Bancomat e TicketOne hanno annunciato l’integrazione di Bancomat Pay tra i metodi di pagamento accettati dalla piattaforma di ticketing italiana parte del gruppo CTS Eventim.

Per TicketOne “questa partnership significa ampliare ulteriormente le opzioni di pagamento a disposizione degli utenti, offrendo un’esperienza d’acquisto ancora più semplice per accedere a concerti, spettacoli, eventi sportivi e culturali”.

L’obiettivo comune - spiegano le aziende - “è rendere l'esperienza d'acquisto più semplice e rapida. Bancomat Pay, infatti, collega il conto della tua banca al tuo numero di cellulare, senza necessità di avere una carta fisica e rappresenta una modalità di pagamento molto conosciuta e diffusa in Italia accanto a quelle già presenti su Sito ed App TicketOne.it e sul sito ufficiale di rivendita fanSALE.it”.

“Per bancomat è una grande soddisfazione poter inserire Bancomat Pay tra i metodi di pagamento accettati dalla prestigiosa piattaforma TicketOne, aumentando sempre di più le opportunità di acquisto per i nostri clienti”, ha commentato Massimiliano Gallo, Acceptance Senior Vice President di Bancomat: “Un’opportunità che arriva anche al momento giusto ovvero quello Natalizio che per tradizione e uno dei più densi di attività ed eventi dell'anno”.

"La collaborazione con Bancomat è parte del piano strategico di innovazione digitale con al centro il consumatore e la sua soddisfazione”, ha aggiunto Giorgio Aretino, Online Marketing &amp; Ecommerce Director di TicketOne: “L’integrazione di Bancomat Pay si inserisce perfettamente in questa visione, permettendoci di rispondere con ancora maggiore flessibilità alle esigenze di pagamento e non solo del nostro pubblico. Godetevi l’esperienza, noi pensiamo al resto”.

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TicketOne, siglata una partnership con Bancomat

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‘L’accordo estende l'ecosistema di pagamenti digitali per il più ricco calendario di eventi live’

Nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, nel pomeriggio di oggi - 20 novembre - si è tenuto Il panel presentato da Evolution Collecting dal titolo “Copia Privata e Diritti Connessi 2025: cambia tutto per le etichette indipendenti”. L’incontro, moderato da Davide Poliani,&nbsp;giornalista responsabile di MusicBiz di Rockol, ha contato della partecipazione di&nbsp;Luca Barone (Vicepresidente Evolution Collecting), Max Moroldo (CEO, Head of A&amp;R, International affairs di Do It Yourself) e Roberto Riva (Co-founder Triggger).

Partendo dal presupposto che “l’industria musicale italiana sta entrando in una fase di ridefinizione profonda dei propri meccanismi di remunerazione, tanto che&nbsp;l’ultimo decreto sui diritti connessi introduce nuovi criteri di ripartizione e apre interrogativi sul futuro dei compensi da copia privata”, il panel si è posto l’obiettivo di&nbsp;analizzare l’impatto delle recenti riforme sul mercato, con un focus su produttori, artisti e collecting societies, tra sfide operative e nuove opportunità per la filiera indipendente.

Invitato a presentare lo scenario attuale,&nbsp;Luca Barone (Vicepresidente Evolution Collecting) ha spiegato:&nbsp;"Cercherò di essere il più semplice possibile, anche se semplificare troppo può diventare fuorviante. Fino al 2025, quindi fino alla competenza dell’anno 2025, il gettito della copia privata destinato alle collecting era suddiviso con criteri diversi rispetto a oggi: si basava essenzialmente sui DRM, cioè sui supporti fisici (CD, vinili, ecc.) commercializzati per oltre il 50%, su una quota legata alle utilizzazioni di grado 1 e su una quota relativa al download, che negli ultimi anni era diventata piuttosto marginale. Dal 2025 in poi questi criteri sono stati completamente cancellati dal nuovo decreto, che stabilisce che le somme destinate alle singole collecting non si basano più su quella ripartizione, ma su un unico parametro: quanto ciascuna collecting incassa dagli altri diritti, cioè dai cosiddetti diritti connessi". Ha aggiunto: "Questo significa che, mentre un tempo un editore discografico poteva contare sul fatto che la vendita o la commercializzazione di un certo numero di copie (per esempio 10.000 vinili) gli garantisse comunque una quota di copia privata, oggi non è più così. Non è affatto detto che, anche vendendo molto, ti torni indietro qualcosa dalla copia privata, a meno che quei contenuti non siano anche utilizzati in contesti riconducibili ai diritti connessi — e quindi generino un gettito che rientra in quei parametri. Questa è la differenza tra il 'prima'&nbsp;(fino al 2025) e il 'dopo'&nbsp;(dal 2025 in avanti): qui stiamo parlando della prima ripartizione, quella che arriva alle collecting. Poi, a loro volta, le collecting devono ripartire le somme ricevute. La copia privata non è un diritto puntuale, non è collegata all'utilizzo effettivo del singolo brano, quindi non può essere corrisposta in modo totalmente analitico. Le collecting devono quindi decidere come ridistribuire quel denaro a chi ha conferito loro mandato. Ed è qui che nasce la grande differenza: si può scegliere di attenersi semplicemente ai criteri con cui il gettito è arrivato, oppure si può cercare di “armonizzare” quei criteri con la natura stessa della copia privata -&nbsp;che, come dicevi tu, è un indennizzo riconosciuto agli aventi diritto perché consentono a chiunque di copiare i loro brani. Sappiamo bene, però, che nei nostri dispositivi sono presenti moltissimi brani che magari non vengono utilizzati nell’anno di riferimento. Facciamo l’esempio del jazz: se una persona ha caricato sul suo device un certo repertorio jazz anni fa, non significa che lo stia usando oggi. Eppure, prima, anche quei brani davano comunque luogo a una quota di copia privata. Adesso, se la logica è quella basata sui diritti connessi, questo legame non c’è più. È un cambiamento radicale. Non esiste più quella sorta di criterio trasversale che era lo streaming, che permetteva di certificare che un brano, anche se non utilizzato, rientrasse comunque in una base di ripartizione".

Come&nbsp;questa&nbsp;rivoluzione impatta sulle società? A questa domanda ha provato a dare una prima risposta&nbsp;Max Moroldo (CEO, Head of A&amp;R, International affairs di Do It Yourself), affermando: "Come questa rivoluzione impatterà davvero sulle società lo sapremo solo a posteriori. Su come pensiamo che possa influire,&nbsp;direi sicuramente in maniera molto più forte rispetto al passato. Luca lo diceva giustamente: per le etichette indipendenti, il compenso per copia privata ha rappresentato fino a oggi anche una risorsa da reinvestire nella musica. Una leva concreta per sostenere artisti emergenti, lo scouting, e in generale la costruzione di nuovi progetti. Oggi, però, per alcuni generi musicali questo scenario potrebbe cambiare drasticamente. Luca citava un esempio emblematico: generi di nicchia -&nbsp;uso una parola un po’ “antica”, lo so -&nbsp;come il jazz, in un mercato come quello attuale, ma anche la dance, rischiano, se non si sceglie la collecting giusta, di non percepire più gran parte dei compensi. Il paradosso è che, anche se pubblichi musica e ottieni risultati, potresti comunque trovarti alla fine del periodo di competenza senza ricevere somme che ti spetterebbero di diritto". Ha continuato:&nbsp;"Qual è quindi il lavoro che dobbiamo fare oggi? Prima di tutto, spiegare chiaramente alle persone che rappresentiamo quale sarà il cambiamento. Non tutti, infatti, conoscono con precisione quali diritti spettino a un produttore di fonogrammi e, di conseguenza, agli artisti e ai soggetti che seguiamo. E poi deve diventare un principio condiviso che qualsiasi utilizzo genera un diritto&nbsp;-&nbsp;e che questo diritto deve essere riconosciuto. Quindi il compito più importante che ci aspetta, al di là della scelta della collecting (che, essendo qui oggi, sembra quasi naturale), sarà quello di formare e informare i nostri artisti, produttori e amministrati su ciò che sta accadendo ora e su quello che accadrà nel prossimo futuro".

Riportando la sua esperienza,&nbsp;Roberto Riva (Co-founder Triggger) ha aggiunto: "Dal mio punto di vista personale, facendo molte attività di consulenza per diverse etichette indipendenti, credo sia fondamentale informare e sensibilizzare chi le gestisce -&nbsp;cioè i produttori di fonogrammi -&nbsp;su due aspetti principali: cosa sia la copia privata e cosa siano i diritti connessi". E ancora: "È particolarmente importante quando questi soggetti si trovano a interagire con società molto grandi, che spesso vengono viste come un “salto di qualità” -&nbsp;e in effetti può esserlo, soprattutto per alcune fasi specifiche. Tuttavia, legarsi a grandi aziende comporta rischi: questi gruppi non firmano accordi standard da produttore di fonogrammi, ma stipulano spesso contratti di licenza o di distribuzione. Bisogna quindi sensibilizzare le etichette indipendenti sul fatto che tutto ciò che riguarda copia privata e diritti connessi deve essere considerato un asset da conservare all’interno della società. Spesso questo non viene fatto, perché negli accordi proposti compaiono solo due frasette generiche che, in pratica, comportano la cessione della possibilità di monetizzare copia privata e diritti connessi — spesso senza che le etichette ne siano pienamente consapevoli, banalmente perché non conoscono esattamente la fattispecie normativa. Questo aspetto è cruciale, perché nel momento in cui un’etichetta indipendente decide o non decide, rischia di aver ceduto i diritti connessi alle grandi società. Spesso le ripartizioni non sono analitiche: non sono dettagliate in relazione a un disco o a un brano specifico, ma costituiscono circa il 60% di somme “a calderone”, non tracciabili singolarmente. Un esempio recente che mi è capitato mostra bene la questione: una grande società acquisisce il diritto d’incasso di copia privata e diritti connessi di etichette indipendenti e promette una ripartizione. Ma se questa ripartizione è forfettaria, come viene calcolata? Su quali criteri? Questo è il punto chiave della sensibilizzazione: le etichette e gli artisti devono capire esattamente come e perché il loro compenso viene distribuito. Se questo non avviene, ci troveremo sempre nella stessa situazione: le società di collecting più grandi, con maggiore quota di mercato e fatturato, avranno un vantaggio strutturale. Ma questo vantaggio non si tradurrà mai nel bene dei produttori di fonogrammi, bensì in quello delle grandi società e del sistema che le circonda. La sfida da vincere, quindi, è convincere tutti gli interlocutori attraverso un’opera di alfabetizzazione e formazione mirata".

Alla domanda su quali possano essere le barriere psicologiche da superare per andare incontro ai vostri interlocutori, il panel ha portato a dialogare&nbsp;su come “la leva necessaria è quella economica”. Max Moroldo ha quindi sottolineato: “Non si deve permettere a qualcun altro di appropriarsi di un diritto che appartiene legittimamente a un maestro. Questo concetto, però, evidenzia anche perché, soprattutto per i piccoli e per generi un po’ più urban, questa questione passi spesso in secondo piano”. A lui ha fatto eco Roberto Riva, che ha affermato: "Non ho mai visto un’imputazione economica attribuita alla cessione del diritto connesso, ed è invece fondamentale considerarla, soprattutto nel momento in cui si chiude un accordo discografico, sia di distribuzione che di licenza. Ritengo sia necessario, nel caso in cui una persona decida di procedere, che questa sia consapevole del funzionamento dell’intero meccanismo: deve sapere quale società di collecting scegliere e a chi dare mandato, perché ogni collecting, come diceva prima Luca, ripartisce a sua volta i compensi secondo le regole interne che si è data".&nbsp;

A tal proposito, Luca Barone ha evidenziato che: “Se le ragioni sono sopratutto economiche, il diritto connesso è la seconda fonte economia dopo lo streaming per una etichetta. E nel periodo in cui viviamo potrebbe crescere anche di molto e viene remunerata sempre di più. Per quanto la materia sia complessa non è ammissibile che non venga posta l’attenzione a questo tema. Spiegare e far capire cosa vuol dire cedere e non cedere, e cosa significa tenere i diritti nel tempo. Le etichette indipendenti devono capirlo”.

A proposito delle opportunità di questa nuova rivoluzione dei diritti connessi, Luca Barone ha affermato: "Di opportunità ne possono nascere. Al momento questa rivoluzione non si è ancora concretizzata del tutto. Stiamo ancora ripartendo la copia privata del 2024, quindi gli effetti reali sul&nbsp;portafoglio delle aziende non sono ancora visibili, ma lo saranno il prossimo anno. Certo è che per le aziende che gestiscono un determinato genere, come il jazz che citavamo prima, ma anche la classica o la pop music non mainstream,&nbsp;l’impatto potrebbe essere notevole. Pensiamo a un artista italiano molto streammato, che magari non arriva al mercato mainstream ma che, come nel caso di un autore che pubblica dal 2019 un podcast di successo, genera enormi numeri in streaming. Perché non dovrebbe vedersi riconosciuto quanto gli spetta in termini di copie presenti sui device? Bisogna assolutamente correggere questo trend — ed è quello su cui stiamo lavorando — a beneficio di chi produce musica non necessariamente mainstream, che quindi non finisce nei repertori pop, ma che merita comunque una remunerazione equa".

Dal pubblico si è poi sollevata una duplice domanda sulla ripartizione dello streaming, per cui è stato chiesto se&nbsp;viene calcolata sugli incassi generati dallo stesso o se&nbsp;sul numero di play, e se è mai stato preso in considerazione il dato relativo ai download. Luca Barone ha risposto: "Noi, come Evolution, ancora prima dell’emanazione del decreto del 2023 che modifica i criteri della copia privata, abbiamo già sperimentato un modello diverso su un altro diritto: quello derivante dai pubblici esercizi. Si tratta di un gettito molto consistente, che arriva dalle casse e dalle collecting. Ebbene, il 50% di queste entrate provenienti dai pubblici esercizi lo ripartiamo utilizzando i criteri dello streaming". Ha aggiunto: "L’unica fonte rimasta rilevante è quindi lo streaming: non ce ne sono altre, perché il dettaglio e il commercio fisico si stanno riducendo sempre di più". E ancora: "Per quanto riguarda il download, come accennato prima, oggi rientra nella copia privata, ma si è ridotto talmente tanto che anche un solo euro di download rischia di far maturare molti euro di compenso da copia privata, al punto da generare il rischio di download falsi creati ad arte per ottenere più introiti. Per evitare queste distorsioni si è deciso di basarsi sul concetto di fatturato. Tuttavia, se questo fatturato finisce per essere interamente schiacciato sull’utilizzo dei principali network, è evidente che qualcosa non funziona: bisogna trovare un modo per tutelare il mercato, a beneficio di chi non transita attraverso i grandi network e non può pagare il loro stesso livello di utilizzo, pur trasmettendo contenuti analoghi su piattaforme più piccole".&nbsp;

Sempre dal pubblico è stato chiesto come&nbsp;questo cambiamento verrà recepito dai diretti indipendenti, in termini di potenziale vantaggio?&nbsp;Si è quindi espresso&nbsp;Max Moroldo, il quale ha affermato: "Molto dipende anche, se vogliamo, dal genere musicale. Per una realtà come la nostra, che spazia dal jazz alla dance fino al pop, questo cambiamento è percepito come un passaggio importantissimo, che ci aiuterà moltissimo. Detto ciò, come dicevamo prima, i benefici concreti li vedremo tra un po’. Ci servirà la prima ripartizione per capire davvero l’impatto, e credo che anche i criteri stessi di ripartizione verranno via via migliorati e sviluppati. C’è poi un altro grande tema, che oggi non affrontiamo ma resta sullo sfondo: l’intelligenza artificiale. Che cosa facciamo? È una questione enorme, servirebbero decine di panel per affrontarla -&nbsp;soprattutto rispetto al diritto connesso e a come regolamentarlo".

MMW25, report: il panel "Copia Privata e Diritti Connessi 2025"

L'obiettivo dell'incontro è stato di analizzare l’impatto delle recenti riforme sul mercato

Sono stati confermati Fiorella Mannoia, Oblivion e Boss Doms come ospiti ai prossimi SIAE Music Awards, manifestazione organizzata dalla Società Italiana degli Autori ed Editori - nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week - per premiare gli autori ed editori italiani di maggior successo nel nostro Paese e all’estero.

Mannoia interverrà nel corso dell’evento - presentato, come per l’edizione 2024, da Amadeus - con alcuni “interventi speciali”. Sempre sul palco si esibiranno gli Oblivion, mentre Boss Doms sarà il protagonista di un dj-set durante l’after-party.

In occasione della serata-evento verrà consegnato anche il Premio Speciale 2025, che quest’anno va a Pino Daniele. “Quest’anno avrebbe compiuto settant’anni, ma da dieci anni non è più con noi”, si legge nella motivazione comunicata dalla collecting: “Resta però il solco indelebile che ha tracciato nella storia della musica italiana con la sua chitarra e con la sua voce inconfondibile. Il Premio Speciale dei SIAE Music Awards 2025 va a Pino Daniele, grande autore e innovatore visionario, per aver usato parole che continuano a parlare al cuore di generazioni diverse e aver composto melodie che restano patrimonio vivo della nostra identità musicale”.

SIAE Music Awards 2025: ospiti Mannoia, Oblivion e Boss Doms

Si terrà domani, venerdì 21 novembre, alle ore 16,30, alla Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel - presentato da SIAE - “Firma d’autore. Cosa fa (davvero) un A&amp;R nell'editoria?”.

“L’incontro - spiegano gli organizzatori - mira a svelare i meccanismi dietro le collaborazioni editoriali e a fornire strumenti utili non solo ad autori e autrici, ma anche a chi aspira a lavorare come A&amp;R nel music publishing, per orientarsi con maggiore consapevolezza nel settore”.

Al panel, moderato dalla giornalista di Rockol Marta Blumu Tripodi, prenderanno parte Klaus Bonoldi (Universal Music Publishing), Gabriele Compierchio (Sugar Music Publishing) e Claudia Zaffarano (Sony Music Publishing).

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/eowb76-firma-dautore-cosa-fa-un-ar-nelleditoria-21st-nov-dazio-levante-arco-della-pace-milano-tickets?dice_campaign=DICE&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7569134&amp;dice_tags=organic">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘Firma d’autore’

Venerdì 21 novembre, alle ore 16,30, alla Palazzina Appiani di Milano

Si è svolto oggi al Dazio di Levante il panel "Musica ribelle: la nuova voce dei cantautori italiani", presentato da PMI.&nbsp;Tra crisi climatica, diritti sociali e disillusione politica, una nuova generazione di cantautori e cantautrici usa la musica come forma di attivismo e resilienza e pop,&nbsp;rap e&nbsp;cantautorato contemporaneo stiano ridefinendo i concetti di ribellione e cambiamento nel panorama musicale italiano. Ne discutono insieme&nbsp;Eugenio Cesaro (Eugenio in via di Gioia),&nbsp;Gabriele Compierchio (A&amp;R Sugar Music Publishing),&nbsp;Michela Galluccio (Psicologa e Neuropsicologa, Presidente di Restart), con la moderazione di Gianni Sibilla (Rockol).

"In questo momento storico il concetto stesso di ribellione è stato totalmente ridisegnato" riflette Michela Galluccio, che con la sua associazione lavora con molti cantautori e artisti. "Oggi è molto più silenziosa, ma non in senso negativo: viaggia nel sottobosco e non si articola in episodi scatenanti. Ne abbiamo bisogno quotidianamente, e si insinua nella nostra coscienza e nella nostra emotività: la sentiamo fortissima, ma è più gentile". Ci sono state fasi storiche in cui la ribellione è stata più che altro una mossa di marketing, ma dal suo punto di vista di terapeuta le cose stanno cambiando: "La pornografia della vulnerabilità sta diminuendo, e si sta risignificando come un'espressione autentica e sincera". Per Eugenio Cesaro, esistono due forme di ribellione cantautorale: "Verso se stessi e verso la comunità. Ma anche un gesto apparentemente semplice, come quello di scrivere un testo, diventa un gesto di ribellione, perché l'atto creativo lo è sempre". Con le canzoni il personale diventa universale, e non è un caso se le canzoni di oggi sono così individualiste: "Come dicevamo prima, il concetto stesso di ribellione è cambiato". Gabriele Compierchio si trova d'accordo con entrambi: "Come editori ci troviamo spesso a essere un po' psicologi degli artisti e autori con cui lavoriamo, e dal gesto plateale della ribellione ci ritroviamo ad assistere a un ritorno della ribellione come presa di coscienza onesta e singolare, che finisce poi per parlare alla collettività" commenta.&nbsp;

Per un artista, oggi, esporsi in termini psicologici significa tante cose diverse. "Prima ancora di esporsi a livello artistico, gli artisti si espongono a livello social" osserva Galluccio. "Esporsi significa anche prendersi una responsabilità,&nbsp;e questo implica ovviamente un carico notevole, ma non è una colpa: nell'immaginario semantico colpa e responsabilità sono concetti che si sovrappongono, ma l'esposizione deve avere innanzitutto un significato verso noi stessi. Se un artista pubblica una canzone che per lui non ha senso, ad esempio, è possibile che subentri un senso di colpa anche nei confronti del pubblico; ma quando siamo onesti e autentici anche con noi stessi, più difficilmente succederà". Cesaro è d'accordo: "C'è ribellione solo dove c'è onestà. Quando abbiamo pubblicato il nostro album 'L'amore è tutto'&nbsp;sembrava che avessimo abbandonato l'idea di fare la rivoluzione con la nostra musica, ma la verità è che ci siamo accorti di voler fare una rivoluzione gentile, e dentro al concetto stesso di amore c'è qualcosa di rivoluzionario" spiega. La paura del risultato è la più grande nemica dell'onestà: "Se temo che la mia canzone non piacerà a nessuno, e nel timore delle conseguenze comincio a cambiarla per andare incontro ai gusti del mercato, non posso che andare incontro a problemi" afferma. "Bisogna prendere consapevolezza che sì, possono esserci conseguenze, ma non bisogna averne il terrore". Il successo è ovviamente anche un tema che si pone per gli A&amp;R: "Alla fine i conti devono tornare, ma cerchiamo sempre di trasmettere ai nostri artisti che il successo significa una cosa diversa per ciascuno di noi" dice Compierchio. "Ci si prefigge un cammino fatto da obbiettivi difficili da raggiungere, ma la cosa che ci fa sentire appagati è l'aver cercato di fare il massimo. Il successo potrebbe arrivare domani, dopo anni di lavoro oppure mai, ma se non avere successo diventa un peso forse non è il modo più sano di affrontare la situazione".

Il concetto di successo, in effetti, è un altro grande tema: "Se il nostro successo non è rappresentato dall'intenzione con cui facciamo le cose, ma l'eventuale risultato, può essere un problema" riflette Michela Galluccio. "Nel momento stesso in cui ci mettiamo in gioco e cominciamo a scrivere musica o a salire su un palco, stiamo già facendo qualcosa di grande e di significativo". Eugenio Cesaro ammette che spesso alcune paure, più che istintive, sono frutto di un calcolo costo-beneficio: "Nel mio caso, però, cerco sempre di utilizzare delle modalità, dei linguaggi e dei contenitori in cui so di sentirmi a mio agio, perché sono ben consapevole che non tutto fa per me". Gabriele Compierchio osserva che le aspettative altrui tendono a essere un grande freno: "Anche il confronto con gli altri, che magari sono in una fase diversa del loro percorso artistico, tendono a essere un grande peso, e i social media in questo non hanno aiutato" aggiunge. Insomma, i fallimenti e gli errori non sono da nascondere, anche se tutti tendono a farlo sui social, ma da una sconfitta può nascere una vittoria: "Con gli Eugenio in Via Di Gioia deteniamo il record di minor permanenza sul palco di Sanremo, per ben sette minuti, ma abbiamo vinto il premio della critica e siamo stati notati proprio per questo" ride Eugenio.&nbsp;

MMW25, report: il panel 'Musica ribelle'

La nuova voce dei cantautori italiani in un talk con Eugenio Cesaro (Eugenio in Via Di Gioia)

Si terrà domani,&nbsp;venerdì 21 novembre, alle ore 15,30, alla Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel - presentato da AssoConcerti - “I numeri della musica dal vivo a Milano e le ricadute degli spettacoli AssoConcerti sul territorio”.

“La musica dal vivo non è solo intrattenimento, ma anche un potente motore di sviluppo territoriale e culturale”, hanno spiegato gli organizzatori nelle note di presentazione dell’evento: “In questo incontro sarà presentato lo studio commissionato da Assoconcerti all’Università di Pisa, che analizza le ricadute economiche e sociali dei grandi spettacoli sul territorio nazionale. I dati evidenziano come i grandi live contribuiscano a valorizzare città e comunità locali, a partire da Milano, capitale della musica dal vivo”.

Al panel prenderanno parte il Presidente di AssoConcerti Bruno Sconocchia, il Professore Ordinario Dipartimento di Economia e Management Università di Pisa Nicola Salvati, la Dott.ssa Giulia Anari e la Dott.ssa Angelica Palla del Dipartimento di Economia e Management dell’Università di Pisa, e Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura del Comune di Milano.

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/av7ww7-i-numeri-della-live-music-a-milano-ed-assoconcerti-21st-nov-palazzina-appiani-donore-milano-tickets?dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7568619&amp;dice_tags=organic">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘I numeri della musica dal vivo a Milano’

Venerdì 21 novembre, alle ore 15,30, alla Palazzina Appiani di Milano

Si terrà domani, venerdì 21 novembre, alle ore 16,30, presso il Dazio di Levante di Milano, all’interno del programma della nona edizione della Milano Music Week, il panel “Il valore del diritto d’autore e il ruolo dell’editore musicale”.

In un ecosistema, quello della creazione e della diffusione della musica, sempre più complesso e tecnologicamente avanzato, questo talk - presentato da FEM/ANEM/EMUSA in collaborazione con SIAE nell’ambito di Music Publishing Day - esplorerà come cambia e si evolve il ruolo dell’editore musicale e la tutela del valore sociale, economico e artistico del diritto d’autore. L'evento si pone come un&nbsp;confronto tra i protagonisti dell’editoria musicale sul futuro del diritto d’autore e su come il lavoro di sostegno e di promozione &nbsp;degli autori &nbsp;e delle loro opere stia modificando il ruolo dell’editore musicale, mettendolo sempre più al centro dell’ecosistema musica.&nbsp;

All’incontro, moderato da Davide Poliani di Rockol, prenderanno parte Margherita Gnech (Managing Director di Sony Music Publishing Italia), Pietro Giola (CEO di Machiavelli Music), Max Moroldo (CEO Do it yourself e The beautiful ones), Luca Cecchi (Label Director di Nar International) ed Emanuela Sergio (Copyright Manager di Eclectic Music).

L’ingresso al panel è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/eowbxw-il-diritto-dautore-e-leditore-musicale-21st-nov-dazio-levante-arco-della-pace-milano-tickets?dice_campaign=DICE&amp;dice_channel=web&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;dice_id=7569263&amp;dice_tags=organic">questo indirizzo</a>.

MMW25, ‘Il valore del diritto d’autore e il ruolo dell’editore'

Venerdì 21 novembre, alle ore 16,30, al Dazio di Levante

Si è svolto oggi negli spazi della Palazzina Appiani il panel "La Trilogia di Marracash: un talk con Marz e Zef", presentato da SIAE e Rockol.&nbsp;I due&nbsp;producer che hanno scolpito un suono unico e inimitabile, capace di segnare indelebilmente il rap e la musica italiana, dialogano con Claudio Cabona:&nbsp;"Due argonauti del sound diversi, ma complementari nel loro modo di esplorare la materia sonora", come li definisce Cabona, che al servizio dei tre pilastri della trilogia hanno saputo unire magicamente le proprie visioni.

La figura del producer si è evoluta molto da quando Marz e Zef hanno mosso i primi passi nell'industria discografica, nel lontano 2011. "Il produttore all'epoca era percepito come un ragazzino che stava in cameretta a fare i beat" ricorda Marz. "Oggi è un mestiere che è arrivato ai vertici della discografia e della musica dal vivo, una cosa che per noi era un sogno, agli inizi". Il 2016 è stato un anno di svolta: "Alcune figure, come Charlie Charles, hanno cominciato a spiccare, e la figura del produttore è diventata centrale" osserva Zef. "E' stato anche l'anno in cui lo streaming è partito davvero, anche economicamente. Prima era difficile per un producer capire come tirare avanti economicamente: entrambi facevamo già beat per artisti super affermati, ma contemporaneamente facevamo anche altri lavori, perché non era sostenibile vivere solo di quello. Dal 2016 in poi, però, tutto è cambiato".&nbsp;

Persona, il primo album della trilogia, è uscito nel 2019. "Io e Zef abbiamo lavorato insieme a 'Crudelia' e 'Bravi a cadere'" racconta Marz. "'Crudelia è stato uno dei primi brani che Marracash ha scritto per quel disco, e inizialmente ha ottenuto riscontri abbastanza tiepidi: si era anche pensato di rilavorarlo, ma poi non eravamo mai riusciti a trovare una quadra. Fino a quando&nbsp;ha provato a metterci sopra le mani Zef, trasformandolo in quello che tutti oggi conoscono". Per "Bravi a cadere"&nbsp;invece, si è partiti da un'idea di Zef. "Il pezzo nasce da una session notturna con Davide Petrella, che aveva scritto una parte poi completamente cambiata da Marra: è rimasto solo il claim 'Siamo bravi a cadere'. Inizialmente era talmente pop che l'avevamo pensata per Mengoni, ma poi abbiamo pensato che sarebbe stata più adatta per un rapper per via del beat, così l'abbiamo presentata a Marracash". Per "Crudelia" si è "arrangiato il silenzio, una cosa che mi aveva detto anche Reverberi parlando di 'Emozioni' di Lucio Battisti" dice Cabona, chiedendo ai due se si riconoscono in questo parallelismo. "Nella musica italiana si tende molto a riempire per creare dinamica e crescendo, ma in realtà secondo me a volte è meglio fare il contrario: svuotare per evidenziare l'essenziale" spiega Zef. "Non a caso il&nbsp;tentativo&nbsp;che avevamo fatto prima era proprio quello di aggiungere: linee di piano, archi, parti orchestrali. E ogni volta ne uscivamo scontenti" dice Marz, che di "Persona" è stato il produttore principale.&nbsp;

Quando uscì "Persona", la speranza di Marracash era quella di arrivare almeno a un disco di platino: erano gli anni della trap e andava di moda tutt'altro. Tutti sappiamo com'è andata a finire. Per "Noi, loro, gli altri", due anni dopo,&nbsp;l'aspettativa era altissima, ma i due produttori hanno scelto la strada del rinnovamento. "L'idea di non ripetersi dovrebbe essere centrale nel lavoro di tutti coloro che fanno il nostro mestiere" osserva Zef. "La ripetizione è la morte della creatività, sia in senso romantico che strategico: sul lungo periodo non paga". Nelle dinamiche del lavoro, Marz è letteralmente l'ombra di Marracash: "7 giorni su 7, per ore e ore al giorno, ci chiudiamo insieme in studio e sappiamo che tutto il nostro tempo insieme sarà dedicato a pensare al disco". In un secondo momento entra in campo Zef, che funge da una sorta di occhio esterno: "E' sempre utile avere qualcuno con quel ruolo, perché porta&nbsp;quella piccola dose di cinismo che serve per bilanciare l'emotività e valutare il tutto con lucidità" commenta. La fase di scrittura con Marracash è concentrata all'inizio, poi comincia una lunga fase di rilavorazione dei brani dal punto di vista produttivo e melodico. "'Crazy Love' ad esempio inizialmente aveva un altro nome, e la prima versione del testo diceva delle cose irripetibili" ricorda Zef sorridendo. "Abbiamo aggiunto un'arpa perché in un pezzo così dark avrebbe creato un altro tipo di atmosfera, e da lì anche il pezzo ha preso la sua strada". Marracash, in effetti, spesso ri-lavora i pezzi dopo aver sentito la produzione definitiva. "Il nostro modo di operare assomiglia molto a quello di una band: anche se non c'è scritto il mio nome sulla copertina dei dischi della trilogia, per me è un progetto che sento mio al 100%, ci metto tutto me stesso" spiega Marz.

I campionamenti di "Noi, loro, gli altri" sono particolarmente elaborati e portano in un certo senso fuori dai binari. "'∞ Love' ha un sample, 'Infinity' di Guru Josh, un pezzo acid house che abbiamo portato nel mondo della trap" ricorda Marz. La ricerca di qualcosa di non convenzionale è proseguita per tutta la trilogia ed è stata portata ai massimi livelli anche per "E' finita la pace".&nbsp;Come è successo per "Factotum", il cui campione è stato registrato da Marz dalla musica d'ambiente ascoltata&nbsp;durante la mostra di Wes Anderson&nbsp;che stava visitando: "Vivo con Shazam in mano, quando il radar si aziona prendo al volo l'idea. Siamo sempre al lavoro, in qualsiasi momento della giornata" spiega Zef. Anche per "Canzone triste", con l'omonimo sample di Ivan Graziani, l'ispirazione è arrivata fulminea: "Un'idea nata mentre eravamo a pranzo dai miei a Sondrio" ricorda Zef. "Abbiamo fatto il beat in un'ora, l'abbiamo subito mandata a Marracash", e il resto è storia. Ai tempi di "E' finita la pace" il team era già rodato: "L'unica differenza è stata che abbiamo lavorato all'album senza featuring e senza autori, quindi è stato un lavoro ancora più intensivo". In generale, però, anche sugli altri due capitoli della trilogia gli autori sono intervenuti "al servizio di un'idea che era già ben definita, e non raccattando pezzi qua e là" specifica Zef. "Abbiamo sempre seguito il nostro istinto" aggiunge Marz.

Il successo della trilogia è anche dovuto a un suono molto identitario e preciso: pur essendo sempre stato una penna importante, il successo odierno di Marracash si è consolidato soprattutto quando ha trovato il suo sound caratteristico. "Sia nel rap che nel pop c'è talmente tanta musica e talmente tanta scelta che se il pubblico si affeziona a un progetto, deve avere un'identità musicale molto chiara" riflette Zef. "Le scelte stilistiche di un produttore o direttore artistico fanno la differenza. A volte ci sono dischi che procedono per tentativi e sembrano un po' una compilation: credo che invece sarebbe utile che ciascun autore abbia il suo produttore di riferimento, perché dà la sua impronta, come Brian Eno con gli U2 o Rick Rubin con i Beastie Boys". Marz è d'accordo: "Oggi che gli album fanno più fatica a ingranare, rispetto ai singoli, quando il suono ha una definizione e una coerenza diversa, si sente: è artigianato sonoro" dice.&nbsp;

Il produttore è di fatto paragonabile al regista di un film, e oggi c'è anche un riconoscimento economico di questa regia: "Fino a 10 anni fa non era così, non era neanche un mestiere, soprattutto nel nostro genere, che non era percepito come musica vera" ricorda Marz. "Ci scontravamo spesso con una falsa credenza, ovvero che a noi fare musica 'costasse' meno degli altri, perché producevamo al computer; molti dischi pop che magari vendevano infinitamente di meno dei nostri, ma erano pagati molto di più perché invece utilizzavano dei musicisti" spiega Zef. Con l'urbanizzazione del pop tutto è cambiato, grazie anche al lavoro di collecting come SIAE per le ripartizioni dello streaming. Ciononostante, l'idea di cimentarsi con un producer album. "Abbiamo pubblicato un singolo insieme, e la promozione è stata una dei momenti di più grande sofferenza per noi" ride Zef. "Ricordo che un giorno eravamo in una radio del Vaticano per rilasciare un'intervista, al termine di un'altra giornata di interviste, e ci siamo detti: ma noi cosa ci facciamo&nbsp;qui? A quest'ora dovremmo essere in studio a lavorare!". "E poi noi non siamo frontman" aggiunge Marz. "Fare un producer album sarebbe bello sulla carta, ma poi non avremmo controllo, a differenza degli artisti che fanno un album".&nbsp;

MMW25, report: il panel "La Trilogia di Marracash"

Un talk con Marz e Zef per raccontare i retroscena di tre album seminali per il rap contemporaneo

Virgin Music Group, la divisione dedicata ai servizi ad artisti ed etichette di Universal Music Group, ha annunciato oggi la collaborazione con l'artista italiano VMonster, "segnando - spiega l'azienda -&nbsp;una nuova fase per il produttore che ha costruito nell’ultimo decennio un percorso fortemente indipendente". L’accordo prevede la distribuzione dei suoi nuovi progetti, così come dell’intero catalogo precedente.

Virgin Music Group e VMonster stanno lavorando a una serie iniziale di pubblicazioni di singoli inediti, contestualmente alla definizione delle strategie per il lancio del prossimo album in uscita nell’arco del 2026.

“VMonster ha un'immagine definita, un pubblico autentico e una visione chiara. Il nostro compito è amplificare la sua portata senza compromettere la sua visione e la sua voce”, ha dichiarato Luca Carpino, Label Manager di Virgin Music Group Italia.

Negli ultimi dieci anni, VMonster ha pubblicato, promosso e portato in tour la sua musica in modo indipendente, sperimentando tra urban e pop e valorizzando le proprie radici attraverso influenze neomelodiche.&nbsp; "Virgin Music Group lavorerà al suo fianco per consolidare le fondamenta che ha costruito da zero, con una struttura organizzativa capace di fornire i servizi e il know-how necessari per sviluppare e sostenere una carriera di lungo periodo", ha chiarito l'azienda.

"Ho imparato tutto sul campo: dalla pianificazione dei calendari di uscita alla gestione della mia community», ha commentato&nbsp;VMonster:&nbsp;"Ora voglio alzare l’asticella su qualità, storytelling e nuove opportunità. Avere al mio fianco esperti che possano guidarmi con la loro esperienza fa davvero la differenza. Rimango indipendente, ma oggi scelgo una struttura professionale che mi permetta di competere dove conta: qualità, rilevanza e continuità".

“Vogliamo che ogni uscita di VMonster sia un punto di accesso al suo mondo, supportato da strategie che ne massimizzino l'impatto e la portata”, ha aggiunto Marina Carissimi, Territory Project Manager di Virgin Music Group Italia.

L’artista terrà uno showcase durante la Milano Music Week 2025 il 21 Novembre alle ore 17 presso la Capsula a Linecheck, offrendo al pubblico un’anteprima live dei nuovi brani.

Virgin Music Group Italia, un accordo con VMonster

'Una nuova fase per il produttore che ha costruito un percorso fortemente indipendente'

Il governo britannico ha confermato di avere in programma un’azione legislativa per azzerare, nel Paese, le speculazioni sul mercato secondario legate alla vendita di biglietti per gli eventi dal vivo: dopo le indiscrezioni fatte trapelare nei giorni scorsi dal Guardian, l’esecutivo guidato da Keir Starmer ha confermato di voler proibire la rivendita di titoli d’ingresso di qualsiasi tipo a un prezzo superiore a quello indicato sul mercato primario - il face value - fatte salve le maggiorazioni per le “inevitabili commissioni” legati alla cessione sul secondary market.

Le piattaforme di rivendita - spiegano le autorità britanniche - “avranno l’obbligo legale di monitorare e far rispettare il limite di prezzo”, e “ai singoli sarà vietato rivendere più biglietti di quanti ne avessero il diritto di acquistare nella vendita iniziale”. Le nuove norme diventeranno effettive "quando i tempi tecnici legati all’iter parlamentare di approvazione lo consentiranno".

Nel Regno Unito una <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755342/uk-decine-di-artisti-chiedono-un-tetto-sul-resale-dei-biglietti">campagna di sensibilizzazione contro il secondary ticketing</a> era stata sostenuta non solo dalle associazioni di settore come Which? e FanFair Alliance, ma anche da artisti di prima grandezza come Coldplay, Dua Lipa, Radiohead, Iron Maiden e Sam Fender.

UK, il governo conferma il piano anti-secondary ticketing

Sarà proibito rivendere biglietti superando il face value, e…

A due settimane dall’annuncio, da parte di Universal Music Group, degli accordi con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">Udio</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755023/umg-doppietta-sull-ai-un-accordo-anche-con-stability">Stability</a>, le cronache registrano un ulteriore passo avanti - da parte delle major - nel percorso di normalizzazione dei rapporti con le aziende impegnate nello sviluppo di modelli di intelligenza artificiale generativa. Warner Music ha annunciato di aver regolato i rapporti con le stesse aziende con le quali - alla fine del mese scorso - il gruppo guidato da Lucian Grainge ha sancito la cessazione delle ostilità.

La multinazionale diretta da Robert Kyncl ha fatto sapere di aver siglato con Udio un’intesa - definita “storica” - grazie alla quale è stata risolta la vertenza tra le due aziende per violazione di copyright, stabilendo “un quadro chiaro per lo sviluppo del servizio di creazione musicale basato sull'intelligenza artificiale su licenza di Udio, il cui lancio è previsto per il 2026”.

“Grazie a questa collaborazione, Udio svilupperà una piattaforma di creazione, ascolto e scoperta musicale di nuova generazione, basata su modelli di intelligenza artificiale generativa addestrati su musica concessa in licenza e autorizzata”, ha spiegato la major: “L'accordo, che abbraccia le attività di WMG nel settore della musica registrata e dell'editoria musicale, crea nuove fonti di reddito per artisti e cantautori, garantendo al contempo la protezione del loro lavoro”.

"Collaborare con WMG segna una pietra miliare significativa nella nostra missione di ridefinire il modo in cui l'intelligenza artificiale e l'industria musicale si evolvono insieme", ha dichiarato Andrew Sanchez, co-fondatore e CEO di Udio: "Questa partnership è un passo cruciale verso la realizzazione di un futuro in cui la tecnologia amplifica la creatività e apre nuove opportunità per artisti e cantautori. La nostra nuova piattaforma consentirà esperienze in cui i fan potranno creare insieme ai loro artisti preferiti e realizzare musica straordinaria in un ambiente che offre agli artisti controllo e connessione. Siamo assolutamente entusiasti di collaborare con WMG per creare questo nuovo futuro".

"Siamo fermamente impegnati nella tutela dei diritti dei nostri artisti e autori, e Udio ha adottato misure significative per garantire che la musica sul suo servizio sia autorizzata e concessa in licenza”, ha aggiunto Kyncl: “Questa collaborazione è in linea con i nostri più ampi sforzi per liberare responsabilmente il potenziale dell'intelligenza artificiale, alimentando nuove possibilità creative e commerciali e continuando a offrire esperienze innovative ai fan".

Il servizio in abbonamento progettato con Udio - spiega WMG - “introdurrà una serie di esperienze creative che consentiranno agli utenti di creare remix, cover e nuovi brani utilizzando le voci degli artisti e le composizioni dei cantautori che scelgono di partecipare, garantendo al contempo che artisti e cantautori vengano riconosciuti e pagati”. Prima del lancio, Udio implementerà anche protezioni ampliate e altre misure volte a salvaguardare i diritti di artisti e cantautori.

La collaborazione con Stability si concentrerà “sullo sviluppo di strumenti di livello professionale che consentano ad artisti, autori e produttori di sperimentare, comporre e produrre utilizzando modelli eticamente formati”, sbloccando “nuove forme di espressione creativa, tutelando al contempo i diritti dei creatori e aprendo nuove opportunità di guadagno”. Le due aziende - si legge nella nota congiunta diffusa - “collaboreranno direttamente con gli artisti per comprendere come interagiscono con le tecnologie emergenti, plasmando strumenti di nuova generazione che migliorino il loro processo creativo senza compromettere la qualità o il controllo artistico”.

"Questa collaborazione rappresenta un passo importante verso lo sviluppo di strumenti di intelligenza artificiale responsabili e a misura d'artista, che espandono le possibilità creative, salvaguardando al contempo i diritti e l'integrità dei creatori musicali”, ha precisato Carletta Higginson, EVP e Chief Digital Officer di WMG: “Insieme, stiamo gettando le basi per un ecosistema musicale etico a vantaggio di artisti e autori".

"WMG è leader nel panorama musicale e dell'intrattenimento globale e siamo orgogliosi di collaborare con un'azienda che condivide la nostra filosofia ‘artist First’”: ha spiegato Prem Akkaraju, CEO di Stability: “In Stability mettiamo gli artisti al centro e sviluppiamo strumenti che supportano il loro processo creativo. Questa partnership approfondisce questo focus e aprirà nuove possibilità creative per gli artisti attraverso l'intelligenza artificiale generativa".

Al momento, Sony Music è l’unica delle tre major a non aver ancora annunciato accordi con Udio e Stability: la posizione del gruppo guidato da Rob Stringer nei confronti degli sviluppatori di modelli di Gen AI pare più intransigente, alla luce della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-744523/sony-music-intelligenza-artificiale-opt-out-su-catalogo-no-training">dichiarazione “universale” di opt-out fatta da Sony Music a maggio 2024</a>.

Intelligenza artificiale, WMG sigla accordi con Udio e Stability

Dopo Universal Music, Warner Music regola i rapporti con due importanti player del settore AI

Il Digital Omnibus Package della Commissione sull’AI ACT - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755482/digital-omnibus-ai-act-l-europa-ritarda-cull-ai-act">il pacchetto di modifiche all’AI Act presentato per semplificare l’attuazione del testo sull’intelligenza artificiale</a> - “non impatta su copyright e obblighi di trasparenza”: lo spiega FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana - in una nota diffusa oggi, giovedì 20 novembre.

“Come annunciato dal relatore dell’AI Act, Brando Benifei, durante il panel di FIMI e IFPI alla Milano Music Week, il Digital Omnibus Package della Commissione EU non ha impattato sulle norme relative al copyright presenti nel regolamento comunitario”, precisa la federazione che rappresenta le principali realtà discografiche italiane: “Come anticipato, la principale attenzione delle modifiche riguarda gli obblighi relativi ai sistemi di IA ad alto rischio. La Commissione propone di introdurre un ‘periodo di grazia di 6 mesi’ per i fornitori affinché si conformino agli obblighi di etichettatura dei contenuti e watermarking previsti dall’articolo 50, che si ritiene diventino applicabili dal 2 agosto 2026. La proposta consentirebbe ai sistemi di IA già presenti sul mercato al 2 agosto 2026 di essere resi conformi entro il 2 febbraio 2027. Non sono state proposte modifiche sostanziali riguardo agli obblighi relativi ai GPAI (conformità al copyright e trasparenza) previsti dall’articolo 53 dell’AI Act”.

“Per FIMI si tratta di una buona notizia”, conclude la Federazione, il cui CEO Enzo Mazza ha dichiarato: “Ora si tratta di presidiare il passaggio parlamentare nei prossimi mesi per evitare assalti da parte delle tech sulla parte copyright, ma allo stato abbiamo conservato le principali disposizioni che avevamo ottenuto con l’AI Act e che restano pienamente attuabili”.

AI, la nota di FIMI sul Digital Omnibus

Per la Federazione il pacchetto di modifiche non impatta su copyright e trasparenza

Debutterà durante la nona edizione della Milano Music Week “Casa Restart - Wellbeing for Music Minds”, “un nuovo spazio di incontro e riflessione dedicato al tema della salute mentale nel mondo della musica”.

L’iniziativa, ideata da Restart in collaborazione con PMI - Produzioni Musicali Indipendenti e Breath On Tour, sarà ospitata dagli spazi di Santeria Paladini 8 domenica 23 novembre, dalle ore 11.00 alle ore 20.00, e prevede workshop, panel e momenti di ascolto collettivo.

“Questa iniziativa - spiegano gli organizzatori - nasce dal bisogno di creare uno spazio di dialogo sincero e accessibile, dove la vulnerabilità diventa una risorsa e la comunità uno strumento di guarigione e crescita”.

L’ingresso è libero. La registrazione agli <a href="https://www.instagram.com/restartmusicminds/reel/DQ6e6YDjYIM/">eventi in programma</a> (consigliata) può essere effettuata a <a href="https://linktr.ee/CasaRestart">questo indirizzo</a>.

MMW25, nasce ‘Casa Restart’

Grazie alla collaborazione di PMI e Breath on Tour

Articolo a cura di Lucia Maggi, CEO e partner di 42 Lawfirm.

L’Unione Europea ha presentato il Digital Omnibus on AI, il nuovo pacchetto di modifiche all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/ai-act-495842">AI Act</a> pensato per semplificarne l’attuazione. Semplificazione, però, non significa accelerazione, anzi, il testo conferma ciò che nel settore creativo si percepiva da mesi, cioè che le norme più rilevanti per la trasparenza della generative AI, per la tracciabilità dei contenuti e per la protezione degli artisti slittano ulteriormente nel tempo. Non cambia il quadro giuridico, ma si sposta in avanti la sua efficacia reale.

Per chi lavora nella musica, artisti, etichette, editori, collecting societies, la notizia è significativa. L’AI Act non è una legge sul copyright, ma rappresenta la cornice tecnica ed etica dentro cui il diritto d’autore dovrà muoversi nei prossimi anni. E proprio qui sta il punto, con il Digital Omnibus molte promesse di trasparenza by design, fondamentali per distinguere ciò che è umano da ciò che è sintetico, vengono rinviate.

L’articolo 50 dell’AI Act obbliga i provider a indicare quando un contenuto, audio, testo, immagine o video, è generato o manipolato da un sistema di intelligenza artificiale. È uno strumento potenzialmente decisivo contro deepfake, manipolazioni e derivati non autorizzati, e rappresenta la condizione tecnica per distinguere un brano umano da uno creato integralmente da un modello generativo. Il Digital Omnibus concede però sei mesi extra ai provider per adeguare i sistemi già sul mercato, spostando più avanti la piena applicazione del requisito di marcatura. Inoltre, i requisiti tecnici necessari per rendere il watermark interoperabile dipendono da standard ancora in fase di definizione. Fino alla loro pubblicazione ogni piattaforma potrà adottare soluzioni proprietarie, con evidenti limiti per l’intero ecosistema.

Per l’industria musicale ciò significa una cosa chiara, la lotta ai deepfake vocali e alla manipolazione dei master non avrà strumenti realmente operativi prima del 2027.

Gran parte degli obblighi più incisivi dell’AI Act, inclusa la documentazione dei dataset di addestramento, riguarda i sistemi ad alto rischio. Il Digital Omnibus stabilisce che tali obblighi entreranno in vigore solo quando la Commissione avrà verificato la disponibilità di standard, linee guida e strumenti tecnici adeguati. Tradotto, senza standard non vi sarà attuazione piena e senza attuazione rimarrà limitata la possibilità di verificare come sono stati addestrati i modelli. Se un modello non è classificato come high risk continuerà a non essere soggetto agli obblighi più penetranti di documentazione.

Il documento riconosce anche un ritardo diffuso tra gli Stati membri nella designazione delle autorità competenti e degli organismi di valutazione della conformità, necessari per eseguire controlli e audit sui modelli. Senza tali organismi il diritto rimane sulla carta. Nessuna legge può essere efficace senza l’infrastruttura che la rende applicabile.

La narrazione istituzionale insiste su un’Europa AI first, capace di guidare lo sviluppo tecnologico in modo etico, ma il Digital Omnibus mostra una distanza evidente tra obiettivi e capacità attuativa. L’intento è affrontare problemi concreti, ma il risultato è che le norme più sensibili per la creatività e per il mercato culturale rimarranno inattuate ancora per mesi.

Nel frattempo la generative AI evolve rapidamente. Nuovi modelli in grado di ricreare timbri vocali, stili compositivi e arrangiamenti complessi vengono rilasciati continuamente e senza strumenti di tracciabilità robusti diventa sempre più difficile distinguere tra opera originale, imitazione e derivazione.

Il copyright europeo è già sotto pressione per la velocità dell’innovazione. L’AI Act non decide cosa è lecito nei processi di training, ma introduce gli strumenti che permettono di riconoscere e monitorare ciò che i modelli fanno. Ritardarne l’attuazione significa ritardare anche la capacità dei titolari dei diritti di difendere le proprie opere. Per questo il settore musicale guarda al Digital Omnibus con attenzione, perché più la trasparenza slitta, più sarà complesso proteggere performance, composizioni, registrazioni sonore e identità artistiche in un mercato in cui la linea tra umano e artificiale è sempre più sottile.

Gen AI: l'Europa ritarda ancora con il Digital Omnibus (AI Act)

Il pacchetto di semplificazioni sposta di sei mesi l'attuazione delle tutele per musica e creatività

La Palazzina Appiani di Milano, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, ha ospitato oggi - 19 novembre - il panel "La musica italiana: come si colloca nello scenario globale? Sfide ed opportunità”. L’incontro, presentato da Pirames, ha voluto offrire "un quadro sul ruolo della musica italiana nel contesto internazionale, analizzando le dinamiche che ne influenzano la diffusione, il riconoscimento e l’evoluzione”.

Ad aprire il dibattito, moderato da Davide Poliani, giornalista responsabile di MusicBiz di Rockol, è intervenuto l’On. Federico Mollicone, Presidente della Commissione Cultura della Camera dei deputati, per rappresentare il punto di vista delle istituzioni rispetto alle criticità che l’industria musicale affronta nella valorizzazione del repertorio popolare contemporaneo italiano all’estero. "Insieme al Sottosegretario di Stato alla Cultura, Gianmarco Mazzi — che proviene dal mondo dello spettacolo dal vivo — stiamo seguendo questo tema fin dall’inizio della legislatura. Io, in qualità di Presidente della Commissione Cultura, lo affronto dal lato parlamentare e ho una visione completa delle dinamiche in corso. I dati SIAE, per esempio, ci mostrano che grazie al grande impegno dell’intera filiera dopo il Covid sono arrivati risultati molto positivi. Li abbiamo presentati insieme al MIC qualche tempo fa, e anche altri rapporti confermano, come ricordavate, una ripartenza molto significativa", ha sottolineato&nbsp;l’On. Federico Mollicone, per poi continuare: "Entrando nel concreto, ci sono diversi interventi economici destinati a sostenere il sistema musicale italiano. Dai dati della Direzione generale Spettacolo del MIC, relativi alla musica popolare contemporanea,&nbsp;emerge che per la promozione del talento musicale del nostro Paese all'estero, nel 2024 sono stati finanziati 12 organismi per 327 mila euro, per un totale di 293 milioni di euro; nel 2025 sono stati&nbsp;finanziati 10 organismi per una cifra simile. Inoltre, ci sono 265 domande su 61 imprese richiedenti il tax credit musica, uno strumento che sta funzionando molto bene — paragonabile, per efficacia, a quello utilizzato in altri Paesi — e che poggia su un fondo da 5 milioni di euro". Ha continuato: "Si tratta di cifre che, rispetto al volume economico mosso dalla musica italiana, non sono ancora sufficienti, ma rappresentano comunque una crescita rilevante rispetto al passato. Quando si apre un fondo, infatti, spesso nei successivi anni viene incrementato. In particolare, in questa legge di bilancio abbiamo introdotto un emendamento dedicato allo sviluppo e alla promozione del sistema musicale popolare contemporaneo, per valorizzare questo settore e sostenerne la crescita. La legge di bilancio partirà dal Senato — io sono alla Camera — e tornerà poi alla Camera per la seconda lettura. Il fondo, con una dotazione di 3 milioni annui, servirà a finanziare interventi di sviluppo e di rafforzamento del sistema, migliorandone la competitività e sostenendo le imprese produttrici e gli organizzatori musicali italiani. Sono inoltre già stati stanziati 5 milioni nella legge di bilancio per la valorizzazione e la promozione della musica italiana in Italia e all’estero, con l’obiettivo di sostenere la promozione e l’esportazione delle nostre produzioni. In generale, è in arrivo il nuovo Codice dello Spettacolo, che offrirà finalmente un quadro organico per capire e valorizzare il sistema musicale nel suo insieme. Per la prima volta si riconosce pienamente la musica popolare contemporanea come una forma d’arte al pari della musica classica e delle altre arti musicali, sancendo un principio atteso da anni. C’è grande attenzione su questi temi. Naturalmente, sappiamo che si può fare molto di più dal punto di vista dei finanziamenti, ma stiamo lavorando per procedere in questa direzione. E posso dirvi che c’è un ottimo rapporto con le associazioni di categoria, fondamentale per costruire politiche efficaci e condivise".

Davide Poliani ha quindi portato l'attenzione sul modello "user-centric", che determina le retribuzioni a favore degli aventi diritto. A proposito di questo, ha quindi preso parola&nbsp;Massimiliano Pani, proprietario e direttore artistico di PDU Music&amp;Production nonché produttore ed arrangiatore, tra gli altri, anche di Mina, il quale ha sottolineato: "Si continuano a leggere spesso dati per cui la musica starebbe generando grandi risultati economici. Ma a beneficio di chi? Sono volumi di soldi che poi non vanno ad artisti, autori o produttori. È vero che viene generato un grosso volume di soldi, ma questi soldi poi non vanno agli autori. La verità è che se io faccio un abbonamento di 10 euro su un servizio di musica e poi ascolto un determinato artista, 5 euro non vanno direttamente a quell’artista. La distribuzione va quindi in base a quote di mercato e a valori di classifica. Viene tutto digitalizzato in maniera corretta, eppure alla fine finisce tutto in un calderone e si divide a quote. Più che un tema di trasparenza, qui si tratta di un tema di volontà da parte degli accordi tra le piattaforme e le multinazionali".

Dal punto di vista legale come si pone il repertorio italiano all'estero? Quali sono le sfide che la tutela del nostro repertorio ci pone? Per rispondere a questa domanda, è intervenuto&nbsp;l’avvocato Vittorio Costa, legale esperto in Diritto d’autore, che ha evidenziato: "In Italia ci fu nel ’41 una legislazione per la disciplina del diritto d'autore che fu estremamente innovativa e d'avanguardia allora. Ma ora siamo rimasti molto, molto indietro. Addirittura, la comunità europea, che non era mai stata troppo favorevole del lavoratore singolo, ha emanato la direttiva UE 2019/790 che impone agli Stati di avere un'attenzione nel legiferare su quello che può essere il recupero della filiera. Perché la filiera parte dall'autore. Se non c'è un autore che scrive delle belle canzoni, non si va troppo lontano. La tecnologia a cosa ha portato? Che la musica si fa molto velocemente, e semplicemente. Una volta non era così, e si ottenevano risultati straordinari - che infatti hanno portato a brani che sono diventati dei classici, che ora fanno funzionare l’economia italiana nel mondo. Nel mondo, la musica italiana è quella ancora un po' vecchia. L'attuale musica è rimasta molto, molto indietro rispetto agli altri. Che cosa succede quindi? Che non c'è una remunerazione per i nuovi autori, non c'è una remunerazione per i nuovi compositori. E la remunerazione che può andare agli interpreti e agli esecutori in Italia è soltanto quella del territorio italiano. All'estero, purtroppo, abbiamo perso gran parte degli incassi, che vengono ripartiti sempre sui vecchi brani, sui vecchi interpreti. Però non vedo un futuro”. Ha aggiunto: “Il vero problema è fare in modo che i soldi che il governo va a stanziare vadano a sostenere la parte creativa. Perché senza qualità, la ripartizione non sarà mai efficace su chi poi è il vero autore del lavoro".

La parola è quindi passata a Gianluigi Chiodaroli, Presidente di Itsright, il quale ha precisato: “Io faccio un mestiere che riguarda la gestione collettiva dei diritti connessi al diritto d'autore, cioè i diritti di direzione secondaria che aspettano agli artisti e ai produttori discografici sulle registrazioni che hanno realizzato. Seppur ci si trova ormai a parlare di digitale, io in realtà lavoro ancora sui vecchi media: radio, tv, discoteche - tutto un mondo che costituisce una fetta in crescita, magari vista come obsoleta, ma comunque significativa dell'economia della musica e soprattutto dell'economia dell’artista. Che è il punto da cui io guardo e da cui sto cercando di trarre i numeri che ora vi racconto". Ha proseguito: "Un primo dato: che l'internazionale fosse un'area strategica per noi è un'intuizione del primo giorno. Esistiamo da 15 anni e siamo progressivamente cresciuti, oggi abbiamo 40 persone che lavorano in Itsright e 4 di queste - quindi il 10% - lavorano solo sull'internazionale. Perché è più difficile. Perché è quello rispetto al quale la costruzione della raccolta richiede tempo”. E ancora: “Noi riusciamo a raccogliere il circa 10-15% del totale della raccolta in giro per il mondo. Come si fa? Abbiamo una cinquantina di organizzazioni come la nostra, per esempio in ciascun paese del mondo, con ciascuna di queste si fanno degli accordi di reciprocità. Un elemento che fa la differenza rispetto al discorso sul digitale, la raccolta viene restituita su base analitica. Questo punto dei numeri è quello sul quale io comincio a portare sul tavolo dell'Onorevole una richiesta. Noi non abbiamo ricerche scientifiche e sistematiche sulla musica italiana nel mondo. Abbiamo tanti frammenti, che io ho cercato di mettere insieme. Ma poi alla fine mi sono arreso. Posso quindi prendere solo i numeri condivisi nella nostra comunità di collecting. Però credo che potrebbe essere utile - in un momento in cui si ragiona anche con i dipartimenti del Governo che si occupano dell'economia italiana del mondo - pensare una raccolta dati. Che la musica italiana sia presenta nel mondo sui mezzi tradizionali è un artefatto, confermato dai quattro numeri che ora fornisco. Ebbene, 51 accordi di reciprocità nel mondo - escludendo gli Stati Uniti d’America: incassiamo da tutti i 51 paesi, anche quelli minori, perché hanno la presenza di musica italiana. Della nostra comunità di artisti, il 90% incassa regolarmente somme dall’estero - il 90% è un'entità altissima. Anche se meno di un quinto, cioè un 20%, raccoglie somme medie superiori a mille euro all’anno”. Ha aggiunto: “Com'è composta questa serie di artisti? Per la maggior parte, sono artisti assenti dalle classifiche top nazionali, come è ovvio. Gran parte della musica del catalogo è quella evergreen, oltre a tantissima musica classica - e non sono quella di grandi direttori come Claudio Abbado, che è stato uno dei nostri primi artisti. Anche gli artisti non così conosciuti, però, sono presenti. E soprattutto sono tantissimi artisti che beneficiano delle differenti culture e delle differenti musiche nei singoli paesi”. Ha concluso: “Prendendo come fonte l’Associazione di categorie delle collecting, di artisti nel mondo noi abbiamo circa un 20%, quindi circa 200 milioni di euro all'anno che vengono scambiati tra tutte queste collecting nel mondo - esclusi sempre gli USA. La raccolta media italiana su questo scambio di 200 milioni nel mondo, si aggira intorno al 2-3%. Vuol dire che l'incidenza della musica italiana nel mondo è solo del 2%, o ben il 2%? Per dirlo, ci mancano dati di confronto. La domanda - retorica - è: possiamo davvero crescere? Sulla base della mia esperienza, la risposta è sì, e direi almeno del doppio. Ritengo, anche se non posso dimostrarlo qui in modo oggettivo, che l’incidenza della musica italiana nel mondo possa realisticamente raggiungere il 4-5%, percentuale che oggi non viene pienamente intercettata e raccolta. Sono convinto che, nell’arco di 3-5 anni, si possa e si debba arrivare a quel traguardo. Come arrivarci? Attraverso informazioni solide, strumenti adeguati, banche dati efficienti. Va detto che, da questo punto di vista, il fronte degli artisti si è organizzato meglio rispetto a quello discografico. Esiste infatti, almeno come riferimento affidabile, una sorta di anagrafe mondiale degli artisti e degli operatori musicali. È gestita da una grande associazione, l’IPT, che attribuisce a ciascun artista un codice identificativo certificato per la gestione delle attività artistiche. Serve proprio a evitare che un artista che ha suonato in un Paese o in un altro “sparisca” dai registri e non possa essere correttamente riconosciuto. Grazie a un lavoro di ottimizzazione dell’interoperabilità tra i diversi sistemi informatici, non è realistico immaginare un unico ‘supersistema’ mondiale. È molto più sensato procedere attraverso un network di flussi informativi - come già avviene sia sul fronte commerciale sia su quello tecnico. E qui si apre uno spazio importante anche per l’intelligenza artificiale: utilizzata come strumento di lavoro, può rappresentare una delle prospettive più concrete per accelerare questo processo e renderlo più efficiente e trasparente”.

Federico Montesanto, CEO di Pirames, ha ora sottolineato&nbsp;nuovamente che "nel digitale oggi vige principalmente un sistema di ripartizione pro-rata share. Sarebbe auspicabile passare a un modello user-centric, ma al momento la ripartizione complessiva degli introiti dello streaming -&nbsp;cioè gli incassi delle piattaforme -&nbsp;avviene secondo due grandi categorie: gli utenti che pagano l’abbonamento per ascoltare musica e quelli che ascoltano gratuitamente accettando la pubblicità. Il sistema pro-rata significa che i ricavi vengono distribuiti in proporzione alle percentuali totali di ascolto, indipendentemente da ciò che ogni singolo utente ascolta. È un meccanismo che, ai tempi&nbsp;della sola monetizzazione su&nbsp;YouTube&nbsp;poteva anche sembrare equo; oggi però, con lo streaming così diffuso, è un metodo che mi fa sorgere degli interrogativi". Ha continuato: "Un sistema user-centric funzionerebbe così: io pago 11,99 euro di abbonamento e i miei soldi vengono distribuiti agli artisti che ho realmente ascoltato - al netto di ciò che trattiene la piattaforma. In sostanza, pago per la musica che ho realmente ascoltato. Se ho ascoltato tre canzoni di Mina, allora la quota va a lei. È semplice, trasparente, logico. Soprattutto: fa sopravvivere i piccoli. Dal mio punto di vista, come operatore italiano con attività in diversi Paesi, vedo molte criticità pratiche. Nell'ambito della distribuzione digitale, anche le multinazionali che operano in Italia - bravissime nell'operare sul territorio - hanno però una gestione operativa dei flussi digitali (contratti, delivery, rendicontazione) che viene di fatto gestita all'estero. Questo avviene per la quasi totalità della musica italiana: e questo, per me da italiano, è un tema da portare all'attenzione. Nonostante lo scenario, resto positivo in merito alla crescita dei repertori nazionali a livello globale". Ha aggiunto: "Venendo al tema dell’intelligenza artificiale generativa. La normativa che si sta sviluppando prevede che il titolare del copyright debba dichiarare di non voler essere utilizzato dalle IA - il cosidetto 'opt-out', concetto che io reputo surreale. Ma come si fa, in pratica? Dovremmo scrivere a tutti gli sviluppatori di modelli del mondo per esprimere la nostra posizione? E' surreale che un avente diretto debba premurarsi di segnalare la propria contrarietà alla violazione del copyright sulle proprie opere. Dovrebbe essere chi vuole utilizzarle per il training a doversi preoccupare di richiedere le licenze del caso.&nbsp;Sempre sul&nbsp;training. Ammettendo di aver individuato opere protette da copryright nei registri di apprendimento, come rimediare? Sono convinto che togliere le opere oggetto di opt-out&nbsp;solo dal registro di un modello di AI generativa sia inutile, perché il modello - 'addestrandosi' su determinate opere anche per il lasso di tempo limitato - riesce a incorporarle nel proprio bagaglio creativo, a prescindere dalla presenza o meno nel registrato. Per ovviare a questo problema, quindi, l'intero processo di traning dei modelli&nbsp;di Gen AI dovrebbe essere totalmente eliminato, e ricostotuiti ad zero senza utilizzare opere in violazione di copyright.&nbsp;È per questo che serve un registro pubblico delle opere utilizzate dall’IA per l’addestramento, aggiornabile in realtime,&nbsp;gestito da organismi&nbsp;indipendente terzi sul modello delle trusted chain, senza conflitti di interesse. Solo così potremo sapere che cosa&nbsp;ha imparato un modello, e in che modo tutelare i diritti". "E' importante che le istituzioni e chi norma abbiano veramente un confronto tecnico su questi temi".

A conclusione del panel,&nbsp;l’On. Federico Mollicone ha fatto sapere: "Sono tutti temi fondamentali.&nbsp;Per esempio, parliamo dei contenuti presenti sulle piattaforme: non solo quelli del sistema radiotelevisivo, ma anche dei social, delle piattaforme digitali e quindi anche della musica e dello sport. Capite bene che un’indagine su tutti questi temi richiederebbe probabilmente cinque legislature,&nbsp;eppure è necessaria. La ricerca su cui ci siamo concentrati fin dall’inizio riguarda proprio la cultura, e quindi la transizione digitale nell’ambito culturale, audiovisivo e musicale. Abbiamo già avviato diversi interventi in relazione alle urgenze che ci venivano segnalate. Come abbiamo fatto nel caso tra Meta e SIAE, che hanno raggiunto un accordo dopo l'intervento del Parlamento.&nbsp;Stiamo procedendo allo stesso modo anche con altre piattaforme. A breve svolgeremo&nbsp;l’audizione di Spotify e successivamente quella di Apple". E ancora: "L’intelligenza artificiale non è il tema di domani: è il tema di ieri. Siamo nel pieno di una rivoluzione digitale. Questo non significa demonizzare la tecnologia, né accoglierla acriticamente: significa affrontarla con spirito critico e con una solida formazione umanistica. La tecnologia non è né buona né cattiva: è uno strumento. Ciò che conta è l’uso che se ne fa.&nbsp;Il Parlamento, in questo scenario, fa da arbitro: un arbitro schierato dalla parte dell’essere umano. Sul piano delle norme garantisce equilibrio; sul piano della tutela difende ciò che per noi è prioritario: la creatività umana, la human intelligence".

MMW25, report: panel “La musica italiana nello scenario globale”

L’incontro ha offerto un quadro sul ruolo della musica italiana nel contesto internazionale


Ecco, come comunicato dagli stessi organizzatori, il programma degli eventi in calendario per la quarta giornata della nona&nbsp;edizione della Milano Music Week:

Palazzina Appiani ospiterà alle ore 10.30 la Masterclass in programmazione musicale per la radio, organizzata da Radio Speaker, un’occasione per scoprire i segreti del mestiere e comprendere come nasce una programmazione radiofonica di successo. Alle ore 12.00 sarà la volta de “La Trilogia di Marracash”, un talk con Marz e Zef, presentato da SIAE e Rockol, che approfondirà il percorso artistico e concettuale di uno dei progetti più significativi del rap italiano contemporaneo. Nel pomeriggio alle 14.30, si parlerà di sostenibilità con “Green Stage. Strategie per la transizione sostenibile della musica dal vivo”, un incontro promosso da AssoConcerti in collaborazione con Music Innovation Hub e IULM per discutere le sfide e le opportunità di un settore sempre più attento all’ambiente. A seguire, alle 15.30, Cosmic Agency presenterà “Soundvertising: breve storia di come il brand ha trovato la sua nota perfetta, da Carosello al carousel TikTok”, un viaggio attraverso l’evoluzione del rapporto tra musica e pubblicità. Alle 16.30 sarà protagonista YouTube Music con l’incontro “La rinascita del videoclip con YouTube”, un approfondimento su come la piattaforma abbia ridato nuova linfa vitale al linguaggio visivo della musica. La giornata proseguirà alle ore 17.30 con: “Allevi back to life. L’impatto di una straordinaria rinascita”, con Giovanni Allevi e Raffaele Morelli, presentato da Rockol, per raccontare la forza della musica come strumento di rinascita personale e artistica. Infine, alle ore 18.50, Amazon Music presenterà “Hip Hop: un decennio che ha ispirato la nuova generazione musicale italiana”. 

Un appuntamento speciale è previsto alle ore 15.30 al Piccolo Teatro Grassi (via Rovello, 2), dove Cesare Cremonini presenterà in anteprima il suo nuovo album, “Cremonini Live25”, l’album live in uscita venerdì 21 novembre sulle piattaforme digitali e in formato fisico, testimonianza e racconto del tour che ha entusiasmato gli stadi di tutt’Italia quest’estate e ritratto di un artista al massimo della sua forza creativa e della sua capacità di unire diverse generazioni di pubblico.

Il Dazio di Levante vedrà un pomeriggio ricco di appuntamenti e confronti. Il primo panel sarà alle ore 14.30 con “Musica ribelle: la nuova voce dei cantautori italiani”, presentato da PMI, un confronto dedicato ai nuovi interpreti e autori che stanno ridefinendo i confini della canzone d’autore. A seguire, alle ore 15.30, EVOLUTION propone “Copia Privata e Diritti Connessi 2025: cambia tutto per le etichette indipendenti”, un approfondimento sui cambiamenti normativi che ridefiniranno il panorama dei diritti musicali. Alle ore 16.30 sarà la volta di FIMI con “La scienza della Top of The Music: come funzionano classifiche e certificazioni FIMI/NIQ”, un’occasione per scoprire i meccanismi dietro le classifiche ufficiali e comprendere come vengono assegnati i riconoscimenti discografici in Italia. Nel tardo pomeriggio, alle ore 17.30, Assomusica presenta “Spettacolo dal vivo nei luoghi storici: sinergie per valorizzare arte e cultura”, un dialogo sulle opportunità offerte dalla collaborazione tra musica e patrimonio artistico. A chiudere la giornata, alle ore 18.30, Rolling Stone Italia celebra i suoi “45 giri” con un incontro dedicato agli anni 2000, insieme a Mondo Marcio, Dente e Pedro dei Finley, moderato da Massimo Coppola. La serata proseguirà alle ore 21.30 con il Rolling Stone Italia Launch Party, che vedrà come special guest DJ Ralf.

Alla Casa degli Artisti, alle ore 18.30, spazio invece a “Superclassica: perché non è musica antica, ma eterna”, un incontro con Enrico Gabrielli, i Classical Hooligans e Francesca Moncada, presentato da Rockit, per riflettere su come la musica classica possa continuare a parlare al presente.

La giornata prosegue alle ore 18.00 con Diggin’ with con Egreen da Dissonanze e alle 19.30 con The Stereo Line al MOGO Listening Bar con Linus, esperienze di ascolto e scoperta dedicate ai veri appassionati di musica.

Infine, alle ore 18.30, presso 21 House of Stories Navigli, si terrà “Lavori in corso: l’evoluzione LGBTQ+ nell’industria discografica italiana”, un confronto con BigMama &amp; Protopapa, Dino Stewart e Matteo B. Bianchi, presentato da FIMI, per discutere di inclusione e rappresentanza nel panorama musicale contemporaneo e a seguire il secondo episodio del podcast di Nitro “Incubi lucidi: backstage del disco”.

Proseguono i tanti appuntamenti organizzati in tutta la città. 

Alle 12.00, nell’area check-in dell’Aeroporto di Milano Malpensa, Eugenio Finardi sarà protagonista di uno showcase speciale, durante il quale presenterà dal vivo alcuni brani tratti dal suo ultimo album “Tutto”, insieme a successi del suo repertorio. Dalle 17.00, Totally Imported aprirà le porte del proprio studio per un evento esclusivo che unisce musica e networking. Sul palco, Flaminia con voce e chitarra. Alle 18.30, al California Bakery Garden &amp; Lounge, si terrà il panel “Come sta il giornalismo musicale?”, promosso dal quotidiano La Ragione, un’occasione per riflettere sullo stato dell’informazione musicale in Italia e sulle nuove sfide del settore. A partire dalle 19.00, l’Ostello Bello Duomo ospiterà l’incontro-concerto di FASE, mentre alle 22.00 si esibirà Sofia Sole. Alle 19.00 una barca salperà dalla Darsena per una suggestiva navigazione lungo il Naviglio Grande: a bordo, i Blonde Brothers offriranno un’esperienza acustica intima e contemporanea, tra chitarra e loop elettronici. Alle 19.30, in Santeria Paladini, spazio alla proiezione “Io tu noi tutti – 20 anni di Magnolia (e di Milano)”, dedicata al ventennale del Circolo Magnolia. Mentre Santeria Toscana ospiterà The Sound Of EMI, l’etichetta discografica presenterà, in collaborazione con Siamounmagazine, in un unico showcase i nuovi artisti urban. Alle 20.30 l’Hard Rock Cafè ospiterà l’AltaVibe Showcase. Msaki, Delicatoni, Le Feste Antonacci saranno al Base Milano, nell’ambito di Linecheck.&nbsp;La musica continuerà per tutta la serata: John Butler si esibirà all’Alcatraz, Circuit des Yeux all’Arci Bellezza, mentre Dardust porterà il suo spettacolo al Teatro San Babila. Per chiudere la giornata, il Nodo Bar ospiterà il release party di MISCELA.

Il programma di domani di Linecheck Music Meeting &amp; Festival, punto di riferimento della music industry italiana ed europea, prosegue con gli incontri dedicati al futuro della musica per immagini, alla relazione tra creatività e innovazione tech e alle pratiche di attivismo culturale, con momenti chiave come la performance immersiva dell’artista Coco Francavilla, che porta a BASE il suo lavoro sul suono degli oceani. La serata musicale porta sul palco nomi internazionali, come l'artista sudafricana Msaki, e alcune delle voci più originali della nuova scena indipendente italiana, Le Feste Antonacci, Delicatoni feat. Coca Puma, Evita Polidoro, Bono / Burattini, etc.

MMW25, il programma di giovedì 20 novembre

Gli appuntamenti della quarta giornata della manifestazione

Si è tenuto al Dazio di Levante, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel “Musica e futuro: come costruire una carriera che resista al tempo e alle mode”. Presentato da NUOVOIMAIE, l’incontro ha affrontato il tema di come intraprendere una carriera musicale in un contesto in continua evoluzione, dove la musica è sempre più accessibile, ma anche più complessa da sostenere come professione. Moderato dalla giornalista e ufficio stampa di NUOVOIMAIE Cristiana Tomei, ha avuto come ospiti Dodi Battaglia, musicista - solista e con i Pooh - e portavoce della collecting, il giovane artista Ciofi, l’autore Daniele Chiarolanza, il produttore, discografico ed editore Max Moroldo e il direttore generale di NUOVOIMAIE Maila Sansaini. 
 
“Io ho iniziato a fare musica da piccolo, suonando la fisarmonica – racconta Dodi Battaglia – ma non ho mai pensato al successo, neppure quando con i Pooh abbiamo iniziato a ottenere i primi risultati. Chi fa e ama la musica, è già una persona che ha raggiunto un successo. Il futuro della musica per me passa ancora dalla curiosità, dall’esplorazione, dalla voglia di connettersi con gli altri”. “Per me un elemento centrale è l’amicizia, è quella che lega i Pooh, è quella che lega tanti artisti e produttori. Fare la musica insieme, farla senza pensare al successo come elemento centrale, permette di farla oltre le mode”, prosegue Ciofi. 
 
“Un elemento che permette di rimanere nel tempo è la continuità produttiva – sottolinea Max Moroldo – e poi ovviamente c’è l’originalità. Senza quella non si arriva da nessuna parte. In ultimo: non bisogna seguire le mode, che è molto difficile, ciò ha a che fare con la verità. Il pubblico capisce se stai seguendo le onde o stai cercando di crearne una”. “Un artista davvero libero deve conoscere i suoi doveri e i suoi diritti – ricorda Maila Sansaini – deve affidarsi a un team serio, deve essere remunerato per la musica che ha prodotto, e questo campo deve essere materia di interesse, non può essere sottovalutato. Questo è un lavoro, ma anche un mestiere che deve essere riconosciuto su più piani: NUOVOIMAIE lavora e opera per questo”.

MMW25: report del panel “Musica e futuro”

Presentato da NUOVOIMAIE, l’incontro ha affrontato il tema di come intraprendere una carriera. 

Si è tenuto oggi negli spazi del Dazio di Levante il panel "Production music: diritti, opportunità e regole della sincronizzazione" promosso da NuovoIMAIE.&nbsp;La sincronizzazione musicale è uno degli ambiti più dinamici e in crescita dell’industria musicale.&nbsp;Cinema, serie e social media richiedono ogni giorno nuove musiche, composizioni originali o brani già editi, ma l'avvento dell'AI rischia di complicare lo scenario: di questo e di molto altro si parla nel talk moderato da Davide Poliani (Rockol), in cui intervengono Mariangela Liuzzi (Avvocato, titolare e fondatrice studio Liuzzi Media Law), Charlie Marchino (Banijay, Head of Music),&nbsp;Andrea Miccichè (presidente NuovoIMAIE) e&nbsp;Mike Sponza (M-CUBE Music &amp; Licensing Director).

Mike Sponza si&nbsp;occupa&nbsp;di un ramo molto specifico della production music, ovvero la musica nei punti vendita: "Si tratta delle cosiddette instore radio. L'esigenza principale dei brand è quella di risparmiare sulle licenze di pubblica diffusione del negozio: proprio per questo motivo, sono proliferate aziende che offrono cataloghi alternativi" spiega. Lo sfruttamento dei diritti connessi, però, è sempre un'area grigia. "Proprio per questo mi sono deciso a creare dei cataloghi creati con l'AI generativa. Pur difendendo le posizioni della musica creata da esseri umani, c'è sempre un problema di costi: ci sono aziende che per tagliare i costi si trovano a dover decidere se rinnovare le licenze di pubblica diffusione o licenziare alcuni dipendenti" osserva.&nbsp;Charlie Marchino racconta invece come la production music è utilizzata all'interno dell'ambito televisivo: "Funziona molto soprattutto all'interno dei programmi di intrattenimento, dove la musica non è in primo piano ed è un tappeto funzionale alla scena" spiega.&nbsp;

Andrea Miccichè&nbsp;fa notare che spesso, dal punto di vista dei diritti connessi, il rischio è che sia considerata musica di serie B:&nbsp;"Da tempo, quando&nbsp;si tratta&nbsp;di musica appositamente realizzata per i programmi di intrattenimento, sorge il dubbio (a mio parere erroneo) se i diritti connessi siano dovuti o meno per l'utilizzazione. Confidiamo però che, come ha insegnato il caso di Peppe Vessicchio, la nostra interpretazione prevarrà". Per Mariangela Liuzzi, il problema potrebbe essere più strutturale che legale:&nbsp;"Da un punto di vista normativo, non c'è differenza tra production music e musica 'normale'. Ogni brano, però, dovrebbe essere munito di una carta d'identità che lo identifichi in maniera univoca, anche in termini di aventi diritto: questi metadati, però, spesso non sono disponibili nel caso della production music" spiega. "Ho il timore che spesso la production music nasca senza questo corredo di metadati necessari poi a pagare coloro che ne detengono i diritti".&nbsp;

L'intelligenza artificiale, naturalmente, è una delle più grandi incognite del settore: la production music, per sua stessa natura, potrebbe essere tranquillamente sostituita da musica creata dall'AI generativa. Per alcuni, come Luizzi, è bene rimanere ottimisti: "L'intelligenza artificiale è uno strumento che crea delle opportunità, perché non può prescindere dall'intervento di un creativo umano. Bisogna però normare il campo in maniera non miope, per evitare che diventi un boomerang". Micciché concorda, ma obbietta che "dovrebbe essere ideato un nuovo diritto di utilizzazione economica, quello relativo al training dell'AI che dovrebbe essere concesso tramite previa autorizzazione e non postuma contestazione" dice. "Bisognerebbe sensibilizzare le istituzioni europee su questo tipo di problematica". Marchino non nasconde che Banjay ha provato a utilizzare l'intelligenza artificiale nella production music, "ma ne usciva una serie di brani tutti più o meno uguali. E' una rivoluzione simile a quella dell'avvento dei campionatori: finché non impareremo a usare l'AI in maniera creativa, non creeremo niente di nuovo". Per Sponza "la scrittura del prompt è un'attività che richiede una preparazione musicale estremamente forte: nella mia azienda a farlo sono dei musicisti" spiega. "Nonostante io oggi sia fautore di un catalogo di AI music sono iscritto a NuovoIMAIE come artista, e credo fermamente nella musica organica. Credo però che ci sia un vuoto normativo e che sia necessario colmarlo per renderla un'attività etica, umana e sostenibile".

Mariangela Liuzzi spiega che già allo stato attuale delle cose la nostra legge potrebbe in teoria già tutelare anche questo tipo di nuova musica dall'AI generativa, "se un prompt dovesse rispecchiare caratteristiche di originalità, novità e creatività.&nbsp;Naturalmente, però, questa è una teoria: nella pratica è tutto da vedere". Andrea Micciché, però, dissente: "E' come far cucinare una torta a un robot da cucina. Anche se ho deciso io gli ingredienti, posso definirmi il pasticciere?" si chiede in una metafora. "La nostra legge protegge le proprietà intellettuali che sono frutto del lavoro umano, e c'è un oggettivo vuoto legislativo che deve essere colmato".

Infine, una puntualizzazione sulla cosiddetta musica royalty-free: "Anche gli artisti apolidi, ovvero quelli che non hanno conferito mandato a nessuna collecting, percepiscono i loro diritti: all'interno della ripartizione globale i loro compensi verranno comunque conferiti alle collecting, che poi dovrebbero girarli a loro" fa notare Miccichè. Attenzione, quindi "a tutti quei servizi che propongono pacchetti con formule totalmente a-tecniche, come 'musica libera da&nbsp;diritti' o 'musica copyright free'. Se la composizione è originale, è sempre tutelata" ribadisce Liuzzi. Molto difficile anche retribuire equamente gli aventi diritto in mancanza di dati: "Non c'è una banca dati unica, per recuperare i codici ISRC o SWC dei brani che utilizzo quotidianamente c'è da impazzire" dice Sponza. "Ci sarebbe davvero bisogno di un database univoco e aggiornato per tutte le opere".

MMW25, report panel "Production music"

Diritti, opportunità e regole della sincronizzazione in un talk presentato da NuovoIMAIE

Si terrà domani, giovedì 20 novembre, alle ore 17,30, presso la Palazzina Appiani, nell’ambito della nona edizione della Milano Music Week, il panel “Allevi back to life. L’impatto di una straordinaria rinascita”.

L’evento Rockol powered by Deloitte prevede l’intervento del compositore Giovanni Allevi a pochi giorni dall’uscita del docufilm “Allevi Back To Life” e del Concerto MM22 per violoncello e orchestra. L’incontro - spiegano gli organizzatori - è stato concepito “per indagare come la fragilità possa generare nuova forma, e come la rinascita trovi nel linguaggio sinfonico la propria voce più autentica”.

Al panel - moderato dal giornalista di Rockol Mattia Marzi - sarà presente anche lo psichiatra, psicoterapeuta e saggista Raffaele Morelli.

L’ingresso all’evento è libero fino a esaurimento posti: è possibile effettuare le registrazioni sulla piattaforma Dice a <a href="https://dice.fm/partner/tickets/event/rywdv5-allevi-back-to-life-una-straordinaria-rinascita-20th-nov-palazzina-appiani-donore-milano-tickets?dice_id=7568680&amp;dice_channel=web&amp;dice_tags=organic&amp;dice_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;dice_feature=mio_marketing&amp;_branch_match_id=1113046894558308770&amp;utm_source=web&amp;utm_campaign=Butik+S.r.l.+Impresa+Sociale&amp;utm_medium=mio_marketing&amp;_branch_referrer=H4sIAAAAAAAAA8soKSkottLXz8nMy9ZLyUxO1UvL1Q9MMTVPNUtMtjQzS7KvK0pNSy0qysxLj08qyi8vTi2ydc4oys9NBQARkS%2B6OwAAAA%3D%3D">questo indirizzo</a>.

MMW25, domani il panel ‘Allevi back to life’

Giovedì 20 novembre, alle ore 17,30, presso la Palazzina Appiani

L’azienda sviluppatrice di uno dei più popolari modelli di intelligenza artificiale generativa musicale sul mercato, Suno, ha annunciato la chiusura di un nuovo round di finanziamento da 250 milioni di dollari al quale hanno preso parte NVentures (la divisione di venture capital di NVIDIA), Hallwood Media, Lightspeed e Matrix.

"In soli due anni, abbiamo visto milioni di persone trasformare le proprie idee in realtà grazie a Suno, dai creatori alle prime armi ai migliori cantautori e produttori che hanno integrato lo strumento nei loro flussi di lavoro quotidiani”, ha dichiarato il co-fondatore e CEO di Suno Mikey Shulman: “Questo finanziamento ci consente di continuare a espandere le possibilità, consentendo a più artisti di sperimentare, collaborare e sviluppare la propria creatività. Siamo orgogliosi di essere in prima linea in questo momento storico per la musica".

L’ultimo round di finanziamento ha fatto salire la valutazione di Suno a 2,45 miliardi di dollari: secondo una stima effettuata dal Wall Street Journal, l’azienda avrebbe raggiunto un fatturato annuo pari a 200 milioni di dollari.