SoundCloud è da sempre la piattaforma di riferimento per chi segue le scene alternative, vuole scoprire nuovi trend o vuole farsi scoprire dagli addetti ai lavori. E infatti, non a caso, il Music Intelligence Report vuole essere "uno strumento di approfondimento per chi cerca, attraverso i dati, di capire la direzione in cui si sta muovendo la musica", spiega il DSP. E quindi, in che direzione si muove?

In base alle analisi, decisamente non verso il pop: a fare furore nel 2026 dovrebbero essere il reggaeton messicano (una versione più hardcore di quello portoricano) e una sorta di ibrido ancora senza nome tra indie rock e rap. In grande spolvero anche la musica elettronica: 1 traccia su 3 tra quelle caricate su SoundCloud appartiene a questa macro-categoria (nel 2025 era 1 su 4), con un ritorno della dubstep, del UK garage e della techno minimal. Ottimo exploit anche per il rap underground inglese, che ha totalizzato un notevolissimo +300% negli ultimi 12 mesi.

Per quanto riguarda gli utenti, si conferma la grande fidelizzazione della piattaforma: i tempi di ascolto degli utenti di SoundCloud sono quasi doppi rispetto a quelli degli ascoltatori sugli altri DSP.&nbsp;&nbsp;

SoundCloud

i numeri dell'industria

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

SoundCloud pubblica il suo Music Intelligence Report

Industria

La piattaforma indica come stanno cambiando le abitudini di ascolto e quelle di upload degli utenti

Quasi mai, nella storia recente dell’industria della musica registrata, il numero uno di una multinazionale era stato così franco non solo nei confronti degli addetti ai lavori, ma anche del pubblico di semplici appassionati. Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757418/wmg-la-traduzione-della-lettera-di-robert-kyncl-agli-azionisti">messaggio diffuso ieri da Robert Kyncl</a> riguardo le strategie che Warner Music Group adotterà per rafforzare la propria posizione sul mercato trascende la mera comunicazione programmatica tra amministratore delegato e&nbsp;azionisti, ma contiene una visione di futuro dell’intero comparto che ha - come prerogativa essenziale - una marcata discontinuità con la linea sposata dal settore dalla pandemia a oggi. In particolare, ci sono sei passaggi&nbsp;chiave che meritano attenzione, per essere in grado di decifrare quanto sostenuto da Kyncl davanti agli stakeholder dell’azienda che guida e alla comunità musicale globale. Eccoli: 
&nbsp;

<blockquote>
Le label, oggi, non dipendono più in modo così marcato dal successo delle nuove uscite.
</blockquote>

La fusione tra frontline e catalogo è servita. La prima produce nuove hit che durano mediamente poco in vetta alla classifica ma restano strumento di marketing cruciale, il secondo - oltre che una macchina da stream - è a sua volta una fucina di novità per nuove generazioni di fan che lo scoprono più all’insegna della serendipity e della sincronizzazione che di una vera strategia. 
&nbsp;

<blockquote>
C’è ancora spazio nel portafoglio dei consumatori per la musica.
</blockquote>

Prima dello streaming la platea significativa per l’industria musicale era quella dei veri appassionati, autentici finanziatori del mercato; gli ascoltatori casuali erano una frangia sì significativa e utile per attivare conversione su un livello di coinvolgimento superiore, ma che partiva da una massa critica infinitamente inferiore. Lo streaming ha mutato tutto ciò: la media di spesa è modesta perché si ricava da un denominatore gigantesco, e una seppur minima quota di conversione tra iscritti a una piattaforma a fan autentici significa crescita potente. 
&nbsp;

<blockquote>
Stiamo adottando un sistema basato sull’attribuzione che porterà valore agli artisti e ai cataloghi più iconici.
</blockquote>

Il cenno alla perdita di significato della quota di mercato come asse della ripartizione dei ricavi dello streaming è paradigmatico e importante: mai, prima, la logica dell’artist-first era stata scorporata dal pro-rata. 
&nbsp;

<blockquote>
Una parte significativa delle nostre edizioni viene concessa in licenza ai DSP tramite società di collecting locali, il che significa licenze non di libero mercato, commissioni trattenute dalle collecting e meno denaro per i nostri autori. E’ un panorama arcaico.
</blockquote>

E’ la parte più dirompente dell’intervento di Kyncl, che va oltre la provocazione: “pensionare” le collecting ipotizzando forme di licensing di massa alternative significherebbe rivoluzionare l’intero ecosistema editoriale globale, con implicazioni gigantesche non solo per gli utilizzatori, ma anche per i publisher esterni al circuito major non dotati di una robusta struttura internazionale. Una specie di cataclisma, sia a livello strutturale che per le implicazioni etiche a esso connesse. 
&nbsp;

<blockquote>
Le esperienze di ascolto passive di oggi sono radicate in un sistema basato sulle quote di mercato. In un mondo più interattivo e partecipativo, stiamo adottando un sistema basato sull’attribuzione che porterà valore agli artisti e ai cataloghi più iconici (...) abilitando strumenti creativi che permettono ai fan di interagire con gli artisti in modi nuovi e divertenti.
</blockquote>

Non poteva mancare un passaggio destinato rassicurare chi considera Kyncl il più spregiudicato tra i CEO delle big three in tema di intelligenza artificiale: nella visione del numero uno di WMG, i modelli generativi sono una sorta di passatempo divertente, non fucine di AI slop pronte a intasare i cataloghi dei DSP. E’ uno scenario plausibile, al quale - tuttavia - per risultare davvero rassicurante manca un dettaglio, giudicato da molti oggi più fondamentale che mai: il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756807/umg-vs-suno-la-battaglia-filosofica-sull-ai">walled garden</a>. 
&nbsp;

<blockquote>
Nel corso della mia carriera ho sempre lavorato per aziende viste con scetticismo dagli esperti più rispettati dell’industria.
</blockquote>

Giusto per essere chiari: Kyncl non è espressione dell’industria musicale. Dopo una gavetta in HBO, è stato l’uomo che ha traghettato Netflix nell’epoca digitale. Ha lavorato a YouTube nella prima metà degli anni Dieci, poco prima dell’arrivo di Lyor Cohen, quando ancora la piattaforma di Google non sentiva il bisogno di costruire ponti con etichette ed editori. E’ un disruptor, per il quale portare a casa la pelle non è un’opzione: o si chiude bottega, o si fanno le cose (molto) in grande. Senza guardare in faccia a nessuno…

<h3>Concludendo…</h3>

Kyncl ha dieci anni meno di Lucian Grainge, e otto meno di Rob Stringer. Non è un angry young man, ma - rispetto ai pari grado delle aziende sue dirette competitor, prodotti fatti e finiti dell’establishment musicale così come lo conosciamo - ha un approccio completamente diverso, figlio della sua formazione digitale. Guida la major che, al momento, detiene la fetta più piccola di market share. Ha una visione lucida - o spietata, a seconda dei punti di vista, non “sporcata” da sentimentalismi o particolari inclinazioni etiche. In un periodo nel quale le major quotate stanno registrando, sui mercati finanziari, performance non particolarmente brillanti, e le previsioni sui mercati avanzati - Stati Uniti su tutti - parlano di tassi di crescita da misurare in decimali,&nbsp;Kyncl ha preso il toro per le corna scoprendo le carte non solo agli occhi dei propri azionisti, ma anche a quelli dei principali competitor. Quella lanciata il 3 marzo dagli uffici al 1633 di Broadway, New York, è una sfida che non riguarda solo Warner Music e le altre due major, ma anche tutto l’ecosistema musicale globale. Una sfida dagli esiti incerti, con tante implicazioni e ancora più incognite. Guidata dalla visione di un manager che, la prima volta che è entrato nell'organico di in una casa discografica, ci è entrato da CEO di una major.

Discografia, quale futuro? Robert Kyncl, fuga in avanti

Il CEO di Warner Music ha lanciato diversi massi nello stagno. Ecco quali…

Create Music Group ha completato un nuovo round di finanziamento da&nbsp;450 milioni di dollari, che ha portato la valutazione della società a&nbsp;2,2 miliardi di dollari. Il nuovo capitale, secondo quanto riportato, servirà ad accelerare la crescita e ad ampliare l’offerta di servizi: l’azienda opera nell’amministrazione di diritti musicali e publishing, e propone anche distribuzione, gestione dei diritti, raccolta delle royalty e marketing digitale.

Fondata nel 2015 da Jonathan Strauss e Michael Gordon, Create Music Group si è posizionata come player tecnologico, facendo leva su piattaforme e analisi dei dati per ottimizzare i flussi di ricavi e i pagamenti di royalty ai clienti. Con l’iniezione di capitale, il gruppo prevede di espandere le proprie piattaforme, migliorare i servizi e potenzialmente entrare in nuovi mercati; la società continua inoltre ad attirare clienti di primo piano e, secondo quanto dichiarato nell’articolo, la sua piattaforma processa miliardi di stream e visualizzazioni ogni mese. Il round e la valutazione mettono in evidenza l’interesse degli investitori per i modelli data-driven nel segmento della gestione dei diritti nell’era dello streaming.

create-music-group-round-450-milioni-valutazione-22-miliardi

Valutazione a 2,2 miliardi e nuovi capitali per espandere piattaforme e servizi sui diritti

Create Music Group, un nuovo finanziamento da $450 milioni

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757314/primary-wave-offerta-acquisizione-kobalt-amra">Come noto</a>, Primary Wave è in trattative avanzate per una possibile acquisizione di Kobalt Music Group: secondo informazioni recenti, infatti, la società guidata da Larry Mestel sarebbe l’unico potenziale compratore rimasto in trattativa per definire un prezzo con l’azionista di maggioranza di Kobalt, la società di private equity Francisco Partners (FP).&nbsp;

Se l’operazione andasse a buon fine, ne nascerebbe una potenza musicale indipendente con oltre 7 miliardi di dollari di asset consolidati.

In particolare, Primary Wave è valutata intorno ai 6 miliardi di dollari. Il suo portafoglio include partecipazioni nei cataloghi di James Brown, Notorious B.I.G., Olivia Newton-John, Prince, Whitney Houston, Luther Vandross, Burt Bacharach, Bob Marley, Britney Spears, Boyz II Men, Jackson Browne, Stevie Nicks, John Mellencamp, The Cars, Alice Cooper.

Kobalt, il più grande editore musicale indipendente al mondo, dal canto suo amministra oltre 1 milione di brani attraverso 10 uffici globali e rappresenta autori come Paul McCartney, Foo Fighters, Roddy Ricch, Max Martin, Karol G, Andrew Watt, The Lumineers, Phoebe Bridgers

La combinazione tra le due realtà porterebbe alla nascita di un gruppo indipendente da oltre 7 miliardi di dollari di asset.

FP aveva acquisito una quota di maggioranza del 90% di Kobalt solo nel settembre 2022, in un’operazione che valutava la società circa 750 milioni di dollari: una exit&nbsp;in questa fase sarebbe relativamente anticipata rispetto al tipico orizzonte temporale del private equity, che prevede generalmente la detenzione di un asset per 5–7 anni prima di vendere. Ma gli incentivi a procedere ci sono, se è vero che Primary Wave potrebbe valutare Kobalt oltre 1,5 miliardi di dollari, raddoppiandone la valutazione in meno di quattro anni anche grazie all’inclusione nel perimetro di Tactical Value, veicolo di acquisizione di diritti lanciato da Kobalt nel 2023 in partnership con Morgan Stanley: ha in pancia oltre 700 milioni di dollari da investire in diritti musicali.

A sua volta Primary Wave dispone di risorse finanziarie significative proprio perché rafforzate nel 2022 da una partnership da 2 miliardi di dollari con Brookfield Asset Management: di qui, la possibile disponibilità a pagare un premio per concludere l’acquisizione.

Goldman Sachs, che aveva assistito Kobalt nell’operazione con Francisco Partners nel 2022, starebbe ora fornendo consulenza anche nella possibile transazione con Primary Wave.

<h3 style="text-align: left;">Struttura azionaria e precedenti operazioni</h3>

Oltre a Francisco Partners che detiene attualmente il 90% di Kobalt, tra gli altri azionisti figurano il fondatore Willard Ahdritz, Dundee Partners e Matt Pincus, che nel 2017 aveva venduto SONGS Music Publishing a Kobalt. I diritti SONGS erano poi confluiti nel Fondo II di Kobalt Capital, venduto a Chord Music Partners per 1,1 miliardi di dollari nel 2021.

Nel 2021 Sony Music aveva acquisito AWAL e Kobalt Neighbouring Rights per 430 milioni di dollari, portando il valore complessivo di uscita del gruppo Kobalt a circa 1,2 miliardi di dollari.

Prima dell’acquisizione da parte di Francisco Partners, Kobalt aveva ceduto porzioni rilevanti del proprio catalogo, tra cui un portafoglio da 322,9 milioni di dollari venduto a Hipgnosis Songs Fund nel 2020. Sotto la nuova proprietà, Kobalt ha ripreso ad acquisire diritti attraverso la joint venture con Morgan Stanley, focalizzandosi principalmente su cataloghi editoriali e su alcuni diritti master.

<h3 style="text-align: left;">Il razionale strategico per Primary Wave</h3>

Un’acquisizione di Kobalt colmerebbe una lacuna storica nel modello di Primary Wave: l’assenza di una propria infrastruttura di amministrazione editoriale.

Finora Primary Wave ha fatto affidamento su amministratori terzi per la raccolta delle royalty e, in alcuni casi, ha assegnato asset a Universal Music Publishing Group quando i precedenti contratti di amministrazione sono scaduti e gli autori hanno acconsentito.

Acquisendo Kobalt, Primary Wave otterrebbe:

<ul>
	<li>una piattaforma globale di amministrazione editoriale;</li>
	<li>AMRA, l’organizzazione digitale di raccolta royalty che incassa direttamente dalle piattaforme di streaming, evitando il passaggio attraverso società di collecting locali e sub-editori;</li>
	<li>KOSIGN, servizio di amministrazione editoriale per artisti e songwriter indipendenti, in un segmento in forte crescita dove competono anche Songtrust e Word Collections.</li>
</ul>

Il modello AMRA, basato sulla raccolta diretta dalle piattaforme digitali, potrebbe migliorare significativamente i margini del catalogo Primary Wave.

Inoltre, l’operazione darebbe esposizione agli asset acquisiti da Kobalt dal 2022 in poi attraverso la joint venture con Morgan Stanley, rafforzando ulteriormente la massa critica del nuovo gruppo.

<h3 style="text-align: left;">I numeri di Kobalt</h3>

L’aggregazione dei numeri pubblicati da media americani e britannici nei giorni scorsi e riferiti all’esercizio chiuso il 30 giugno 2024 scatta questa fotografia di Kobalt:

<ul>
	<li>Ricavi: 794,4 milioni di dollari (contro 522 milioni l’anno precedente)</li>
	<li>Profitto lordo: 141,5 milioni (contro 93,1 milioni)</li>
	<li>EBITDA: circa 100 milioni di dollari, rettificato a 75,3 milioni (contro 47,4 milioni)</li>
	<li>Risultato d’esecizio: perdita di 30,24 milioni di dollari, principalmente a causa del quasi raddoppio delle spese amministrative (119 milioni contro 64,4 milioni) e dell’aumento dei costi finanziari (48 milioni contro 27,2 milioni).&nbsp;</li>
</ul>

Mancano poche settimane alla scadenza per il deposito del bilancio relativo all’esercizio chiuso al 30 giugno 2025, da effettuare entro il 31 marzo 2026.

Primary Wave su Kobalt: numeri e logiche dell’operazione

Come potrebbe nascere un colosso indie da oltre 7 miliardi di dollari

Le principali organizzazioni sudcoreane di gestione dei diritti musicali (tra le quali quella - la&nbsp;KMCA - che rappresenta le principali realtà discografiche del Paese, ovvero&nbsp;HYBE, SM Entertainment , JYP Entertainment e YG Entertainment, oltre che le filiali locali di Sony Music, Warner Music e Universal Music)&nbsp;hanno annunciato la creazione di una coalizione per affrontare quella che definiscono una crescente “crisi” del copyright legata allo sviluppo dell’intelligenza artificiale. L’obiettivo è coordinare le iniziative per gestire l’impatto dell’AI sulla tutela delle opere, in un contesto in cui queste tecnologie stanno acquisendo la capacità di riprodurre, emulare e generare musica, alimentando timori su usi non autorizzati e su una possibile erosione delle protezioni esistenti.

L’alleanza punta a promuovere linee guida e cornici legali più chiare, oltre a sensibilizzare gli stakeholder — dai produttori agli artisti fino agli sviluppatori tecnologici — sull’uso responsabile dell’AI nella creazione e distribuzione musicale. In parallelo, la coalizione intende incidere sul dibattito di policy per sostenere una remunerazione equa dei titolari di diritti e preservare un ecosistema creativo sostenibile durante la transizione tecnologica.

L'alleanza ha riuniuto la Korea Music Copyright Association&nbsp;(KOMCA), la Korea Recording Industry Association&nbsp;(RIAK), la Korea Entertainment Producers Association&nbsp;(KEPA)&nbsp;, la Together Music Copyright Association,&nbsp;la Korea Music Performers Association (KOSCAP) e la&nbsp;Korea Music Content Association (KMCA).

corea-sud-alleanza-diritti-musicali-contro-ai

A Seul nasce una coalizione per difendere la creatività umana dagli abusi dei modelli generativi

La grande alleanza dei big del K-pop contro le violazioni AI

Reservoir Media ha confermato di aver ricevuto da Irenic Capital <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757426/irenic-opa-su-reservoir-media-le-dimensioni-del-possibile-deal">una proposta di acquisizione</a> “non sollecitata” e “non vincolante”. In una nota diffusa questa settimana, la società ha precisato che l’approccio è arrivato il 3 marzo 2026: Reservoir sta valutando l’offerta ma, al momento, non ha preso alcuna decisione. Nel comunicato non sono stati indicati dettagli finanziari e l’azienda ha promesso di aggiornare gli azionisti su eventuali sviluppi rilevanti, invitando al contempo alla cautela in attesa di ulteriori informazioni. La notizia si inserisce in un contesto di crescente attivismo degli investitori attorno alle società musicali e riguarda un operatore indipendente dei diritti che include editoria, master e asset collegati.

reservoir-offerta-takeover-irenic-capital

La proposta (non sollecitata e non vincolante) ricevuta il 3 marzo: nessun dettaglio economico.

Reservoir conferma un’offerta di takeover da Irenic Capital

Si è tenuto nella mattina di oggi, mercoledì 4 marzo, in quello che sarebbe stato l’ottantatreesimo compleanno dell’artista, “Buon compleanno Lucio”, evento organizzato da AssoConcerti e promosso dalla Presidenza della VII Commissione Cultura per celebrare l’artista l’artista bolognese scomparso nel 2012. All’incontro, ospitato dalla Sala della Regina della Camera dei deputati, hanno preso parte la Vicepresidente della Camera dei deputati On. Anna Ascani, il Presidente della VII Commissione Cultura On. Federico Mollicone, il Sottosegretario di Stato alla Cultura On. Gianmarco Mazzi e il Presidente di AGIS Dott. Francesco Giambrone.

Un ritratto del cantautore è stato affidato al suo storico manager, Bruno Sconocchia, presidente di AssoConcerti (nella foto), al quale si è unito il giornalista e critico Gino Castaldo, per un approfondimento riguardante la figura dell’artista.

L’On. Mollicone ha consegnato alla Fondazione Lucio Dalla la medaglia della Camera alla memoria dell’artista “per lo straordinario contributo come musicista totale che ha saputo scardinare ogni confine tra generi e linguaggi, per la sua libertà intellettuale che lo ha reso un interprete autentico dell’umanità e dell’Italia, e per la sua indiscussa grandezza artistica e musicale”.

“Ricordare una figura come Lucio Dalla, in giornate che nel tempo sono diventate veri e propri simboli, significa custodire un patrimonio che appartiene alla nostra cultura, alla nostra storia e alla canzone popolare contemporanea”, ha aggiunto Sconocchia: “Ho avuto il privilegio di accompagnarlo per 16 anni, condividendo con lui momenti creativi e professionali, e scoprendo, giorno dopo giorno,&nbsp; la sua straordinaria&nbsp; sensibilità. Le sue canzoni non sono solo vive ma restano necessarie: continuano a emozionare e dialogare con le nuove generazioni. Questa è la prova più evidente di quanto la musica sia un linguaggio essenziale di condivisione, memoria e identità collettiva”.

A suggellare l’omaggio a Dalla è stato lo show di Nicky Nicolai e Stefano Di Battista, che hanno eseguito dal vivo alcune tra le sue canzoni più popolari.

Lucio Dalla, a Roma l’omaggio con ‘Buon compleanno Lucio’

L’evento è stato organizzato a AssoConcerti e promosso dalla Presidenza della VII Comm. Cultura

Il produttore, arrangiatore e sound engineer Marco Barusso (nella foto) ha presentato BRX&nbsp;Provenance, un protocollo indipendente di&nbsp;trasparenza forense progettato per certificare&nbsp;la genesi e la catena di custodia delle opere d'ingegno. Lo standard - specificano le note di presentazione - “mutua i rigidi standard&nbsp;della Consulenza Tecnica in ambito giudiziario per applicarli alla produzione audio”, operando come “un vero e proprio&nbsp;‘notaio digitale’”.

BRX Provenance introduce una classificazione che analizza le fasi fondamentali della creazione audio: Composizione (analisi della struttura creativa originale), Esecuzione (verifica della performance fisica e organica) e Post-Produzione (monitoraggio dell'integrità del segnale nel mix e nel mastering). L'intervento, certificato dal cosiddetto codice BRX, viene quindi classificato su tre livelli di trasparenza: Origine Umana (H), Assistenza Algoritmica (A) o Generazione Sintetica (G).

“A inaugurare lo standard è il nuovo lavoro discografico degli Inner Vitriol, dal titolo ‘Semper Tacui’ (in uscita il 20 marzo 2026)”, spiegano i promotori di BRX: “Il disco è il primo prodotto al mondo ad essere lanciato sul mercato con un ‘Master Audit Pack’ integrato. Ciò significa che la certificazione ha tracciato l'intera catena di custodia dell'audio, segnando anche l'adozione ufficiale del servizio da parte dello studio di mastering 96kHz.it di Marco D'Agostino. Sottoposto all'esame del comitato, l'album ha ottenuto la massima classificazione [H-H-H] Platinum, che ne attesta l'origine 100% umana e organica in ogni fase di produzione, escludendo l'impiego di generazione vocale o strumentale sintetica”.

“Oggi il valore degli asset creativi rischia di crollare perché è diventato impossibile distinguerne l'origine”, ha dichiarato Barusso: “Noi non giudichiamo le scelte artistiche, forniamo uno strumento per verificarne la provenienza. Se un artista è orgoglioso del proprio lavoro umano, oggi ha l'infrastruttura per dimostrarlo. BRX Provenance restituisce al creatore la proprietà inattaccabile del proprio ingegno”.

AI, nasce Brx Provenance

Dal produttore Marco Barusso uno standard per certificare l’origine umana della musica

Il prossimo sabato, 7 marzo, Radio Subasio celebrerà i cinquant’anni di attività: l'emittente - oggi diretta da Beppe Cuva e dal 2017 parte del gruppo RadioMediaset festeggerà la ricorrenza con una programmazione speciale, che sabato, dalle 5.00 alle 24.00, coinvolgerà tutti gli speaker in organico (Alessandra Barzaghi, Davide Berton, Leonardo Fabrizi, Ignazio Failla, Gloria Gallo, Katia Giuliani, Gianluca Giurato, Jonathan Mensi, Stefano Pozzovivo, Francesca Quaglietti, Roberta Reversi, Manuel Saraca e Vera Torrisi). Sui social dell’emittente, inoltre, saranno trasmessi i videomessaggi di auguri di oltre cinquanta tra artisti e amici di Radio Subasio, tra i quali Achille Lauro, Alfa, Alessandra Amoroso, Amadeus, Annalisa, Arisa, Carlo Conti, Cristiano Malgioglio, Elettra Lamborghini, Emma, Enzo Iacchetti, Ermal Meta, Ernia, Eros Ramazzotti, Fabrizio Moro, Fedez, Fiorella Mannoia, Francesco Gabbani, Francesco Renga, Gerry Scotti, Gianluca Grignani, Gianna Nannini, Gianni Morandi, Gigi D’Alessio, Giorgia, Giuliano Sangiorgi, Irama, J-Ax, Jovanotti, Laura Pausini, Levante, Malika Ayane, Marco Masini, Max Giusti, Max Pezzali, Michele Bravi, Michele Zarrillo, Noemi, Patty Pravo, Pinguini Tattici Nucleari, Pooh, Raf, Sal Da Vinci, Serena Brancale, Tananai, The Kolors, Tiromancino, Tiziano Ferro, Tommaso Paradiso e Zucchero.

Radio Subasio compie cinquant’anni

Sabato 7 marzo una programmazione speciale con tutte le voci dell'emittente. E, sui social...

Marshall, storico brand legato al settore pro audio (dal gennaio del 2025 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749630/marshall-group-alla-cinese-hongshan-la-quota-di-maggioranza">controllato dalla società di venture capital cinese HongShan Capital Group</a>), ha annunciato il lancio di Amplify, un programma di membership (gratuito) pensato per sostenere nel lungo periodo gli spazi di base di musica dal vivo&nbsp;a livello globale. L’impegno economico dichiarato prevede che Marshall destini un importo pari all’1% degli acquisti&nbsp;effettuati&nbsp;sul proprio sito ufficiale dai clienti aderenti all'iniziativa (per i quali sono previsti benefit come&nbsp;accesso anticipato alle offerte, spedizioni gratuite e supporto prioritario)&nbsp;a iniziative a favore delle comunità musicali locali.&nbsp;Tra i possibili interventi citati ci sono la&nbsp;fornitura di backline, il supporto nell'organizzazione di&nbsp;eventi live finanziati e partnership più strutturate. Jeremy de Maillard, CEO di Marshall, inquadra così la logica dell’operazione: “Per oltre 60 anni, Marshall ha amplificato la musica dal vivo, dai locali indipendenti locali ai palchi più grandi del mondo. I piccoli locali sono dove la prossima generazione di musicisti trasforma gli ascoltatori occasionali in fan per tutta la vita. Attraverso Amplify, Marshall sta costruendo un modello di lungo periodo per sostenere il futuro della musica dal vivo.”

Dal lato dei gestori, Cecilia Sparano (Communication Director del venue parigino Supersonic) sottolinea la dimensione collaborativa: “È un vero piacere lavorare con un brand che rispetta davvero il nostro DNA e ripone piena fiducia in noi sia per quanto riguarda le azioni che portiamo avanti sia per la programmazione che curiamo. Questa partnership rappresenta un sostegno genuino per la fragile economia dei piccoli locali per concerti e svolge un ruolo chiave nel permettere a festival come la Block Party di Supersonic e They’re Gonna Be Big di continuare a esistere”. Per Marshall, il programma è anche un modo per legare più direttamente acquisti e impatto sulla filiera live: “I locali indipendenti non sono solo parte della storia della musica: sono dove si scrive il futuro”, dichiara Nick Street, CMO di Marshall:&nbsp;“Amplify è il modo in cui connettiamo la nostra community più da vicino a quel futuro. Man mano che Marshall cresce, la musica di base crescerà con noi”.

Marshall, un programma di sostegno per i live club indipendenti

Con Amplify il brand offre un aiuto concreto agli spazi di base di musica dal vivo

Nei giorni scorsi il fondo attivista Irenic Capital Management ha presentato un’offerta non sollecitata per acquisire Reservoir Media Inc., editore musicale indipendente quotato al Nasdaq, in un’operazione che valuterebbe la società circa 1,1–1,2 miliardi di dollari (incluso il debito).

Secondo quanto riportato da Bloomberg e confermato da altre fonti di mercato, l’offerta si collocherebbe in una forchetta tra i 10 e gli 11 dollari per azione, rappresentando un premio significativo rispetto alle quotazioni precedenti alla notizia.

A seguito delle indiscrezioni sull’offerta, il titolo Reservoir era salito di oltre il 15–19% in Borsa, segnalando la reazione positiva del mercato a una possibile operazione straordinaria.

Un’operazione “attivista”

La mossa di Irenic non va considerata come una sorpresa, poiché non è un soggetto esterno improvvisamente interessato all’asset. Il fondo, infatti, detiene già una partecipazione significativa in Reservoir — circa il 9% &nbsp;— ed è tra i principali azionisti della società.

L’offerta, semmai, si inserisce in una più ampia campagna attivista che Irenic conduce da oltre un anno. In precedenza il fondo aveva sollecitato una revisione strategica della società, mettendo in discussione struttura, governance&nbsp;e creazione di valore, prima di arrivare alla presentazione di una proposta formale di acquisizione.

Il nodo degli azionisti chiave

Qualsiasi operazione, tuttavia, richiederebbe il supporto di altri azionisti rilevanti. Reservoir presenta una struttura azionaria concentrata, con Wesbild Inc. che detiene circa il 44% delle azioni e Richmond Hill Investments che controlla circa il 21%. Senza il loro appoggio, un’operazione di acquisizione totale sarebbe difficilmente realizzabile. Reservoir non ha ancora comunicato ufficialmente se intenda accettare l’offerta o avviare trattative formali.

Profilo industriale e valutazione di Reservoir

Reservoir Media è uno dei principali editori musicali indipendenti quotati in Borsa. È diventata pubblica nel 2021 attraverso una SPAC e ha continuato a espandere il proprio portafoglio attraverso acquisizioni strategiche. La società gestisce oltre 150.000 diritti d’autore e circa 36.000 registrazioni master. Il suo catalogo include artisti e autori come Joni Mitchell, John Denver e Sheryl Crow, tra gli altri.

Nel 2025 Reservoir ha inoltre ampliato il proprio perimetro acquisendo il catalogo di Miles Davis, rafforzando ulteriormente il proprio posizionamento nel segmento dei cataloghi legacy di alta qualità.

La valutazione implicita dell’offerta (oltre 1 miliardo di dollari) si inserisce in un mercato dei diritti musicali che, pur meno euforico rispetto al biennio 2020–2022, continua a vedere operazioni rilevanti e movimenti attivisti. L’offerta di Irenic si colloca in un momento in cui il settore è attraversato da una nuova fase di concentrazione e razionalizzazione, con investitori finanziari che rivalutano il potenziale di creazione di valore delle piattaforme indipendenti quotate. Altri grandi player indipendenti sono oggetto di movimenti strategici sullo scacchiere del publishing musicale globale (v. Primary Wave su Kobalt e BMG su Concord), con la conferma del <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752540/exceleration-music-e-questa-la-major-di-nuova-generazione">forte interesse della finanza per il comparto indie</a>.

Se Irenic riuscisse a strutturare un’offerta vincolante e a ottenere il supporto degli azionisti di controllo, per Reservoir si aprirebbe la strada del delisting&nbsp;(uscita dalla borsa) seguita da una fase di ristrutturazione che preluderebbe, a sua volta, a una successiva rivalorizzazione sul mercato.

Irenic, OPA su Reservoir Media: le dimensioni del possibile deal

Il fondo attivista presenta un’offerta non sollecitata sull’editore indipendente

Ecco, di seguito, la traduzione integrale della lettera aperta agli azionisti di Warner Music Group - della quale MusicBiz ha già citato il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757417/kyncl-warner-ai-prossimo-motore-crescita">passaggio relativo all'intelligenza artificiale</a> -&nbsp;firmata dal CEO della major Robert Kyncl:

<blockquote>
Cari Azionisti,

Siamo solo a pochi mesi dall’inizio del 2026 e, con le nostre fondamenta più solide che mai, vediamo emergere continuamente nuovi vettori di crescita.

La domanda di hit, nuove e del passato, è in piena espansione e le aziende musicali oggi generano flussi di ricavi più prevedibili e ricorrenti che in qualsiasi altro momento della storia. Con la personalizzazione algoritmica che alimenta l’interesse per artisti di ogni epoca, nuovi ascoltatori di tutte le età stanno esplorando cataloghi storici e incorporando clip in video di breve formato. E, soprattutto, c’è ancora ampio spazio per una crescita ulteriore, in particolare mentre l’AI inizia a permettere ai fan di interagire più profondamente con la musica che amano, reimmaginandola anziché limitarsi ad ascoltarla.

&nbsp;

Quando siamo diventati una società quotata nel 2020, il nostro modello economico si basava sul consumo. Oggi si basa sul consumo e sulla creazione, aprendo un nuovo insieme di partner, opportunità e flussi di ricavi.

<h3>L’industria musicale</h3>

Mentre Hollywood si consolida e si preoccupa del proprio futuro, la musica sta emergendo come un rifugio nella tempesta che scuote il più ampio panorama dei media.

Con il 27% del consumo di streaming negli Stati Uniti nel 2024 proveniente da nuove uscite, rispetto al 45% di dieci anni fa, le aziende musicali non dipendono più in modo così marcato dal successo delle nuove pubblicazioni. Oggi la musica è una categoria molto più attraente in cui investire rispetto a cinema e televisione. Nel settore film e TV, la distribuzione aggregata e il ricavo medio per utente sono stati in gran parte massimizzati attraverso la coesistenza di media tradizionali e nuovi nel corso degli ultimi due decenni, mentre piattaforme aperte come YouTube e TikTok rappresentano oggi una concorrenza straordinaria per l’attenzione, il tempo e il denaro degli spettatori.

La musica, invece, non ha – e non avrà mai – un problema di domanda. Gli stream audio globali on-demand hanno raggiunto il livello record di 5,1 trilioni nel 2025, oltre cinque volte rispetto ai 950 miliardi del 2017. La musica è incredibilmente allineata alle forze dirompenti di internet. Propone un’offerta premium in continua crescita che permette agli abbonati di godere di tutta la musica mai distribuita. Allo stesso tempo, è incorporata in ogni tipo di intrattenimento, dai TikTok più brevi ai più grandi eventi sportivi, fino ai film epici di tre ore diretti da James Cameron o Martin Scorsese, e a tutto ciò che sta nel mezzo. La musica rende ogni video migliore.

Eppure, gli oltre 800 milioni di abbonati totali allo streaming musicale nel mondo hanno speso mediamente appena 40 dollari ciascuno lo scorso anno, secondo i dati dell’industria. L’opportunità di far crescere questa base totale di abbonati e aumentare i ricavi per l’intero ecosistema è enorme: credo che siamo solo a metà strada su entrambi i fronti. Il numero di abbonati paganti allo streaming è previsto quasi raddoppiare fino a 1,5 miliardi entro il 2035, mentre l’industria globale della musica registrata dovrebbe raggiungere i 55 miliardi di dollari entro il 2035, rispetto ai 30 miliardi del 2024, secondo le ricerche di Goldman Sachs. E mentre un numero crescente di piattaforme cerca licenze per i nostri contenuti e i DSP consolidati innovano con funzionalità a più alto coinvolgimento per alimentare offerte premium, è chiaro che titolari dei diritti, artisti e autori hanno tutto da guadagnare.

Vediamo tre leve principali per aumentare il valore della musica:

<h3>1. Prezzi degli abbonamenti</h3>

L’abbonamento è stato un modello di business di successo per la musica. L’industria della musica registrata è circa il 35% sopra il picco del 1999: ciò è dovuto principalmente al fatto che più persone pagano per la musica, ma mediamente pagano meno per persona. I DSP hanno iniziato ad aumentare i prezzi solo nel 2022 dopo più di un decennio di stagnazione, e gli aumenti di prezzo degli ultimi anni non hanno mostrato alcuna evidenza di un aumento del tasso di abbandono. L’americano medio ha speso 14 dollari al mese per musica registrata tra abbonamenti streaming e acquisti lo scorso anno, secondo Goldman Sachs, una frazione dei 69 dollari mensili che spende per gli abbonamenti allo streaming video on-demand. È chiaro che c’è ancora spazio nel portafoglio dei consumatori per la musica.

In mercati come la Cina abbiamo visto segnali incoraggianti di crescita sostenuta degli abbonati, nonostante gli aumenti di prezzo. Tencent Music, per esempio, ha aggiunto in media circa 16 milioni di nuovi abbonati netti sia nel 2023 sia nel 2024, in linea con la crescita dei tre anni precedenti, e il ricavo medio per utente di Tencent Music è aumentato del 16% nel 2023 e dell’8% nel 2024.

Vediamo inoltre la suddivisione del pool delle royalty attraverso un approccio artist-centric come una componente chiave ed equa della remunerazione. La buona notizia è che lo abbiamo stabilito con successo insieme ai nostri partner DSP; ora ci concentreremo sull’evoluzione di questo modello per adattarlo al cambiamento del panorama.

<h3>2. Segmentazione dell’audience</h3>

Mentre la portata e l’accesso a un prezzo basso hanno trainato abbonati e industria, non abbiamo ancora sfruttato nel mondo digitale l’opportunità rappresentata dai superfans da quando la musica è stata digitalizzata. L’attuale modello di streaming fa pagare a ogni utente la stessa tariffa fissa, indipendentemente dal livello di coinvolgimento con la piattaforma e con i suoi artisti. Il ricavo annuo totale che l’industria della musica registrata genera pro capite, corretto per l’inflazione, è attualmente di 51 dollari, rispetto ai 95 dollari del 1999 nel picco dell’era del CD. Questa differenza rappresenta, almeno in parte, la nostra opportunità di segmentazione del pubblico.

Il 20% degli ascoltatori di musica negli Stati Uniti è considerato superfan e spende il doppio rispetto agli ascoltatori medi. Stiamo collaborando con i nostri partner DSP per trovare modi per soddisfare questi utenti appassionati e creare più valore per artisti e autori, offrendo vantaggi come l’accesso anticipato alla nuova musica o la possibilità di interagire con le canzoni in modi nuovi. Crediamo inoltre che l’AI possa creare un’opportunità significativa.

<h3>3. Licenze digitali dirette per l’editoria musicale</h3>

Una parte significativa dei nostri diritti di publishing musicale viene concessa in licenza ai DSP tramite società di collecting locali, il che significa licenze non di libero mercato, commissioni trattenute dalle collecting e meno denaro per i nostri autori. È un panorama arcaico, in cui i DSP operano con attività globali ma le licenze editoriali musicali sono spesso nazionali. La situazione è peggiore negli Stati Uniti, dove le maggiori PRO, ASCAP e BMI, continuano a essere soggette ai consent decrees introdotti nel 1941, che proibiscono il ritiro selettivo dei diritti digitali. Mentre continuiamo a lavorare per modificare questi decreti, stiamo perseguendo attivamente strategie commerciali per aumentare la quota dei nostri diritti editoriali concessi in licenza direttamente da noi.

Stiamo agendo su tutte e tre queste leve per aumentare il valore della musica negli anni a venire. In un settore veloce e complesso come la musica, i rendimenti di scala sono evidenti. Come una delle tre più grandi società di intrattenimento musicale al mondo, abbiamo dimensione, risorse, competenze tecnologiche e capitale intellettuale e creativo necessari per vincere.

<h3>WMG</h3>

Oltre ai fattori che espanderanno il valore della musica a beneficio dell’intero ecosistema, abbiamo ristrutturato e riallineato WMG per eseguire la vasta gamma di opportunità che vediamo davanti a noi. Tra queste c’è anche una maggiore interattività con la musica attraverso strumenti innovativi come l’AI, che non farà che aumentarne il valore. Abbiamo reso più orizzontale la nostra organizzazione globale, introdotto nuova leadership, rinnovato la nostra infrastruttura tecnologica e ripulito i nostri dati, continuando nel frattempo a produrre alcune delle più grandi hit del mondo, a sviluppare e lanciare artisti e a far crescere la popolarità del nostro catalogo iconico. Con una base solida ora in atto, è il momento di realizzare le nostre tre priorità strategiche: aumentare la nostra quota, aumentare il valore della musica e migliorare l’efficienza, sfruttando al contempo la potenza dell’AI come acceleratore di queste tre priorità.

<h3>1. Aumentare la nostra quota</h3>

Il nostro slancio è evidente. Nel primo trimestre abbiamo aumentato la nostra quota di mercato dello streaming negli Stati Uniti di un punto percentuale e la nostra quota nella Top 200 di Spotify è cresciuta di oltre tre punti percentuali dall’inizio dell’anno fiscale. I nostri artisti e autori hanno dominato la Global Singles Chart 2025 dell’IFPI, occupando quattro delle prime cinque posizioni, e i nostri autori hanno contribuito a metà delle dieci canzoni più ascoltate negli Stati Uniti nel 2025. Il 2026 è già partito con forza grazie ai successi di Zach Bryan, Bruno Mars e Charli xcx, mentre le nostre nuove star come Alex Warren, Benson Boone, PinkPantheress e sombr continuano a crescere. Stiamo anche registrando solide performance del catalogo, mantenendo i brand rilevanti e in crescita nell’era digitale grazie a una filosofia di marketing always-on, identificando sincronizzazioni&nbsp;potenti&nbsp;che aumentano la connessione a leggende come Prince, David Bowie, Fleetwood Mac e molti altri. Con ulteriore potenza di fuoco grazie alla nostra joint venture con Bain, prevediamo di generare crescita accelerata attraverso acquisizioni di cataloghi di alta qualità che accrescono i margini, a partire dal 2026.

<h3>2. Aumentare il valore della musica</h3>

Stiamo compiendo progressi significativi mentre i nostri recenti accordi rinegoziati con i DSP stanno spostando l’industria musicale da una crescita guidata dal volume a una crescita guidata da volume e prezzo. Dall’introduzione dello streaming 18 anni fa, l’industria musicale è cresciuta principalmente grazie alla rapida crescita degli abbonati, mentre fan appassionati e occasionali accorrevano verso l’incredibile proposta di valore della musica. Con il rallentamento della crescita degli abbonati nei mercati sviluppati, i DSP hanno iniziato a guidare la crescita attraverso aumenti dei prezzi degli abbonamenti. Alla luce di questa evoluzione, abbiamo concordati nuovi termini wholesale con i nostri partner che riflettono meglio il valore sempre crescente della musica, fornendoci al contempo maggiore certezza economica e sganciandoci da dove i nostri partner scelgono di fissare i prezzi degli abbonamenti. Abbiamo inoltre implementato il nostro approccio artist-centric alla monetizzazione con la maggior parte dei nostri partner DSP. Sebbene questi programmi siano ancora nelle fasi iniziali, vi sono prove evidenti che abbiano un impatto positivo nell’allineare l’economia con i contenuti più popolari. Questo è stato un elemento importante dei nostri accordi e rimarrà fondamentale per noi in futuro.

<h3>3. Migliorare l’efficienza</h3>

La nostra riorganizzazione, gli investimenti tecnologici e il successo del nostro programma di trasformazione finanziaria ci hanno consentito di accelerare la crescita riducendo al contempo i costi. Abbiamo aumentato il nostro margine Adjusted OIBDA di 380 punti base negli ultimi cinque anni e, dal 2022, abbiamo aumentato i ricavi per dipendente del 28% e l’Adjusted OIBDA per dipendente del 42%. Prevediamo che queste metriche continueranno a migliorare nei prossimi anni, insieme alla nostra efficacia.

<h3>Intelligenza artificiale: dal volume al valore</h3>

Nel corso della mia carriera ho sempre lavorato per aziende viste con scetticismo dagli esperti più rispettati dell’industria. Si riteneva che Netflix fosse troppo dipendente dagli studios cinematografici per i DVD e improbabile che ottenesse i diritti pay-TV necessari per passare allo streaming on-demand. Google fu liquidata in un articolo di Fortune del 2010 intitolato “Google: The Search Party is Over”. YouTube veniva derisa perché vendeva contenuti amatoriali — pensate ai cani sugli skateboard — con la convinzione che nessun brand ragionevole avrebbe mai posizionato i propri annunci accanto a quei video. In ciascun caso, la nostra profonda esperienza sul problema che affrontavamo, combinata con intuizioni proprietarie sul reale stato dell’industria, la forte convinzione nella nostra strategia di lungo periodo e una esecuzione esemplare, ci ha permesso di sfidare le probabilità.

L’AI sta accelerando la creazione di musica su una scala senza precedenti. Questa realtà non è teorica: è già qui. Con Deezer che segnala oltre 60.000 brani generati da AI caricati ogni giorno sulla propria piattaforma e con sette milioni di brani generati al giorno solo su Suno, questa abbondanza ha comprensibilmente generato preoccupazioni riguardo a sovrapproduzione, diluizione e valore di lungo periodo della musica registrata.

Noi vediamo gli stessi fatti — ma arriviamo a una conclusione diversa.

Quando iniziò la condivisione online dei file, l’industria musicale fu lenta nel gestire la transizione dal fisico al digitale e ne fu quasi paralizzata. Ma il valore della musica ha resistito e i multipli di valutazione degli asset musicali sono oggi ai massimi storici, raddoppiati nell’ultimo decennio. Abbiamo imparato lezioni importanti dai precedenti cambiamenti tecnologici guidati dalla domanda dei consumatori per l’innovazione. Oggi abbiamo assunto un ruolo di leadership nel definire come l’AI entrerà nel mondo della musica, permettendoci di stabilire le regole di ingaggio su come questa tecnologia trasformativa impatterà l’industria musicale.

Per affrontare direttamente le preoccupazioni: l’AI non sostituisce l’arte umana. Amplifica l’importanza degli artisti come icone culturali familiari e amate in un ambiente improvvisamente rumoroso. Il pubblico non forma connessioni emotive su larga scala: i fan sviluppano relazioni con singoli artisti attraverso identità, narrazione e autenticità. Queste qualità restano umane e restano al cuore dell’umanità… e del nostro business. In un mondo di suono quasi infinito, ciò che diventa scarso è la fiducia: artisti affidabili, brand affidabili, diritti affidabili e mercati affidabili dove creatori, piattaforme e fan possano interagire con fiducia.

È qui che giochiamo un ruolo centrale ed ecco come lo stiamo facendo.

• Proteggendo il valore assicurandoci che i modelli AI rispettino il copyright, il consenso di artisti e autori quando è coinvolta la loro identità, e l’attribuzione. Inoltre continueremo a collaborare con i decisori politici per sostenere un ambiente normativo che rispetti l’identità degli artisti. Nell’aprile 2024, per esempio, FKA twigs e io abbiamo testimoniato a favore del NO FAKES Act in un’audizione al Senato e abbiamo svolto un ruolo molto attivo nel definire l’AI Act dell’Unione Europea.

• Creando nuovi framework di monetizzazione in cui l’AI diventa uno strato licenziato e aggiuntivo alla musica, non un sostituto diluitivo.

• Valorizzando i nostri artisti e autori. Il loro talento ineguagliabile avrà ancora più valore nel mondo dell’AI, un mondo in cui modelli, fan e creatori trarranno ispirazione da questi artisti per creare nuova musica usando strumenti innovativi.

• Le esperienze di ascolto passive di oggi sono radicate in un sistema basato sulle quote di mercato. In un mondo più interattivo e partecipativo, stiamo adottando un sistema basato sull’attribuzione che porterà valore agli artisti e ai cataloghi più iconici. Questa è di fatto una forma alternativa dei modelli di pagamento artist-centric che sosteniamo da quando sono entrato, e che aumenterà il valore della musica premiando qualità e arte umana.

• Abbiamo adottato fin da subito un approccio deciso per definire linee guida etiche che proteggano e servano i nostri artisti e autori, creando al contempo opportunità incrementali di monetizzazione. I nostri principi si riflettono nel nostro accordo con Suno, leader di mercato nella musica generata con AI, così come nei nostri accordi con Udio, Stability AI e Klay. È importante sottolineare che tutti i nostri accordi si basano su economie variabili, permettendoci di crescere insieme ai nostri partner. Questi accordi stabiliscono un precedente importante per le conversazioni che stiamo avendo sia con partner emergenti sia con partner consolidati.

• Abilitando strumenti creativi che permettono ai fan di interagire con gli artisti in modi nuovi e divertenti. I nostri dati mostrano che quanto più il mezzo è interattivo, tanto più alto è il ricavo medio per utente: mentre i fan spendono circa 25 centesimi l’ora ascoltando musica registrata e 50 centesimi l’ora guardando video, spendono 5 dollari l’ora quando giocano ai videogiochi. L’esempio più specifico è quello dei 2 milioni di abbonati di Suno che pagano 12,50 dollari al mese per creare musica… oltre a pagare gli abbonamenti per l’ascolto.

• Alzando l’asticella per le piattaforme, assicurando che provenienza, trasparenza e responsabilità separino l’arte affidabile dal rumore di fondo. Abbiamo l’opportunità di migliorare ciò che abbiamo ottenuto nel mondo dei video generati dagli utenti. Grazie agli investimenti senza precedenti nelle infrastrutture AI, ogni grande distributore dovrebbe essere in grado di riconoscere copyright e diritti su nome, immagine, somiglianza e voce (NILV), rispettare queste autorizzazioni e ripartire i ricavi di conseguenza.

Mentre i titoli sui media continuano a essere dominati dal flusso di notizie sull’AI, molti investitori hanno già dichiarato vincitori e vinti in base ai settori che ritengono più a rischio di disintermediazione. Noi stiamo sfruttando attivamente l’AI per vincere e, mentre la nostra forza di fondo, resilienza e performance tornano al centro dell’attenzione, e considerando i passi che abbiamo compiuto per posizionarci favorevolmente in un mondo AI in rapida evoluzione, sono convinto che tutto il nostro lavoro visionario sarà pienamente riconosciuto.

Ci siamo trasformati come industria e come azienda. Ora siamo pronti a rivoluzionare il nostro superpotere — la musica — e portarne il valore a nuovi livelli per i nostri artisti, autori e azionisti. Ciò che ho imparato più e più volte è che le grandi vittorie si determinano trasformando una convinzione incrollabile, basata su intuizioni proprietarie ed esperienza, in un’esecuzione precisa sull’ultimo e più difficile 10% dell’opportunità. È così che le teorie controcorrente prevalgono, è così che si crea valore significativo, ed è esattamente ciò che stiamo facendo in Warner Music Group.
</blockquote>

WMG, la traduzione della lettera di Robert Kyncl agli azionisti

La versione integrale del messaggio del CEO di Warner Music agli shareholder della major

In una lettera aperta indirizzata agli azionisti pubblicata sul sito ufficiale dell'azienda, il CEO di Warner Music Group Robert Kyncl ha descritto l’intelligenza artificiale come “il prossimo motore di crescita” per la musica, non come la sua “rovina”. Secondo Kyncl, l’adozione di tecnologie AI può aprire nuove strade per creatività, distribuzione e coinvolgimento dei fan, e va quindi letta come un abilitatore di innovazione più che come un fattore di disruption da temere.

“Con Deezer che segnala che ogni giorno vengono caricate sulla sua piattaforma oltre 60.000 tracce create tramite intelligenza artificiale e sette milioni di tracce generate al giorno solo su Suno, questa abbondanza (di brani generati dall’AI, ndr) ha suscitato comprensibili preoccupazioni riguardo all'eccesso di offerta, alla diluizione e al valore a lungo termine della musica registrata”, scrive Kyncl: “Vediamo le stesse cose, ma giungiamo a conclusioni diverse. All'inizio del file sharing online, l'industria musicale fu lenta ad affrontare la transizione dal formato fisico a quello digitale, rischiando di essere paralizzata. Ma il valore della musica è rimasto invariato e i multipli di scambio per gli asset musicali hanno raggiunto i massimi storici, raddoppiando nell'ultimo decennio. Abbiamo imparato importanti lezioni dai precedenti cambiamenti tecnologici, guidati dalla domanda di innovazione dei consumatori. Oggi, abbiamo assunto un ruolo di leadership nel definire il modo in cui l'intelligenza artificiale verrà introdotta nel mondo della musica, consentendoci di definire le regole di interazione relative all'impatto di questa tecnologia trasformativa sull'industria musicale”.

“Per affrontare le preoccupazioni direttamente: l'intelligenza artificiale non sostituisce l'arte umana”, chiarisce Kyncl: “Amplifica l'importanza degli artisti come icone culturali familiari e amate in un ambiente rumoroso e stridente. Il pubblico non crea connessioni emotive su larga scala: i fan sviluppano connessioni con i singoli artisti attraverso l'identità, la narrazione e l'autenticità. Queste qualità rimangono umane e rimangono al centro dell'umanità... e del nostro business. In un mondo di suoni pressoché infinito, ciò che diventa scarso è la fiducia: artisti affidabili, marchi affidabili, diritti affidabili e mercati affidabili in cui creatori, piattaforme e fan possono interagire con fiducia”.

La linea di Kyncl, quindi, si articola in quattro punti principali: creare nuovi framework di monetizzazione nei quali “l'intelligenza artificiale diventi un livello aggiuntivo e regolarmente licenziato”, evitando allo stesso tempo gli effetti diluitivi dell’”AI slop”; “abilitare strumenti creativi che consentano ai fan di interagire con gli artisti in modi nuovi e divertenti”; “alzare gli standard per le piattaforme, garantendo che provenienza, trasparenza e responsabilità distinguano l'arte affidabile dal rumore di fondo”.

“Stiamo sfruttando attivamente l'AI per vincere e, man mano che la nostra forza, la nostra resilienza e le nostre performance di base tornano alla ribalta, e visti i passi che abbiamo intrapreso per posizionarci favorevolmente in un mondo dell'IA in rapida evoluzione, sono fiducioso che tutto il nostro lavoro visionario sarà pienamente riconosciuto”, conclude Kyncl: “Ci siamo trasformati come settore e come azienda. Ora siamo pronti a rivoluzionare il nostro superpotere – la musica – e a portarne il valore a nuovi livelli per i nostri artisti, autori e azionisti. Ciò che ho imparato più e più volte è che le grandi vittorie si determinano trasformando una convinzione incrollabile, basata su intuizioni e competenze proprietarie, in un'esecuzione precisa contro l'ultimo e più difficile 10% dell'opportunità. E’ così che prevalgono le teorie anticonformiste, è così che si crea un valore significativo, ed è esattamente ciò che stiamo facendo in Warner Music Group”.

kyncl-warner-ai-prossimo-motore-crescita

In una lettera aperta agli azionisti la visione del CEO della major

Robert Kyncl (WMG): ‘Usare l'AI per dare valore alla musica'

TAIT, uno dei principali operatori nella progettazione e produzione di allestimenti per concerti a livello globale con quartier generale a&nbsp;Lititz, in Pennsylvania, e venti sedi operative in tutto il mondo, ha acquisito Silent House, l’agenzia creativa nota per il lavoro su tour di alto profilo come quelli di Taylor Swift e Kendrick Lamar. L’operazione - hanno fatto sapere le aziende in un comunicato congiunto, dove tuttavia non è stato ufficializzato l'importo della transazione -&nbsp;mira a combinare la capacità produttiva e l’expertise tecnico di TAIT con la visione creativa di Silent House,&nbsp;in modo da dare vita a&nbsp;un’offerta maggiormente&nbsp;integrata che punti su show "dal design più innovativo" e su servizi potenziati per artisti e pubblico.

"Crediamo che creare momenti memorabili per il pubblico e gli artisti sia un obiettivo per cui valga la pena impegnarsi, quindi siamo entusiasti di unirci ufficialmente al rinomato team di Silent House Group", ha dichiarato Adam Davis, CEO di TAIT. "Unendo due fidati esperti del settore, il nostro obiettivo è aiutare i nostri partner ad allineare collettivamente la realtà creativa, tecnica, finanziaria e logistica dei loro progetti e, idealmente, a sbloccare nuove opportunità oltre lo spettacolo".

"TAIT è il nostro partner di fiducia da anni", ha aggiunto&nbsp;Baz Halpin, fondatore e CEO di Silent House Group:&nbsp;"Con l'allineamento formale, stiamo ampliando le nostre possibilità di collaborazione e semplificando il processo creativo e tecnico, consentendoci di dare vita alle idee dei nostri clienti in modo più rapido ed economico, senza compromettere la visione artistica. Non vediamo l'ora di liberare il potenziale delle esperienze live con i nostri colleghi creativi del settore e di sfruttare le nostre nuove competenze interne con TAIT".

tait-acquisisce-silent-house-design-tour

Per 'creare momenti memorabili (dal vivo) per il pubblico e gli artisti'

Live: TAIT ha acquisito Silent House

Sony Music Store &amp; More, l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757209/sanremo-2026-torna-sony-music-store-and-more">hub polifunzionale</a> aperto da Sony Music Italy in Corso Garibaldi 28 a Sanremo in occasione della settantaseiesima edizione del Festival della Canzone Italiana, è stato visitato da oltre 10mila persone durante le giornate della manifestazione, registrando oltre 11 milioni di visualizzazioni e 2,3 milioni account raggiunti sui canali Meta e TikTok della filiale italiana della major: a renderlo noto è l’azienda con quartier generale in via Imbonati, a Milano.

Oltre alla vendita di prodotti esclusivi degli artisti in gara - e di titoli di catalogo, sia italiani che internazionali, lo spazio ha ospitato i firmacopie dei concorrenti al Festival presenti nel roster dell’etichetta, ovvero Maria Antonietta e Colombre e Mara Sattei (il 26 febbraio), Enrico Nigiotti, Mazzariello e LDA &amp; AKA 7EVEN (il 27), e J-Ax, Ermal Meta, Tredici Pietro e Tommaso Paradiso (il 28).

Sanremo 2026, oltre 10mila visitatori al Sony Music Store & More

Con oltre 11 milioni di views e 2,3 milioni di account raggiunti sui canali social ufficiali

A tre giorni dalla chiusura della settantaseiesima edizione del Festival della Canzone Italiana, Spotify ha diffuso un bilancio dell’andamento dei brani in gara presso la propria piattaforma: per il DSP svedese il numero degli ascoltatori è cresciuto per tutti gli artisti in gara rispetto al 30 novembre 2025 (data di annuncio del cast), “con una media di oltre il 350%, superiore alla crescita registrata dagli artisti in gara lo scorso anno (268%)”.

“Nel computo totale, gli ascoltatori unici mensili sono più che raddoppiati (+101%) per gli artisti di Sanremo 2026, contro il 61% del Sanremo 2025”, prosegue Spotify: “Per alcuni degli artisti il numero di ascoltatori mensili unici è cresciuto a quattro cifre: le Bambole Di Pezza (arrivate quindicesime nella classifica relativa a Sanremo 2026 di Spotify, ndr) registrano un aumento di oltre il 2000%, Maria Antonietta e Colombre (ventisettesimi, nella chart festivaliera del DSP, ndr) superano rispettivamente il 1900% e il 1600%. Segue Ditonellapiaga con una crescita del 990%”.

Per quanto invece riguarda i brani più ascoltati su Spotify a oggi, martedì 3 marzo, “Ossessione” di Samurai Jay - che nella classifica ufficiale del Festival si è classificata diciassettesima - ha conquistato la vetta, seguita da “Tu mi piaci tanto” di Sayf e “Che fastidio!” di Ditonellapiaga (che conservano le posizioni guadagnate sul palco del Teatro Ariston): il brano vincitore di Sanremo 2026, “Per sempre sì” di Sal Da Vinci, resta fuori dal podio, in quarta posizione, seguito da - nell’ordine - “Male necessario” di Masini e Fedez, “Labirinto” di Luchè, “Prima che” di Nayt, “Stupida sfortuna” di Fulminacci, “Poesie clandestine” di Aka 7even e LDA, e “Magica favola” di Arisa.

Riguardo il consumo all’estero del repertorio presentato la scorsa settimana sul palco del Teatro Ariston e, più in generale, dei cataloghi italiani, con l’inizio del Festival Spotify ha osservato “aumenti degli ascolti della musica in italiano, in particolare, in Europa - in Estonia (+28%), Albania (dove l’artista sanremese più ascoltato è stato Ermal Meta), Belgio, Regno Unito, Svizzera, Irlanda, Slovenia, Germania, Francia, Austria e Croazia. Al di fuori dei confini europei, in Corea del Sud (+30%), Arabia Saudita (+22%) ed Emirati Arabi Uniti (+14%)”. La canzone più ascoltata fra quelle in gara al di fuori dell’Italia è la vincitrice del Festival, “Per sempre sì” di Sal Da Vinci, “che ha ottenuto oltre il 10% dei suoi stream fuori dall’Italia”.

Sotto il profilo demografico, “il pubblico giovane (tra i 18 e i 34 anni) ha premiato negli ascolti “Ossessione” di Samurai Jay, mentre tra i millennial (35-44) ad avere la meglio è stata Ditonellapiaga”. Sal Da Vinci si è rivelato essere “il più ascoltato dal pubblico di tutte le fasce di età over 45”. Sayf è stato l’unico artista ad essere presente nella top 5 dei più ascoltati in ogni gruppo di età.

Spotify ha ribadito che come - anche a tre giorni dalla chiusura del Festival - la playlist Sanremo 2026 sia la “più ascoltata al mondo”: a un giorno dalla chiusura della manifestazione tre brani - “Per sempre sì” di Sal Da Vinci (106esimo nella Top 200 mondiale), “Tu mi piaci tanto” di Sayf (147esimo) e “Ossessione” di Samurai Jay (181esimo) - abbiano superato la soglia del milione di stream, compiendo il proprio ingresso nell’elenco dei duecento brani più ascoltati al mondo sul DSP.

Resta confermato - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757291/le-canzoni-di-sanremo-non-sfondano-su-spotify">come già emerso durante la settimana del Festival</a> - un calo diffuso degli stream generati dai brani in gara all’Ariston. Nel 2025, a tre giorni dal termine della manifestazione, ad aver superato il milione di stream erano stati i cinque brani in vetta alla top ten di Spotify: “Balorda nostalgia” di Olly, “Battito” di Fedez, “Volevo essere un duro” di Lucio Corsi, “La cura per me” di Giorgia e “Incoscienti giovani” di Achille Lauro, per un totale di stream pari a 6,648 milioni di stream. Nel 2026, i primi cinque brani in testa alla top Songs Italy - “Per sempre sì” di Sal Da Vinci, “Tu mi piaci tanto” di Sayf, “Ossessione” di Samura Jay, “Che fastidio!” di Ditonellapiaga e “Male necessario” di Fedez e Masini hanno registrato un aggregato di stream pari a 4,915 milioni, con una flessione del 26% rispetto all’anno precedente.

Sanremo 2026, tutti i numeri di Spotify

Performance superiore al 2025 in termini di crescita di ascolti, ma si conferma il calo degli stream

Lo scorso 26 febbraio, presso il club HBTOO, a Napoli, si è tenuta la festa per il trentennale di attività di Frontiers Music, il gruppo di label fondato e guidato da Serafino Perugino (nella foto) fresco del lancio di una nuova label, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756383/frontiers-lancia-blkiiblk-records">BLKIIBLK Records</a>, e di un numero uno nella classifica americana Billboard 200 con il nuovo album dei Megadeth, uscito appunto per&nbsp;BLKIIBLK: all’evento sono intervenuti in veste di ospiti musicali diversi artisti collegati ai roster delle etichette del gruppo, come - tra gli altri - Jim Peterik, Toby Hitchcock, Ronnie Atkins, Robin McAuley, Harry Hess, Ronnie Romero, Gus G, Nicklas Sonne e Dyan Mair, accompagnati per l’occasione da una band tutta italiana guidata dalla chitarra di Aldo Lonobile, direttore artistico e capo A&amp;R in Europa di Frontiers.

“Trent’anni di Frontiers sono più di un anniversario: sono una promessa per il futuro”, ha dichiarato Serafino: “Ho sempre messo la musica prima del business; tutto ciò che abbiamo costruito nasce da passione, qualità e rispetto. Da un piccolo studio a Napoli a quasi 2.000 pubblicazioni — fino a raggiungere un primo posto nella classifica Billboard con i Megadeth — questo percorso dimostra cosa può realizzare la fiducia in un’idea. Anche nelle difficoltà, la nostra missione non è mai cambiata: dare agli artisti una casa e una nuova vita artistica. E una verità resta evidente: non si arriva lontano da soli. Oggi celebriamo il nostro team, i nostri partner, i nostri artisti e i fan che condividono questa visione”.

Fondata nel 1996 a Napoli (dove ha sede il quartier generale dell’azienda, che ha distaccamenti anche a Londra, New York, Boston, Raleigh, Los Angeles e Nashville), il gruppo Frontiers - che negli anni ha visto passare dal proprio roster band come (oltre ai Megadeth) Lynyrd Skynyrd, Skunk Anansie, Van Zant, Don Felder, Def Leppard, Journey, Yes, Mr Big, Biohazard, Night Ranger, Whitesnake ed ELO - articola le proprie operazioni attraverso le label Frontiers Music (dedicata al mainstream e al classic rock), FLG Records (dedicata all’alternative) e BLKIIBLK Records (dedicata al metal), tutte distribuite da The Orchard, divisione di Sony Music dedicata ai servizi per etichette e artisti.

Frontiers Music, celebrati a Napoli i trent’anni di attività

‘Più di un anniversario: una promessa per il futuro’

Si è tenuto ieri, lunedì 2 marzo, presso l’Università Roma Tre, il convegno - organizzato da Airia - Associazione Regolazione Intelligenza Artificiale - “Musica&amp;AI”: l’evento ha avuto per tema le implicazioni sociali, economiche ed etiche dei modelli generativi sull’ecosistema musicale, grazie agli interventi di personalità di spicco del settore.

"Oggi nel panorama delle startup di AI generativa dedicata alla musica ci sono circa 300 aziende totali al mondo", ha spiegato - come riferisce l’agenzia ANSA - Chiara Santoro, music and tech advisor di Airia: "Allo stesso tempo, ci troviamo di fronte a un'invasione di contenuti (generati artificialmente, ndr): ogni giorno sulle piattaforme vengono pubblicate 106mila tracce e non c'è una stima di quante siano generate da IA. Pochissime riescono ad avere almeno 100 ascolti l'anno".

"Ci sono persino brani creati con l'IA e fatti ascoltare dai bot per farli salire in classifica", ha aggiunto Enzo Mazza, CEO di FIMI, per il quale è necessario "un sistema di licenza per combattere tutti i fenomeni illeciti, perché la musica AI sta diventando una parte del mercato e dovrà essere utilizzata, creata e messa a disposizione in maniera legale perché competerà con gli altri".

"Secondo uno studio, quando i consumatori sanno che un'opera è prodotta da un'AI, il valore attribuito cade drasticamente, sia dal punto di vista economico che dalla riconoscibilità del valore artistico”, ha spiegato Viviana De Vincentis, Chief legal officer di SIAE: “Questo significa che pure la discussione che si sta facendo sull'etichettatura AI può dare maggiore valore economico a ciò che è prodotto dall'uomo". Con la prospettiva strategica - sempre secondo De Vincentis - di stabilire "qual sia la percentuale di partecipazione massima dell'AI per qualificare un'opera come nata dall'ingegno umano".

“L'AI è arrivata in un momento in cui il mercato musicale è saturo e stanco”, ha concluso Jacopo Ettorre, autore e artista: “E per fare un brano buono, anche con l'intelligenza artificiale, ci vuole tempo. Le canzoni hanno bisogno di tempo da sempre".

AIRA, a Roma il convegno ‘Musica & AI’

Con gli interventi di Chiara Santoro, Enzo Mazza (FIMI) e Viviana De Vincentis (SIAE)

Sono stati comunicati gli esiti finali del Fantasanremo, il gioco-concorso del quale è stato partner Ticketone.

Al primo posto si sono classificati Lda &amp; Aka 7Even, che sono stati al primo posto fin dagli inizi. A seguire Bambole di pezza, Samuray Jay, Sal Da Vinci e Dargen D'Amico. Agli ultimi Chiello, Raf e Francesco Renga.

Al primo posto fra le squadre “Totò 82”, con 3226, vincitrice del CampionatoMondiale; a vincere la Superlega è invece Ecco l'Atlético de Madrid».

La classifica finale:

1) Lda e Aka 7even: 780 punti 
2)&nbsp;Bambole di pezza: 570 punti 
3) Sal Da Vinci : 520 punti 
4) Samurai Jay: 512punti 
5)&nbsp;Dargen D'Amico: 484 punti 
6)&nbsp;Ditonellapiaga 460 
7)&nbsp;Elettra Lamborghini: 427 punti 
8)&nbsp;Eddie Brock: 420 punti 
9) J-Ax: 411 punti 
10) Sayf: 405 
11)&nbsp;Leo Gassmann: 366 punti 
12)&nbsp;Ermal Meta: 344 punti 
13)&nbsp;Arisa: 325 
14)&nbsp;Malika Ayane: 298 punti 
15)&nbsp;Fulminacci: 282 punti 
16)&nbsp;Serena Brancale: 266 punti 
17)&nbsp;Fedez e Masini: 240 punti 
18)&nbsp;Luchè: 237 punti 
19) Levante: 218 punti 
20)&nbsp;Enrico Nigiotti: 211 punti 
21)&nbsp;Tommaso Paradiso: 208 punti 
22)&nbsp;Michele Bravi: 207 punti 
23)&nbsp;Maria Antonietta e Colombre: 199 punti 
24)&nbsp;Mara Sattei: 198 punti 
25)&nbsp;Nayt: 175 punti 
26)&nbsp;Patty Pravo: 173 punti 
27)&nbsp;Tredici Pietro: 164 punti 
28)&nbsp;Francesco Renga: 135 punti 
29)&nbsp;Raf: 130 punti 
30)&nbsp;Chiello: 80 punti

<div class='embed'>		 <iframe 
 id="yt_c5666e52a7a96d94ef76f975d2736cf3" 
 class="youtube" 
 width="620" 
 height="348.75" 
 src="https://www.youtube-nocookie.com/embed/-FWQ5M-cT3I" 
 frameborder="0"
 allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>

Fantasanremo: chi ha vinto, la classifica finale e i punteggi

Al primo posto LDA e Aka7even

Il mercato tedesco della musica registrata - il primo, per fatturato, dell'Unione Europea -&nbsp;ha rallentato nel 2025, secondo l’ultimo report annuale di Bundesverband Musikindustrie, l'associazione che rappresenta l'industria discografica nazionale: le vendite complessive hanno raggiunto i 2,42 miliardi di euro, pari a +2,3% su base annua. Questo&nbsp;dato&nbsp;segna il tasso di crescita nazionale più basso registrato nel Paese&nbsp;ultimi anni: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753370/germania-dati-mercato-discografico-primo-semestre-2025">lo scorso anno l'incremento del volume d'affari del mercato locale si era assestato a quota +7,8</a>. La spinta arriva ancora dallo streaming, che porta il digitale a registrare ricavi per&nbsp;2,08 miliardi di euro (+3,8% su base annua): l’ascolto on-demand vale l’84,4% dei ricavi, mentre i download permanenti l’1,4%. Nel report viene anche ricordato che Spotify ha applicato in Germania aumenti di prezzo a doppia cifra lo scorso agosto.

Sul fisico, invece, la crescita del vinile (+2,8%) non compensa la flessione dei CD (-11,3%): con i CD ancora al 56% del fatturato fisico, il segmento chiude a 345 milioni di euro (-5,9% su base annua). BVMI segnala che il fisico è in calo ogni anno almeno dal 2016 (con la sola eccezione di un incremento di 1 milione di euro tra 2022 e 2023) e che il 2025 equivale a una contrazione del 65% rispetto al 2016. Nel dettaglio delle altre linee di ricavo, la sincronizzazione vale 12 milioni di euro (+7,2%), mentre i diritti connessi sono indicati a 245 milioni di euro (-5,1%, calo dovuto a un pagamento una tantum nel 2024 dalla copia privata). Commentando il quadro, il presidente del board BVMI Florian Drücke ha parlato di “una fase molto impegnativa” e avverte che, con la crescente diffusione dell’AI, l’associazione guarda all’espansione del licensing digitale “basata su un forte diritto d’autore che non deve essere annacquato”. Nel contesto internazionale, BVMI osserva che il rallentamento non riguarda solo la Germania: anche <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753965/discografia-usa-crescita-sotto-l-1-nel-primo-semestre-2025">negli USA la RIAA ha indicato una crescita dei ricavi inferiore all’1% nel primo semestre 2025</a> (dato, tra l'altro, molto simile a quello riferito - nello stesso periodo - al mercato tedesco, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753370/germania-dati-mercato-discografico-primo-semestre-2025">cresciuto appena dell'1,4%</a>).