Si fa un gran parlare della struttura produttiva dell'industria del k-pop: alcuni la considerano più efficiente di quella del music business occidentale, altri ne denunciano i conflitti di interesse inevitabili data la commistione di ruoli che si sovrappongono. Per farsi un'idea più chiara sulla faccenda è interessante leggere le dichiarazioni di Daniel Jang, CEO di SM Entertainment, una delle agenzie plenipotenziarie sudcoreane che detengono il monopolio sul mercato. E' proprio lui a&nbsp;illustrare meglio il funzionamento dell'intera filiera in un'intervista all'inglese MusicWeek.

Nell'intervista, Jang spiega che l'obbiettivo primario di SM e delle sue consociate è mantenere una presa capillare su ogni aspetto del business: dai dischi fisici al merchandising, dalle licenze al live, il tutto con un occhio puntato al mercato globale, in cui ambiscono a espandersi, pur essendo consapevoli delle differenze di approccio. "In occidente di solito la fanbase si costruisce partendo dalle venue più piccole per arrivare a quelle più ampie. Anche noi stiamo facendo audizioni in questo modo: andiamo nei locali, facciamo casting per strada e sui social media" spiega. "Ma dopo aver trovato dei potenziali artisti, li sottoponiamo a un sofisticato sistema di training, sviluppando il loro talento vocale, l'abilità nella danza e nelle lingue e via dicendo. Solo a quel punto cominciamo a sviluppare anche il concept della loro musica, in termini di direzione e produzione".

L'altra differenza, spiega, è che quando un artista viene lanciato, di solito ha già sviluppato una sua fanbase molto fedele, "per dargli il miglior potenziale possibile di successo". L'investimento iniziale in termini di videoclip, presenza social e live è davvero massiccio anche per artisti debuttanti, dice Jang: "I fan hanno delle aspettative, e quando lanciamo un emergente sanno che le rispetteremo, perché abbiamo una lunga tradizione di successi. E' proprio per questo che possiamo contare su un pubblico già nutrito prima ancora dell'esordio discografico ufficiale di un nuovo idol: questa è la differenza principale con il mercato europeo" spiega.&nbsp;

Interessante anche la sua considerazione sulla struttura dell'industria del k-pop. "All'inizio era molto simile a quella dell'industria musicale occidentale: etichette e management erano realtà del tutto separate" racconta. "Nel k-pop, però, musica, creatività e performance sono un tutt'uno. Ecco perché abbiamo cominciato a fare scouting e a sviluppare talenti attraverso un programma tutto nostro: volevamo trovare le canzoni giuste, produrle da noi e, una volta completato il processo, avevamo anche bisogno di avere gli artisti in gestione. E' successo tutto molto naturalmente, e ora tutti questi ruoli sono assorbiti in un'unica società".

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K-pop, gli insight del CEO di SM Entertainment Daniel Jang

Industria

In un'intervista a MusicWeek svela il processo creativo e produttivo dell'industria musicale coreana

In tempi recenti i media musicali si sono occupati di salute parlando quasi esclusivamente di quella mentale. Precarietà e insicurezza hanno reso i casi di burnout sempre più frequenti, causando agli artisti disagi che sono stati amplificati dalla pandemia.

Ma, purtroppo, c’è di più e di peggio.

In questo articolo si parla delle cure salvavita, divenute negli Stati Uniti oggetto di relazione fortissima tra artisti e fans. E non sfugge la lugubre ironia che aleggia sulla connessione tra un argomento così… vitale e un tema di marketing che ha stregato l’industria.

Qualche esempio, per rendere l’idea.

David Johansen, storico frontman della band New York Dolls, a seguito di una diagnosi di cancro avanzato aveva lanciato una campagna su GoFundMe per coprire le proprie spese mediche, coinvolgendo una rete globale di fans e colleghi. E il caso della defunta icona glam-punk è tutt’altro che isolato. Sara Lund (Unwound), storica batterista post-hardcore, si è affidata a una raccolta fondi per sostenere il trattamento contro il cancro al seno: la campagna ha superato i 25.000 dollari, permettendole di proseguire nella terapia e riprogrammare concerti in U.S.A. e Australia. Lou Koller, frontman della band Sick of It All, dopo la scoperta di un cancro esofageo aveva interrotto l’attività live e attivato una raccolta online per sostenere i costi delle cure e il mantenimento familiare (il musicista ha recentemente annunciato la propria guarigione). Justin Golden, anch’egli in cura per un raro cancro, ha attivato una campagna che ha mobilitato la comunità americana del blues, superando in poche settimane i 30.000 dollari. Come lui Carvin Jones, chitarrista blues-rock: diagnosticato con un cancro in fase avanzata, ha avviato una campagna supportata da colleghi e fans di lunga data. E poi Matthew Sweet, Jesse Malin, il defunto bassista dei Gang of Four Dave Allen (il cui collega Hugo Burnham, batterista fondatore della band, durante alcuni recenti concerti tornava sul palco dopo i bis per chiedere ai fans di acquistare merchandise per aiutare a coprire le spese per la famiglia di Allen).&nbsp;

La fragilità economica che porta i musicisti a chiedere aiuto per ricevere cure fisiche è la stessa che spesso li priva di accesso continuo a cure mentali: l’intermittenza lavorativa e l’ansia di dover "funzionare" come performer, in un mercato iper-esposto, alimentano il disagio mentale. Così i due temi non solo sono collegati, ma sono facce della stessa crisi di sostenibilità personale nel lavoro musicale attuale.

Forse la più evidente linea di collegamento tra loro è data dalla precarietà e dell’ansia di base: la necessità di ricorrere al crowdfunding per pagare cure rivela e amplifica l’insicurezza strutturale dei musicisti, con la tripletta “incertezza reddituale + lavoro intermittente + assenza di tutele” che assurge a fattore di stress costanti. Tutto questo ha un impatto sulla salute mentale di base: ansia finanziaria cronica, senso di vulnerabilità, burnout.

Ci sono poi lo stigma e la solitudine. Molti musicisti che aprono un crowdfunding per le proprie cure mediche riportano un sentimento di vergogna, spesso dominati dall’idea: “avrei dovuto farcela da solo”. Stigma che raddoppia quando riguarda la salute mentale: ancora più difficile da dichiarare pubblicamente, meno “condivisibile” di una malattia fisica. Così la dinamica di crowdfunding, per alcuni, diventa anche un modo per “legittimare” il proprio bisogno di cura mentale (rendendolo più pubblico e accettabile).

Sempre più artisti, soprattutto freelance e indipendenti, si affidano ai fans per colmare le lacune di un sistema sanitario che li lascia scoperti. I crowdfunding funzionano, ma in modo disuguale: chi ha reti forti raccoglie di più, mentre molti restano invisibili.&nbsp;

Durante il suo discorso di accettazione ai Grammy Awards 2025, Chappell Roan ha colto l’occasione per chiedere a gran voce per gli artisti “un salario dignitoso e un’assistenza sanitaria”.

Con l’avanzare dell’età, la realtà sanitaria è una situazione che i musicisti attivi - come i più tipici tra i lavoratori della “gig-economy” – devono affrontare facendo i conti con redditi che, nel corso dei decenni, sono stati alterni e fluttuanti. Negli Stati Uniti sono spesso gli artisti indipendenti a ritrovarsi con poche risorse per le spese mediche, se si eccettuano quelle coperte dall’Affordable Care Act (ACA), dal Medicare o dai piani assicurativi dei coniugi.&nbsp;

Al di fuori del sistema sanitario statunitense, i musicisti alle prese con i costi delle cure possono ricorrere a diverse risorse — che però raramente coprono tutti i costi necessari in caso di problemi di salute gravi e a lungo termine. I musicisti sotto contratto con le major possono accedere a piani assicurativi forniti dal sindacato SAG-AFTRA, con premi comparabili a quelli dell’ACA.&nbsp;

Esistono poi alcune iniziative stabili e istituzionali che non sostituiscono l’assicurazione sanitaria, ma offrono reti di solidarietà strutturata — spesso cruciali in un settore segnato da precarietà e discontinuità reddituale. I principali sono il Sweet Relief Musicians Fund, attivo dal 1994, che fornisce sovvenzioni ad artisti e ad altri lavoratori del settore musicale attraverso concerti di beneficenza, donazioni e altre risorse, e il MusiCares, programma sociale della Recording Academy che da 35 anni, raccoglie fondi attraverso eventi di alto profilo e nel tempo ha fornito quasi 120 milioni di dollari in assistenza sanitaria a musicisti e operatori del settore.

&nbsp;E’ in questo contesto che l’ormai consolidata pratica del crowdfunding si inserisce, intercettando il concetto di superfans e portandolo a un livello superiore: dal marketing alla solidarietà, fino – appunto – all’assistenza sanitaria.&nbsp;

Il sessantenne Matthew Sweet ha subito un ictus lo scorso ottobre mentre era in tour a Toronto. Nella sua città natale di Omaha sta seguendo un programma di riabilitazione e, per quanto stia migliorando, non può suonare la chitarra o le tastiere, ha problemi alla vista ed è praticamente costretto a casa sulla sedia a rotelle. Quando la moglie di Sweet si rotta una gamba, sono stati costretti ad assumere un’infermiera a tempo pieno, accusando un costo supplementare che non né il Medicare né l’assicurazione ACA del cantante coprono. E’ stata la sua campagna GoFundMe a rimediare, con una raccolta di quasi 640.000 dollari. Tra l’affetto e la solidarietà da parte dei colleghi, il crowdfunding per il caso Sweet si qualifica come la più grande prova di fedeltà da parte dei fans.&nbsp;

Quello dei superfans è un filone del marketing che di recente viene declinato da molte parti della filiera dell’industria musicale in modi diversi, in base a posizionamenti e obiettivi differenti. Tutti questi modi, però, poggiano su un concetto di base: quello della monetizzazione della relazione tra artista/band e fans.&nbsp;

I super-poteri dei superfans sui quali l’industria conta si condensano nella loro conoscenza maniacale dell’artista, nella loro fedeltà cieca nei suoi confronti e in una disponibilità di spesa che trascende i principi con cui aprono il portafogli nelle altre situazioni “normali” e tracima dal loro budget effettivo.

Monetizzazione della carriera? Ecco, se ne hai costruita una nei decenni, magari alternando momenti di gloria e affluenza con fasi cupe e di ristrettezza, la ricompensa può arrivare quando e come meno te l’aspettavi. Tramite un fan che, invece che spendere 20 euro extra per entrare nel pit, te li eroga per pagare l’infermiera. E, come lui, altre migliaia.

Superfans? Quelli veri pagano le spese mediche

In U.S.A. precarietà e sanità privata spingono gli artisti al crowdfunding per cure salvavita

Uno scoop “a orologeria” (l’edizione 2025 della manifestazione prenderà il via proprio domani, 25 giugno) pilotato da ragioni politiche (l’indagine, condotta da una testata storicamente orientata verso un pubblico moderato e conservatore, è incentrata su un personaggio le cui posizioni progressiste sono ampiamente note)? Il sospetto c’è. Il Times ha pubblicato oggi, martedì 24 giugno, un'inchiesta su Michael Eavis, storico fondatore e animatore del festival di Glastonbury, una delle manifestazioni musicali dal vivo più prestigiose al mondo. Secondo la testata fondata nel 1785, il promoter avrebbe orchestrato una strategia societaria per risparmiare diverse decine di milioni di sterline in imposte di successione.

Eavis, 89 anni, lo scorso ottobre ha trasferito la maggior parte delle sue quote nella Glastonbury Festival Events Ltd alla figlia Emily, 45 anni, e a una società fiduciaria. Tre quarti della quote di un’altra società facente capo a Eavis, la Glastonbury Festivals Limited, sono state trasferite a un altro fondo fiduciario. Fondata nel 1992, la società - oltre a detenere i diritti del festival e di tutti i marchi a esso correlati - distribuisce la maggior parte dei profitti generati dall’azienda a enti benefici come Oxfam, Greenpeace e WaterAid.

Secondo la legge britannica, a partire dal 2026 le imprese familiari saranno soggette a un'aliquota d’imposta sulle successioni del 20% sul loro valore superiore a 1 milione di sterline.

Pur essendo molto difficile - se non impossibile - stabilire il valore del festival (analisti interpellati dal Times stimano che l’attività possa essere quotata tra i 150 e i 400 milioni di sterline), nel 2024 la Glastonbury Festival Events Ltd ha visto il proprio fatturato del 20%, arrivando a quota 68 milioni di sterline. Il quotidiano britannico ritiene che il trasferimento delle quote di Glastonbury Festival Events Ltd alla figlia e di Glastonbury Festivals Limited a una fiduciaria potrebbero far risparmiare a Eavis quasi 80 milioni in tasse di successione.

Benché, solo nel 2024, Glanstonbury abbia corrisposto a enti benefici poco meno di 6 milioni di sterline, per il fisco britannico le aziende riferibili alla famiglia Eavis sono considerate entità private, sottoposte alla tassazione standard prevista per le aziende.

I portavoce del festival, definendo la stima del Times “estremamente speculativa”, hanno precisato come Eavis e la sua famiglia, da sempre sostenitori del partito laburista britannico (tanto da invitare, nel 2017, Jeremy Corbyn a tenere un comizio sul Pyramid Stage, il palco principale della manifestazione), “sono sempre stati e sempre saranno felici di fornire il proprio contributo” al bilancio dello stato.

“Con l'avvicinarsi del suo novantesimo compleanno, Michael Eavis ha portato avanti il ​​suo piano di lunga data di passare le redini del festival a sua figlia Emily”, hanno precisato al Times i rappresentati di Glastonbury: “Negli ultimi anni è già stata Emily a occuparsi&nbsp;dell'organizzazione dell'evento, e questi ultimi cambiamenti sono stati semplicemente una parte di quel processo”.

Festival di Glastonbury: Michael Eavis, il Times e le tasse…

Il quotidiano mette sotto la lente di ingrandimento l'assetto societario dietro alla manifestazione

Sessant'anni fa, come oggi, i Beatles suonarono due volte al velodromo Vigorelli di Milano. Quel giorno Bruno Tibaldi, prima musicista poi discografico, c'era, sul palco con l'orchestra Le Ombre di Augusto Righetti (nella foto dell'articolo) - e c'era anche la sera dopo il secondo spettacolo, quando i quattro andarono a concludere la giornata nel locale dove lui suonava. Mi sono fatto raccontare i suoi ricordi (che trovate nel video sotto) e mi sono fatto mandare le foto di alcuni cimeli che trovate sempre in questo articolo, più in basso (ne parla Tibaldi nella nostra chiacchierata).

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Leggi anche:&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-752653/la-caccia-alle-fab-four-1965-del-vigorelli-50-anni-dopo">La caccia alle "Fab Four 1965" del Vigorelli - 50 anni dopo</a>

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Cartolina promozionale delle Ombre di Augusto Righetti: Tibaldi è il secondo da destra.

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Le Ombre in azione; Tibaldi è il primo da destra

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Bruno Tibaldi, oggi e ieri

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Fotoricordo al Charlie Max: dietro i Beatles il patron del locale, dietro di lui Bruno Tibaldi, il primo da destra è Mal Evans

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Tracolla autografata da George Harrison

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Tracolla autografata da John Lennon

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La tracolla-reliquia

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Spartiti dei Beatles autografati

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Autografo di McCartney, anni Ottanta

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Il basso Hofner di Bruno Tibaldi

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Tibaldi "a Abbey Road"

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Bruno Tibaldi, oggi

Beatles a Milano, 60 anni fa. Bruno Tibaldi: "Io c'ero, e..."

I ricordi di quella giornata memorabile nelle parole di un testimone oculare (e protagonista)

Il semplice fatto di non produrre più grandi quantità di supporti fisici in plastica non significa che la musica sia diventata più ecologica, ma lo è più di tanti altri settori: lo evidenzia uno studio dell'associazione&nbsp;Greenly, che ha analizzato i dati dei principali DSP per verificare quale sia il loro effettivo impatto ambientale.

In base ai risultati, ad esempio, un utente medio di Spotify sarebbe annualmente responsabile dell'emissione di 276 grammi di&nbsp;CO₂e (la misura di equivalenza dell'anidride carbonica). Il che non è pochissimo, se si moltiplica per tutti gli utenti del mondo, ma resta comunque molto meno dell'impronta ecologica di altri settori dell'entertainment. In ambito video, a quanto sembra, la situazione è molto più impattante: un utente Netflix produrrebbe&nbsp;17 kg di&nbsp;CO₂ all'anno, e uno di Prime Video di 13,5 kg.

Uno studio quantifica l'impatto ambientale dello streaming

Condotto dall'associazione Greenly, evidenzia che l'impronta ecologica dei DSP è piuttosto ridotta

Ogni giorno oltre 10.000 tracce create con l'intelligenza artificiale generativa vengono caricate su Deezer, con conseguenze immaginabili sull'andamento delle ripartizioni dei proventi dello streaming.&nbsp;Per contrastare questa tendenza, il DSP ha annunciato di avere implementato un AI detector unico nel suo genere, presentato in anteprima nei giorni scorsi nell'ambito della France Music Week.

Stando a quanto dichiarato dalla società parigina, lo strumento in questione sarebbe in grado di riconoscere&nbsp;il 100% delle tracce generate tramite sistemi come Suno e Udio. Si basa su una sorta di tagging system, cioè sull'assegnazione di "etichette" specifiche ai brani che presentano determinate caratteristiche comuni. Per il momento riconosce le tracce interamente generate dall'AI, e non quelle che prevedono un contributo umano, ma sarebbe anche in grado di escluderle automaticamente dalle playlist e dal pagamento di eventuali royalties. Che comunque sono spesso anch'esse frutto di manipolazione artificiale: fino al 70% degli ascolti dei brani generati dall'intelligenza artificiale&nbsp;sarebbero anch'essi frutto di bot e altri sistemi fraudolenti.

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Deezer implementa un nuovo sistema di AI detector 

L'obbiettivo è intercettare le oltre 10.000 tracce generate dall'AI e caricate ogni giorno sul DSP

Il settore dell’editoria musicale negli Stati Uniti, lo scorso anno, ha generato ricavi per 7,04 miliardi di euro, crescendo del 13,41% rispetto al 2023: a rivelarlo è stato David Israelite, presidente della National Music Publishers’ Association.

Secondo l’associazione che rappresenta gli editori musicali degli Stati Uniti, la crescita registrata nel 2024 è la decima consecutiva a doppia cifra, nonostante la diluizione delle royalties generate da Spotify causata dal sistema di bundling tra contenuti musicale e audiolibri messo a punto dai gestori del DSP svedese sia costato al comparto 230 milioni di dollari solo negli ultimi dodici mesi. Di contro, il 26,74% delle entrate iscritte a bilancio lo scorso anno - poco meno di due miliardi di dollari - sono da attribuire a nuove entità non legate prima al settore da accordi di licenza.

Nel discorso di presentazione dei dati di NMPA riferiti allo scorso anno, Israelite ha individuato come principale criticità la mancata coesione tra artisti, soprattutto nella dialettica tra editore e piattaforme per avere un trattamento più equo - anche se, negli USA, il divario in termini di ricavi si sta via via assottigliando, con 11,3 miliardi generati dalla discografia contro i 7,04 ascrivibili all’editoria).

"Chi lotta per ottenere compensi equi per gli autori viene a volte attaccato dagli stessi autori che vorrebbe aiutare", ha spiegato Israelite: "Succede perché alcuni autori sono anche artisti, che vedono queste piattaforme da una prospettiva diversa. E questa dinamica può farci implodere".

"Faccio appello ad artisti, manager ed etichette discografiche affinché si schierino al fianco degli autori che non si esibiscono, ovunque e in qualsiasi momento svolgano un'attività”, ha aggiunto Israelite: “C'è l'opportunità di fare una differenza significativa nel reddito degli autori se ci uniamo tutti. E tutti noi dobbiamo impegnarci di più per spiegare le ragioni per cui siamo coinvolti in queste controversie, in modo che gli autori abbiano le informazioni necessarie per farsi aiutare".

Publishing, negli USA nel 2024 ricavi sopra i 7 mld di dollari

Per l’NMPA è il decimo anno consecutivo di crescita a due cifre

Da sempre molto attenti all’impatto ambientale delle proprie attività, i Coldplay hanno annunciato la ripubblicazione di tutti gli album del proprio catalogo in formato EcoRecord: i dischi torneranno disponibili sotto forma di vinili bianchi trasparenti da 140 grammi realizzati con bottiglie di plastica riciclata, utilizzando la tecnologia di stampaggio a iniezione che riduce le emissioni di carbonio durante la produzione di ben l'85% rispetto alla produzione tradizionale di vinile.

“Un EcoRecord suona e ha la stessa qualità di un disco in vinile tradizionale, ma è stato prodotto utilizzando polietilene tereftalato (PET) riciclato al 100%, un materiale leggero e resistente, facilmente riciclabile e progettato per un'economia circolare, contribuendo in modo significativo alla riduzione delle emissioni di trasporto e dell'impatto ambientale a fine vita”, ha spiegato lo staff della band: “Casciun LP da 140 g stampato a iniezione è realizzato, in media, da nove bottiglie di plastica PET riciclata. Queste bottiglie vengono recuperate nell'ambito di un processo noto come riciclo post-consumo (PCR), dove vengono pulite, trasformate in piccoli pellet e quindi stampate in nuovi articoli. Mentre gli EcoRecord possono essere realizzati sia in PET vergine che in PET riciclato (rPET), i Coldplay hanno scelto di utilizzare esclusivamente rPET per tutti i loro prodotti EcoRecord”.

"Siamo incredibilmente orgogliosi di collaborare con artisti come i Coldplay che condividono il nostro impegno per un futuro più sostenibile per la musica”, ha commentato Jen Ivory, Amministratore Delegato di Parlophone, l’etichetta del gruppo: “Il passaggio a EcoRecord LP per le loro uscite è una testimonianza di ciò che è possibile quando l'innovazione incontra l'intenzione. Non si tratta solo di un nuovo prodotto; si tratta di una produzione pionieristica che riduce significativamente l'impatto ambientale, offrendo ai fan la stessa esperienza audio di alta qualità e stabilendo al contempo un nuovo standard per la produzione musicale fisica".

Coldplay, il catalogo ristampato in versione EcoRecords

Tutti gli album tornano disponibili sotto forma di vinili realizzati con plastica riciclata

"La France Music Week lascia un retrogusto contrastante", sottolinea la prestigiosa testata francese Libération. Non solo per gli incidenti che si sono svolti nel corso del concerto finale (si parla di 145&nbsp;donne punte da siringhe in tutta la Francia, di cui 13 a Parigi, dopo che era stata lanciata una perversa&nbsp;sfida social in tal senso). Le critiche riguardano più gli esiti delle varie discussioni che la cronaca, però.

L'evento prevedeva un budget titanico, oltre 7 milioni di euro, e una partecipazione politica massiccia, da quella della ministra della cultura Rachida Dati a quella del presidente Macron, che ha ospitato all'Eliseo la cerimonia di chiusura. L'intenzione della France Music Week era quella di promuovere "la ricchezza della creatività musicale francese", come ha sottolineato la ministra Dati, "la cui diversità è la chiave di volta". Presenti tutti gli attori principali della filiera: le major e le indipendenti più importanti come Believe, i DSP, Sacem, le agenzie di booking e via dicendo. Con una grande attenzione, almeno da parte del governo, alla giusta remunerazione degli artisti e del prodotto del diritto d'autore. Ma&nbsp;dal palco della France Music Week arrivano anche messaggi un po' controversi su una delle principali battaglie dell'industria musicale: la regolamentazione dell'intelligenza artificiale generativa. Secondo alcuni ospiti e analisti, infatti, sarebbe un grande vantaggio per l'intera industria perché "ridurrebbe i tempi e i costi" di produzione della musica; al contrario, accanirsi sulla difesa a tutto campo del diritto d'autore e degli artisti rischia di essere controproducente e di far perdere eventuali guadagni anche ai creatori umani. Affermazioni che, chiaramente, non hanno fatto piacere a molti dei diretti interessati.

Sul fronte dei numeri e della partecipazione istituzionale, insomma, si può dire senza tema di smentita che la FMW sia&nbsp;stata un successo. La critica principale giunta dalla scena musicale francese, però, riguarda soprattutto la gestione "governativa", che da una parte ha organizzato l'evento per promuovere lo sviluppo del mercato locale e per attrarre nuovi capitali in patria, ma dall'altra (lamentano alcuni) taglia in maniera drastica le risorse destinate alla cultura (lo scorso aprile si parlava di 114 milioni di tagli al budget per il 2025). E sembra inoltre fortemente indecisa su come schierarsi su temi cruciali per il futuro dell'industria stessa.

Com'è andata la France Music Week?

Si è conclusa questo fine settimana la manifestazione parigina omonima della nostra Music Week

In attesa dell’esito del negoziato tra Comune di Sanremo e RAI in merito all’organizzazione del prossimo Festival della Canzone Italiana, il settore discografico - che da anni reclama un trattamento economico più equo da parte dell’amministrazione cittadina e del servizio pubblico - ha lanciato un ultimatum alle controparti: se la RAI accetterà - come previsto dal bando oggetto trattative in questi giorni - di aumentare il corrispettivo da versare al Comune di Sanremo a discapito delle aziende partecipanti all’evento, le etichette potrebbero entrare in sciopero e decidere di disertare il teatro Ariston. A dichiararlo, a Fanpage, è Enzo Mazza, CEO di FIMI, associazione di categoria che rappresenta in Italia le multinazionali discografiche.

Per Mazza è inaccettabile che al Comune venga aumentato il corrispettivo a fronte di una situazione di sofferenza pregressa del comparto della musica registrata:

<blockquote>
“Gli unici due soggetti che investono sull’evento sono RAI e l’industria discografica, la cui produzione dei brani in gara alimenta un’intera filiera. (...) L’unico soggetto che in modo parassitario beneficia di questi investimenti è la città di Sanremo, i cui investimenti sono assenti e punta soltanto a massimizzare dal punto di vista turistico e di immagine l’evento. Sarebbe veramente il colmo che RAI aumentasse il corrispettivo per il Comune di Sanremo e addirittura desse una percentuale dei ricavi pubblicitari”.
</blockquote>

Quindi, da parte di Mazza, l’annuncio dell’aut aut. Se RAI e Comune non dovessero tenere conto dei costi sostenuti dalle etichette per partecipare al Festival - in media “120mila euro ad artista a fronte di un contributo di RAI inferiore ai 65 mila euro” - FIMI non esiterebbe a disertare la manifestazione:

<blockquote>
“Siamo pronti disimpegnarci e a tirarci indietro”
</blockquote>

Quello minacciato da Mazza non sarebbe il primo “boicottaggio”, da parte della discografia, nella storia del Festival: più che quello del 2004, quando a far fare un passo indietro alle case discografiche furono dissidi con l’allora organizzatore della manifestazione Tony Renis, un precedente di quanto rischierebbbe di&nbsp;succedere il prossimo mese di febbraio potrebbe essere rintracciato nell’edizione del 1975, quando le label rifiutarono di far scendere in gara artisti di punta lasciando il concorso ad artisti emergenti o poco noi. Come ricostruito da Eddy Anselmi nel volume “Il Festival di Sanremo” (De Agostini, 700 pagine, 2020), “alle case discografiche che chiedono di mantenere una categoria di interpreti affermati da inviare direttamente in finale, l’assessore Cavaliere (al quale era stata affidata la supervisione dell’evento, ndr) oppone un secco rifiuto, imponendo, al contrario, agli autori di presentare provini solo strumentali per valorizzare meglio le canzoni e non influenzare la commissione. Gli industriali del disco reagiscono privando il festival dei ‘big’”. L’edizione fu vinta da Gilda con il brano “Ragazza del sud”, seguita Angela Luce (con “Ipocrisia”) e Rosanna Fratello (con “Va’ speranza va’”).

Sanremo 2026, FIMI: ‘Pronti a tirarci indietro’

Discografici in polemica con il Comune, che ‘beneficia degli investimenti in modo parassitario’

Da anni impegnato nell’affiancare alla propria attività musicale una solida carriera da imprenditore, Wyclef Jean ha approfittato dell’ultima edizione della Indie Week - tenutasi a New York tra gli scorsi 9 e 12 giugno - per lanciare OpenWav, una nuova piattaforma digitale progettata con lo scopo di offrire le massime opportunità di monetizzazione agli artisti indipendenti. Co-fondata dal già Fugees insieme a Jaeson Ma (che ha già affiancato Jean nel lancio di 88rising, ora coinvolto nel ruolo di CEO), e con l’ex Nike e Googe Erit Tu nel ruolo di COO e l’ex Sony Music e Amazon Music Madeline Nelson come consulente, OpenWav è stata presentata come “piattaforma musicale di nuova generazione pensata per gli artisti indipendenti” in grado di permettere ai propri iscritti di accorpare le attività di streaming e vendita di merchandising e biglietti eliminando del tutto gli intermediari, e quindi ottimizzando al massimo i ricavi.

L’offerta, hanno spiegato i gestori di OpenWav, “mette in collegamento contenuti, commercio e community, consentendo agli artisti di monetizzare i superfan tramite biglietteria, merchandising, abbonamenti, uscite esclusive e strumenti di intelligenza artificiale, il tutto senza intoppi e con la piena proprietà". La piattaforma rende disponibili a propri iscritti strumenti di analisi delle attività e altri tool - come, per esempio, uno dedicato all’editing e all’invio di newsletter - per comunicare direttamente con la propria fan base senza l’inserimento di pubblicità.

Wyclef Jean lancia OpenWav

Presentata a New York la nuova piattaforma dedicata agli indipendenti

Con la reunion degli Oasis, ormai il tour è sempre più vicino, la band di Manchester ha annunciato una collaborazione ufficiale con Adidas per una linea di abbigliamento celebrativa, disponibile durante il tour mondiale e nei canali ufficiali del brand. A Manchester è stato aperto anche uno store, <a href="https://www.oasisitalia.it/blog/prime-foto-esclusive-del-primo-pop-up-store-di-manchester-e-ci-sono-delle-sorprese">le cui foto sono diventate immediatamente virali come racconta Oasis Italia</a>. L’iniziativa, intitolata “Original Forever”, segna il primo vero incontro tra il gruppo e il colosso tedesco dell’abbigliamento sportivo, nonostante un legame estetico e culturale che dura da oltre trent’anni. La capsule Oasis Live ’25 x Adidas Originals include capi ispirati agli anni ’90, reinterpretati in chiave moderna: tracksuit, jersey a maniche raglan, bucket hat, coach jacket, disponibili in versione bianca, nera e blu. 

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Il vice presidente del marchio, Chris Walsh, ha dichiarato: “Adidas e Oasis condividono una storia definita da originalità e impatto culturale, con radici profonde nel tessuto della musica e dello stile. Questa collaborazione ufficiale non è solo l’unione di due icone, ma la celebrazione di un pezzo intramontabile di storia della cultura musicale. Con Original Forever, continuiamo a costruire sull’eredità di Adidas nella musica, rendendo omaggio al ruolo che lo stile gioca nella cultura di ogni generazione.” La collezione viene lanciata proprio in concomitanza con il tour Oasis Live ’25, che segnerà la prima volta dal 2009 che i fratelli Gallagher torneranno insieme su un palco. Lo spot promozionale della campagna, sulle note della celebre “Live Forever” tratta dall’album di debutto “Definitely Maybe” (1994), ripercorre la storia del gruppo con un taglio nostalgico ma contemporaneo.

Oasis

Oasis e Adidas insieme: il merch per celebrare la storia

L’operazione è stata lanciata da uno spot e a Manchester è stato aperto uno store.

Andare oltre il semplice concerto per diventare esperienza. Questo l’obiettivo che gli organizzatori si sono posti per <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/la-notte-di-certe-notti-ligabue-campovolo-2025-505306">“La notte di certe notti”</a>, quinto passaggio a Campovolo di Luciano Ligabue che, sabato 21 giugno, <a href="https://www.rockol.it/news-752691/ligabue-concerto-notte-certe-notti-campovolo-2025-canzoni-scaletta">ha celebrato - oltre ai trent’anni di “Buon compleanno Elvis - il ventennale del primo Campovolo (e dell’album “Nome e cognome”) e i trentacinque anni di carriera del cantautore di Correggio</a>. “E’ decisamente qualcosa di più di un semplice live”, spiega Ferdinando Salzano, patron di Friends &amp; Partners che con Zoo Aperto (la società che fa capo all’artista) e Double Trouble (agenzia di management di Max Brigante e Jacopo Pesce), ha coordinato l’evento: “Ci siamo fatti questo regalo, allestendo un unico contenitore dedicato in toto a Luciano”.

Un’esperienza che ha previsto l’apertura dell’area della RCF Arena per oltre 48 ore - dalle 12 di venerdì 20 giugno alle prime ore di domenica mattina, con la giornata di venerdì aperta a tutti, anche a chi non possiede il biglietto per il concerto - e che ha offerto, oltre al palco, anche la Liga Street, area dedicata alla ristorazione, alle attività collaterali (esibizioni di tribute band, cinema all’aperto, intrattenimenti sportivi, un toro meccanico, food truck con oltre 20 menù diversi, un museo con memorabilia e una galleria fotografica e una sala giochi con otto flipper tematici dedicati a Ligabue) e ai talk con i più fidati collaboratori dell’artista.

Il format sarà replicato, come serie di eventi “unici e preziosi”, sia in Italia che all’estero. Dopo la tappa del prossimo 6 settembre alla Reggia di Caserta, “La notte di certe notti” partire per un tour europeo di otto date (a Barcellona, Madrid, Parigi, Londra, Utrecht, Bruxelles, Lussemburgo e Zurigo), per poi approdare nel nord Italia il prossimo 20 giugno allo stadio Meazza di San Siro, a Milano. “Ieri sera, girando per la Liga Street, ci siamo accorti che questa festa sta andando oltre ogni aspettativa”, spiegano Salzano e Marco Ligabue, stimando in almeno 10mila unità l'affluenza di pubblico nella serata di venerdì: “Sull’onda dell’entusiasmo ci siamo confrontati anche con Luciano e abbiamo pensato di portare questa festa anche al nord, nel primo stadio che ha ospitato un suo concerto".

“Lo spirito era cercare di fare qualcosa di più dei ‘vecchi’ Campovolo”, ha precisato Marco Ligabue, fratello di Luciano, a capo di Zoo Aperto e animatore del suo fan club: “Abbiamo previsto anche un’area dedicata ai bambini. E ci siamo impegnati perché la Liga Street fosse anche bella da vedere, con dei truck food al posto dei tradizionali stand”. Grande attenzione è stata riservata anche alla sostenibilità, con una porzione apposita dello spazio dedicata alle associazioni solidali - tra le altre, La Collina, comunità di recupero diventata anche azienda agricola biologica - e un corner riservato a Charity Stars, piattaforma che ha messo online quattro cimeli appartenuti a Ligabue il cui ricavato dalle vendite sarà interamente devoluto alla stessa La Collina.

Riguardo l’affluenza, per Salzano “tutto è andato secondo i piani”, con 100mila biglietti venduti e operazioni in partnership con Eventinbus (che ha operato transfert da oltre 250 città italiane) e Frecciarossa, che ha approntato treni speciali. Parlando di prevendite, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752674/live-salzano-fandp-perdere-l-ossessione-per-il-sold-out">ineludibile è stato il tema dei sold out “forzati” da svendite e omaggi di tagliandi</a>, fenomeno non nuovo agli addetti ai lavori portato all’attenzione del grande pubblico pochi giorni fa da un <a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">post social di Federico Zampaglione</a>. “E’ una pratica completamente scorretta”, osserva il fondatore di F&amp;P: “Credo, tuttavia, che ci sia stato in certo gigantismo nella descrizione di quanto avvenuto da parte dei media. Gli artisti non sono pupazzi o burattini, ma teste pensanti autonome nelle proprie decisioni. Una cosa è certa: i biglietti devono mantenere i prezzi che hanno nel momento in cui vengono annunciate le prevendite. Poi, certo, i tagliandi resi disponibili a prezzi speciali per alcune categorie sono sempre esistiti, ma con numeri limitatissimi”.

“La mia politica con Friends &amp; Partners, e quella di Ligabue, è sempre stata quella di negare i biglietti omaggio, anche per i contest delle radio - come, per esempio, quello attivato in questi giorni per il reunion tour degli Oasis, che di certo non ha problemi in termini di vendite”, prosegue Salzano: “Considerate che la Liga Street, alle aziende partner, è costata 350mila euro. E che noi, a entità come Pizzaut, abbiamo garantito un contributo economico”. Niente isterie o sensazionalismi, dunque, soprattutto da parte di chi lavora dietro le quinte dei grandi eventi. “Se questa vicenda ci ha insegnato qualcosa”, spiega Salzano, “è che occorre una grande cautela nell’utilizzare la parola sold out. E noi organizzatori dovremmo perdere l’ossessione per il ‘tutto esaurito’. Non credo alla narrazione fatta trapelare dai media di un settore in sofferenza. Al contrario: il mercato della musica dal vivo è florido, e a dirlo sono i dati comunicati da SIAE. Quindi non vedo nubi all’orizzonte. E’ importante che il messaggio sia arrivato, anche in modo molto chiaro: tutti dobbiamo darci una regolata, e le informazioni vanno date in modo corretto. Ma non è il caso di credere ad allarmismi. Il pubblico è felice di andare ai concerti, e i promoter continuano ad annunciare date”.

“Il fatto è che il mondo della musica dal vivo è diventato maledettamente competitivo”, ribadisce lo stesso Ligabue nel corso dell’incontro con la stampa nel backstage: “Se da un giorno all’altro, dal provino in casa, non arrivi il giorno dopo a fare uno stadio, sembra ci sia qualcosa che non va. Ci deve essere invece un tempo di maturazione e quindi, se queste tecniche&nbsp;esistono veramente e sono messe in atto, non fanno bene di sicuro né alla musica né agli stessi artisti.”.

Sul concept di “La notte di certe notti”, Ligabue è assolutamente allineato con il proprio staff. “Si può dire che Campovolo ci sfuggì quasi di mano, la prima volta”, spiega l’artista: “Lo organizzammo con due agenzie - Friends &amp; Partners e Barley Arts - e nessuno immaginava potesse arrivare tanta gente. E’ vero, il set up con quattro palchi non funzionò. Ma ricordo le facce delle prime file del pubblico durante l’ultima canzone in scaletta, ‘Urlando contro il cielo’: le ho ancora davanti agli occhi, fotogramma per fotogramma. Via via che si sono fatti gli altri Campovolo, ogni volta c’era la sensazione che la festa non si esauriva con il concerto, e da qui è partita l’idea di questi due giorni di festa”.

Indispensabile, per Ligabue, è stato il lavoro con il suo team. “Abbiamo lavorato sodo tutti”, ha aggiunto l’artista: “Siamo arrivati a questo risultato grazie a un continuo confronto con una squadra nella quale ripongo totale fiducia. Il concept di Las Vegas, per esempio, è stata un’idea di Double Trouble”.

La venue che ospita “La notte di certe notti”, la RCF Arena, ultimamente è stata messa in discussione - soprattutto a livello locale - per lo scarso numero di show ospitati. “Sono convinto che resti una delle location all’aperto più belle d’Europa”, chiarisce Salzano (che oggi con F&amp;P non si occupa più della programmazione, affidata alla società C.Volo): “Fu progettata come un sogno partorito dalla mente di Claudio Maioli (l’ex manager di Ligabue, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742625/claudio-maioli-si-ritira-va-in-pensione-il-manager-di-ligabue">andato in pensione lo scorso anno</a>, ndr) - non c’era la stessa competizione che c’è oggi nell’offrire spazio per mega-concerti outdoor. Poi il settore del live è esploso, e quello che è successo lo sappiamo tutti. Premetto di non essere più coinvolto nella programmazione della venue, ma posso dire che gli artisti internazionali che si sono esibiti qui sono rimasti assolutamente colpiti dalle qualità dell’Arena. Sono sicuro che in futuro decollerà, ma non aspettatevi un gran numero di show, perché non sono tanti gli artisti a potersi permettere uno spazio del genere”.

Nella setlist della “Notte di certe notti” non è mancata “Il mio nome è mai più”, brano scritto e interpretato da Ligabue con Jovanotti e Piero Pelù pubblicato nel 1999 i cui proventi dalle vendite furono interamente devoluti a Emergency. Data l’attenzione all’attualità riservata da Ligabue per il suo quinto Campovolo, è ipotizzabile il ripetersi di un’operazione del genere? “Le canzoni si possono scrivere per esprimere la propria indignazione, ma non è detto che possano avere lo stesso effetto, data la massa di informazioni dalla quale siamo sovrastati oggi”, spiega Ligabue: “Quando uscì ‘Il mio nome è mai più’ si vendevano ancora i dischi, e grazie alle vendite della canzone (che si piazzò in testa alla classifica dei singoli più venduti nel 1999 in Italia, ndr) pagammo a Emergency due ospedali in Afghanistan. Oggi non sono sicuro che con lo streaming, anche con chissà quanti milioni di ascolti, sia possibile fare la stessa cosa. Nel 1999, poi, usciva un millesimo della musica che esce adesso. Oggi i singoli durano una o due settimane, un mese e mezzo quando va bene: il segno che&nbsp;riescono a lasciare è diverso”.

Per l’occasione a Ligabue è stata consegnata la targa SIAE per “Certe notti” come brano presente nella top ten delle canzoni più eseguite dal vivo nel 2024, con 32.213 performance registrate dai borderò della collecting lo scorso anno. “Come SIAE siamo orgogliosi di consegnare a Luciano Ligabue il deposito di una canzone che continua ad avere un grande successo: ancora lo scorso anno Certe notti era nella top ten delle&nbsp;canzoni più eseguite in Italia con 32.213 performance”, ha commentato il Presidente della Società Italiana degli Autori ed Editori Salvatore Nastasi: “Grazie per aver scritto un pezzo che ci fa sentire complici, ribelli, veri. Grazie per aver scritto un pezzo che non si ascolta, ma si vive. Ogni volta che la notte chiama”.

Ligabue

Ligabue, dietro le quinte di ‘La notte di certe notti’

100mila presenze per ‘un regalo all’artista’ che sarà replicato, in Italia e all'estero

Si terrà tra il 16 e il 20 giugno 2026 la prossima edizione di Medimex International Festival &amp; Music Conference, evento promosso da Puglia Culture nell’ambito delle azioni di Puglia Sounds la cui edizione 2025 si sta concludendo in queste ore con il concerto dei Massive Attack.

“Si conclude Medimex con il concerto dei Massive Attack che per noi sono una conclusione importante e coerente con tutti i significati che abbiamo voluto dare in questi anni a questa manifestazione sostenuta dalla Regione Puglia: la pace, la creatività, le giovani generazioni; lo sconvolgimento delle regole per tutelare l'ambiente e la salute delle persone, per evitare il riscaldamento terrestre, la mancanza d'acqua, o lo sfruttamento del lavoro - il commento del presidente di Regione Puglia Michele Emiliano – Questioni che depurate dal loro contenuto politico e ideologico devono diventare patrimonio dell'umanità intera. Noi pensiamo che a volte siano più convincenti i musicisti degli statisti nel raccontare queste cose.&nbsp;Anche stasera, come nelle altre edizioni del Medimex, non saliremo sul palco. Abbiamo sempre lasciato fare alla musica.&nbsp; In questo mio ultimo Medimex da presidente della Regione, ringrazio&nbsp; tutti coloro che hanno contribuito alla riuscita della manifestazione in un momento delicato per l’amministrazione di Taranto e anche per questo rinnovo gli auguri a questa bellissima città alla quale io sono legato moltissimo”.

“Medimex tornerà a Taranto dal 16 al 20 giugno 2026 – ha annunciato Paolo Ponzio, presidente Puglia Culture - Questa edizione è stata un grande successo e ha avuto un impatto importante sulla città e sulla regione. Abbiamo costruito un programma imponente, che come di consueto associa concerti prestigiosi ad appuntamenti di grande spessore culturale e professionale. Abbiamo cercato di portare in Puglia il meglio della musica italiana ed internazionale creando un forte dialogo con il comparto musicale regionale.&nbsp; Ci vediamo a Taranto il prossimo anno".

“Di anno in anno le aspettative sul Medimex crescono. In molti ci chiedono come faremo l'anno successivo a tenere botta rispetto al precedente e noi ce la mettiamo tutta. Basti pensare che già in questi giorni stiamo lavorando al Medimex 2026 – il commento di Cesare Veronico, coordinatore artistico Medimex/Puglia Sounds – È stato un Medimex ricco di soddisfazioni. L'entusiasmante concerto dei Primal Scream, l' ipnotico show di St Vincent e il viaggio così ricco di messaggi e suggestioni che ci aspetta con i Massive Attack. I sorprendenti live de "Le Strade del Mediterraneo",&nbsp; l'atmosfera internazionale che si è respirata durante gli showcase allo Spazioporto, la platea sempre piena del Teatro Fusco, la bellezza della mostra al Marta. L'emozione, condivisa con tutta la città, del mapping e i sorrisi e l'attenzione di chi ha partecipato alle attività in programma all'università. Un'iniezione di fiducia per il futuro in questi tempi così difficili. Abbiamo battuto il record di vendita degli abbonamenti, registrato numerosi sold out e tutta la macchina, una macchina complessa, ha funzionato alla perfezione. Come ho già detto, ma sento il bisogno di ribadirlo, è merito di una grande squadra di donne e uomini, quest'anno arricchita dalla presenza di Diodato e Riondino, che ormai da giorni lavorano incessantemente per regalare a tutti grandi emozioni. Ci vediamo a Taranto nel 2026”.

“Grazie al Medimex per aver ancora una volta acceso i riflettori su Taranto a nome di quel gruppo di&nbsp; pazzi che una decina di anni fa si sono messi in testa di provare a cambiare le cose partendo proprio dalla cultura –&nbsp; ha dichiarato Antonio Diodato&nbsp; - Organizzare una manifestazione come Uno Maggio Libero e Pensante è servita anche a far scegliere Taranto da un evento importante come il Medimex. Sono molto felice, vivo questi giorni come dei giorni di grande festa. Il tema del Medimex quest'anno è la strada e io ho cercato in tutti i modi di portare al centro il Mediterraneo invitando La Niña, Bab L’Bluz e Magalí Datzira a raccontare il mare nostro e il potere che ha la musica di abbattere le barriere e portare un messaggio di pace”.

Medimex, appuntamento nel 2026 dal 16 al 20 giugno

La music convention conferma le date della prossima edizione


Nella Classifica UK album della settimana dal 20 giugno 2025 al 26 giugno 2025, in prima posizione irrompe&nbsp;JAMES MARRIOTT con il suo album DON'T TELL THE DOG, che debutta direttamente al vertice della chart. In seconda posizione salgono&nbsp;dalla quattordicesima piazza gli&nbsp;OASIS con TIME FLIES - 1994-2009, mentre sul gradino più basso del podio si&nbsp;attesta&nbsp;SABRINA CARPENTER con l'album SHORT N' SWEET, che guadagna una posizione rispetto alla settimana precedente.

Oltre a quella già citata, le nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica sono:

<ul>
	<li>MIXES OF A LOST WORLD di CURE, che debutta in nona posizione</li>
</ul>

Nella Classifica UK singoli per la settimana dal 20 giugno 2025 al 26 giugno 2025, il brano ORDINARY di ALEX WARREN sale dalla seconda posizione alla prima, scalzando così MANCHILD di SABRINA CARPENTER, che scende dalla prima alla seconda posizione. In terza posizione rimane stabile LOVE ME NOT di RAVYN LENAE.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

James Marriott

Classifiche UK, novità 20 giugno: James Marriott subito in vetta

'Don't tell the dog' è l'album più ascoltato della settimana

Nella Top Album FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la vetta della classifica vede un cambiamento significativo. In prima posizione si afferma il nuovo ingresso IO NON SAREI di ALESSANDRA AMOROSO, seguito - in seconda posizione - da&nbsp;MEDITERRANEO di BRESH, in discesa dal primo posto. In terza posizione debutta&nbsp;1998 di COEZ.

Non si segnalano altre&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

Per la settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF vede&nbsp;ANNA&nbsp;debuttare in vetta con il brano DÉSOLÉE, che scalza&nbsp;ALFA &amp; MANU CHAO con A ME MI PIACE&nbsp;dalla posizione numero uno. In terza posizione troviamo W SOUND, BEÉLE &amp; OVY ON THE DRUMS con LA PLENA, in discesa dalla seconda piazza.

Oltre a quella già citata, tra le nuove entrate nella top ten si segnalano:

<ul>
	<li>NON BASTA MAI di CAPO PLAZA FEAT. BRESH &amp; TONY EFFE che entra alla settima posizione</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.&nbsp;

Alessandra Amoroso

Classifiche, novità 19 giugno: Alessandra Amoroso al numero uno

'Io non saprei' è l'album più ascoltato della settimana

Regalare o vendere biglietti a prezzi fortemente scontati per riempire le grandi venue? “E’ una pratica completamente scorretta”. A dichiararlo è Ferdinando Salzano (nella foto, alla sinistra di Marco Ligabue, fratello di Luciano), fondatore di Friends &amp; Partners, a margine di “La notte di certe notti”, il mega-evento che - domani, sabato 21 giugno - avrà per protagonista Luciano Ligabue alla RCF Arena di Campovolo, a Reggio Emilia.

Pur comprendendo il clamore suscitato dal tema a livello mediatico (grazie anche a&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">un post di Federico Zampaglione</a>), Salzano crede che la portata del fenomeno sia stata ingrandita dai media. “Credo ci sia stato del gigantismo rispetto a quanto effettivamente avvenuto”, ha spiegato il promoter: “Non è vero che il mercato del live è sterile. Anzi, è florido, e a confermarlo sono i dati di SIAE”.

Sulla pratica di scontare i prezzi in corsa a seconda dell’andamento delle prevendite, per Salzano “i prezzi devono essere mantenuti stabili rispetto a quelli comunicati in fase di annuncio. Se c’è una cosa che questa vicenda ci ha insegnato è di stare molto attenti a usare la parola sold out, e questa è una grande lezione. La mia azienda ha capito che è superfluo, a volte, parlare di sold out. 15 o 20 mila spettatori sono già tantissimi. Dobbiamo perdere l’ossessione del sold out”.

Live, Salzano (F&P): ‘Perdere l’ossessione per il sold out’

Il promoter interviene sulla polemica circa i biglietti omaggio o scontati: ‘Pratica scorretta’

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Tellynonpiangere, Kety Fusco, Idreamjazz, Wayloz e Merk &amp; Kremont.

<h2>L’unica - Tellynonpiangere - NEEDA / Indaco</h2>

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Il progetto musicale tellynonpiangere, ideato da Giorgio Campagnoli, è stato ufficialmente lanciato il 20 giugno 2025 sotto l'etichetta NEEDA / Indaco. Il brano “L’unica” rappresenta una ballata pop e segna un passo significativo nel percorso artistico di tellynonpiangere. Questo singolo anticipa l'uscita del primo EP, prevista per l'autunno del 2025. La produzione musicale di Giorgio Campagnoli ha avuto inizio all'età di 17 anni, quando ha iniziato a registrare i suoi primi brani.

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<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/l-unica-tellynonpiangere-ctid-213334615">Leggi il testo di "L’unica" </a>

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<h2>Für Therese - Kety Fusco - A Tree In A Field Records</h2>

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Il 20 giugno 2025 è stata pubblicata la bonus track intitolata ‘Für Therese’, che fa parte del nuovo album di Kety Fusco dal titolo ‘BOHÈME’, previsto per il 19 settembre. ‘Für Therese’ è una reinterpretazione del brano di Beethoven ‘Per Elisa’, rinominato dall'artista ispirandosi a una teoria che suggerisce un errore di trascrizione nel titolo originale. Secondo questa teoria, Beethoven avrebbe dedicato il brano alla sua allieva Therese anziché a Elise. In questa versione, Kety Fusco propone una nuova visione del pezzo, utilizzando l’arpa e l’elettronica. ‘BOHÈME’ rappresenta il secondo album di studio della arpista e compositrice italo-svizzera, realizzato in collaborazione con il compositore Nicolas Rabaeus a Ginevra. Ogni suono del disco è generato dall’arpa, sottoposta a manipolazioni sonore, registrazioni subacquee e tecniche innovative.

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<h2>RUOTA - Idreamjazz - Kownloon Records</h2>

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Il duo jazz idreamjazz, formato da Leonardo Salvaro ai sintetizzatori e Gianmaria Gobbetti alla batteria, annuncia il suo debutto discografico con l'EP intitolato JAZZSTAR. L'uscita è prevista per il 18 luglio tramite l'etichetta Kownloon Records. In preparazione a questo evento, il primo singolo RUOTA è stato pubblicato il 20 giugno. Il brano combina la batteria con elementi di improvvisazione jazz ed elettronica, presentando un linguaggio musicale caratterizzato da influenze tra i generi. L'EP JAZZSTAR rappresenta l'inizio di un progetto che anticipa l'uscita del primo album di idreamjazz, attualmente in fase di lavorazione.

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<h2>Rite Of Shame - Wayloz - A1 Entertainment</h2>

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Il brano ‘Rite Of Shame’ segna l'anticipazione dell'EP ‘Half Cast’, previsto per il 11 luglio. Questo lavoro rappresenta il debutto solista di Wayloz, nome d'arte di Osasmuede Aigbe, chitarrista, cantante e compositore. Wayloz è un progetto che emerge dall'esperienza di OZ, membro del duo Gemini Blue, attivo dal 2020 e autore di un album e diversi singoli. L'identità artistica di Wayloz riflette le radici italo-nigeriane di Aigbe, sviluppate attraverso anni di formazione e sperimentazione. Il progetto si distingue per un songwriting che incorpora due dimensioni: una dedicata alla musica acustica, rurale e folk, e l'altra con un'impronta elettrica, ispirata a figure come Jeff Buckley, Queens Of The Stone Age, All Them Witches e King Crimson. ‘Rite Of Shame’ affronta la tematica dell'esibizione dal vivo, caratterizzato da un ritmo percussivo costante e da elementi melodici della chitarra a dodici corde.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/rite-of-shame-wayloz-ctid-212257905">Leggi il testo di "Rite Of Shame" </a>

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<h2>OCEANICA - Merk &amp; Kremont - Universal</h2>

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Merk &amp; Kremont, il duo di dj e producer, ha annunciato l'uscita del nuovo singolo intitolato "Oceanica", in collaborazione con Jovanotti. "Oceanica" è stato anticipato il 1° giugno durante la performance del duo al Nameless Festival, dove è stata presentata una incursione video di Jovanotti. Il singolo è prodotto per Island Records/Universal Music Italia. L'artwork del brano trae ispirazione dalla cover di "3 Feet High and Rising", album di debutto dei De La Soul, creata da Toby Mott in collaborazione con il collettivo di artisti The Grey Organisation e acquisita dal MoMA di New York.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/oceanica-merk-kremont-feat-jovanotti-ctid-213334316">Leggi il testo di "OCEANICA" </a>

Merk &amp; Kremon è un duo milanese composto da Federico Mercuri e Giordano Cremona (figlio dell'attore Raul Cremona). Al di fuori dei confini nazionali, Merk &amp; Kremont hanno ottenuto l'attenzone i più grossi nomi della dance internazionale, da Avicii a Steve Angello, da Hardwell a Nicky Romero, tanto da entrare nel roser dell'etichetta discografica olandese Spinnin' Records, specializzata in deep house, tech house, minimal e remix. Bob Sinclair ha voluto collaborare con loro per il remix del... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/merk-and-kremont/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Tellynonpiangere, Kety Fusco, Idreamjazz, Wayloz e Merk & Kremont

Nuovi singoli, le uscite del 20 giugno

E’ stato battezzato Milano Sogna il vodcast dedicato alla scena musicale milanese degli anni Novanta disponibile da oggi, venerdì 20 giugno: ideato dal regista e titolare di Videozone Emanuele Concadoro, dal direttore creativo Lorenzo Rocchi e dal musicista e imprenditore (e titolare dello storico studio di registrazione Jungle Sound) Fabrizio Rioda (nella foto), e realizzato in collaborazione con Videozone, il vodcast ha debuttato con una prima stagione da dieci puntati, che avrà per protagonisti artisti come Alioscia Bisceglie (Casino Royale), Ferdinando Masi (Bluebeaters), Manuel Agnelli (Afterhours), Morgan (Bluvertigo), il compianto Paolo Benvegnù, Cesare Malfatti (La Crus), David Moretti (Karma), Omar Pedrini (Timoria) e i Ritmo Tribale, oltre che personalità dell’industria musicale come Stefano Senardi, Luca Fantacone, Klaus Bonoldi e Roberto Grillo. La prima puntata e i trailer del vodcast sono disponibili sul canale YouTube di MaiUnaNoia a <a href="https://www.youtube.com/@maiunanoia1034" target="_blank">questo indirizzo</a>.

“Vogliamo far emergere nella tempesta del mare digitale i modi e gli scopi di quell’esperienza, che riteniamo ancora attuali: una memoria viva, non una reliquia. Vogliamo ricordarci che ‘noi’ è molto più forte di&nbsp;‘io’ e vogliamo ricordarlo a tutti, sia che abbiano vissuto il periodo dei più grandi cambiamenti del secolo o che siano arrivati dopo.&nbsp;&nbsp;Volevamo raccontare la storia di gente che non poteva nemmeno sognare una carriera, ma si è rimboccata le maniche e ha dato vita a una scena che per 15 anni è stata la musica di Milano, che ha avuto nel&nbsp;Jungle Sound il proprio centro di gravità. Loro sono i protagonisti di Milano Sogna, la storia incredibile di un posto unico".

“La prima stagione del progetto è composta da dieci episodi, con ospiti tra i più celebri protagonisti della musica indipendente di quegli anni: artisti che furono tra i primi a vivere e far crescere quegli studi, in un costante scambio di idee, prospettive e&nbsp;progetti”, hanno proseguito i promotori del vodcast: “L’obiettivo è ricomporre le tessere di quel meltin’ pot di artisti e luoghi di culto a favore di un pubblico trasversale per età e provenienza”.

Vodcast, arriva Milano Sogna

Un tuffo nella scena meneghina anni ‘90 con Emanuele Concadoro, Lorenzo Rocchi e Fabrizio Rioda

Dopo la bufera contro Timbaland di cui vi parlavamo qualche giorno fa, Suno torna nell'occhio del ciclone. Stavolta per via di una class action promossa da musicisti, in cui si trova sul banco degli imputati&nbsp;insieme a un'altra app di AI generativa, Udio. A promuoverla è l'artista country Tony Justice, che sostiene che alcuni suoi lavori coperti da diritto d'autore siano stati utilizzati senza autorizzazione nel&nbsp;training dell'intelligenza artificiale.

Si tratta di due class action distinte, una per ognuna delle due start-up, e sono state pensate per raccogliere l'adesione soprattutto degli artisti indipendenti, quelli più vulerabili in questo tipo di contesto a causa del loro scarso potere di contrattazione. Justice e i suoi avvocati ritengono che né Suno né Udio avrebbero adottato misure sufficienti ad evitare che materiale coperto da copyright fosse usato nel training dell'AI. "Anziché acquisire una regolare licenza come qualsiasi altra azienda che voglia utilizzare le nostre canzoni, le hanno semplicemente rubate per generare dei sound-alike" riporta l'accusa.

In particolare, a essere messo in dubbio è il cosiddetto "fair use", ovvero l'utilizzo di materiale già esistente come "ispirazione" per l'intelligenza artificiale, un po' come i produttori fanno con le cosiddette&nbsp;reference di altri brani. E siccome il sistema legale americano si basa soprattutto sulla giurisprudenza, se i giudici dovessero dare ragione a Tony Justice e ai suoi soci, la vittoria potrebbe cambiare le sorti di tutta la contrattazione tra big tech e industria musicale, che si tratti di major o di indie.