Warner Music Group e Crumbl Cookies, società statunitense attiva nel settore alimentare e specializzata in prodotti dolciari, sono molto vicine ad un accordo nella causa avviata dalla major per presunta violazione del diritto d’autore.

Il contenzioso è durato poco più di un anno e ha riguardato nello specifico il presunto utilizzo non autorizzato di musica protetta da copyright in video promozionali pubblicati sulle pagine social di Crumbl Cookies. La pagina Instagram conta poco più di 6 milioni di follower:&nbsp;un potenziale comunicativo non indifferente, quindi, per quella che si definisce "la società di dolci in più rapida crescita di tutta la nazione". Secondo quanto comunicato al tribunale, le parti "stanno finalizzando un accordo transattivo" e puntano a chiudere definitivamente la controversia entro il 15 giugno.

La causa si è inserita nel filone di azioni legali avviate contro brand e marchi per l'uso commerciale di musica disponibile all'interno delle librerie delle piattaforme social. In molti casi, le musiche disponibili sono utilizzabili per finalità personali, ma non per contenuti promozionali e commerciali.

Se l'accordo dovesse avere esito negativo, Warner Music Group e Crumbl Cookies dovranno aggiornare il giudice entro il 19 giugno 2026.

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Warner Music verso l'accordo nella causa contro Crumbl Cookies 

Industria

La major aveva contestato l’uso non autorizzato di brani in video promozionali sui social

Cyrille Bolloré, CEO del Bolloré Group, ha fatto sapere di aver esortato Universal Music a respingere l’offerta di acquisizione avanzata da Bill Ackman tramite la propria società di investimento, Pershing Square. Intervenendo all’assemblea annuale degli azionisti, Bolloré ha spiegato di non avere alcun motivo per dare il via libera all’operazione da 64 miliardi progettata da Ackman.

“Riteniamo che il prezzo sia assolutamente inaccettabile", ha dichiarato - come riferito da Reuters - Bolloré: "Non sta facendo un'offerta con i suoi soldi. Sono i nostri soldi, i soldi dell'azienda”.

Vincent Bolloré, il padre di Cyrille, detiene il 18,51% delle quote di Universal Music a titolo personale, e un altro 13,43% attraverso Vivendi, colosso finanziario del quale possiede poco meno del 30% del capitale: la posizione della famiglia Bolloré espressa dal CEO del gruppo, calcolando il peso della sulla proprietà dell’azienda, è quindi sufficiente a bloccare qualsiasi tentativo di accordo. Al momento, né Ackman né Universal Music hanno commentato ufficialmente le dichiarazione di Bolloré. Per mezzo di una nota ufficiale, la major aveva fatto sapere di non essere intenzionata a rilasciare commenti riguardanti la proposta di Pershing Square fino al completamento della revisione da parte del Consiglio di Amministrazione.

La dichiarazione rilasciata in queste ore da Bolloré si discosta da quanto dichiarato da Ackman lo scorso 8 aprile, all’indomani della presentazione della proposta. “Il Gruppo Bolloré controlla il 28% dell'attività. La transazione richiede il voto favorevole dei due terzi degli azionisti. Quindi senza Bolloré, l'operazione non si concretizza”, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758134/umg-acquisizione-pershing-square-ackman-ottimista-accordi-bollore">aveva spiegato Ackman</a>: “La mia prima telefonata di ieri è stata con loro, per condividere una sintesi generale della transazione. E le parole che ho ricevuto in risposta sono state: 'Questa è musica per le nostre orecchie'. Così abbiamo deciso di procedere e lanciare questa presentazione”.

La notizia ha ovviamente avuto impatto sull’andamento del titolo di UMG sulla piazza di Amsterdam: dopo aver aperto a 20,18 euro ad azione, all’annuncio della posizione di Bolloré le obbligazioni sono precipitate a 19,68 euro ad azione, per poi assestarsi verso metà giornata a quota 19,84 euro perdendo l’1,76% del proprio valore su base giornaliera. A fine giornata il titolo è stato scambiato a 19,77 euro, il calo del 2,1% rispetto al valore registrato all'apertura delle contrattazioni.

(notizia in aggiornamento)

Universal Music, Bolloré respinge l’offerta di Ackman

L’azionista di maggioranza liquida il tentativo di acquisizione di Pershing Square

Spotify ha ulteriormente ampliato il ventaglio di contenuti audio inclusi nell'abbonamento introducendo nella propria offerta gli articoli - come “narrated articles” - di alcune riviste testate internazionali. Il team dell'azienda ha trasformato in audio in lingua inglese più di 650 articoli long-form, ascoltabili dagli abbonati dentro la loro quota mensile per gli audiolibri oppure acquistabili a 1,99 dollari ciascuno dopo l'esaurimento di quella disponibilità. Tra i partner - accanto a testate come Vogue, The Atlantic, Variety, GQ, Vanity Fair e Wired - figurano anche magazine musicali come Rolling Stone, Billboard, Vibe e Pitchfork. Secondo il DSP questo genere di contenuti potrà "consentire alle persone di provare ascolti più brevi, meno intimidatori, aprendo la porta a esplorare forme di ascolto più lunghe come i libri". La società punta così a consolidare la crescita già registrata negli audiolibri, con ore di ascolto aumentate del 60% nell'ultimo anno.

"Con Articles, introduciamo il giornalismo d'inchiesta in formato audio come naturale estensione della musica, dei podcast e degli audiolibri che già interessano agli utenti di Spotify, concentrandoci su argomenti che sappiamo essere di loro interesse", ha dichiarato Colleen Prendergast, responsabile delle licenze di Spotify Audiobooks: "Integrando contenuti più brevi, raggiungiamo il pubblico dove si trova, contribuendo a creare sane abitudini di ascolto e, in definitiva, ad aumentare l'interesse per i libri nel tempo".

“Siamo entusiasti di collaborare con Spotify in quella che consideriamo una sinergia naturale tra due piattaforme che celebrano la musica e la cultura”, ha aggiunto Julian Holguin, CEO di Rolling Stone: “Questa collaborazione con Articles ci permette di rafforzare il legame tra i nostri lettori e gli artisti, le storie e gli articoli che amano, offrendo al contempo un'opportunità di scoperta. Rendendo il giornalismo di Rolling Stone più accessibile su Spotify, siamo entusiasti di portare le nostre storie a un pubblico ancora più ampio”.

La stampa (anche musicale) arriva su Spotify

Sotto forma di ‘narrated articles’

Goigest, l’agenzia di comunicazione fondata da Dalia Gaberscik (nella foto, in prima fila, con il vestito rosso, insieme al suo staff), ha festeggiato quarant’anni di attività: le ricorrenza è stata celebrata nella serata di ieri, mercoledì 26 maggio, con una festa al Garden Loft, in zona Bovisa, a Milano.

“All’inizio era partita come un festeggiamento riservato ai nostri gruppi di lavoro e alle professioniste e professionisti che sono passati, negli anni, dal nostro organico", ha spiegato Gaberscik: “Poi gli inviti si sono allargati e la festa è diventata enorme. Sono venute moltissime persone, veramente oltre ogni nostra aspettativa: abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che non solo fa piacere, ma fa anche bene”.

Goigest, oggi, opera attraverso diverse divisioni, guidata da Ilaria Melotti per la Musica, Stefano Schintu per i Brand, Valeria Castelli per l’Entertainment, con Chiara Amendola a capo del Digital Marketing, Rosaria Sindona alle International Relations, Betta Bergonzi ai General Affair e Carola Leonardi come referente Finance.

“Mi sono divertita un sacco”, ammette Gaberscik a proposito dei quarant’anni nel settore della comunicazione: “Ho avuto la fortuna di trovare un lavoro che fosse il mio più grande divertimento, e che più mi ha consentito di vivere bene. E che ancora oggi mi diverte. Perché ho iniziato con uno stage come ufficio stampa al Teatro di Porta Romana, a Milano, e sostanzialmente non sono mai cambiata: il mio lavoro è rimasto quello. Io sono rimasta quella di sempre, anche se il mondo intorno a me è cambiato: nei nostri uffici ho visto sfilare prima il fax, poi le email, e oggi i social. Tuttavia, nonostante non sia la più giovane del team, resto comunque la più curiosa. Ma è il lavoro che mi ha portato a essere così: restare sempre aggiornati non è solo un desiderio, è anche una necessità”.

Come si guarda al futuro stando al timone di un'azienda che ha&nbsp;passato&nbsp;la boa dei quarant’anni di attività? “Non ho mai pianificato nulla”, spiega - divertita - Gaberscik: “Non ho mai pensato, all’inizio, che da grande avrei aperto Goigest, e che sarebbe diventata così articolata. Quindi non inizierò certo a fare programmi adesso: fino a quando ci divertiremo, staremo bene, avremo il privilegio di lavorare su bei progetti e belle storie, andremo avanti. Poi ci sono i responsabili delle divisioni e dei relativi gruppi di lavoro. Avere dei compartimenti così collegati tra loro è un po’ la peculiarità della nostra agenzia, e - per me - non c’è cosa più bella che vederli così coesi:&nbsp;spero che anche loro si divertano come mi sto divertendo io, e che possano andare avanti con questo spirito”.

Goigest festeggia quarant’anni di attività

Dalia Gaberscik: ‘Abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che fa bene’

Sony Music e Universal Music Group hanno chiesto di ampliare drasticamente la loro causa contro Suno: dalle 560 opere inizialmente contestate si passerebbe a oltre 61.000 presunte violazioni di copyright, se il giudice approverà l'ultimo atto presentato. Le major dicono di aver usato la tecnologia di audio fingerprinting di Audible Magic per analizzare i dati di training della piattaforma e sostengono che Suno abbia usato "milioni" di brani protetti per addestrare i modelli. Suno si oppone, sostenendo che l'estensione del fascicolo finirebbe per riaprire di fatto il caso e ritardare l'esame della sua difesa di fair use: le major hanno replicato che il tema della liceità nell’utilizzo i materiale coperto da copyright per i processi di training dei modelli potrebbe essere discusso in un filone separato dal procedimento principale, prima che si completi l’istruttoria sulle ultime prove presentate.

Nel documento le etichette attribuiscono gli eventuali ritardi al "continuo rifiuto di Suno di fornire [alle controparti] i dati in suo possesso", sostenendo di essere state costrette a una revisione onerosa perché la società "ha rifiutato di offrire qualsiasi trasparenza al di fuori del processo di discovery". L'atto ripropone inoltre l'accusa, già avanzata in una precedente proposta di modifica, secondo cui Suno avrebbe ottenuto registrazioni tramite "stream-ripping" da YouTube.

L’escalation nel contenzioso tra UMG, SME e Suno arriva a poche ore dalla notizia dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759187/sony-music-si-allarga-la-battaglia-legale-contro-udio">intensificazione della battaglia legale tra Sony Music e Udio</a>, nella quale la major ha presentato - oltre a quelle già portate all’attenzione della corte in prima istanza - le prove relativa ad altre presunte 30mila sospette violazioni di copyright. La major guidata da Rob Stringer è l’unica, per il momento, a non aver siglato accordi di licenza con nessuna delle due principali piattaforme di GenAI musicale: Warner Music Group ha firmato un accordo sia con Suno che con Udio, mentre Universal ne ha sottoscritti di simili con Udio e Stability.

Sony Music e Universal Music, si intensifica la causa contro Suno

Le major portano davanti alla corte le prove di altre 60mila sospette violazioni

Gli U2 hanno annunciato l'ingresso dell’ex Global Head of Editorial di Spotify Sulinna Ong nel proprio team di management come partner, in un ruolo appositamente creato per la sua figura professionale. Ong lavorerà accanto a Irving e Jeffrey Azoff di Full Stop nella guida della gestione del gruppo, con focus su creatività e innovazione, e riporterà direttamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr.. 
 
"Quello che ci ha colpito di Sulinna è l'estro, la finezza e la chiarezza che porta sia all'arte sia al pubblico”, ha fatto sapere in una nota la formazione irlandese, che quest’anno festeggia i propri cinquant’anni di attività: “Capisce ciò che abbiamo costruito e dove vogliamo portarlo". "La band ha fatto la scelta giusta”, ha aggiunto Azoff sr: “Sulinna è una delle migliori dirigenti nel settore musicale, con una carriera costruita su giudizio, gusto e un istinto per capire dove si trova la cultura ora e dove sta andando".

Prima di Spotify, Ong ha avuto esperienze professionali a Live Nation (come Director of International Marketing &amp; Artist Development) e Deezer (come Global Vice President). "I miei anni in Spotify sono stati una parte significativa della mia carriera e lascio il team lì con enorme rispetto per ciò che abbiamo costruito”, ha fatto sapere la dirigente in una nota: “Abbiamo piani ambiziosi per ciò che verrà dopo, e sono pronta a mettermi al lavoro".

All’inizio di questo mese la band <a href="https://www.rockol.it/news-758869/u2-street-of-dreams-anteprima-video-estratto-dal-nuovo-album">ha girato a Città del Messico il video di “Street of Dreams”</a>, brano inedito tratto dal prossimo album in studio del gruppo, annunciato in uscita più tardi quest'anno.

Gli U2 ‘rubano’ una dirigente a Spotify

Sulinna Ong ha lasciato il suo posto da Global Head of Editorial per unirsi al management della band

Tutto da rifare. Almeno, così piacerebbe a Live Nation, che pochi giorni fa ha depositato presso il tribunale di New York un ricorso per chiedere l’annullamento del <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758296/live-nation-verdetto-colpevolezza-processo-antitrust-usa">verdetto di colpevolezza</a> della giuria emesso al termine del processo per abuso di posizione dominante perseguito da oltre trenta stati americani, ai quali - solo la settimana scorsa - era ufficialmente arrivata la richiesta di cessione, da parte della multinazionale con sede in California - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759066/usa-gli-stati-chiedono-di-separare-live-nation-da-ticketmaster">della propria divisione dedicata alla biglietteria, Ticketmaster</a>.

Secondo i documenti depositati presso la corte presieduta dal giudice Arun Subramanian dal team legale di Live Nation, i querelanti si sarebbero concentrati su episodi eclatanti - come l’ormai celebre chat aziendale nella quale due dipendenti del gruppo di vantavano di “rapinare” i clienti - per smuovere emotivamente i giurati, senza tuttavia presentare elementi concreti che provino l’effettiva colpevolezza dell’azienda. "Non vi è alcuna prova che un artista sia stato effettivamente costretto ad acquistare i servizi promozionali di Live Nation che non desiderava affatto, o che avrebbe preferito acquistare altrove a condizioni diverse", conclude il ricorso.

In caso di non ammissibilità dell’istanza, si tornerebbe ad attendere la pronuncia del giudice Arun Subramanian, che potrebbe effettivamente imporre a Live Nation la cessione di Ticketmaster o proporre soluzioni meno drastiche.

USA, la controffensiva legale di Live Nation e Ticketmaster

Un ricorso delle aziende chiede l’annullamento del verdetto di colpevolezza della giuria

La grande mutazione dell’industria musicale degli ultimi 20 anni, streaming a parte? In una parola: i cataloghi.

Che non sono più soltanto patrimonio editoriale o discografico, ma strumenti finanziari valutati su flussi prevedibili, multipli, rischio di decadimento, potenziale sync e rivendibilità. Anche perché “catalogo” è una parola comoda, ma che a suo modo rischia di essere imprecisa: può indicare master, publishing, quote di diritti, diritti amministrati ma non posseduti, oppure asset controllati direttamente. E la differenza non è nominale: cambia il perimetro dei ricavi, il potere di autorizzare gli usi, la forza nel sync, la possibilità di rilanciare il repertorio e, quindi, il multiplo riconoscibile in una transazione.

Il lavoro dei DSP ha reso i ricavi musicali più leggibili, ricorrenti e modellizzabili, attirando capitale finanziario e incrementato i multipli. È così che il mercato dei cataloghi è passato da opportunità contrarian ad asset class finanziaria, lasciandosi alle spalle i giorni più bui del music business, dominati da pirateria e incertezza sui modelli viabili. Oggi abbiamo un mercato irriconoscibile rispetto a quello di allora, in cui operatori finanziari, fondi, acquirenti strategici e artisti in cerca di cash-out hanno mutato il panorama dell’economia della musica.

Ma quanto è stabile e duratura questa postura industriale?

<h3>Il futuro, non il passato</h3>

Cè un aspetto che si impone subito all’attenzione di chi decide sui cataloghi: il valore di un catalogo dipende dalla “durata culturale”, non solo dal successo storico. Per esempio, perché certi cataloghi ascrivibili al classic rock sembrano essere mediamente più attraenti e costosi di quelli country, dance o hip-hop? Questione di genere? Non necessariamente. Si tratta, semmai, di un misto tra “ampiezza dell’ascolto”, durata dell’interesse e velocità di decadimento dei ricavi. Ci sono hit gigantesche nel momento che, però, non riescono a restare culturalmente rilevanti vent’anni dopo. Come dire: il catalogo non vale perché “ha avuto successo”, ma perché si presume che continui a generare attenzione, usi e ricavi nel tempo. Il vero parametro non è la nostalgia, ma la resilienza culturale. Un evergreen vale perché attraversa generazioni, contesti e piattaforme; una hit momentanea può avere numeri enormi ma una curva di decadimento molto più ripida.

<h3>WTF?!? Il peso dei testi - e quello del sync</h3>

La rilevanza è, anche, funzione dei testi che, diversamente dalla melodia e dal genere, hanno una possibilità superiore di resistere alle tendenze; possono effettivamente essere spontaneamente sempreverdi. E, per versi differenti e complementari, l’impatto di un testo sul valore di un catalogo dipende anche dalla sua elasticità d’uso: se un brano è infarcito di turpiloquio, per estremizzare, può essere più difficile da usare in cinema, TV, advertising o altri contesti di licensing. Non basta che la musica sia forte o potenzialmente adatta; deve essere anche sfruttabile in contesti audiovisivi e commerciali.

Nel dibattito sui cataloghi spesso si guarda soprattutto allo streaming come a una sorta di meta-metrica, ma il criterio industriale di valutazione è più sofisticato di così: il valore di un catalogo dipende molto, infatti, anche dalla sua elasticità d’uso. Un catalogo vale di più se può vivere in film, serie, spot, trailer, documentari, biopic, videogiochi, UGC e cover. Il sync diventa quindi non un ricavo accessorio, ma una componente della valutazione. Ed ecco un’altra distinzione decisiva: il valore finanziario di un catalogo non coincide sempre con il suo valore operativo. Il primo misura la prevedibilità dei flussi; il secondo dipende dalla capacità di chi compra — o amministra — di far circolare nuovamente quelle opere: sync, biopic, campagne su anniversari, campionamenti, nuove versioni, licensing internazionale, UGC. A parità di repertorio, il valore cambia se il catalogo viene semplicemente detenuto o se viene lavorato come una piattaforma di sfruttamento culturale e commerciale.

<h3>L’invisibilità dell’autore</h3>

Un investitore che sborsa fino a centinaia di milioni per acquisire un catalogo è chiamato a soppesare il rischio dell’operazione. E, spesso, il nome di quel rischio coincide con quello dell’artista titolare del catalogo. Il suo potenziale di suscitare scandali e, più in generale, la qualità della sua reputazione, sono elementi di valutazione di un certo peso.

Viene da sé che il rischio economico è superiore quando il catalogo è legato a un’identità pubblica viva, poiché potrebbe sempre manifestarsi in qualche modo negativo. Ed occorre anche distinguere tra artisti pubblicamente esposti (performer) e autori. I quali, a differenza dei primi, sono spesso invisibili al pubblico. È’ una considerazione che introduce un tema cruciale: il catalogo non è un asset neutro. Quando è legato a un artista vivente e molto visibile, il rischio reputazionale può incidere sul valore, sulle opportunità di licensing, sulla disponibilità dei brand a usare quei brani e sulla percezione del mercato. È una forma di “artist risk” che diventa parte della due diligence, accanto a diritti, flussi e contratti. Il catalogo legato a un autore, in questo contesto, risulta più “neutro”.

<h3>Gli evergreen nell’era dell’abbondanza musicale</h3>

I Queen, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745288/queen-vendita-diritti-discografici-sony-music-accordo-cifra-record">passati di mano per una miliardata buona</a>, sono un marchio vecchio di decenni. Anche per episodi come questo la domanda più frequente, in tema di cataloghi, è: ma tra 30, 40 o 50 anni questi artisti e i loro pezzi continueranno a restare nel mainstream culturale? Il potenziale di Kanye, Dua Lipa, Marra e Sfera può paragonarsi a quello di Beatles, Mina, Battisti e Dalla?

Viviamo un’epoca di passaggio, in cui la fruizione della musica non dipende dall’età del repertorio, ma dal cambiamento delle abitudini ancora in atto. Oggi sappiamo già percepire istintivamente quale possa essere l’impatto di molta più musica disponibile, di una maggiore scelta, di ascolti più frammentati, di una soglia di attenzione bassa e decrescente. E di una possibilità di scoperta di nuova musica inferiore, perché inversamente proporzionale alla massa di artisti e brani disponibili.

È qualcosa che suscita un dubbio strategico profondo.

Tutta la finanza dei cataloghi si basa sull’idea che certi brani abbiano una vita molto lunga e relativamente prevedibile. Ma se l’ascolto diventa più disperso, se le nuove generazioni non ereditano gli stessi canoni, se l’attenzione si distribuisce su nicchie infinite, allora anche la nozione di catalogo “evergreen” va riconsiderata. È il rischio sistemico del mercato: non il singolo deal sbagliato, ma il possibile indebolimento del concetto stesso di permanenza culturale.

La stagione dei cataloghi non è certo finita, ma è entrata in una fase più adulta. Non basta più comprare repertorio: bisogna capire quali canzoni hanno ancora capacità di circolare, essere riusate, generare immaginario, attraversare piattaforme e parlare a pubblici che non le hanno vissute nel loro tempo. Il catalogo resta uno degli asset più potenti della musica. Ma non assomiglia né a un bene immobile, né a un diamante. È un’altra cosa. È memoria che deve continuare a funzionare come presente.

Non è mica un diamante. Un catalogo non è per sempre.

Multipli, sync, reputazione, nuove abitudini d’ascolto: le hit valgono quanto sanno sopravvivere

Achille Lauro è stato nominato direttore creativo di Dondup: la prima collezione realizzata sotto la supervisione dell’artista sarà presentata il prossimo 15 giugno in occasione della data che vedrà la voce di “Rolls Royce” protagonista allo stadio Meazza di San Siro, a Milano.

"Volevo creare qualcosa che restasse. Non come volto ma come autore”, ha dichiarato al proposito Achille Lauro: “Non un gesto, ma un progetto. L'inizio di un percorso creativo che nei prossimi anni influenzerà l'immagine, le collezioni e il posizionamento di Dondup - preservandone il DNA e rafforzandone l'identità. L'eleganza non è un accessorio, è un'attitudine, e la moda deve saperla raccontare”.

"Sono davvero felice che Lauro si unisca alla nostra squadra nel ruolo di direttore creativo di Dondup per una collaborazione di lungo periodo”, ha aggiunto Mauro Grange, CEO di Dondup: “Grazie alla sua profonda sensibilità artistica e al suo apprezzamento per il patrimonio del nostro marchio, sono sicuro che guiderà il team creativo con una visione distintiva contribuendo a scrivere il prossimo capitolo di Dondup, capitalizzando il suo heritage e portando grande valore al brand. Fin dai primi momenti c'è stata una bellissima sintonia tra noi due e non vediamo l'ora di realizzare grandi progetti insieme. Con Lauro De Marinis, Dondup continuerà a influenzare la moda e la cultura attraverso collezioni altamente desiderabili e con una prospettiva unica e contemporanea al lusso moderno".

Achille Lauro

Achille Lauro nominato direttore creativo di Dondup

‘Non un gesto, ma un progetto’

Matchfy PRO,&nbsp;lo spazio per professionisti dell’industria musicale&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754990/matchfy-lancia-matchfy-pro" target="_blank">lanciato da Matchfy lo scorso ottobre</a>, ha annunciato l’ingresso nel proprio network di HydraTek, producer, sound designer e ingegnere del suono attivo nella scena elettronica, con un percorso legato nello specifico a generi come&nbsp;l'Acid House, l'Ambient&nbsp;e la Bass Music.

Il suo percorso si è sviluppato tra produzione musicale, post-produzione audio e sperimentazione sonora. Nel corso della sua attività ha collaborato con aziende del settore audio come Tracktion, Dawesome, Baby Audio, D16 Group e ADSR. All’interno di Matchfy PRO, HydraTek offrirà supporto professionale&nbsp;sugli aspetti creativi e tecnici dei progetti musicali, con grande attenzione alla cura dell'identità sonora, arrangiamento, impatto, coerenza stilistica e sviluppo artistico.

HydraTek ha dichiarato: "Ho scelto Matchfy PRO perché credo sia una piattaforma capace di creare un contatto reale tra artisti e professionisti, valorizzando il confronto diretto e un feedback concreto. Mi interessa contribuire a un ecosistema in cui la crescita artistica passi anche attraverso ascolto, selezione e orientamento di qualità".

Paolo Mantini, CEO e fondatore di Matchfy, ha aggiunto: "HydraTek rappresenta una figura perfettamente in linea con la visione contemporanea di Matchfy PRO: innovazione sonora, competenza tecnica e forte identità artistica. La sua esperienza nel mondo del sound design e della musica elettronica internazionale porta un contributo importante alla nostra community, soprattutto in un momento storico in cui il suono e la ricerca creativa stanno diventando sempre più centrali nello sviluppo degli artisti".

Matchfy PRO, entra HydraTek

Producer e sound designer, offrirà feedback su identità sonora e produzione elettronica

Material Music Group ha lanciato una divisione editoriale in collaborazione con Downtown Music Publishing.&nbsp;

La nuova struttura, creata con l'obiettivo di affiancare gli autori in sessioni di composizione, collaborazioni, sincronizzazione musicale, attività&nbsp;di A&amp;R e sviluppo della carriera, è stata amministrativamente affidata a Downtown Music, che gestirà direttamente anche i diritti sulle registrazioni e la riscossione dei diritti d'autore.

Il primo artista a essere stato messo sotto contratto dalla divisione editoriale è stato Richard Atkins, autore e produttore già al lavoro con Girls Don't Sync, Becky Hill, Rudimental, Jax Jones e Jess Bays.

Il CCO di Downtown Music Publishing, Jedd Katrancha, ha dichiarato: "L'approccio di Material deriva da una visione molto simile alla nostra in materia di editoria. C'è un vero e proprio allineamento nel modo in cui concepiamo la creatività, la collaborazione e il valore a lungo termine, e questo rende questa partnership molto naturale. Siamo entusiasti di supportarli e di aiutarli a far crescere ciò che stanno costruendo".

Sean Brosnan, amministratore delegato di Material Music, invece, ha commentato: "In qualità di azienda musicale, mettiamo sempre l’artista al centro di ciò che facciamo; il nostro compito è potenziare la sua ambizione creativa e la sua visione globale. Il lancio della nostra divisione editoriale Material Music ci permette di offrire e ampliare tali relazioni e opportunità creative con un’infrastruttura globale senza pari attraverso il nostro partner Downtown Music Publishing. Non vedo l’ora di costruire una famiglia di autori di livello mondiale, a partire dal talentuosissimo Richard Atkins".

Material Music lancia una divisione editoriale

Downtown Music Publishing si occuperà della gestione amministrativa a livello globale

Sony Music ha depositato un nuovo ricorso alla causa contro Udio, chiedendo di estendere l'azione per violazione del copyright a 30.304 opere che, secondo la major, sarebbero state usate e riprodotte senza autorizzazione nel training della piattaforma GenAI. Nel testo, ottenuto da DMN, Sony sostiene di avere ora “chiarezza sulla portata della violazione di Udio” e afferma di aver “identificato centinaia di migliaia” di file audio potenzialmente in violazione attraverso un processo sistematico di matching basato su Audible Magic; per questo, le opere inserite nel ricorso sono state presentate come solo una parte del materiale contestato. La società scrive inoltre di aver scelto di perseguire “l'uso e la riproduzione da parte di Udio di oltre 30mila opere” per mantenere ordinato il procedimento e accelerare la definizione delle questioni centrali.

Udio ha contestato la richiesta in una lettera al tribunale, sostenendo che l'ampliamento “farebbe di fatto ripartire da zero la fase istruttoria” su decine di migliaia di opere aggiuntive e su diverse nuove parti, con un possibile “ritardo di molti mesi” anche sulla decisione relativa alla sua difesa fondata sul fair use. La prossima verifica procedurale è fissata per il 10 luglio.

A oggi, la major guidata da Rob Stringer è l’unica a non aver chiuso un accordo quadro con l’ex startup fondata nel 2024 da un team di ex ricercatori di Google DeepMind guidato da David Ding: Universal Music e Warner Music hanno infatti siglato accordi con Udio rispettivamente <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">nell’ottobre</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755486/intelligenza-artificiale-wmg-sigla-accordi-con-udio-e-stability">nel novembre</a> dello scorso anno.

Sony Music, si allarga la battaglia legale contro Udio

La major presenta un nuovo ricorso con oltre 30mila sospette violazioni

Live Nation e Ticketmaster potrebbero essere oggetto di un’indagine da parte delle autorità antitrust del Regno Unito: il procedimento potrebbe essere avviato dopo la presentazione di un rapporto della commissione per gli affari commerciali e industriali della Camera dei Comuni UK.

In seguito a <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746536/dynamic-pricing-ticketmaster-indagine-uk-antitrust-biglietti-oasis">un’inchiesta avviata nel 2024</a>, la commissione aveva chiesto alla Competition and Markets Authority - ente che vigila sulla correttezza dei mercati nazionali - di dare priorità a un’indagine sul mercato del live. Ticketmaster, in prima istanza, aveva rifiutato di essere audita, ma è stata poi ascoltata per due volte - nel corso del 2025 - insieme alla propria società madre, Live Nation. Secondo il comitato, le audizioni hanno lasciato “serie preoccupazioni” sullo stato della concorrenza e suggeriscono che la posizione dominante del gruppo abbia creato “un clima di paura” nel settore.

Nel rapporto pubblicato dal Parlamento, su 23,1 milioni di biglietti venduti nel 2025 nel Paese Live Nation ne controllava direttamente il 58%, quota che sale al 66% includendo le società affiliate. Il documento segnala anche il peso del gruppo nel mercato secondario, grazie alla limitazione delle rivendite alla piattaforma di resale di Ticketmaster, oltre a un modello integrato e ad accordi di esclusiva che, secondo i deputati, rendono più difficile per artisti, manager e promoter indipendenti operare fuori da quell’ecosistema. Il presidente della commissione Liam Byrne ha detto che “ciò che ha particolarmente allarmato il comitato non è stata solo la portata della posizione di mercato di Live Nation tra promozione, venue e ticketing, ma il clima di paura che abbiamo incontrato durante questa indagine” e che “un numero sorprendente di contributi ha chiesto l’anonimato perché le persone erano preoccupate per le conseguenze di parlare apertamente”.

Ticketmaster, in arrivo un’indagine antitrust anche in UK?

Da un rapporto di una Commissione della Camera britannica emerge una ‘serie di preoccupazioni’

Mediterranean Girls in Music - realtà fondata da Arianna Bartolozzi Bellantuono (nella foto)&nbsp;come progetto editoriale dedicato all’industria musicale con un focus sul Mediterraneo e sulle donne - ha lanciato un’agenzia specializzata in audience insight, fandom analysis e cultural intelligence. La nuova entità “collabora con etichette, management, artisti e realtà appartenenti al settore musicale e creativo supportandoli nella comprensione di pubblico, fandom, mercati musicali e contesti culturali differenti attraverso analisi, report e strategie”, aiutando i propri clienti a “comprendere meglio il proprio pubblico, il comportamento dei fan, i mercati musicali e i contesti culturali in cui la musica viene ascoltata, condivisa e vissuta, permettendo loro di orientarsi più consapevolmente nei mercati e negli ecosistemi culturali più adatti all’artista, al servizio o al prodotto musicale che desiderano promuovere”.

Composto principalmente da giovani donne nate tra la fine degli anni ’90 e l’inizio degli anni 2000, il team dell’agenzia “è cresciuto vivendo la musica anche attraverso esperienze dirette all’interno di diverse fanbase, esperienza che si affianca alla preparazione professionale nel settore musicale, creativo e in quello del business”.

“Vivendo tra Italia e Regno Unito mi sono resa conto di quanto la cultura mediterranea venga spesso raccontata attraverso stereotipi o prospettive molto limitate, anche per quanto riguarda la nostra industria musicale che, rispetto a mercati più grandi come quello anglosassone, tende spesso a passare un po’ in secondo piano”, ha dichiarato Bartolozzi Bellantuono: “MGIM è nato proprio dalla volontà di creare uno spazio capace di valorizzare la nostra cultura musicale, costruire connessioni più solide tra persone e professionisti della regione mediterranea e, allo stesso tempo, osservare il settore musicale attraverso una prospettiva più internazionale e interdisciplinare. Con il tempo il progetto si è evoluto naturalmente verso una dimensione più ‘research-driven’ e analitica, il che ci ha permesso di approfondire non solo il music business in sé, ma anche le community, i comportamenti e gli ecosistemi culturali e digitali che si sviluppano attorno alla musica stessa”.

Mediterranean Girls in Music lancia un’agenzia di data analysis

Con specializzazione in audience insight, fandom analysis e cultural intelligence

Fino al 2023, Paul Pacifico era una delle figure “istituzionali” più in vista sul panorama indipendente britannico ed europeo: per 9 anni presidente di&nbsp;UK Music, per 6 CEO della Association of Independent Music e per altrettanti negli organi di gestione di Impala, il già professore associato al prestigioso Berklee College of Music - e fondatore della società di consulenza Specific Music - tre anni e mezzo fa si è trasferito a Riyad, Arabia Saudita, dove è stato nominato CEO della Music Commission istituita dal locale Ministero della Cultura. Uno step di carriera che è tutto meno che un esilio dorato alla periferia dell’impero dell’industria di settore: la cultura e intrattenimento, infatti, sono tra i pilastri sui quali si poggia Saudi Vision 2030, ambizioso programma varato nel 2016 dal principe Mohammed bin Salman per emancipare l’economia del Paese dalla produzione petrolifera e rendere l’Arabia Saudita un hub commerciale - e non solo - tra Europa e Asia. Con una robusta disponibilità finanziaria in grado di supportare <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743338/arabia-saudita-in-arrivo-una-nuova-arena-per-gli-eventi-dal-vivo">un rapido sviluppo delle infrastrutture</a> indispensabili alla nascita di un vero e proprio comparto live nazionale, e un quadro socio/demografico adatto a garantire (come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-730312/ifpi-annuncia-classifiche-musicali-ufficiali-medio-oriente-nord-africa">già osservato</a> da <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-739651/ifpi-nuove-classifiche-regione-mena">diverse</a> <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745095/recording-academy-espansione-strategica-in-africa-e-medio-oriente">entità occidentali</a> negli ultimi anni) margini di crescita molto ampi al mercato della musica registrata, Riyad appare - agli occhi degli osservatori europei e nordamericani - come la più classica delle nuove frontiere per lo sviluppo di un’industria di settore (in questo caso, musicale). Una visione fondata, ma - ha spiegato Pacifico a Rockol MusicBiz in occasione della tappa romana del tour della Marvels of Saudi Orchestra, lo scorso 10 maggio - per certi versi limitante. Perché “quello a cui stiamo assistendo ora è lo sviluppo, da parte delle industrie creative, di una propria voce, di una propria identità e, sempre più spesso, di una propria influenza internazionale”...

Che bilancio può tracciare dell’esperienza italiana della&nbsp;Marvels of Saudi Orchestra? Qual è stata, per quello che ha potuto osservare, la risposta di istituzioni, settore e pubblico? Più in generale, qual è stata l’importanza di quest’ultimo tour mondiale, conclusosi proprio a Roma?

Roma è stata un momento particolarmente significativo per la Marvels of Saudi Orchestra. Certo, la location in sé era straordinaria, ma ciò che ha reso speciale la serata è stato lo scambio artistico che si è svolto sul palco. Abbiamo assistito a un autentico scambio tra musicisti, pubblico e istituzioni saudite e italiane. La collaborazione con il Maestro Marcello Rota, la partecipazione di Andrea Bocelli e l'integrazione delle tradizioni orchestrali saudite e italiane hanno creato qualcosa di ambizioso e al tempo stesso profondamente umano. Durante tutta l'esibizione si percepiva un autentico senso di curiosità e rispetto da parte del pubblico. Ciò che è stato particolarmente incoraggiante durante il tour è stato vedere la musica saudita riconosciuta a livello internazionale con vera profondità e serietà. Il pubblico la sta apprezzando come una tradizione artistica con una storia, un'identità e una rilevanza contemporanea. Questo cambiamento è importante, e la risposta in Italia lo ha confermato. Abbiamo visto un coinvolgimento non solo da parte delle istituzioni culturali e dell'industria musicale, ma anche da parte del pubblico, che si è sentito emotivamente coinvolto dall'esibizione stessa. La musica crea comprensione molto rapidamente: a Roma lo si poteva percepire. Più in generale, il tour ha dimostrato la fiducia e la maturità dell'ecosistema musicale in continua evoluzione dell'Arabia Saudita. Nel corso di oltre undici esibizioni internazionali, da Parigi e Londra a Tokyo, Riyadh, Sydney, Al-'Ula, New York e ora Roma, abbiamo avuto l'opportunità di presentare musicisti sauditi su alcuni dei palcoscenici più prestigiosi del mondo, costruendo al contempo relazioni artistiche durature a livello internazionale.

Lo scorso dicembre ha avuto luogo l’ultima edizione della Riyadh Music Week. Per l’occasione, lei ha parlato di un “future where music connects us all”: quali sono state, a suo giudizio, le connessione più importanti che hanno preso vita nel corso della manifestazione?

L'aspetto più interessante della Riyadh Music Week è stato il numero di conversazioni e connessioni diverse che si sono sviluppate contemporaneamente. Non si trattava solo di artisti che incontravano altri artisti, ma anche di educatori che incontravano imprenditori, manager che incontravano responsabili politici, talenti regionali che incontravano partner internazionali e pubblico che scopriva scene e prospettive completamente nuove.&nbsp;Questo è il vero punto di forza della Riyadh Music Week: è concepita come una piattaforma ecosistemica, non come un singolo evento. L'obiettivo è creare continuità e collaborazioni a lungo termine. Uno degli sviluppi più importanti che stiamo osservando è la crescente fiducia degli stessi creatori sauditi. C'è ora una generazione di artisti, produttori e imprenditori musicali sempre più aperti al mondo, connessi a livello internazionale e ambiziosi dal punto di vista commerciale, pur rimanendo profondamente radicati nella propria identità. Abbiamo anche assistito a un dialogo regionale più intenso in Medio Oriente e Nord Africa, insieme a un coinvolgimento significativo con i leader del settore in Europa, Asia e Stati Uniti. Queste conversazioni sono importanti perché la musica oggi è fondamentalmente collaborativa e globale. Quando parlo di musica che ci unisce tutti, intendo proprio letteralmente. La musica crea relazioni tra persone e culture molto rapidamente. Spesso in modo più naturale e onesto rispetto a molte altre forme di scambio.

Secondo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757704/mercato-discografico-mondiale-dati-2025-ifpi-crescita-6-4">il più recente rapporto IFPI</a>, la regione MENA si è rivelato uno dei mercati emergenti più vitali a livello globale nel 2025, con una crescita su base annua del 15,2%: quali sono le prospettive, a medio-breve termine, per il mercato discografico locale? Quali sono i segmenti che, al momento, hanno maggior margine di crescita?

I dati sulla crescita riflettono qualcosa di molto tangibile. In tutta l'Arabia Saudita e nell'intera regione, stiamo assistendo a un rapido sviluppo simultaneo della domanda del pubblico, delle infrastrutture, delle competenze professionali e della produzione creativa. Lo streaming continua a essere un fattore trainante, soprattutto perché il pubblico della regione è giovane, fortemente digitalizzato e culturalmente attivo. Ma ciò che è interessante ora è la diversificazione in atto attorno a questo fenomeno. La musica dal vivo ha un enorme potenziale di crescita. Stiamo assistendo a una crescente sofisticazione nei tour, nello sviluppo di locali, nei festival, nelle esibizioni orchestrali e nelle esperienze musicali basate sulla comunità. L'istruzione è un altro ambito cruciale, perché una crescita sostenibile del settore dipende dallo sviluppo di talenti in ogni parte dell'ecosistema, non solo tra gli artisti, ma anche tra produttori, compositori, manager, tecnici e dirigenti. Stiamo già vedendo l'impatto di una maggiore accessibilità della musica ai giovani attraverso scuole, programmi di formazione e iniziative comunitarie in tutto il paese. Esistono anche significative opportunità nel campo dell'editoria musicale, della sincronizzazione, dei videogiochi, delle colonne sonore e della diffusione internazionale del repertorio arabo in modi nuovi. Penso inoltre che il dibattito si sia evoluto, andando oltre l'idea che l'Arabia Saudita o la regione MENA siano semplicemente "mercati emergenti". Quello a cui stiamo assistendo ora è lo sviluppo, da parte delle industrie creative, di una propria voce, di una propria identità e, sempre più spesso, di una propria influenza internazionale.

Cosa si aspettano i player dell’industria musicale sauditi dai loro omologhi europei? In che modo il rapporto tra l’industria musicale europea e quella saudita può consolidarsi, e con quali benefici?

Credo che una relazione funzioni al meglio quando si basa su uno scambio autentico piuttosto che su un impegno unidirezionale. L'Arabia Saudita ha un ecosistema musicale giovane e in rapida evoluzione, mentre l'Europa apporta decenni di conoscenze istituzionali, infrastrutture ed esperienza nel settore. Allo stesso tempo, artisti e aziende saudite stanno portando nuovi pubblici, nuove prospettive e investimenti sempre più significativi nel panorama musicale globale. Le partnership più solide sono quelle costruite sulla collaborazione e sulla condivisione delle conoscenze. Ciò può significare coproduzioni, partnership per tournée, iniziative educative, rapporti editoriali, collaborazioni orchestrali, programmi di sviluppo artistico o semplicemente la creazione di maggiori opportunità per i professionisti di lavorare insieme in modo continuativo. Ciò che i partner europei scoprono spesso molto rapidamente è la profondità della creatività e dell'ambizione presenti nella scena saudita. Allo stesso modo, i professionisti del settore sauditi beneficiano dell'esperienza internazionale e di reti consolidate da tempo. In definitiva, entrambe le parti traggono vantaggio da una maggiore connettività. La musica cresce attraverso lo scambio.

Nel 2021, quando il mondo della musica dal vivo occidentale era ancora bloccato dalla pandemia, l’Arabia Saudita si pose un obiettivo molto ambizioso in termini di industria del live, dichiarando di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-727094/concerti-l-arabia-saudita-mira-a-crescere-del-600-nel-2022">voler crescere del 600% nel 2022</a>: a oggi, qual è lo stato del settore, nel paese?

Da allora, il ritmo di crescita è stato notevole. L'Arabia Saudita ospita ora una vasta gamma di esperienze di musica dal vivo di diversi generi, dimensioni e pubblico, dai grandi concerti internazionali e spettacoli orchestrali a eventi locali, programmi educativi e vetrine regionali.&nbsp;Ciò che è particolarmente importante è che anche l'ecosistema alla base del settore della musica dal vivo è maturato in modo significativo. Ora disponiamo di una maggiore capacità produttiva, di promoter più esperti, di infrastrutture per le location in via di sviluppo, di un numero crescente di talenti locali e di una cultura del pubblico molto più ampia nei confronti delle performance dal vivo. Allo stesso tempo, c'è ancora un enorme margine di crescita. Si tratta di un processo a lungo termine e l'ambizione rimane elevata. Ciò che conta di più ora è la sostenibilità e la qualità. L'attenzione non è rivolta solo alle dimensioni, ma alla costruzione di un ecosistema musicale sano e connesso a livello internazionale che crei opportunità per artisti, aziende e pubblico nel tempo.

Le tensioni che stanno interessando l’area dalla fine dello scorso febbraio in che modo impatteranno sul settore live? Quanto il turismo musicale era considerato strategico per attrarre nel Paese i grandi player internazionali?

I periodi di incertezza regionale inevitabilmente influenzano la fiducia e la pianificazione a lungo termine in molti settori, compreso quello dell'intrattenimento dal vivo. Ma anche la musica gioca un ruolo importante durante i periodi difficili perché crea connessione, dialogo ed esperienze umane condivise. La strategia culturale dell'Arabia Saudita è sempre stata più ampia del solo turismo. Certo, attrarre pubblico internazionale e artisti di fama mondiale è importante, ma l'obiettivo primario è costruire un ecosistema culturale nazionale sostenibile che supporti i creatori, sviluppi il pubblico e contribuisca alla qualità della vita. Quello che stiamo vedendo ora è che l'Arabia Saudita è diventata una destinazione sempre più affermata nel panorama globale dei tour e della cultura. Questo slancio si basa non solo sulle dimensioni, ma anche sulla serietà degli investimenti in infrastrutture, sviluppo dei talenti e crescita culturale a lungo termine. Il turismo musicale è certamente parte di questo quadro, ma la storia più importante è l'emergere della cultura come parte significativa e permanente dello sviluppo nazionale.

Quali sono, a oggi, le priorità nell’agenda della Music Commission? A livello istituzionale, quale direzione è stata indicata dal Ministero della Cultura?

Le priorità sono strettamente connesse e concepite per supportare la crescita a lungo termine dell'intero ecosistema. La Commissione per la Musica si concentra sulla costruzione di un ecosistema musicale completo e sostenibile che abbracci istruzione, sviluppo dei talenti, conservazione del patrimonio, infrastrutture, regolamentazione, formazione professionale, scambi internazionali e crescita del settore. L'educazione musicale riveste un ruolo particolarmente importante in questo ambito. La crescita culturale a lungo termine dipende dalla possibilità offerta ai giovani di accedere alla musica fin dalla tenera età, creando opportunità di studio, esibizione e sviluppo professionale in diversi settori dell'industria. Oggi, i programmi di educazione musicale raggiungono centinaia di migliaia di studenti in tutta l'Arabia Saudita, comprese iniziative scolastiche volte a integrare la musica nell'apprendimento quotidiano e nello sviluppo creativo. Questo include non solo artisti e interpreti, ma anche compositori, produttori, tecnici, insegnanti, manager e imprenditori. Per un ecosistema musicale sano a lungo termine, è necessario investire nell'intero percorso di sviluppo dei talenti. Allo stesso tempo, ci impegniamo a garantire che la musica saudita rimanga centrale in questo sviluppo. Ciò significa preservare le forme musicali importanti e le tradizioni regionali, sostenendo al contempo la creatività contemporanea e la collaborazione internazionale. Il Ministero della Cultura ha sempre riconosciuto con chiarezza l'importanza della cultura e della musica nella vita quotidiana e ha espresso il proprio sostegno allo sviluppo a lungo termine delle industrie creative. Ciò si riflette in iniziative come "Marvels of Saudi Orchestra", la "Riyadh Music Week" e nei crescenti investimenti nell'educazione musicale, nella formazione e negli scambi culturali internazionali.

Quali sono state le sfide principali in questi <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-733138/arabia-saudita-music-commission-paul-pacifico-nominato-ceo">tre anni e mezzo nel ruolo di CEO della Music Commission</a>?

La portata e la velocità del cambiamento sono state probabilmente la sfida più grande, ma anche uno degli aspetti più gratificanti del ruolo. Costruire un ecosistema musicale moderno implica lo sviluppo simultaneo di molteplici livelli. Si tratta di supportare gli artisti, costruire istituzioni, creare percorsi formativi, sviluppare normative, ampliare il pubblico, attrarre investimenti e stabilire collaborazioni internazionali, tutto allo stesso tempo. Un'altra sfida importante è stata quella di bilanciare la rapida crescita con la sostenibilità a lungo termine. E’ relativamente facile creare momenti di visibilità. Il lavoro più importante è quello di creare strutture che continuino a supportare la creatività e le opportunità per decenni. C'è anche la responsabilità di rappresentare la musica saudita a livello internazionale in modo autentico e credibile. Ciò significa evitare gli stereotipi e lasciare che la complessità e la ricchezza della cultura musicale saudita parlino da sole. La cosa più gratificante è stata vedere l'emergere di una nuova generazione di musicisti e professionisti della musica sauditi con una reale fiducia nel loro futuro. E’ lì che si sentirà più chiaramente l'impatto a lungo termine.

Superare il concetto di mercato emergente nell'industria musicale

La visione di Paul Pacifico, CEO della Music Commission presso il Ministero della Cultura saudita

Stability AI, società già sviluppatrice di Stable Diffusion e già entrata nel settore audio con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-739385/stability-ai-nuovo-programma-intelligenza-artificiale-stable-audio" target="_blank">Stable Audio</a>, ha annunciato il lancio di Stable Audio 3.0, nuova famiglia di modelli musicali basati sull’intelligenza artificiale e addestrati, secondo quanto riferito dall’azienda, su dati concessi in licenza.

I nuovi modelli, secondo quanto riferito dall'azienda, sono stati addestrati su dati concessi in licenza e sono assolutamente in grado di generare brani della durata di 6 minuti o più. Tre dei quattro modelli, inoltre, sono "open weight", quindi scaricabili ed utilizzabili.&nbsp;Il lancio ha segnato un’evoluzione rispetto alla versione precedente, Stable Audio 2.0, presentato nel 2024, che consentiva generazioni&nbsp;audio fino a tre minuti.

Stability AI ha spiegato: "3.0 Small genera fino a due minuti, rispetto agli 11 secondi di Stable Audio Open Small e ai 47 secondi di Stable Audio Open. 3.0 Medium e 3.0 Large generano più di sei minuti".

Il materiale con cui sono stati addestrati i nuovi modelli è stato concesso in licenza dalla libreria Audio Sparx, piattaforma nata nel 1996, specializzata in licenza musicale ed effetti sonori. Quest'ultima comprende circa 800.000 file audio con registrazioni Creative Commons, provenienti da Freesound.&nbsp;In base alla licenza comunitaria di Stability AI, i creator manterranno la proprietà dei contenuti generati e potranno distribuirli e commercializzarli. Le organizzazioni con ricavi annui ricorrenti superiori a 1 milione di dollari dovranno invece richiedere una licenza aziendale per l’uso commerciale.

Intelligenza artificiale, Stability AI lancia Stable Audio 3.0

Il nuovo modello genera brani di sei minuti ed è addestrato su dati concessi in licenza.

Warner Music Group e GZ Media hanno portato a termine un progetto sul riciclo dei vinili invenduti per la produzione di nuovi dischi senza comprometterne la qualità.

Il test nello specifico ha coinvolto circa 10.000 dischi, che sono stati triturati e riutilizzati per ottenere delle nuove stampe con percentuali di materiale riciclato tra il 10 e il 100 %. In seguito, sono state effettuate delle valutazioni di ascolto, coordinate e gestite dagli storici studi di&nbsp;Abbey Road, a Londra,&nbsp;che hanno certificato come il materiale recuperato non comprometta in nessun modo la qualità del suono. Il progetto tiene conto anche dell'impatto ambientale del processo, infatti, secondo la modellizzazione dell'impronta di carbonio, il riutilizzo del materiale ha mostrato un potenziale di riduzione delle emissioni addirittura superiore al 10% rispetto al classico utilizzo del PVC vergine.

Miles Showell, ingegnere del mastering di Abbey Road, ha dichiarato: "Gli ascoltatori di vinile hanno molto a cuore la qualità del suono, quindi gli standard per questo progetto sono sempre stati elevati. Ciò che mi ha colpito è stata la coerenza delle stampe tra le diverse miscele di materiali, a dimostrazione del fatto che sostenibilità e qualità del suono non devono necessariamente essere in contrasto".

Il responsabile della sostenibilità di GZ Media,&nbsp;Vladimír Víšek, ha chiarito che: "Sostenibilità e qualità devono andare di pari passo. Affinché i prodotti più sostenibili possano essere adottati in tutto il settore, è importante che garantiscano lo stesso livello di qualità e prestazioni dei prodotti standard. Ci auguriamo che questo progetto costituisca una base su cui il settore possa continuare a costruire mentre esplora percorsi più efficienti dal punto di vista delle risorse per la produzione di vinile".

Warner Music Group testa il riciclo dei vinili invenduti

Il progetto con GZ Media mostra che i dischi riutilizzati mantengono la qualità del suono. 

La cosiddetta streaming tax canadese fa discutere da anni i DSP locali. Si tratta di un contributo economico che inizialmente era applicato solo a radio e tv tradizionali, ma che da qualche tempo viene imposto anche ai DSP e alle piattaforme di streaming video come Netflix o Amazon Prime.&nbsp;Se vogliono operare in Canada, infatti, devono versare&nbsp;il 5% dei loro incassi allo stato:&nbsp;fondi che verranno poi utilizzati per finanziare prodotti musicali, cinematografici o radiotelevisivi made in Canada, con particolare attenzione a progetti giovanili, emergenti e indipendenti.

Già da tempo le grandi corporation dello streaming, Spotify in testa, si opponevano al contributo, cercando di influenzare il governo e l'opinione pubblica tramite lettere aperte e altre operazioni di lobbying. A quanto pare, però, non solo non sono servite, ma hanno peggiorato la situazione: il CRTC, l'ente di controllo radiotelevisivo canadese, ha infatti annunciato che d'ora in poi qualunque broadcaster con fatturato superiore&nbsp;ai 25 milioni di&nbsp;dollari&nbsp;(DSP inclusi) dovrà versare ben il 15% dei suoi incassi. Non solo: per quanto riguarda le piattaforme di streaming, audio e video, le produzioni canadesi dovranno essere collocate in apposite categorie in evidenza, così da facilitare la discovery da parte degli ascoltatori e spettatori. E' probabile che a questa mossa seguirà una risposta altrettanto ferma da parte della DiMA, l'associazione di categoria che riunisce i colossi dello streaming locale.

Il Canada alza la posta: la streaming tax sarà triplicata?

La regolamentazione proposta dall'ente di controllo radiotelevisivo propone di passare dal 5 al 15%

L’acquisizione degli asset GEDI da parte del gruppo europeo&nbsp;Antenna Group&nbsp;(famiglia Kyriakou) accende i riflettori sul comparto audio di Elemedia (Radio Deejay, Capital, M2O). Ma le recenti indiscrezioni svelate da&nbsp;Andrea Biondi su&nbsp;Il Sole 24 Ore&nbsp;— che parlano di trattative serrate con&nbsp;Warner Bros Discovery&nbsp;per portare il marchio&nbsp;CNN&nbsp;in Italia e di un accordo con&nbsp;DAZN&nbsp;per un notiziario video in app — dimostrano che la radio, oggi, non può più vivere di sola modulazione di frequenza. La strategia del gruppo greco punta a creare un ecosistema multimediale totale, dove l'audio si fonde con lo streaming e il video. Una mossa che costringe l'intero panorama radiofonico italiano, a partire dalla Rai, a ripensare i propri confini.

<h3>Il ruolo del Servizio Pubblico</h3>

Davanti all'ingresso di questa nuova corazzata multimediale, gli occhi del mercato sono puntati sulla&nbsp;Rai, che affronta questa fase di cambiamento forte della sua leadership istituzionale e culturale. Canali storici come&nbsp;Radio 1, Radio 2, Radio 3&nbsp;e l'eccellenza digitale di&nbsp;RaiPlay Sound&nbsp;rappresentano da sempre il punto di riferimento assoluto per l'informazione e il racconto del Paese. La solidità del giornalismo del Servizio Pubblico e la sua capillarità sul territorio sono un patrimonio unico, difficilmente scalabile da player esteri.

In questo scenario, le manovre di Antenna Group non fanno che confermare la bontà della strada crossmediale già intrapresa da Via Asiago. La Rai, infatti, ha già ampiamente dimostrato di saper anticipare i tempi unendo l'audio al video con enorme successo: basti pensare alla rivoluzione della visual radio di&nbsp;Radio 2, grazie a programmi cult come quello di&nbsp;Fiorello&nbsp;o a esperimenti di grande seguito come&nbsp;La Pennicanza.

L'arrivo di nuovi concorrenti internazionali diventa così una grande opportunità per valorizzare ulteriormente questi asset: una convergenza sempre più stretta con la piattaforma RaiPlay e lo sviluppo di podcast nativi di altissimo livello confermano la Rai come il perno centrale attorno cui continuerà a ruotare l'evoluzione del panorama multimediale italiano.

<h3>Il Risiko dei Competitor: Mediaset e i grandi indipendenti</h3>

L'effetto domino generato da Antenna Group non risparmierà gli altri colossi del mercato:

RadioMediaset:&nbsp;Forte della sua leadership commerciale nel giorno medio, il gruppo guidato da&nbsp;Paolo Salvaderi&nbsp;dovrà accelerare sulla profilazione digitale avanzata. Per difendere i propri budget pubblicitari dall'attacco di GEDI, Mediaset dovrà rendere le proprie app e i propri contenuti on-demand ancora più appetibili per la Gen Z.

I Grandi Editori Indipendenti:&nbsp;Emittenti pure come&nbsp;RTL 102.5, RDS, Radio Italia&nbsp;o&nbsp;Radio Kiss Kiss&nbsp;dovranno fare leva sulla loro straordinaria reattività editoriale e sulla capacità di presidiare il territorio con grandi eventi live. La loro forza resta il contatto diretto e "fisico" con il pubblico, un terreno meno aggredibile dalle sinergie transnazionali del gruppo greco.

<h3>Non solo Manzoni: la sfida totale delle Concessionarie Pubblicitarie</h3>

In questo contesto di profondo cambiamento, la vera partita economica si giocherà sulla capacità delle concessionarie di vendere non più il singolo "spazio tabellare in FM", ma l'utente unico cross-piattaforma.

Se la storica&nbsp;Manzoni&nbsp;(GEDI) dovrà dimostrare di saper monetizzare un pubblico che si sposta tra radio, app e video, i competitor sono tutt'altro che impreparati:

Rai Pubblicità:&nbsp;Gioca in una posizione di assoluto vantaggio, forte di un modello commerciale che integra già perfettamente la potenza della TV generalista, la capillarità di Rai Radio e la profilazione digitale di piattaforme come RaiPlay e RaiPlay Sound. Per gli investitori, la concessionaria di C.so Sempione rappresenta una garanzia di qualità editoriale e massima copertura crossmediale.

Le concessionarie dei grandi indipendenti:&nbsp;Realtà agili come&nbsp;RDS Advertising&nbsp;e&nbsp;OpenSpace (RTL 102.5)&nbsp;hanno da tempo blindato i propri fatturati puntando sulla forza della&nbsp;Total Audio&nbsp;e su formati pubblicitari altamente personalizzati. La loro capacità di associare lo spot radiofonico ai grandi eventi sul territorio, alla visual radio e al digital garantisce una flessibilità e una vicinanza al target commerciale che i grandi gruppi transnazionali dovranno faticare per replicare.

La radio non sta scomparendo, al contrario: sta ampliando i suoi confini, e chi ha già saputo unire la forza della tradizione all'innovazione tecnologica è pronto a guidare il mercato dei prossimi anni.

GEDI e il piano Antenna: Radio, Tv e streaming nel dopo-frequenze

L’ingresso del gruppo greco scuote il mercato: dalle trattative per CNN in Italia alle news con DAZN

In vista delle Elezioni dell’Assemblea dei Delegati per il rinnovo degli Organi Collegiali di NUOVOIMAIE, che si svolgeranno online nei giorni 14, 15 e 16 giugno 2026, dalle 08:00 alle 21:00, la collecting ha reso disponibile online - sul proprio canale YouTube - un video tutorial con le istruzioni per registrarsi ed esprimere la propria preferenza sulla piattaforma:

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Per qualsiasi problematica tecnica, a beneficio degli artisti dal 4 giugno 2026 sarà attivo il call center di supporto al numero 011 19755642 o via e-mail scrivendo all’indirizzo nuovoimaie@feedbackitalia.it. Il call center sarà aperto dal 4 al 13 giugno, dal lunedì al venerdì, dalle 09:00 alle 17:00, e&nbsp;dal 14 al 16 giugno, dalle 07:00 alle 22:00.