L’associazione di etichette indipendenti Impala ha annunciato il lancio di Digital Forward, iniziativa progettata “per fornire alle aziende musicali indipendenti le informazioni di cui hanno bisogno per orientarsi nel panorama digitale in continua evoluzione”. Sviluppato in collaborazione con CMU e cofinanziato dall'UE per i prossimi quattro anni, il progetto fornirà ai membri dell’associazione informazioni approfondite su streaming, tendenze digitali, dinamiche di mercato, modelli di business emergenti e altro ancora.

“Il panorama digitale è in continuo cambiamento e le etichette indipendenti, grandi o piccole che siano, hanno bisogno degli strumenti e delle intuizioni giuste per competere", ha dichiarato la presidente di Impala Helen Smith: “Con Digital Forward ci assicuriamo che i nostri membri ricevano le informazioni giuste al momento giusto per sfruttare al meglio gli sviluppi digitali chiave, indipendentemente dalle loro dimensioni. Impala è orgogliosa di essere riconosciuta come una rete UE che rappresenta le aziende musicali indipendenti europee: questo progetto è un ottimo esempio di ciò che possiamo fare con tale supporto”.

“Dai nuovi algoritmi dei social media ai modelli di streaming in evoluzione, le etichette indipendenti affrontano un ambiente in rapido cambiamento”, ha aggiunto Dan Waite, CEO di Better Noise Music e Presidente del Comitato Digitale di Impala: “Digital Forward fornirà informazioni pratiche per aiutare i membri ad adattarsi, crescere e sfruttare appieno le opportunità digitali. Questa iniziativa mira a garantire che gli indipendenti abbiano accesso alle ultime intuizioni in un modo che sia su misura per le loro esigenze”.

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Impala, ecco Digital Forward

Industria

‘Per potenziare le etichette indipendenti nell’era digitale’

Con Creator Nation, il gruppo americano amplia concretamente il raggio d'azione nella creator economy, affiancando come partner strategico una nuova società focalizzata su acquisizioni e sviluppo di attività legate ai creator. L'iniziativa verte su contenuti, commercio, partnership con brand e organizzazione di esperienze dal vivo, con un piano operativo che include realtà già attive nel settore.

"I creator stanno costruendo carriere sempre più simili a vere e proprie imprese di intrattenimento, con opportunità che spaziano dai contenuti agli eventi dal vivo, fino ai brand e al commercio", ha dichiarato Michael Rapino, CEO di Live Nation, indicando nella nuova società un veicolo per sostenere la crescita di queste attività nel lungo periodo.

Grazie all'impegno di capitale da parte di Live Nation, Creator Nation prospetta di acquisire e sviluppare agenzie di management per creator e attività correlate, con le prime operazioni attese già nei prossimi mesi. La società è stata fondata da Scott e Alexis Fisher, entrambi con esperienza nella gestione dei cretaor e nella produzione di spettacoli dal vivo.

Live Nation sarà un equity partner di Creator Nation

Investiti capitali per acquisizione e sviluppo di società attive nella creator economy

PF Global è il nome della società di ricerca a cui TikTok ha commissionato un rapporto che stima l'impatto economico della piattaforma in USA nel 2025. Il colosso dei social media avrebbe sostenuto 81 miliardi di dollari di PIL statunitense e 410mila posti di lavoro negli Stati Uniti. Lo studio, inoltre, analizza l'impatto economico generato dalla presenza della piattaforma sulle attività e sulle imprese basate in America.

Tra le imprese coinvolte nell’indagine, il 93% ha dichiarato di aver registrato un aumento delle vendite dopo aver promosso prodotti o servizi su TikTok. I dati, essendo contenuti in uno studio commissionato direttamente dalla piattaforma, rappresentano quindi una stima dell’impatto economico attribuito a TikTok e non una misurazione indipendente di fonte pubblica.

Si stima che 27 milioni di persone abbiano visitato per la prima volta un bar, un negozio o un ristorante indipendente dopo averlo scoperto su TikTok, generando una spesa locale quantificata in 4,7 miliardi di dollari. Inoltre, nell'ultimo anno 47 milioni di adulti statunitensi avrebbero scoperto un'attività locale tramite contenuti pubblicati sulla piattaforma.

TikTok, quantificato l'impatto economico nel 2025 in USA

Un report della piattaforma stima 81 miliardi di PIL e 410mila posti di lavoro: i dettagli

In alcuni luoghi come Ibiza il&nbsp;mondo della notte è sempre più votato all'esclusività, con servizi e prodotti dedicati a una clientela altospendente. Ne è un esempio perfetto&nbsp;la mostra Cosmic Sound (a Ibiza fino al 10 ottobre),&nbsp;dedicata alla cultura del suono: console da dj, casse, impianti hi-fi e allestimenti sonori sono infatti stati reimmaginati come vere e proprie opere di arte contemporanea, uniche nel loro genere e collezionabili. Ideata da International Design, lo studio di curatela fondato dagli ex dj&nbsp;Manfredi Moretti and Jules Guérard, è allestita in collaborazione con Soleille Gallery.

Le opere, esposte negli spazi interni ed esterni del&nbsp;club Nômade Temple, una nuova venue&nbsp;inaugurata in un'isola da sempre votata al suono e al collezionismo di lusso. Si tratta della prima mostra dedicata a questo tipo di creazione, e includerà pezzi di&nbsp;Jacob Egeberg, Jacopo Gonzato in collaborazione con Vismara,&nbsp;Arielle Assouline-Lichten,&nbsp;YONT Studio e Sara Ricciardi.

Cosmic Sound lancia la DJ culture nell'arte contemporanea

La mostra, inaugurata a Ibiza unisce il mondo dell'hi-fi e del club al design e all'arte moderna

AKA 7even, all’anagrafe Luca Marzano, è stato rinviato a giudizio con l’accusa di “essersi esibito senza averne diritto nel corso del programma televisivo Amici, edizione 2020-2021, cantando il brano ‘Loca’, presentato come proprio, in realtà composto ed eseguito in precedenza con il titolo ‘Loka’ da Emanuele Bertolucci”: a riferirlo è La Stampa.

Marzano si era esibito nell’aprile del 2021 nello studio del popolare talent show condotta da Maria De Filippi cantando “Loca”, che - stando ai documenti presentati dai legali di Bertolucci - era già stata presentata nel 2019 a una selezione per la stessa trasmissione con il titolo di “Loka”. Lema - nome d’arte di Bertolucci - si era rivolto prima alla SIAE, per avere chiarimenti, poi alla sua ex società di produzione con la quale aveva un accordo di esclusiva (la Cosmophonix Production, non coinvolta nell’inchiesta).

Il gup ha accolto la tesi dell’accusa dopo lo svolgimento di una consulenza tecnica, che ha dimostrato come “Loca” di AKA 7even e “Loka” di Lema siano sostanzialmente lo stesso brano.

Obiettivo dei legali di Bertolucci è “restituire, oltre che la verità, la dignità al nostro assistito che si è visto privare della paternità di un pezzo musicale che ha di fatto lanciato un artista che non l'ha composta”.

Aka 7even

AKA 7even, è scontro in tribunale su ‘Loca’

Ad accusare l’artista è il cantautore Lema, che rivendica la paternità del brano

The Game e la sua etichetta indipendente 100 Entertainment hanno citato in giudizio Universal Music Group e Virgin Music Group, sostenendo che per l’album del 2022 “Drillmatic – Heart vs. Mind” siano stati spesi solo 179.000 dollari dei 500.000 previsti nel budget marketing previsto dalla campagna promozionale. Nella causa, i cui dettagli sono trapelati su alcune delle principali testate di settore americane, 100 Entertainment afferma che l'album - entrato al dodicesimo posto della Billboard 200 nell'agosto 2022 e rimasto in classifica per due settimane - avrebbe potuto fare meglio se Universal Music non avesse mancato “opportunità digitali fondamentali” e se avesse investito di più nella promozione radiofonica. L'etichetta sostiene inoltre di aver coperto con fondi propri una “parte sostanziale” del video del singolo “Stupid” con Big Sean, senza essere ancora stata rimborsata. Nel ricorso, l'avvocato Michael Trauben scrive che, privato di “quasi due terzi del supporto promozionale concordato” nella fase cruciale di uscita, l'album “non ha ottenuto i risultati che avrebbe ottenuto” se il fondo marketing fosse stato gestito come approvato dalle parti; 100 Entertainment chiede almeno 500mila dollari di danni per royalties, streaming, vendite e ricavi collegati. Secondo l'atto, Universal Music e Virgin avevano già negato qualsiasi violazione contrattuale in precedenti comunicazioni legali.

Dall’etichetta di The Game una causa a UMG per ‘Drillmatic’

La label accusa la major di aver promosso l’album in modo inadeguato, penalizzandone le vendite

È stato raccontato come “un film che si ascolta, un disco che si vede”: difficile però trovare una definizione esatta per “Rider”, il nuovo progetto di Metatron/INRI con distribuzione Universal a cavallo tra musica e cinema. Scritto e diretto da Roan Johnson e DADE (alias Davide Pavanello, storico bassista dei Linea 77, produttore e co-fondatore di INRI), prodotto da Movimenti Production, Red Joint, Emotion Network con Rai Cinema e la partecipazione di HBO Max, arriverà nelle sale italiane dall’8 ottobre. A renderlo diverso da altri lungometraggi analoghi è l’enorme compenetrazione tra la colonna sonora, composta dagli stessi DADE&amp;Roan, e il film. “La musica di ‘Rider’ è nata ancora prima del film: in molti casi, sono state proprio le canzoni a guidare la scrittura della sceneggiatura” raccontano i suoi artefici. “Fin dall’inizio volevamo che la colonna sonora non fosse un semplice accompagnamento, ma una parte integrante del racconto e dei dialoghi”. A partecipare ai vari brani, artisti del calibro di Ensi, Levante, Axos, Johnny Marsiglia, Rosa Chemical, Kaze, Lorenzo Aloi, Kyshan Wilson. Si tratta di un esperimento fortemente voluto da Metatron Group: abbiamo chiesto a Pietro Camonchia e Cristiana Gizzarelli, i deus ex machina dell’operazione, di raccontarci qualcosa di più su questo nuovo formato sperimentale.

Come nasce l’idea di un progetto articolato come “Rider”?

P.C.: Di base, Metatron è un universo ormai articolato ed eterogeneo. È nato oltre vent’anni fa come management, e dopo abbiamo scelto di aprire altre strade. L’etichetta INRI; la divisione INRI Classic per la musica neo-classica; Metatron Publishing che è diventato un’altra azienda a tutti gli effetti, con un catalogo editoriale di ormai quasi 5.000 opere e con cui ci siamo buttati anche nel mondo delle sincronizzazioni, prima con brani già editi e poi con produzioni ad hoc per pubblicità e cinema. Abbiamo capito che la cross-medialità ci affascina molto, perché in un mondo che corre veloce avere il tempo di poter assaporare contemporaneamente immagini e musica è quasi un lusso. Da lì sono cominciate una serie di esperienze nelle colonne sonore, da “Romantiche” di Levante a quella di “Gloria!” di Margherita Vicario. In queste incursioni in territori fuori dalla nostra comfort zone per fortuna abbiamo sempre avuto dei partner solidi che hanno assecondato le nostre folli ambizioni, come Universal Music, in cordata con noi sulla pubblicazione sia di “Gloria!” Che di “Rider”. E alla fine, una volta presa confidenza con l’ industria musicale e i talenti collegati abbiamo pensato che l’ audiovisivo potesse diventare un ulteriore ramo della nostra attività, e così abbiamo aperto anche <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755570/management-nasce-ezechiele-25-17-per-chi-fa-musica-per-il-cinema">Ezechiele 25:17</a>.

Ovvero il primo management italiano specializzato in compositori e autori per il cinema e l’audiovisivo.

P.C.: Esatto. Anche da quello nasce l’idea di Dade, nostro socio nonché produttore. Inizialmente gli avevamo chiesto di realizzare un album da producer, visto che ultimamente è un formato che funziona molto bene (e visto che il suo primo album da producer a nome AntiAnti, uscito vent’anni fa, aveva featuring del calibro di Fabri Fibra, Caparezza, Cor Veleno e tanti altri). Lui ci ha detto di sì, ma a patto che potesse dare sfogo alla sua creatività e lavorare a un prodotto ibrido: un disco che però fosse anche un film a tutti gli effetti. Aveva già lavorato nell’ambito delle colonne sonore e del cinema, ma “Rider” va oltre. È una vera e propria opera, quasi omerica, considerando che è in rima e che tutti gli autori delle canzoni sono anche sceneggiatori, in un certo senso. È un unicum, non credo esista niente di simile al mondo. E in questo, poter contare su una struttura come Ezechiele è stato provvidenziale.

C.G.: Nel progetto Ezechiele, tra l’altro, non siamo da soli: al nostro fianco c’è un’altra realtà con base a Torino, Operà Music, specializzata nella produzione e supervisione musicale per cinema, televisione, pubblicità e contenuti audiovisivi. Abbiamo unito le forze guardando al resto d’Europa, dove figure che si occupano del management in quest’ambito già esistono: nel nostro paese invece è ancora un po’ strano spiegare cosa facciamo, perché di solito il ruolo che ricopriamo noi è delegato ad avvocati e revisioni contrattuali, più che ad agenti e facilitatori. Di base, cerchiamo di strutturare carriere e creare percorsi al rialzo. Dade, che è uno dei fondatori, è solo uno dei vari artisti che rappresentiamo: oltre a lui ci sono anche Dardust, Ginevra Nervi, Lowtopic, Roberto Lobbe Procaccini, Tecla Zorzi, Francesco Fantini e Lillo Monreale. La guida dell’agenzia è totalmente al femminile e al mio fianco c’è Diletta Beci, referente per Operà. Insieme ci stiamo togliendo delle belle soddisfazioni: proprio in questi giorni sono di ritorno da Vienna, dove Ginevra Nervi e Stefano Mainetti erano candidati ai Camille Awards, i premi internazionali assegnati ai compositori per musica da cinema.

Essere i primi dà grandi soddisfazioni, ma a livello aziendale mette anche di fronte a sfide inedite dal punto di vista procedurale e burocratico…

C.G.: In effetti sì, ma è anche bello, perché ti rendi conto che il diritto è una materia viva: avanza la tecnologia, ma anche l’ingegno umano si adatta di conseguenza. Questo film è un’opera totale, e come tale è stato trattato anche a livello burocratico: ne siamo molto orgogliosi, abbiamo lavorato costantemente per spostare i limiti un po’ più in là, senza limitarci a portare il compitino a casa. Chissà, magari “Rider” diventerà il capostipite di un nuovo genere.

A proposito, tutto l’ecosistema Metatron si è sempre distinto per tentare di aprire strade nuove, spesso azzeccandoci in pieno e anticipando i tempi: l’esempio perfetto è Levante, che in un periodo in cui il cantautorato femminile (oggi fiorente) non sembrava andare da nessuna parte, è diventata un esempio per molte. Con che criterio scegliete su cosa puntare?

P.C.: Sicuramente io sono quello più matto: mi rivedo molto nella storia di Martino Testadura scritta da Gianni Rodari, che leggevo sempre ai miei figli. Martino era un bambino curioso, convinto che esistessero “più luoghi che strade”, e lo sono anche io. È vero, non siamo più negli anni ‘80 o ‘90, sperperare soldi ed energie è folle in questo periodo storico, ma mi piace l’idea di creare nuove opportunità, credo sia fondamentale. Fin dall’inizio, quando eravamo ancora un semplice management, è questo che ci ha guidato. Qualche giorno fa ero a Roma a un evento, e mi sono ritrovato nella stessa sala con Giuliano Sangiorgi dei Negramaro e Giulio Favero del Teatro degli Orrori: ridevamo insieme del fatto che per un periodo Metatron si occupasse di entrambe le band tra loro diversissime, e di come è stato sempre sorprendentemente eterogeneo il campo d’azione di Metatron dagli ascolti al management . Ai tempi, oltretutto, avevamo già un ufficio multimedia e un ufficio marketing/sponsorship, due cose che ancora non si capiva bene dove avrebbero portato, ma su cui noi abbiamo puntato subito. È importante tenere a mente che bisogna portare a casa il pane e pagare gli stipendi, ma l’idea su cui abbiamo costruito Metatron è sempre stata quella di sperimentare. E abbiamo proseguito questo percorso anche con INRI, fondata nel 2011: ci eravamo stancati di una discografia che non voleva investire in cose in cui noi credevamo molto.

C.G.: E poi, negli anni l’industria musicale e il mondo sono cambiati talmente tanto che fisiologicamente evolversi è diventato importante. O cavalchi l’onda, o ne vieni travolto. Quando pensi di avere imparato qualcosa, tutto cambia e devi ricominciare da capo. Faccio un esempio stupido: dietro la mia scrivania ho incorniciato e appeso una frase motivazionale ironica, “Vivi la vita un ventiquattresimo alla volta”, riferito ovviamente ai punti SIAE. Un paio di giorni dopo, arriva la ferale comunicazione: “Basta con i ventiquattresimi, si passa ai punti percentuali”… (ride)

Nella vostra ricerca di nuove strade guardate più all’Italia o all’estero?

C.G.: Noi guardiamo sempre fuori. In primis lo abbiamo fatto con la musica neo-classica, ispirandoci a ciò che già succedeva in molti altri paesi, e abbiamo visto che avevamo ragione.

P.C.: Siamo esterofili, una tendenza che ci deriva da tutti i mal di schiena patiti nei tour dei Linea 77 in giro per l’Europa. Ogni giorno ci svegliavamo in una capitale diversa, e abbiamo cercato di riportare anche in Italia quello che abbiamo appreso viaggiando. Inoltre, nel tempo abbiamo molto investito in partnership con sub-editori stranieri: ciò ha fatto sì che sviluppassimo un network sui territori più disparati, un’opportunità molto interessante, soprattutto per piccole realtà indipendenti come noi. Si creano delle sinergie molto interessanti, non solo dal punto di vista delle sincronizzazioni. Una molto bella capitata di recente è quella con un publisher olandese, CTM, che ha visto protagonista un’artista INRI, Adriana. In occasione delle Olimpiadi di Milano-Cortina abbiamo creato con un loro artista, Diggy Dex, una sorta di inno per Casa Olanda. L’operazione era sponsorizzata dal principale network radiofonico olandese NPO, che passava il brano ogni volta che vinceva una medaglia.

Soddisfatti, quindi?

P.C.: Assolutamente. Certo, magari nell’immediato non “paga” in termini economici, ma gratifica molto. E anche sul fronte più materiale, non si sa mai cosa può succedere, vale sempre la pena provare. Come quando nel 2018 ci eravamo ritrovati con Dardust a suonare al SXSW di Austin davanti a una manciata di persone, e qualche settimana dopo (proprio grazie a quello showcase) un suo brano era stato utilizzato per lo spot del Super Bowl della Hyundai, ascoltato da un miliardo di telespettatori.

Cosa c’è quindi nel futuro di Metatron Group?

C.G.: “Rider”, che è reduce dalla Settimana della Critica del Festival del Cinema di Venezia, è sulla rampa di lancio: venerdì 2 ottobre esce la colonna sonora del film, mentre l’8 ottobre sarà nelle sale, con relativo mini-tour di presentazione in tutta Italia. Sempre a Venezia, fino a fine movembre resterà esposta alla Biennale Arte l’installazione ECHO realizzata da Dardust insieme allo scenografo Paolo Fantin, un tributo alla Serenissima tra musica e AI. Per quanto riguarda Ezechiele, il prossimo appuntamento in calendario è la Festa del Cinema di Roma: Ginevra Nervi ha scritto la colonna sonora del primo film di Valerio Lundini, “Cambogia”, una produzione Groenlandia che debutterà proprio lì, Dardust ha prestato le sue musiche per il documentario “Giudecca” di Maria Tilli per Cross/Underdog e Roberto Procaccini consolida il sodalizio con Massimiliano Bruno nella pellicola “Un tranquillo funerale di famiglia”. C’è poi una lunga serie di progetti che non possiamo ancora annunciare, ma anche il 2027 sarà ricco di novità. Anche dal lato discografico c’è molta carne al fuoco: il prossimo lavoro di Anna Carol e quello di Filippo Graziani, per citarne due. A livello di co-management, Levante è in uscita il 9 ottobre con l’album “Dell’amore il fallimento e altri passi di danza”. È una stagione di grande fermento, insomma.

Rider: come nasce 'un film che si ascolta, un disco che si vede'

Pietro Camonchia e Cristiana Gizzarelli di Metatron Group ci raccontano i retroscena del progetto

A pochi giorni dalla sentenza, la cui proclamazione è prevista per il prossimo 6 ottobre a New York, il Dipartimento di Giustizia americano ha richiamato le argomentazioni della Music Fights Fraud Alliance nel “<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761539/usa-truffa-ai-su-piattaforme-streaming-chiesti-4-anni-carcere-smith">caso Michael Smith</a>”, riconosciuto colpevole di aver sottratto royalties ad artisti e autori con milioni di stream assistiti da bot su contenuti generati dall'IA. Nella prima azione penale statunitense per frode nello streaming, l'alleanza non profit - che riunisce piattaforme digitali, distributori, editori musicali, etichette, organismi di gestione dei diritti e società di raccolta delle royalty - ha chiesto al giudice John G. Koeltl una pena significativa per dare un segnale sulle conseguenze legali del fenomeno. Per la MFFA, "la frode dello streaming non è un crimine senza vittime" e gli oltre 8 milioni di dollari in royalties sottratti sono da considerare sottratti ai creator “reali”; inoltre, "ogni stream fraudolento perpetrato dal signor Smith ha diluito il valore di ogni stream legittimo verificatosi nello stesso periodo contabile".

Il DOJ ha citato questi punti per respingere la tesi della difesa secondo cui la sola copertura mediatica avrebbe già avuto un effetto deterrente. Nei documenti depositati anche dal Mechanical Licensing Collective si sostiene inoltre che Smith abbia mentito dopo il blocco dei pagamenti: un suo rappresentante scrisse che "Mike nega categoricamente qualsiasi manipolazione delle riproduzioni", mentre un legale negò che le opere fossero "creazioni generate al computer". Alla luce delle prove e della condanna per frode telematica, il governo chiede "una sostanziale pena detentiva di almeno 46 mesi", oltre alla confisca degli oltre 8 milioni di dollari collegati allo schema.

Della Music Fights Fraud Alliance fanno parte Amazon Music, ASCAP, AudioSalad, Believe, CD Baby, Ditto, Downtown, EMPIRE, FaroLatino, FUGA, GYROGroup, ICE Services, Identity Music, LANDR, Limbo, Merlin, Meta, The MLC, MusicBiz, NueMeta, OneRPM, Qobuz, RandomSounds, Revelator, Roc Nation Distribution, Sentric, SOCAN, Songtrust, SonoSuite, SoundExchange, SoundCloud, Spotify, Symphonic, TooLost, TuneCore, UnitedMasters e Vydia. E - notizia fresca di qualche giorno, dato che, al lancio dell’associazione, l’azienda non figurava tra i sostenitori - Distrokid, società di servizi di distribuzione recentemente <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761232/universal-music-una-causa-a-distrokid">citata in giudizio da Universal Music</a> con l’accusa di aver “inondato le piattaforme con 'spazzatura' generata dall'intelligenza artificiale” per “favorire la sua crescita e la sua valutazione sul mercato”.

USA, il DOJ cita l’MFFA nel processo per la frode streaming

In vista della sentenza, l'alleanza di settore chiede una pena esemplare (rilanciata dal tribunale)

A poche settimane dal <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761106/suno-wmg-believe-v6-bmg-ai-nuova-suite">lancio dei prodotti V6 sviluppati con Warner Music, BMG e Believe</a> e dal ritiro dei modelli precedenti, Suno continua a presentarsi in crescita. Intervenendo a Bloomberg Screentime 2026, il CEO Mikey Shulman ha dichiarato: “Le ultime statistiche che abbiamo diffuso quantificavano gli abbonati in 2 milioni, e in 300 milioni di dollari i ricavi. Ormai abbiamo superato di gran lunga quelle soglie, e quindi c’è crescita notevole”. A febbraio la società aveva parlato di oltre 100 milioni di utenti totali, inclusi due milioni di abbonati paganti, e del superamento dei 300 milioni di dollari di ricavi.

Per ora Shulman non ha fornito dati aggiornati nel dettaglio, rendendo pressoché impossibile capire se il passaggio esclusivo a modelli su licenza (e le proteste iniziali di parte degli utenti) stiano incidendo sulla base abbonati. Dalle parole del CEO emerge però che Suno legge la propria posizione commerciale anche oltre il consumer, citando l’uso della piattaforma nei workflow professionali e indicando come prossima espansione “esperienze opt-in costruite attorno a singoli artisti”, incluse quelle del roster Warner Music.

Suno supera i 2 milioni di abbonati (e i $300 mln di ricavi)

Mikey Shulman parla di 'crescita notevole' dopo il passaggio ai modelli su licenza

La Recording Academy ha confermato che la nuova categoria “Best Asian Pop Music Performance” debutterà ai Grammy Awards del 2027 come previsto: l’annuncio ufficiale è stato diramato oggi, giovedì primo ottobre, 11 giorni prima dell'apertura del primo turno di voto, e a circa un mese e mezzo dall’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760712/grammy-awards-i-bts-hanno-battuto-la-recording-academy">apertura a un’eventuale cancellazione della categoria stessa</a>. L'Academy afferma di aver riunito negli ultimi due mesi il proprio CdA, il comitato che sovrintende a premi e nomination e rappresentanti della comunità musicale asiatica, descrivendo gli incontri come produttivi e sostenuti anche da un numero robusto di candidature. In una nota, il CEO Harvey Mason Jr. ha detto che l'Academy ha raccolto "feedback schietti da persone della nostra comunità che non sostengono la continuazione di questa categoria", ma che "di gran lunga, il feedback più forte che abbiamo ascoltato è arrivato da persone che hanno scelto di sostenere con entusiasmo la categoria. Siamo fiduciosi che sia la conclusione giusta per la comunità musicale nel suo complesso". La categoria, precisa l'Academy, resterà comunque soggetta a revisione come le altre 99 presenti nella scheda di voto.

La questione si era aperta dopo l'annuncio del 16 giugno di cinque nuove categorie e si era irrigidita il 29 luglio, quando <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760421/grammy-awards-2027-c-e-il-boicottaggio-dei-bts">i BTS avevano deciso di non candidare le proprie produzioni come forma di protesta</a>. Tra le obiezioni emerse, c'era il timore che la nuova sezione confinasse gli artisti asiatici in un sottogruppo: la Recording Academy sostiene che questo non impedisce l'accesso alle categorie del General Field (quelle “generali”, considerate le più prestigiose), anche se la stessa opera può concorrere in una sola categoria di performance. Secondo l'Academy, K-pop, J-pop, C-pop e altre forme di pop riconosciute nei mercati asiatici compaiono anche in altre categorie quando rispettano i criteri richiesti. Il primo turno di voto andrà dal 12 al 22 ottobre, le nomination saranno annunciate il 16 novembre e la 69ª edizione dei Grammy si terrà il 7 febbraio.

Grammy Awards 2027, confermata la categoria Asian Pop

La Recording Academy non torna sui suoi passi, nonostante le polemiche

Sonid è un app di apprendimento musicale per iOS e Android, pensata e sviluppata per affiancare teoria e pratica musicale attraverso sessioni brevi e guidate. Il progetto nasce direttamente dall'esigenza di semplificare e dare una struttura chiara allo studio di concetti musicale come intervalli, accordi, scale, armonia e lettura degli spartiti, evitando il classico approccio basato unicamente sulla consultazione teorica.

Sonid si rivolge direttamente a studenti, insegnanti e autodidatti, compresi musicisti interessati a migliorare lettura a prima vista, capacità ritmiche e riconoscimento degli intervalli. Si posiziona come una startupedtech, che offre un'alternativa più che valida alle metodologie classiche di apprendimento.&nbsp;Accanto all’app per il singolo utente, il progetto propone anche Sonid Classroom, soluzione pensata per le scuole di musica e per l’utilizzo in ambito didattico.&nbsp;Alla base dell’app c’è un percorso progressivo che combina spiegazioni ed esercizi, con l’obiettivo di accompagnare l’utente nello sviluppo delle competenze musicali attraverso una pratica costante. Una sezione specifica è dedicata alla lettura dello spartito, con attività su note, chiavi, armature e ritmo sul pentagramma.

Il progetto è stato sviluppato dal fondatore Martijn van der Eijk, a partire da un’esigenza maturata nell’insegnamento della chitarra: creare uno strumento che non si limitasse a fornire informazioni, ma costruisse un percorso di apprendimento progressivo attraverso esercizi pratici fruibili direttamente da smartphone.

Sonid, teoria e pratica musicale in un’unica app

Disponibile su iOS e Android, combina esercizi brevi, ear training, ritmo e lettura dello spartito

Nicolò Cottu è stato nominato A&amp;R Manager di Atlantic Records Italy, una delle due label frontline di Warner Music Italy <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic">guidata dalla fine dello scorso ottobre da Marco Masoli</a>. Laureato all’Università di Sassari in Scienze dell’Economia e della Gestione Aziendale con Master di Comunicazione Musicale all’Università Cattolica di Milano, Cottu ha debuttato professionalmente nell’autunno del 2024 come A&amp;R Publishing in Sugar Music, per poi passare, nel novembre dello scorso anno, presso ADA Music Italy, divisione dedicata ai servizi per artisti ed etichette guidata da Renato Tanchis.

Atlantic Records Italy, Nicolò Cottu nominato A&R Manager

Dopo un anno come Label Manager Consultant di ADA Music Italy

Willard Ahdritz, ex CEO e co-fondatore di Kobalt Music Group, ha recentemente lanciato Ahdritz Capital Partners, nuovo fondo di investimento dedicato a società che sono attive nel settore del music-tech e nei media. A disposizione 20 milioni di dollari con l'obiettivo concreto su investire su aziende internazionali interessate a svilupparsi negli Stati Uniti e in mercati ugualmente strategici.

"Saremo operativi al fianco dei founder sulle questioni difficili. Per essere grandi a livello globale, bisogna essere grandi negli Stati Uniti", ha dichiarato Ahdritz, richiamando la propria esperienza nella costruzione di Kobalt e nell’espansione internazionale della società.

All'interno del team attuale, c'è Isabel Keulen, già CEO di SSE Business Lab e SSE Ventures, che affiacherà Stephen Langer, proveniente da Lazard (divisione Media, Entertainment &amp; Sports). La struttura operativa intende affiancare i founder mettendo a disposizione contatti, risorse e supporto allo sviluppo internazionale.&nbsp;Ahdritz Capital ha già investito nel distributore indiano Madverse Music Group, nella piattaforma direct-to-fan EVEN, oltre che in Fever, Soundtrack, un:hurd music e altre realtà attive nella creator economy e nella tecnologia applicata alla musica.

L’ex CEO di Kobalt lancia Ahdritz Capital Partners

Il fondo da 20 milioni di dollari investirà in tecnologia musicale e media

Sia ha ceduto a Pophouse Entertainment una quota del 50% del proprio catalogo musicale, in un accordo da 180 milioni di dollari: l’importo, riportato da TMZ, non è stato specificato nel comunicato ufficiale di annuncio dell’acquisizione.

Pophouse si è aggiudicata la metà delle edizioni e dei diritti sui master del repertorio della cantautrice e performer australiana, che vanta - nel corso della propria carriera - ottime performance commerciali grazie a brani come “Unstoppable”, “Chandelier”, “Elastic Heart” e “Cheap Thrills”.

“Queste canzoni significano moltissimo per me, e amo il fatto che loro lo capiscano davvero e vogliano prendersene cura”, ha dichiarato Sia: "Faccio musica da moltissimo tempo ormai, ed è emozionante pensare a tutti i modi nuovi e diversi in cui queste canzoni potrebbero continuare a vivere e raggiungere nuove persone. Non vedo l'ora di scoprire cosa riusciremo a creare insieme”.

"Sia è un'artista il cui straordinario catalogo e la cui identità creativa unica offrono opportunità eccezionali per celebrare e valorizzare la sua notevole opera”, ha aggiunto Jessica Koravos, CEO di Pophouse: “Questa partnership le fornirà un ulteriore supporto strategico e risorse creative per continuare a perseguire le sue ambizioni artistiche, preservando ed espandendo al contempo la sua influenza. E’ un privilegio collaborare con lei e non vediamo l'ora di supportare la sua continua crescita artistica e la sua capacità di ispirare il pubblico di tutto il mondo”.

Sia, il 50% del catalogo a Pophouse

Indiscrezioni di stampa parlano di un affare da 180 milioni di dollari

Just Entertainment ha finalizzato l’acquisizione del catalogo di incisioni di&nbsp;Fonola Dischi, storico marchio discografico fondato nel 1929, insieme al relativo catalogo, che comprende oggi oltre 1.000 titoli attivi. Nel repertorio di master&nbsp;figurano canti del Risorgimento, delle Mondine e della Resistenza, inni nazionali e popolari come "Bella Ciao", "Fischia il vento"&nbsp;e "Bandiera rossa", oltre a incisioni di interpreti come Claudio Villa e sigle di cartoni animati degli anni Settanta.

"Con l’acquisizione di Fonola Dischi non compriamo semplicemente un catalogo: lo sottraiamo a una logica puramente finanziaria che lo avrebbe portato fuori dai confini italiani, intestandoci la responsabilità di preservarne l’identità storica e la sua comprovata capacità di parlare anche al futuro", ha dichiarato Sergio Cerruti, Managing Director di Just Entertainment.

Soddisfazione anche da parte di Gianni Di Sario, già titolare di Fonola Dischi: "Sono contento che l’acquisizione sia stata chiusa e finalizzata insieme a Just Entertainment, una società a cui mi lega un profondo e storico legame personale e professionale. Fonola resta in mani che conoscono la sua storia, e questo mi fa guardare al futuro con fiducia".

A Just Entertainment il catalogo di master di Fonola Dischi

L’operazione riguarda oltre mille titoli del repertorio storico dell’etichetta, tra cui “Bella Ciao”

Nuovo IMAIE ha reso disponibile sul suo sito ufficiale, a <a href="https://www.nuovoimaie.it/mission/bandi-e-contributi/bandi-musica/bando-promozione-progetti-discografici-dal-vivo-2025-2026/" target="_blank">questo indirizzo</a>, il Bando Promozione Progetti discografici dal Vivo per il 2025 / 2026. La collecting ha costituito un fondo da un milione di euro “destinato a valorizzare il lavoro degli artisti interpreti esecutori (di seguito anche AIE), soci e mandanti aventi diritto dell’Istituto”. “Lo scopo - spiega la nota - è riavvicinare il pubblico al piacere di ascoltare la musica dal vivo, con riguardo al repertorio “inedito” od “originale” degli AIE che si affacciano al mercato discografico, organizzando spettacoli (esibizioni live/showcase) in tre sessioni: invernale, estiva ed autunnale”.

La domanda può essere presentata da “operatori professionali costituiti in forma giuridica, in attività da almeno 3 anni dalla data di pubblicazione del presente Bando, che abbiano nel proprio oggetto sociale, quale attività principale o prevalente, quella di Organizzatori di spettacolo”, e da “operatori professionali costituiti in forma giuridica, in attività da almeno 3 anni dalla data di&nbsp;pubblicazione del presente Bando, che abbiano nel proprio oggetto sociale, quale attività principale o prevalente quella di organizzatori di festival o rassegne giunte almeno alla terza edizione, della durata di almeno due giorni e che possano riservare agli AIE beneficiari del Bando uno spazio per esibizioni dal vivo di durata non inferiore ai 40 minuti”.

Tutte le informazioni sono disponibili in un documento pubblicato ad hoc dall’Istituto a<a href="https://www.nuovoimaie.it/wp-content/uploads/2025/10/Bando-Promozione-Progetti-Discografici-dal-vivo-2025-2026-MU-DEF.pdf" target="_blank"> </a><a href="https://www.nuovoimaie.it/wp-content/uploads/2025/10/Bando-Promozione-Progetti-Discografici-dal-vivo-2025-2026-MU-DEF.pdf" target="_blank">questo indirizzo</a>.

Nuovo IMAIE, online il Bando Progetti discografici dal vivo 25/26

I dettagli sull’iniziativa che mette a disposizione un milione di euro

EVEN, piattaforma per il direct-to-fan, ha recentemente lanciato STUDIO, una nuova soluzione pensata per offrire agli artisti uno spazio proprietario attraverso cui pubblicare nuova musica, vendere biglietti e merchandising e trasmettere contenuti in diretta&nbsp;con la propria fanbase. Quest'iniziativa appartiene al processo di fidelizzazione del bacino di utenti, nell'ottica di marketing che dà priorità assoluta al blocco dei superfans, diventati un motore essenziale per i progetti artistici.&nbsp;Il prodotto in questione si basa su un dominio controllato direttamente dall'artista, che potrà riunire all'interno di un unico ambiente tutte le attività che solitamente distribuiva su piattaforme diverse.

Una delle nuove funzionalità pensate per STUDIO è quella del pre-order, quindi, gli artisti potranno rendere disponibili fino a quattro brani prima della release ufficiale dell'album. Le vendite andate a buon fine, una volta riscattate, verranno segnalate a Luminate e alla Official Charts Company, contribuendo al posizionamento ufficiale nelle classifiche. EVEN presenta questa nuova platform come uno strumento del tutto complementare allo streming, mantenendo attiva la possibilità di distribuire parallelamente sui vari DSP.

"Gli artisti hanno costruito un pubblico enorme tra streaming, social ed eventi dal vivo, ma il rapporto con questi fan rimane frammentato su piattaforme che non controllano", ha dichiarato Mag Rodriguez, fondatore e CEO di EVEN. "STUDIO offre agli artisti uno spazio tutto loro". La piattaforma è accessibile su invito e si affianca a EVEN Marketplace nell’offerta della società.

EVEN amplia l'offerta "direct to fan" con il lancio di 'STUDIO'

Un nuovo spazio proprietario per musica, biglietti, merch e la gestione del rapporto con i fan

FVG Music Export ha ufficialmente aperto le candidature per la nuova edizione del progetto dedicato alla promo degli artisti del Friuli Venezia Giulia in un contesto internazionale. Il bando, che resterà aperto fino al 15 novembre, è rivolto direttamente ad artisti e gruppi musicali originari o residenti nella regione, attivi al momento della candidatura e con almeno cinque brani pubblicatai negli ultimi tre anni.

La partecipazione è completamente gratuita e prevede la compilazione del modulo online e l'invio del materiale richiesto, tra cui tre brani, testi, scheda tecnica e fotografia. Gli artisti che verranno selezionati saranno poi contattati&nbsp;dall'organizzazione per le fasi successive.

Il progetto, interamente ideato e curato dall'Associazione Culturale Folkgiornale ETS, prevede la collaborazione della Sezione Cultura del Municipio di Las Palmas de Gran Canaria e punta a mattere in contatto la scena musicale friulana con quella delle Isole Canarie. L'obiettivo, oltre che quello di concedere agli artisti una possibilità di confronto e di sviluppo professionale, è quello di valorizzare tutti i generi musicali, dalla global music al folk, dal cantautorato fino alle proposte multidisciplinari a prevalente contenuto musicale.

FVG Music Export, aperto il bando per artisti del Friuli

Candidature fino al 15 novembre per il progetto che porterà gli artisti selezionati alle Canarie

Di recente hanno fatto scalpore le dichiarazioni di Miley Cyrus, che ha scelto di non portare in tour il suo ultimo album “Bass Persuades”, ma di limitarsi a due concerti al leggendario Hollywood Bowl. Il motivo, ha spiegato in un’intervista, è che non vuole cambiare le sue abitudini e la sua quotidianità: “Ho scelto quella venue perché so che il mio letto e a soli dieci minuti di auto da lì” ha dichiarato. La coda per ottenere un biglietto, però, eccede di parecchio la capienza del locale: si calcola che circa un milione e mezzo di fan si siano messi in lista per acquistarne uno. In base alla richiesta, quindi, ci sarebbe abbastanza pubblico per riempire 80 volte la storica sala. “L’idea è proprio quella” ha confessato lei. “La lista d’attesa dimostra che ho fatto bene i miei calcoli, e che sarà la gente a venire da me. Non ho bisogno di essere io ad andare da loro”.

Si tratta, insomma, dell’ennesima riprova che le cosiddette residency piacciono sempre più agli artisti e ai loro entourage. In primis perché è più facile dare sfogo alla propria creatività, immaginando anche formule alternative a quelle del tipico concerto di sole hit (vedi il caso di Marco Mengoni e del suo club Allo Sbagliato, di cui si è <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761496/marco-mengoni-allo-sbagliato-offline-club-milano-latarma-live-nation">molto parlato</a> negli ultimi giorni). Inoltre&nbsp;permettono anche a personaggi richiestissimi, ma che per un motivo o per l’altro non possono o non vogliono andare in tour, di essere sul palco per periodi più o meno lunghi. Come Adele, che ha dichiarato più volte di odiare la vita on the road (e non a caso ha alle spalle due lunghe residency, Weekends with Adele per 100 repliche a Las Vegas e Adele in Munich per 10 date a Monaco di Baviera), o come Céline Dion, che ha da tempo problemi di salute (e tra il 2026 e il 2027 tornerà in scena per 26 date a Parigi). Piacciono sempre di più anche alle agenzie di booking e ai promoter, però, per ragioni che è facile immaginare. Avere una sola location permette di minimizzare gli incastri del routing, ottimizzare la produzione, annullare i problemi logistici. Avere un artista che non è perennemente in viaggio, e dunque è più riposato e ha più tempo a disposizione, dà il via libera per implementare experience, vip package e meet and greet, massimizzando i guadagni. E in caso di esibizioni all’aperto, diventa anche più facile controllare le incognite legate al cambiamento climatico, scegliendo stagioni e latitudini dove il meteo è – in teoria – più clemente. Ma piacciono molto anche ai fan, che mai come negli ultimi anni sembrano disposti a utilizzare i propri risparmi per biglietti esclusivi e turismo musicale.

Le residency nascono nei grandi hotel di Las Vegas e sono un’istituzione fin dai tempi di Elvis Presley, ma sono aumentate in maniera esponenziale da quando sono nate le prime location dedicate. La più nota è senz’altro la Sphere, un’arena immersiva al coperto che sorge proprio a Las Vegas, con una capacità di 20.000 posti. È stata inaugurata nel 2023 con un’infornata da 40 date degli U2, e da allora ha ospitato 14 diverse residency, che sono andate da un minimo di quattro a un massimo di 72 date ciascuna (tra il 2024 e il 2025 c’è stata anche quella dell’italiano Anyma, 12 date in totale). È in costruzione anche una seconda Sphere gemella ad Abu Dhabi, un altro territorio desertico che ha lo stesso identico “problema” di Las Vegas: fornire ai turisti un buon motivo per andare fin lì e spendere soldi sul territorio.

Curiosamente, però, l’altro paese che ha una lunga tradizione di residency ha investito sulla stanzialità per la ragione opposta: l’impossibilità di andare altrove o di fare altrimenti. Si tratta dell’Australia dove, come è evidente, per i fan spostarsi all’estero per recarsi al concerto del proprio beniamino implicherebbe parecchie ore di volo, e soprattutto un viaggio molto costoso. Per le grandi produzioni, inoltre, immaginare un tour australiano è costoso e scomodo: le varie città sono relativamente piccole, molto lontane tra di loro, e non tutte hanno strutture adatte ai grandi concerti. Proprio per questo, da tempo le residency sono una consolidata abitudine, e molto redditizia, con impennate nelle prenotazioni di hotel e B&amp;B. Pink, ad esempio, ha alle spalle due lunghe serie di concerti a Melbourne: una da 17 date nel 2009, per il suo Funhouse Tour, e una da 18 date nel 2013, per The Truth About Love Tour.

Chiaramente, in questo caso si tratta di turismo musicale prettamente locale, o al massimo proveniente dalla vicina Nuova Zelanda. Altrove ci sono invece casi in cui il pubblico accorre da tutto il mondo, attirato dal valore emblematico dell’evento: è il caso della celeberrima residency di Bad Bunny a Porto Rico, la sua madre patria. Il titolo era tutto un programma: No Me Quiero Ir de Aquí, ovvero “Non me ne voglio andare di qui”. Andata in scena tra il luglio e il settembre del 2025 a San Juan, è stata un successo economico su tutti i fronti: oltre 400.000 biglietti venduti in appena quattro ore di prevendita, 8.000 nuovi posti di lavoro creati, 733 milioni di incassi e un giro d’affari quantificato in ulteriori 700 milioni di dollari per la piccola isola caraibica. Vibee, la società consociata di Live Nation specializzata in turismo musicale, ha venduto la bellezza di 87.700 pacchetti speciali di experience legate al concerto, a ulteriore dimostrazione che la richiesta per questo tipo di residency non si limita a una serata memorabile sotto il palco: diventa una vera e propria vacanza.

Un’altra tendenza attuale, in effetti, è proprio quella di dare un valore profondamente simbolico alle venue prescelte, vedi il caso delle 11 date degli Oasis nella loro Manchester, in programma nel 2027. A volte, però, il legame tra il luogo e l’artista è più sfumato e trasversale. L’inglese Sam Smith, amatissima icona queer, nei primi mesi del 2026 ha scelto San Francisco e Castro, uno dei quartieri gay più famosi del mondo, per la sua residency nello storico Castro Theatre: 20 date che, tra le altre cose, sono servite anche a ripagare in parte la ristrutturazione della storica venue appena riaperta, costata oltre 41 milioni di dollari. I Backstreet Boys, invece, hanno deciso di ringraziare il pubblico tedesco (uno dei più affezionati, fondamentale per la loro carriera: la loro prima certificazione platino per “I’ll Never Break Your Heart” è arrivata proprio in Germania trent’anni fa) con una residency da 10 date a Düsseldorf, in corso in questi giorni. Anche in questo caso i numeri sono impressionanti: 400.000 biglietti venduti, e un indotto previsto di milioni di euro.

In Italia finora le residency sono state più rare, e spesso casuali, per così dire. Lo si è visto spesso con i rapper: quella di Marracash al Forum di Assago nel 2022, ad esempio, è per definizione tale (sei date, 67.000 biglietti venduti), ma lo è diventata solo dopo che le prime due date sono andate sold-out a tempo di record, convincendo gli organizzatori ad aggiungerne altre. Idem per le residency degli Articolo 31 nel 2018 e di Rkomi il prossimo novembre (entrambe al Fabrique, entrambe per cinque date). Più intenzionale è stata quella dei Club Dogo al Forum di Assago nel 2024, con la differenza che inizialmente le date dovevano essere solo tre e alla fine, sull’onda dell’ottima risposta del pubblico, sono diventate 10, con tanto di gran finale a San Siro. E decisamente intenzionale è stata la residency di Ludovico Einaudi al Teatro Dal Verme di Milano nel 2023, con 17 date sold-out.

Anche da noi, comunque, la formula stanziale sembra interessare sempre più artisti, soprattutto quelli più navigati, che sanno di poter contare su un pubblico fedele e affezionato. L’estate scorsa, Biagio Antonacci ha sperimentato un format singolare: quattro residency da 10 date ciascuna, in quattro location di grande rilievo storico e paesaggistico (il Teatro Greco di Tindari, l’Anfiteatro Romano di Lucera, l’Anfiteatro del Vittoriale di Gardone Riviera e il Teatro Grande di Pompei). Le ultime sono ancora in svolgimento, ma l’esperimento può dirsi più che riuscito. Anche Max Pezzali chiuderà il suo tour Max Forever – Stessa storia, stesso posto, stesso bar con una residency all’Unipol Dome di Milano, per sei date a fine dicembre. Vasco Rossi, infine, da vero recordman del live italiano ha alzato subito l’asticella: per celebrare i suoi cinquant’anni di carriera ha in previsione 10 concerti allo Stadio Olimpico di Roma a giugno 2027. Con i suoi oltre 500.000 spettatori (poco meno di quelli di Shakira nelle sue 12 date a Madrid, per intenderci), ha già stabilito un nuovo record. E si sa che nell’ambito della musica dal vivo nessuno detta le tendenze più e meglio di lui.

Perché le residency si moltiplicano, e continueranno a farlo

Dagli Oasis a Shakira, da Vasco Rossi a Biagio Antonacci: anatomia del fenomeno, anche in Italia

Warner Music Group ha venduto EMP, retailer tedesco di merchandising rock e metal acquistato per 180 milioni di dollari nel 2018, a whynow, gruppo londinese di media e commercio fondato da Gabe Jagger, uno dei figli del frontman dei Rolling Stones Mick Jagger. Fondata nel 1986 e con quartier generale a Lingen, EMP opera con negozi online in 18 Paesi europei e afferma di servire oggi oltre 10 milioni di clienti; nel catalogo figurano merchandise legato a Metallica, Guns N’ Roses, Nirvana e Pink Floyd, oltre a brand come Disney, Marvel e PlayStation. Nella nota sull’operazione, Fred Casimir, presidente di whynow Europe e - dopo la cessione - Managing Director di EMP, ha detto: “Portando EMP in whynow, stiamo ampliando in modo significativo la nostra piattaforma”. Gabe Jagger ha aggiunto: “whynow è stata costruita attorno all’idea che grandi contenuti, commercio e community stiano insieme”.

L’operazione finalizzata in queste ore dalla major guidata da Robert Kyncl era nell’aria già da qualche mese: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756995/warner-music-group-vende-emp-mercato-merchandising-musicale">WMG aveva confermato a febbraio</a>, in un documento depositato presso la Securities and Exchange Commission (autorità americana di vigilanza sui mercati finanziari), di aver firmato una lettera d’intenti non vincolante classificando EMP come attività destinata alla vendita; whynow, da parte sua, manterrà l’headquarter globale a Londra e aprirà una base europea a Berlino, mentre clienti, partner e fornitori continueranno a lavorare con i team attuali durante un’integrazione graduale.

Merchandising, Warner Music vende EMP

La società era stata acquisita nel 2018 per 180 milioni di dollari

Sarah Stennett, ex manager di Rita Ora e sua collaboratrice dal 2009, ha avviato un'azione legale contro l'artista per circa 3,2 milioni di sterline, sostenendo che lei e la sua società FAE Ventures non abbiano ricevuto la quota dovuta sugli incassi di tour e attività televisive. Secondo quanto riportato dai diversi tabloid britannici - tra i quali The Sun - la voce principale della richiesta di risarcimento è di circa 1,7 milioni di sterline per presunte “detrazioni non consentite” relative a servizi professionali come pubblicità, contabilità e assicurazione; altri 1,1 milioni riguarderebbero ricavi da tour non dichiarati durante il Phoenix World Tour fra il 2019 e il 2020. Nei documenti, il team di Stennett sostiene che i pagamenti “non hanno tenuto conto di determinati ricavi da tournée che la convenuta aveva ricevuto (o che erano stati ricevuti per suo conto) durante quel periodo” e afferma inoltre che Ora non sarebbe stata del tutto trasparente sui compensi percepiti come giudice di dell’edizione britannica del programma televisivo “Il cantante mascherato”.

“Sarah e la sua società vogliono ciò che ritengono sia dovuto”, ha rivelato una fonte informata sulla vicenda al Sun: “E’ triste che si sia dovuti arrivare a questo”. Rita Ora non ha ancora depositato una memoria difensiva e il suo team non ha risposto alle richieste di commento dei media. Dopo la separazione da Stennett e FAE Ventures nel 2024, l'artista ha firmato con Melissa Ruderman di Range Media Partners.