, Spotify sta semplificando il modo in cui gli inserzionisti possono avere accesso al pubblico di circa 170 milioni di ascoltatori mensili e ai quasi 7 milioni di podcast disponibili in tutto il mondo”, ha fatto sapere l’azienda in una nota riguardo il Podcast Ad Inventory: “A partire da oggi, gli inserzionisti possono raggiungere gli ascoltatori di podcast attraverso entrambi i canali di acquisto automatizzati”.

Gli inserzionisti in Italia, Stati Uniti, Regno Unito, Canada, Australia, Germania, Francia, Spagna possono ora accedere direttamente all’inventario premium di pubblicità su podcast originali e in licenza di Spotify, oltre ai podcast presenti sull’Audience Network di Spotify tramite Spotify Ads Manager.

Per gli acquirenti in programmatic in Italia, Stati Uniti, Regno Unito, Canada, Australia, India, Germania, Francia, Spagna, Svezia, Brasile e Messico, Spotify Ad Exchange offre ora l’accesso all’inventario premium di annunci per podcast di Spotify tramite partner leader del settore, come The Trade Desk e Google Display &amp; Video 360, con ulteriori DSP in arrivo.

Secondo il DSP l’utilizzo di Spotify Ad Exchange è cresciuta del 64% dalla <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751145/spotify-ha-lanciato-sax-perche-e-cos-e">presentazione della piattaforma, avvenuta lo scorso aprile</a>.

“Sappiamo che l’automazione è un requisito fondamentale per qualsiasi piattaforma pubblicitaria che voglia competere oggi”, ha dichiarato Chloe Wix, Global Head of Ad Product and Commercial Growth di Spotify: “E’ per questo che abbiamo lavorato duramente per migliorare i nostri canali di acquisto automatizzati. Mentre continuiamo a modernizzare la nostra tecnologia pubblicitaria, sono entusiasta di annunciare che il nostro inventario premium di pubblicità per podcast è ora disponibile tramite Spotify Ad Exchange e Spotify Ads Manager - garantendo così agli inserzionisti il controllo e la flessibilità necessari per raggiungere il nostro pubblico altamente coinvolto di ascoltatori di podcast”.

Spotify, nuovi investimenti per gli inserzionisti

Il DSP potenzia le piattaforme Spotify Ad Exchange e Spotify Ads Manager

Big Machine Group, società guidata da Scott Borchetta, discografico che lavorò con Taylor Swift agli albori della carriera della star, ha lanciato una nuova etichetta battezzata Ascend Music: a guidare la nuova entità è stato chiamato Joel Klaiman, già dirigente della controllata di Universal Music Republic Records e vecchia conoscenza di Borchetta, che con lo stesso Klaiman lavorò alla promozione di “Love Story”, primo brano di Swift a raggiungere la vetta delle classifiche americane, e dal 2023 titolare dell’agenzia di marketing musicale ASCEND4M.

"L'energia, la visione e la passione di Joel sono contagiose e non lascia mai nulla di intentato quando lavora con un artista", ha dichiarato Borchetta riguardo al sodalizio con l’ex collega: "Sta portando grandi artisti alla nostra partnership e non perderemo tempo nel pubblicare musica rivoluzionaria”.

“Dopo essere stato testimone in prima persona della visione imprenditoriale di Scott e del suo profondo impegno nel promuovere una cultura incentrata sull'artista e sullo sviluppo, è un sogno che si avvera collaborare di nuovo con lui e il team Big Machine", ha aggiunto Klaiman: "Questa nuova iniziativa stimolerà la crescita dei nostri artisti e amplierà il repertorio globale di Ascend Music, in linea con la visione condivisa delle nostre aziende e con una strategia che apre entusiasmanti opportunità per tutti i soggetti coinvolti".