Per gli show degli scorsi 15 e 16 giugno allo Stadio Meazza di San Siro Cesare Cremonini e Live Nation Italia hanno concepito uno speciale impianto audio in grado di assicurare una resa ottimale al pubblico intervenuto presso la struttura milanese. Lo stimato tecnico del suono Marco Monforte, in collaborazione con il service audio Agorà e con la società francese specializzata Audisia, ha studiato un approccio progettuale basato sull’ottimizzazione della copertura, “provando - precisa Live Nation in una nota - ad indirizzare il fronte sonoro unicamente verso le aree occupate dal pubblico e sulla riduzione delle emissioni inutili”. “L’utilizzo di tecnologie predittive avanzate (software Soundvision) e un posizionamento chirurgico dei cluster hanno permesso di ottenere una copertura uniforme massimizzando l’intelligibilità e minimizzando la riverberazione percepita, per arrivare ad ottenere un’esperienza di ascolto all’altezza del progetto”, ha precisato l’azienda guidata in Italia da Roberto De Luca.

“Gli speaker standard resident a San Siro sono lì da decenni”, ha precisato Cremonini in occasione della conferenza stampa di presentazione dell’evento: “Sono costruite con una tecnologia diversa da quella attuale. La sfida della quale mi sono fatto portavoce è quella di offrire la miglior qualità di ascolto possibile, sia nel parterre, che sugli spalti. Marco Monforte è il responsabile audio del mio progetto, ed è esterno a Live Nation. Essendo convinto che l'audio ai concerti sia più importante persino delle scenografie, si è rivolto a Roberto [De Luca, Presidente di Live Nation Italia, ndr], che ha accolto il suo appello e sposato la nostra causa, avendo cognizione dell'indiscutibile difficoltà di offrire negli stadi - a San Siro in particolare - un ascolto un omogeneo, razionale, moderno e coerente: nelle fasi iniziali il progetto è stato finanziato da Live Nation, per poi essere condiviso anche da altre agenzie italiane. Penso sia un servizio a vantaggio mio, del pubblico e dello spettacolo”.

Cesare Cremonini

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Cesare Cremonini, un impianto audio speciale per San Siro

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Progettato per il live dell’artista bolognese, resterà in dotazione allo stadio anche per altri show

L’acquisizione di Revelator da parte di Warner Music - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758024/warner-music-acquisisce-revelator">annunciata ieri</a>, ma attualmente al vaglio delle autorità competenti in attesa della finalizzazione degli accordi, prevista entro il prossimo giugno - non poteva che suscitare una reazione da parte di Impala, l’associazione di categoria delle etichette indipendenti europee che, nell’ultimo anno e mezzo, si era battuta strenuamente per impedire l’acquisto (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757005/umg-acquisizione-downtown-approvazione-ue-mercato-diritti-musicali">poi ufficializzato dopo un’indagine antitrust da parte della Commissione UE</a>) di Downtown da parte di Universal Music.

"L'acquisizione di Revelator da parte di Warner Music testimonia l'innovazione nel settore indipendente”, ha fatto sapere Impala in una nota: “Come abbiamo sempre affermato, tutte le aziende indipendenti hanno bisogno di buone opzioni di uscita. I grandi player sono importanti in tutti i mercati e speriamo che questo porti a una maggiore concorrenza tra le major. Allo stesso tempo, continua la tendenza per cui etichette e artisti che hanno scelto consapevolmente di collaborare con un partner indipendente, ora si ritrovano con una major, con l'ecosistema indipendente privato una parte ulteriore della sua infrastruttura. Questa è una cattiva notizia per gli artisti, i fan e la diversità sui mercati europei nel suo complesso”.

L’associazione, quindi, ha fatto sapere di aspettarsi che “le autorità di regolamentazione nazionali [della UE, ndr] adottino un approccio strategico alla cultura”, in quanto “un mercato forte con ottime opzioni di proprietà indipendente” è “essenziale” e, pertanto, “occorre ripensare seriamente a come raggiungere questo obiettivo”.

“Con le giuste condizioni, questa rappresenta un'opportunità per il settore indipendente e anche per l'Europa”, conclude Impala: “Ciò implica meccanismi di finanziamento per operare e crescere, il consolidamento di tutte le fonti di reddito, mercati funzionanti che promuovano la diversità e la creatività umana, la collaborazione tra le industrie e il sostegno dei decisori a tutti i livelli sull'importanza strategica della diversità”.

WMG e l’acquisizione di Revelator: il commento di Impala

L’associazione di categoria indipendente chiede alla UE ‘un approccio strategico alla cultura’

Secondo uno studio della società di indagini di mercato specializzata in industria musicale Chartmetric il 2025 è stato poco favorevole, in generale, ai repertori frontline: nelle chart globali, nel primo semestre dell’anno passato, solo 23 nuovi brani hanno raggiunto la vetta delle classifiche, contro i 49 dello stesso periodo dell’anno precedente. “Le conseguenze di questo calo non si sono ancora dissipate”, osserva la ricerca: “Anche il 2026 ha avuto un inizio storicamente lento per le nuove uscite. A gennaio, i brani dell'anno in corso hanno conquistato solo il 3,5% della classifica Global Top 50 di Spotify, un dato inferiore rispetto ai tre gennaio precedenti: 26% a gennaio 2025 (grazie soprattutto al blockbuster di Bad Bunny (nella foto)&nbsp;“DeBÍ TiRAR MáS FOToS” di Bad Bunny), 9,4% a gennaio 2024 e 8,4% a gennaio 2023”.

Nonostante l’exploit della star portoricana, per Chartmetric il 2025 è stato “un anno stagnante, caratterizzato dai successi del passato” e senza alcuna traccia di tormentoni estivi. Questa situazione, secondo la ricerca, si starebbe riverberando anche sull’anno in corso, sia con brani dell’anno scorso stabilmente nella Top 50 di Spotify per tutto gennaio (come, per esempio, "The Fate of Ophelia" di Taylor Swift o "Back to Friends" di Sombr) sia con clamorosi ritorni dal passato (più o meno remoto, a seconda del trend di TikTok di riferimento) firmati da Zara Larsson, Dominic Fike e Police.

“Complessivamente, 197 brani diversi sono apparsi nella Top 50 globale di Spotify da inizio 2026 a oggi”, spiega Chartmetric: “Di questi, 116 erano brani già presenti in classifica e solo 81 erano nuove uscite. Nel primo trimestre del 2024 e del 2025, la ripartizione tra i due gruppi era molto più equilibrata”, con 197 brani in classifica dei quali 110 nuove uscite e 87 brani di catalogo.

La “mancanza di appeal pop trasversale delle nuove uscite” potrebbe essere dovuta da una parte alla “frammentazione” della fruizione su varie piattaforme, come TikTok, Instagram o YouTube, che contribuiscono a “dissolvere in gran parte la monocultura condivisa che un tempo contribuiva a lanciare nuove star”, e dall’altra all'”enorme quantità di musica registrata online, che rende semplicemente difficile per la maggior parte delle nuove canzoni emergere”, senza dimenticare che “il problema dell'immortalità dello streaming fa sì che i brani godano di una durata di vita apparentemente infinita. A differenza della radio, dove le canzoni tendevano ad avere un ciclo di vita finito prima di essere sostituite da una nuova uscita, le piattaforme di streaming permettono ai brani di rimanere in onda più a lungo del previsto”.

I dati riferiti al 2025 elaborati da Chartmetric “mostrano che solo un quarto degli stream musicali riguarda i brani più recenti”, con il resto del mercato appannaggio di repertorio la cui pubblicazione sia più “vecchia” di 18 mesi, “a riprova della difficoltà che le canzoni più recenti incontrano nel competere praticamente con l'intera storia della musica registrata”. “Servono numeri enormi per arrivare in cima e solo una piccola frazione di canzoni riesce a sfondare in modo massiccio”, osserva la ricerca, citando come esempio la hit di Lady Gaga e Bruno Mars “Die With A Smile”, uscita nell’agosto del 2024 e capace di raggiungere il miliardo di stream in appena 96 giorni, e di stare nella Top 100 di Billboard USA per 60 settimane consecutive. “Questo - sottolinea la ricerca - significa essenzialmente che le megahit si stanno accaparrando una fetta di mercato molto più grande”.

“Nel 2026, con il consumo di musica sempre più frammentato e la crescente importanza attribuita alle uscite di catalogo guidate dagli algoritmi rispetto ai nuovi brani, gli artisti emergenti faranno probabilmente più fatica a emergere e a costruirsi un pubblico”, conclude Chartmetric, collegandosi - seppure non direttamente - a quanto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756836/chartmetric-rapporto-2025-numeri-dati-streaming-industria-commento">osservato nel proprio rapporto relativo al 2025</a>: “I parametri per definire un successo sono cambiati. Un tempo, una hit seguiva un percorso ben definito, ora invece le canzoni rimangono in classifica più a lungo anche senza una storia pregressa. Ma la longevità non è più un indicatore affidabile di popolarità. Con le classifiche che rallentano e le nuove uscite oscurate dai successi già affermati, come facciamo a sapere cos'è davvero popolare?”.

Per Chartmetric anche il 2026 sarà un anno senza tormentoni

Le novità, nell’ultimo anno e mezzo, stanno soffrendo la concorrenza del catalogo

"ChatGPT è&nbsp;il luogo in cui milioni di fan stanno già chiedendo dove andare e cosa fare: vogliamo che SeatGeek sia la risposta, quando si tratta di eventi dal vivo" ha spiegato Adam Waxman, product engineer di ChatGPT, all'annuncio che la celebre piattaforma di ticketing integrerà nella sua app un chatbot di OpenAI che permetterà agli utenti di cercare biglietti e concerti prima di completare l'acquisto.&nbsp;

SeatGeek non è la prima società di ticketing che si avvale di ChatGPT: in precedenza lo hanno già fatto sia Vivid Seats che Gametime, anche se nei loro casi è abilitata solo la ricerca per i biglietti rivenduti da fan a fan. A dicembre scorso SeatGeek aveva già implementato un altro agente AI nella sua app, in questo caso operato da Google.

SeatGeek integra un chatbot di ChatGPT nella sua app

In precedenza aveva già integrato un agente AI targato Google

NuovoIMAIE propone una serie di incontri con protagonisti e protagoniste del panorama musicale italiano per parlare dei loro progetti, ma anche per approfondire le dinamiche che ruotano intorno all’essere Artista Interprete Esecutore.

Nel nuovo millennio il mestiere di cantautore è sempre più sfaccettato: c’è chi arriva dal rap, chi scrive direttamente su beat, chi sperimenta con la musica elettronica, chi non rinuncia a esibire complesse coreografie sul palco. La classica figura a cui siamo stati abituati nel ventesimo secolo (un ragazzo che imbraccia una chitarra, lo stesso strumento con cui di solito ha scritto quelle canzoni) è sempre più rara. Per fortuna alcuni ancora incarnano questo archetipo, come ad esempio Mazzariello, che non rinuncia però a portare nella sua musica tutta la freschezza dei suoi 24 anni. Con la sua “Manifestazione d’amore” lo abbiamo visto a Sanremo Giovani lo scorso febbraio, dove non solo ha sbaragliato la concorrenza ad Area Sanremo, ma ha anche vinto il premio Enzo Jannacci, assegnato ogni anno da NuovoIMAIE a una delle Nuove Proposte del Festival di Sanremo. “Artista gentile, inconsueto e sincero, con il suo brano ha saputo coniugare in maniera originale la ricerca musicale con riferimenti storici importanti, a una storia d’amore legata a immagini critiche del tessuto sociale”; questa la motivazione fornita dalla giuria del premio, composta da Paolo Jannacci (figlio di Enzo), Dodi Battaglia (portavoce NuovoIMAIE del settore Musica) e Settembre (vincitore del premio lo scorso anno). Quando lo raggiungiamo al telefono è da poco tornato a Milano, città da cui ripartirà a breve per i live estivi (il suo tour nei club, "Grandi Successi dal vivo", ripartirà invece da settembre proprio da Milano).

Come sta andando il post-Sanremo?

Benissimo. Sono stato da poco a Fiano, il paese in provincia di Salerno dove sono cresciuto, per incontrare amici e famiglia; alla fine ho incontrato praticamente tutto il paese. Sembravo un soldato tornato vittorioso dalla guerra! (ride) Un’accoglienza bellissima: sono stato in visita alle scuole elementari e medie dove gli studenti mi hanno cantato in coro “Manifestazione d’amore”, ho ricevuto un’onorificenza, tutti mi fermavano per strada… Nei posti piccoli è talmente surreale che un tuo concittadino finisca all’Ariston che è come se anche gli altri vivessero quell’esperienza attraverso te. Tornare a casa e vedere così tante persone commosse mi ha riconciliato con tante cose: dopo un po’, quando la musica diventa un lavoro, rischi di dimenticarti l’effetto che ha sulle persone reali.

Tu ormai sei un veterano del Festival: negli ultimi due anni hai collezionato partecipazioni a Sanremo Giovani, Area Sanremo e anche la finalissima sul palco dell’Ariston…

Si può dire che sia stato un caso: l’anno scorso avevo provato Sanremo Giovani senza arrivare alle fasi finali, ma vedevo che la mia canzone, Amarsi per lavoro, era molto piaciuta, cosa che mi ha incoraggiato a riprovarci. Manifestazione d’amore non è un brano nato per Sanremo: in passato ci avevo provato, a scrivere apposta per una stagione o un evento, ma non mi riusciva mai bene. Così all’ultimo, quando ho capito che il pezzo avrebbe potuto prestarsi comunque allo scopo, ho tentato Area Sanremo. L’ho vissuto in modalità “Hunger Games”: ero il tributo della Regione Campania! (ride) Eravamo 500 candidati, e ogni giorno ci dicevano chi era passato al turno successivo. A un certo punto ci siamo ritrovati in 20, poi in dieci, alla fine in due… Non potevo crederci. Suonare all’Ariston è stata un’emozione, ma sicuramente mi ha aiutato molto l’esperienza dell’anno precedente.

I concorsi sono una dinamica tipica di altri contesti, come lo sport: per un musicista spesso è strano ritrovarsi in gara. Tu come la vivi?

Sono più competitivo sui videogiochi, lo confesso. La musica per me non è fatta per le graduatorie: come si fa a dire che Manifestazione d’amore è più bella o più brutta di un’altra canzone? Nel momento in cui però decidi di intraprendere un percorso come quello di Sanremo, sei in ballo e devi ballare. Ho cercato di fare una bella esibizione, di dare il massimo e di essere me stesso fino in fondo, cosa che non si può dare sempre per scontata in un contesto televisivo.

Hai anche vinto il premio Enzo Jannacci assegnato da NuovoIMAIE, uno dei riconoscimenti più importanti per la categoria Giovani. Che significato ha per te?

È stata una soddisfazione incredibile, soprattutto perché ci tengo tantissimo ai testi. Jannacci è stato un cantautore molto ironico e autoironico, ha sempre usato la lente della comicità per tradurre la realtà che lo circondava, e nel mio piccolo provo a farlo anche io. In effetti mio padre mi faceva ascoltare spesso i suoi dischi quando ero bambino: evidentemente qualcosa è rimasto.

A proposito di ironia e autoironia, il tuo ultimo EP ha un titolo geniale: “Grandi successi”.

Mi trasmetteva un mood perfetto per il Festival della Canzone Italiana! E poi ha un doppio significato, perché in questo EP ci sono tutti i miei piccoli grandi successi, personali prima ancora che musicali: essere arrivato a Sanremo, avere la possibilità di andare in tour… Sono cose che non do assolutamente per scontate.

La presenza sul palco e la performance dal vivo è una parte importante della tua identità artistica. Dal tuo punto di vista di emergente, com’è al momento la situazione del comparto live in Italia?

Ho iniziato a suonare in giro dopo la pandemia, e nonostante tutti dicano che prima era più facile, io non posso lamentarmi. Il live è una grandissima scuola: se all’Ariston era tranquillo è anche perché ho alle spalle una lunga gavetta in locali o piazze con un’acustica pessima. Essere in grado di portare a casa la serata in ogni condizione mi ha sicuramente aiutato, perché quando mi sono ritrovato in una macchina dove tutto funziona, come Sanremo, a maggior ragione sono stato in grado di dare il meglio. Al di là di questo, per il futuro auspico che non ci siano più zone in cui è difficile portare il proprio show: nella mia provincia, ad esempio, le occasioni e le possibilità non sono tante, soprattutto per i cantautori emergenti. Sarebbe bello incuriosire i giovani ad ascoltare nuova musica, anziché puntare tutto sempre e solo sulle cover band (a cui sono molto affezionato, sia chiaro: fosse per me ne fonderei una subito dedicata agli Oasis!).

C’è qualcosa che per te sarebbe davvero utile per gli artisti emergenti, a livello istituzionale e strutturale?

Vorrei che ci fossero maggiori tutele per chi ci lavora. Non parlo tanto dei frontman, ma di tutti coloro che suonano per vivere: i musicisti, i turnisti, le backing band. Da un momento all’altro puoi ritrovarti senza lavoro, e avere un paracadute ancora più solido sarebbe utile. Nessuno di noi ha la certezza di poter fare questo lavoro per tutta la vita, e non tutti possono permettersi di fare il mestiere dell’artista, se non hanno le spalle coperte in partenza.

Mazzariello: 'L'autoironia di Jannacci mi accompagna sempre'

Il cantautore di Sanremo Giovani ha vinto il premio Jannacci assegnato da NuovoImaie: l'intervista

Si chiuderà il prossimo 23 aprile&nbsp;il termine per presentare le candidature in vista della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757084/get-it-4-music-al-via-la-seconda-edizione">seconda edizione di Get it! 4 Music</a>, iniziativa italiana dedicata allo sviluppo di iniziative imprenditoriali attive nel campo della Musica e dello Spettacolo avviata nel 2024 da Music Innovation Hub in partnership con Get it!, il programma di empowerment e impact investing per idee e start-up promosso da Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore (o “FSVGDA”) in collaborazione con Cariplo Factory, e sostenuta da Fondazione Cariplo.

In attesa che la seconda edizione di Get it! 4 Music prenda il via, Simone Serani - CEO &amp; Co-Founder di Ticketoo, una delle Best Start-up 4 Impact premiate lo scorso anno - ha concesso un’intervista a Rockol MusicBiz per raccontare la sua esperienza professionale. 
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Cosa significa, per chi decide di intraprendere un percorso di startup in Italia, venire premiati da un’iniziativa come Get it! 4 Music? Al di là dell’aspetto economico, che impatto ha avuto sulla vostra realtà essere stati protagonisti di questo programma?

Per noi è stato importante soprattutto perché è il primo programma davvero verticale sulla musica in Italia. E, lavorando in questo settore, ti accorgi subito che c’è tantissimo spazio per innovare, ma poche iniziative che spingono davvero in quella direzione. Quindi vincere Get it! 4 Music non è stato solo “un premio”, ma il fatto di trovarci finalmente in un contesto costruito attorno alla musica. Con persone che capiscono il settore, le dinamiche, i problemi veri. Più che una validazione, è stato un passaggio di consapevolezza: capire che quello che stiamo costruendo non è solo una cosa che cresce, ma è parte di qualcosa di più grande. Un settore che in Italia è importantissimo, ma che ha ancora bisogno di tanta innovazione e di startup che lo spingano avanti.

Quale opportunità emersa grazie a Get it! 4 Music state cercando di sfruttare al massimo in questo momento?

Oltre alla possibilità di accedere a dei fondi, che ovviamente ci permetterebbero di crescere più velocemente, l’opportunità più grande è il network. Sia tra founder — perché ti confronti con persone che stanno vivendo le stesse dinamiche — sia con i mentor, che ti danno una prospettiva che da solo difficilmente hai. Un’altra cosa molto importante è l’accesso diretto al settore. Non solo teoria o advisory, ma connessioni reali con chi lavora ogni giorno nell’industria musicale. Questo per noi è fondamentale, perché Ticketoo vive dentro quel mondo. Poi c’è anche un tema di velocità: entrare in un programma così ti fa comprimere mesi di errori e tentativi in settimane, perché impari molto più velocemente. E infine, ti costringe a fare ordine: a capire meglio cosa stai costruendo e dove vuoi andare. In questo momento stiamo cercando di sfruttare al massimo proprio questo: relazioni, confronto e accesso al settore.

Come definireste l’odierno scenario italiano per le startup? Cosa manca (se manca), alle nostre realtà, per essere competitive a livello globale? Che suggerimento dareste a chi, oggi, vorrebbe avviare una startup nel nostro Paese?

Lo scenario italiano per le startup è migliorato tanto negli ultimi anni, soprattutto lato programmi, accelerazione e accesso al capitale. Oggi partire è più facile rispetto a prima: il problema arriva dopo. Manca ancora una vera cultura della collaborazione, tra startup, corporate e istituzioni. L’innovazione spesso viene vista più come una minaccia che come un’opportunità, e questo rallenta tantissimo tutto il processo. Per una startup è fondamentale avere accesso a programmi di accelerazione, mentor, percorsi strutturati, ma se poi fuori non trovi un ecosistema pronto a collaborare davvero, rischi di rimanere bloccato. Quindi più che il capitale, quello che manca è il collegamento con il mondo reale. Chi può adottare innovazione — grandi aziende, player del settore, istituzioni — spesso lo fa troppo lentamente. E questo crea un gap enorme. Il consiglio che darei oggi? Fare network prima ancora di fare startup: costruire relazioni, capire il settore, parlare con le persone giuste. Perché partire già con dei contatti ti fa risparmiare mesi, a volte anni. E ti permette di muoverti molto più velocemente quando inizi davvero.

Get it! 4 Music, parla Ticketoo

I vincitori della passata edizione raccontano la loro esperienza: la testimonianza di Simone Serani

In un sistema giuridico di common law - come quello statunitense - dove un precedente è considerato vincolante, la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757897/pirateria-in-usa-la-corte-suprema-assolve-i-provider">recente sentenza della Corte Suprema a favore di Cox Communications</a> nel contenzioso tra il fornitore di servizi di telecomunicazione e le major discografiche potrebbe rappresentare un grimaldello utile a X per scardinare l’impianto accusatorio disposto dalla National Music Publishers’ Association nei propri confronti.

La causa vede gli editori musicali accusare la società di Elon Musk di violazione di copyright su larga scala per i contenuti musicali postati dagli utenti sulla piattaforma un tempo nota come Twitter: X, che sin dalle prime battute del procedimento ha evocato il concetto di safe harbor per scaricare ogni responsabilità, a metà dello scorso gennaio <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756338/x-una-controquerela-alla-national-music-publishers-association">ha presentato una controquerela</a> dove accusa i publisher di condotta commerciale scorretta atta a estorcere un accordo di licenza.

Ora, il fatto che il massimo organo giuridico degli Stati Uniti abbia sollevato - proprio con la sentenza su Cox Communications - i fornitori di servizi della responsabilità legata ai contenuti fruiti dai propri utenti, potrebbe rappresentare il precedente perfetto per disinnescare le istanze della NMPA nei confronti di X. In un documento presentato presso il tribunale federale di Nashville lo scorso 27 marzo, appena due giorni dopo la sentenza su Cox, il team legale della società di Musk ha sostanzialmente chiesto (per la seconda volta) l’archiviazione del procedimento, sostenendo che “se la Corte Suprema avesse emesso questa sentenza tre anni fa, questa Corte avrebbe respinto nella sua interezza la richiesta di risarcimento per violazione indiretta avanzata dai ricorrenti”.

Dal canto loro, gli editori - alla luce della sentenza Cox - si sono detti pronti alla sospensione del procedimento in attesa che la corte elabori il senso della decisione della Corte Suprema. Senza, tuttavia, condividere minimamente l’interpretazione data alla stessa dei legali di X. "I querelanti non concordano con l'affermazione del convenuto secondo cui la sentenza Cox implichi l'archiviazione del caso”, si legge in una memoria difensiva presentata dagli avvocati della NMPA (ottenuta da MBW): “Le accuse dei querelanti e gli elementi di fatto dimostrano la necessità di proseguire con il caso”.

X vuole usare la sentenza su Cox contro gli editori musicali

La decisione delle Corte Suprema potrebbe ‘salvare’ la piattaforma nella causa intentata dalla NMPA

Il colosso del K-pop HYBE ha annunciato un aumento di capitale da 100 milioni di dollari per la sua controllata statunitense HYBE America: l’operazione, fatta trapelare da un documento depositato presso l'autorità regolatrice dei mercati di Seul e portato a termine tramite un massiccio acquisto di azioni, ribadisce la strategia di espansione del gruppo nel mercato musicale americano. Secondo quanto comunicato, le risorse serviranno a rafforzare le capacità locali su produzione musicale, sviluppo degli artisti e iniziative di marketing, con l’obiettivo di sostenere il roster già attivo e di firmare nuovi talenti, oltre a migliorare infrastrutture produttive e attività promozionali.

L’operazione punta anche ad aumentare la capacità della società di lavorare su progetti con profilo internazionale e, nelle intenzioni, di favorire collaborazioni tra talenti coreani e americani in un contesto competitivo.

Fondata nel 2019, HYBE America ha acquisito la società di Scooter Braun Ithaca Holdings nel 2021 per oltre un miliardo di dollari: due anni dopo la società è entrata in controllo anche della label di Atlanta QC Media Holdings, grazie a un investimento da 300 milioni di dollari. L’azienda ha anche in essere joint venture con Geffen e SB Projects.

HYBE USA, un aumento di capitale da 100 milioni di dollari

La conglomerata coreana prosegue nella sua strategia di espansione degli Stati Uniti

Warner Music ha annunciato di aver chiuso un accordo per l’acquisizione di Revelator, piattaforma B2B fondata nel 2012 e specializzata nella distribuzione di musica digitale, nella gestione dei diritti, nella contabilità delle royalty e nelle analytics in tempo reale: l’operazione, che sarà finalizzata entro la fine del prossimo mese di giugno, permetterà alla major e ad ADA, la propria divisione dedicati ai servizi di artisti ed etichette, di potenziare la propria offerta rivolta al proprio roster e “alla comunità indipendente”, ampliando al contempo la propria portata.

"La combinazione della tecnologia all'avanguardia e della gamma di servizi di prim'ordine di Revelator con la nostra infrastruttura globale darà un impulso decisivo alla nostra missione comune di supportare un numero sempre maggiore di etichette e artisti in tutto il mondo”, ha dichiarato Robert Kyncl, CEO di Warner Music: “Sono molto lieto di dare il benvenuto al team di Revelator nella famiglia WMG”.

"Fin dal lancio di Revelator nel 2012, ci siamo impegnati per rendere l'industria musicale più equa, semplice e trasparente, colmando il divario tra creatività, tecnologia e distribuzione”, ha aggiunto Bruno Guez, fondatore e CEO di Revelator: “Siamo molto felici di collaborare con WMG per offrire un servizio eccellente ad artisti, etichette e distributori in tutto il mondo".

Warner Music acquisisce Revelator

La major mette le mani sulla piattaforma B2B: la transazione sarà finalizzata entro giugno

Come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757490/siae-nel-2025-superato-il-miliardo-di-euro-di-ricavi">già anticipato</a> dal Direttore Generale Matteo Fedeli nel corso di un’intervista al Sole 24 Ore lo scorso 6 marzo, SIAE - nel 2025 - a registrato un record di fatturato, incassando 1,022 miliardi di euro: la prestazione si è riverberata nelle ripartizioni erogate dalla collecting, che - lo scorso anno - hanno toccato quota 849 milioni di euro (in crescita del 15% su base annua).

Nella giornata di oggi, mercoledì primo aprile, la Società Italiana degli Autori ed Editori ha reso pubblico il proprio report annuale, rivelando altre cifre relative alle proprie attività nel corso dei dodici mesi chiusi lo scorso 31 dicembre.

Per quanto riguarda l’integrazione dell’intelligenza artificiale nei propri servizi, EVA - l’assistente virtuale attivata sul portale www.siae.it, ha gestito oltre un milione di messaggio: tramite l’app SIAE+ sono stati registrati 225.776 brani.

“La frequenza di pagamento delle royalties della musica online sono passate da due a quattro all’anno, con distribuzioni trimestrali che consentono agli aventi diritto di ricevere i compensi in tempi più rapidi”, ha fatto sapere la collecting: “L'efficientamento operativo ha contribuito alla riduzione dei costi e alla maggiore efficienza interna, permettendo una riduzione della provvigione media dal 16% del 2013 al 13,7% nel 2025, con riduzioni significative anche per eventi live e servizi digitali”.

A fine 2025 SIAE contava 125.744 iscritti, per un totale complessivo di 29,7 milioni di opere tutelate: sul fronte internazionale, la rete di tutela della collecting comprende 199 territori, 300 accordi con l’estero e 446 punti territoriali distribuiti in Italia.

Attraverso il programma Per Chi Crea, promosso dal Ministero della Cultura e gestito da SIAE, sono stati finanziati 331 beneficiari under 35, per un totale di 10 milioni di euro, mentre per il 2026 è previsto uno stanziamento di 14,5 milioni. A questo si aggiungono 5,4 milioni dedicati ad altre iniziative sociali, culturali ed educative.

“La trasformazione digitale si accompagna a una profonda evoluzione delle competenze interne: negli ultimi anni si sono registrate 300 uscite e 150 nuove assunzioni, con l’ingresso di AI engineer, data specialist e negoziatori digitali, alcuni selezionati tramite hackathon dedicati all’intelligenza artificiale”, ha concluso la collecting: “Il superamento del miliardo non è un punto d’arrivo, ma l’inizio di una nuova fase. SIAE ha avviato il piano strategico al 2030, che punta a una raccolta di 1,1 miliardi di euro e a un’ulteriore riduzione dell’aggio, con l’obiettivo di diventare una piattaforma digitale fondata su fiducia, trasparenza e innovazione”.

“Nel 2025, SIAE ha continuato a svolgere un ruolo centrale nel panorama culturale italiano,&nbsp;forte di un’eredità di oltre 143 anni”, ha commentato Salvatore Nastasi, Presidente di SIAE: “La sua missione si è rinnovata ancora una volta nel sostegno concreto a chi crea: gli autori e gli editori che nutrono ogni giorno l’immaginario collettivo del Paese. Non solo protezione dei diritti, ma un impegno più ampio nel riconoscere alla creatività il valore di motore sociale ed economico. Il contesto attuale, segnato dall’avanzare di tecnologie sempre più sofisticate, sta ridefinendo processi e linguaggi della produzione culturale. In questo scenario in trasformazione, la capacità di garantire equilibrio, visione e tutela diventa ancora più&nbsp;determinante. Il miliardo di euro di fatturato non è soltanto una cifra: è la prova concreta&nbsp;di un percorso di rafforzamento e innovazione tecnologica della nostra società. Questi risultati confermano il ruolo di SIAE come partner di sviluppo per l’intero ecosistema creativo: un punto di riferimento per chi immagina un’Italia che continui a distinguersi attraverso le sue forme d’arte, dalla musica al teatro, dal cinema alla letteratura. Sostenere la creatività significa infatti investire nelle fondamenta del nostro futuro: un patrimonio culturale vivo, riconosciuto e valorizzato”.

“Nel 2025 SIAE prosegue il proprio percorso di espansione, confermando una crescita&nbsp;costante e risultati economici senza precedenti”, ha aggiunto Matteo Fedeli, Direttore Generale della collecting: “Il raggiungimento del traguardo, strategico e simbolico, del miliardo di euro di fatturato, è l’attestazione più evidente della missione che portiamo avanti ogni giorno: incrementare sempre più il valore riconosciuto agli aventi diritto, con un aggio medio sempre più basso.&nbsp;Questa traiettoria positiva è sostenuta da un insieme di leve decisive. Da un lato, una&nbsp;maggiore forza negoziale nei confronti di soggetti come le grandi piattaforme digitali,&nbsp;indispensabile per garantire condizioni economiche più vantaggiose per autori ed editori in un mercato globale che evolve rapidamente. Dall’altro, una trasformazione interna che sta rendendo SIAE un’organizzazione sempre più agile, digitale e orientata all’efficienza: processi semplificati, adozione di tecnologie avanzate e un utilizzo crescente dell’intelligenza artificiale come alleato operativo. E’ in questa prospettiva più ampia, che integra efficienza operativa, innovazione e trasparenza, che si misura l’impatto reale di SIAE e la nostra capacità di remunerare al meglio chi crea valore culturale ed economico per il Paese”.

SIAE, i numeri del 2025

Fatturato record a 1,022 miliardi di euro e +15% nelle ripartizioni (a 849 milioni di euro)

Si è chiuso ufficialmente ieri, martedì 31 marzo, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752765/note-legali-nasce-sounds-rights">Sound Rights</a>, progetto promosso da Note Legali APS e co-finanziato dal programma europeo LIVEMX (Creative Europe), realizzato in collaborazione con KeepOn Live volto a rafforzare le competenze dei professionisti che operano nell’ambito della musica dal vivo.

L’iniziativa - sviluppata attraverso un programma articolato di 13 lezioni, tra incontri online e momenti in presenza, ospitati anche all’interno di eventi come il KeepOn LIVE Fest di Palermo e Linecheck Festival a Milano - ha coinvolto esperti del settore e rappresentanti delle principali collecting italiane, affrontando temi fondamentali nell’operatività degli addetti ai lavori come diritto d’autore e diritti connessi, licenze, gestione dei rapporti contrattuali tra artisti, promoter e spazi, ticketing e aspetti fiscali e previdenziali.

Sounds Rights ha coinvolto oltre 30 realtà da tutta Italia, tra live club, festival e organizzazioni culturali (selezionate attraverso una call pubblica), come - tra gli altri - AltreMenti Labs, Arci Bellezza, I Candelai, Associazione Glenn Gould ETS, Lumen Festival, Associazione WOM, Baumhaus, Bloom Mezzago, Circolo Magnolia, DumBo, GoMad Concerti, Hybrida APS, MONK Roma, Pablo Listening Bar, Ozono Factory APS, Senzaspine APS e Zenit APS.

A conclusione del percorso, ai partecipanti che hanno frequentato il corso secondo i criteri stabiliti verrà rilasciato un open badge digitale, a certificazione delle competenze acquisite nei diversi ambiti affrontati.

“Quando abbiamo immaginato Sounds Rights, avevamo in mente un obiettivo molto concreto: mettere finalmente gli operatori della musica dal vivo nelle condizioni di lavorare meglio, non solo di lavorare di più”, ha dichiarato Emanuela Teodora Russo, presidente di Note Legali: “Formarsi significa lavorare in modo più consapevole, ridurre i margini di errore, costruire relazioni più equilibrate e rafforzare la sostenibilità degli spazi di musica dal vivo”.

“Sounds Rights è un progetto molto importante perché permette di aggiornare le competenze di chi organizza concerti e, allo stesso tempo, di creare coesione su temi complessi ma centrali per il nostro lavoro, rafforzando l’intera categoria”, ha aggiunto Gaiané Kevorkian, project manager di KeepOn LIVE.

“L’esperienza maturata rappresenta oggi una base concreta per lo sviluppo di percorsi analoghi, contribuendo alla diffusione di pratiche condivise e a una maggiore armonizzazione delle competenze nel settore della musica dal vivo”, hanno fatto sapere gli organizzatori in una nota: “La chiusura del progetto non è quindi un punto di arrivo, ma l’avvio di una nuova fase. I contenuti sviluppati – tra cui la guida digitale finale a disposizione dei partecipanti – continueranno a rappresentare uno strumento operativo per gli operatori del settore, mentre la rete attivata durante il percorso costituisce un patrimonio relazionale destinato a crescere nel tempo”.

Sound Rights, il bilancio degli organizzatori

Dopo il termine del progetto promosso da Note Legali e realizzato in collaborazione con KeepOn

La stagione dei concerti estivi è alle porte, e una nuova location si appresta ad aprire i battenti: si tratta della Imola Music Park Arena e sarà una delle più capienti d'Europa: sviluppandosi su un’area complessiva di oltre 350.000 metri quadrati di parco potrà infatti&nbsp;ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze. Il primo live previsto è quello di Cesare Cremonini, previsto per il prossimo 13 giugno e già sold-out.

Importante anche il fattore ambientale ed ecologico: l'arena&nbsp;è stata concepita come una struttura resiliente, forte di un piano di adattamento climatico. Superfici permeabili in erba, alberature diffuse e soluzioni pensate per mitigare le alte temperature contribuiscono a ridurre l’impatto ambientale degli eventi. Strategie di economia circolare e gestione sostenibile degli eventi&nbsp;(il recupero delle eccedenze alimentari, il riciclo dei materiali e la valorizzazione dei rifiuti) completano il quadro. Il progetto è stato sviluppato come una&nbsp;collaborazione tra Live Nation, il Comune di Imola e l'Autodromo Internazionale Enzo e Dino Ferrari.

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Nasce la Imola Music Park Arena all'insegna della sostenibilità

Potrà ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze

E' un'etichetta globalista fin dalle sue origini, la nuova nata in casa UMG: Dialled In Records avrà infatti base a Londra e sarà gestita da The Collective (un celebre&nbsp;gruppo di A&amp;R trasversali ad Island ed EMI) e da un gruppo di imprenditori, consulenti musicali e produttori provenienti dall'Asia meridionale, in particolare dall'India, fondatori del collettivo Dialled In. Il gruppo è attivo da cinque anni e si è già fatto notare in territorio inglese, arrivando addirittura a piazzare alcuni suoi artisti in festival come Glastonbury.

Le prime firme dell'etichetta sono Aahadadream (artista di origini indiane già noto nel Regno Unito, che tra l'altro ha co-fondato il collettivo Dialled In) e un gruppo di artisti attivi tra New Delhi e Mumbai, gli Excise Dept. Il 30 maggio la nuova etichetta inaugurerà ufficialmente le sue attività festeggiando il quinto compleanno del collettivo con un festival da 3.000 persone.

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UMG lancia una nuova label specializzata in musica asiatica

Si chiama Dialled In Records e sarà gestita insieme a un collettivo di imprenditori indiani

Un tempo era appannaggio soprattutto degli artisti in tour, ma con l'avvento di Internet e degli e-commerce ormai ci si trova a&nbsp;constatare come ogni etichetta, produttore, rapper o cantante immetta ogni anno nel circuito del merchandising&nbsp;diversi drop (così si dice in gergo) di nuovi articoli. Ed è proprio su questo che si focalizza la nuova ricerca di Midia: quali sono i desideri e le impressioni dei potenziali acquirenti?

Stando all'indagine, la cara vecchia t-shirt della band non è più l'oggetto dei desideri dei giovanissimi: la maggior parte dei consumatori nella fascia 16-24 predilige altre opzioni, come poster, portachiavi e bigiotteria. Sempre più consolidata tra&nbsp;i giovanissimi, inoltre, l'abitudine di acquistare i formati fisici di album e singoli alla stregua di merchandising (una tendenza evidente&nbsp;anche per via del&nbsp;fatto che la maggior parte dei giovani acquirenti di LP e 45 giri non possiede un giradischi): il 27% dei consumatori di musica di questo range di età, infatti, ne ha comprato uno nell'ultimo anno.

Purtroppo, però, emergono anche alcune criticità da parte dei fan interpellati, come la sensazione&nbsp;che molti articoli siano diventati troppo costosi. Emerge anche la convinzione che questa fonte di guadagno sia ormai quasi&nbsp;abusata dagli artisti: ben il 40% degli intervistati dichiara di sentirsi a volte sfruttato (in modalità mucca da mungere, per intenderci) dai propri beniamini.

Una nuova ricerca sui trend del merchandising firmata Midia

E' una fonte di incassi sempre più redditizia per gli artisti, e non solo per quelli in tour

Il giudice federale americano Randolph D. Moss ha dichiarato incostituzionale l’ordine esecutivo con cui Donald Trump, lo scorso maggio, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756294/usa-stop-ai-finanziamenti-per-le-radio-pubbliche">aveva disposto l’eliminazione dei finanziamenti pubblici a NPR e PBS</a>, i due principali operatori nel circuito delle radio pubbliche nazionali. “Il Primo Emendamento traccia una linea, che il governo non può oltrepassare, negli sforzi di usare il potere del governo - compreso quello di finanziamento - ‘per punire o sopprimere l’espressione sfavorita’ da parte di altri”, si legge nella sentenza: “Il messaggio è chiaro: NPR e PBS non devono fare domanda per alcun beneficio federale perché il Presidente disapprova la loro linea editoriale ‘progressista’”.

La sentenza - osserva la stampa specializzata americana - non implica, tuttavia, un riavvio automatico dei fondi: Moss osserva che, poiché le risorse del Corporation for Public Broadcasting (CPB) sono già state revocate, le richieste di sollievo contro il CPB risultano prive di oggetto; al tempo stesso, ha emesso un’ingiunzione permanente per impedire l’attuazione dell’ordine esecutivo.&nbsp;

“Siamo entusiasti della decisione di oggi che dichiara l’ordine esecutivo incostituzionale… l’ordine esecutivo è una discriminazione e una ritorsione per punto di vista, incostituzionale da manuale”, ha commentato Jeremy Gaines, portavoce del PBS. Secondo la CEO di NPR Katherine Maher il tribunale ha chiarito che “il governo non può usare il finanziamento come leva per influenzare o penalizzare la stampa”, definendo la decisione “una conferma decisiva dei diritti di una stampa libera e indipendente—e una vittoria per NPR”. La portavoce della Casa Bianca Abigail Jackson ha definito la decisione della corte “ridicola”: “NPR e PBS non hanno alcun diritto di ricevere fondi dei contribuenti, e il Congresso ha già votato per togliere loro i finanziamenti”, lasciando intendere - come riferito da Politico - la possibilità di fare ricorso in appello.

USA, dal tribunale un aiuto alle radio pubbliche

Per il tribunale è ‘incostituzionale’ lo stralcio (voluto da Trump) dei sostegni a NPR e PBS. Ma…

Nessuno, oggi, discute il peso che la musica dal vivo ha sul bilancio dell'industria musicale nazionale. Già nel 2023, raccontava <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748036/valore-musica-in-italia-indagine-fimi-4-3-miliardi-di-euro-nel-2023">uno studio realizzato da FIMI</a>, il live - nel nostro Paese - valeva oltre il 56% dei 3 miliardi generati, sul mercato interno, dall'intero settore. Il trend di crescita, successivamente, si è ulteriormente consolidato, come certificato tanto dall'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753178/rapporto-siae-2024-stato-salute-spettacolo-in-italia">ultimo annuario della Società Italiana degli Autori ed Editori</a>, quando dal più <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754532/musica-dal-vivo-italia-dati-2024-assoconcerti-canzone-popolare-live">recente report</a> dell'associazione di categoria di riferimento del comparto, AssoConcerti. Eppure, nonostante i numeri parlino chiaro, un combinato disposto di fattore sfavorevoli – la crescita fuori controllo di inflazione e costi dell'energia, il caro affitti, la migrazione di professionalità verso altri ambiti indotta dalla pandemia, la gentrificazione delle zone centrali delle grandi aree urbane – sta ponendo una barriera all'ingresso ai futuri protagonisti del live: la crisi degli spazi di base, oggi, rischia di pregiudicare l'intero settore di domani. All'estero lo sanno bene, tanto le associazioni quanto gli artisti – che, tra l'altro, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748183/katy-perry-ha-annunciato-il-suo-sostegno-al-music-venue-trust">sono stati tra i primi a mobilitarsi</a>. Ma qui? Per assicurare un futuro alla musica dal vivo, in Italia – a unire le forze – sono stati il collettivo Germi, guidato da Manuel Agnelli, e SIAE, che lo scorso 12 marzo hanno annunciato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757624/siae-con-germi-per-suoni-dal-futuro">“Suoni dal futuro”</a>, progetto creato per sostenere le nuove generazioni di artisti attraverso “un percorso concreto fatto di palco, formazione e crescita professionale”. “I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo”, ci ha raccontato Salvatore Nastasi, Presidente di SIAE, che insieme ad Agnelli (tornato sull'argomento, sempre con Rockol, con <a href="https://www.rockol.it/news-757986/siae-suoni-dal-futuro-importanza-live-giovani-intervista-nastasi-siae">questa intervista</a>)&nbsp;ha elaborato e messo a punto il progetto: “In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare”. Spiegandoci perché, proprio dagli eventi dal vivo che apparentemente possono sembrare marginali, passano le sorti della grande musica italiana... 
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Lei e Agnelli siete conoscenti di lunga data: entrambi avete spiegato come “Suoni dal futuro” sia un progetto del quale avete parlato per anni. Perché si è concretizzato proprio nel 2026? Qual è stato, se c’è stato, il punto di svolta che ha fatto decollare il processo di organizzazione e realizzazione?

Il progetto "Suoni dal Futuro" nasce da una visione condivisa che nel tempo è maturata fino a trovare oggi le condizioni giuste per concretizzarsi. In questo momento storico abbiamo sentito con ancora più urgenza la necessità di rimettere al centro la creatività, le opere originali e i giovani autori e le giovani autrici. È un’esigenza che nasce dal contesto attuale, in cui la musica rischia spesso di essere letta solo attraverso numeri, classifiche e algoritmi. Il punto di svolta è stato proprio questo: la consapevolezza comune che fosse necessario creare una realtà strutturata e continuativa, capace di accompagnare una nuova generazione di talenti. Insieme a Manuel Agnelli e al collettivo di Germi abbiamo condiviso l’idea che il futuro della musica non si aspetta, ma si costruisce. E si costruisce mettendo in relazione arte, formazione ed esperienza sui palchi.

Tra San Siro e l’assenza dei palchi c’è “un mondo di mezzo”, rappresentato dai piccoli live club, dove SIAE vuole essere presente: perché, secondo lei, la realtà degli spazi di base per la musica dal vivo, che in Paesi come il Regno Unito sono considerati incubatori indispensabili per assicurare un futuro alla comunità artistica, in Italia vengono considerati meno che una nicchia? Crede che il problema possa essere culturale?

I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo. Sono luoghi in cui la musica prende forma, dove gli artisti iniziano a costruire un rapporto autentico con il pubblico e dove le canzoni diventano esperienze condivise. In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare. È nei club che si sviluppa quel dialogo diretto tra chi crea e chi ascolta, ed è lì che si costruiscono le basi del futuro della musica. Progetti come "Suoni dal Futuro" nascono proprio per riportare attenzione su questi spazi, valorizzarli e riconoscerli come fondamentali per la crescita professionale e artistica di giovani emergenti.

I dati in possesso di SIAE hanno confermato come il pubblico, dopo il Covid, abbia “avuto bisogno di sentire gli artisti dal vivo”. Gli ultimi dati di mercato - sia in Italia che all’estero - hanno confermato come il rapporto “fisico” tra pubblico e musica sia più saldo che mai. È una sorta di “assicurazione” nei confronti della creatività umana, in tempi in cui artisti “virtuali” creati dall’intelligenza artificiale iniziano a finire sui giornali?

La dimensione live restituisce alla musica la sua essenza più profonda: quella dell’incontro. È un’esperienza che non può essere ridotta o sostituita, perché nasce dalla relazione diretta tra artista e pubblico, dalla condivisione di un momento unico e irripetibile.

In questo senso, il rafforzarsi del live non è solo una tendenza di mercato, ma un segnale importante: ci ricorda che la musica vive davvero quando è autentica e condivisa. Anche in un contesto in cui le tecnologie evolvono rapidamente, resta centrale il valore dell’espressione umana, della presenza, della connessione reale. Più che un’assicurazione, è una conferma della natura stessa della musica.

L’importanza della prossimità all’artista che solo il live può garantire, secondo lei, vale per tutti - dalle star che suonano negli stadi alle band emergenti che calcano i palchi dei club - o è per certi versi “drogata” dalla fascinazione che il grande pubblico ha per la celebrità?

La prossimità è un concetto affascinante. È un valore, è un’opportunità, che attraversa tutta la musica, indipendentemente dalle dimensioni del palco. Certamente, cambia la scala dell’esperienza, ma non cambia la sua natura, il bisogno di connessione.

Nei grandi eventi questa relazione assume una forma collettiva più ampia, mentre nei club diventa più intima e diretta, ma è proprio in questi contesti che spesso si sviluppa una connessione più profonda, perché si è più vicini, più esposti, è quindi più autentici. Con "Suoni dal Futuro" mettiamo al centro i club con l’auspicio di costruire o di rafforzare il rapporto tra artista e pubblico, al di là di ogni dinamica legata alla notorietà.

Al di là del progetto “Suoni dal futuro”, cosa fa SIAE nel concreto per i giovani autori? Per quanto riguarda il settore della musica dal vivo, crede sia opportuno che a questo comparto venga assegnato un sostegno da parte delle istituzioni? Se sì, di che tipo? Nel caso, come SIAE, sareste disposti a collaborare con altre entità su un progetto del genere?

Come SIAE lavoriamo da sempre per creare le condizioni affinché chi scrive e crea musica possa crescere in un contesto che riconosca, tuteli e valorizzi il lavoro creativo, soprattutto nelle fasi iniziali di un percorso artistico, che sono spesso le più fragili ma anche le più decisive. In questa direzione vanno misure come la gratuità dell’iscrizione per gli autori e le autrici under 30 e la maggiorazione sui compensi annuali da diritto d’autore del repertorio musica per gli under 35: strumenti pensati per ridurre le barriere di accesso e accompagnare i primi passi di una carriera che, come sappiamo, è spesso complessa e in salita. A queste si affiancano le numerose iniziative promosse attraverso i nostri uffici di Promozione Culturale e programmi come i bandi “Per Chi Crea”, che hanno l’obiettivo di sostenere concretamente giovani talenti under 35, offrendo opportunità di crescita e visibilità.

Per quanto riguarda invece il settore della musica dal vivo, crediamo che il sostegno a questo comparto sia fondamentale. I club, i circuiti locali non sono una nicchia, ma un passaggio essenziale nello sviluppo della musica: è lì che gli artisti si formano, sperimentano e costruiscono la propria identità. Investire nei luoghi della musica dal vivo, significa investire nel futuro dell’intero sistema musicale. Il tipo di sostegno deve andare proprio in questa direzione: favorire la creazione e la sostenibilità di spazi reali, accessibili, dove il talento possa emergere e incontrare il pubblico, valorizzando la dimensione live come momento centrale dell’esperienza musicale.&nbsp; Da parte nostra c’è massima disponibilità al dialogo e alla collaborazione con istituzioni e altri soggetti del settore. Siamo convinti che solo attraverso un lavoro condiviso si possano costruire ecosistemi solidi per il futuro delle nuove generazioni.

'Il futuro della musica non si aspetta, si costruisce'

Il Presidente di SIAE Salvatore Nastasi spiega la visione della collecting dietro 'Suoni dal futuro'

Sony Music Publishing Italia ha annunciato l’ingresso nel proprio roster dei Room9, trio di Dj, producer e musicisti composto da Kende, Lorenzo Santarelli e Marco Salvaderi. “Siamo felici di avervi in squadra”, ha fatto sapere - sui propri canali social ufficiale - la filiale italiana della branca editoriale di Sony Music, guidata nel nostro Paese da Margherita Gnech.

Dopo l’esordio con “Rollercoaster”, i Room9 hanno conquistato nel 2023 il loro primo disco di platino grazie a “Bellissima” di Alfa. Agli impegni in studio gli artisti hanno affiancato un'intensa attività da Dj, che li ha visti impegnati sui palchi di importanti club e festival italiani e internazionali. Tra le loro collaborazioni recenti c’è quella con i Kolors per “Un ragazzo una ragazza”, hit del 2024 certificata da FIMI con due dischi di platino.

Sony Music Publishing Italia, i Room9 entrano nel roster

Il trio di produttori ha collaborato con i Kolors per la hit ‘Un ragazzo una ragazza’

Nel 2025 CTS Eventim, il gruppo tedesco che opera nei settori dell’organizzazione di eventi dal vivo e ticketing, nonché società madre dell’italiana TicketOne, ha registrato ricavi per 3,079 miliardi di euro (in crescita del 9,6% su base annua), “proseguendo la sua traiettoria di crescita nel 2025, superando per la prima volta i 3 miliardi di euro di fatturato consolidato”. La crescita, ha precisato la società con sede a Brema, “è stata trainata dalla progressiva internazionalizzazione, dall'ampliamento della piattaforma tecnologica e da una domanda costantemente elevata di eventi dal vivo”.

Con un EBITDA rettificato al 19%, l’attività del gruppo “si è dimostrata solida e redditizia in entrambi i segmenti”. La divisione dedicata alla biglietteria ha totalizzato entrate per 977,1 milioni di euro, in crescita dell’11% su base annua, con un EBITDA rettificato al 46,4%: la performance è stata resa possibile dalla “continua digitalizzazione della vendita dei biglietti, dall'integrazione dei mercati internazionali e delle economie di scala derivanti dalle piattaforme digitali”.

Il segmento dedicato all’organizzazione e alla produzione di eventi live ha generato un fatturato di 2,152 miliardi di euro, in crescita del 9,2% su base annua, e un EBITDA rettificato aumentato del 3,7% a 130,3 milioni di euro. In questo caso, “il segmento ha beneficiato di una domanda costantemente elevata per eventi dal vivo e di un solido portfolio di eventi proprietari”, come - tra gli altri - le edizioni (andate sold-out) dei festival Rock am Ring e Rock im Park.

Il gruppo ha “continuato ad espandere la propria attività nel settore delle sedi per eventi, rafforzando così la propria posizione lungo tutta la catena del valore”, attraverso - per esempio - la nuova Unipol Dome di Milano, inaugurata in occasione degli scorsi giochi olimpici invernali e definita da CTS Eventim “una delle arene polifunzionali al coperto più innovative d'Europa”.

“Nel 2025 abbiamo continuato a perseguire con determinazione la nostra strategia di crescita, superando per la prima volta la soglia dei 3 miliardi di euro. In sette esercizi finanziari – escludendo gli anni della pandemia – il nostro fatturato è praticamente triplicato”, ha commentato Klaus-Peter Schulenberg, CEO di CTS Eventim: “Stiamo investendo nell'espansione della nostra piattaforma, nella tecnologia, nei dati e nell'intelligenza artificiale, nonché nel rafforzamento del nostro business nel settore dell'intrattenimento dal vivo e delle location. Siamo in un'ottima posizione per la prossima fase di sviluppo della nostra azienda”.

Riguardo l’outlook per il 2026, secondo gli analisti della società “ipotizzando uno scenario macroeconomico stabile” le previsioni sono di “un aumento del fatturato totale e dell'EBITDA rettificato”.

CTS Eventim, nel 2025 superati i 3 miliardi di euro di fatturato

E’ la prima volta nella storia aziendale del gruppo guidato da Klaus-Peter Schulenberg

Sugar Music, l’etichetta discografica del gruppo Sugar, ha lanciato “Ascolto”, un nuovo progetto di scouting pensato - ha precisato la label - “per raggiungere le voci emergenti direttamente nei territori in cui nascono”.&nbsp;

L’iniziativa prevede una fase iniziale di ricezione e ascolto, alla quale seguiranno sei tappe attraverso l’Italia - il 24 aprile a La Redazione di Empoli, l’8 maggio a Padova (Casetta Zebrina), il 15 maggio a Salerno, presso iMorticelli, il 22 a Bari maggio (al MAT Laboratorio Urbano di Terlizzi), il 29 maggio a Palermo (all’EPYC), per concludersi a Cagliari, in una data ancora da definire.

“Ascolto” si aprirà ufficialmente domani, primo aprile, con un open call nazionale rivolta ad artisti, artiste e band maggiorenni ed emergenti, a cui sarà possibile candidarsi a <a href="https://sugarmusic.com/ascolto" target="_blank">questo&nbsp;link</a>, entro l’8 aprile. Il 14 aprile verranno comunicati i 30 artisti emergenti selezionati, cinque per ciascuna delle sei città del tour, che avranno l’opportunità di esibirsi dal vivo davanti al pubblico e al team A&amp;R di Sugar, “entrando in contatto diretto con il mondo discografico”.

Il progetto - “nato per costruire un ponte tra discografia e territorio” - “è animato - conclude Sugar Music - dalla convinzione che il talento possa nascere ovunque, ma soprattutto dall’incontro fra chi ha qualcosa da dire e chi è disposto ad ascoltare”.

Scouting, Sugar Music lancia Ascolto

Un progetto per scoprire e valorizzare i talenti emergenti in Italia, in sei tappe: i dettagli

Domani, primo aprile 2026, Apple celebrerà i cinquant’anni dalla sua fondazione. La ricorrenza è stata ricordata - oltre che con una serie di speciali eventi musicali dal vivo a New York, Londra, Washington DC, Sydney, Bangkok e Seul - dall’attuale CEO del gigante informativo con quartier generale a Cupertino, California, Tim Cook, con una lettera aperta pubblicata sul network globale Web dell’azienda.

“Cinquant’anni fa, una grande idea prese forma in un piccolo garage”, scrive Cook: “Apple è stata fondata sulla base di un concetto semplice quanto radicale per quel periodo: la tecnologia deve essere qualcosa di personale. Un concetto che ha cambiato tutto. Dal nostro primo computer all’introduzione del Mac, dall’iPod all’iPhone, dall’iPad all’Apple Watch e agli AirPods, senza dimenticare tutti i servizi che usiamo ogni giorno, come l’App Store, Apple Music, Apple Pay, iCloud e Apple TV, abbiamo passato cinque decenni a ridefinire i limiti del possibile, per offrire alle persone strumenti davvero potenti”.

“In mano vostra, gli strumenti che creiamo hanno migliorato la qualità di tante vite, qualche volta ne hanno anche salvate”, ha proseguito Cook: “Ed è proprio questa la nostra fonte di ispirazione più grande. Ciò che conta davvero sono i vari modi in cui voi sfruttate la tecnologia, al di là di quello che la tecnologia stessa può fare da sola. (...) Sono le vostre idee a motivarci in tutto quel che facciamo. La vostra fiducia ci spinge a dare di più e le vostre storie ci ricordano i traguardi straordinari che si possono raggiungere quando si pensa in modo diverso. Se c’è qualcosa che abbiamo imparato da voi è che le persone folli abbastanza da pensare di poter cambiare il mondo sono quelle che alla fine ci riescono”.

Apple fu senza dubbio protagonista della primissima fase della rivoluzione digitale dell’industria musicale, lanciando - nel 2001 - le prime versioni di iTunes e del lettore Mo3 iPod. Dopo aver portato - nel 2004, con la prima release del software di creazione musicale GarageBand - l’editing audio a livello consumer, l’altra grande svolta per l’azienda fu - nel giugno del 2015, il lancio di Apple Music, la piattaforma di streaming musicale che - pur arrivata con 7 anni di ritardo rispetto a Spotify - oggi rappresenta, a livello globale, uno dei primi competitori del DSP lanciato in Svezia nel 2008.

L’epopea aziendale di Apple - amplificata presso il pubblico generalista dal film del 2013 “Jobs” sulla figura del co-fondatore della società, Steve Jobs, scomparso nel 2011 - è stata assunta a paradigma per definizione dell’età dell’oro della Silicon Valley, il distretto tecnologico nei pressi di San Francisco che dalla prima metà degli anni Settanta rappresenta il cuore pulsante del comparto digitale statunitense: dal garage citato da Cook nell’incipit del suo messaggio Apple è arrivata a raggiungere una capitalizzazione di mercato superiore ai 3500 miliardi di dollari, pari - più o meno - al prodotto interno lordo della Gran Bretagna nel 2024. Nel 2025 il gruppo ha accumulato ricavi per 416 miliardi di dollari, con un reddito operativo pari a 133 miliardi di dollari. Alla fine dello scorso anno, i due azionisti di riferimento del gruppo erano Vanguard e BlackRock, rispettivamente con il 9,72% e 7,86% delle quote, con tra gli altri - nel ruolo di azionisti di minoranza - State Street Corporation (4,11%), Geode Capital Management (2,44%), Morgan Stanley (1,57%), JPMorgan Chase (1,54%) e Norges Bank (1,31%).

Apple compie 50 anni

L’azienda che in mezzo secolo è passata da un garage a valere come l’economia di un Paese del G7

Jake La Furia è il nuovo ambassador della campagna Lego dedicata ai veicoli.&nbsp;Come primo atto di questa partnership, proprio ieri ha preso parte a un'attività presso il Barrio's di&nbsp;Barona, a Milano: un pomeriggio all'insegna del claim "Click, clikc, vroom" che ha visto una sessione di costruzione /&nbsp;laboratorio creativo a cui hanno preso parte anche i ragazzi del quartiere.&nbsp;

"Per me, il gioco è sempre stato una forma di espressione e libertà. Oggi unire l’energia della musica ai mattoncini è stato un modo diretto per connettermi con i ragazzi e raccontare loro che con la passione puoi costruire tutto quello che immagini" ha dichiarato Jake.&nbsp;“È stato un piacere immenso giocare e confrontarci con lui: la sua energia incarna perfettamente lo spirito&nbsp;del Gruppo LEGO, che da sempre sottolinea il potere del gioco per sviluppare la creatività e le capacità sociali nei bambini”&nbsp;ha aggiunto Davide Cajani, Marketing Director di LEGO Italia.&nbsp;“Oggi i mattoncini sono diventati&nbsp;anche un forte&nbsp;ponte di comunicazione, un linguaggio universale e cool capace di superare barriere generazionali e culturali”.