Visa ha annunciato una collaborazione con Warner Music Italy per V, nuovo personaggio digitale creato tramite IA “progettato per supportare le persone nello sviluppo dei propri talenti e nella realizzazione delle proprie ambizioni”: il debutto del progetto avverrà in occasione dei Giochi di Milano Cortina 2026 con il lancio del singolo inedito “Anywhere”, prodotto da Merk &amp; Kremont e scritto insieme a Josh Cumbee per l’interpretazione della cantautrice italiana emergente Shorelle.

Il brano - che raggiungerà i mercati il prossimo 6 febbraio - è pubblicato da Atlantic Records Italy, etichetta di Warner Music Italy, rappresentanza italiana del network internazionale di Warner Music Group. Dopo il lancio sulle piattaforme digitali, “Anywhere” sarà presentato dal vivo con una performance live di Merk &amp; Kremont (durante la quale verrà proiettato il video della canzone) il 13 febbraio a Milano, in piazza del Cannone, all’interno del palinsesto del Live Site, la fan zone ufficiale dei Giochi Olimpici e Paralimpici Invernali di Milano Cortina 2026.

“L’AI non crea sogni, le persone sì. Man mano che questa tecnologia entra sempre più nella nostra vita quotidiana, il nostro obiettivo è usarla in modo da supportare davvero le persone e le loro ambizioni”, ha dichiarato Serena Di Matteo, Head of Marketing Southern Europe di Visa: “Con questo nuovo progetto vogliamo continuare a supportare talenti attraverso l’innovazione e avvicinare le persone allo sport attraverso la musica. E’ un approccio che si integra con lo spirito olimpico e paralimpico: connettere le persone, ampliare l’accesso e creare opportunità. Con V traduciamo questa visione in un supporto concreto, trasformando l’innovazione in un aiuto reale che permette alle persone di acquisire slancio, un passo alla volta”.

“Siamo entusiasti di collaborare con Visa per dare vita alla visione di V”, ha aggiunto Pico Cibelli, Presidente di Warner Music Italy: “La musica è, per sua natura, un ponte emotivo: se da un lato la tecnologia è alla base della creazione di V, dall’altro è il talento artistico di Merk &amp; Kremont a elevarla, trasformandola in un’esperienza dalla profonda risonanza emotiva. Il progetto V dimostra come il connubio tra intelligenza artificiale e creatività umana possa connettersi con il grande pubblico in modo capillare. Portare questa partnership ai Giochi di Milano Cortina 2026 conferma come la creatività resti il motore più potente per ispirare le nuove generazioni”.

“Abbiamo scritto ‘Anywhere’ immaginando le Olimpiadi Invernali come un grande palcoscenico di storie, per raccontare l’adrenalina che accomuna tutti gli atleti nel momento in cui stanno per affrontare la competizione”, hanno concluso Merk &amp; Kremont: “Inserire alcune parole in italiano è stato naturale: la manifestazione si svolgerà in Italia e volevamo che la canzone portasse con sé anche un senso di identità e di orgoglio nell’ospitare un evento di questa portata”.

Visa

Warner Music Italy

Pico Cibelli

intelligenza artificiale

Josh Cumbee

Shorelle

Merk & Kremont

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Visa, una partnership con WMG Italy per il personaggio virtuale V

Industria

Il debutto in occasione dei Giochi di Milano Cortina con un brano firmato da Merk & Kremont

<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/blackstone-192424">Blackstone</a>, proprietaria di circa 4 miliardi di dollari in asset musicali anche attraverso <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750633/hipgnosis-cambia-nome-arriva-recognition">Recognition Music Group</a>, ha venduto a Sony Music Group una parte del portafoglio di Recognition per oltre 200 milioni di dollari, secondo diverse fonti. L’operazione includerebbe prevalentemente asset editoriali e una quota più limitata di flussi di royalty legati ai master di registrazioni di brani scritti da autori come Jeff Bhasker — tra cui “Uptown Funk” di Mark Ronson &amp; Bruno Mars e alcuni brani interpretati da Taylor Swift — oltre a titoli firmati da Jack Antonoff.

Blackstone ha accumulato un consistente portafoglio di asset musicali attraverso l’acquisizione, per 1,6 miliardi di dollari, del catalogo di Hipgnosis Songs Fund nell’aprile 2024, dopo aver speso separatamente circa 800 milioni di dollari in asset musicali dal 2021 sotto un’altra società Hipgnosis, Hipgnosis Songs Capital. Tutti questi asset sono confluiti nella rinominata Recognition Music Group, guidata dal CEO Ben Katovsky.

Il portafoglio di Recognition, composto da circa 45.000 canzoni interpretate da artisti come Red Hot Chili Peppers, Journey, Justin Bieber e Shakira, ha garantito oltre 2,2 miliardi di dollari attraverso due operazioni di cartolarizzazione garantite da asset concluse nel 2024 e nel 2025.

<h3 style="text-align: left;">Blackstone e l’industria musicale</h3>

L’ingresso di Blackstone nell’industria musicale risale al 2017, con l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-667558/sesac-e-stata-acquisita-da-blackstone-group">acquisizione di SESAC</a> per circa 1 miliardo di dollari, una delle principali organizzazioni statunitensi di gestione dei diritti d’autore. Nel 2021 il gruppo ha ampliato la propria presenza anche sul versante discografico con l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-721809/blackstone-acquisisce-eone-per-385-milioni-di-dollari">acquisto di eOne Music da Hasbro</a> per 385 milioni di dollari, successivamente rinominata MNRK Music Group. Queste operazioni sono state condotte dal private equity team di Blackstone con sede a New York. Parallelamente, il gruppo londinese di tactical opportunities&nbsp;ha guidato la strategia di investimento nei cataloghi musicali che ha portato, tra il 2021 e il 2024, alla costruzione del perimetro Hipgnosis/Recognition. Nel complesso, Blackstone si è affermata come uno dei principali investitori istituzionali nella musica, con un approccio orientato alla valorizzazione finanziaria di lungo periodo e alla flessibilità nella cessione selettiva degli asset.

<h3 style="text-align: left;">Cos’è Recognition Music Group</h3>

Recognition Music Group è la piattaforma attraverso cui Blackstone ha consolidato i propri investimenti nel settore dei diritti musicali, riunendo in un’unica entità gli asset acquisiti con l’operazione da 1,6 miliardi di dollari su Hipgnosis Songs Fund, completata nell’aprile 2024, e quelli accumulati in precedenza tramite Hipgnosis Songs Capital. La società, guidata dal CEO Ben Katovsky, gestisce un catalogo di circa 45.000 brani e ha costruito la propria struttura finanziaria attraverso operazioni di cartolarizzazione asset-backed che tra il 2024 e il 2025 hanno raccolto oltre 2,2 miliardi di dollari. La fase attuale pare caratterizzata soprattutto da una razionalizzazione selettiva del portafoglio, con cessioni mirate.

<h3 style="text-align: left;">I più recenti deal di Sony Music Entertainment</h3>

Il catalogo è decisamente la stella polare della major nipponica, a giudicare da come e quanto negli ultimi mesi Sony Music Entertainment e Sony Music Publishing hanno intensificato l’attività di acquisizione e partnership sui diritti musicali.&nbsp;

Nel gennaio 2026 Sony Music Group ha annunciato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756688/sony-music-una-joint-venture-con-il-fondo-sovrano-di-singapore">una joint venture con il fondo sovrano di Singapore GIC</a>, finalizzata all’acquisizione di cataloghi musicali su scala globale, con una capacità di investimento stimata tra i 2 e i 3 miliardi di dollari secondo quanto riportato da Reuters. Nello stesso mese Sony Music Publishing, in partnership con Domain Capital, ha <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756660/miranda-lambert-sony-music-publishing-acquisisce-il-catalogo">acquisito l’intero catalogo editoriale di Miranda Lambert</a>, senza rendere pubblici i termini economici.

Sempre a gennaio 2026 Sony Music Publishing <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756390/sony-music-publishing-ha-acquisito-big-yellow-dog-music">ha rilevato Big Yellow Dog Music</a>, editore indipendente con un roster di autori legati a numerose hit mainstream, mentre nell’ottobre 2025 aveva acquisito una quota significativa dell’editore finlandese Elements Music. A queste operazioni si aggiunge l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752464/sony-music-publishing-hipgnosis-cosa-e-stato-acquisito">acquisto, completato all’inizio del 2025, di Hipgnosis Songs Group (ex Big Deal Music) da Blackstone</a>, un’operazione stimata intorno ai 70 milioni di dollari che lega direttamente la strategia di Sony alla razionalizzazione del perimetro Recognition.

Blackstone riduce il catalogo Recognition: vendita a Sony Music

I movimenti del fondo e della major

(<a href="https://www.rockol.it/news-756760/chartmetric-report-2025-dati-numeri-cosa-dice-analisi">leggi qui la puntata precedente dello speciale</a>)

<h3>Re e regine</h3>

La prima area tematica del rapporto Chartmetric 2025 è dedicata agli artisti e ai brani con le migliori performance dell’anno, osservati su base globale e per singoli mercati, oltre che attraverso diversi indicatori di consumo e attenzione. A livello globale, la classifica 2025 delle brightest stars colloca Taylor Swift al primo posto, seguita da Justin Bieber, Drake, Bad Bunny e Bruno Mars. Rispetto al 2024, la visualizzazione evidenzia spostamenti di posizione e nuovi ingressi nella top 10, tra cui Bad Bunny, Kendrick Lamar, Rihanna ed Ed Sheeran.&nbsp;

Per l’Italia, la top 10 del 2025 include Yves Tumor, Damiano David, Kyvba, Måneskin, Locky, Gabry Ponte, Anna, Lavinia, Mduzaed Eros Ramazzotti. La slide mostra un rinnovamento marcato rispetto al 2024, con numerosi ingressi segnalati come nuovi.&nbsp;

Negli Stati Uniti, i primi dieci artisti del 2025 sono Taylor Swift, Bruno Mars, Kendrick Lamar, Lady Gaga, Billie Eilish, Ariana Grande, SZA, Beyoncé, Doechii e Chris Brown. Anche in questo caso, la comparazione con il 2024 evidenzia variazioni di posizione e nuovi ingressi nella top 10. Nel Regno Unito, la classifica 2025 è guidata da Ed Sheeran e Coldplay, seguiti da Adele, Sam Smith, Olivia Dean, Dua Lipa, Lola Young, Calvin Harris, Queen e One Direction.

Una slide apposita mostra l’evoluzione del numero di artisti che hanno raggiunto lo status di Chartmetric “superstar”: nel 2023 il numero è pari a 225, nel 2024 a 222, mentre nel 2025 sale a 759, con un aumento significativo nel 2025 rispetto ai due anni precedenti.&nbsp;

Il report presenta classifiche distinte dei brani più performanti del 2025 in base a diversi indicatori: su Spotify streams, al primo posto figura “Die with a smile” (Bruno Mars, Lady Gaga) con 1,9 miliardi di stream, seguita da “Brids of a feather” (Billie Eilish, 1,6 miliardi) e “APT.” (Bruno Mars, ROSÉ, 1,5 miliardi); su Shazam, “Messy” (Lola Young) guida la classifica con 11 milioni di riconoscimenti, seguita da “Ordinary” (Alex Warren, 10m); in termini di TikTok posts, “Dame Un Grrr” (FantomeL, Kate Linn) registra 7,9 milioni di post, seguita da “My Darling” (Chella, 7,7m); quanto a YouTube views, “APT.” (Bruno Mars, ROSÉ) è il video più visto con 1,2 miliardi di visualizzazioni, seguito da “Die with a smile” (1,0 miliardi) e “Golden” (HUNTR/X, 969 milioni). Le classifiche mostrano che i primi dieci titoli variano sensibilmente in funzione della piattaforma e dell’indicatore utilizzato. La slide conclusiva di questa area riporta tre evidenze numeriche: Taylor Swift risulta l’artista con la posizione più alta nella classifica globale 2025; tra i brani più ascoltati dell’anno, solo tre dei primi dieci risultano essere stati pubblicati nello stesso anno; nel 2025 un numero maggiore di artisti ha raggiunto lo status di superstar rispetto agli anni precedenti.

<h3>La mappa dei generi</h3>

La seconda area tematica del rapporto Chartmetric 2025 analizza la distribuzione dei generi musicali e dei mood associati agli artisti e alle tracce pubblicate nel corso dell’anno, distinguendo tra nuovi ingressi e artisti già affermati. Per quanto riguarda i nuovi artisti del 2025, il genere più rappresentato è hip-hop/rap, che copre il 49% del totale; seguono pop (10%), indie (8%), classical (5%), reggaeton (5%), dance (5%), Brazilian funk (5%), emo (4%), indie pop (4%) e lo-fi (4%). Osservando invece le nuove tracce pubblicate nel 2025, la composizione cambia: l’hip-hop/rap resta il genere più rappresentato con il 38%, seguito da dance (15%), alternative (12%), pop (11%), electronic (7%), latin (4%), R&amp;B/soul (4%) e rock (3%); rispetto ai nuovi artisti, le nuove tracce mostrano una maggiore incidenza di dance ed electronic e una minore concentrazione sull’hip-hop/rap. Un confronto tra il 2020 e il 2025 sui top 1.000 artisti Chartmetric mostra variazioni nella composizione per genere: nel 2020, pop rappresentava il 24% e hip-hop/rap il 14%, mentre la categoria other si attestava al 24%; nel 2025, la quota del pop scende al 17%, mentre la categoria other cresce fino al 36%, includendo generi regionali come Bollywood, K-pop, Brazilian funk e corridos. Per quanto riguarda i mood associati agli artisti, la rappresentazione è organizzata su due assi (energia e positività) e i mood più rappresentati sono chill (25%), energetic (21%), fun (10%), party (8%), romantic (7%), sad (6%), emotional (5%), heartbroken (10%), aggressive (4%) ed empowering (4%). Analizzando i mood associati alle tracce, i più rappresentati sono romantic (20%), dark (18%), blue (17%), warm (15%), sexy (16%), seguiti da violent (3%), serious (4%), lonely (4%), hypnotic (2%) e relaxed (1%).&nbsp;

La slide conclusiva di questa area riporta tre elementi descrittivi: nel 2025, diversi generi regionali (tra cui Bollywood, K-pop, reggaeton, Brazilian funk e corridos) risultano più rappresentati rispetto agli anni precedenti; i mood più frequenti associati alla musica includono blue, romantic e dark; le collaborazioni cross-genre compaiono tra i contenuti che ottengono risultati rilevanti sulle piattaforme di streaming.

(<a href="https://www.rockol.it/news-756762/chartmetric-report-2025-dati-numeri-cosa-dice-analisi">continua</a>)

Artisti e generi: chi ha dominato nel 2025

I numeri dell’anno passato nel report di Chartmetric: lo speciale

La società di organizzazione di concerti e ticketing (via Ticketmaster) con sede centrale a Los Angeles Live Nation ha siglato un accordo con Bastogi S.p.A. per l’acquisizione del Gruppo ForumNet, uno dei principali operatori di venue in Italia, “rafforzando - ha spiegato l’azienda in una nota - il proprio impegno ad investire nel dinamico ecosistema dell’intrattenimento dal vivo italiano”.

Fulcro dell’operazione è l’Unipol Forum di Assago, a Milano, che dalla sua inaugurazione nel 1990 ha accolto ogni anno circa 2 milioni di spettatori, e che - live a parte - oltre a essere la “casa” dell’Olimpia Milano di basket ospiterà le competizioni di pattinaggio di figura e short track, ai Giochi Olimpici Invernali di Milano Cortina 2026.

La multinazionale guidata da Michael Rapino&nbsp;prevede un piano di “investimenti significativi” sull’Unipol Forum per “migliorare ulteriormente la partecipazione del pubblico, potenziare le infrastrutture dedicate ad artisti e produzioni e introdurre interventi orientati alla sostenibilità, con l’obiettivo di ridurre le emissioni”. Gli interventi - ha spiegato Live Nation - “valorizzeranno il lascito olimpico della venue, assicurandone il ruolo di riferimento nel lungo periodo per l’intrattenimento di livello internazionale e lo sport d’élite”. L’accordo include, inoltre, Teatro Repower (adiacente l’Unipol Forum) e la gestione della venue open-air Carroponte di Sesto San Giovanni. Le tre venue (con capienza massima di 15.800 posti per il Forum, 1700 per il Teatro Repower e 12.000 per il Carroponte), complessivamente, nel 2024 hanno generato - secondo una stima riferita da Live Nation - un valore complessivo di 4,5 miliardi di euro a livello nazionale.

“Siamo orgogliosi di accogliere queste venue storiche di Milano all’interno di Live Nation e di investire nel loro futuro”, ha fatto sapere Roberto De Luca, Presidente di Live Nation Italia: “Il Forum ha ospitato alcuni dei più grandi artisti italiani e internazionali e non vediamo l’ora di creare nuove opportunità per artisti e pubblico. Le venue ForumNet continueranno a operare con un management indipendente, mantenendo rapporti consolidati con tutti i partner e i promoter”.

“Queste venue sono da decenni al centro della vita culturale milanese”, ha aggiunto Marco Cabassi, Presidente del Gruppo Bastogi: “La partnership con Live Nation garantisce che possano continuare a crescere e a essere un punto di riferimento, accogliendo artisti e pubblico dall’Italia e da tutto il mondo anche negli anni a venire”.

L’attuale team ForumNet continuerà a gestire le venue, accogliendo tutti gli organizzatori di eventi e&nbsp;riportando direttamente alla casa madre della multinazionale, che ha condotto direttamente l'operazione di acquisizione senza coinvolgere la filiale italiana dell'azienda.&nbsp;Il completamento dell’operazione è subordinato alle consuete condizioni di closing ed è previsto entro aprile 2026.

La mossa annunciata oggi da parte di Live Nation rende Milano l’unica città in Italia dove i due principali gruppi di live promoting operanti in Europa - Live Nation, appunto, e il gruppo tedesco CTS Eventim - si sfidano sul campo delle venue: la mossa annunciata oggi dalla multinazionale guidata a livello globale da Michael Rapino non può che essere interpretata come una risposta all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756576/cts-eventim-una-partnership-con-unipol-per-arena-milano">apertura, da parte di CTS Eventim, di Unipol Dome</a>, nuovissima struttura realizzata per le Olimpiadi invernali di Milano - Cortina nel quartiere di Santa Giulia che dopo i Giochi diventerà una delle venue più moderne e attrezzate sul panorama europeo della musica dal vivo.

Live Nation acquisisce il gruppo ForumNet

Per ‘rafforzare il proprio impegno ad investire nel dinamico ecosistema del live italiano’

FLG, l'etichetta discografica del Frontiers Label Group dedicata al rock alternativo, ha annunciato di aver siglato un accordo discografico con GLU, il progetto solista di Michael Shuman, già noto per le sue collaborazioni con Queens of the Stone Age e Mini Mansions.

"Sono felice di annunciare di aver firmato con FLG Records”, ha dichiarato l’artista: “Sono entusiasta di avere finalmente un team fantastico di veterani dell’industria musicale che sono entusiasti del futuro di questo progetto tanto quanto me".

"Costruire un team appassionato e dedicato è qualcosa che sia Mikey che io abbiamo voluto fare fin da quando abbiamo iniziato a lavorare insieme su GLU”, ha fatto sapere Daryl Pryor di Capital Artist Group: “Siamo felicissimi di aver trovato un team che capisce davvero di cosa si tratta e che vuole fare il possibile per renderlo un successo".

"Restando fedeli alla nostra missione di collaborare con artisti innovativi, sono estremamente orgoglioso di dare il benvenuto a GLU nel roster di FLG”, ha aggiunto Leo Nicholas, responsabile di FLG: “Avendo da tempo ammirato l'eccezionale versatilità e la bravura compositiva di Mikey, sapevamo che questa collaborazione era perfetta per il sound in evoluzione della nostra etichetta".

GLU ha debuttato nel 2023 con l’EP "My Demons", al quale ha fatto seguito - nel 2025 - il singolo "Boogie Man", che ha superato i 3 milioni di stream globali sulle principali piattaforme.

FLG, GLU entra nel roster

E’ il progetto solista del già Queens of the Stone Age e Mini Mansions Michael Shuman

RCA, uno dei brand frontline di Sony Music, ha annunciato il rilancio di Jive Records, storico marchio fondato a New York nel 1981 (poi acquisito da BMG, tra il 2002 e il 2008) che - negli anni - ha visto sfilare nel proprio roster big come Backsteet Boys, Britney Spears, Kid Rock, *NSync, Justin Timberlake e R. Kelly. A guidare la nuova entità sono stati chiamati due ex dirigenti di UnitedMasters, Mike Weiss e David Melhado, chiamati a ricoprire il ruolo di co-presidenti.

"Jive Records è qualcosa di profondamente personale per me: ha plasmato intere generazioni e il modo in cui ho imparato questo mestiere”, ha dichiarato Weiss: “Rilanciare questa etichetta iconica con David ci permette di portare avanti l'eredità di eccellenza creativa e operativa di Jive, dimostrando al contempo che le major possono offrire innovazione e correttezza agli artisti. La stessa filosofia che mette l'artista al primo posto che ci ha guidato alla UnitedMasters è ciò che intendiamo portare a&nbsp; Jive, e sono grato a Rob Stringer, Peter&nbsp; Edge e John&nbsp; Fleckenstein per averci dato fiducia con questo marchio leggendario”.

"Ho dedicato gran parte della mia carriera a sviluppare artisti partendo da zero, il che ha plasmato la mia prospettiva su questo settore e su ciò di cui gli artisti hanno bisogno per costruire carriere durature”, ha aggiunto Melhado: “Rilanciare JIVE insieme a Mike è un'opportunità per onorare il suo spirito indipendente e raddoppiare l'impegno nello sviluppo degli artisti, plasmando al contempo la cultura. Sono entusiasta di lavorare con Rob Stringer, Peter Edge, John Fleckenstein e l'intero team per dare vita a questa visione".

"Ammiriamo gli straordinari risultati che Mike e David hanno raggiunto nelle loro carriere”, ha concluso Peter Edge, presidente e CEO di RCA Records: “Portarli alla guida della Jive Records sembra un'evoluzione naturale e un modo poetico per far rivivere un'etichetta che è stata all'avanguardia nell'hip-hop e nel pop. Il loro raffinato istinto e la comprovata capacità di scoprire e far crescere artisti li rendono una squadra perfetta per lanciare la prossima era della Jive".

Sony Music rilancia Jive Records

L’operazione promossa da RCA, con due ex UnitedMasters come co-presidenti

Pur in modo leggermente meno marcato rispetto allo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749812/grammy-awards-2025-ascolti-in-calo-del-9">scorso anno</a>, continua a essere al ribasso la tendenza degli ascolti dei Grammy Awards: secondo i rilevamenti di Nielsen la sessantottesima edizione della music’s biggest night, andata in scena a Los Angeles nella notte tra domenica 1 e lunedì 2 febbraio, è stata vista sulla CBS da 14,41 milioni di telespettatori, il 6,4% meno rispetto ai 15,4 milioni sintonizzati per l’edizione 2025. Il dato segna il consolidamento del trend al ribasso, se confrontato non solo all’edizione 2024, quando la platea televisiva superò le 17 milioni di unità, ma quello del 2012, anno nel quale i Grammy andarono in onda immediatamente dopo l’annuncio della morte di Whitney Houston davanti a oltre 40 milioni di telespettatori.

Sui social, al contrario, la manifestazione ha fatto registrare una buona performance in termini numerici, con 302,5 milioni di visualizzazioni dei video correlati sulle piattaforme e oltre 78 milioni di visualizzazioni.

Se la direzione impressa all’evento da Harvey Mason Jr. continuerà a essere la stessa, sarà interessante osservare se il trend negli ascolti resterà identico anche il prossimo anno, quando i Grammy cambieranno partner televisivo passando dalla storica CBS, che ha curato la trasmissione dell’evento per oltre cinquant’anni consecutivi, alla Disney, che - in virtù di un accordo decennale con la Recording Academy, trasmetterà la serata su ABC, Disney+ e Hulu.

Grammy Awards, nel 2026 continua l'emorragia di ascolti

Telespettatori in calo del 6,4% a 14,4 milioni. Ma, sui social…

E’ la differenza - sostanziale - tra <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">l’accordo chiuso tra Udio e Universal Music</a> (poi <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755486/intelligenza-artificiale-wmg-sigla-accordi-con-udio-e-stability">replicato anche da Warner Music</a>) e quello <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755613/ai-warner-music-sigla-un-accordo-con-suno">siglato tra Suno e la major guidata da Robert Kyncl</a> il campo di gioco sul quale si sta giocando il futuro dei rapporti tra industria musicale e intelligenza artificiale.

Mentre Udio, dopo la chiusura dei negoziati, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755055/udio-download-bloccati-dopo-l-accordo-con-universal-music">ha disabilitato l’opzione di download dalla sua piattaforma</a>, di fatto limitando la fruizione dei prodotti del suo modello generativo a un ambito ben definito (un “walled garden”, in italiano “giardino recintato”), <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755630/come-l-accordo-con-suno-coinvolgera-gli-artisti-di-warner-music">Suno - negli accordi siglati con WMG</a> - non ha imposto limitazioni analoghe, permettendo ai contenuti prodotti dalla sua GenAI una circolazione pressoché illimitata - compresi, salvo limitazioni specifiche imposte dai gestori dei servizi di streaming, i DSP.

Nel corso di un intervento al podcast di Billboard USA “On the record”, Michael Nash, Executive Vice President and Chief Digital Officer di Universal Music, ha voluto puntualizzare quanto già espresso dal suo diretto superiore - Lucian Grainge, Presidente e CEO di UMG - riguardo i paletti che definiscono i parametri del rapporto tra la propria azienda e il settore dell’AI generativa. “Il concetto [di "walled garden”] è quello di impostare tramite l'intelligenza artificiale un componente del servizio per un'interazione profonda con gli artisti e i contenuti, ma non di creare derivati ​​che poi si prendono dalla piattaforma e si pubblicano sui social, su Spotify, Amazon Music e Apple Music”, ha spiegato Nash: “In questo modo, il lavoro degli artisti e il loro marchio vengono utilizzati per creare derivati ​​con cui si entra in competizione con l'artista su altre piattaforme”. Ecco spiegata, quindi, l’alleanza con Udio e non con Suno: "Se si considera qual è il punto di differenziazione rispetto agli accordi che abbiamo concluso e alle partnership che non abbiamo ancora stretto, fondamentalmente si tratta di eticità", ha concluso Nash.

Sul fronte opposto Paul Sinclair, Chief Music Officer di Suno, in un post sulla propria pagina LinkedIn, ha criticato la posizione di Nash e UMG, sostenendo come la libertà di fruizione dei prodotti della GenAI non comportino violazione alle norme sulla proprietà intellettuale. "Se negli ultimi 25 anni avessimo cercato di rinchiudere la musica in sistemi chiusi, non avremmo lo streaming come lo conosciamo oggi, ovvero l’intera produzione musicale mondiale disponibile nelle nostre tasche", ha sostenuto Nash: “Non avremmo miliardi di persone che interagiscono legalmente con la musica su piattaforme basate su contenuti generati dagli utenti. Non avremmo l'esplosione di generi musicali globali, produttori da camera da letto che creano hit da Hot 100, o fan che diventano creator a pieno titolo".

Ex dirigente di Warner Music, Sinclair - come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756785/suno-un-ex-spotify-per-i-rapporti-con-gli-artisti">Sam Berger</a> - fa parte di quella nutrita schiera di veterani dell’industria discografica entrati nell’organico di Suno in qualità di pontieri con il settore della musica registrata e dell’editoria. Tuttavia, le posizioni delle big three riguardo i rapporti con le società di intelligenza artificiale generativa sono ancora piuttosto eterogenei, nonostante i passi avanti compiuti lo scorso novembre abbiano rappresentato - senza dubbio - un punto di svolta. Mentre Sony Music, per il momento, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755851/sony-music-con-udio-per-il-momento-e-ancora-battaglia">pare ancora refrattaria agli abboccamenti con le principali aziende di Gen AI musicale</a>, Warner Music - forte del suo accordo con Suno, l’azienda più sviluppata (e per questo più temuta) del proprio segmento, pare la più propensa ad abbracciare le opportunità (o a far fronte alle minacce, a seconda dei punti di vista) offerte dall’AI. Nel mezzo c’è Universal Music, la prima delle tre major per quote di mercato, il cui Presidente e CEO Lucian Grainge, all’inizio di quest’anno, ha dettato una linea molto chiara rispetto alla disponibilità <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756605/ai-universal-music-fa-sul-serio-e-passa-all-azione">nel concedere i propri cataloghi ai processi di training dei modelli generativi</a>. “Validare modelli di business che non rispettano il lavoro e la creatività degli artisti – e promuovono la crescita esponenziale di intelligenza artificiale sulle piattaforme di streaming – è un grave danno per gli artisti, gli autori e tutti noi che lavoriamo nel mondo della musica”, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756296/universal-music-strategia-2026-grainge-ai-superfans-servizi-downtown">aveva chiarito il numero uno di UMG nel messaggio ai dipendenti inviato a inizio 2026</a>: “Voglio essere chiaro: UMG non resterà a guardare mentre modelli di business irresponsabili prendono piede – modelli che svalutano gli artisti, non riescono a fornire un compenso adeguato per il loro lavoro, soffocano la loro creatività e, in definitiva, riducono la loro capacità di raggiungere i fan”.

Leggi anche: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755756/intelligenza-artificiale-musica-accordi-major-suno-udio-klay-analisi-1">Klay, Suno, Udio e major: la nuova architettura dell’industria</a>

UMG vs Suno, la battaglia ‘filosofica’ sull’AI

Al centro dello scontro il concetto di ‘walled garden’

Per chi fa da ufficiale di collegamento tra le divisioni artistiche e commerciali di una grande azienda discografica uno scenario di mercato favorevole - con il digitale in positivo con percentuali superiori a quelli regionali, e con ulteriore spazio per crescere ancora, e il fisico ufficialmente fuori dalla "bolla"&nbsp;delle mode - è quello che gli anglosassoni chiamerebbero un happy problem: l’evoluzione delle dinamiche interne ai team delle multinazionali e la moltiplicazione degli strumenti a disposizione dei professionisti per operare in modo sempre più competitivo in contesti sempre più dinamici non hanno tolto il fattore creatività al lavoro dei business developer. Anzi. A confermarlo è Enrico Pugni, già Global Digital Sales &amp; Brand Partnership Manager (tra il 2008 e il 2013) e&nbsp;Digital Sales &amp; Brand Partnership Manager per Universal Music Italy (nel 2013), dal 2014&nbsp;Sales &amp; Business Development Director di Warner Music Italy. “Viviamo in un mondo molto challenging”, ci conferma: “La vera sfida oggi è mettere a disposizione dell'artista e della sua creatività tutte le sfaccettature possibili che la tecnologia e il mercato ci offrono”. Non solo grafici e tabelle, quindi, come vorrebbe il luogo comune. “I dati non guidano, ma orientano”, spiega Pugni: “Non ci sono più barriere fisse, ma il ventaglio delle opportunità per far evolvere il progetto in qualcosa di sempre più accessibile e coinvolgente per il pubblico si è fatto sempre più ampio”. 
&nbsp;

I dati di mercato parziali riferiti al 2025 parlano di una crescita dello streaming, in Italia, superiore all’8%, con un tasso superiore&nbsp;all’11% per quanto riguarda le sottoscrizioni a pagamento: credi che in uno scenario del genere, per un Paese come il nostro, ci siano ancora margini di crescita? Se sì, dove?

Se guardiamo ai dati, il quadro è estremamente positivo. Il 2025 si è chiuso molto bene, e queste prime settimane del 2026 confermano per noi un trend di crescita solido. Il dato che ci incoraggia di più è quello delle paid subscription: in Italia abbiamo ancora margini enormi, e stiamo vedendo un’accelerazione importante, iniziata nella primavera scorsa, e che ha trasformato in modo impattante il mercato. E’ un'evoluzione importante, che arriva dopo anni di lavoro serrato con i DSP e le performance rights organisation per far sì che il mercato facesse un salto di qualità.

I numeri riferiti al fisico - specialmente quelli riferiti al vinile (+21,8%) - sono ancora migliori. Possiamo considerare questa tendenza consolidata o stiamo assistendo a un fenomeno ancora in fase di assestamento? In questo caso, cosa dovremmo aspettarci?

Il fisico è un ulteriore settore in crescita, e rappresenta un segmento di grande interesse, soprattutto in Italia. In tutto il 2025 abbiamo segnato un'ulteriore evoluzione, spinta soprattutto dal vinile, che è diventato un oggetto di culto con prezzi e formati che hanno guidato il mercato. Per noi di Warner Music Italy l'inizio del 2026 è partito molto bene grazie a due pesi massimi, con le uscite di Tony Boy (con "Trauma”) e Geolier (con "Tutto è possibile"). Il mercato quest'anno è incredibilmente competitivo, e sarà affascinante vedere come si evolverà nei prossimi mesi, sia nello streaming che nelle vendite fisiche.

Altra voce di ricavo che sta diventando progressivamente più importante è quella relativa al merchandising, per il quale - come Warner Music Italy - avete una gestione a 360° per i vostri artisti: quali sono le strategie più efficaci nel relazionarsi con le altre entità partner - management, promoter - per ottimizzare e rendere il più profittevoli possibili le operazioni su questo fronte?

Il merchandising per noi è la grande sfida del 2026: lo consideriamo una parte integrante del progetto artistico. L'esempio perfetto, in questo senso, è Annalisa: con lei gestiamo direttamente tutta la filiera, dall'idea creativa alla produzione fino alla vendita in tour e online. La coinvolgiamo in prima persona su ogni materiale e idea, e questo crea una coerenza incredibile tra la sua musica e ciò che i fan possono indossare o collezionare. E’ un lavoro di squadra che ci permette di dialogare con la parte più fedele della fanbase, con il pubblico nuovo ma anche coordinarci tutti gli attori coinvolti nell'organizzazione del tour.

Complessivamente, quali sono stati i cambiamenti più importanti sul mercato dalla fine della pandemia a oggi? Quali sono state le dinamiche che hanno conosciuto un’evoluzione più veloce?

Il modo di consumare musica è cambiato drasticamente con la pandemia. L'esplosione di TikTok e degli short video ha dato una seconda vita a brani che prima chiamavamo semplicemente “catalogo”, e che invece - oggi - entrano nelle classifiche di Spotify, Apple Music, Amazon Music e YouTube&nbsp;con la stessa forza delle novità. Questo ci ha spinto a riorganizzare il nostro lavoro: non abbiamo più team separati per i nuovi lanci e per il catalogo dei nostri artisti in roster. Ogni brano riceve lo stesso effort qualitativo e la stessa creatività, perché per un ragazzo - su TikTok - una hit di vent'anni fa è musica nuova a tutti gli effetti.

Anche il modo di vendere il prodotto fisico si è evoluto. Oggi puntiamo tantissimo sull'e-commerce e sui momenti esperienziali, come i firmacopie (che stanno vivendo un periodo di ritrovata popolarità), i pop-up store o gli eventi speciali con i nostri partner - come ascolti in anteprima, aperture straordinarie, prodotti speciali.

Un nostro grande asset è il Warner Music Shop, che abbiamo lanciato già prima della pandemia. E’ il nostro punto di contatto diretto con i superfan ma anche con tutto il pubblico di music lovers: lì vendiamo edizioni speciali e limitate che non si trovano altrove, insieme al nostro catalogo italiano e internazionale.

Questo ci permette di integrare la distribuzione tradizionale dei grandi store e delle realtà indie con un'offerta esclusiva e su misura per chi vuole qualcosa di unico e in costante evoluzione.

Come è possibile, dal tuo punto di vista, conciliare i programmi D2C di società come Warner Music alle relazioni con le principali piattaforme di e-commerce? Esiste il rischio che un canale cannibalizzi l’altro? Se sì, come è possibile scongiurarlo?

La nostra forza sta nella capacità di garantire una strategia mirata - e customizzata in base alle caratteristiche di ogni nuovo progetto - per ogni singolo partner commerciale con cui collaboriamo, che segua in modo continuativo il ciclo di vita di ogni uscita e non si esaurisca con la pubblicazione. Non usiamo mai un approccio standard, ma costruiamo insieme ai partner attività e contenuti ad hoc, fornendo in alcuni casi prodotti esclusivi, sfruttando la loro specializzazione e la profonda conoscenza che hanno del proprio pubblico sia online che sul territorio. Allo stesso tempo, questo lavoro si integra perfettamente con la nostra gestione dei dati. Negli anni abbiamo costruito una serie di attività concrete che ci permette di conoscere i nostri utenti in prima persona. Questo ci consente di rendere disponibili prodotti speciali e di inserire le iniziative del nostro Warner Music Shop all'interno di una strategia più ampia, dove ogni azione è guidata da un piano marketing originale e ogni declinazione del prodotto è pensata per chi lo acquisterà. E non escludiamo che, in futuro, si possa arrivare a un livello ancora più specifico di personalizzazione dei prodotti.

Le edizioni speciali dei dischi stanno diventando una costante sul mercato, spesso associata a una volontà di prolungare la vita sul mercato di un’uscita: come è possibile, nell’elaborazione di prodotti del genere, conciliare le istanze artistiche alle inevitabili esigenze commerciali?

Più che di edizioni speciali, preferisco parlare di disponibilità di formati diversi che incontrano le possibilità e la modalità di ascolto preferita dalle differenti tipologie di pubblico. Ogni scelta è sempre un’espressione diretta della volontà artistica: lavoriamo fianco a fianco con il team dell'artista per creare formati che siano coerenti con il suo progetto. Oggi il ciclo di vita di un album non termina più il giorno della sua uscita. E’ un'evoluzione continua che si sviluppa su più fasi: quella della Pre-Release (con attività di pre-save e svelamento sulle piattaforme che offrono accesso a contenuti esclusivi a chi preordina), della release (con il lancio del formato streaming, oppure del fisico arricchito da gadget, signed version o&nbsp; customizzate e pensate per i collezionisti) e della Post-Release (con l’aggiunta di nuovi brani nelle versioni streaming o la pubblicazione di nuove edizioni fisiche a distanza di mesi). Non è una semplice strategia per prolungare la permanenza sul mercato, ma l'idea di dare una vita dinamica al prodotto. Grazie alla combinazione tra streaming e fisico, l'album diventa un progetto che cresce e si evolve quando c'è l'esigenza dell'artista, su un periodo di tempo molto più ampio rispetto al passato. Nel 2026 il fisico non è nostalgia, ma é qualcosa di più, come il desiderio di avere qualcosa di tangibile, testimonia la dedizione dei fan, restituisce informazioni attraverso i dati, e ha impatto immediato in classifica.

Alla luce di scenari di mercato sempre più complessi, sfaccettati e ricchi di opportunità, e sempre più interconnessi a livello internazionale, qual è - secondo te - la sfida più grande nel farsi guidare dai dati, oggi? Quali sono gli strumenti dai quali, nel prossimo futuro, ti attendi un’evoluzione più veloce e funzionale alle esigenze di questo settore?

Dal mio punto di vista, i dati hanno un valore inestimabile, ma bisogna saperli leggere. Il loro vero beneficio è predittivo, ci aiutano a capire i target e a ipotizzare gli scenari migliori per il lancio di un progetto e di avere un linguaggio comune con i nostri partner commerciali più evoluti. I dati, tuttavia, non influenzano mai le scelte artistiche. La forza di un progetto sta nella sua originalità, e spesso nella sua capacità di essere dirompente.

In sintesi: i dati non guidano, ma orientano. Ci permettono di capire, in tempo reale, chi sono i primi ascoltatori che si stanno muovendo su un brano e quali trend si stanno sviluppando, immaginando scenari di medio-lungo periodo. Ci dicono dove sta andando il mercato, così da poter calibrare la nostra strategia, ma il cuore rimane sempre la visione dell'artista e la componente principale è la parte umana del nostro lavoro, in primis dei colleghi che si occupano di A&amp;R e marketing in tutte le sue sfaccettature.

Come sono cambiate - se sono cambiate - le operazioni del comparto che dirigi in seguito al <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic">riassetto della frontline di Warner Music Italy in Warner Records e Atlantic Records</a>?

Con il lancio delle due nuove etichette, Warner Records e Atlantic, il nostro lavoro si è evoluto per mettersi completamente al servizio delle loro specifiche esigenze. Siamo ai nastri di partenza e si respira un entusiasmo incredibile. Nella sostanza il nostro approccio non è cambiato radicalmente, ma si è adattato e snellito. Oggi lavoriamo con team ancora più focalizzati, capaci di concentrarsi in modo massiccio su ogni singolo progetto artistico. La vera svolta è la possibilità di studiare azioni a 360 gradi fin dal primo istante. Questo assetto ha reso tutto più dinamico e veloce: è una spinta nuova che ci permette di essere ancora più attivi sul mercato.

Edizioni a tiratura limitata, merchandising esclusivo, eventi ed esperienze dedicate: parlando di superfans, quanto è difficile mantenersi in equilibrio tra le legittime opportunità di monetizzazione e il rischio di scadere nel puro exploitment? Quali valori pensi debbano essere la guida del settore, in questo senso?

Credo che tutto quello che abbiamo messo in campo e ancora potremo sviluppare ci permetta di dare la massima espressione a ogni progetto. Viviamo in un mondo molto challenging, la vera sfida - oggi - è mettere a disposizione dell'artista e della sua creatività tutte le sfaccettature possibili che la tecnologia e il mercato ci offrono. Ovviamente, il compito principale del team commerciale rimane quello di garantire un riscontro solido sul mercato, ma la forza di questo momento storico è che il vero limite è solo la creatività. Con i mezzi che abbiamo oggi, possiamo esplorare forme e strategie che prima erano impensabili. Non ci sono più barriere fisse, ma il ventaglio delle opportunità per far evolvere il progetto in qualcosa di sempre più accessibile e coinvolgente per il pubblico si è fatto sempre più ampio.

Nel ‘vendere’ musica ‘l’unico limite è la creatività’

Parla Enrico Pugni, Sales & Business Development Director di Warner Music Italy

CAM Sugar ha annunciato l’acquisizione del catalogo musicale di Cecchi Gori Music, “rafforzando il suo patrimonio storico dedicato alla musica per il cinema, e - spiega la società del Gruppo Sugar in una nota - confermandosi come il più grande catalogo al mondo di colonne sonore”.

“Con questa acquisizione accogliamo un patrimonio unico, capace di raccontare il suono dell’Italia in un’epoca di importante trasformazione culturale”, ha commentato Filippo Sugar, CEO del Gruppo Sugar: “Nel catalogo Cecchi Gori Music convivono la missione autoriale e il racconto popolare.&nbsp;Un mosaico prezioso, che desideriamo preservare perché continui a dialogare con le generazioni presenti e raggiunga quelle future”.

L’acquisizione riguarda circa 200 colonne sonore composte tra l’inizio degli anni Ottanta e la metà degli anni Novanta, “un repertorio distintivo di grande valore storico e artistico che rispecchia la visione editoriale di CAM Sugar”, ha fatto sapere la società: “Attraverso questa acquisizione, CAM Sugar restituisce al pubblico un ampio sguardo sulle colonne sonore che hanno segnato oltre mezzo secolo della storia del cinema italiano, definendone l’immaginario”.

Il catalogo di Cecchi Gori Music include colonne sonore di film dal successo internazionale come “Mediterraneo” (1991) di Gabriele Salvatores, vincitore dell’Oscar come Miglior Film Straniero nel 1992.

“Con l’ingresso di queste nuove opere nel catalogo CAM Sugar, la nostra missione resta invariata: servire la musica dei compositori, riportarne alla luce i lavori e garantire che le loro creazioni continuino a dialogare con forza e freschezza nel mondo contemporaneo”, ha aggiunto Alessandro Sugar, Label Manager CAM Sugar: “Un impegno che si traduce anche nella volontà di ampliare le possibilità di utilizzo di questo patrimonio, favorendone nuove forme di valorizzazione e di incontro con il pubblico di oggi”.

Il catalogo di Cecchi Gori Music include opere firmate da alcuni dei principali compositori di musica per il cinema, tra cui Ennio Morricone, Giancarlo Bigazzi, Armando Trovajoli, Piero Piccioni, Luis Bacalov e&nbsp;Guido &amp; Maurizio De Angelis. L’integrazione del catalogo Cecchi Gori Music - ha concluso l'azienda - "consolida il ruolo di CAM Sugar contribuendo al suo racconto sul cinema italiano con opere uniche che attraversano una produzione storica di cinema, musica e costume". Dalle grandi colonne sonore internazionalmente riconosciute alle musiche della commedia più popolare, il catalogo offre una lettura articolata dell’evoluzione del cinema italiano, assicurando continuità editoriale e nuove opportunità di valorizzazione per un repertorio di alto valore culturale.

CAM Sugar, acquisito il catalogo di Cecchi Gori Music

‘Un patrimonio unico’

La scelta di Bad Bunny per l'Halftime Show di quest'anno era già stata ampiamente criticata dagli ambienti più vicini a Donald Trump, che lo vedono come fumo negli occhi per via delle sue origini portoricane e del suo attivismo&nbsp;a favore degli immigrati latini. Ora, però, a quanto pare si è passati al livello superiore: il movimento Turning Point USA, fondato dal defunto influencer di destra Charlie Kirk e ora portato avanti dalla sua vedova, ha deciso di organizzare uno spettacolo tutto suo, che andrà in onda in un consorzio di tv e canali web proprio durante la diretta dell'NFL.&nbsp;L'intenzione è quella di fornire ai telespettatori conservatori un'alternativa, sperando che cambino canale in massa influenzando così lo share del Superbowl (speranza vana visto che, come ben sappiamo, si tratta del programma televisivo più visto al mondo).

La line-up di questo Halftime Show di destra ovviamente non è altrettanto stellare. L'headliner è infatti Kid Rock, accompagnato da alcuni artisti&nbsp;country di modesta fama: Lee Brice, Brantley Gilbert e Gabby Barrett. "Vogliamo suonare grandi canzoni per la gente che ama davvero l'America: il nostro approccio è quello di Davide contro Golia" ha dichiarato Kid Rock. "Competere contro l'industria del football e con una superstar mondiale del pop è praticamente impossibile... O no?". Per il momento hanno aderito alla syndacation il canale via cavo OAN News (un piccolo network all-news ultraconservatore), la superstation religiosa TBS e alcuni altri broadcaster presenti solo sui social media, ma si prevede che da qui al 9 febbraio altri potrebbero aggiungersi.

&nbsp;

I conservatori organizzano un Halftime Show anti-Superbowl

L'iniziativa di Turning Point USA (il movimento fondato da Charlie Kirk) vuole boicottare Bad Bunny

Live Nation ha annunciato una “partnership decennale” con DF Entertainment e Dale Play Live che assegna in esclusiva alla multinazionale americana guidata da Michael Rapino i naming rights dello stadio Monumental Antonio Vespucio Liberti, tempio del calcio argentino situato a Buenos Aires nonché “casa” dell’Atlético River Plate: l’accordo decorrerà dal primo gennaio 2027.

“Grazie a questa partnership, DF Entertainment promuoverà spettacoli internazionali, forte del successo ottenuto allo stadio dal 2022 e della sua comprovata esperienza nel presentare molti dei più grandi spettacoli dal vivo al mondo, mentre Dale Play Live guiderà la promozione degli artisti latini, garantendo un approccio forte e radicato a livello locale che rifletta la vivace cultura musicale argentina”, ha spiegato Live Nation in una nota: “Come parte dell'accordo, i soci del River Plate avranno accesso a prevendite dedicate di biglietti per spettacoli selezionati che si terranno allo stadio Monumental, creando nuovi vantaggi per la comunità del club e ampliando al contempo l'accesso a spettacoli dal vivo di livello mondiale”.

Quella&nbsp;appena annunciata&nbsp;è la seconda operazione finalizzata&nbsp;dall'azienda in America Latina in pochi giorni, dopo l'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756575/live-nation-investe-nella-peruviana-bizarro">acquisizione della quota di maggioranza dell'agenzia peruviana di live promoting Bizarro</a> confermata la scorsa settimana.

Live Nation, un accordo col River Plate

Per i naming rights dello stadio Monumental di Buenos Aires

Il 2025 si apre come un anno di scala senza precedenti per l’ecosistema musicale globale. Nel suo A Year in Music 2025, Chartmetric fotografa un’industria caratterizzata da una crescita quantitativa continua e da una struttura artistica sempre più frammentata. Nel corso dell’ultimo anno, la piattaforma ha monitorato oltre 13 milioni di artisti e 145 milioni di release, restituendo l’immagine di un sistema produttivo iper-attivo, in cui la pubblicazione musicale è ormai un flusso costante e quotidiano più che un evento discreto. La dimensione di questa dinamica emerge con chiarezza osservando i dati giornalieri: 3.928 nuovi artisti e 29.539 nuove release entrano ogni giorno nel perimetro osservato da Chartmetric, confermando l’industrializzazione diffusa della creazione musicale. Dal punto di vista della configurazione artistica, il 2025 è segnato da una netta prevalenza dei progetti solisti, che rappresentano il 65% del totale, contro il 35% dei gruppi. Un dato che suggerisce come la musica contemporanea continui a spostarsi verso modelli individuali, più flessibili, agili e compatibili con le logiche delle piattaforme digitali. All’interno di questo universo di artisti solisti, emerge anche una forte asimmetria nell’identità di genere dichiarata: il 77% si identifica come he/him, il 18% come she/her, mentre solo il 5% utilizza altri pronomi. Una distribuzione che, già a questo livello preliminare del report, introduce temi di rappresentazione e inclusività destinati a tornare centrali nell’analisi dell’ecosistema musicale globale. Nel complesso, queste prime evidenze delineano un’industria sempre più affollata, individualizzata e accelerata, in cui la quantità non è più un’eccezione ma la condizione di base del mercato musicale contemporaneo.&nbsp;

Uno sguardo ancora più ravvicinato ai nuovi ingressi del sistema musicale chiarisce quanto sia selettivo il percorso di crescita artistica. Tra gli artisti che hanno iniziato la propria carriera nel 2025, la stragrande maggioranza rimane confinata nelle fasi iniziali di visibilità entro la fine dell’anno. Secondo i dati Chartmetric, 1,4 milioni di artisti risultano ancora classificati come undiscovered, mentre solo 36.000 raggiungono lo stadio di developing. Salendo lungo la scala di esposizione e impatto, i numeri si assottigliano drasticamente: appena 2.500 arrivano al livello mid-level, 764 entrano nell’area mainstream e solo 49 possono essere considerati superstar. In cima alla piramide, un solo artista raggiunge lo status di legendary nello stesso anno di debutto. Questa distribuzione mette in evidenza un elemento strutturale dell’industria contemporanea: l’accesso alla pubblicazione è ormai ampio e democratico, ma la conversione della presenza in rilevanza resta estremamente rara. L’imbuto tra scoperta e affermazione non si è allargato; al contrario, cresce il numero di chi vi entra, mentre la percentuale di chi riesce a risalirlo continua a ridursi. In questo contesto, la crescita non appare come un processo lineare o naturale, ma come l’esito di una combinazione sempre più selettiva di fattori — visibilità algoritmica, continuità produttiva, capacità di attivare fanbase e infrastrutture professionali — che solo una minoranza riesce a intercettare in tempi rapidi.&nbsp;

Dopo aver definito scala e selettività dell’ecosistema musicale, Chartmetric esplicita il quadro interpretativo con cui legge il 2025, articolandolo in nove aree tematiche che riflettono le diverse dimensioni del valore musicale contemporaneo. Il primo livello riguarda la centralità degli artisti e dei brani che hanno dominato l’anno (Top artists and tracks), affiancata da una lettura dei generi musicali come espressione di mood culturali e non solo come categorie di mercato. Accanto alla musica registrata, il report isola l’esperienza live (You had to be there) come spazio di valore autonomo, mentre le sincronizzazioni audiovisive (Media syncs) vengono trattate come snodo strategico tra musica, attenzione e narrazione cross-mediale. Un’area specifica è dedicata al rapporto tra musica e brand, segnale di un’industria in cui l’identità artistica è sempre più un asset relazionale e commerciale. Allo stesso tempo, Chartmetric riserva spazio agli autori, riconoscendo il ruolo strutturale della scrittura in un sistema spesso focalizzato sull’interprete. Il consumo viene analizzato attraverso lo streaming, mentre la costruzione del capitale simbolico e relazionale passa dall’osservazione delle dinamiche social, dove il seguito conta quanto l’ascolto. Infine, una prospettiva globale (Planet music) inquadra tutti questi fenomeni come parte di un ecosistema ormai transnazionale, in cui confini geografici e mercati locali sono sempre più porosi. Nel loro insieme, queste nove aree delineano un’idea chiara: il 2025 musicale non è leggibile attraverso un solo indicatore dominante, ma richiede una visione composita che tenga insieme performance, attenzione, contesto e monetizzazione.

Nel corso dei prossimi giorni MusicBiz pubblicherà uno speciale a puntate (i link all'articolo successivo si attiveranno automaticamente nel giro di circa 24 ore dalla pubblicazione dell'articolo precedente) per analizzare, passaggio per passaggio, il rapporto di Chartmetric relativo al 2025. Buona lettura!

(<a href="https://www.rockol.it/news-756761/chartmetric-report-2025-dati-numeri-cosa-dice-analisi">continua</a>)

2025, l’industria musicale è sempre più a pezzi…

...ma non è una cattiva notizia: cosa dice il rapporto annuale di Chartmetric. Lo speciale

Benché ancora impegnata in tribunale nelle vertenze con Sony Music e le collecting GEMA e Koda, Suno - la startup leader (e per questo più temuta) sul panorama globale della Gen AI musicale - si sta muovendo come un’azienda perfettamente organica all’ecosistema discografico istituzionale: la società americana ha infatti annunciato il proprio ingresso nel proprio organico di Sam Berger in qualità di Senior Director of Artist Partnership.

Sono stupito da ciò che questo team ha già costruito, e da ciò che continua a costruire, con un impegno chiaro e incrollabile ad aiutare gli artisti a fare musica in ogni fase del loro percorso creativo”, ha fatto sapere Berger in un post sulla sua pagina LinkdIn, dove ha espresso grande entusiasmo per sapere di ritrovare - nel team di Suno - altre figure di spicco dell’industria musicale come Paul Sinclair (ex Warner Music), Clifton "Cj" Smith (do-fondatore di Encore, la piattaforma musicale creata da Kid Cudi), Athena Yasaman (già a Twitch, e prima ancora a Spotify) e Chelsey Northern (per 10 anni ad Atlantic Records).

Il profilo di Berger è esemplare nell’indicare la nuova postura di Suno nei confronti dell’industria musicale: prima di ricoprire il ruolo di Head of Music Partnership a Patreon, il nuovo Senior Director of Artist Partnership della start-up è stato (prima) Director Artist Services e (poi) Lead Artist &amp; Label Marketing a Spotify, dove ha curato progetti per artisti come Cardi B, Twenty One Pilots, Janelle Monáe, Bon Iver, Flying Lotus, Lizzo e Meek Mill.

Suno, un ex-Spotify per i rapporti con gli artisti

E’ Sam Berger, già nel team di Daniel Ek come Lead Artist & Label Marketing

Ci sarà tempo fino al prossimo 13 febbraio per presentare le proprie candidature ad Arìa di Musica - Arezzo Wave Academy, una nuova iniziativa ideata in occasione dei 40 anni di Arezzo Wave rivolta a giovani artisti e artiste di età compresa fra i 18 e i 35 anni. Descritta dai promotori come “un percorso di formazione e pratica musicale guidato da musicisti e professionisti”, l’academy annovera tra i docenti Elio, BigMama, Alex Braga, Cristiano Godano, Ladri di Carrozzelle e Dj Ralf.

Requisiti e modalità di candidatura sono disponibili sui canali ufficiali di Arezzo Wave e sul sito www.arezzowave.com. La residenza artistica musicale è finanziata con il sostegno dell'Unione Europea dal PR FSE+ 2021/2027 Regione Toscana e rientra nell'ambito di Giovanisì, il progetto della Regione Toscana per l'autonomia dei giovani

Arìa di Musica è un progetto completamente gratuito articolato in 26 giorni complessivi di lavoro suddivisi in quattro sessioni tra febbraio e ottobre 2026. Oltre all’ospitalità gratuita, la residenza prevede anche rimborso economico per gli artisti selezionati, a sostegno del tempo e dell’impegno richiesti e come incentivo reale a intraprendere percorsi di crescita professionale nel campo musicale.

Attraverso un avviso di selezione saranno scelti fino a 18 artisti e musicisti chiamati a lavorare insieme su progetti musicali condivisi, favorendo scambio, contaminazione e collaborazione. “Il cuore del percorso sarà la reinterpretazione creativa”, hanno precisato gli organizzatori: “I partecipanti rileggeranno in chiave contemporanea brani iconici che hanno segnato la storia di Arezzo Wave trasformandoli attraverso il proprio linguaggio e la propria visione artistica. Accanto alla pratica musicale – composizione, arrangiamento e performance – il percorso affronterà alcuni temi centrali del panorama musicale contemporaneo, tra cui identità artistica, diritti, sostenibilità del lavoro musicale, produzione, comunicazione, nuovi linguaggi e intelligenza artificiale applicata alla musica”.

Arezzo Wave, aperte le iscrizioni ad Arìa di Musica

Fra i docenti Elio, BigMama, Alex Braga, Cristiano Godano, Ladri di Carrozzelle e Dj Ralf

Gli esiti della cosiddetta “Biggest music night”, la serata più importante dell’anno per l’industria discografica e non solo, anche quest’anno lasciano spazio a parecchie riflessioni. I Grammy Awards, infatti, non sono semplicemente i premi più prestigiosi a cui possa ambire un artista; rappresentano un modello in continua evoluzione, a cui sarebbe bello (anche se in genere così non è) che ci si ispirasse anche qui in Italia. Si tratta infatti di creare un circolo virtuoso che alimenti non solo la creatività di chi scrive e registra canzoni, ma anche la produttività di chi poi deve proporle in un mercato sempre più annoiato e saturo di nuove uscite.

Negli anni, la Recording Academy ha messo in piedi un sistema e delle prassi che guardano non tanto al pubblico generalista, ma a chi la musica la crea: artisti, addetti ai lavori, aziende, piattaforme. La Grammy Week, ovvero la settimana che precede la cerimonia di premiazione, è innanzitutto un’enorme occasione di networking e confronto interno. L’obbiettivo, insomma, non è quello di attirare nuovo pubblico, ma di consolidare le buone pratiche, dare spazio alle questioni più pressanti, intessere nuove relazioni e alleanze. Un’industria unita, questo gli americani lo hanno capito benissimo, è un’industria più forte e più in salute, e non vale solo per quella interna; da anni, infatti, la Academy si è data l’obbiettivo di incrementare la propria presenza in mercati emergenti come quello africano e mediorientale, perché convinta che lo sviluppo di nuove frontiere vada a beneficio di tutti. In un’Italia ancora campanilista e soprattutto un po’ provinciale (la presenza nostrana alla Grammy Week è quasi nulla, così come sono pochi i professionisti e gli artisti nostrani che prendono in considerazione l’idea di provare a entrare nella Recording Academy), c’è ancora parecchia strada da fare in tal senso.

Questo sguardo rivolto all'industria e non al pubblico vale anche per i Grammy Awards, che non vengono assegnati sulla base di televoto, giurie di qualità o peggio parametri quantitativi basati su streaming, certificazioni e ripartizioni. A determinare chi vince è il giudizio insindacabile di chi i dischi li fa: artisti, produttori, sound engineer, autori e turnisti. Perfino i professional members della Recording Academy, ovvero coloro che fanno parte dell’industria a vario titolo ma non mettono concretamente le mani sulle canzoni, non hanno diritto di voto. Questo inevitabilmente finisce per portare in luce anche realtà di nicchia che erano pressoché invisibili al grande pubblico (ma non ai musicisti, attenti anche alle nicchie)&nbsp;fino al momento della nomination; certo, le categorie principali come Record of the Year&nbsp;spesso non rivelano grandi sorprese rispetto alle aspettative, ma se non fosse stato per i Grammy forse artiste come Doechii, Chappell Roan, Tyla e tante altre non avrebbero sfondato il soffitto di cristallo del mainstream internazionale.

E parliamo di artiste, al femminile, non a caso. Dal 2020 in poi, infatti, la Recording Academy ha attuato una politica di inclusività particolarmente all’avanguardia, favorendo in particolare l’ingresso di nuovi membri giovani, non maschi e non bianchi: solo nel 2025 il 59% dei nuovi ingressi aveva meno di 40 anni, il 58% apparteneva a una minoranza etnica e il 35% si identificava come donna. Tutto questo va a riequilibrare una platea di votanti che storicamente era sempre stata monolitica a livello demografico. E i risultati si riflettono sulle nomination, che non a caso stanno arrivando – in maniera molto organica e naturale – a raggiungere la quasi parità di genere in buona parte delle categorie, e a includere moltissime produzioni non americane e provenienti da quella che fino a pochi anni fa sarebbe stata identificata come “world music”.

Insomma, vittorie come quella di Bad Bunny nella categoria Album dell’anno, o il trionfo di volti nuovi come Olivia Dean, Laufey o Lola Young, non devono stupire: dipendono da una precisa strategia. La stessa che permette poi ai singoli artisti di farsi forza di quel palco e rivendicare con orgoglio cause che stanno loro a cuore. Dalle pubbliche denunce contro la brutalità di ICE agli appelli a non tagliare i fondi all’educazione musicale, fino alla tutela dei musicisti dagli abusi dell’intelligenza artificiale e alla lotta contro la censura. Immaginatevi lo stesso tipo di presa di posizione su palchi come Sanremo o altri prestigiosi awards italiani, e chiedetevi: sarebbe possibile? Forse no. E forse proprio perché non abbiamo ancora capito che l’unione fa la forza.

Tutto ciò che noi italiani dovremmo imparare dai Grammy Awards

Perché i premi della Recording Academy hanno un impatto così forte? Non dipende dal caso, ma…

Con l’ordinanza - la numero 115 del 2026 - pubblicata oggi, lunedì 2 febbraio, il TAR della Liguria ha parzialmente accolto l’istanza presentata dalla JE - Just Entertainment di Sergio Cerruti, chiedendo al Comune di Sanremo di rendere noti ulteriori dettagli dell’accordo stipulato tra Rai e Palazzo Bellevue per l’organizzazione delle prossime tre edizioni del Festival di Sanremo: lo riferisce Riviera24.it.

Nel dettaglio, il Tribunale Amministrativo Regionale ha accolto il ricorso riguardo l’accesso civico agli atti - più precisamente, in merito agli allegati dedicati a “Format”, “Progetto” e “Ulteriori obblighi delle parti” - ordinando al Comune di renderli accessibili nei limiti previsti delle normative sulla trasparenza, sulla protezione di interessi pubblici e privati e sulla diffusione di dati sensibili.

La Rai, lo scorso ottobre, si era opposta alla diffusione degli atti citando - come motivazione - il pericolo di esposizione di progetti riservati espressione di know-how non replicabile e suscettibile di sfruttamento economico: il TAR - nell’ordinanza di oggi - ha respinto l’istanza del servizio pubblico, considerando l’opposizione “troppo generica” rispetto alla richiesta avanzata da JE.

Il Comune di Sanremo dovrà provvedere entro 30 giorni all’adempimento dell’ordinanza, considerando tuttavia eventuali condizioni sufficienti a oscurare le parti più sensibili degli atti.

Sanremo, il TAR chiede trasparenza sull’accordo Rai - Comune

Accolta (in parte) l’istanza presentata da JE - Just Entertainment

Il primo trimestre del 2026 potrebbe essere testimone di acquisizioni di rilevanza internazionale per l’industria musicale: nelle ultime ore sono state fatte trapelare mezzo stampa indiscrezioni relative a due grandi manovre che altrettanti big player starebbero per mettere in atto per consolidare la propria posizione sul mercato globale.

La prima, riferita da Bloomberg, riguarda BMG: la società madre dell’etichetta e società di edizioni con sede centrale a Berlino, Bertelsmann, starebbe valutando l’acquisizione di Concord, gruppo californiano che rappresenta una delle realtà indipendenti più importanti attive sul panorama mondiale. Secondo fonti vicine alla vicenda il passaggio di mano potrebbe vedere Bertelsmann impegnarsi per oltre 7 miliardi di dollari, parte in contanti e parte in azioni. Nel caso le trattative dovessero portare a un accordo - prospettiva, spiega Bloomberg, da non dare affatto per scontata - Concord resterebbe guidata dall’attuale CEO Bob Valentine.

Sarebbero invece due big della finanza globale, Goldman Sachs e Raine Group, a contendersi Distrokid, società di servizi per artisti ed etichette fondata nel 2013 da Philip Kaplan e oggi valutata intorno agli 1,3 miliardi di dollari: secondo MBW i due potenziali acquirenti starebbero trattando per una cifra superiori ai 2 miliardi di dollari, importo che potrebbe ulteriormente alzarsi nel caso dalle offerte al rialzo si dovesse passare a una vera e propria bidding war.

Non è un’indiscrezione, invece, l’acquisto messo a segno da Apple: il gigante informatico californiano ha infatti completato l’acquisizione - per una cifra stimata (ma non confermata) che potrebbe aggirarsi intorno agli 1,6 miliardi di dollari - di Q.ai, start-up israeliana che opera nel segmento dell’intelligenza artificiale generativa musicale. L’azienda, co-fondata e guidata da Aviad Maizels, negli ultimi quattro anni ha operato in modalità stealth, mettendo a punto un modello che - stando alla scarna descrizione diffusa - sarebbe in grado di offrire “una larghezza di banda estremamente elevata, una privacy senza precedenti, accessibilità, multilinguismo e molto altro". L’acquisizione di Q.ai - che in fase di seeding era stata supportata (per due round, nel 2022 e nel 2023) nientemeno che da Google Ventures, la divisione di Google dedicata agli investimenti, segna il debutto del gigante di Cupertino nel sempre più competitivo mercato della Gen AI musicale.

Concord e Distrokid: le voci sulle acquisizioni. E Apple…

Le indiscrezioni di stampa sulle prossime mosse dei big dell’industria. Nel mentre, a Cupertino…

Alla Crypto.com Arena di Los Angeles si è tenuta la cerimonia di premiazione dei Grammy Awards 2026. Kendrick Lamar ha fatto la parte del leone e&nbsp;si è aggiudicato il maggior numero di premi,&nbsp;cinque su nove nomination. Tra i premi più prestigiosi: Bad Bunny,&nbsp;ha vinto il premio Album dell'anno per "DeBÍ TiRAR MáS FOToS", di&nbsp;Billie Eilish&nbsp;è la Canzone dell'anno per "Wildflower"&nbsp;e, infine,&nbsp;Olivia Dean è la&nbsp;Best New Artist.&nbsp;Più sotto l'elenco delle categorie, le nomination e, in grassetto, i vincitori di ogni categoria.

Album of the Year:

Bad Bunny – DeBÍ TiRAR MáS FOToS

Justin Bieber – SWAG

Sabrina Carpenter – Man’s Best Friend

Clipse – Let God Sort Em Out

Lady Gaga – Mayhem

Kendrick Lamar – GNX

Leon Thomas – MUTT

Tyler, the Creator – CHROMAKOPIA

Song of the Year:

Billie Eilish – “WILDFLOWER”

Lady Gaga – “Abracadabra”

Doechii – “Anxiety”

ROSÉ and Bruno Mars – “APT.”

Bad Bunny – “DtMF”

HUNTR/X – “Golden”

Kendrick Lamar and SZA – “luther”

Sabrina Carpenter – “Manchild”

Record of the Year:

Kendrick Lamar and SZA – “luther”

Bad Bunny – “DTMF”

Billie Eilish – “Wildflower”

Chappell Roan – “The Subway”

Doechii – “Anxiety”

Lady Gaga – “Abracadabra”

Rosé and Bruno Mars – “APT.”

Sabrina Carpenter – “Manchild”

Best New Artist:

Olivia Dean

KATSEYE

The Marías

Lola Young

Addison Rae

sombr

Leon Thomas

Alex Warren

Best Alternative Music Album:

The Cure – Songs of a Lost World

Bon Iver – SABLE, fABLE

Tyler, the Creator – DON’T TAP THE GLASS

Wet Leg – moisturizer

Hayley Williams – Ego Death at a Bachelorette Party

Best Alternative Music Performance:

The Cure – “Alone”

Bon Iver – “Everything Is Peaceful Love”

Turnstile – “SEEIN’ STARS”

Wet Leg – “mangetout”

Hayley Williams – “Parachute”

Best Rock Performance:

YUNGBLUD featuring Nuno Bettencourt, Frank Bello, and Adam Wakeman, II – “Changes (Live From Villa Park) Back To The Beginning”

Amyl and The Sniffers – “U Should Not Be Doing That”

Linkin Park – “The Emptiness Machine”

Turnstile – “NEVER ENOUGH”

Hayley Williams – “Mirtazapine”

Best Rock Song:

Nine Inch Nails – “As Alive As You Need Me To Be”

Sleep Token – “Caramel”

Hayley Williams – “Glum”

Turnstile – “NEVER ENOUGH”

YUNGBLUD – “Zombie”

Best Rock Album:

Turnstile – NEVER ENOUGH

Deftones – private music

HAIM – I quit

Linkin Park – From Zero

Yungblud – Idols

Best Metal Performance:

Turnstile - "Birds"

Dream Theater – “Night Terror”

Ghost – “Lachryma”

Sleep Token – “Emergence”

Spiritbox – “Soft Spine”

Best Solo Pop Performance:

Justin Bieber – “Daisies”

Sabrina Carpenter – “Manchild”

Lady Gaga – “Disease”

Chappell Roan – “The Subway”

Lola Young – “Messy”

Best Pop Duo/Group Performance:

Cynthia Erivo and Ariana Grande – “Defying Gravity”

Huntr/x – “Golden”

Katseye – “Gabriela”

Rosé and Bruno Mars – “APT.”

SZA with Kendrick Lamar – “30 for 30”

Best Pop Vocal Album:

Lady Gaga – Mayhem

Justin Bieber – SWAG

Sabrina Carpenter – Man’s Best Friend

Miley Cyrus – Something Beautiful

Teddy Swims – I’ve Tried Everything But Therapy (Part 2)

Best Dance/Electronic Recording:

Tame Impala – “End of Summer”

Disclosure &amp; Anderson .Paak – “No Cap”

Fred Again.., Skepta and PlaqueBoyMax – “Victory Lap”

Kaytranada – “Space Invader”

Skrillex – “Voltage”

Best Dance/Electronic Album:

FKA twigs – EUSEXUA

Fred again.. – Ten Days

PinkPantheress – Fancy That

RÜFÜS DU SOL – Inhale / Exhale

Skrillex – F— U SKRILLEX YOU THINK UR ANDY WARHOL BUT UR NOT!! &lt;3

Best Rap Album:

Kendrick Lamar – GNX

Clipse – Let God Sort Em Out

GloRilla – GLORIOUS

JID – God Does Like Ugly

Tyler, the Creator – CHROMAKOPIA

Best Rap Song:

Kendrick Lamar featuring Lefty Gunplay – “TV Off”

Clipse, John Legend, Voices of Fire – “The Birds Don’t Sing”

Doechii” – Anxiety”

GloRilla – “TGIF”

Tyler, the Creator featuring Glorilla, Sexyy Red &amp; Lil Wayne – “Sticky”

Best Rap Performance:

Clipse and Kendrick Lamar – “Chains &amp; Whips”

Cardi B – “Outside”

Doechii” – Anxiety”

Kendrick Lamar featuring Lefty Gunplay – “TV Off”

Tyler, the Creator featuring Teezo Touchdown – “Darling, I”

Best Melodic Rap Performance:

Kendrick Lamar and SZA – “luther”

Fridayy and Meek Mill – “Proud of Me”

JID, Ty Dolla $ign and 6lack – “Wholeheartedly”

PartyNextDoor and Drake – “Somebody Loves Me”

Terrace Martin and Kenyon Dixon featuring Rapsody – “WeMaj”

Best Latin Pop Album:

Natalia Lafourcade – Cancionera

Alejandro Sanz – ¿Y Ahora Qué?

Andrés Cepeda – Bogotá (Deluxe)

Karol G – Tropicoqueta

Rauw Alejandro – Cosa Nuestra

Best Música Urbana Album:

Bad Bunny – DeBÍ TiRAR MáS FOToS

Feid – Ferxxo Vol X: Sagrado

J Balvin – Mixteip

Nicki Nicole – Naiki

Trueno – EUB Deluxe

Yandel – Sinfónico (En Vivo)

Best Americana Album:

Jon Batiste – Big Money

Jesse Welles – Middle

Larkin Poe – Bloom

Molly Tuttle – So Long Little Miss Sunshine

Willie Nelson – Last Leaf on the Tree

Best Folk Album:

I’m With Her – Wild and Clear and Blue

Jason Isbell – Foxes in the Snow

Jesse Welles – Under the Powerlines (Live April 2024 – September 2024)

Patty Griffin – Crown of Roses

Rhiannon Giddens &amp; Justin Robinson – What Did the Blackbird Say to the Crow

Best Comedy Album:

Nate Bargatze – Your Friend, Nate Bargatze

Ali Wong – Single Lady

Bill Burr – Drop Dead Years

Jamie Foxx – What Had Happened Was…

Sarah Silverman – PostMortem

Best Music Video:

Doechii – “Anxiety”

Clipse – “So Be It”

OK Go – “Love”

Sabrina Carpenter – “Manchild”

Sade – “Young Lion”

Best Music Film:

John Williams – Music by John Williams

Devo – Devo

Diane Warren – Relentless

Pharrell Williams – Piece by Piece

Raye – Live at the Royal Albert Hall

Best Score Soundtrack for Visual Media:

Ludwig Göransson – Sinners

John Powell – How to Train Your Dragon

John Powell &amp; Stephen Schwartz – Wicked

Kris Bowers – The Wild Robot

Theodore Shapiro – Severance: Season 2

Producer of the Year:

Cirkut

Dan Auerbach

Dijon

Blake Mills

Sounwave

Songwriter of the Year:

Amy Allen

Edgar Barrera

Jessie Jo Dillon

Tobias Jesso Jr.

Laura Veltz

Grammy Awards 2026: and the winners are…

Ecco tutti i vincitori dei premi consegnati dalla Recording Academy

<h2>Presentazioni, incontri</h2>

Da lunedì 2 a giovedì 5 febbraio 
Proseguono le presentazioni dei vari artisti in gara a Sanremo, sia tra i big che tra i giovani. E in un certo senso legata a Sanremo (dove non sarà in gara, ma figurerà come co-conduttrice) è anche la presentazione di "Io Canto 2", l'attesa seconda parte del progetto discografico di Laura Pausini in uscita il 6 febbraio. Presentano il loro album "Quando meno me lo aspetto" anche i Tiromancino. 
 
Presentazioni&nbsp;in settimana a&nbsp;Milano

Martedì 3 febbraio

Warner Music Italy e Visa presentano V, il personaggio digitale creato tramite AI pensato per valorizzare il talento umano e aiutare le persone a raggiungere i propri obiettivi. Nonché protagonista del videoclip di&nbsp;“Anywhere”, brano prodotto da&nbsp;Merk &amp; Kremont&nbsp;e interpretato da&nbsp;Shorelle. Presenti gli stessi Merk &amp; Kremont,&nbsp;Stefano M. Stoppani (Country Manager Visa Italia), Serena di Matteo (Head of Marketing Southern Europe di Visa), Roberto Genovese (SYNCH &amp; BRAND PARTNERSHIP DIRECTOR di Warner Music Italy) e&nbsp;Manuel Musilli (Executive Creative Director di Saatchi &amp; Saatchi).

Presentazione in settimana a Milano

<h2>Eventi, convegni</h2>

Venerdì 6 febbraio 
Le tanto attese olimpiadi invernali Milano-Cortina arrivano al dunque con la cerimonia di apertura, ricca di ospiti musicali di primo piano: tra quelli già annunciati, Mariah Carey, Andrea Bocelli, Laura Pausini,&nbsp;Ghali, Cecilia Bartoli e Lang Lang.

Stadio San Siro, piazzale dello Sport 1, Milano

<h2>In&nbsp;tour, in uscita</h2>

Da lunedì 2 a mercoledì 4&nbsp;gennaio 
Una settimana di grandi soddisfazioni per gli appassionati di rap italiano e internazionale, con le date italiane dell'artista americano di culto Earl Sweatshirt (il 2 gennaio all'Hacienda di Roma e il 3 ai Magazzini Generali di Milano) e FA5TLIVE, la mini residency di Gué al Fabrique (1, 2 e 4 febbraio).&nbsp;

Venerdì 6 febbraio 
Abbiamo già parlato di Laura Pausini con "Io canto 2" e dei Tiromancino con "Quando meno me lo aspetto"; da segnalare anche Svegliaginevra ("La fine della guerra").

Per segnalazioni di eventi e presentazioni - che devono essere legati al mondo dell'industria musicale - si può scrivere a<a href="mailto:agenda.musicbiz@rockol.it,%20?subject=Segnalazione%20per%20Agenda%20Music%20Biz">&nbsp;agenda.musicbiz@rockol.it</a>