La sovrabbondanza di offerta di brani disponibili sulle piattaforme ha avviato, oltre due anni fa, riflessioni e proposte di aggiustamenti riguardanti lo streaming,&nbsp;i suoi modelli di business&nbsp;e i metodi di ripartizione dei ricavi che genera. Molteplici suggerimenti sono stati&nbsp;propinati da più parti dell’industria quando, constatate la crescita smisurata del "fai da te” che ha determinato l’ascesa del segmento indie e l’acuirsi sia dei problemi di music discovery che di sostenibilità delle carriere, è apparso evidente che alcune modifiche alla ripartizione pro-rata meritavano considerazione. Ma intanto, si legge ora nel <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749358/luminate-2024-music-report-cosa-dice-dati-streaming-export-live">recente rapporto Luminate</a>, il numero di tracce caricate sui fornitori di servizi digitali (DSP) è diminuito negli ultimi due anni, anziché aumentare. In particolare, se la media della prima parte del 2023 (l’apice dell’impennata) diede origine alla vulgata che è familiare a tutti gli addetti ai lavori - si parla delle famigerate&nbsp;120.000 tracce&nbsp;caricate mediamente ogni giorno sui DSP - poi&nbsp;il numero medio di canzoni caricate in piattaforma è calato costantemente e sta continuando a farlo, attestandosi prima a&nbsp;103.500 per l’intero anno 2023&nbsp;e poi a&nbsp;99.000 nel 2024.

Siamo a una decrescita&nbsp;del 4% anno su anno: quasi un’inezia che non dovrebbe fare notizia se presa a sé stante, mentre una discesa significativa se comparata con la produzione do it yourself, che resta in aumento. Ma che, evidentemente, batte ormai strade diverse.

Come interpretare il dato? E’&nbsp;un misto di deterrenza ed evoluzione.

La deterrenza è opera dei DSP e&nbsp;origina dall’obiettivo di correzione di alcune parti dei metodi di ripartizione dei ricavi che hanno fatto il loro tempo e che non soddisfano più le major. Mentre alcune piattaforme meno mainstream hanno trovato un posizionamento preciso abbandonando tout court il metodo pro-rata a favore del metodo user&nbsp;centric - è, ad esempio, il caso di SoundCloud, che lo ha pure ribattezzato "fan-centric" - dalle major è arrivato dal 2023 l'input di serrare i ranghi, prima con lo schema <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/artist-centric-494626">artist centric</a> e poi con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-740414/artist-centric-spotify-adotta-la-soglia-dei-1000-stream-al-mese">la ricetta 2-tier di Spotify</a>. Che hanno in comune un paio di punti centrali. Il primo è che non deviano dall’impostazione pro-rata, che premia le quote di mercato basate sul numero di stream. Il secondo è che introducono soglie di sbarramento al di sotto delle quali i brani non partecipano alla ripartizione. La ricetta artist-centric lo fa applicando il “double boost”: i brani con oltre 1000 stream al mese vengono remunerati il doppio, e gli stream frutto di ricerca attiva da parte degli utenti vedono raddoppiato un’altra volta il loro peso in fase di ripartizione. La formula 2-tier introduce invece una soglia di sbarramento anche per i&nbsp;brani "non musicali” (effetti, suoni, rumore bianco), che entrano nel conteggio soltanto se ascoltati per almeno due minuti (e non più solo 30 secondi), e punisce duramente il fake streaming. Insomma: fuori dai conteggi gli hobbisti che non ascolta nessuno (che sono cosa diversa dagli indie), pugno duro contro le frodi e fette più grosse per i professionisti (che poi, ammettiamolo: il fatto che siano identificati come tali da 1000 stream al mese è un po’ degradante per la professione stessa, considerata tale perchè è capace di remunerare canzoni 30 euro al mese).

Ma nel frattempo la musica viaggia in altre direzioni. Giovanissimi&nbsp;creatori nemmeno si pongono il problema della scarsa remunerazione dei DSP, perchè la loro modalità di produzione prevalente si conforma ai format di TikTok e di Instagram, muove da ispirazioni e culture diverse, ha adottato una suite di strumenti giovani come loro. Il percorso di un nuovo producer, che magari utilizza anche Suno e identifica la coolness con Audiomack&nbsp;e non con Spotify, non prevede che la distribuzione sfoci necessariamente in una remunerazione diretta - come accade sui DSP - ma che le/gli procuri una forma di promozione personale e delle loro opere da monetizzare poi diversamente. Resta però il fatto che, anche per questi video super-brevi ‘arredati’ da qualche secondo di musica, di distribuzione si tratta. Ed è ovvio: in fondo a qualsiasi canale e modalità di distribuzione ci sono fruitori, clienti e un pubblico.&nbsp;

Oggi, comprensibilmente, l’industria è concentrata sul lato dell’offerta e sulla difesa del suo valore, minacciato dalla Gen AI. Pensa a come monetizzare il training dei dati. Nel medio termine, tuttavia, l’industria farebbe bene anche a sforzarsi di capire se, nel risolvere il problema dell’ingorgo tenendo fuori dai recinti generazioni di milioni di nuovi creatori, i&nbsp;DSP non&nbsp;stiano anche perdendo anche i loro sostenitori. Oggi è un tema di segmentazione, domani potrebbe diventare una questione di rincorsa.&nbsp;

(Anche) questo, secondo me, suggerisce il dato di Luminate.

streaming

Spotify

intelligenza artificiale

Luminate

i numeri dell'industria

artist centric

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Sempre meno tracce caricate sui DSP. Perché, e dove sono finite

Industria

Tra le pieghe del rapporto Luminate, emergono alcune possibili cause e alcune nuove tendenze

Si terrà martedì 18 novembre, alle ore 11, presso la Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel “La ‘Everything App’: dalla playlist all’assistente, la musica nell’era degli ‘agenti’ personali”. Presentato da Rockol, l’incontro analizza uno scenario dove streaming, social media, e-commerce e intelligenza artificiale convergono verso un’unica esperienza, grazie alla nuova frontiera della Gen AI: quella “agentica". Il concetto di “everything app” ridefinisce il modo in cui scopriamo, viviamo e monetizziamo la musica. Quali le implicazioni economiche, legali ed esperienziali per piattaforme, artisti e pubblico? Cosa significa essere artisti, autori o ascoltatori in un sistema dove la musica non è più soltanto espressione, ma anche interazione algoritmica? Il panel esplora una fase imminente, all’incrocio tra nuove opportunità e pericolo di concentrazione di potere.

Al panel, moderato dal CEO di Rockol Giampiero Di Carlo, interverranno Lucia Maggio (CEO di 42 Lawfirm), Paolo Mantini (CEO di Matchfy) e Marco Alboni.

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/l8gdyp-la-musica-nellera-degli-agenti-personali-18th-nov-palazzina-appiani-donore-milano-tickets?dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7568621&amp;dice_tags=organic" target="_blank">questo indirizzo</a>.

MMW25, il panel ‘La ‘Everything App’’

Martedì 18 novembre, alle ore 11, alla Palazzina Appiani

Linecheck Music Meeting and Festival, evento dedicato all’industria musicale che si terrà tra i prossimi 17 e 22 novembre nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, ha annunciato aggiornamenti nel proprio programma di appuntamenti professionali. Eccoli, di seguito, come comunicato&nbsp;dagli stessi organizzatori:

SOCIAL CHANGE SUMMIT – ACT IN SYNC EDITION

Cuore tematico del Music Meeting, il Social Change Summit - Act in Sync Edition indaga la musica come infrastruttura emotiva e sociale, come spazio di riflessione critica e azione concreta. Il summit nasce in collaborazione con Act in Sync, piattaforma internazionale che promuove l’impegno dell’industria musicale sul fronte del cambiamento climatico, favorendo nuove alleanze e strategie comuni e invitando il settore a tradurre l'emergenza ambientale in pratiche e linguaggi culturali capaci di generare trasformazione reale.

Tra i momenti principali, giovedì 20 novembre alle 14:30, “Takkuuk – The Talk: Indigenous Voices in Focus” apre un dialogo tra artistə e attivistə provenienti dal progetto Takkuuk, ideato da EarthSonic, In Place of War e dal duo nordirlandese di musica elettronica Bicep: una conversazione sulle culture indigene, sulla trasmissione della conoscenza e sul potere del suono come linguaggio di alleanza e resistenza. Sempre giovedì, alle 17:00, la sound artist ibizenca Coco Francavilla presenta “Re-Oceaning: A Sound That Unites Us All”, performance-talk immersiva dedicata all’ascolto dell’oceano come organismo vivente e spazio di interdipendenza, in collaborazione con il programma delle Nazioni Unite Ocean Decade.

Intorno a questi due momenti si articola un ecosistema di incontri che esplorano la cura, la sostenibilità e le pratiche rigenerative della cultura contemporanea: dal ripensamento dei modelli di successo e crescita economica (“Degrowth &amp; Culture”) alle riflessioni sulla musica come agente di trasformazione urbana e ambientale (“Harnessing Music for Urban Climate Action”), fino al tema cruciale della sicurezza e dell’ascolto nei contesti creativi (“How to (re)act to stories or incidents of violence”).

SYNCH SUMMIT (co-curated by EUROPE IN SYNCH)

Nelle giornate di giovedì e venerdì, Il Synch Summit indaga le zone di contatto tra musica e cinema, videogame, pubblicità, brands, ambienti, tech e nuovi linguaggi visivi: luoghi dove la narrazione sonora diventa infrastruttura culturale e mercato in espansione. Giovedì 20 novembre, dopo le matchmaking sessions, si parte alle 12:00 con “FILMUSP: Unveiling Relationality in the Golden Age of Italian Film Music” (curato dall’Università di Pavia). Il racconto delle connessioni tra industria cinematografica e musicale nella stagione d’oro del cinema italiano così introduce il workshop (ad iscrizione) successivo, “Overcoming Nostalgia: Contemporary Film Music Production in Europe”, che affronta il futuro della musica per film in Europa, riflettendo su come l’eredità dei grandi maestri possa tradursi in nuovi modelli produttivi e in un linguaggio più libero e competitivo a livello internazionale. A seguire, una conversazione con il music supervisor Ian Neil, tra i nomi più influenti del cinema britannico, che ripercorre il suo lavoro tra biopic, music docs e le collaborazioni con Guy Ritchie e Matthew Vaughn.

Alle 15:45, “Music in Games – The Human Factor” esplora il rapporto crescente tra videogame e musica, tra compositori, sviluppatori e fan community: un’analisi delle dinamiche creative che rendono l’audio interattivo una delle frontiere più innovative dell’industria contemporanea. Tra gli ospiti, la compositrice e sound artist tedesca Mona Mur, pioniera della musica per videogame e cinema, autrice delle colonne sonore di titoli cult del genere. La mattinata del venerdì è invece dedicata al dialogo tra musica e brand, e al modo in cui il suono si trasforma con il ricambio generazionale e le nuove culture visive - dagli esercizi commerciali alle installazioni, dalle mostre alla moda.

TECH SUMMIT

Il Tech Summit rappresenta l’orizzonte del futuro: un ecosistema in cui la tecnologia diventa materia viva della creazione musicale. Giovedì 20 novembre, alle 14:30, “Capital Meets Creativity: Building the Next Generation of Music Tech” apre la riflessione sul rapporto tra capitale, innovazione e impatto culturale, con la partecipazione di Hazel Savage – fondatrice della piattaforma Musiio, pioniera delle applicazioni di intelligenza artificiale per il music tagging, successivamente acquisita da SoundCloud e oggi investitrice nel settore musictech. Un confronto che indaga come l’investimento possa alimentare ecosistemi di valore condiviso, promuovendo un futuro tecnologico etico e creativo per la musica.

Venerdì 21 novembre, alle 12:15, “From Stream to Stage: When Digital Listening Turns Into Live Performance” apre un dialogo tra piattaforme e programmatori sul passaggio dallo streaming al palco, riflettendo su come i dati e le abitudini digitali plasmino la relazione tra artistə e pubblico. Tra i partecipanti, anche la cantautrice sudafricana Msaki, protagonista della lineup live del giovedì. A seguire, alle 15:00, “Tools and Data for Creative Storytelling” riflette sul ruolo dei dati come alleati della creatività, per un uso tecnologico che potenzi l’immaginazione anziché sostituirla. Il panel è presentato da Fever, nuovo player internazionale del ticketing che sta ridefinendo le modalità di fruizione dal vivo attraverso l’uso intelligente dei dati e la progettazione di esperienze culturali su misura. Tra i rappresentanti presenti a Linecheck, anche Daniel Fletcher, Director of Institutional Relations &amp; Partnerships della piattaforma.

Tra i protagonisti del Summit anche Andrea Melanchini, fondatore di Ampligo / ForeSound, la startup italiana che esplora le nuove frontiere dell’audio immersivo e dell’intelligenza artificiale applicata al sound design: una presenza che conferma la crescente centralità dell’innovazione acustica nel panorama europeo.

Completano la sezione i progetti e le conversazioni dedicate all’innovazione etica e inclusiva – dalle pratiche di Digital Fems fino alla prima edizione del Forum AI progettato da Music Tech Europe – confermando Linecheck come luogo in cui tecnologia, cultura e sensibilità artistica dialogano per immaginare nuovi futuri sonori.

LIVE ARTS SUMMIT – FAROUT EDITION

Quest’anno Linecheck incontra FAROUT, il festival dedicato alle arti performative contemporanee di BASE Milano, in un’edizione speciale che intreccia musica, corpo e spazio scenico. Il Live Arts Summit – FAROUT Edition espande il dialogo tra discipline e trasforma la YesRoom in un palcoscenico ibrido dove danza, suono e installazione convivono, restituendo al pubblico un’esperienza immersiva di presenza e ascolto.

Si parte martedì 18 novembre (ore 18:30 e 21:00) con “Canto Primo”, creazione di gruppo nanou e OvO: un’opera ispirata all’immaginario dantesco che fonde gesto coreografico e potenza sonora, unendo la fisicità radicale della compagnia e la visione noise del duo ravennate. Giovedì 20 novembre, alle 12:15, l’incontro “Cross-disciplinary Curation”, riunisce curatori, artistə e direttorə artistici attivi tra scena e sound art per riflettere sulle pratiche di collaborazione e ibridazione disciplinare. Successivamente (ore 18:30 e 21:00) va in scena “BLEAH!!!” di Annamaria Ajmone e Laura Agnusdei, lavoro che parte da un poema visivo di Lucia Marcucci per riscrivere la relazione tra danza e musica, in un paesaggio condiviso di respiri, strumenti e vibrazioni. Venerdì 21 novembre, alle 12:00, il talk “Art in Public Space” affronta il tema dell’arte come linguaggio di prossimità e strumento di relazione, esplorando come le pratiche curatoriali contemporanee possano generare nuove forme di partecipazione. Sabato 22 novembre (ore 18:30 e 21:00) chiude il percorso “X” di Olimpia Fortuni e Katatonic Silentio, performance che intreccia tradizione e contemporaneità in un rito sonoro e visivo ispirato ai simboli di connessione e trasformazione.

Tutti gli appuntamenti di FAROUT sono parte della programmazione del FAROUT Live Arts Festival, che quest’anno entra in collisione con Linecheck. L’accesso richiede un biglietto separato su DICE, con sconti dedicati ai possessori del Linecheck BASE Full Pass e dei biglietti giornalieri corrispondenti.

MATCHMAKING, NETWORKING E NUOVE GEOGRAFIE SONORE

Accanto alle aree tematiche, il Music Meeting 2025 rafforza la propria vocazione come spazio di scambio concreto, formazione e connessione professionale. Tornano le Matchmaking Sessions, il formato che da sempre costituisce il cuore relazionale di Linecheck: momenti di incontro riservati a professionistə e delegatə internazionali, tra editori, etichette, promoter, manager, agenzie e media. Quest’anno, le attività di matchmaking e networking saranno gestite attraverso HAT Music, la nuova piattaforma digitale che connette artisti, professionisti e aziende dell’industria musicale. Grazie all’app, sarà possibile identificare e contattare i delegati di Linecheck prima e durante l’evento, facilitando la creazione di connessioni mirate, collaborazioni e opportunità di crescita professionale.

A fianco delle attività di networking, il calendario del Meeting ospita talk e keynote che affrontano le grandi trasformazioni dell’industria musicale contemporanea. Tra gli appuntamenti più interessanti, giovedì 20 alle 17:45 il musicista, attivista e scrittore britannico Dave Randall – già chitarrista dei Faithless e autore del saggio di culto “Sound System: The Political Power of Music” – sarà protagonista di un keynote che ribadisce come la musica non sia mai neutrale, ma possa diventare infrastruttura emotiva e politica del nostro tempo. Venerdì 21 novembre, alle 14:15, il panel “Safeguarding Independence in the Festival Scene: Regulating Market Concentration?” approfondisce la crescente concentrazione proprietaria nel mercato dei festival europei e le strategie per tutelare l’indipendenza culturale, in un momento in cui il settore musicale è chiamato a bilanciare sostenibilità economica e libertà creativa.

In parallelo, le Listening Sessions presentate da ASCOLTO aprono una finestra sulle nuove geografie del suono. Giovedì 20 novembre alle 12:30 “Sounds from Alternative Marrakech”, realizzata in collaborazione con COSMOS, esplora la scena indipendente marocchina e le sue evoluzioni elettroniche e underground. Venerdì 21 novembre, sempre alle 12:30, “Sounds from Borgo Mezzanone”, ideata insieme alla Scuola Fatoma, dà voce alla comunità del ghetto di Borgo Mezzanone, in provincia di Foggia, una delle più grandi realtà di lavoro migrante in Italia. Il progetto nasce dal laboratorio di educazione al suono e alla narrazione curato da Fatoma, che attraverso la musica costruisce spazi di relazione, apprendimento e rappresentazione collettiva, restituendo all’ascolto una funzione politica e umana di testimonianza.

Venerdì 21 novembre invece, alle 11:00, la Emilia-Romagna Music Commission propone una Listening Session dedicata alle nuove generazioni di artisti e producer del territorio, un momento di confronto e visibilità per la scena regionale, in dialogo con operatori e professionistə nazionali e internazionali. Nel pomeriggio, Raffaele Costantino presenta “Clan Acustico: Coordinate Sonore” (ore 17:45), un viaggio d’ascolto e di narrazione antropologica che attraversa comunità e resistenze sonore globali restituendo il suono come archivio vivente e linguaggio di connessione.

Durante la settimana inoltre, GreenRoom e CasaBASE accolgono i Songwriting Camp di Peermusic e Magma Music Agency in collaborazione con Sony Music Publishing Italia, laboratori di scrittura collettiva che mettono in contatto autrici, autori e producer europei. Per il terzo anno consecutivo, Linecheck ospita anche il kick-off meeting di Music Tech Europe Academy, il programma europeo che sostiene l’innovazione nel settore musicale e favorisce la crescita delle più promettenti startup europee in ambito musictech. L’iniziativa riunisce fondatori, investitori, ricercatori e istituzioni culturali per condividere modelli di sviluppo sostenibile e promuovere una rete continentale dedicata all’evoluzione tecnologica della musica.

A completare il programma, la collaborazione tra Milano Music Week e Linecheck dà vita per la prima volta a “Le Faremo Sapere”, un Career Day dedicato ai professionistə del futuro della musica, in programma sabato 22 novembre a BASE Milano. La giornata offre un percorso guidato alla scoperta delle molteplici dimensioni dell’industria musicale: dalle competenze e i ruoli chiave per chi si affaccia al settore, alle strategie per la crescita professionale, fino agli incontri diretti con chi lavora quotidianamente nel mondo della musica. L’evento è gratuito e le iscrizioni aprono il 7 novembre sul sito ufficiale di Milano Music Week.

NUOVE FRONTIERE DEL SUONO E DELLA FRUIZIONE

In linea con la propria vocazione all’innovazione, Linecheck 2025 dedica uno sguardo approfondito alle nuove forme di esperienza sonora e realtà aumentata, tra ricerca artistica, tecnologia e sperimentazione percettiva. Tra i progetti più rilevanti si inseriscono Adventurous Music Plateaux (AMP) e SANE – Spatial Audio Network Europe, due iniziative europee che esplorano le frontiere del suono immersivo e dell’interazione tra musica, spazio e tecnologia.

AMP, cofinanziato da Creative Europe, promuove la collaborazione tra artisti di diversi Paesi attraverso performance condivise e opere ibride. All’interno del festival, AMP si manifesta attraverso una serie di performance e workshop immersivi, che integrano elementi di realtà aumentata e ambienti sonori interattivi. Il progetto punta a ridefinire le modalità di fruizione della musica dal vivo, sperimentando nuovi linguaggi sensoriali e relazionali che superano la distinzione tra scena, pubblico e spazio digitale, coinvolgendo alcuni dei protagonisti e delle protagoniste della lineup di quest’anno.

Completa il quadro la partecipazione di Linecheck al progetto europeo SANE – Spatial Audio Network Europe, dedicato allo sviluppo di nuovi linguaggi e tecnologie nel campo dell’audio immersivo e 3D. SANE riunisce partner e artisti di otto istituzioni in quattro Paesi europei, con l’obiettivo di creare nuovi standard per la trasmissione live spaziale e promuovere un ecosistema sostenibile dedicato all’audio immersivo. Martedì 19 novembre, la Capsula di BASE Milano ospiterà un programma di performance e installazioni immersive firmate da Bianca Loffreda, Shasha Chen, Pierce Warnecke, Oliv Oliv, Cosmic Bride, urbau e YAAND, tra suono spaziale, sperimentazione audiovisiva e ricerca sul corpo sonoro.

Linecheck 2025, gli aggiornamenti sugli eventi professionali

Il calendario degli incontri della prossima edizione della music conference

Così come gli altri mercati avanzati a livello globale, anche quello britannico della musica registrata sta facendo i conti con un forte rallentamento della propria crescita. Secondo i dati prodotti dalla British Phonographic Industry - l’entità che rappresenta l’industria discografica nazionale - riferiti in anteprima da MW nel terzo trimestre 2025 la crescita del segmento streaming oltremanica si è fermata a +4,9%, meno della metà di quanto registrato nel 2024 (+11,4%) e nel 2024 (+12,2%) ed esattamente un punto in meno rispetto a quanto rilevato alla fine del primo trimestre di quest’anno (+5,9%).

A superare, in termini di incremento, quella che da ormai dieci anni, è considerata la locomotiva della musica registrata per eccellenza è stato - nel Regno Unito - il segmento meno digitale di tutti: tra gli scorsi mesi di luglio e settembre, in Gran Bretagna, il vinile è cresciuto del 7,4%, due punti e mezzo in più dello streaming.

Nonostante il tasso di crescita del settore, aggregando tutti i settori, si sia fermato al 4,8%, i vertici della BPI si sono detti comunque ottimisti. “C'è un momento in cui la crescita inizia naturalmente a rallentare, anche per quanto riguarda il numero di abbonati quando si tratta di streaming”, ha spiegato la CEO della British Phonographic Industry Jo&nbsp;Twist: “Tuttavia, anche se l'idea di aumenti a due cifre e di crescita esponenziale potrebbe essere ormai alle nostre spalle, possiamo restare ottimisti riguardo a un'ulteriore e solida crescita per molti anni a venire”.

UK, musica registrata: nel Q3 2025 la crescita rallenta

Ma i vertici della British Phonographic Industry restano ‘ottimisti’

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da lunedì 10&nbsp;a venerdì 14&nbsp;novembre 
Una settimana particolarmente ricca di presentazioni, quella che si accinge a cominciare: tra quelle relative ai dischi, segnaliamo Fabrizio Moro (per l'album "Non ho paura di niente"),&nbsp;Irene Grandi (per l'album "Oro e rosa"), Nitro (per l'album "Incubi") e&nbsp;Federico Stragà (che ritorna sulle scene con l'album "E' così".

Presentazioni&nbsp;in settimana a Milano

Venerdì 14 novembre 
Annunciata (anche sui social dell'artista) una misteriosa conferenza stampa di Jovanotti: non ancora specificata la natura dell'annuncio che farà.

Conferenza stampa in settimana a Roma

<h2>Eventi, convegni</h2>

Da venerdì 14 a domenica 16 novembre 
E' in partenza&nbsp;la prima edizione di SLAM – Sounds Like a Movie, festival internazionale delle colonne sonore. Circa trenta eventi tra concerti, proiezioni, talk, panel, listening session e dj set accompagnano il pubblico in un viaggio attraverso passato, presente e futuro della musica cinematografica offrendo l’opportunità di incontrare i protagonisti della scena nazionale e internazionale. Una kermesse organizzata da Triennale Milano in collaborazione con CAM Sugar.

Voce, c/o Triennale, viale Alemagna 6, Milano

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Venerdì 14&nbsp;novembre 
Oltre agli album già citati nella sezione della presentazione, ricordiamo anche l'uscita di due raccolte dal vivo di altrettanti giganti della musica italiana: quella di Vasco Rossi ("The Essentials") e quello di Elisa (il doppio album "Elisa San Siro").

Album addio Vasco, Elisa live

Da martedì 11&nbsp;novembre a sabato 15&nbsp;novembre 
Comincia questa settimana, con la doppia data 14-15 novembre, la mini-residency italiana dei Radiohead all'Unipol Arena di Bologna (le restanti due saranno il 17&nbsp;e il 18&nbsp;novembre). L'Unipol Forum di Assago, inoltre, ospiterà il concerto di Luca Carboni martedì 11 novembre. 
&nbsp;

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>

MusicBiz 7 Giorni: l'agenda dell’industria musicale

Presentazioni, release, inaugurazioni, eventi: gli appuntamenti della settimana

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 31 ottobre 2025 al 6 novembre 2025, la vetta è occupata da CAPAREZZA con il suo album ORBIT ORBIT, che debutta direttamente in prima posizione. Seguendo a ruota, in seconda posizione, si colloca un'altra new entry, CAPO PLAZA con HUSTLE MIXTAPE VOL. 2. Scendendo di un gradino rispetto alla settimana precedente, OLLY con TUTTA VITA (SEMPRE) passa dalla seconda alla terza posizione.

Oltre a quelle già citate, tra le nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica si segnalano:

<ul>
	<li>LA DONNA IL SOGNO &amp; IL GRANDE INCUBO (30TH ANNIVERSARY EDITION) degli&nbsp;883 debutta in quinta posizione</li>
</ul>

Nella classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 31 ottobre 2025 al 6 novembre 2025, il brano QUESTA DOMENICA di OLLY &amp; JULI mantiene la sua posizione al vertice. In seconda posizione si registra un avanzamento per ERNIA con il singolo PER TE, che sale dal terzo&nbsp;al&nbsp;secondo posto. Sale di un gradino GOLDEN di HUNTR/X, EJAE, AUDREY NUNA, REI AMI &amp; KPOP DEMON HUNTERS CAST, che passa dalla quarta alla terza posizione.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Caparezza

Classifiche, novità 6 novembre: Caparezza debutta al primo posto

'Orbit Orbit' è l'album più ascoltato della settimana

Il fondatore di Pirames e il direttore di Rockol si conoscono da più di vent’anni; sicché era inevitabile che un’intervista diventasse immediatamente una chiacchierata fra vecchi amici. Eccola qui di seguito.

parte 1

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parte 2

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Pirames compie 20 anni: incontro con Federico Montesanto

Una conversazione in video. 

Come emerso dai <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755181/cisac-nel-2024-raccolta-record-a-13-97-miliardi-di-euro">dati presentati nell’ultimo rapporto</a> della Confédération Internationale des Sociétés d'Auteurs et Compositeurs, in un quadro già positivo a livello globale nella raccolta di royalties da parte delle collecting, l’Italia si è particolarmente distinta sia per crescita del fatturato che per totale dei diritti riscossi. A evidenziarlo è la Società Italiana degli Autori ed Editori in una nota diffusa oggi, venerdì 7 novembre.

I dati positivi, prima ancora che il nostro Paese, riguardano l’Europa, che si è confermata la prima area al mondo per raccolta, con oltre il 50% del mercato globale, seguita da Nord America (25%) e Asia-Pacifico (14%). Particolarmente brillante è stata la performance del comparto Live, che ha superato i 3,5 miliardi di euro (+9,6%), grazie alla ripresa di concerti ed eventi dopo la pandemia.

A livello globale l’Italia si è collocata al sesto posto per raccolta complessiva, con 729 milioni di euro (+4,3% sull'anno precedente).

La Musica resta il principale comparto, con l’Italia sesta fra i 10 mercati leader mondiali (576 milioni di euro). Nel 2024 le raccolte musicali digitali italiane sono aumentate del +27,2%, la crescita più alta tra i primi 10 Paesi presenti nella graduatoria. L’aumento - ha spiegato SIAE - “deriva da nuovi accordi di licensing digitale e dalla diffusione dello streaming con il digitale che pesa ormai quasi il 40% delle entrate musicali nazionali”.

Il nostro Paese si è confermato il 2° mercato mondiale nell'Audiovisual (con 64 milioni di euro raccolti nel 2024). “E' letteralmente esploso il digitale audiovisivo: +106%, fino a 27,2 milioni di euro, grazie ai nuovi contratti SIAE con tutte le principali piattaforme on-demand”, ha commentato la collecting.

Nel comparto Drama l’Italia è 2ª al mondo dietro la Francia, con 68 milioni di euro raccolti nel 2024 (+5,9%). Le entrate da spettacoli live e di sottofondo sono cresciute del +10,8%, raggiungendo 50,9 milioni di euro, terzo anno consecutivo di crescita dopo la pandemia. L'Italia genera quasi un terzo delle entrate globali di questo repertorio, confermandosi un pilastro del teatro mondiale.

Nelle Arti visive l’Italia è al 6° posto globale con 12 milioni di euro di raccolta, stabile sul 2023 ( –0,4%) ma in forte espansione sul lungo periodo (+23,9% vs 2015, +41,2% vs 2020). Nella Letteratura la raccolta è aumentata del +7,3% nel 2024.

Collecting, la nota di SIAE sul report Cisac 2025

Il focus della collecting sui dati presentati ieri, giovedì 6 novembre

Milano Music Week 2025, i dettagli e gli eventi

Presentata oggi la nona edizione della conference dedicata all'industria musicale: il programma

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Morama, Francamente, Alex Wyse, Alberto Conti e Doris.

<h2>Quel Che Rimane - Morama - NEEDA Records</h2>

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"Quel Che Rimane" è un&nbsp;estratto dall'EP di debutto dei Morama, "Nostos",&nbsp;per l'etichetta NEEDA Records. Questa opera prima&nbsp;affronta temi legati all'esilio interiore e al conflitto emotivo di chi intraprende un percorso creativo. La composizione musicale presenta un mix di suoni elettronici e arrangiamenti influenzati dalla scena musicale britannica.

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<h2>Telephone Tango - Francamente - Carosello</h2>

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Il nuovo singolo della cantautrice Francamente si intitola&nbsp;"Telephone Tango"&nbsp;e segna l'inizio della collaborazione con l'etichetta discografica Carosello Records. In "Telephone Tango", Francesca Siano, questo il vero nome della musicista torinese,&nbsp;esplora la sua esperienza a Berlino, dove ha vissuto per quattro anni, e la connette con la sua attuale vita a Milano. La canzone combina elementi di canzone d'autore ed elettronica. Il brano è stato prodotto in collaborazione con Goedi (Diego Montinaro).

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/telephone-tango-francamente-ctid-226325188">Leggi il testo di "Telephone Tango" </a>

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<h2>Notte stupida - Alex Wyse - Artist First</h2>

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E' uscito il&nbsp;nuovo singolo di Alex Wyse&nbsp;"Notte stupida", per l'etichetta Artist First. "Notte stupida" esplora temi di introspezione e vulnerabilità, con una produzione a cura&nbsp;del duo LEORE, composto da Francesco Rodrigo e Matteo Ieva.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/notte-stupida-alex-w-ctid-226488627">Leggi il testo di "Notte stupida" </a>

Nato il 16 giugno 2020 a Como, Alex Wyse, nome d'arte di Alessandro Rina, coltiva una profonda passione per la musica fin da piccolo. Inizia quindi un percorso formativo all’estero che, dopo il Chesterton Community College a Cambridge, lo porta a proseguire gli studi al British and Irish Modern Music Institute (BIMM) di Londra, dove si diploma nel 2019. Rientrato in Italia, nel 2021 Alex partecipa alla ventunesima edizione del talent show "Amici di Maria De Filippi", dove si classifica al... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/alex-wyse/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Sogni in svendita - Alberto Conti - Autoprodotto</h2>

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Il nuovo singolo di Alberto Conti&nbsp;è intitolato “Sogni in svendita” e&nbsp;verrà pubblicato anche in versione ATMOS/Audio Spaziale. La canzone, accompagnata da un videoclip, affronta il tema del compromesso e delle opportunità mancate, con un protagonista che riflette sulle proprie scelte e sul tempo che scorre. “Sogni in svendita” combina sonorità rock con elementi elettronici, grazie all'uso di tastiere e basso.

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<h2>Addio - Doris - Up Music Studio</h2>

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E' uscito il nuovo singolo di Doris intitolato "Addio". Il brano è pubblicato dall'etichetta Up Music. "Addio" affronta il tema del superamento di un passato difficile e delle relazioni tossiche.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/addio-felicita-mirna-doris-ctid-169568230">Leggi il testo di "Addio" </a>

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Scrivici all’indirizzo singoli@rockol.it, ti daremo tutti i dettagli utili per comunicare e promuovere al meglio la tua nuova produzione!

Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Morama, Francamente, Alex Wyse, Alberto Conti e Doris

Nuovi singoli, le uscite del 7 novembre

In vista della Conferenza delle Nazioni Unite sui Cambiamenti Climatici che prenderà il via il prossimo 10 novembre in Brasile, a Belém, l’associazione di etichette indipendenti europee Impala ha lanciato un appello perché il settore musicale - soprattutto quello estraneo al circuito multinazionale - a “dare priorità all'azione collettiva per il clima”.

“Con gli obiettivi climatici ufficiali sotto pressione, agire diventa ancora più importante”, ha fatto sapere Impala in una nota: “I settori creativo e culturale devono continuare a dare il buon esempio e i governi devono sostenerli con quadri equi e coerenti che favoriscano la trasformazione anziché bloccarla. Etichette indipendenti, artisti e piccole imprese stanno già dimostrando leadership integrando la sostenibilità nelle loro attività, ad esempio finanziando la realizzazione iniziale del <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-729570/musica-sostenibile-e-realta-il-carbon-calculator-di-impala">Carbon Calculator di Impala</a>. Tuttavia, poiché l'accesso all'energia rinnovabile a prezzi accessibili diventa sempre più competitivo, l'Europa ha l'opportunità di garantire la trasformazione sostenendo i settori creativi che stanno già agendo, in particolare le piccole imprese come i membri di Impala. Garantire un accesso equo alle infrastrutture e ai finanziamenti verdi è essenziale, sia per preservare la diversità culturale sia per garantire un ambiente equo e competitivo in cui ogni impresa creativa possa prosperare”.

"Con l'accesso alle energie rinnovabili sempre più competitivo, gli attori culturali e creativi sono una parte essenziale per garantire soluzioni a livello di settore e devono essere supportati nel futuro climatico dell'Europa", ha commentato la Presidente Esecutiva di Impala Helen Smith.

COP30, all’appello di Impala

Per 'dare priorità all'azione collettiva per il clima'

E’ online da oggi, all’indirizzo <a href="https://modulistica.agcom.it/webform-influencer" target="_blank">https://modulistica.agcom.it/webform-influencer</a>, il web form dell’Autorità per le Garanzie nelle Comunicazioni per l’iscrizione all’elenco degli influencer, come previsto dalla delibera n. 197/25/CONS: il modulo ha lo scopo di consentire agli influencer “rilevanti” - ovvero con almeno 500mila follower o 1 milione di visualizzazioni medie mensili - di segnalarsi all’autorità come previsto dalla normativa. Oltre alla compilazione del form, per completare la registrazione è necessario un documento di riconoscimento in corso di validità: l’autorità pubblicherà sul proprio sito Web istituzionale un elenco degli influencer rilevanti, contenente le sole informazioni strettamente necessarie a identificare gli influencer, ossia il nome e cognome e/o il nickname con cui il soggetto è conosciuto, e il valore delle metriche individuate dalle Linee guida e dal Codice di condotta.

Al tavolo AGCOM per la creazione dell'elenco&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742937/fimi-al-tavolo-tecnico-agcom-per-definire-codice-disciplina-influencer">ha preso parte FIMI</a>, che aveva concentrato la propria azione sul fronte del rispetto del copyright e della norma sulla pubblicità ingannevole.

L’iscrizione all’elenco - che prevede sanzioni per la mancata registrazione - comporta l’accettazione del Codice di condotta che stabilisce che gli influencer abbiano (oltre al rispetto dei criteri di trasparenza, riconoscibilità e responsabilità) il divieto di arrecare pregiudizio fisico o morale ai minori; il divieto di sfruttamento inesperienza o credulità o fiducia; l'obbligo di segnalazione dell'uso di filtri e altri meccanismi di modifica dei contenuti; l'obbligo di segnalazione pubblicità e sponsorizzazioni.

Social, ecco il form AGCOM per la registrazione degli influencer

Iscrizione obbligatoria per chi ha più di 500mila follower o 1 milione di visiti mensili

(continua dalla <a href="https://www.rockol.it/news-755136/dopo-udio-con-umg-suno-con-tutte-le-major-parte-1">prima parte</a>):

Fattori non-negoziabili (lato major):

<ul>
	<li>Niente training senza licenza: il modello non sia mai addestrato su musica protetta senza permesso; serve un contratto che autorizzi e regoli l’uso dei cataloghi.</li>
	<li>Governance&nbsp;del dataset (audit, attestazioni, clean-room): le label devono poter verificare e tracciare cosa entra nell’ambiente di training e in che modo, anche tramite terze parti indipendenti.</li>
	<li>Divieto di aprire o cedere i pesi del modello - i “pesi” coincidono con il “cervello” del modello e non possono essere condivisi o venduti, per evitare fughe di valore dal repertorio protetto.</li>
	<li>Controlli rigorosi sui contenuti generati (“inference”): la sicurezza deve essere robusta, con utilizzo di watermark, fingerprint, filtri “no-clone”:&nbsp;ogni output deve essere tracciabile e non imitare voci o stili di artisti reali senza consenso.</li>
	<li>Ambiente controllato sull’output (walled garden): i brani generati restano dentro la piattaforma o con export limitato, così da evitare ri-utilizzi non autorizzati.</li>
</ul>

Fattori non-negoziabili (lato Suno):

<ul>
	<li>Struttura economica chiara: minimi garantiti, revenue sharing (una quota sui ricavi delle funzioni AI) e report puntuali su ogni uso o generazione.</li>
	<li>Indipendenza di prodotto e UX: Suno vuole mantenere libertà sul design del servizio e sull’esperienza utente, evitando che le major ne condizionino struttura e funzioni.</li>
	<li>Tutela del know-how e del modello: non intende condividere codice, architettura o dataset interni oltre quanto strettamente necessario per l’audit.</li>
	<li>Scalabilità economica: rifiuta schemi di micro-royalty ingestibili: serve un modello di costi prevedibile, sostenibile e compatibile con un’utenza ampia.</li>
	<li>Libertà sull’export controllato: vuole che gli utenti possano scaricare o usare i brani generati (almeno se non derivativi), evitando un “giardino chiuso” totale.</li>
	<li>Proprietà del brand e dei pesi: il marchio e la tecnologia devono restare di Suno; niente co-ownership del modello o clausole che ne limitino l’evoluzione futura.</li>
	<li>Accesso a modelli e API aperte (per scalare B2B): punta a mantenere un canale API o licensing verso sviluppatori/partner per crescere come piattaforma, non solo come applicazione lato consumer.</li>
</ul>

La contrapposizione di partenza è di quelle forti, altrimenti non si manifesterebbe in aule di tribunale. Però, pur misurando le distanze di partenza, sussiste sempre un terreno di mediazione, uno spazio immaginabile con un misto di creatività e senso pratico. Questi, ad esempio, potrebbero essere alcuni punti di potenziale convergenza:

<ul>
	<li>Licenze selettive e “training a doppia corsia”:&nbsp;i cataloghi delle major verrebbero usati solo sotto licenza, mentre Suno potrebbe continuare ad addestrarsi su dataset pubblici e contenuti propri, certificati come puliti da una terza parte indipendente.</li>
	<li>Audit indipendente e attestazione controllata:&nbsp;il controllo sui dataset e sui processi di training verrebbe affidato a un revisore esterno con report sintetici, senza divulgazione dei dati o dei pesi del modello.</li>
	<li>Isolamento dei pesi e modelli liberi:&nbsp;i modelli addestrati con materiale licenziato resterebbero in un ambiente separato (“sandbox”), mentre i modelli generali di Suno resterebbero di sua proprietà e utilizzabili liberamente.</li>
	<li>Filtri di sicurezza basati su controlli automatici con soglie dinamiche (“Dynamic-threshold safety filters”): verificano se l’audio generato dall’AI somiglia troppo a un brano o a una voce già esistente e le&nbsp;soglie sono dinamiche&nbsp;per regolare&nbsp;quanto strette devono essere le maglie&nbsp;del filtro (per l’uso “pubblico” - esportazione o pubblicazione - una soglia più severa che blocca o segnala anche somiglianze parziali; per l’uso “privato” o sperimentale, soglia più tollerante).</li>
	<li>Tolleranza zero per i deepfake&nbsp;vocali, adottando la procedura “Voice-font opt-in” (un voice-font&nbsp;è un modello vocale che riproduce il timbro di un cantante, attore, doppiatore; opt-in significa che può essere usato&nbsp;solo con il consenso esplicito&nbsp;di chi possiede quella voce che, in cambio, può ricevere&nbsp;una micro-royalty&nbsp;ogni volta che la sua voce viene impiegata).</li>
	<li>Export condizionato e tracciabile:&nbsp;agli utenti verrebbe concesso di esportare o monetizzare brani non derivativi, purché tracciati tramite watermark&nbsp;e fingerprint; per remix o derivati è previsto solo lo streaming interno.</li>
	<li>Schema economico trasparente e combinato, in grado di&nbsp;distinguere tra uso “creativo” e uso “a fini di business”:&nbsp;
	<ul>
		<li>minimo garantito sì, ma ragionevole;&nbsp;</li>
		<li>revenue-sharing proporzionale all’uso (user-centric o&nbsp;usage-centric);&nbsp;</li>
		<li>royalty per ogni&nbsp;brano generato dall’AI e poi esportato per uso commerciale&nbsp;(è un modello “pay-per-export”: l’uso interno o non monetizzato può restare gratuito o incluso nell’abbonamento, ma ogni volta che un brano viene scaricato o integrato in un prodotto esterno, scatta una tariffa).</li>
	</ul>
	</li>
	<li>Co-governance limitata e brand autonomo, con le major che supervisionano solo la parte “licenziata” del sistema e Suno che mantiene piena proprietà del brand e del modello, senza vincoli sull’evoluzione tecnologica.</li>
	<li>API aperte ma controllate:&nbsp;le API resterebbero disponibili per usi non musicali o per partner verificati, con tracciamento e audit periodico per evitare riutilizzi non autorizzati.</li>
</ul>

Dunque?

Dunque è una strada lunga e tortuosa (cit.).&nbsp;

Soprattutto perché mediare tra libertà dell’utente e controllo è complesso, e le API aperte ma controllate sono un punto sensibile perché le major temono fughe di modelli.&nbsp;

Per il resto, tuttavia, questo terreno oggi così pieno di asperità parrebbe, per lo meno, arabile.&nbsp;

Le&nbsp;major&nbsp;hanno interesse a far emergere un “caso virtuoso” post-Udio per mostrare apertura al dialogo sull’AI (anche considerando l’AI Act e il peso dell’opinione pubblica).

Suno, dal lato suo, è abbastanza forte finanziariamente per protrarre ancora un po’ la negoziazione dietro le quinte del tribunale e conta sulla sua elevatissima valutazione attuale per attrarre nuovi investimenti che le forniscano carburante e risorse - alla fine, però, potrebbe accettare controlli e filtri in cambio di&nbsp;certezza operativa e libertà di export&nbsp;controllato.

I tempi dell’industria musicale e quelli della tecnologia sono diversi: le major ragionano per cicli pluriennali, le startup per sprint settimanali. Per arrivare in meta occorrono la pazienza del diritto, l’ascolto della diplomazia, la fiducia della tecnica, la volontà dell’impresa (costruire, non solo difendere). E un filo di passione per la musica che tenga insieme tutto.

It’s a long way to the top (if you wanna rock ‘n’ roll) (cit.).

Dopo Udio con UMG… Suno con tutte le major? (parte 2)

L’analisi di quanto è successo propone scenari possibili nel rapporto tra Gen AI e industria

UMG e Udio hanno chiuso con una transazione una causa per violazione del diritto d’autore che Universal Music (insieme alle altre major) aveva intentato nei confronti di Udio per addestramento dei modelli AI su registrazioni protette senza licenza. Contestualmente, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">hanno annunciato una partnership strategica</a> che consentirà a Udio l’accesso, dietro licenza, a repertori di UMG e che lancerà una piattaforma congiunta di creazione musicale AI con licenza.

Udio ha modificato il suo servizio di conseguenza: ha alzato il recinto (“walled garden”) e introdotto limitazioni a download ed export, lasciando agli utenti solo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755055/udio-download-bloccati-dopo-l-accordo-con-universal-music">una breve finestra temporale per consentire loro di scaricare i lavori pregressi</a>.

UMG ha presentato l’accordo come un passo per “abbracciare l’innovazione” con modelli che tutelano artisti e autori.&nbsp;

L’importanza dell’accordo

Il lancio di un modello di licenza per AI musicale crea un precedente per come etichette e startup AI possono collaborare su licenze, compensi e controlli, all’interno di una cornice che tutela artisti e autori e trasforma l’AI da pericolosa minaccia a canale monetizzabile in un ambiente controllato.&nbsp;

Coerentemente con la postura che aveva assunto circa due anni fa in tema di streaming, all’epoca dell’introduzione del suo modello artist-first, nella sua impostazione e nella sua narrazione la major guidata da Lucian Grainge ha posto l’accento su quelli che considera “artisti professionisti”; la comunità crescente degli indipendenti e dei DIY, infatti, ha immediatamente reagito, contestando il cambio di direzione di Udio che, introducendo limiti all’export di brani, ha generato tensione tra due forze che oggi collidono: libertà creativa da un lato e diritti dall’altro.

Su questo quadro attuale noto, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755095/ai-le-domande-di-irving-azoff-sull-accordo-tra-umg-e-udio">parecchio resta ancora da chiarire</a>: innanzitutto i termini economici precisi (importi, ripartizioni, minimi garantiti); poi la possibile scalabilità verso cataloghi indipendenti; infine, soprattutto, gli eventuali riflessi sulle altre cause aperte tra industria e startup di Gen AI – quella con Suno su tutte.&nbsp;

La causa con Suno

La causa con Suno, infatti, prosegue: la startup più famosa dell’anno si oppone alle major con un’attitudine legale più “combattiva” (insistendo sulla linea del ‘fair use’) che concede meno spazio a un’intesa rapida basata su condizioni analoghe a quelle che UMG ha imposto a Udio - e che, ovviamente, adesso intende utilizzare come leva strategica: dopo aver “normalizzato” Udio con licenza e controlli, la pressione su Suno aumenta grazie al precedente fissato (e, teoricamente, aumenta anche il potere negoziale).&nbsp;

E ora cosa faranno le alter major?&nbsp;

Anche se non è dato saperlo, è lecito immaginare che non siano state colte di sorpresa dagli eventi e che le label siano tutte concordi sui loro obiettivi di lungo periodo, ossia: allineare tecnologia e tutela in ambiente controllato e monetizzare l’AI senza creare cattivi precedenti, tracciando anzi una roadmap. Oggi la prosecuzione del contenzioso, come detto, è una leva: Udio diventa un benchmark regolato, Suno il caso-test. Sarà interessante notare se avrà luogo il possibile effetto domino in termini di licenze, se il modello Udio reggerà: in quel caso avremmo un panorama caratterizzato da revenue sharing, walled garden e fingerprinting.

Il fattore finanziario: Udio vs Suno

Tuttavia, chiudere un accordo con Udio e continuare a litigare con Suno non è accaduto per caso. È plausibile che a caldeggiare la scelta sia stata la differenza di solidità finanziaria tra le due startup: la potenza di fuoco e la capacità di resistere, infatti, contano molto in una guerra legale/negoziale. Suno ha raccolto capitali significativamente maggiori e vanta una penetrazione nel mercato ben superiore, con ricavi ricorrenti già significativi; Udio – finanziata con $ 10 milioni contro i circa $ 125 milioni di Suno - risulta molto più leggera ed esposta, quindi incline a chiudere un buon accordo rapidamente, senza rischiare di finire sul lastrico, consumata dal protrarsi di una battaglia legale costosissima.&nbsp;

Anche grazie alle condizioni che Udio ha accettato - un assetto più controllato con nette limitazioni all’export di brani generati - contro Suno le major hanno inasprito le contestazioni, aggiungendo più recentemente l’accusa di “stream ripping” (accusa mossale ora anche dalla danese Koda). Torna alla mente quanto accaduto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-739230/universal-music-deezer-streaming-modello-artist-centric-come-funziona">con Deezer, al contempo partner e banco di prova del suddetto modello “artist first”</a>: come avvenne nella scelta del DSP allora, anche stavolta Universal punta su un player decisamente minore e definisce con l’attore più malleabile un accordo da una posizione di forza che prova ad affermarsi come benchmark, per poi utilizzarlo nelle trattative successive.

Suno indipendente…? Possibili accordi, fattori non-negoziabili e ipotetiche mediazioni

Oggi la domanda più intrigante diventa perciò: Suno potrebbe restare una piattaforma indipendente trovando un accordo con le major? Su cosa le parti in causa non farebbero mai compromessi e su cosa, invece, potrebbero mediare? Azzardiamo scenari e ipotesi…

(<a href="https://www.rockol.it/news-755137/dopo-udio-con-umg-suno-con-tutte-le-major-parte-2">continua…</a>)

Dopo Udio con UMG… Suno con tutte le major? (parte 1)

L’analisi di quanto è successo propone scenari possibili nel rapporto tra Gen AI e industria 

La Confédération Internationale des Sociétés d'Auteurs et Compositeurs, ente non governativo internazionale che rappresenta le collecting, ha pubblicato il suo ultimo report annuale: la rete di società che curano gli interessi degli aventi diritto - 228 in tutto, che operano in 111 paesi - hanno riscosso nel 2024 un totale di 13,97 miliardi di euro in tutto il mondo, in aumento del 6,6% su base annua. Il 90% del totale del gettito è stato generato dal settore musicale, con il restante 10% diviso tra audiovisivo, grafica, letteratura e teatro.

Restringendo il campo il solo segmento musicale nel corso dell’anno passato ha generato 12,59 miliardi di euro in royalties, in aumento del 7,2% su base annua: a trainare la crescita sono stati i servizi digitali, con gli incassi ascrivibili allo streaming a pagamento cresciuti del 10,8% su base annua a quota 5,01 miliardi di euro. Positive anche le performance di musica dal vivo (+10,4% a 3,38 miliardi di euro) e broadcasting (+1,2%, a quota 3,42 miliardi di euro).

Gli USA sono stati il paese che ha maggiormente contribuito al totale incassato, con 3,14 miliardi di euro (in crescita del 10,9% su base annua), seguiti da Francia (+7,9% a 1,5 miliardi di euro), Regno Unito (+8,2% a 1,18 miliardi di euro) e Germania (+3,9% a 1,02 miliardi di euro). L'Italia è presente nella top ten dei principali paesi per totale riscorsso in sesta posizione, con un gettito pari a 576 milioni di euro in crescita del 5,1% su base annua.

"I risultati di quest'anno testimoniano l'adattabilità e la resilienza della gestione collettiva dei diritti dei creatori in un contesto in rapida evoluzione", ha dichiarato&nbsp;il direttore generale del CISAC, Gadi Oron:&nbsp;"Tuttavia, accanto a questo successo, le nuove sfide poste dalle tecnologie di intelligenza artificiale minacciano il futuro del settore creativo. L'intelligenza artificiale non è semplicemente un altro mezzo per distribuire opere creative; è una tecnologia che le appropria e le replica. Senza adeguate garanzie o trasparenza dei dati, rischia di minare le fondamenta stesse del valore creativo".

"Mi avvicino a questa rivoluzione tecnologica come qualcuno che ha utilizzato personalmente strumenti di intelligenza artificiale", ha aggiunto&nbsp;Björn Ulvaeus, co-fondatore degli ABBA e&nbsp;Presidente del CISAC:&nbsp;"Ne riconosco il potenziale. Per me, gli strumenti di intelligenza artificiale possono essere come una cassa di risonanza, offrendo riferimenti e direzioni inaspettate che ampliano e completano il processo creativo umano. Ma riconosco anche che quando le aziende di intelligenza artificiale costruiscono modelli estesi utilizzando opere non autorizzate di milioni di creatori, l'effetto è molto diverso. Ciò che è iniziato come un semplice strumento diventa uno strumento di sfruttamento sistematico. Incontrollata e incontrollata, l'intelligenza artificiale solleva profondi interrogativi sulla paternità e sul valore".

Cisac, nel 2024 raccolta record a 13,97 miliardi di euro

La rappresentanza internazionale delle collecting pubblica il proprio report annuale

Si terrà martedì 18 novembre - alle ore 12, presso la Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week - il panel “(Still) Wish You Were Here: anatomia di un capolavoro". Presentato da Rockol in collaborazione con Sony Music Italy, l’evento - nell’anno del cinquantesimo anniversario di "Wish You Were Here" - indaga sull’insegnamento che il classico dei Pink Floyd continua a offrire all’industria di oggi: il catalogo come motore del business musicale.

All’incontro parteciperanno Luca Fantacone, Director Catalogue di Sony Music Italy&nbsp;e Nino Gatti, storico e archivista&nbsp;dei Pink Floyd.

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: sarà possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a partire da domani, venerdì 7 novembre.

Pink Floyd

MMW25, il panel ‘(Still) Wish You Were Here’

Martedì 18 novembre alle ore 12, presso la Palazzina Appiani

I Music Awards, le serate di gala che premiano i maggiori successi della stagione discografica italiana, nel 2026 festeggeranno i loro primi vent'anni. Per l'occasione, l'Arena di Verona - da sempre cornice della cerimonia di consegna dei premi - ospiterà una speciale edizione dell'evento&nbsp;per celebrare questo anniversario. I Music Awards 2026 si svolgeranno il 18 e 19 settembre 2026 (biglietti già in vendita su <a href="https://www.ticketone.it/artist/music-awards/" target="_blank">Ticketone</a>).

Dal 2007 ad oggi, nel corso di tutte le edizioni, i&nbsp;Music Awards&nbsp;hanno ospitato sul palco oltre&nbsp;600 artisti e consegnato più di 1.000 premi,&nbsp;numeri che raccontano tanto la longevità della manifestazione quanto la vitalità del mercato musicale italiano.&nbsp;

Music Awards, nel 2026 a Verona la ventesima edizione: le date

Sarà come da tradizione l'Arena di Verona a ospitare l'edizione celebrativa della serata di gala.

“La parola resilienza è stra-abusata, ma ancora non del tutto capita. È proprio per questo che ho voluto mantenerla” spiega la psicologa Fouzia Draoua, coordinatrice dell’area People Development di Universal Music Italia e ideatrice di Resilience Room – Salute Mentale per Creativi, un progetto che unisce divulgazione culturale, ricerca interdisciplinare e prevenzione organizzativa. “Vogliamo affrontare il tema della salute mentale nel lavoro creativo da una prospettiva nuova” sottolinea. Una prospettiva inedita, orientata a considerare la salute come risultato di equilibrio tra ritmi che per loro natura sono diversi: quello&nbsp;della creatività, fatto di cicli interni, emotivi e discontinui, e quello della produzione, scandito da obiettivi, risultati e tempi esterni.

Resilience Room nasce per portare la salute mentale oltre gli spazi clinici e riconoscerla come parte integrante del lavoro stesso, uscendo da una prospettiva esclusivamente individuale per abbracciare una lettura sistemica. L’iniziativa, sostenuta anche dal patrocinio di Universal Music Group e di FIMI, sarà presentata alla Milano Music Week in un talk con la dott.ssa Fouzia Draoua, l’esploratore e mental coach Alex Bellini e l’artista e direttore creativo Shablo, previsto per martedì 18 ottobre alle&nbsp;19.30 presso la Palazzina Appiani. "Abbiamo scelto di mettere insieme un artista e un atleta perché entrambi vivono l’esperienza della performance, ma con strumenti e consapevolezze molto diverse" dice Draoua. "Nel mondo dello sport esiste una cultura della preparazione, del recupero e della sostenibilità; nel lavoro creativo, invece, questi aspetti restano spesso invisibili, ed è proprio da questo che si apre la riflessione su come sviluppare la cultura della sostenibilità del lavoro creativo".

Fouzia Draoua, che ha un PhD in psicologia conseguito alla Sorbona di Parigi, dopo un percorso iniziale in ambito clinico ha da oltre vent’anni integrato nella sua pratica la consulenza organizzativa, la formazione, il coaching e il mentoring;&nbsp;dal 2020 fa parte del Team HR di Universal Music Group Italia. “Il progetto nasce dalla mia esperienza nella valutazione dei rischi da stress lavoro-correlato, che mi ha insegnato a leggere la salute mentale come una condizione sistemica e dei progetti di formazione e di sviluppo organizzativo che ho guidato in tutti questi anni” racconta. “Quando sono arrivata in Universal e ho iniziato a lavorare con il cuore creativo delle sue etichette, mi sono resa conto che i modelli di prevenzione classici non erano applicabili. Le dinamiche di pressione, tempo e esposizione emotiva nel lavoro creativo sono completamente diverse.” Da qui prende forma il concetto di ecologia della mente: la mente come un ecosistema in relazione con l’ambiente in cui opera. Comprendere questa ecologia significa studiare le condizioni di compatibilità tra creatività, contesto e salute mentale.

"Le mie fonti sono&nbsp;le neuroscienze, che aiutano a leggere i meccanismi della pressione e del recupero, la psicologia dello sport, che offre modelli di allenamento mentale e sostenibilità della performance, e la psicologia del lavoro che permette di tradurre queste conoscenze in pratiche organizzative e culturali" dice Draoua. Il progetto rappresenta inoltre un concept teorico originale, depositato presso SIAE, che propone un nuovo modo di osservare la salute mentale come equilibrio dinamico tra mente, sistema e contesto creativo. “La salute non è ‘non stare male’: è stare bene, in modo sostenibile. Deve arrivare prima del disagio, non solo per curarlo” sottolinea. Gli spazi di cura restano fondamentali, ma la specificità di Resilience Room è quella di non proporre soluzioni terapeutiche: piuttosto, di&nbsp;pensare alle condizioni, individuali e collettive, che proteggono la mente creativa dalle pressioni naturali del lavoro. Proprio come nello sport, dove la sostenibilità delle performance è una responsabilità condivisa tra l’atleta e la società, anche nel lavoro creativo serve un approccio sistemico: 
la salute mentale non è una questione privata, ma una funzione di compatibilità tra mente, ritmi e ambiente.

“Troppo spesso la salute mentale viene trattata come qualcosa da rinforzare individualmente o curare a valle del problema” osserva Draoua. “Noi vogliamo lavorare a monte: capire quali condizioni di lavoro, di ritmo e di riconoscimento influenzano la tenuta mentale di chi crea".&nbsp;Il punto che differenzia il progetto da altre realtà&nbsp;focalizzate sul tema, in effetti, è proprio questo: “Vogliamo fornire gli strumenti alle aziende, alle strutture e ai loro dipendenti per prevenire fenomeni come i burnout” dice. “Chi sta male deve cercare aiuto, ed è importante che esista un supporto psicologico specifico per chi sta soffrendo, perché chiaramente è essenziale trovare sollievo nell’immediato o nel breve periodo” spiega in riferimento agli sportelli psicologici già attivi. “Allo stesso tempo, però, è importante anche che esista anche qualcuno che cerchi di capire meglio perché si innescano queste problematiche, nella speranza di arginarle il più possibile”.&nbsp;L’obiettivo è spostare il discorso dalla fragilità alla compatibilità: non proteggere la creatività dal lavoro, ma costruire un equilibrio sostenibile tra mente e sistema. “Come nei cantieri si indossano dispositivi di sicurezza per prevenire gli incidenti, anche nel lavoro creativo serve progettare condizioni che proteggano la mente" spiega con una metafora.

Come prima iniziativa, Resilience Room si presenta al pubblico attraverso una serie di conversazioni con artisti, creativi e professionisti del settore, in un podcast che restituiscono dall’interno le specificità del lavoro creativo: i suoi ritmi, le sue pressioni, la sua complessità umana. Ma il cuore del progetto è un osservatorio-laboratorio permanente, dedicato alla ricerca e alla divulgazione di nuove conoscenze e strumenti, realizzati anche attraverso format culturali originali – podcast, incontri, format audiovisivi – per promuovere una nuova alfabetizzazione sulla salute mentale del lavoro creativo. “Ogni settore che comporta performance elevate ha imparato a conoscere i propri rischi: gli sportivi studiano la tenuta e il recupero, nei cantieri si progettano condizioni di sicurezza. Il mondo creativo, invece, è ancora poco osservato da questa prospettiva” conclude Fouzia Draoua. “Resilience Room nasce per colmare proprio questo spazio: perché la mente creativa non è fragile, è preziosa.”

Resilience Room: "La salute mentale parte dalla prevenzione"

Una conversazione con Fouzia Draoua, che ha ideato il progetto con UMG e lo presenterà alla MMW

Warner Music Live, divisione dedicata alla musica dal vivo di Warner Music Finland, ha annunciato un accordo con Nelonen Media Live per “rafforzare” la collaborazione tra le due aziende “nell’organizzazione di festival e nel booking degli artisti”.

Nell'ambito della partnership, Warner Music Live si occuperà della pianificazione della programmazione degli eventi, dell’ingaggio degli artisti e delle negoziazioni contrattuali per i festival targati Nelonen Media Live, che - dal canto suo - “manterrà la responsabilità” dell'organizzazione degli eventi, sovrintendendo a produzione e operazioni di marketing. Obiettivo comune del sodalizio, ha spiegato WMG, è “offrire al pubblico esperienze di festival ancora più coinvolgenti e memorabili”.

"Warner Music conosce molto bene il pubblico finlandese ed è in una posizione eccellente per creare una scaletta attraente e diversificata per i festival di Nelonen Media Live e per i frequentatori dei festival finlandesi", ha dichiarato Kari Laakso, Business Director di Nelonen Media.

"E’ stimolante vedere cosa possono realizzare la passione e la visione condivise di due importanti attori dell'industria musicale”, ha aggiunto Ramona Forsström, Managing Director di Warner Music Finland: “Ci impegniamo a offrire contenuti per festival innovativi, coinvolgenti ed emotivamente coinvolgenti per il pubblico. Soprattutto, questa collaborazione ci offre l'opportunità di offrire esperienze indimenticabili agli amanti della musica finlandese".

Warner Music, un accordo sul fronte live con Nelonen Media

Una partnership per ‘rafforzare la collaborazione’ nel settore della musica dal vivo

Universal Music Publishing ha chiesto - e ottenuto - la rimozione da X dell’ultimo spot elettorale utilizzato dal nuovo sindaco di New York Zohran Mamdani nella campagna che l’ha portato a diventare il primo cittadino della Grande Mela.

La clip aveva come colonna sonora uno di brani più conosciuto del Premio Nobel per la Letteratura 2016, "The Times They Are A-Changin'", brano del ‘64 negli anni riletto da giganti come Nina Simone, Byrds, Simon &amp; Garfunkel, Billy Joel e Bruce Springsteen: la richiesta di takedown avanzata dalla divisione editoriale della major guidata da Lucian Grainge è giustificata da una policy “storica” di Universal Music Publishing che esclude la concessione in licenza di opere di Dylan per operazioni legate alla politica.

"Come politica di lunga data, non concediamo in licenza le composizioni di Bob Dylan per progetti che coinvolgono personaggi politici", ha fatto sapere un portavoce della società di publishing ai media americani.

Lo stesso spot è stato diffuso anche su TikTok e Instagram: non è noto, al momento, se anche le piattaforme rispettivamente di Bytedance (la cui operatività negli USA presto verrà ceduta a un consorzio di investitori americani) e Meta abbiano ricevuta la notifica di takedown.

Il catalogo di Dylan, controllato da Universal Music Publishing, per l’utilizzo sui social da parte degli utenti è coperto dagli accordi di licenza generici stipulati tra i gestori delle piattaforme e le società di edizioni: l’utilizzo specifico in uno spot, tuttavia, richiede l’autorizzazione degli aventi diritto tramite una licenza di sincronizzazione. Tuttavia, nel caso di utilizzo di repertori da parte di politici, le contestazioni legali non sempre vengono accolte, come dimostrano le numerose contestazioni intentate da esponenti di spicco della comunità musicale statunitense (e non solo) a Donald Trump per l’utilizzo non autorizzato di brani - tra gli altri, "The Fate of Ophelia" di Taylor Swift e "Revival" di Zach Bryan - nei propri spot elettorali sui social.

Benché tecnicamente possibile - l’utilizzo di un brano in uno spot è effettivamente un’operazione di sincronizzazione, a differenza dell’utilizzo durante un comizio, inquadrabile come pubblica esecuzione - intentare causa al governo degli Stati Uniti è reso tecnicamente molto difficile dalla sovereign immunity, dottrina propria degli ordinamenti di common law secondo la quale un’istituzione non può essere citata in giudizio senza il proprio consenso.

Bob Dylan, UMGP oscura uno spot elettorale di Zohran Mamdani

Il neo-sindaco di New York aveva scelto ‘The Times They Are A-Changin'’, ma…

Dopo l'agggiornamento dei sistemi operativi a iOS26 e la commercializzazione dele nuove AirPods Pro 3 a settembre, Apple annuncia anche per il mercato europeo la disponibilità&nbsp;della funzione di traduzione in tempo reale, proprio sulle cuffiette bianche. La funzione era stata rimandata nel nostro continente per&nbsp;le verifiche richieste dall'Unione Europea in tema di&nbsp;&nbsp;sulla tutela dei dati personali e della concorrenza (Digital Markets Act). La traduzione in tempo reale sugli AirPods può già essere testata tramite l’Apple Developer Program, il prossimo mese sarà resa disponibile una&nbsp;beta pubblica dell'aggiornamento del sistema operativo che renderà la funzione pienamente operativa. Per usarla serviranno le&nbsp;AirPods Pro 3, AirPods Pro 2 e AirPods 4 con cancellazione attiva del rumore: la funzione&nbsp;permette di conversare faccia a faccia in determinate lingue, tra cui anche l'italiano, sentendo direttamente in cuffia una traduzione simultanea di quello che l'interlocutore ci sta dicendo in un'altra lingua. Entrambi gli interlocutori devono avere le airpods e il sistema operativo aggiornato all'ultima versione.&nbsp;&nbsp;Le lingue supportate sono&nbsp;cinese (mandarino, semplificato), cinese (mandarino, tradizionale), coreano, francese (Francia), giapponese, inglese (Regno Unito, Stati Uniti), italiano, portoghese (Brasile), spagnolo (Spagna) e tedesco (Germania).&nbsp;

La funzione è parte di una più ampia strategia di Apple che mira a trasformare le cuffie non solo in strumenti musicali, ma in un hardware inserito nella vita quotidiana, dalla tutela del'udito, al supporto a chi ha deficit di ascolto (rilevabili tramite un test), amplificando suoni e conversazioni, o semplicemente per proteggere dai rumori molesti- Le AirPods Pro 3 introducono un sensore per il rilevamento del battito cardiaco, che permette di tracciare i dati e fare allenamenti registrati anche senza Apple Watch.