E' pacifico che&nbsp;qualora un brand decidesse di utilizzare un&nbsp;brano all'interno dei propri spot tv, dovrebbe procedere a chiedere una licenza e ad accordarsi per&nbsp;una sincronizzazione. Se però il brano in questione venisse utilizzato sempre a fini pubblicitari, ma all'interno di un post promozionale sui social media? In questo caso, la giurisprudenza&nbsp;non è (ancora) così chiara, quantomeno oltreoceano. Tant'è che si sono aperti diversi fronti di scontro in tribunale.

Il primo, risalente allo scorso maggio, riguarda Sony Music, che ha fatto causa al gruppo alberghiero Marriott per violazione di copyright: l'accusa è quella di avere utilizzato senza autorizzazione almeno 931 volte la musica di Sony, il tutto&nbsp;all'interno di post social&nbsp;che promuovevano gli hotel della società. Se fosse stata riconosciuta la colpevolezza di Marriott, avrebbe dovuto pagare una cifra che si aggirava attorno ai 140 milioni di dollari; a quanto pare, però, tutto potrebbe essersi risolto con un accordo extra-giudiziale tra le parti, che hanno entrambe chiesto l'archiviazione del procedimento in via definitiva.

Curiosamente, però, nello stesso momento in cui questo capitolo si chiudeva, se ne apriva un altro molto simile in un'altra corte americana: stavolta è Universal Music Group a fare causa alla catena di ristoranti tex-mex Chili's, che nelle sue inserzioni pubblicitarie su Facebook, Instagram, YouTube e TikTok avrebbe utilizzato senza autorizzazione la musica di artisti come&nbsp;ABBA,&nbsp;Ariana Grande,&nbsp;Justin Bieber,&nbsp;Nicki Minaj,&nbsp;Shania Twain,&nbsp;le Spice Girls,&nbsp;The Weeknd&nbsp;e&nbsp;Lana Del Rey. In questo caso le violazioni sarebbero 38, per un totale di circa 12 milioni di dollari. Chili's non ha ancora risposto alle accuse.

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Social media e discografia: è battaglia in tribunale sulle sync

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Dopo la fine della causa Sony vs Marriott, si apre un nuovo fronte: Universal vs Chili's 

BMG ha voluto rendere ufficialmente omaggio a Dave Ball, insieme a Marc Almond fondatore dei Soft Cell, scomparso lo scorso 22 ottobre a Londra all’età di 66 anni.

Definito dall’etichetta e società di edizioni tedesca come “una delle figure più distintive e influenti della musica elettronica britannica”, Ball - ricorda BMG - “ha contribuito a plasmare l'evoluzione del synth-pop, dell'elettronica e della musica dance, fondendo sperimentazione d'avanguardia con melodia, atmosfera e profondità emotiva”, e definendo “l'estetica synth-pop dei primi anni '80”.

Oltre ad aver pubblicato “Happiness Not Included” del 2022, BMG aveva curato anche la pubblicazione di due uscite di uno dei progetti collaterali di Ball, i Grid (in particolare, l’album “Doppelgänger” del 2008 e l’EP “Floatation (The Remixes)”, in collaborazione con Skint), oltre che di “Ecco Homo”, disco del 2024 di Gavin Friday alla realizzazione del quale Ball aveva contribuito come produttore.

"Silenziosamente geniali e infinitamente innovativi, pochi artisti hanno plasmato la musica elettronica come Dave Ball”, ha commentato Alistair Norbury, President UK, Europe &amp; APAC di BMG: “Il suo lavoro con i Soft Cell ha dimostrato che i sintetizzatori possono essere audaci e profondamente umani. Vero pioniere, ha dimostrato che emozione e sperimentazione possono coesistere e il suo sound continuerà a vivere, ispirando le generazioni a venire".

BMG, l’omaggio a Dave Ball (Soft Cell)

La società ricorda l’artista scomparso: ‘Una delle figure più influenti del panorama elettronico UK’

Una crescita costante - ma in progressivo rallentamento - per i prossimi cinque anni, fino ad arrivare, nel 2030, a un volume d’affari di oltre 14 miliardi di dollari a livello globale: questo, in estrema sintesi, è lo scenario dipinto da uno studio di Omdia - società di analisi commerciali legata a Informa TechTarget - relativo al mercato dell’editoria musicale.

Secondo l’indagine, nel 2025, il settore publishing può aspettarsi una crescita su base annua del 9,6%, destinata a scendere al 7,3% nel 2026, al 6,4% nel 2027, al 5,2% nel 2028, al 4,3% nel 2029 e al 3,7% nel 2030. Alla fine del decennio il segmento dello streaming dovrebbe fruttare agli editori circa 8 miliardi di dollari, due in più di quanto - sempre secondo lo studio - i publisher dovrebbero aspettarsi dai DSP.

“Come accade già da diversi anni, il settore dell’editoria musicale è in forte espansione”, ha commentato Simon Dyson, analista senior di Omdia: “L'inevitabile rallentamento della crescita dello streaming musicale limiterà i futuri guadagni degli editori, ma il settore raggiungerà nuovi traguardi in termini di fatturato nei prossimi anni e le prospettive di crescita a lungo termine non sono mai state così positive".

La previsione del giro d’affari del mercato editoriale fatta da Omdia per il 2025 si aggira intorno agli 11 miliardi di dollari a livello globale, dato abbastanza coerente a quello riferito dall’ultimo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752241/publishing-il-mercato-mondiale-vale-oltre-11-miliardi-di-dollari">studio pubblicato da ICMP</a> diffuso alla fine dello scorso maggio relativo al 2024, che stimava in 11,1 miliardi di dollari i ricavi a livello globale del settore.

Publishing, le previsioni: crescita media del 5,4% fino al 2030

L’outlook di Omdia (Informa TechTarget) sulle prospettive del settore

L’associazione di etichette indipendenti europee Impala è tornata a evidenziare possibili criticità dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748886/virgin-music-group-umg-acquisira-downtown-music">acquisizione di Downtown Music da parte di Virgin Music Group</a>, la divisione dedicata ai servizi per etichette e artisti di Universal Music Group. Dopo il lancio, all’inizio del mese, della campagna <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754501/umg-downtown-win-lancia-la-campagna-block-the-deal">Block the Deal</a>, Impala - nella giornata di oggi, venerdì 24 ottobre - ha diffuso uno studio compilato dalla professoressa Amelia Fletcher, artista (con trascorsi nelle fila di band come Talulah Gosh, Heavenly, Marine Research e Tender Trap) ed economista - nominata nel 2014 Ufficiale dell'Ordine dell'Impero Britannico - nota per i propri lavori sui temi come concorrenza e tutela dei consumatori.

Nell’articolo Fletcher dimostra - si legge in una nota diffusa da Impala - “l'esistenza di una correlazione diretta tra riduzione dei ricavi delle etichette indipendenti e diversità e cultura”.

“Sulla base delle ipotesi formulate, i risultati indicano che anche una piccola riduzione dei ricavi può ridurre il numero totale di uscite discografiche e i guadagni degli artisti”, spiega lo studio: “Inoltre, le uscite discografiche perse tenderebbero a essere quelle meno vendibili, ovvero quelle caratterizzate da generi o comunità più piccole o da musica in lingua non inglese”.

"L'impatto dell'acquisizione di Downtown da parte di UMG sulla diversità culturale è una parte essenziale della valutazione della concorrenza”, ha commentato Impala. “Le case discografiche indipendenti sono sempre state promotrici della diversità culturale e paladine della nuova musica. Il modello della professoressa Fletcher è chiaro, e il mercato musicale stesso è ancora più vulnerabile alla concentrazione rispetto al passato. Nel caso Universal Music dovesse effettivamente acquisire Downtown, ci sarà un impatto negativo significativo sulla diversità culturale artistica all'interno dello spazio economico europeo, perché le etichette indipendenti genereranno meno entrate e avranno meno denaro da spendere per la nuova musica".

Il documento elaborato da Fletcher è stato consegnato alla Commissione Europea, che sta conducendo un’indagine antitrust sulla proposta di acquisizione - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753880/umg-downtown-la-commissione-ue-sospende-pro-tempore-l-indagine">temporaneamente sospesa</a>.

"E’ una questione di equilibrio”, ha commentato la Chair di Impala Helen Smith: “Le grandi aziende sono importanti, così come la collaborazione, come dimostra il progetto congiunto di licenze AI con Spotify. Allo stesso tempo, sono state sollevate preoccupazioni sulla salute del mercato digitale e dell'ecosistema se si permette al leader di diventare troppo grande. Le conclusioni evidenziano il rischio che il settore indipendente perda fatturato di conseguenza, con conseguenti minori uscite e una minore diversificazione”.

“I risultati della ricerca fanno chiaramente vedere quale sia la posta in gioco”, ha aggiunto Francesca Trainini, Vicepresidente di PMI - Produttori Musicali Indipendenti: “Tutti gli occhi del settore indipendente sono puntati sulla Commissione Europea per garantire che il mercato musicale rimanga equo e competitivo, un mercato in cui possano prosperare vera concorrenza e diversità. La diversità culturale è una delle risorse uniche dell'Europa ed è giusto che sia sancita a livello di trattato”.

Downtown / UMG, per Impala ‘diversità culturale a rischio’

L’associazione indipendente cita uno studio della professoressa Amelia Fletcher

Nel terzo trimestre 2025 Deezer ha registrato ricavi per 131,4 milioni di euro, in calo dell’1,9% rispetto allo stesso periodo dello scorso anno: la performance, che l’azienda in una nota ha definito “in linea con le aspettative”, è stata bilanciata da una netta crescita nel numero degli abbonati (+11,7%, a quota 3,7 milioni, 1,8 dei quali fuori dalla Francia). Per l’anno fiscale 2025 il DSP conferma di aspettarsi un altro semestre di EBITDA in crescita e flusso di cassa positivo.

Prima dell’inizio del nuovo anno la piattaforma con quartier generale a Parigi ha confermato il lancio “di una funzionalità di condivisione universale aggiornata, che consente lo sharing multipiattaforma di playlist, da Deezer ad altri servizi di streaming”: il servizio, inoltre, proseguirà “nella lotta contro le frodi basate sull'intelligenza artificiale, rilevando e taggando i contenuti interamente generati dall'intelligenza artificiale”.

"La crescita degli abbonati in Francia ha accelerato per il terzo trimestre consecutivo, confermando l'impatto positivo delle nostre iniziative di differenziazione nel nostro mercato interno”, ha commentato il CEO di Deezer Alexis Lanternier: “Nel resto del mondo, anche il numero di abbonati nel segmento Direct sta accelerando, a dimostrazione della qualità del nostro servizio e dell'appeal del nostro brand, che promuove trasparenza e correttezza nello streaming musicale. Il nostro sistema di rilevamento basato sull'intelligenza artificiale e le nuove funzionalità di personalizzazione stanno attirando l'attenzione globale, aprendo opportunità che vanno oltre i nostri mercati principali. Deezer è all'avanguardia nella protezione di artisti e detentori di diritti, offrendo al contempo esperienze musicali innovative e indimenticabili per i fan. Guardando al futuro, ci concentriamo sul lancio di nuovi prodotti orientati ai fan e su entusiasmanti innovazioni per gli artisti, progettate per accrescere il coinvolgimento, ampliare il controllo creativo e differenziare ulteriormente l'esperienza di ascolto su Deezer”.

Deezer, nel Q3 2025 ricavi a 131,4 milioni di euro

Entrate in calo (-1,9% su base annua) ma performance ‘in linea con le aspettative’

Sebastiano Gaggiano - fondatore nel 2023 di Ed3sign, nella foto&nbsp;- dal 2016 è Frontend Developer di Clockbeats, società multisettoriale guidata da Paolo Mantini: dal 2019 Gaggiano ricopre il ruolo di CTO a Matchfy, realtà legata a Planet X - società fondata dallo stesso Mantini dopo il distacco della nuova start-up da Clockbeats - dedicata ad artisti e curatori musicali. Nata come “<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747272/matchfy-startup-promozione-streaming-intervista-paolo-mantini">piattaforma di matching tra curatori di playlist e creatori musicali</a>”, Matchfy ha conosciuto nel 2025 una rapida crescita non solo in termini di utenza, ma anche di partnership a livello internazionale e di profilo aziendale - con la recente finalizzazione di un round di finanziamento da 2 milioni di euro: logica, quindi, l’evoluzione del servizio da un ambito ristretto - quello, appunto, dello streaming - a un ampio spettro di aree, che spaziano dal live al monitoring e all’analisi dei dati. Un repentino e radicale ampliamento del raggio d’azione che ha posto a Gaggiano una sfida non da poco, ovvero quella di assicurare scalabilità alle infrastrutture esistenti per garantire successo all’integrazione dei nuovi tool che stanno rendendo possibile la crescita di Matchfy. Grazie a un approccio più da psicologo che da informatico. “Come dico sempre, ‘Fammi vedere il codice e ti dirò chi sei’”, ci racconta, per spiegare una delle fasi più importanti del suo lavoro - ovvero quella di tradurre una visione in un progetto concreto: “Il codice è uno specchio della mente dell'individuo, si intuisce il modo di ragionare e la sensibilità di chi lo produce”.

Come descriveresti, da un punto di vista tecnico, l’evoluzione di Matchfy dalla sua fondazione a oggi? Qual è stato il punto di svolta, dalla tua prospettiva di CTO?

L'evoluzione di Matchfy è stata sorprendentemente rapida. Il progetto nasce in realtà nel 2019 ma per diverse ragioni resta bloccato da un punto di vista dello sviluppo fino al 2023. Nessuno si stava occupando di gestire la piattaforma a livello tecnico, eppure gli utenti continuavano ad interagire e tenere viva la community.

Nel marzo del 2023 intuisco che c'è ancora del potenziale nel progetto, al punto che decido di prendermi un mese per riscrivere completamente il software. Ad essere sinceri all'epoca per me si trattava più di un esercizio di stile, non avevo la minima idea della scala che un progetto simile potesse raggiungere. Pochi mesi più avanti avevamo riscontrato un grande interesse sia da parte di qualche migliaia di utenti, oltre che da potenziali investitori. Entro la fine del 2023 avevamo chiuso il primo round di finanziamento segnando a tutti gli effetti la nascita di una nuova azienda, nel Gennaio 2024. Quasi due anni dopo ce la giochiamo con i top 5 a livello mondiale nel nostro settore, dunque direi che abbiamo fatto bene a dare una seconda vita a Matchfy.

Non c'è stato un punto di svolta preciso, i problemi da risolvere sono infiniti: bisogna scegliere con cura quali affrontare ed ognuno di questi può rappresentare a modo suo una svolta. È importante nella tempesta saper mantenere la rotta e portare avanti la propria visione di prodotto. La filosofia alla base di Matchfy è rimasta invariata, nonostante sia cambiata tutta l'infrastruttura tecnologica nel mentre.

Nel 2025 Matchfy ha siglato diverse partnership - con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751922/matchfy-una-partnership-con-songstats">Songstats</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750345/matchfy-due-nuove-partnership-con-songstats-e-roex">RoEx</a>, tra le altre: quanto incidono integrazioni del genere sull’architettura software di una servizio come il vostro? Quali sono le sfide? E quali gli obiettivi?

Queste partnership sono innanzitutto occasioni preziose per imparare: ci offrono nuovi punti di vista e stimoli per fare meglio. L'obiettivo principale è sempre quello di dare un valore aggiunto alla nostra community. In genere valutiamo tutti quei servizi che possono essere complementari alla nostra offerta e utili per un artista che si promuove su Matchfy. Per ogni accordo che chiudiamo ce ne sono altrettanti che rifiutiamo. In generale avere come interlocutori dei "veterani" del settore mi rende orgoglioso e valida in qualche modo tutto il lavoro che stiamo portando avanti.

Da un punto di vista progettuale il problema è a mio avviso creativo prima che tecnico. Per fare un esempio pratico, l'interscambio dei dati è uno standard, quindi relativamente semplice da implementare, mentre decidere in che modo questo nuovo flusso di dati si integra con l'ecosistema esistente è un altro paio di maniche. La sfida è proporre qualcosa di non banale, che sia ragionevole per il partner e di valore per l'utilizzatore finale. Bisogna trovare il giusto equilibrio e non è così facile come aggiungere un logo ad una griglia. Non crediamo molto negli "scambi di visibilità", le collaborazioni che funzionano davvero sono quelle dove entrambe le parti comunicano tra loro, promuovono i rispettivi punti di forza e trovano la giusta quadra. Il rapporto umano cambia completamente il modo di approcciare le fasi tecniche successive, e fa la differenza.

Sempre nel 2025 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750598/musica-dal-vivo-matchfy-lancia-wantedlive">Matchfy ha lanciato Wanted.live</a>, piattaforma che si è posta l’ambizioso proposito di “cambiare radicalmente il modo di organizzare concerti”: quanto è importante, in fase di elaborazione del progetto, la prospettiva del CTO? In queste fasi, quando avviene l’incontro tra la visione e il codice?

Wanted.live è un progetto satellite dedicato agli eventi dal vivo, si inserisce perfettamente all'interno del "coltellino svizzero" di Matchfy fatto di tool per artisti e label indipendenti. La prospettiva del CTO penso che faccia la differenza tra un prodotto che riesce e uno che fallisce. Nel nostro caso il software coincide col prodotto, quindi se non è di qualità elevata partiamo da una condizione di enorme svantaggio.

Il digitale si è imposto praticamente in ogni aspetto della nostra vita, tuttavia le persone tendono a dare più valore a qualcosa che possono toccare con mano. Tra un account Matchfy ed una scheda audio un artista dirà probabilmente che tiene di più a quest'ultima, perché è un oggetto fisico nel suo mondo. Il software maggiormente riuscito di fatto è invisibile, lo usiamo senza pensarci. Quando invece litighiamo con l'app della banca — per fare un esempio abbastanza realistico — allora diventa d'intralcio ed è sintomo che qualcosa non va. Il nostro focus in ogni progetto parte dall'esperienza utente e dall'interfaccia grafica. All'interno del team sono abbastanza noto per essere "preciso", o "fastidioso", o altri termini più coloriti che possiamo immaginarci... L'attenzione al dettaglio è importante e francamente ci eleva da tutta una serie di cloni che esistono sul mercato. La persona non-tecnica non noterà mai quella differenza di allineamento di 4 pixel, o la fluidità di un’animazione, eppure a livello più o meno inconscio percepisce la qualità complessiva di ciò che ha davanti.

Per rispondere alla tua domanda, il codice (quando funziona) coincide con la visione, non lascia spazio a fraintendimenti. "Fammi vedere il codice e ti dirò chi sei", è una frase che ripeto ai miei collaboratori. Il codice è uno specchio della mente dell'individuo, si intuisce il modo di ragionare e la sensibilità di chi lo produce. Non è un caso che l'AI si stia diffondendo tramite gli LLM (Large Language Models). Parlando di AI credo che il codice tra qualche anno diventerà una commodity — il cosiddetto "vibe coding", che consente tramite AI anche a figure non tecniche di creare il proprio sito o la propria app — a quel punto il vero valore aggiunto si sposterà sempre di più sulla capacità di identificare le necessità del mercato e creare i prodotti che le soddisfano.

“Stiamo dimostrando che modelli basati su trasparenza, dati e community funzionano davvero nel mondo musicale", ha dichiarato il fondatore e CEO di Matchfy Paolo Mantini, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754685/matchfy-chiuso-un-secondo-round-di-finanziamento">annunciando la chiusura del secondo round di finanziamento</a>: quali sono, da un punto di vista tecnico, le peculiarità dei modelli basati su questi tre pilastri? E perché, secondo te, funzionano? 

Uno dei punti di forza di Matchfy dall'inizio è stato quello di approcciarsi alla promozione musicale costruendo una community, condividendo i dati sulle playlist e sui contatti dei curatori, a differenza dei nostri competitor che si avvalgono di sistemi più chiusi. Nel momento in cui tanti artisti utilizzano ogni giorno Matchfy e creano milioni di interazioni mensili, senti la responsabilità di dover dar loro il miglior servizio possibile. Ciò che penso sia determinante è proprio lo stretto contatto con la community. Ad esempio alcune delle feature che sviluppiamo partono proprio dalle richieste di supporto dei nostri utenti: i feedback ci offrono continui spunti per ottimizzare l'esperienza utente. Da una lamentela, se gestita correttamente, può arrivare un’idea che migliora il servizio per tutti.

I dati sono senz'altro fondamentali, non avremmo Matchfy senza le playlist ed i brani degli utenti, tuttavia anche qui il nostro approccio è anticonformista: non facciamo una distinzione tra artisti e curatori, li mettiamo in contatto come se fossero sullo stesso piano. Diversi artisti entrano per promuoversi ma si scoprono curatori, perché tutti hanno in comune la passione per la musica che li unisce. Alcune delle playlist più interessanti provengono proprio dagli artisti. Per noi non ha mai avuto molto senso forzare una delle due modalità. Con la nuova funzionalità Pro, attualmente online in fase beta, ogni utente sarà ad un click di distanza dai migliori professionisti del settore in diversi ambiti: dal legal ai produttori, al press. Il valore non sta solo quindi nel volume dei dati, ma nella qualità dei singoli utenti.

La recente chiusura del secondo round di finanziamento di Matchfy è stata descritta come “un passo del cammino”: in che direzione, da un punto di vista progettuale, sta andando il lavoro che stai conducendo con il tuo team? Cosa vi ha guidato nello stabilire l’impiego delle nuove risorse raccolte?

Il team degli sviluppatori si muove parallelamente su tre aree: ottimizzazione della codebase esistente, nuove features e ricerca / sviluppo. La prima è necessaria a dare stabilità al software, i bug sono all'ordine del giorno ed effettuiamo continui rilasci settimanali per migliorare il sistema. Le nuove features emergono da confronti interni del team e dal contatto con la community. A volte si tratta di rifinire i processi esistenti, altre di qualcosa di completamente nuovo.

La terza da un punto di vista professionale è ciò che vorrei fare a tempo pieno, ma come è lecito aspettarsi bisogna dare priorità alle prime due. Penso che con le risorse impiegate finora siamo riusciti ad ottenere risultati importanti. Chi ha modo di conoscerci resta spesso sorpreso dalla dimensione del team, decisamente ridotta rispetto alla media dei nostri competitor. Le nuove risorse servono proprio ad avere più spazio per sperimentare, anche concedendoci qualche errore: apre nuove porte su ognuna delle tre aree sopracitate.

Da qui a un anno, quali saranno le tue priorità? Come crescerà Matchfy a breve - medio termine?

Le nostre priorità principali nei prossimi mesi saranno tre: espandere il Push Pro al mercato estero, un’app mobile dedicata per Android / iOS ed una terza della quale non posso rivelare maggiori dettagli, se non che sarà qualcosa di incentrato su AI.

Quali sono le sfide che pongono a un CTO le esigenze degli artisti e delle etichette che si rivolgono a Matchfy? Come si stanno evolvendo, dal tuo punto di vista, le esigenze da parte del pubblico? Dal tuo punto di vista, qual è il prossimo livello nell’evoluzione tecnologica dei servizi che offrite?

Le sfide sono innumerevoli ma possiamo ridurle a due aree principali: scalabilità e innovazione. Da una parte vorremmo introdurre novità ogni mese, dall'altra bisogna garantire che il sistema funzioni anche con carichi importanti di utenti. Ogni modifica richiede opportuni test e procedure prima della messa online, quindi dilata i cicli di rilascio in maniera considerevole. Quando si hanno migliaia di utenti attivi ovviamente la posta in gioco si fa più alta.

Da un punto di vista tecnico la scalabilità rappresenta una sfida cruciale: l'architettura software impatta non solo sull'utente finale ma sui margini operativi. Pur essendo una startup, già dal primo anno abbiamo praticamente raggiunto breakeven, un risultato che è stato possibile gestendo attentamente le risorse ed investendone una buona parte sulla tecnologia. Ad esempio, realizzare un clone di Instagram (o di Matchfy, dato che iniziamo a vederne) è alla portata di molti sviluppatori. La complessità sta nel garantire le medesime performance quando si passa dalle centinaia, alle migliaia a milioni di utenti attivi contemporaneamente. Quando clicchiamo un pulsante su un'app, ciò che accade dietro le quinte è tutt'altro che banale.

Adesso si parla di "bolla AI" — e da un punto di vista puramente economico è probabile che lo sia — tuttavia sono convinto che questa tecnologia sia qui per restare e rivoluzionerà completamente ogni settore produttivo. Lo sta già facendo solo che in pochi se ne stanno rendendo conto. In Europa ed ancor più in Italia purtroppo siamo perennemente in ritardo, è sufficiente osservare il livello del dibattito interno, oltre che degli investimenti su intelligenza artificiale. A dispetto delle condizioni di partenza sono ottimista sul futuro e sulle potenzialità di Matchfy, progetto che nasce già globale e che stiamo espandendo oltre il mercato italiano. Da un punto di vista delle competenze sono certo che non abbiamo nulla da invidiare ai nostri colleghi oltreoceano. Le qualità nel vecchio continente ci sono, bisogna "solo" pensare più in grande e rimboccarsi le maniche.

Nel backstage di Matchfy

A colloquio con l''architetto informatico' della piattaforma, il CTO Sebastiano Gaggiano

Nell'ottobre del 2026 Grammy House (una sorta di music conference di più giorni con performance dal vivo, scambi culturali e seminari) sbarcherà alle piramidi di Giza, a migliaia di chilometri dalla sede della Recording Academy a Los Angeles. L'iniziativa è al momento una sorta di unicum, perché si tratta del primo tentativo di espansione internazionale degli eventi dell'organizzazione: finora si erano tenuti solo negli Stati Uniti, e la stessa Grammy House aveva avuto luogo precedentemente a New York e Los Angeles.

"E' emozionante esportare a livello globale l'esperienza di Grammy House, e in uno dei luoghi più iconici del pianeta" ha dichiarato Harvey Mason Jr., CEO della Recording Academy. "Grammy House Giza rappresenta la nostra intenzione di fare da megafono alla comunità musicale di tutto il mondo, creando occasioni di incontro significative per tutti". L'iniziativa è da leggersi anche nell'ottica delle nuove mission della Recording Academy, annunciate nel 2024, che si prefiggono tra le altre cose di esportare in Africa e in Medio Oriente l'organizzazione, dove (a differenza di altre aree geografiche&nbsp;come estremo oriente,&nbsp;Europa e Oceania) è tradizionalmente meno presente.

Recording Academy, una music conference alle piramidi di Giza

Per la prima volta l'ente organizzatore dei Grammy indice un evento al di fuori degli Stati Uniti

Aste Bolaffi ha annunciato la propria prima asta dedicata ai memorabilia musicali: il prossimo mercoledì, 30 ottobre, presso la Sala Bolaffi di Torino, via Cavour 17, e - contemporaneamente - sul sito ufficiale dell’azienda, www.astebolaffi.it, sarà messo all’incanto un catalogo di 263 lotti che include oggetti legati a figure di spicco del panorama discografico italiano e internazionale.

Oltre a serigrafie firmate da Storm Thorgerson dedicate ai Pink Floyd (“Liquid Dark Side of The Moon” - lotti 58 e 66, basi d’asta 2.500 euro ciascuno) saranno battuti anche la demo originale di “Hey ragazzo” di Lucio Battisti (lotto 199, base 4 mila euro, accompagnato da spartiti e testi autografi), la matrice originale di “Tintarella di Luna” di Mina, datata 1959 (lotto 228, base 200 euro), una giacca autografata dai membri dei Ramones (lotto 153, base 2.500 euro), e una selezione di CD autografati dai Nirvana (lotti 241 e 240, basi d’asta 2 mila e 1.200 euro) e dai Queen (lotto 231, base 150 euro).

“Con la prima asta di Memorabilia musicali, Aste Bolaffi amplia ulteriormente il proprio orizzonte nel collezionismo, accendendo i riflettori su un nuovo dipartimento, già ampiamente seguito all’estero, ma che in Italia è ancora agli albori”, ha commentato, in una nota, l’azienda: “Un patrimonio emotivo e culturale che vive tra le righe dei testi, le grafiche di copertina e i suoni di un’epoca, che dalle piazze amatoriali, i mercatini o al massimo le fiere di settore, oggi grazie all’asta si propone a una platea più ampia, e di respiro mondiale”.

Aste Bolaffi al debutto nel mondo della musica

Il 30 ottobre all’incanto cimeli di Pink Floyd, Ramones, Battisti e Mina

La Lovegang, celebre crew romana che include artisti ben noti nel panorama mainstream e underground (tra cui Franco126), avrà una sua capsule collection in vendita negli store italiani di Uniqlo. Il brand giapponese esporrà nei propri store italiani le&nbsp;t-shirt e le tote bag targate Lovegang x Uniqlo con quattro illustrazioni originali, create da artisti e illustratori romani e curate da Stupido Studio.&nbsp;

La collezione verrà presentata in anteprima nel negozio romano di via del Corso 197, dove sarà in vendita dalle 16.00 di venerdì 24 ottobre. Ad accompagnare la campagna anche&nbsp;una serie di mini-documentari dal titolo “Le Colonne di Roma”,&nbsp;un viaggio nella città, tra artigiani, bottegai e mestieri della tradizione.

Lovegang, una collaborazione con Uniqlo

La crew di Franco126 ha realizzato una capsule collection per il brand giapponese

Il direct-to-consumer (abbreviato in D2C) è un modo di commercializzare i propri prodotti vecchio come il mondo: sostanzialmente corrisponde alla vendita diretta all'utente finale, senza bisogno di intermediari. In ambito musicale si traduce in una serie di interessanti possibilità sempre più sfruttate dagli artisti indipendenti, ma anche da quelli più affermati e popolari.

Sempre più aziende, inoltre, si specializzano proprio in questa modalità di proposta strategica applicata alla musica, in particolare l'americana EVEN. "Oggi come oggi, la relazione con i fan è al centro del modello di business di ogni artista" ha spiegato il CEO Mag Rodriguez in una recente intervista alla Recording Academy. "Il potenziale del D2C è enorme e inesplorato, se si pensa che 5 miliardi e mezzo di persone sono connesse a internet, ma solo 700 milioni di loro sono abbonate a un servizio di streaming. L'obbiettivo è creare una sorta di economia parallela in cui i fan investono negli artisti in cui credono".

Le proiezioni, in effetti, sono molto interessanti: un artista (il cui nome non viene specificato) che&nbsp;guadagnava una media di 10.000 dollari dallo streaming della sua musica, ad esempio, di recente è arrivato a guadagnare 100.000 dollari in un mese semplicemente mettendo in vendita tramite EVEN&nbsp;la versione fisica di 14 album della sua discografia. "In generale il 43% dei fan paga volontariamente più del prezzo minimo, ovvero 7.99 dollari, che è la soglia che rende i prodotti conteggiabili anche per le classifiche Billboard: la prossimità agli artisti ha un valore" ha spiegato Rodriguez. "Inoltre nel D2C&nbsp;il pagamento è immediato e tracciato, il che aiuta gli artisti a capire immediatamente chi sono i propri superfan".

Direct-to-consumer: la nuova frontiera del mercato discografico?

Sempre più società, come l'americana EVEN, si specializzano proprio in questo

YouTube ha versato oltre 8 miliardi di dollari all’industria musicale&nbsp;nei 12 mesi trascorsi tra luglio 2024 e giugno 2025: lo ha dichiarato ieri Lyor Cohen, global head of music di YouTube, parlando pubblicamente alla Billboard Latin Music Week.

Cohen ha anche precisato che l'importo ricevuto dall’industria musicale da parte di YouTube (riferito a etichette discografiche, editori musicali e società di gestione dei diritti) è raddoppiato in poco più di tre anni, poiché erano stati&nbsp;6 i miliardi di dollari&nbsp;retrocessi nel periodo di 12 mesi conclusosi a giugno 2022 - una somma a sua volta del 50% superiore rispetto a quella dell’analogo periodo precedente ($ 4 miliardi).

Le royalty provengono sia dagli abbonati paganti che dall’utilizzo degli utenti del servizio gratuito supportato dalla pubblicità, i cui video musicali vengono visti da 2 miliardi di utenti ogni mese.

YouTube - che non rende pubblici i numeri dei soli abbonati a YouTube Music, pur avendo annunciato a marzo di aver superato i 125 milioni di abbonati globali complessivi&nbsp;a YouTube Music&nbsp;e YouTube Premium (la versione senza pubblicità del servizio video) - è in forte ascesa anche in salotto, occupando il primo posto nelle classifiche Nielsen (dati aggiornati a fine agosto)&nbsp;per quota di visione televisiva tra gli americani: il&nbsp;13,1%, davanti a Disney (9,7%) e&nbsp;Netflix (8,7%).

Lyor Cohen: 8 mld di dollari da YouTube all’industria in 12 mesi

 Il capo della piattaforma di Alphabet lo ha dichiarato durante la Billboard Latin Music Week

Sarà BMG a pubblicare il nuovo album di inediti in studio di Lily Allen, “West End Girl”, che debutterà sui mercati domani, venerdì 24 ottobre: il disco, ideale successore di “No Shame” del 2018, contiene 14 nuovi brani, scritti e registrati in un periodo di 10 giorni a Los Angeles a partire da dicembre 2024, e successivamente completati a Londra e New York.

"Sono nervosa. Il disco è vulnerabile in un modo che forse la mia musica non è mai stata prima, certamente non nel corso di un intero album”, ha dichiarato al riguardo l’artista, che da tempo ha trasferito la sua residenza a New York: “Ho cercato di documentare la mia vita in una nuova città e gli eventi che mi hanno portato dove sono ora. Allo stesso tempo, ho usato esperienze condivise come base per canzoni che cercano di approfondire il motivo per cui noi umani ci comportiamo in un certo modo, quindi il disco è un mix di realtà e finzione che spero serva a ricordare quanto possiamo essere stoici ma anche fragili. In questo senso, penso che sia un album sulla complessità delle relazioni e su come tutti le gestiamo".

Prima di “West End Girl” Allen, nel corso della sua carriera, ha pubblicato quattro album - “Alright, Still” del 2006, “It's Not Me, It's You” del 2009, “Sheezus” del 2014 e “No Shame” del 2018, tutti dati alle stampe da Parlophone, etichetta fino al 2012 controllata da EMI successivamente acquisita da Warner Music Group.

BMG, Lily Allen entra nel roster

Per la pubblicazione del nuovo album ‘West End Girl’, in uscita questo venerdì

Laureatasi in Giurisprudenza all’Università Statale di Milano (con tesi su “La tutela dell’investitore nei mercati over the counter”) e titolare di master in finanza presso l’Università Bocconi, Lucia Maggi è dal 2020 CEO di 42 Law Firm, studio legale che operando in team multidisciplinari coniuga diritto a tecnologia a favore di startup e imprese innovative. E, ovviamente, di artisti, etichette e degli altri player nella filiera dell’industria musicale. Perché la carriera di Maggi, fin dalle primissime battute, è stata indirizzata più dall’arte che dai codici normativi. “Dopo la laurea ho lavorato in una studio che si occupava di musica e di diritto d’autore”, racconta nel quartier generale della società che dirige, a Milano: “Ed era curioso, perché io - all’epoca - stavo studiando al serale della scuola Teatri Possibili, dove nel 2003 ho preso il diploma di attrice. La mia vita, quindi, è sempre stata abitata da performer, attori, cantanti e musicisti. Tanto da farmi pensare che, probabilmente, avrei dovuto mettere insieme i due fronti sui quali si divideva la mia vita, quello artistico e quello legale”. A dare la spinta decisiva a compiere il passo è stato un amico della legale, che - all’epoca - insieme alla sua band si era fatto conoscere grazie a un hit accompagnata da un video girato in un unico piano sequenza in soggettiva, sui Navigli, a Milano. “Francesco Sarcina, il frontman dei Le Vibrazioni: è stato il primo a credere in me”, racconta Maggi: “Ho iniziato ad assisterlo, e da lì è nato il passaparola”. Oggi 42 Law Firm cura gli interessi legali di star del pop italiano, collaborando a 360° con agenzie di management, etichette e società di edizioni.

Industria musicale e diritto: come è cambiato il lavoro dell’avvocato

“Rispetto a quando ho iniziato, 22 anni fa, è cambiato moltissimo”, osserva Maggi: “Il diritto insegue sempre la tecnologia, e in questi anni i cambiamenti sono stati estremamente veloci e profondi. Per il settore del quale mi occupo la misura della rapidità dell’evoluzione la danno le grandi ‘rivoluzioni’ che hanno interessato l’editoria musicale: tra la prima - l’invenzione dei caratteri mobili di Gutenberg, nel 1455 - la seconda - l’introduzione del cilindro fonografico di Thomas Edison, nel 1877 - sono passati più di 400 anni. Solo negli ultimi cinquant’anni siamo passati dal vinile alla musica ‘smaterializzata’: è normale, con una crescita tecnologica esponenziale, che il legislatore abbia un passo un po’ più lento…”.

AI, obviously…

A proposito di evoluzione tecnologica, per Maggi “con l’AI generativa abbiamo fatto un autentico salto quantico”. “Il problema, al riguardo, non è dell’intelligenza artificiale in senso stretto, ma umano”, chiarisce: “Ci sono persone così spaventate da questa tecnologia che si rifiutano di usarla: non aderire a una rivoluzione del genere significa rimanere tagliati fuori e voltare le spalle alla competitività. Dall’altra parte, ci sono persone senza dubbio troppo fiduciose rispetto all’AI. Come sempre, è indispensabile essere equilibrati: per quello che è lo stato attuale, la presenza dell’essere umano è ancora fondamentale nell’attività dell’intelligenza artificiale. Capisco quanti - sia nel mio settore che in altri campi - temono di perdere il lavoro: tra le peculiarità dirompenti di questa rivoluzione tecnologica c’è quella di aver colpito, per la prima volta nella storia, i colletti bianchi”. La lezione impartita alla discografia dalla svolta digitale del mercato musicale a cavallo tra Novecento e anni Duemila, per Maggi, dovrebbe portare la filiera creativa “a ottenere un riconoscimento economico” dallo sfruttamente dello opere in chiave AI, senza rifiutarla a proprio, “perché la tecnologia, come abbiamo imparato vent’anni fa, non la si può fermare. Quando abbiamo provato a farlo, con Napster, siamo stati costretti a rendere la musica quasi gratis per tutti per combattere la pirateria”. “Non è stato granché piacevole - conclude - perché questo passaggio ha aperto le porte a un periodo di value gap decisamente significativo. Quindi tanto vale affrontare l’avvento dell’AI pensando a nuove opportunità, come - per esempio - la nascita di un nuovo tipo di diritti connessi”.

La filiera musicale (dalla prospettiva del legale)

“E’, più o meno, come quando invece di rivolgersi a un dottore si chiede una consulenza medica a ChatGPT: l’AI sta facendo credere a molti - anzi, a troppi - di essere in grado di fare qualcosa che in realtà non si è in grado di fare”, spiega Maggi: “Spesso mi vengono sottoposti per visione dei contratti visibilmente compilati da modelli generativi. Il problema è che quando accordi di questo tipo vengono offerti ad artisti poco esperti, non affiancati da collaboratori con competenze specifiche in ambito legale, il rischio di stroncare carriere sul nascere è altissimo”. Per esempio, prosegue, “mi è capitato di bloccare accordi che prevedevano la cessione in blocco delle edizioni da parte del contraente”. Contraente che, precisa ovviamente Maggi, “non aveva la minima idea né di cosa fossero le edizioni, né di cosa fosse una cessione”. “Paradossalmente, in questi casi, agli occhi degli artisti, facciamo la figura dei guastafeste, di quelli che trovano il cavillo per fare saltare una firma inseguita per anni e vista come un traguardo”, riflette la legale: “Però, davvero, non lo dico pro domo mea: avere collaboratori competenti, quando si firma un contratto, è fondamentale. Perché magari si diventa famosi con qualche anno di ritardo, ma - quando succede - oltre alla fama arrivano anche i soldi”.

La centralità dei manager

Controparte per eccellenza per un legale impegnato nel settore musicale è il manager, ovvero l’anello della filiera più vicino all’artista, perno intorno al quale ruota l’intero comparto. “Il bravo manager dovrebbe avere una visione d'insieme, pazienza, ed essere mosso dal desiderio di far crescere veramente l'artista, non di applicare una politica di mordi e fuggiti volta al raggiungimento di un successo rapido ma effimero”, osserva Maggi: “Bisogna però ammettere che, ormai, il mercato discografico abbia preso questa piega: i talent, per esempio, sfornano a getto continuo artisti che - il più delle volte - restano sulla cresta dell’onda per un anno per poi svanire nel nulla”. Qual è, nello specifico, il tipo di contratto che regola il rapporto tra un artista e un manager? “E’ il contratto di mandato, ma per la verità non esiste un modello formale di contratto di management”, spiega Maggi: “Perché il rapporto tra artista e manager è il più intimo che ci sia, tra quelli previsti dall’intera filiera. Si possono immaginare penali stratosferiche, ma non esistono misure in grado di vincolare un artista a un manager, perché stiamo parlando di un legame molto simile a quello del matrimonio: quando viene meno il rapporto fiduciario, non c’è contratto che tenga. Quindi si finisce per litigare, e - posso garantirvelo - questo è il tipo di controversia della quale mi capita di occuparmi più spesso, dal punto di vista professionale”. “Ci sta che un manager cerchi di tutelarsi per paura di essere ‘tradito’ dal proprio cliente”, aggiunge Maggi: “Il modo migliore per evitare che accada è rendere un servizio talmente eccellente da convincere il proprio assistito che non interrompere il rapporto sia la scelta migliore. E poi bisogna capirli, i manager: gli artisti, dopotutto, in quanto artisti sono imprevedibili, e i colpi di testa sono un’eventualità da prendere sempre in considerazione”.

Social o media?

“In Europa non è necessario che le piattaforme social si assumano le stesse responsabilità, in termini di distribuzione di contenuti, che si assumono i media tradizionali”, osserva Maggi: “In ogni caso, vige l’obbligo, da parte loro, di sottostare alle norme stabilite dal Digital Service Act. E’ vero che - circa due mesi fa - il presidente americano Donald Trump ha invitato le piattaforme americane a non rispettarle, ma il legislatore comunitario, in questo caso, ha applicato tutte le cautele del caso”. “Inutile negare, tuttavia, che ormai le piattaforme social siano i nuovi media”, prosegue Maggi: “A certificarlo è la decrescita nella diffusione di periodici e quotidiani. E’ un dato incontestabile quanto inquietante: è orwelliano pensare che le nostre opportunità di conoscenza e informazione siano governate da algoritmi, che ci propongono - o ci oscurano - i contenuti a seconda di quella che è la percezione delle nostre preferenze. Tuttavia, non penso che la responsabilità di tutto questo debba ricadere esclusivamente sulle piattaforme”.

Gli NFT, oltre l’hype

Ricordate l’”acquisto” del NFT del primo tweet di Jack Dorsey per quasi 3 milioni di dollari? Correva l’anno 2021, e ad aggiudicarselo - nel corso di un’asta benefica, fu Sina Estavi, imprenditore nel settore delle criptovalute. Che, un anno dopo, cercò di rivenderlo, ricevendo offerte per un massimo di 6800 dollari. “Sicuramente sui token non fungibili c’è stata una grossa bolla speculativa”, ammette Maggi: “Noi, come studio che si occupa di nuove tecnologie, siamo usciti per primi con una guida su NFT e arte, ricevendo tantissime richieste. E seguendo moltissimi progetti, tra quelli andati a buon fine e quelli abortiti. All'epoca, tuttavia, non c'era una regolamentazione a normare il settore: oggi, con leggi precise anche dal punto di vista fiscale e nonostante la fiammata di hype ormai spentasi, credo che quella dei non-fungible token resti una tecnologia molto valida, non tanto per quanto riguarda le interazioni artistiche, ma più come strumento. Concettualmente, per esempio, mi piacerebbe moltissimo che ci potesse essere un funzionamento del pagamento dei diritti tramite blockchain: sicuramente il sistema decentralizzato, come concetto, è molto affascinante. Detto ciò, credo che da un punto di vista pratico sia irrealizzabile, perché - in primis - su blockchain circolano criptovalute, mentre le rendite che derivano dallo sfruttamento dei diritti musicali sono in valuta reale. Resto tuttavia fiduciosa: credo che la blockchain possa avere delle applicazioni effettive in questo ambito, per esempio nella raccolta di determinate rendite tramite le società di collecting. In questo frangente potrebbe avere senso utilizzare questo tipo di tecnologia, ma alla fonte bisognerebbe esigere i pagamenti direttamente sfruttando questa stessa tecnologia. E’ una possibilità, ma oggi - probabilmente - è ancora troppo presto”.

Il futuro non è scritto, ma chi (e come) dovrà scriverlo?

Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754767/spotify-insieme-a-major-e-indie-per-prodotti-basati-sull-ai">recente accordo</a> tra Spotify, major e indipendenti in merito allo sviluppo di strumenti di intelligenza artificiale generativa “etici” e con “al centro la creatività umana” potrebbe lasciare supporre che - in termini di regolamentazione - le aziende, quando vogliono, sappiano essere molto più veloci ed efficienti dei legislatori. Ma “lasciare in mano alle aziende la scelta di scrivere le regole per tutti sarebbe estremamente pericoloso”, spiega Maggi, perché le aziende stesse potrebbero formalizzare gli accordi presso paesi “più vicini alla tutela e alla protezione dello sviluppo tecnologico e degli asset aziendali rispetto alla tutela degli autori”. “In assenza di un diritto mondiale, il mio auspicio - e quello di tanti altri miei colleghi - è che vengano stipulate convenzioni a livello internazionale in grado di armonizzare le norme adottate dai singoli paesi o dalle confederazioni di stati. I giuristi dovrebbero dare le linee guida: l’ideale, poi, sarebbe che i singoli paesi le applicassero dando forma a trattati internazionali. Per essere pratici, si potrebbe iniziare a ragionare per blocchi, come quando - in politica - l’obiettivo è quello di fare passare una mozione. A partire, per esempio, da un blocco occidentale, guidato da UE, UK e USA. Anche perché, in parte, il blocco orientale ha già espresso la sua visione al proposito, e molte aziende tecnologiche stanno spostando i propri quartier generali lì, proprio in virtù di norme meno stringenti sui diritti di proprietà intellettuale”.

Essere avvocato nell'industria musicale ai tempi dell'AI

L'eterno 'inseguimento' tra legge e tecnologia raccontato da Lucia Maggi, CEO di 42 Law Firm

Si terrà domani 23 ottobre a Roma, presso l’Hotel W Rome, un evento speciale di networking organizzato da Sony Music Publishing Italia con la collaborazione di Woodworm: la serata, che coinvolgerà “i responsabili delle principali società di produzione italiane dell’audiovisivo, registi, sceneggiatori, music supervisor” e gli autori del roster della società, si concluderà con uno showcase dei Fast Animals And Slow Kids e una performance di Dario Mangiaracina (partner creativo di Veronica Lucchesi nel progetto La Rappresentante di Lista), per l’occasione in veste di DJ.

“Sono molto felice di questo evento che unirà il mondo della musica con quello del cinema e dell’audiovisivo in generale”, ha dichiarato Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italia: “Mi piace pensare che l’unione di tutti i ‘mestieri del cinema’, in una location meravigliosa come il W Rome, possa creare sinergie nuove e idee creative per futuri progetti audiovisivi. Mi auguro che questo possa essere il primo di una serie di eventi di questo tipo”.

“Abbiamo pensato di organizzare questo evento per introdurre i nostri talentuosi autori al mondo audiovisivo e per coinvolgere i nostri partner del settore, creando sinergie tra loro e con gli autori stessi”, ha aggiunto Margherita Gnech, dallo scorso giugno Managing Director di Sony Music Publishing Italia: “Sarà una splendida occasione per parlare di musica e di cinema e confrontarci su nuovi progetti e opportunità di collaborazione. Sony Publishing è da sempre una presenza radicata a Roma e il nostro obiettivo è continuare a essere un punto di riferimento e di supporto costante per le produzioni, creando al contempo sempre più occasioni di incontro e crescita per gli autori del nostro roster”.

Negli ultimi tre anni, a seguito della riorganizzazione del reparto, il team del Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italia “è attivamente impegnato nella consulenza musicale, nella produzione di colonne sonore ed è diventato un punto di riferimento per numerose produzioni audiovisive italiane nella gestione della musica all’interno dei loro progetti”, ha fatto sapere l’azienda in una nota: “Il team, guidato da Valentina Iacoacci, è composto da Federico Diliberto Paulsen e Lorena Anastasio. Presso la sede di Roma è inoltre presente Extreme Music, la divisione di Production Music di Sony Music Publishing, diretta da Angela Papa”.

Sony Music Publishing Italia, domani un evento a Roma

Con uno showcase dei FASK e un dj set di Dario Mangiaracina (LRDL)

E’ Cesare Cremonini il primo grande ospite annunciato per l’edizione 2025 della Milano Music Week, rassegna diffusa dedicata all’industria musicale promossa dal Comune di Milano - Assessorato alla Cultura e da&nbsp;AssoConcerti, Assomusica, FIMI, NUOVO IMAIE e SIAE.

Il cantautore presenterà in anteprima “Cremonini Live25”, album live in uscita venerdì 21 novembre sulle piattaforme digitali e in formato fisico, registrato durante il tour negli stadi tenuto dall’ex leader dei Lunapop la scorsa estate: il talk si terrà giovedì 20 novembre alle ore 15.30 al Piccolo Teatro Grassi di Milano (Via Rovello, 2). L’ingresso gratuito con prenotazione tramite piattaforma DICE (dalle ore 15.00 di oggi, mercoledì 22 ottobre).

Per celebrare l’uscita dell’album aprirà uno speciale pop-up store dedicato a Cremonini presso 10 Corso Como dal 18 al 22 novembre (aperto dalle ore 10.30 alle ore 19.30): lo spazio - che esporrà “alcuni memorabilia appartenenti ai momenti più importanti” della carriera dell’artista - avrà disponibili sui suoi scaffali il nuovo album live, la discografia completa e il merchandise esclusivo firmato VR46 Racing Apparel. Infine, nella giornata del 21 novembre il cantautore sarà presente all’interno dello store per incontrare il suo pubblico. Potrà partecipare chi avrà pre-ordinato il disco solo sullo shop di Universal Music Italia o direttamente al pop-up store nella settimana di apertura (accesso fino ad esaurimento posti).

Milano Music Week 2025, Cesare Cremonini tra gli ospiti

L’artista presenterà il nuovo album ‘Cremonini Live25’

Non accenna a diminuire l’interesse di Spotify nei confronti della musica dal vivo: la piattaforma di streaming musicale svedere ha lanciato un nuovo tool che permette agli utenti free e premium di seguire le attività dei club live. Lo strumento - ha specificato l’azienda in una nota - permette di “scoprire nuovi locali nelle vicinanze ed esplorare i programmi futuri, il tutto senza uscire dall'app”.

Il nuovo feed, prosegue la nota di Spotify, “si aggiorna quotidianamente, mostrando i concerti più rilevanti nella zona di ogni ascoltatore, dai concerti più intimi del fine settimana ai tour globali appena annunciati”, elaborando una sintesi di “ciò che gli ascoltatori stanno ascoltando in streaming, dove vivono e i generi che amano, il tutto in un'unica destinazione personalizzata”. “Quando un ascoltatore segue un locale, questo viene salvato nella sua Library diventando facile da trovare, insieme a suggerimenti personalizzati per altri locali che potrebbero interessargli”.

Il nuovo tool integra una soluzione di ticketing, che permette di “contattare in app il partner per la biglietteria dell’evento e completare l’acquisto”.

Al momento, spiega Spotify, le venue incluse nel servizio a livello globale sono oltre 20mila.

Spotify, ancora novità sul versante live

Un nuovo tool permette ai fan di seguire le attività dei club di musica dal vivo

Warner Music ha annunciato una partnership con Merwas, azienda specializzata nella tecnologia multimediale digitale e nella creazione e produzione di contenuti con sede a Riyadh, capitale dell’Arabia Saudita, per la fondazione di una nuova etichetta discografica.

“Il Medio Oriente è una fucina di talenti, con una profonda cultura musicale e una vivace varietà di artisti”, ha fatto sapere la major in una nota: “Warner Music e Merwas collaboreranno per mettere sotto contratto, sviluppare e promuovere sia artisti affermati, sia realtà emergenti, sfruttando le loro reti e competenze per aiutarli a valorizzare il loro talento nella regione del Medio Oriente e del Nord Africa e in tutto il mondo”.

Più nel dettaglio, “Merwas offre agli artisti l'accesso a competenze di alto livello, servizi di livello mondiale e strutture all'avanguardia, promuovendo l'innovazione, la collaborazione e la produzione di contenuti multimediali”: l’azienda saudita “nel 2022, ha inaugurato il più grande studio di registrazione al mondo, rapidamente soprannominato ‘la fabbrica dell'intrattenimento’, nato per supportare la comunità creativa in tutte le sue forme e per costruire un ecosistema per tutti gli artisti locali”.

"Il Medio Oriente e il Nord Africa rappresentano una delle regioni in più rapida crescita per l'industria musicale e questo accordo espande la nostra presenza in questo settore”, ha dichiarato General Manager di Warner Music MENA: “Le incredibili strutture di nuova generazione offerte da Merwas, unite all'esperienza di Warner Music nello sviluppo artistico e alla sua portata globale, offrono agli artisti di tutta la regione una piattaforma senza pari".

"La regione di Medio Oriente e Nord Africa è stata un gigante dormiente nell'industria musicale globale, ma con quasi mezzo miliardo di persone che parlano arabo e un numero crescente di iscritti ai servizi di musica digitale, ci stiamo risvegliando rapidamente”, ha aggiunto Rumayyan Alrumayan, Managing Director di Merwas: “Siamo entusiasti di questa partnership e di poter dare una spinta alle carriere di alcuni degli artisti più interessanti della nostra regione, offrendo loro la possibilità di raggiungere il mondo".

Warner Music, una nuova label in collaborazione con Merwas

Per ‘sviluppare e promuovere artisti affermati ed emergenti’ del Medio Oriente

E’ uscito oggi, mercoledì 22 ottobre, il libro “Voci libere – Storia della canzone d’autore italiana”: firmato da Emanuele Felice e Luigi Cuna, con le illustrazioni di Alessandro Ventrella (Edizioni Curci), il volume è presentato come “un affascinante viaggio tra parole, musica e immagini, pensato per trasmettere alle nuove generazioni un patrimonio culturale che continua a parlare anche al presente”.

L’opera sarà presentata sabato 25 ottobre 2025 alle ore 15 nell’ambito del Premio Tenco 2025 presso il Club Tenco di Sanremo, con la partecipazione degli autori. Sarà presente anche Sergio Sacchi, direttore artistico del Premio Tenco. La pubblicazione è arricchita dai suggerimenti d’ascolto e presenta una playlist online su Spotify, accessibile tramite codice QR.

“‘Voci libere’ racconta le canzoni che hanno rappresentato la colonna sonora della nostra vita”, si legge nell'introduzione del libro: “Le canzoni che associamo al ricordo di una serata, di una gita, di un evento importante o magari di una delle tante persone che hanno attraversato il nostro passato e di cui ora resta solo una traccia nell’anima. Le canzoni con cui abbiamo sognato e quelle che ci hanno aiutati a crescere e a capire, a svelare le ingiustizie, scoprire la ricchezza e la complessità del mondo e della storia, ma soprattutto a trovare noi stessi. Quelle che ci commuovono e ci fanno venire i brividi, o entusiasmare, o sorridere, e quelle che ci fanno pensare”.

Edizioni Curci, esce il libro ‘Voci libere’

Scritto da Emanuele Felice e Luigi Cuna, con le illustrazioni di Alessandro Ventrella

Futura Company, società specializzata in management, consulenza aziendale e creazione di format, sarà media partner di Casa Sanremo - l’area ufficiale di ospitalità del Festival della Canzone Italiana - con Futura Hub, un digital hub che unisce creatività e musica.&nbsp; All’interno di Casa Sanremo avrà sede il primo spazio dedicato alle brand experience e alla creazione di contenuti cross–mediali.

Futura Company ideerà per ciascun cliente un progetto dedicato e studiato, con la possibilità di creare corner personalizzati, allestire spazi tailor made, ospitare talent e influencer, organizzare shooting, interviste e contenuti live. Futura Company potrà dare il via ad attività interattive con il pubblico grazie al supporto di DoubleDuck, società specializzata in eventi musicali, che si occuperà della direzione artistica e dell’organizzazione di show. “Verranno così coniugate l’esperienza unica del Festival insieme ad attività immersive ed eventi curati nel minimo dettaglio”, hanno spiegato le società in una nota: “La musica e la creatività saranno al centro del progetto garantendo dinamismo e professionalità in ogni singola iniziativa”.

“Sono molto felice di questa collaborazione, che mira a consolidare l’attività di sviluppo di format e progetti cross–mediali, da sempre uno dei nostri tratti distintivi”, ha dichiarato Valentina Cammarata, Founder e Ceo di Futuramanagement: “Lavorare con una realtà importante come Casa Sanremo ci permette di creare un hub creativo con progettualità su misura per i diversi clienti, dando vita a iniziative ad alto impatto e grazie anche alla joint venture con DoubleDuck, di aprirci al mondo degli eventi musicali”.

“Entrare a far parte di Casa Sanremo rappresenta per me l’occasione di contribuire a un progetto che da anni valorizza la musica, i talenti e l’eccellenza italiana”, dichiara Denys Mandaglio, founder di DoubleDuck: “Porterò la mia esperienza nella direzione artistica e nello sviluppo creativo per costruire nuove connessioni tra intrattenimento, brand e pubblico, con una visione moderna e internazionale. Credo profondamente che la musica e l’arte siano ponti capaci di unire mondi diversi e Casa Sanremo è il luogo ideale per dare vita a collaborazioni e idee che lascino un segno concreto nel panorama artistico”.

“Sono entusiasta di queste nuove sinergie. La presenza a Casa Sanremo di Futura Hub e DoubleDuck rappresenta un valore strategico fondamentale: Casa Sanremo si proietta in modo professionale e di alto livello verso connessioni significative e diversificate, con una nuova apertura verso il mondo digital e social, ampliando così la visibilità e la qualità dell’evento”, ha dichiarato Vincenzo Russolillo, patron di Casa Sanremo.

Casa Sanremo 2026, Futura Company e DoubleDuck tra i partner

‘Nuove sinergie’ per l’area hospitality ufficiale del Festival di Sanremo

Stefano Clessi (nella foto, a sinistra)&nbsp;e Mamo Giovenco (a destra) hanno fondato Eclectic Publishing House Srl, una nuova società editoriale partecipata da Eclectic Music Publishing Srl (società editoriale della holding Eclectic Music) e da Mamo Srl.

La nuova realtà, parte integrante del gruppo Eclectic Music, “rafforzerà - si legge nella nota diffusa oggi dalle società - l’attività della divisione editoriale del gruppo e sarà dedicata allo sviluppo autoriale, con l’obiettivo di diventare un hub centrale per la crescita dei talenti, le sincronizzazioni per cinema e televisione, il repertorio kids e i nuovi modelli di business legati all’editoria musicale”.

La direzione artistica del nuovo polo sarà affidata a Mamo Giovenco, che entra nel team di Eclectic Music con il ruolo di A&amp;R manager, insieme a Stefano Clessi, già CEO e managing director del gruppo, unendo visioni complementari in un progetto creativo e strategico condiviso.

Consulente artistico di Freemantle tra il 2018 e il 2020 per X Factor, Giovenco - a partire dal settembre del 2020 - è il responsabile musicale di Amici di Maria de Filippi: oltre alla Mamo Srl, il direttore artistico di Eclectic Publishing House ha fondato nel gennaio di quest’anno l’agenzia di booking Gemma Concerti.

Eclectic Music Group Srl è stata fondata nel 2003 da Stefano Clessi, ed è operativa nei settori di edizioni musicali, management e produzione discografica. La società - divisa nei tre dipartimenti management, publishing e musica registrata - ha sviluppato le carriere di artisti come Blanco, Tananai, e di autori e produttori come Michelangelo, Simonetta, Paolo Antonacci, ottenendo complessivamente oltre 250 dischi di platino negli ultimi 6 anni. Con la divisione Eclectic Music Publishing, la società ha messo la propria firma in totale su otto dei brani che hanno partecipato al 75° Festival di Sanremo, grazie agli autori e produttori Eclectic che hanno curato le canzoni in gara.

Nasce Eclectic Publishing House

Una nuova realtà partecipata da Eclectic Music Publishing e Mamo Srl

Suno, una delle startup di punta sul panorama dell’intelligenza artificiale generativa musicale, sarebbe pronta a un nuovo aumento di capitale: secondo quanto riferito da Bloomberg l’azienda sarebbe prossima a un nuovo round di finanziamento da 100 milioni di dollari, dopo quello - concluso con successo nel maggio dello scorso anno - da 125 milioni. Se l’operazione dovesse effettivamente andare in porto, la valutazione della società - fondata nel 2023 da Michael Shulman, Georg Kucsko, Martin Camacho, e Keenan Freyberg a Cambridge, in Massachusetts - supererebbe i 2 miliardi di dollari.

Secondo stime sempre riferite da Bloomberg Suno, attualmente, genera oltre 100 milioni di dollari all’anno in ricavi, grazie soprattutto alle sottoscrizioni a pagamento degli utenti premium: l’azienda, coinvolta con la concorrente Udio in <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754221/suno-nuove-accuse-dalle-major">una maxi-causa per violazione di copyright</a>, potrebbe essere tra le aziende con le quali - ha riferito il Financial Times all’inizio di ottobre - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754476/il-ft-umg-e-wmg-vicine-a-un-accordo-con-le-aziende-ai">Universal Music e Warner Music stanno negoziando</a> per siglare accordi di licenza relativi all’utilizzo dei cataloghi per i processi di training dei modelli generativi.