In programma ogni anno a gennaio a bordo di una diversa nave&nbsp;da crociera della flotta Carnival, il festival ShipRocked è ormai un'istituzione per gli amanti del metal e dell'hard rock.&nbsp;L'edizione 2026, la sedicesima (che vedeva nella line-up&nbsp;Halestorm, Motionless In White, Knocked Loose, Wage War, AWOLNATION, Suicidal Tendencies, Avatar, Starset e&nbsp;Sleep Theory, su una rotta da Miami alle Bahamas) è stata particolarmente fortunata, con ben 4.100 partecipanti. Non solo: nel corso dell'asta benefica a favore della ricerca sul cancro sono stati raccolti oltre 200.000 dollari (che portano il totale delle donazioni finora effettuate dal festival a 1,2 milioni di dollari).

Oltre ai concerti veri e propri, la nave ha ospitato lezioni di chitarra con&nbsp;Marcos Curiel dei P.O.D., uno studio di tatuatori, un torneo di blackjack e uno di palla avvelenata e perfino delle sessioni di yoga mattutine. La prossima edizione del festival è prevista dal 24 al 30 gennaio 2026: rotta da Miami verso&nbsp;l'Honduras e il Messico. Il prezzo dei biglietti per l'anno prossimo non è ancora stato divulgato.

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Un'annata da record per ShipRocked, il festival "galleggiante"

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Si tiene a bordo di una nave da crociera ed è dedicato in particolare ai fan di metal e hard rock

Impala, l’associazione europea delle etichette indipendenti, ha pubblicato il suo terzo rapporto annuale dedicato al calcolo dell'impatto ambientale nel settore discografico. Secondo il documento, oltre 180 etichette indipendenti hanno iniziato a utilizzare lo strumento di controllo sviluppato da Impala - il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-729570/musica-sostenibile-e-realta-il-carbon-calculator-di-impala">carbon calculator</a>, introdotto nel 2022 - per monitorare il proprio impatto ambientale; 73 di queste hanno già inviato i dati relativi alle proprie emissioni. Il rapporto evidenzia anche l’evoluzione dello strumento, che nel 2025 ha introdotto una modifica significativa nella valutazione dell’impatto ambientale della produzione di vinili. Quest’ultima rappresenta il 40,4% delle emissioni medie, seguita dalla distribuzione aerea (22,7%) e dai viaggi di lavoro (11,3%). Peter Quicke, presidente di Ninja Tune e della task force sulla sostenibilità di Impala, ha dichiarato:&nbsp;"Il settore indipendente è ben posizionato per guidare la transizione dell’industria discografica, e questo rapporto fornisce le basi per farlo".

La versione integrale del rapporto è disponibile a <a href="https://impalamusic.org/wp-content/uploads/2026/02/IMPALA-Carbon-Calculator-Report-Feb-26-Insights-from-carbon-footprinting-independent-labels.pdf" target="_blank">questo indirizzo</a>.

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Oltre 180 etichette indipendenti europee hanno monitorato il proprio l’impatto ambientale

Impala presenta il terzo rapporto annuale sul carbon calculator

Nel 2025 Live Nation ha registrato entrate per 25,2 miliardi di dollari, in crescita del 9% su base annua, con il reddito operativo cresciuto del 52% a 1,3 miliardi di dollari: questi, in estrema sintesi, i risultati finanziari comunicati dal gigante americano del live ai propri investitori in occasione della chiusura del bilancio annuale.

Nel corso dell’anno passato la multinazionale americana ha visto l’afflusso dei fan ai propri eventi crescere del 5% su base annua a quota 159 milioni: l’azienda ha rivelato di aver investito 15 miliardi di dollari tra cachet e produzioni, “rafforzando” il proprio marchio “come principale sostenitore finanziario degli artisti”.

La divisione dedicata all’organizzazione di eventi, con ricavi annui pari a 20,9 miliardi di dollari, ha registrato “la miglior performance” nella storia aziendale, con un reddito operativo rettificato in crescita del 30% a 687 milioni di dollari, mentre quella dedicata al ticketing - Ticketmaster, oggetto della causa intentata all’azienda dal Dipartimento di Giustizia che <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757129/live-nation-processo-antitrust-doj-biglietteria-concerti-2026">approderà in tribunale il mese prossimo</a> - ha visto crescere i propri ricavi del 3% a quota 3,1 miliardi di dollari, con reddito operativo rettificato a 1,1 miliardi di dollari (+1% su base annua). La divisione dedicata agli sponsor ha contributo al bilancio con ricavi per 1,3 miliardi di dollari (+11% su base annua), con un reddito operativo rettificato in aumento dell’11% a 845 milioni di dollari.

“Nel 2025, il legame tra gli artisti e la loro fanbase globale ha raggiunto nuovi traguardi, alimentando un altro anno di crescita a due cifre”, ha commentato Michael Rapino, presidente e CEO di Live Nation: “Mentre gli artisti continuano a scoprire mercati inesplorati e a esibirsi negli stadi più iconici del mondo, abbiamo creato uno slancio che ci porterà verso un 2026 da record. Non stiamo solo costruendo venue; stiamo realizzando palchi di livello mondiale progettati per elevare la visione dell'artista e il suo legame con i fan. Espandendo strategicamente la nostra presenza globale e investendo in infrastrutture moderne e di qualità, forniamo la base per spettacoli che definiranno la carriera. Questo investimento non si limita a incrementare la vendita dei biglietti, ma rivitalizza le economie locali e consolida le nostre sedi come punti di riferimento culturali. Con una vasta pipeline di spettacoli su larga scala e una domanda di biglietti in continua ascesa, siamo pronti per un altro anno di utile operativo e crescita del reddito operativo rettificato a due cifre nel 2026. Il nostro impegno a essere il partner ideale per gli artisti ci garantisce di essere pronti ad aumentare questa crescita a due cifre negli anni a venire”.

Live Nation, ricavi alle stelle anche nel 2025

Fatturato oltre il 25% (+9% YoY). Rapino: ‘Pronti a un 2026 da record’

Tramite&nbsp;un comunicato stampa, è stata data la triste notizia della&nbsp;scomparsa di&nbsp;Sergio Secondiano Sacchi, direttore artistico del Club Tenco. Avrebbe compiuto 80 anni il prossimo 8 giugno.

Così lo ricorda il Direttivo del Club Tenco:

<blockquote>
È morto Sergio Sacchi.

L’ultimo dei Rambalderos ancora nel Club Tenco. L’ultimo cioè di quei ragazzi che Amilcare Rambaldi – il fondatore del Club – aveva voluto accanto a sé fin dall’inizio per dar vita alla sua creatura.

Dentro la associazione, Sergio ha sempre rappresentato l’ala creativa, facendosi promotore di molte intelligenti iniziative discografiche ed editoriali, anche grazie alle quali ha saputo e voluto costruire attorno al Club una solida rete di amici dalla più diversa provenienza: cantautori soprattutto, discografici, ma anche intellettuali di varia estrazione e formazione in qualche modo appassionati o legati alla canzone d’autore, artisti dei vari campi: dalla pittura al fumetto. Storica la sua amicizia col compagno d’avventure Sergio Staino.

A sua volta, aveva fondato a Barcellona l’associazione “Cose di Amilcare”, la filiale iberica del Tenco.

Diventato direttore artistico del Club Tenco, nel 2017, è stato il principale artefice del rilancio e del rinnovamento della vita del Club. Convincendo i colleghi del Direttivo a impostare le attività del Club lavorando per progetti e dedicando ogni edizione della annuale Rassegna della Canzone d’autore ad un tema, nell’affrontare il quale la canzone fosse utilizzata come strumento di analisi e di approfondimento.

Una intelligenza guizzante, geniale e, come tutte le intelligenze geniali, segnata da una vena di simpatica follia.

Sit illi terra levis.
</blockquote>

Addio a Sergio Secondiano Sacchi del Club Tenco

È scomparso a 79 anni il direttore artistico del Club Tenco

Sony Music France ha annunciato l'acquisizione di Spookland, etichetta e società di edizioni indipendente con sede a Parigi. L'operazione rafforza la presenza della major nel settore indipendente francese, puntando su una gestione attiva sia discografica che editoriale dell'entità acquisita, che continuerà a operare sotto la sigla Bleu Revolver. I dettagli finanziari dell'accordo non sono stati resi noti.

"Questa acquisizione è il naturale risultato di una partnership di lunga data che dura da oltre dieci anni", ha commentato&nbsp;Marie-Anne Robert, Managing Director di Sony Music France:&nbsp;"Riflette il nostro impegno a supportare sempre più da vicino gli artisti e ad arricchire il loro catalogo offrendogli maggiore visibilità e ampliandone il pubblico. Con Spookland, condividiamo gli stessi standard creativi e la convinzione che l'indipendenza artistica possa andare di pari passo con l'ambizione internazionale".

"Questa operazione dimostra la forza delle aziende del Sony Music Group e le sinergie che siamo in grado di mettere in campo", ha aggiunto&nbsp;Antoine Dathanat, Managing Director di Sony Music Publishing France:&nbsp;"Unendo le nostre competenze editoriali e discografiche, offriamo agli autori di Spookland un ambiente unico per sviluppare i loro progetti, massimizzare la loro portata e accrescere il valore del loro lavoro".

"Spookland è nata&nbsp;per offrire un ambiente creativo libero, esigente e aperto al mondo", ha concluso Maxim Nucci (anche conosciuto come Yodelice), fondatore di&nbsp;Spookland: "Con Sony Music France e Sony Music Publishing France, questo approccio ha avuto senso per anni: oggi diventa ovvio. Questa partnership ci permetterà di valorizzare i nostri artisti e perseguire le nostre ambizioni internazionali senza compromettere la nostra identità&nbsp;".

sony-music-france-acquisisce-spookland-etichetta-indipendente-parigina

La major rafforza la propria presenza sul mercato indipendente d'oltralpe

Francia, Sony Music acquisisce Spookland

Il veterano della comunicazione Davide Bertagnon ha annunciato la nascita di Dreel Holding Live Entertainment, una “factory hub che si posiziona come nuovo player nel mercato della live communication, con focus dedicati nel mondo della musica, dello sport, del design digitale, della cultura e nel sociale”.

L’azienda, “seguendo lo storytelling del suo founder ha come visione quella di posizionarsi come nuovo player autorevole del mercato con una forte vocazione per il mondo del Live Entertainment e degli Show a più ampio respiro, a supporto di brand e right owner”: come spiegati nelle note di presentazione alla stampa, la nuova entità “è una non agenzia e non ha alcuna velleità in tal senso, è una fabbrica, una factory, un laboratorio, un incubatore da cui estrapolare, disegnare e costruire uno storytelling fatto di storie di successo per i brand. Ogni progetto deve nascere per ispirare, emozionare e connettere una marca e il suo consumatore”.

La squadra Dreel “conta ad oggi 12 professionisti a bordo e crescerà ancora nei prossimi mesi in funzione dei numerosi progetti già confermati. Una prima linea tutta al femminile con due profili riconosciuti e apprezzati nel mercato come Monica Magnoni a capo della strategia, storytelling &amp; innovation (Chief Strategy &amp; Innovation Officer), e Fiamma Musmeci (Chief Business Officer) a capo di tutta la verticale di Business Development e offerta al mercato”.

“Sono molto orgoglioso di aver ricevuto la disponibilità di tanti professionisti che si sono uniti in questo nuovo viaggio, in questo mio personale Dream Team, molti di loro sono stati con me in passato e sono persone di spessore, valore che ho fortemente voluto su cui nutro grande fiducia prima ancora di essere degli ottimi professionisti”, ha dichiarato Bertagnon: “A breve annunceremo diversi asset in esclusiva Dreel, da qui a fine anno nel territorio della musica, dello sport, del design e della cultura. Faremo un grande lavoro, ne sono certo, ho ottime sensazioni, ho visto in queste settimane tante volte gli occhi della tigre in tanti di loro.&nbsp; Il resto verrà svelato a tempo debito, compresa una grande campagna che lanceremo sul tema inclusione &amp; musica su cui oggi non posso dire altro, oltre a due grandi produzioni musicali sociali e benefiche per il Bambin Gesù di Roma molto importanti che vedranno Dreel al fianco di Penelope Foundation fondazione contro la violenza sulle donne e il bullismo di cui sono stato da poco nominato Direttore Generale Grandi Eventi”.

Nasce Dreel Holding Live Entertainment

Da un’idea di Davide Bertagnon, una factory hub tra musica, sport, design ed entertainment

Nonostante i diversi tentativi - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756929/live-nation-negoziazione-accordo-doj-processo-antitrust-ticketing">alcuni</a> pare <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757040/dimissioni-gail-slater-doj-live-nation-negoziati-processo-antitrust">non eccessivamente limpidi</a> - di evitare le noie giudiziare che pendono sul suo capo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-744692/live-nation-causa-dipartimento-di-giustizia-usa-accuse-monopolio">dal maggio 2024</a>, Live Nation Entertainment dovrà affrontare un processo antitrust negli Stati Uniti: a stabilirlo è stato il&nbsp;giudice federale&nbsp;Arun Subramanian, che ha respinto anche l'ultima&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756198/live-nation-tenta-ancora-di-bloccare-la-causa-antitrust-del-doj">richiesta della società di archiviare la causa</a> intentata dal Dipartimento di Giustizia (DoJ). Il procedimento, come già ricordato, contesta l'acquisizione di Ticketmaster e le pratiche considerate aggressive nei settori della promozione di concerti e della biglietteria, sostenendo che abbiano danneggiato la concorrenza e i consumatori. L'avvio delle udienze&nbsp;è stato fissato per il prossimo mese di marzo.

Secondo il DoJ, il controllo esercitato da Live Nation su gran parte dell'infrastruttura di promozione e vendita dei biglietti, anche tramite accordi esclusivi con venue e artisti, avrebbe limitato le scelte disponibili per pubblico e professionisti. Live Nation ha dichiarato di non condividere la decisione del tribunale e di voler difendere con forza il proprio modello integrato, ritenuto vantaggioso per l'intero ecosistema dell'intrattenimento dal vivo. Osservatori del settore sottolineano che l'esito del processo potrebbe influenzare profondamente le dinamiche di promozione e vendita dei concerti negli Stati Uniti.

live-nation-processo-antitrust-doj-biglietteria-concerti-2026

Respinte tutte le richieste di archiviazione presentate dalla multinazionale: udienze al via a marzo

Live Nation dovrà affrontare il processo antitrust negli USA

SeatGeek ha annunciato una nuova integrazione con Spotify che consente agli utenti della piattaforma di streaming di scoprire eventi musicali dal vivo nella propria zona e acquistare biglietti ufficiali direttamente tramite la piattaforma con quartier generale a New York. L'integrazione permette ai concerti disponibili su SeatGeek di essere segnalati&nbsp;all'interno di Spotify attraverso raccomandazioni personalizzate e notifiche basate sulle preferenze di ascolto, accorciando così il percorso dalla scoperta musicale all'acquisto dei biglietti.&nbsp;

Secondo Russ D’Souza, co-fondatore e presidente di SeatGeek, "questa integrazione con Spotify aiuta a rimuovere le frizioni nel momento della scoperta, così i fan possono passare dall’ascolto di un artista alla scelta dei posti migliori in pochi passaggi". Abbie Riley, Business Development Lead di Spotify, ha aggiunto: "Stiamo creando un’esperienza di scoperta dei concerti più contestuale, aiutando i fan a trovare i biglietti insieme alla musica che amano".

Quella appena annunciata è solo l'ultima delle partnership siglate con diverse società di ticketing dal DSP svedese, che - attualmente - ha già in essere partnership con, tra gli altri,&nbsp;Ticketmaster, Eventbrite, AXS, Bandsintown, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752626/ticketing-spotify-integra-zaiko">Zaiko</a>, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751207/ticketing-in-uk-una-partnership-tra-skiddle-e-spotify">Skiddle</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751429/spotify-sempre-piu-nel-ticketing-una-partnership-con-stager">Stager</a>.

SeatGeek integra la vendita diretta di biglietti su Spotify

Per consentire ai fan acquisti in-app e potenziare la live discovery

La società italiana indipendente di distribuzione e produzione discografica Artist First ha annunciato una nuova partnership strategica con AWAL, entità globale dedicata ai servizi dal 2021 di proprietà di Sony Music. Attraverso l’intesa il roster di artisti di Artist First “beneficerà del supporto alla crescita e allo sviluppo da parte di AWAL, oltre ad avere accesso ai servizi di distribuzione globale della società, di proprietà di Sony Music, a livello mondiale”.

A sua volta, Artist First rafforzerà la presenza di AWAL nel mercato italiano, “offrendo agli artisti AWAL competenze locali di marketing e promozione”, come già avviene con Djo, il progetto musicale dell’attore, produttore e cantautore Joe Keery, noto al grande pubblico per i suoi ruoli in “Stranger Things” e “Fargo”, il cui brano “End of Beginning” ha raggiunto in Italia la prima posizione della Top 50 di Spotify ed è stato rilanciato anche in radio.

“Questa nuova partnership strategica con AWAL aggiungerà una dimensione globale alle nostre capacità di distribuzione e ai nostri servizi, consentendo agli artisti italiani che rappresentiamo di entrare in contatto con nuovi mercati e pubblici in tutto il mondo”, ha commentato Claudio Ferrante, Fondatore e CEO di Artist First (nella foto, a sinistra): “Allo stesso tempo, questa alleanza ci permetterà di sviluppare nuove sinergie con il roster di AWAL, valorizzando la struttura pienamente integrata e olistica di A1 per creare opportunità che vadano oltre la sola distribuzione. Con Artist First che rimane completamente indipendente e focalizzata sull’offrire agli artisti un ambiente in cui possano esprimere liberamente la propria creatività, continueremo a essere fedeli al nostro nome e a mettere sempre l’artista al primo posto. Il team di AWAL è inoltre desideroso di attingere alla nostra comprovata esperienza in Italia per creare opportunità per il proprio straordinario roster in questo mercato in rapida crescita, e siamo davvero entusiasti delle possibilità che questa nuova partnership offre”.

“Fin dal nostro primo incontro con Claudio e il suo team abbiamo percepito una forte sintonia di principi tra le nostre due aziende”, ha aggiunto Lonny Olinick, CEO di AWAL (nella foto, a destra): “Condividiamo la dedizione nello sviluppare e valorizzare gli artisti e, insieme, saremo una forza significativa per l’industria musicale italiana. Il mercato italiano è uno dei più entusiasmanti al mondo, con una solida crescita digitale e una comunità di artisti locali molto dinamica; questo è quindi il momento perfetto per innovare e portare nuove soluzioni sul mercato”.

Artist First, una partnership strategica con AWAL

Claudio Ferrante: ‘Siamo entusiasti delle possibilità che offre questo accordo’

La nuova analisi di SCF sui dati BMAT relativi alle trasmissioni radiofoniche evidenzia anche nel 2025 una “buona presenza” dei brani del Festival di Sanremo nell’airplay delle principali emittenti nazionali, con un’incidenza complessiva pari al 4,6%, in linea con il dato del 2024 (si veda il grafico qui sopra).

L’indagine, condotta su un panel costituito dalle prime sei radio italiane per ascolti, conferma - secondo la collecting - “la continuità dell’effetto Sanremo nel tempo e colloca il risultato del 2025 al di sopra del benchmark pre-pandemico del 2019, quando l’incidenza si attestava al 2,8%”.

“Significativo è anche l’andamento su base mensile”, spiega SCF: “Il picco registrato nei mesi di marzo e aprile (18,5% e 10,3%) evidenzia una spinta intensa nella fase post-sanremese, superiore rispetto all’anno precedente. Una conferma evidenziata dalla settimana del Festival 2025, durante la quale l’incidenza media in secondi dei brani ha raggiunto il 16,9% - contro il 13,6% del 2024”.

“L’analisi SCF conferma che il repertorio presentato a Sanremo muove il sistema dell'airplay radiofonico italiano”, ha commentato Mariano Fiorito, Direttore Generale di SCF: “I dati evidenziano come il Festival continui a rappresentare un momento di attivazione del mercato, con effetti misurabili e distribuiti lungo l’intero anno. La stabilità dell’incidenza annua e il rafforzamento nel periodo post-Festival indicano una capacità strutturale di questi brani di entrare stabilmente nella programmazione radiofonica, generando valore per tutta la filiera musicale”.

Sanremo, diritti connessi e radio: l’analisi di SCF sul 2025

Incidenza dei brani in gara del 4,6%, in linea con l’edizione precedente

Si intitola “Laguna” il brano che Nicolò Filippucci presenterà sul palco del Teatro Ariston in occasione del prossimo Festival della Canzone Italiana. Classe 2006, l’artista emergente umbro, già noto per aver partecipato al talent tv Amici di Maria De Filippi è tra i candidati - insieme agli altri tre concorrenti della categoria Giovani - al Premio Enzo Jannacci, riconoscimento istituito da NuovoIMAIE nel 2017 insieme alla famiglia del grande cantautore milanese: il riconoscimento è riservato alle nuove proposte in gara sul palco del Teatro Ariston. “Spero di godermela il più possibile e di conservare quest’emozione nel mio cuore: sarà una prima volta che ricorderò per tutta la vita” racconta Nicolò in una pausa dalla frenetica preparazione per il Festival e per i suoi primi live (si esibirà per la prima volta in concerto il 13 aprile ai Magazzini Generali di Milano). 

“Laguna”, è una ballad molto intensa. Come è nata l’idea di presentarla a Sanremo?

Fin da quando l’ho cantata per la prima volta ho capito che era quella più giusta per il contesto: la sento molto mia.

Finora è stata più impegnativa l’esperienza di Amici o quella di Sanremo Giovani?

Credo che siano entrambe piuttosto impegnative. Sicuramente l’esperienza di Amici è stata un’ottima gavetta, però: abbiamo avuto la possibilità di esibirci e studiare per otto mesi, ed è anche grazie a quella scuola se oggi ho la possibilità di esibirmi sul palco dell’Ariston con maggiore sicurezza.

C’è un aspetto del Festival che ti ha colpito particolarmente, e che magari da telespettatore non ti saresti immaginato?

Ho potuto vedere il Teatro Ariston dal vivo solo recentemente, e senz’altro di persona è tutta un’altra cosa! Una sensazione molto vivida e toccante. Come tutti coloro che ci entrano per la prima volta, anche io ho avuto l’impressione che dal vivo fosse molto più piccolo, ma dato che ho già frequentato un po’ la tv so che le telecamere tendono a ingrandire tutto: quella non è stata una sorpresa.

Sei tra i candidati al <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755988/sanremo-2026-torna-il-premio-enzo-jannacci-di-nuovoimaie">Premio Enzo Jannacci</a>, istituito da NuovoIMAIE. Un riconoscimento che fin dal nome reca in sé tutto il prestigio e la tradizione del cantautorato italiano. Cosa rappresenta per te?

È un onore. Non solo perché si tratta di un premio molto importante, ma anche perché per me il cantautorato è una tradizione di famiglia: i miei genitori sono sempre stati molto appassionati del genere, sono cresciuto con la musica di Jannacci e di tutti i suoi colleghi.

I tuoi esordi nella musica si inquadrano in un contesto molto particolare: hai cominciato a cantare da bambino, nel coro delle voci bianche della tua città, Perugia…

Sicuramente crescere in un gruppo allargato come un coro è stato un vantaggio, perché c’è grande condivisione e supporto. Da solista è una dimensione che purtroppo un po’ si perde, ma che si ricrea in piccolo con le persone con cui lavoro, ad esempio i membri della band. Anche mio fratello fa musica, tra l’altro: ha iniziato anche lui con la classica, ma oggi sta studiando musica elettronica. Magari un giorno proveremo a collaborare, a titolo di esperimento: le sue atmosfere sono piuttosto distanti dalle mie, ma sarei curioso di vedere cosa ne viene fuori.

Questi per te sono i primi approcci al mestiere di artista. Qual è la cosa più complicata da imparare, per un giovane emergente?

La gestione dei ritmi, che sono sempre parecchio frenetici. È normale che sia così, perché si tratta di un lavoro, appunto: non stiamo più giocando. Ma è anche una continua scoperta, e questo mi piace molto. Tant’è che passo gran parte del mio tempo in studio per dedicarmi al nuovo progetto discografico che uscirà dopo il Festival: è una cosa a cui non rinuncio neanche in questi giorni di prove e impegni sanremesi. È un periodo in cui l’adrenalina è sempre al massimo, ma la vivo come una cosa positiva: non amo stare fermo. Certo, dormo un po’ meno del solito, ma è giusto così.

Premio Jannacci 2026, la parola a Nicolò Filippucci

L'artista umbro è in gara a Sanremo Giovani con il brano 'Laguna'

La community dedicata alla musica emergente italiana Indieffusione, già titolare di oltre 30mila ascoltatori unici sul Web, ha annunciato il rafforzamento del proprio ecosistema rendendo i propri contenuti disponibili anche su Android TV, Amazon Fire TV, Apple TV e Smart TV Samsung.

“La musica indipendente di Indieffusione è ora accessibile anche in auto, sul divano di casa e attraverso Alexa con un semplice comando vocale”, ha spiegato in una nota l’azienda: “L’ascolto diventa, cosí, ancora più accessibile e diffuso in contesti diversi della giornata”. Secondo il team di Indieffusione l’apertura dei nuovi canali si tradurrà, per gli artisti della community, in “tempi di ascolto più lunghi”, “maggiori possibilità di scoperta” e “un rapporto più profondo con il pubblico”.

“La presenza su questi dispositivi amplia in modo concreto la visibilità del progetto artistico e ne rafforza la riconoscibilità nel tempo”, ha spiegato al proposito Indieffusione: “Essere presenti nell’ecosistema di Indieffusione significa inserirsi in una rete reale di diffusione e valorizzazione, dove la musica indipendente trova spazio, coerenza e direzione”.

Indieffusione sbarca in TV

Su Android TV, Amazon Fire TV, Apple TV e Smart TV Samsung

Si terrà sabato 14 marzo - a partire dalle ore 18,30 - presso lo Spazio Teatro 89 una serata speciale per ricordare Teo Segale, direttore artistico, giornalista, ufficio stampa, speaker radiofonico e promoter <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742995/morto-teo-segale-batterista-firma-di-rumore-metallus-radio-raheem">scomparso prematuramente</a> nel marzo del 2024 all’età di 47 anni.

Organizzato dal collettivo Mostly Harmless, l’evento avrà per protagonisti Teho Teardo (con lo show “Concerto al buio - Plays Twin Peaks and Other Infinitives), Johnny Mox e Chiara Fazi (con il concerto “Polifonia Live”), Edoardo Confuorto (con un comedy show) e - in conclusione - i Dj set di Radio Raheem Family &amp; Friends DJ's.

I biglietti per l’evento sono disponibili su Dice (al prezzo di 15 euro) a <a href="https://link.dice.fm/vae10e629689" target="_blank">questo indirizzo</a>.

Mostly Harmless, una serata per ricordare Teo Segale

Allo Spazio Teatro 89 di Milano sabato 14 marzo

E’ venuto a mancare nella sua casa di Bologna Matteo Agostinelli, frontman degli Yuppie Flu e co-fondatore, insieme a Daniele Rumori e Giacomo Fiorenza, di Homesleep Music: a riferirlo sono Il Resto del Carlino e il Corriere Adriatico.

“Questa è veramente difficile da affrontare.&nbsp;Matteo ci ha lasciato”, ha confermato la band con un post pubblicato sui&nbsp;propri canali social ufficiali: “Restano gli album, le canzoni, i concerti, tutta l'incredibile avventura di Yuppie Flu, che ha sognato e poi costruito attraverso gli anni, con la passione che solo i sognatori possiedono.&nbsp; Sono la testimonianza del suo meraviglioso talento per la musica. Che resterà qui, con noi”.

Originario di Ancona, Agostinelli - insieme agli Yuppie Flu - è stato uno dei protagonisti della primissima ondata indie rock - pop italiana: dopo il debutto con “Automatic but Static” nel ‘97, la formazione - tornata in attività nel 2021 con i soli Agostinelli, Simone Cavina (batteria) e Matteo Portelli (basso) in formazione - aveva pubblicato in tutto cinque album, gli ultimi tre dei quali - “Days Before the Day” del 2003, “Toast Masters” del 2005 e “Fragile Forest” del 2008 - con Homesleep.

L’etichetta, che nei primi anni Duemila fu uno dei punti di riferimento per il panorama indie nazionale, aggregando nel proprio roster - oltre gli stessi Yuppie Flu - anche Giardini di Mirò, Julie’s Haircut e Cut, pubblicò anche dischi di band internazionali come Piano Magic, Sodastream e Fuck, appoggiandosi per la distribuzione italiana inizialmente a Sony Music e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-65979/distribuzione-audioglobe-e-prezzi-ribassati-per-la-indie-bolognese-homesleep">successivamente - a partire dal 2004 - dall’indipendente Audioglobe</a>. La label aveva chiuso i battenti nel 2009, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-103519/chiude-la-homesleep-tutto-il-catalogo-in-vendita">liquidando i prodotti rimasti in magazzino a prezzi promozionali</a>.

Addio a Matteo Agostinelli

E’ stato il leader degli Yuppie Flu e il co-fondatore di Homesleep

A pochi giorni dall’inizio del Festival della Canzone Italiana 2026 sono stati annunciati i dettagli della seconda edizione di Get it! 4 Music, call for impact italiana dedicata allo sviluppo di iniziative imprenditoriali attive nel campo della Musica e dello Spettacolo.

La <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754947/get-it-4-music-premiato-il-meglio-delle-start-up-musicali">prima edizione di Get it! 4 Music</a> - sostenuta da Fondazione Cariplo - è stata avviata nel 2024 da Music Innovation Hub in partnership con Get it!, il programma di empowerment e impact investing per idee e start-up promosso da Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore (o “FSVGDA”) in collaborazione con Cariplo Factory: una scommessa iniziale che ha raccolto 70 candidature sulla piattaforma, offrendo 10 percorsi di incubazione/accelerazione e mentorship e consentendo alla Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore di investire in 2 iniziative (Ticketoo e Milano Songwriting Academy).

La nuova edizione del programma, che sarà protagonista anche di un talk nel palinsesto degli eventi di Sanremo, si propone ancora una volta di favorire la competitività internazionale dell’imprenditoria musicale italiana, puntando sulla crescita e l’accesso al mercato di iniziative in grado di generare impatto sociale in modo sostenibile e innovativo.

Per individuare i progetti imprenditoriali più promettenti e sostenerne il potenziamento, Get it! 4 Music promuove dal 19 febbraio al 23 aprile 2026 una Call for Impact indirizzata a realtà non ancora costituite in forma giuridica (“idee”) e a realtà costituite in forma di società di capitali o ETS (“start-up”) che si rivolgano, direttamente o indirettamente, ad appassionati/e di musica e/o all'industria musicale / audio come base di clienti target e che promuovano soluzioni innovative a impatto culturale, sociale e ambientale.

Tra i candidati alla Call, fino a un massimo di 10 tra idee/progetti e start-up avranno l’opportunità di:

<ul>
	<li>Prendere parte a un percorso di incubazione/accelerazione e mentorship/advisory e consulenza gratuito e della durata complessiva di 6 mesi;</li>
	<li>Competere con le migliori start-up che avranno completato i percorsi per l’accesso, ove selezionate, a un investimento da parte di FSVGDA, compreso tra un minino di €50.000 e un massimo di €250.000, in una logica di impact investing;</li>
	<li>Beneficiare della visibilità garantita dai canali di comunicazione di FSVGDA, Fondazione Cariplo, Cariplo Factory e MIH, nonché partecipare a eventi dedicati, inclusa la presenza a un evento durante Linecheck Music Meeting and Festival, finalizzato a favorire l’incontro con stakeholder del settore musicale e a offrire un’opportunità di networking qualificato.</li>
</ul>

La call si focalizza - a titolo esemplificativo e non esaustivo - sulle seguenti aree di interesse:

<ul>
	<li>Music &amp; Gaming</li>
	<li>Music &amp; Wellbeing</li>
	<li>Music Education</li>
	<li>Creator Economy &amp; Fan Engagement</li>
	<li>Music Tech</li>
</ul>

L’adesione al bando può essere data - entro il prossimo 23 aprile - a <a href="https://www.getit.fsvgda.it/4-music/">questo indirizzo</a>.

“Da alcuni anni Fondazione Cariplo sostiene l’innovazione culturale e il consolidamento delle imprese culturali e creative, stimolando la capacità del settore di generale valore”, ha dichiarato Cristina Chiavarino, Direttrice Area Arte e Cultura di Fondazione Cariplo: “Programmi come InnovaMusei, InnovaCultura e Impact4Art rappresentano esempi concreti di questa strategia. Con il rilancio di Get it! 4 Music intendiamo proseguire in questo percorso, rafforzando l’impegno verso la valorizzazione degli operatori dell’industria musicale: un ecosistema ricco di talenti, energie e potenzialità, che merita strumenti dedicati per crescere, innovare e affrontare le sfide attuali e del futuro”.

“Attraverso il rilancio di Get it! 4 Music, la nostra Fondazione – in sinergia con una rete ormai consolidata di partner strategici – intende incoraggiare la nascita e lo sviluppo di iniziative imprenditoriali, capaci di coniugare innovazione e sostenibilità economica, generando benefici per la competitività e la solidità della filiera musicale”, ha aggiunto Marco Gerevini, Consigliere di amministrazione della Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore: “In qualità di investitori a impatto, auspichiamo di poter continuare a sostenere lo sviluppo di altrettante iniziative meritevoli di supporto, come Milano Song Writing Academy e Ticketoo in cui abbiamo investito nel corso della prima edizione”.

"Con Get it! 4 Music puntiamo a creare un ecosistema favorevole all’innovazione nell’industria musicale italiana, offrendo agli imprenditori supporto concreto e opportunità di crescita attraverso il nostro network”, ha spiegato Marco Noseda, Chief Impact and Strategy Officer di Cariplo Factory: “La prima edizione ha messo in luce un potenziale di innovazione significativo e in parte sorprendente, più ampio di quanto immaginassimo, confermandoci quanto il settore sia fertile di idee e pronto a evolversi. Il nostro obiettivo è sostenere e rafforzare questi progetti attraverso un percorso di accompagnamento tailor made, pensato per potenziarne la crescita e l’impatto positivo e sostenibile sul mercato e sulla società”.

“Dopo l’esperienza europea maturata dal 2021 con Music Tech Europe Academy ed il successo della prima edizione di Get it! 4 Music, siamo molto felici di rilanciare per il secondo anno questa prestigiosa collaborazione per supportare imprenditori e imprenditrici, innovatori e innovatrici nell’ecosistema musicale italiano”, ha concluso Anna Zò, Responsabile MIH Pro: “Attraverso la seconda edizione di Get it! 4 Music, Music Innovation Hub continua a rafforzare, attraverso risorse, mentorship e attività di networking, l’imprenditorialità musicale sostenibile, creando nuove opportunità di lavoro e di business che contribuiscano ad un settore musicale nazionale più solido, innovativo, socialmente responsabile e competitivo a livello europeo”.

Get it! 4 Music è promosso da Fondazione Cariplo, e da Fondazione Social Venture Giordano Dell’Amore ("FSVGDA"): il programma è realizzato in collaborazione con Cariplo Factory S.r.l. Società Benefit, e Music Innovation Hub (“MIH”).

Get it! 4 Music, al via la seconda edizione

Torna il programma di empowerment e investimento dedicato all’imprenditoria musicale

Sono stati annunciati importanti cambiamenti dell’organico di Warner Chappell Music Italiana, la filiale italiana della divisione editoriale di Warner Music Group. Lodovico Pagani è stato promosso a Head of A&amp;R, con - come diretto superiore - Santiago Menéndez-Pidal, il presidente di WCM per l’Europa Meridionale. Rossella Lorello, in precedenza A&amp;R - Sampling, adaptation, infringment manager, è passata al team Sync &amp; Licensing, riportando al VP Sync &amp; Licensing Leonardo Germinario. Francesca Rossi, già nel team Legal &amp; Business Affairs, è stata promossa a Head of Legal, mentre Giacomo Domenichelli, proveniente da Intra, è stato inserito nello staff come A&amp;R Manager. La riorganizzazione, hanno spiegato a MusicBiz gli stessi Menéndez-Pidal e Pagani, è da inquadrare in una più vasta strategia globale di rafforzamento delle relazioni tra le divisioni dedicate a edizioni e musica registrata di WMG, con - all’orizzonte, a medio-breve termine - ulteriori operazioni sui front sync e acquisizione di cataloghi… 
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In quale direzione sta andando l’evoluzione dell’assetto aziendale di Warner Chappell Music in Italia e all’estero? Quali elementi hanno guidato la riorganizzazione dell’organico, e perché?

[Santiago Menéndez-Pidal] Il nostro mandato principale, a livello globale, è quello di aumentare la cooperazione internazionale tra le diverse consorelle nazionali. Abbiamo questa filosofia, come gruppo, per la quale abbiamo un unico roster,&nbsp;che appartiene a tutti. Poi, è abbastanza ovvio, in questo momento siamo molto concentrati sul pop e sull'urban, anche se c’è una tendenza globale che sta vedendo tornare in auge i cantautori tradizionali e il rock - e questa, per noi, è un’ottima notizia. In questo senso, quindi, la riorganizzazione che stiamo mettendo in atto in Italia è molto in linea con questa strategia. Stiamo spostando Rossella [Lorello] sul lato sync e licensing perché, innanzitutto, conosce il nostro catalogo meglio di chiunque altro. E perché sarà il ponte perfetto con il comparto A&amp;R. Stiamo anche coinvolgendo Giacomo [Domenichelli], che proviene da un’agenzia urban molto quotata e - in questo ambito - vanta un importante bagaglio di conoscenze.

[Lodovico Pagani] Stiamo anche rafforzando il nostro rapporto con Warner Music [la divisione dedicata alla musica registrata del gruppo, ndr], in modo da consolidare nel modo più sano possibile la nostra collaborazione ed essere il più efficaci possibile sia sul fronte domestico che su quello internazionale. Quindi il nostro riassetto aziendale prevede l’inserimento di un nuovo elemento nel team A&amp;R, Giacomo Domenichielli, che si concentrerà sul lato urban. In questo modo, il team A&amp;R sarà composto da tre persone - oltre a Giacomo, Ambra Todini e Luca Botta - che riporteranno a me. Stiamo rafforzando e dando più risorse a questo settore in modo più specifico.

[A Lodovico Pagani] Per quello che è il tuo ruolo, cosa implica riportare a un referente internazionale? Quali sono le differenze, rispetto a operare con un superiore “domestico”?

[Lodovico Pagani] Quando si ha tutti le stesse origini o lo stesso background, il rischio è che ci si fissi su un unico modo di risolvere i problemi. Quindi avere in ufficio qualcuno capace di offrire una prospettiva internazionale offre spazio a nuove idee in grado di rivoluzionare il mercato. Abbiamo avuto modo di sperimentarlo in tutti questi anni di lavoro comune: Santiago ci porta una maggiore quantità di informazioni e un approccio diverso nell’elaborare accordi e soluzioni. E’ una cosa che sta già succedendo, e che continuerà a succedere. E che troviamo tutti molto stimolante: tra le altre cose, è bello parlare in inglese, perché mantiene la mente fresca. E poi non è affatto male che il capo sono sia sempre in ufficio…

[Santiago Menéndez-Pidal] Quando il gatto non c’è, i topi ballano… [ridendo, in italiano, ndr]

In termini di signing e acquisizioni di cataloghi, quali saranno le prossime mosse entro fine 2026 di Warner Chappell Music? Ci sarà da aspettarsi un’intensificazione delle operazioni, in questo senso?

[Santiago Menéndez-Pidal] Negli ultimi mesi abbiamo elaborato un piano importante per liberare più liquidità per le acquisizioni. E, inoltre, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752873/warner-music-lanciato-un-fondo-in-joint-venture-con-bain-capital">abbiamo stretto una partnership con Bain Capital</a>, un grande fondo di investimento il cui ruolo nella nostra campagna di acquisizioni a livello mondiale è fondamentale. In Italia l’anno scorso abbiamo finalizzato la nostra più grande acquisizione sul mercato locale da anni, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749169/warner-music-italia-ha-acquisito-il-catalogo-di-dwa-records">quella di Extravaganza</a>, insieme agli amici di Warner Music. Al momento abbiamo altre quattro o cinque operazioni di rilievo in lavorazione: questo fronte è particolarmente importante per noi in un mercato come quello italiano, dove la maggior parte delle nostre attività riguarda proprio le acquisizioni. Da un punto di vista, non è una responsabilità solo di Federico e degli A&amp;R: è anche mia, e di Leonardo, che lo scorso anno è stato nominato VP Sync and Catalogue Acquisition, e che è stato in grado di portare sul tavolo diverse opportunità. E di Luca Gentili, il nostro Vice President, Operations &amp; Industry Relations…

[Lodovico Pagani] Quando si parla di acquisizioni, il lavoro di squadra è davvero importante, perché il tema non è solo quello di acquisire, ma di dare spazio alla crescita di un catalogo: parliamo di operazioni incrociate di monitoring a livello internazionale, amministrazione, sforzo creativo e tutto il resto. Si tratta, in sostanza, di acquisire qualcosa e aggiungere valore. Quello che abbiamo imparato, in questi ultimi anni, è che dobbiamo avere la mentalità sempre molto aperta, perché le acquisizioni potrebbero arrivare da qualsiasi parte…

[A Santiago Menéndez-Pidal] Hai citato la partnership con Bain Capital: puoi darci qualche dettaglio in più?

Sono molto attenti, e hanno quella che si potrebbe definire una prima opzione in molte operazioni. La partnership rappresenta per la nostra azienda un’opportunità per <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756871/wmg-e-bain-capital-aumento-di-capitale-da-s200-mln-per-beethoven">avere più soldi da investire</a>, ma questo non cambia le cose dal punto, per quanto di riguarda: lavoriamo con loro allo stesso modo in cui lavoriamo per conto nostro.

Le sync sono storicamente uno dei punti di forza di WCM: che ritratto si può tracciare di questo settore, oggi? Quali sono i segmenti - cinema, TV, ADV, gaming o altro - che ritenete più promettenti?

[Santiago Menéndez-Pidal] Sì, le sync sono sempre stata una parte importante del nostro business. Credo che a capo del nostro compartimento dedicato ci sia uno degli migliori professionisti in Italia nel suo campo, Leonardo [Germinario, ndr], che conosco da tanti anni, da quando lavoravamo insieme in EMI Music Publishing. L’anno scorso Leonardo è stato nominato VP non solo delle sync, ma anche delle relazioni coi media e del catalogo. E l’arrivo di Rossella serve a rafforzare il legame da A&amp;R e sync. Nel team c’è poi Federica Carlino, che viene da Roma e che ha ottimi contatti con il mondo del cinema. In generale, il mercato dell’advertising è in calo in tutto il mondo, perché la pubblicità televisiva sta calando a livello globale: d’altro canto, gaming e produzione cinematografica stanno crescendo praticamente ovunque, ed è su questo che ci stiamo concentrando. Negli ultimi anni abbiamo fatto un grande sforzo cercando di essere il più “amichevoli” possibili, e di adattarci a qualsiasi tipo di budget, compresi quelli piuttosto limitati. In ultima analisi, nelle sync come nell’A&amp;R l’importante è stabilire contatti e creare connessioni, e in questo siamo piuttosto bravi. In Italia produzioni televisive e cinematografiche ci stanno dando ottimi risultati, che stanno colando tutte le carenze lasciate sul terreno dalla contrazione dell’advertising TV. Abbiamo finalizzato alcune mosse strategiche, collaborando con case di produzione come Groenlandia e Lotus, per le quali non siamo solo fornitori, ma gestiamo anche i loro interessi editoriali e, in alcuni casi, co-finanziamo alcune produzioni. Per noi è un segmento in forte crescita.

Gli ultimi dati IFPI e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756760/chartmetric-report-2025-dati-numeri-cosa-dice-analisi">Chartmetric</a> hanno confermato l’enorme rilevanza - a livello globale - dei repertori non anglofoni. Quali sono le opportunità che una realtà come WCM, forte di un network globale consolidato, può offrire agli autori local? In questo senso, credete che l’esportabilità degli autori italiani sia attualmente sottostimata? Su questo fronte, pensate che esistano margini di crescita ancora da esplorare?

[Santiago Menéndez-Pidal] L’Italia è interessata dallo stesso processo che ha coinvolto - dalla pandemia in poi - gli altri mercati principali dell’area geografica europea, come quelli Francia, Germania e Regno Unito: il Covid ha spinto molto il consumo di repertori in lingua locale. La grande sfida, per quel che ci riguarda, è riuscire ad abbracciare questa tendenza, perché il mercato sta crescendo - e questa è un’ottima notizia, per tutti noi. L’Italia ha molte opportunità di esportare, ma non solo le produzioni musicali in senso stretto: credo abbiate l’opportunità di esportare come funziona l’industria musicale nel vostro Paese. Per esempio, quando parlo con i colleghi spagnoli e francesi del Festival di Sanremo, mi rendo conto che nessuno ha qualcosa del genere. E’ un modo, il Festival, col quale si aiuta l’industria, coi fatti. Quindi sono senza dubbio un sostenitore del modello italiano. Poi, parlando solo di musica, beh, avete sempre avuto melodie fantastiche, ma adesso avete anche produzioni di ottimo livello, che aiutano a esportare la vostra musica. E, dal punto di vista internazionale, funziona anche all’inverso. Per esempio, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756672/un-accordo-di-collaborazione-tra-geolier-e-warner-chappell-publishing">abbiamo aiutato molto Geolier</a> per la realizzazione del suo ultimo album: era interessato a fare dei writing camp a Los Angeles con artisti locali, noi gli abbiamo dato ottimi contatti per le session di lavorazioni e lui e il suo produttore sono stati molto tempo lì. Sono stati contentissimi incontrare artisti e producer americani.

Musicalmente parlando, l’Italia - da quando è esploso il Festival di Sanremo, con Domenico Modugno - è sempre stata una fantastica fonte di repertorio. L’ultima grande ondata di artisti italiani - Eros Ramazzotti, Laura Pausini, e in anni più recenti i Maneskin - ha saputo conquistare una grandissima reputazione a livello internazionale, ma non in italiano. Quindi la vera domanda è: può la lingua italiana tornare a essere importante, sul panorama musicale mondiale? Io credo di sì. Rosalia, che usa lo spagnolo, sta andando bene ovunque. Bad Bunny, che usa lo spagnolo anche lui, è in testa alle classifiche in Polonia. Quindi c’è possibilità anche per l’italiano. La chiave è avere qualcosa di speciale, essere molto autentici, e presentare un sound che non esista da nessun’altra parte, e che non sia un copia incolla di quello anglo-americano. In questo senso, quindi, il mio consiglio è di cercare di esportare all’estero qualcosa che esista solo in Italia.&nbsp;

[Lodovico Pagani] Con artisti come Geolier questo accadrà, perché ormai il nostro livello di professionalità è davvero molto alto. E crediamo molto anche in Annalisa, che ha le carte in regola per diventare una star europea: siamo davvero soddisfatti dei nostri standard. Ogni volta che mandiamo uno dei nostri artisti all’estero, da Andy6PM a Joan Thiele, vediamo che tutti si innamorano all’istante del tipo di unicità e di talento che sappiamo esprimere. Siamo davvero molto competitivi, e la lingua italiana ormai è pronta a proporre, su scala mondiale, nuove visioni artistiche.

Autentico veterano dell’industria musicale europea e internazionale, Santiago Menéndez-Pidal ha debuttato professionalmente nel 1992 come International Marketing Manager di BMG: nel 1996 è entrato per la prima volta nell’organico di Warner Chappell Music Spagna come Creative Manager, supervisionando il dipartimento creativo dell’azienda e operando anche come Sync Manager. Nominato nel 2005 Managing Director di EMI Music Publishing per Spagna e Portogallo, nel 2010 è passato al ruolo di Managing Director - sempre per EMI Music Publishing - per le filiali di Australia e Nuova Zelanda. Dopo una parentesi - tra il 2012 e il 2017 - a Sony Music Spagna come A&amp;R Director, nove anni fa Menéndez-Pidal è tornato nell’organico di Warner Chappell Music, prima come Managing Director delle filiali spagnola e portoghese poi (a partire dal 2021) come President Southern Europe. Dal 2005 siede nel Board di SGAE, la principale collecting spagnola.

Warner Chappell Music Italiana, cambiamenti in organico

Il nuovo assetto della filiale italiana dell’azienda spiegato da Santiago Menéndez-Pidal

Una premessa doverosa: la recente <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756996/claw-fm-la-radio-online-con-musica-creata-da-agenti-ai">notizia del lancio di Claw.fm</a>&nbsp;(e, notizia nella notizia, quella dell'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757089/il-fondatore-di-openclaw-ingaggiato-da-open-ai">ingaggio di&nbsp;</a><a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757089/il-fondatore-di-openclaw-ingaggiato-da-open-ai">Peter Steinberger, fondatore&nbsp;di OpenClaw, progetto che ha sviluppato la stessa Claw.fm, da parte di OpenAI</a>)&nbsp;potrebbe, tra pochi mesi, essere derubricata a una parte del gigantesco rumore di fondo che caratterizza l’incrocio tra Gen AI e musica. Gli annunci di iniziative e innovazioni sul tema, infatti, si succedono e abbondano, e la maggior parte dei tentativi finisce per non passare l’esame. Quella statistica punitiva tipica del mondo delle startup, qui, è perfino molto peggiore.

Ma l’ipotesi alla base di Claw.fm è suggestiva, o inquietante se si vuole. Va indagata, anche se non del tutto compresa, perché nel suo modello sono gli agenti AI a essere i soggetti remunerati per la musica, e non gli artisti. L’intera questione dei diritti musicali tradizionali è – al momento - esterna al perimetro del sistema. Che sia solo rinviata o data per risolta a monte, poco conta.&nbsp;

Retro-ingegnerizzare il ragionamento e il meccanismo permette di osservare cosa accadrebbe se questo modello, oltre che funzionare tecnicamente (perché funziona), si applicasse davvero.

Che cos’è un agente AI e cos’è l’agentic AI

Un agente AI è un sistema di intelligenza artificiale progettato non solo per rispondere a una richiesta, ma per agire. A differenza dei modelli AI tradizionali — che producono un output su input umano — un agente è in grado di eseguire una sequenza di azioni in autonomia: prendere decisioni, utilizzare strumenti esterni, interagire con altri sistemi e operare nel tempo senza un intervento costante da parte di una persona.

Un agente AI può essere configurato per svolgere un ruolo specifico: ad esempio cercare informazioni, pubblicare contenuti, gestire un account, generare musica o compiere operazioni economiche. Tuttavia non si trascuri che, anche se viene spesso descritto come “autonomo”, un agente lavora sempre per conto di qualcuno: uno sviluppatore, un’azienda o un operatore umano che ne definisce obiettivi, limiti e strumenti.

Con agentic AI&nbsp;si indica proprio questo approccio: un’evoluzione dell’intelligenza artificiale in cui i modelli non sono più solo strumenti passivi, ma componenti attivi di sistemi che pianificano, agiscono e si coordinano. L’agentic AI combina modelli linguistici, software di orchestrazione, accesso a servizi esterni (API, piattaforme, pagamenti) e una certa capacità di adattamento.

Oggi ancora in una fase sperimentale e disomogenea, l’agentic AI dà già prova di operare in modo continuativo e di potere generare valore economico. Mancano però standard condivisi su responsabilità, sicurezza, governance&nbsp;e integrazione con i sistemi legali esistenti. Per questo motivo, oggi gli agenti AI trovano applicazione soprattutto in contesti di test, prototipazione o mercati emergenti, più che in filiere industriali pienamente regolamentate – che, invece, reagiscono comprensibilmente con diffidenza. Nell’industria musicale l’autonomia operativa degli agenti entra in tensione con requisiti di responsabilità, attribuzione dei diritti e controllo.

Un’economia agent-centric: la musica come materia prima

Quando l’agente ne diventa il nodo economico centrale, la filiera implicita cambia radicalmente. Non si parte più da autore, editore, label e collecting, ma da un flusso molto più corto che, in estrema sintesi, è più o meno questo: musica → agente → piattaforma → ascoltatore → ricavi. L’agente non è autore né titolare di diritti, ma diventa l’unico soggetto visibile che carica contenuti, li fa circolare e riceve flussi economici. La titolarità viene sostituita dall’operatività: conta chi agisce nel sistema, non chi detiene formalmente i diritti.

In questo contesto, il termine “royalty” perde il suo significato tradizionale. Non indica più la remunerazione di un diritto, ma una ripartizione di ricavi interna alla piattaforma, più simile a un revenue sharing&nbsp;o a un sistema di incentivi. Evitando le fasi di clearing&nbsp;e collecting&nbsp;e perdendo di significato la territorialità, si introduce un’ambiguità strutturale che resta latente finché il sistema rimane piccolo o sperimentale. Ma poi?

In un’economia agent-centric, la musica tende a diventare&nbsp;materia prima fungibile. Non è più un’opera singola da tutelare, ma un input per generare engagement, continuità di ascolto, segnali algoritmici. Il valore non è nell’identità artistica, ma nella capacità di produrre output costante e performante all’interno di un flusso funzionante 24/7. Questo approccio è coerente con quello di radio generative, playlist infinite e modelli in cui la scarsità non esiste più.

Le rivendicazioni

Quando un modello del genere dimostra di funzionare, le rivendicazioni non sorgono all’inizio, ma si manifestano a valle. Quali?

Le prime istanze riguarderebbero i titolari di diritti umani, nel momento in cui output monetizzati da agenti iniziassero a somigliare troppo a stili, repertori o opere riconoscibili. Anche quando la musica è dichiarata “AI-generated”, il confine tra ispirazione, derivazione e violazione resta contestabile, soprattutto se esiste un flusso economico stabile.

Un secondo fronte investirebbe gli sviluppatori o operatori degli agenti. Poiché l’agente non è un soggetto giuridico, chi lo controlla tenderà a rivendicare il diritto economico sui ricavi. Qui si apre una tensione nuova: chi possiede il wallet, chi risponde legalmente? La piattaforma, l’operatore o nessuno dei due in modo chiaro.

Esiste infine un rischio meno evidente ma reale: quello reputazionale verso gli ascoltatori. Un sistema che monetizza musica senza chiarire chi ne sia responsabile o titolare può funzionare tecnicamente, ma può incontrare resistenze culturali se la mancanza di trasparenza diventa evidente. Ma questo è un problema della startup, non della label, del publisher, dell’autore o dell’artista.&nbsp;

Zone d’ombra, rischi e opportunità&nbsp;

Il punto più critico di un modello agent-centric è la responsabilità. Chi risponde se un agente produce contenuti che violano copyright, imitano uno stile riconoscibile o generano output problematici? Le risposte possibili — lo sviluppatore, l’utente, l’agente stesso — sono tutte deboli dal punto di vista giuridico. Questo rende il modello incompatibile, allo stato attuale, con un’adozione industriale su larga scala.

A questo si aggiungono problemi di tracciabilità e reporting. In un ecosistema di agenti che usano modelli diversi, input diversi e producono output continui, diventa estremamente difficile applicare i meccanismi di rendicontazione standard dell’industria musicale.&nbsp;

La territorialità dei diritti, infine, entra in collisione frontale con sistemi che sono globali per definizione, dove produzione e distribuzione non hanno confini geografici.

Nonostante queste criticità, modelli come Claw·fm non sono irrilevanti. Al contrario, funzionano come laboratori estremi. Mostrano cosa accade quando si rimuove completamente il diritto dal modello e si osserva solo la relazione tra produzione, distribuzione e domanda. In questo senso, testano un’idea radicale: esiste valore musicale senza identità artistica riconoscibile?

Inoltre, esistono ambiti — quelli che definiamo alternativamente come background music, ambient, generative radio&nbsp;o functional listening&nbsp;— in cui il valore dell’opera singola è basso e la continuità è tutto, o quasi. Considerare la musica come tappezzeria è roba brutta, ma questo non è un problema introdotto e causato dalla AI: le pre-esiste. E si deve ammettere che qui un mercato “post-copyright”, o almeno a bassa intensità di diritti, potrebbe teoricamente tentare di trovare applicazioni concrete.

Infine, l’effetto più indiretto e al contempo più impattante: questi modelli creano precedenti negoziali. Anche se non scalano, dimostrano che un’alternativa esiste, e ciò influenza il contesto in cui le grandi piattaforme negoziano con l’industria tradizionale.

Il punto di arrivo, oggi, appare chiaro e distante insieme. Un’economia musicale agent-centric può funzionare come esperimento, ma per diventare uno standard industriale richiederebbe una ridefinizione profonda di responsabilità, diritti e governance. L’industria musicale vive di attribuzione, il diritto di responsabilità, i contratti di confini chiari. Questo modello, che per ora li sospende anziché risolverli, non va osservato con attenzione perché rappresenta un futuro a portata di mano e/o desiderabile, ma perché mostra un mondo parallelo possibile, in cui la musica è trattata come flusso e gli agenti come centri di profitto.&nbsp;

La musica nell’era degli agenti AI: uno scenario possibile

Nell’impostazione di Claw.fm, gli 'agenti' sono gli artisti

Universal Music Group (UMG) ha annunciato una partnership globale con EVEN, piattaforma dedicata ai superfans, con l'obiettivo di rafforzare le vendite direct-to-consumer&nbsp;per gli artisti del gruppo a livello mondiale. EVEN offre agli artisti strumenti per coinvolgere direttamente la propria fanbase attraverso esperienze esclusive e merchandising dedicato, integrando le attività online e social degli artisti per creare opportunità di acquisto e interazione senza soluzione di continuità.

Questa collaborazione mira a sfruttare le competenze tecnologiche di EVEN per potenziare le strategie D2C di UMG, in un contesto in cui il rapporto diretto con il pubblico e la diversificazione dei ricavi diventano sempre più centrali. Il lancio della partnership prevede l'adozione della piattaforma da parte di alcuni dei principali artisti UMG, con l'obiettivo di offrire ai fan esperienze di acquisto innovative e rafforzare la fidelizzazione.

"I superfan sono il fondamento di una carriera artistica sostenibile. EVEN esiste per supportare artisti ed etichette in ogni fase, fornendo loro l'infrastruttura necessaria per gestire al meglio il rapporto con i fan", ha affermato Mag Rodriguez, fondatore e CEO di EVEN:&nbsp;"Questa collaborazione riflette ciò in cui abbiamo sempre creduto: che il coinvolgimento diretto con i fan sia ormai un elemento essenziale dell'ecosistema musicale, affiancandosi allo streaming".

"Mentre continuiamo a sviluppare solide e diversificate capacità per i superfan, EVEN offre una soluzione unificata e scalabile per artisti ed etichette discografiche, consentendo loro di creare momenti creativi e commercialmente significativi durante le campagne di lancio", ha aggiunto&nbsp;Jonathan Dworkin, Executive Vice President, Digital Business Development &amp; Strategy di UMG:&nbsp;"La piattaforma promuove comunità di fan sicure, coinvolte e fedeli, integrandosi perfettamente nel più ampio ecosistema social e di intrattenimento".

universal-music-partnership-even-d2c-superfan-artisti

Per potenziare il D2C e rafforzare le vendite

Superfans: Universal Music, un accordo con EVEN

Taylor Swift si è confermata l'artista discografica più ascoltata al mondo nel 2025 secondo IFPI - International Federation of the Phonographic Industry, raggiungendo questo traguardo per la sesta volta, un record assoluto nel settore. Il risultato riflette il predominio costante dell'artista su tutte le piattaforme e formati, grazie a una base di fan globale, pubblicazioni di successo e tour internazionali. Il rapporto annuale dell'entità di rappresentanza dell'industria disccografica mondiale, che considera vendite fisiche e&nbsp;digitali e gli ascolti in&nbsp;streaming, sottolinea come la capacità di Swift di guidare queste classifiche rappresenti un punto di riferimento per l'industria musicale globale. Questo primato evidenzia l'impatto di Swift sui modelli di consumo musicale e suggerisce che la capacità di adattarsi ai cambiamenti del mercato resta centrale per il successo a lungo termine degli artisti.

Ecco, di seguito, l'elenco dei venti artisti più ascoltati al mondo nel 2025 secondo IFPI:

<ol>
	<li>Taylor Swift (prima nel 2024)</li>
	<li>Stray Kids (quinti nel 2024)</li>
	<li>Drake (secondo nel 2024)</li>
	<li>The Weeknd (settimo nel 2024)</li>
	<li>Bad Bunny (ventesimo nel 2024)</li>
	<li>Kendrick Lamar (nono nel 2024)</li>
	<li>Morgan Wallen (tredicesimo nel 2024)</li>
	<li>Sabrina Carpenter (decima nel 2024)</li>
	<li>Billie Eilish (quarta nel 2024)</li>
	<li>Lady Gaga (nuova entrata, dopo l'ultima apparizione in Top 20 nel&nbsp;2020)</li>
	<li>Ariana Grande (undicesima nel 2024)</li>
	<li>Tyler, The Creator (nuovo ingresso)</li>
	<li>Mrs. Green Apple (nuovo ingresso)</li>
	<li>Seventeen (terzi nel 2024)</li>
	<li>Eminem (ottavo nel 2024)</li>
	<li>Linkin Park (diciannovesimo nel 2024)</li>
	<li>Zach Bryan (sesto nel 2024)</li>
	<li>Ed Sheeran (nuova entrata, dopo l'ultima&nbsp;apparizione in Top 20 nel 2023)</li>
	<li>SZA (nuova entrata, dopo l'ultima&nbsp;apparizione in Top 20 nel 2023)</li>
	<li>Justin Bieber (nuova entrata, dopo l'ultima&nbsp;apparizione in Top 20 nel 2021)</li>
</ol>

Taylor Swift

taylor-swift-record-vendite-ifpi-2025-sesto-primato-globale

La cantante raggiunge per la sesta volta il vertice delle classifiche mondiali

2025, per IFPI Taylor Swift è (ancora) l'artista più ascoltata

Ha avviato le proprie attività Altrove Publishing, la nuova realtà editoriale e produttiva voluta da Altrove, progetto fondato e guidato da Luca Zoccheddu, gia fondatore - nel 2003 - di Zahr Records: la società debutterà sul mercato con due uscite, “Nudi nel Now”, il nuovo disco solista di Giovanni Succi atteso per la prossima primavera e anticipato dal singolo (previsto per il prossimo 20 marzo) “Gran Bel Graal”, e “Lùmia”, il disco d’esordio del duo composto da Emanuele Contis e Ilaria Porceddu.

Il ritorno alla produzione arriva dopo l’esperienza del catalogo Zahr dei primi anni Duemila, e si inserisce in un percorso che negli ultimi mesi ha visto Altrove impegnata anche nell’ideazione di format e rassegne - tra questi, il progetto Germi’n’Jazz realizzato per Germi, il club milanese guidato da Manuel Agnelli, con la direzione artistica di Paolo Fresu.

Altrove Publishing “si propone così come una piattaforma indipendente che affianca gli artisti lungo tutte le fasi del lavoro, dalla definizione del progetto alla sua diffusione, con un approccio che privilegia la relazione e la solidità delle scelte”. “Più che un’etichetta in senso tradizionale - spiega Altrove - un centro di produzione in cui le opere vengono seguite nel dettaglio e gli artisti trovano uno spazio di crescita coerente con la propria identità”.

Nasce Altrove Publishing

La nuova piattaforma editoriale e produttiva fondata da Luca Zoccheddu

Believe ha annunciato “con grande soddisfazione” il rinnovo dell’accordo con Ultimo e con tutto il suo team per la distribuzione digitale della sua musica e delle sue creazioni.

“Quello tra l’artista multiplatino e Believe è un viaggio in comune non banale, in quanto inizia fin dagli esordi assoluti del cantautore romano per poi strutturarsi e rafforzarsi ulteriormente con la nascita di Ultimo Records nel 2020”, ha spiegato in una nota la filiale italiana dell’azienda francese, guidata nel nostro Paese da Sara Pedroni: “Un percorso che non solo ha portato soddisfazioni eccezionali a livello di riscontri numerici (ad oggi 85 Dischi di Platino e 18 Dischi d’Oro), ma che soprattutto è da sempre improntato su una reciproca fiducia e su una profonda condivisione di quanto sia importante il valore dell’indipendenza artistica e creativa”.

“Approccio che evidentemente può fare la differenza”, prosegue Believe: “Lo dimostrano i fatti, i traguardi raggiunti finora e anche quelli in arrivo, come l’eccezionale evento live ‘Ultimo 2026 – La favola per sempre’, previsto il prossimo 4 luglio a Roma, a Tor Vergata, in grado di mandare sold out in sole 3 ore tutti i 250.000 biglietti messi in vendita. Un’ennesima conferma dell’incredibile rapporto di Ultimo coi suoi fan e del suo essere una figura veramente unica e speciale nel panorama della musica italiana. Believe è felice di essere al suo fianco con convinzione ed entusiasmo sin dagli inizi, così come lo sarà negli anni a venire”.