Uno dei principali obbiettivi di ESNS (lo showcase festival in programma ogni anno a Groningen, in Olanda, storicamente noto come Eurosonic Noorderslag)&nbsp;è quello di creare sinergie tra le varie industrie europee del live, permettendo ad artisti emergenti e underground di esibirsi in tutta Europa. Uno dei veicoli utilizzati è European Talent Exchange, il programma di scambio istituito appositamente allo scopo che coinvolge tutti gli artisti del festival olandese&nbsp;e 130 altri festival partner.

Sono stati presentati proprio oggi i risultati dell'edizione 2026, che si rivela sempre molto proficua: 256 concerti e showcase confermati per 115 artisti europei da 32 nazioni, in programma in 73 festival partner di 28 nazioni diverse. E questo per la sola stagione estiva. Per gli amanti della statistica, i più richiesti sono stati i Madra Salach, band irlandese che suonerà in ben 16 festival tra cui l'italiano Beaches Brew. Per quanto riguarda i nostri connazionali, invece, la palma va a Gaia Banfi, che suonerà in quattro festival partner.

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ESNS: presentati i risultati dell'European Talent Exchange 2026

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Il programma di scambio legato al festival è ormai una tradizione consolidata

Nuovo ingresso in casa Big Picture MGMT,&nbsp;la società di management e music development fondata da Paola Zukar (che al momento conta nel suo roster alcuni degli artisti più influenti del panorama urban e non solo: Marracash, Fabri Fibra, Tiziano Ferro, Madame e i produttori Marz e Zef). Si tratta di&nbsp;Mouhammed Aledjou, che va ad affiancarsi a Zukar stessa, Pier Castellini e Winston Adom.

Originario del Togo ma nato e cresciuto in Italia in una famiglia italoamericana,&nbsp;Aledjou ha un background da designer e ha lanciato la app LACE IT dedicata al mondo delle sneakers prima di intraprendere una carriera in discografia. Dopo il suo ingresso in Sony Music nel 2022 ha fatto carriera fino a ricoprire il ruolo di A&amp;R Manager presso Columbia Records, posizione che ha ricoperto fino a questo momento.

Big Picture MGMT, entra Mouhammed Aledjou

Già A&R manager di Columbia Records, si unisce all'azienda fondata da Paola Zukar

Si è tenuto oggi, giovedì 28 maggio, a Milano, il workshop “La nuova frontiera dei diritti: la tutela della voce”, evento organizzato da Ontier in collaborazione con Rockol MusicBiz per esplorare forme inedite di sfruttamento commerciale per gli artisti interpreti ed esecutori sotto forma di autorizzazione o utilizzo della voce attraverso l’intelligenza artificiale.

“Nell’era dell’intelligenza artificiale generativa, la voce rappresenta uno degli asset più strategici per l’industria musicale, ma anche il più esposto a fenomeni quali deepfake vocali, clonazioni, nuovi modelli di licensing e sfruttamento commerciale”, ha osservato Ontier: “Si tratta di un cambio di paradigma per l’intero settore (compresi artisti, label, piattaforme e operatori tech) che ha aperto scenari inediti sul fronte della tutela della voce, ma che sul piano legislativo risente di una disciplina non al passo con i tempi”.

“Oggi non basta parlare di strategie difensive, serve un approccio proattivo che consenta di trasformare il rischio in opportunità”, ha osservato lo studio legale globale con headquarter a Londra e presenza anche in Italia, che nel corso del workshop, tenuto alla presenza dei rappresentanti di alcune delle maggiori società di discografia, publishing e management, ha proposto gli interventi degli avvocati Luca Pardo (Co-Managing Partner e Head of Regional Europe di Ontier) e Pierluigi De Palma (Of Counsel presso Ontier) per analizzare come l’intelligenza artificiale stia ridefinendo il perimetro dei diritti sulla voce tra identità personale, proprietà, licenze e nuovi modelli di sfruttamento nella filiera musicale”.

"Oggi chiunque può vedere la propria voce replicata e usata senza alcun consenso”, ha spiegato l’avvocato Luca Pardo (Co-Managing Partner e Head of Regional Europe di Ontier): “Oltre agli strumenti giuridici già esistenti ed efficaci per difendersi, come la tutela del diritto alla personalità o la tutela del diritto connesso dell’artista interprete-esecutore,occorre lavorare di più su nuovi strumenti in grado di evolvere dalla voce come diritto della personalità alla voce come proprietà o elemento del diritto d’autore, per consentirne ogni utilizzo e sfruttamento commerciale. Grazie allo specifico know how che contraddistingue Ontier nel panorama nazionale e internazionale, siamo in grado di tradurre questa complessità in soluzioni concrete e su misura”.

“Oggi clonare artificialmente la voce di un artista non è più solo tecnicamente possibile, ma anche facilmente realizzabile, grazie al rapido sviluppo di software, algoritmi di AI o altre tecnologie vocali sempre più accessibili, con conseguenze giuridiche, economiche e reputazionali di grande impatto per l’intero settore discografico e musicale”, ha proseguito Ontier: “Basti pensare che nel 2025, sulla piattaforma di streaming Deezer sono stati rilevati e taggati oltre 13,4 milioni di brani creati con l'intelligenza artificiale e, sebbene solo una piccola percentuale degli stream totali sulla piattaforma (fino al 3%) provenga da brani generati dall'IA, le frodi rappresentano fino all'85% degli ascolti. Secondo un recente studio, inoltre, il 97% delle persone non riesce a distinguere tra musica generata interamente dall'AI e musica creata dall'uomo. Casi recenti - anche di grande visibilità mediatica - hanno dimostrato come sia possibile generare performance vocali realistiche che imitano artisti noti, distribuirle su piattaforme di streaming e social media raccogliendo milioni di ascolti, prima ancora che le etichette o i diretti interessati possano intervenire. Emblematico il caso di ‘Heart on My Sleeve’, brano creato da un misterioso creator noto come Ghostwriter utilizzando l’intelligenza artificiale per riprodurre le voci di Drake e The Weeknd, che ha acceso un forte dibattito nell’industria musicale. La canzone, diventata virale su Spotify, Apple Music e TikTok prima della rimozione richiesta dalle major, ha sollevato interrogativi su copyright, proprietà intellettuale e sul futuro delle opere generate dall’AI, inclusa la possibilità che possano concorrere a premi musicali”.

“Nel nostro ordinamento la voce è un elemento della persona e della sua immagine, ma anche un dato personale che viene tutelato dal Regolamento GDPR e dalla normativa di esecuzione, incluse le linee guida dell’Autorità Garante della Privacy”, ha precisato lo studio: “Chi utilizza la voce altrui senza consenso - anche attraverso tecnologie di sintesi o clonazione - può incorrere in responsabilità civile e penale, oltre che nella violazione dei diritti connessi spettanti agli artisti interpreti ed esecutori. Eppure, lo stesso fenomeno sta aprendo nuove strategie di sfruttamento commerciale. Per Ontier, una soluzione strutturata, ad esempio, prevede che l’artista o il titolare dei diritti affidi, tramite un apposito veicolo societario, la creazione di un dataset AI della propria voce naturale, al fine di ottenere e gestire in modo esclusivo la propria voce sintetica. Questo modello garantisce la titolarità del dataset e della voce sintetica, i diritti di utilizzazione economica della stessa, la possibilità di monetizzare anche oltre i limiti temporali dei diritti della personalità, nonché la bancabilità del progetto, aprendo la partecipazione a partner e investitori terzi o la cessione del veicolo stesso”.

“Abbiamo assistito a strumenti di protezione che includono la registrazione del marchio sonoro (una forma di tutela già esplorata da alcuni nomi di rilievo del panorama artistico e mediatico <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758529/cosi-taylor-swift-ha-deciso-di-difendersi-dai-deepfake">come le&nbsp;cantanti&nbsp;Taylor Swift</a> e Giusy Ferreri o il doppiatore Luca Ward). Si tratta tuttavia di strumenti con una portata più limitata, riconducibile alla sola tutela difensiva della voce come depositata, ma che non ne consentono una valorizzazione economica strutturata, continuativa e patrimonialmente più redditizia”, ha concluso lo studio: “Nella prospettiva di Ontier, la voce sintetica non rappresenta più soltanto un elemento da tutelare, ma diventa un vero e proprio asset autonomo, suscettibile di valorizzazione economica, investimento e circolazione”.

Voci, AI e diritti nell’era dei deepfake: il workshop di Ontier

Una panoramica sulle forme inedite di sfruttamento commerciale per gli interpreti-esecutori

La parola fanfluencer,&nbsp;una crasi tra 'fan' e 'influencer', è un neologismo, ma i superfan che diventano un punto di riferimento per altri fan (fondando fan club, organizzando eventi a tema, ponendosi come intermediari tra il pubblico e l'artista) sono sempre esistiti. La differenza è che oggi hanno molti più mezzi a disposizione, in particolare i social, che permettono anche ai comuni mortali di allargare la propria platea a dismisura. Fino a casi clamorosi come quello della ventiseienne&nbsp;Olivia Lean.

Più nota con il suo nickname SwiftiesForEternity, la superfan di Taylor Swift&nbsp;si è trasformata nel giro di pochi anni una potenza mediatica: 630.000 follower su Instagram, altrettanti su TikTok e una mole di contenuti, news e aggiornamenti sulla sua beniamina da fare invidia a un vero canale broadcast. Fino a qualche anno fa Lean faceva un normale lavoro d'ufficio, che ha abbandonato dopo il celeberrimo The Eras Tour, una tournée in grado di innalzare il PIL dei paesi che toccava, e i cui biglietti sono andati esauriti in un soffio. Milioni di fan in cerca di informazioni affidabili e insight sui&nbsp;concerti hanno cominciato a rivolgersi ai social compulsivamente, e il traffico e l'engagement sui suoi account si è impennato, fino a diventare un presidio insostituibile per tutti i seguaci dell'artista. Ma la vera svolta è arrivata con le prime brand partnership: molte aziende e marchi, non potendo ambire a sponsorizzazioni con la vera Taylor Swift, si sono accontentati (per modo di dire)&nbsp;della vetrina che il profilo SwiftiesForEternity garantiva verso la sua stessa platea.

Oggi Olivia Lean ha trasformato la sua passione in un vero e proprio business, pur continuando a non avere alcuna connessione ufficiale con il team di Taylor Swift. Sembra che questo suo essere "100% unofficial" non&nbsp;interessi a nessuno, però: le collaborazioni con i brand continuano a fioccare (in particolare con quelli&nbsp;di moda, che la utilizzano come una sorta di fashion influencer, proponendo i look di Olivia in vendita sulla piattaforma LTK), ha creato un suo canale di ticket swap utilizzatissimo dal pubblico (e aperto a tutti gli altri artisti) e ad aprile 2026 ha perfino pubblicato un libro, "The Story of Us", dedicato proprio al fandom di Taylor Swift e già incluso nella categoria dei bestseller del New York Times. Tutto ciò va a beneficio della stessa Lean, ma indirettamente anche di Swift, che può sfruttare un ulteriore canale di marketing diretto e continuativo senza dover investire un dollaro nell'operazione.&nbsp;

L'economia generata dai superfan viene spesso analizzata solo in termini passivi, cioè a dire: quanto sono disposti a spendere in prodotti e servizi esclusivi che ruotano attorno ai loro idoli? In realtà andrebbe valutata anche in termini attivi, ovvero pensando al valore che le loro attività collaterali, ispirate all'attività dei loro idoli e rivolte ad altri fan, generano di riflesso. E nel caso di artisti più piccoli e meno danarosi di Taylor Swift, prestando anche attenzione a non farsi scippare occasioni di branded partnership o altri accordi di new business dai propri fanfluencers. Anche in Italia la tendenza comincia a diffondersi, anche se sembra&nbsp;essere basata su realtà più collettive, anziché ruotare attorno a una singola figura: basti pensare ai canali italiani dedicati al k-pop, organizzati come veri e propri chapter dai ranghi serrati, o alle varie fan page e community dedicate ai singoli artisti, da quelli più mainstream ai più ricercati&nbsp;(ne è un esempio Peyote Community, dedicata a Willie Peyote). Ci sono poi dei fanfluencers che hanno fatto il salto di qualità, diventando dei veri e propri influencer: Anthony Bellina per i concerti, CyaoDieffe e Camicia Variopinta per la musica registrata. Sarà senz'altro interessante monitorare le evoluzioni del fenomeno, tenendo però bene a mente la distinzione tra marketing e profilo editoriale e artistico.

I 'fanfluencers' fanno bene anche agli artisti

Il caso di Olivia Lean, che dal suo profilo Instagram ha costruito un piccolo impero

L'etichetta sudcoreana The Black Label può decisamente dirsi soddisfatta dell'ultimo round di finanziamento che ha affrontato, dove ha raccolto ben 80 milioni di dollari da un gruppo di investitori capitanato da Tencent Music Entertainment Group, il colosso leader di mercato dello streaming cinese. Lo riporta Bloomberg.

Il motivo di tanto interesse è presto detto: The Black Label è responsabile del successo della colonna sonora di "Kpop Demon Hunters", il film d'animazione di Netflix che è diventato un vero e proprio fenomeno di costume tra i giovanissimi. La label è stata valutata a 660 milioni di dollari, complice anche la presenza nel roster di alcuni artisti di punta del panorama k-pop (tra cui Rosé delle Blackpink). "Questo finanziamento ci permette di creare delle fondamenta ancora più solide per fare un passo avanti, e diventare un'azienda di entertainment che possa essere leader nel mercato globale" ha dichiarato&nbsp;Jung Kyoung In, CEO di The Black Label.

Tencent investe 80 milioni di $ in The Black Label

L'etichetta ha creato la colonna sonora di 'Kpop Demon Hunters' che ha battuto ogni record

IMPALA ha assegnato il premio "Changemaker 2026" a Popkollo, un'organizzazione svedese no profit che propone ed organizza camp musicali, laboratori e attività creative coinvolgendo ragazze e giovani trans.

Popkollo, fondata a Hultsfred nel 2003, ha sviluppato attività e iniziative rivolte soprattutto a giovani tra i 10 e i 18 anni con alcuni programmi interessanti anche per adulti. All'interno di queste giornate all'insegna della creativirà, i partecipanti hanno la possibilità di imparare a suonare gli strumenti, formare delle band, approcciarsi alla scrittura di canzoni e produrre musica, senza avere alcun tipo di esperienza pregressa. L'approccio utilizzato dall'organizzazione svedese, "Do It Together", è ispirato direttamente alla cultura del 'fai da te' e riesce nell'intento di riunire tantissime associazioni locali in Svezia, con il supporto concreto di un ufficio nazionale con sede a Stoccolma.&nbsp;

Matilda Köpcke, coordinatrice operativa nazionale di Popkollo, ha dichiarato: "Siamo molto orgogliosi dei nostri volontari e del nostro approccio ‘Do It Together’. Popkollo si basa sullo sforzo collettivo delle comunità locali e tutto ciò che facciamo nasce dalla collaborazione delle persone sul campo. Il nostro obiettivo principale è creare spazi sicuri dove le persone possano essere creative e sentirsi libere di esprimersi. Questo è un risultato condiviso, non qualcosa che appartiene a una singola persona o a una parte dell’organizzazione che agisce da sola. Vogliamo che la musica e l’espressione artistica siano aperte a tutti, non solo a un gruppo ristretto o privilegiato".

Eva Karman Reinhold, copresidente della task force EDI di IMPALA e presidente di SOM, Svezia, ha commentato: "Da oltre vent’anni, Popkollo crea instancabilmente opportunità per ragazze e giovani trans nel mondo della musica, trasformando la musica in forza collettiva. Il loro corso di formazione per produttrici rivolto a donne adulte e persone trans - "Chi può diventare produttrice?"&nbsp;-&nbsp;apre nuove porte, rafforza la fiducia in sé stessi e cambia la vita attraverso la musica e la comunità. Popkollo è senza ombra di dubbio un Changemaker".

IMPALA: il premio "Changemaker 2026" a Popkollo

L’organizzazione svedese organizza camp musicali e laboratori creativi per ragazze e giovani trans

Con un post sul proprio blog aziendale, YouTube ha annunciato un aggiornamento dello standard per le procedure di segnalazione dei contenuti generati con l'AI: a partire da questo mese la piattaforma utilizzerà speciali etichette per contrassegnare i video prodotti grazie a uno sfruttamento “significativo” di modelli di intelligenza artificiale. Il sistema amplia un impianto introdotto nel 2024 che si basava soprattutto sull'autodichiarazione dei creator, in una fase in cui i video “sintetici” erano ancora più facili da riconoscere. Ora il servizio indica due peculiarità specifiche per l'etichettatura automatica: i metadati C2PA che segnalano una fonte interamente AI e l'uso di strumenti Google con watermark, come Veo. Per i creator resta l'obbligo di dichiarare l'uso dell'AI in fase di upload, ma chi ritiene che un video sia stato etichettato in modo errato potrà presentare ricorso, tranne nei casi in cui il tag derivi da uno di questi due segnali, che YouTube considera permanenti.

"Questi cambiamenti sono progettati per bilanciare la trasparenza con il controllo dei creator", ha spiegato YouTube nel proprio post, osservando come "una sola etichetta di segnalazione non cambia il modo in cui un video viene raccomandato né se è idoneo alla monetizzazione".

YouTube, via il rilevamento automatico dell'AI nei video

Come funziona - e come incide sulle attività dei creator - il nuovo sistema di segnalazione

La piattaforma di Internet radio Last.fm ha annunciato di essere tornata indipendente. “Oggi Last.fm inizia un nuovo capitolo come azienda indipendente”, ha fatto sapere l’azienda in una nota, molto stringata, nella quale non è stata svelata l’identità dei nuovi proprietari: “La proprietà è cambiata,&nbsp;ma il prodotto che usi ogni giorno è rimasto lo stesso. Account, cronologia di ascolto e dati rimangono esattamente dove sono. Il team che gestisce Last.fm resta lo stesso. Il servizio continua normalmente”.

Maggiori dettagli sui prossimi sviluppi saranno resi noti nelle prossime settimane.

Fondata nel 2002 nel Regno Unito da Felix Miller, Martin Stiksel, Michael Breidenbruecker, Thomas Willomitzer e Richard Jones, Last.fm era stata <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-87444/venduto-un-altro-sito-musicale-leader-lastfm-passa-a-cbs">acquisita nel 2007 da CBS Corporation</a> - oggi parte del gruppo Paramount Skydance Corporation - per 140 milioni di sterline. Due anni dopo i fondatori del servizio <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-101445/lastfm-i-fondatori-del-sito-escono-di-scena">avevano annunciato la propria uscita dall’organico dell’azienda</a>.

Last.fm torna indipendente

La società è stata ceduta da CBS Corporation (ora parte di Paramount Skydance Corporation)

Spotify ha ulteriormente ampliato il ventaglio di contenuti audio inclusi nell'abbonamento introducendo nella propria offerta gli articoli - come “narrated articles” - di alcune riviste testate internazionali. Il team dell'azienda ha trasformato in audio in lingua inglese più di 650 articoli long-form, ascoltabili dagli abbonati dentro la loro quota mensile per gli audiolibri oppure acquistabili a 1,99 dollari ciascuno dopo l'esaurimento di quella disponibilità. Tra i partner - accanto a testate come Vogue, The Atlantic, Variety, GQ, Vanity Fair e Wired - figurano anche magazine musicali come Rolling Stone, Billboard, Vibe e Pitchfork. Secondo il DSP questo genere di contenuti potrà "consentire alle persone di provare ascolti più brevi, meno intimidatori, aprendo la porta a esplorare forme di ascolto più lunghe come i libri". La società punta così a consolidare la crescita già registrata negli audiolibri, con ore di ascolto aumentate del 60% nell'ultimo anno.

"Con Articles, introduciamo il giornalismo d'inchiesta in formato audio come naturale estensione della musica, dei podcast e degli audiolibri che già interessano agli utenti di Spotify, concentrandoci su argomenti che sappiamo essere di loro interesse", ha dichiarato Colleen Prendergast, responsabile delle licenze di Spotify Audiobooks: "Integrando contenuti più brevi, raggiungiamo il pubblico dove si trova, contribuendo a creare sane abitudini di ascolto e, in definitiva, ad aumentare l'interesse per i libri nel tempo".

“Siamo entusiasti di collaborare con Spotify in quella che consideriamo una sinergia naturale tra due piattaforme che celebrano la musica e la cultura”, ha aggiunto Julian Holguin, CEO di Rolling Stone: “Questa collaborazione con Articles ci permette di rafforzare il legame tra i nostri lettori e gli artisti, le storie e gli articoli che amano, offrendo al contempo un'opportunità di scoperta. Rendendo il giornalismo di Rolling Stone più accessibile su Spotify, siamo entusiasti di portare le nostre storie a un pubblico ancora più ampio”.

La stampa (anche musicale) arriva su Spotify

Sotto forma di ‘narrated articles’

Goigest, l’agenzia di comunicazione fondata da Dalia Gaberscik (nella foto, in prima fila, con il vestito rosso, insieme al suo staff), ha festeggiato quarant’anni di attività: le ricorrenza è stata celebrata nella serata di ieri, mercoledì 26 maggio, con una festa al Garden Loft, in zona Bovisa, a Milano.

“All’inizio era partita come un festeggiamento riservato ai nostri gruppi di lavoro e alle professioniste e professionisti che sono passati, negli anni, dal nostro organico", ha spiegato Gaberscik: “Poi gli inviti si sono allargati e la festa è diventata enorme. Sono venute moltissime persone, veramente oltre ogni nostra aspettativa: abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che non solo fa piacere, ma fa anche bene”.

Goigest, oggi, opera attraverso diverse divisioni, guidata da Ilaria Melotti per la Musica, Stefano Schintu per i Brand, Valeria Castelli per l’Entertainment, con Chiara Amendola a capo del Digital Marketing, Rosaria Sindona alle International Relations, Betta Bergonzi ai General Affair e Carola Leonardi come referente Finance.

“Mi sono divertita un sacco”, ammette Gaberscik a proposito dei quarant’anni nel settore della comunicazione: “Ho avuto la fortuna di trovare un lavoro che fosse il mio più grande divertimento, e che più mi ha consentito di vivere bene. E che ancora oggi mi diverte. Perché ho iniziato con uno stage come ufficio stampa al Teatro di Porta Romana, a Milano, e sostanzialmente non sono mai cambiata: il mio lavoro è rimasto quello. Io sono rimasta quella di sempre, anche se il mondo intorno a me è cambiato: nei nostri uffici ho visto sfilare prima il fax, poi le email, e oggi i social. Tuttavia, nonostante non sia la più giovane del team, resto comunque la più curiosa. Ma è il lavoro che mi ha portato a essere così: restare sempre aggiornati non è solo un desiderio, è anche una necessità”.

Come si guarda al futuro stando al timone di un'azienda che ha&nbsp;passato&nbsp;la boa dei quarant’anni di attività? “Non ho mai pianificato nulla”, spiega - divertita - Gaberscik: “Non ho mai pensato, all’inizio, che da grande avrei aperto Goigest, e che sarebbe diventata così articolata. Quindi non inizierò certo a fare programmi adesso: fino a quando ci divertiremo, staremo bene, avremo il privilegio di lavorare su bei progetti e belle storie, andremo avanti. Poi ci sono i responsabili delle divisioni e dei relativi gruppi di lavoro. Avere dei compartimenti così collegati tra loro è un po’ la peculiarità della nostra agenzia, e - per me - non c’è cosa più bella che vederli così coesi:&nbsp;spero che anche loro si divertano come mi sto divertendo io, e che possano andare avanti con questo spirito”.

Goigest festeggia quarant’anni di attività

Dalia Gaberscik: ‘Abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che fa bene’

Cyrille Bolloré, CEO del Bolloré Group, ha fatto sapere di aver esortato Universal Music a respingere l’offerta di acquisizione avanzata da Bill Ackman tramite la propria società di investimento, Pershing Square. Intervenendo all’assemblea annuale degli azionisti, Bolloré ha spiegato di non avere alcun motivo per dare il via libera all’operazione da 64 miliardi di dollari progettata da Ackman.

“Riteniamo che il prezzo sia assolutamente inaccettabile", ha dichiarato - come riferito da Reuters - Bolloré: "Non sta facendo un'offerta con i suoi soldi. Sono i nostri soldi, i soldi dell'azienda”.

Vincent Bolloré, il padre di Cyrille, detiene il 18,51% delle quote di Universal Music a titolo personale, e un altro 13,43% attraverso Vivendi, colosso finanziario del quale possiede poco meno del 30% del capitale: la posizione della famiglia Bolloré espressa dal CEO del gruppo, calcolando il peso della sulla proprietà dell’azienda, è quindi sufficiente a bloccare qualsiasi tentativo di accordo. Al momento, né Ackman né Universal Music hanno commentato ufficialmente le dichiarazione di Bolloré. Per mezzo di una nota ufficiale, la major aveva fatto sapere di non essere intenzionata a rilasciare commenti riguardanti la proposta di Pershing Square fino al completamento della revisione da parte del Consiglio di Amministrazione.

La dichiarazione rilasciata in queste ore da Bolloré si discosta da quanto dichiarato da Ackman lo scorso 8 aprile, all’indomani della presentazione della proposta. “Il Gruppo Bolloré controlla il 28% dell'attività. La transazione richiede il voto favorevole dei due terzi degli azionisti. Quindi senza Bolloré, l'operazione non si concretizza”, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758134/umg-acquisizione-pershing-square-ackman-ottimista-accordi-bollore">aveva spiegato Ackman</a>: “La mia prima telefonata di ieri è stata con loro, per condividere una sintesi generale della transazione. E le parole che ho ricevuto in risposta sono state: 'Questa è musica per le nostre orecchie'. Così abbiamo deciso di procedere e lanciare questa presentazione”.

La notizia ha ovviamente avuto impatto sull’andamento del titolo di UMG sulla piazza di Amsterdam: dopo aver aperto a 20,18 euro ad azione, all’annuncio della posizione di Bolloré le obbligazioni sono precipitate a 19,68 euro ad azione, per poi assestarsi verso metà giornata a quota 19,84 euro perdendo l’1,76% del proprio valore su base giornaliera. A fine giornata il titolo è stato scambiato a 19,77 euro, il calo del 2,65% rispetto al valore registrato all'apertura delle contrattazioni.

Universal Music, Bolloré respinge l’offerta di Ackman

L’azionista di maggioranza liquida il tentativo di acquisizione di Pershing Square

Warner Music Group e Crumbl Cookies, società statunitense attiva nel settore alimentare e specializzata in prodotti dolciari, sono molto vicine ad un accordo nella causa avviata dalla major per presunta violazione del diritto d’autore.

Il contenzioso è durato poco più di un anno e ha riguardato nello specifico il presunto utilizzo non autorizzato di musica protetta da copyright in video promozionali pubblicati sulle pagine social di Crumbl Cookies. La pagina Instagram conta poco più di 6 milioni di follower:&nbsp;un potenziale comunicativo non indifferente, quindi, per quella che si definisce "la società di dolci in più rapida crescita di tutta la nazione". Secondo quanto comunicato al tribunale, le parti "stanno finalizzando un accordo transattivo" e puntano a chiudere definitivamente la controversia entro il 15 giugno.

La causa si è inserita nel filone di azioni legali avviate contro brand e marchi per l'uso commerciale di musica disponibile all'interno delle librerie delle piattaforme social. In molti casi, le musiche disponibili sono utilizzabili per finalità personali, ma non per contenuti promozionali e commerciali.

Se l'accordo dovesse avere esito negativo, Warner Music Group e Crumbl Cookies dovranno aggiornare il giudice entro il 19 giugno 2026.

Warner Music verso l'accordo nella causa contro Crumbl Cookies 

La major aveva contestato l’uso non autorizzato di brani in video promozionali sui social

Sony Music e Universal Music Group hanno chiesto di ampliare drasticamente la loro causa contro Suno: dalle 560 opere inizialmente contestate si passerebbe a oltre 61.000 presunte violazioni di copyright, se il giudice approverà l'ultimo atto presentato. Le major dicono di aver usato la tecnologia di audio fingerprinting di Audible Magic per analizzare i dati di training della piattaforma e sostengono che Suno abbia usato "milioni" di brani protetti per addestrare i modelli. Suno si oppone, sostenendo che l'estensione del fascicolo finirebbe per riaprire di fatto il caso e ritardare l'esame della sua difesa di fair use: le major hanno replicato che il tema della liceità nell’utilizzo i materiale coperto da copyright per i processi di training dei modelli potrebbe essere discusso in un filone separato dal procedimento principale, prima che si completi l’istruttoria sulle ultime prove presentate.

Nel documento le etichette attribuiscono gli eventuali ritardi al "continuo rifiuto di Suno di fornire [alle controparti] i dati in suo possesso", sostenendo di essere state costrette a una revisione onerosa perché la società "ha rifiutato di offrire qualsiasi trasparenza al di fuori del processo di discovery". L'atto ripropone inoltre l'accusa, già avanzata in una precedente proposta di modifica, secondo cui Suno avrebbe ottenuto registrazioni tramite "stream-ripping" da YouTube.

L’escalation nel contenzioso tra UMG, SME e Suno arriva a poche ore dalla notizia dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759187/sony-music-si-allarga-la-battaglia-legale-contro-udio">intensificazione della battaglia legale tra Sony Music e Udio</a>, nella quale la major ha presentato - oltre a quelle già portate all’attenzione della corte in prima istanza - le prove relativa ad altre presunte 30mila sospette violazioni di copyright. La major guidata da Rob Stringer è l’unica, per il momento, a non aver siglato accordi di licenza con nessuna delle due principali piattaforme di GenAI musicale: Warner Music Group ha firmato un accordo sia con Suno che con Udio, mentre Universal ne ha sottoscritti di simili con Udio e Stability.

Sony Music e Universal Music, si intensifica la causa contro Suno

Le major portano davanti alla corte le prove di altre 60mila sospette violazioni

Gli U2 hanno annunciato l'ingresso dell’ex Global Head of Editorial di Spotify Sulinna Ong nel proprio team di management come partner, in un ruolo appositamente creato per la sua figura professionale. Ong lavorerà accanto a Irving e Jeffrey Azoff di Full Stop nella guida della gestione del gruppo, con focus su creatività e innovazione, e riporterà direttamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr.. 
 
"Quello che ci ha colpito di Sulinna è l'estro, la finezza e la chiarezza che porta sia all'arte sia al pubblico”, ha fatto sapere in una nota la formazione irlandese, che quest’anno festeggia i propri cinquant’anni di attività: “Capisce ciò che abbiamo costruito e dove vogliamo portarlo". "La band ha fatto la scelta giusta”, ha aggiunto Azoff sr: “Sulinna è una delle migliori dirigenti nel settore musicale, con una carriera costruita su giudizio, gusto e un istinto per capire dove si trova la cultura ora e dove sta andando".

Prima di Spotify, Ong ha avuto esperienze professionali a Live Nation (come Director of International Marketing &amp; Artist Development) e Deezer (come Global Vice President). "I miei anni in Spotify sono stati una parte significativa della mia carriera e lascio il team lì con enorme rispetto per ciò che abbiamo costruito”, ha fatto sapere la dirigente in una nota: “Abbiamo piani ambiziosi per ciò che verrà dopo, e sono pronta a mettermi al lavoro".

All’inizio di questo mese la band <a href="https://www.rockol.it/news-758869/u2-street-of-dreams-anteprima-video-estratto-dal-nuovo-album">ha girato a Città del Messico il video di “Street of Dreams”</a>, brano inedito tratto dal prossimo album in studio del gruppo, annunciato in uscita più tardi quest'anno.

Gli U2 ‘rubano’ una dirigente a Spotify

Sulinna Ong ha lasciato il suo posto da Global Head of Editorial per unirsi al management della band

Tutto da rifare. Almeno, così piacerebbe a Live Nation, che pochi giorni fa ha depositato presso il tribunale di New York un ricorso per chiedere l’annullamento del <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758296/live-nation-verdetto-colpevolezza-processo-antitrust-usa">verdetto di colpevolezza</a> della giuria emesso al termine del processo per abuso di posizione dominante perseguito da oltre trenta stati americani, ai quali - solo la settimana scorsa - era ufficialmente arrivata la richiesta di cessione, da parte della multinazionale con sede in California - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759066/usa-gli-stati-chiedono-di-separare-live-nation-da-ticketmaster">della propria divisione dedicata alla biglietteria, Ticketmaster</a>.

Secondo i documenti depositati presso la corte presieduta dal giudice Arun Subramanian dal team legale di Live Nation, i querelanti si sarebbero concentrati su episodi eclatanti - come l’ormai celebre chat aziendale nella quale due dipendenti del gruppo di vantavano di “rapinare” i clienti - per smuovere emotivamente i giurati, senza tuttavia presentare elementi concreti che provino l’effettiva colpevolezza dell’azienda. "Non vi è alcuna prova che un artista sia stato effettivamente costretto ad acquistare i servizi promozionali di Live Nation che non desiderava affatto, o che avrebbe preferito acquistare altrove a condizioni diverse", conclude il ricorso.

In caso di non ammissibilità dell’istanza, si tornerebbe ad attendere la pronuncia del giudice Arun Subramanian, che potrebbe effettivamente imporre a Live Nation la cessione di Ticketmaster o proporre soluzioni meno drastiche.

USA, la controffensiva legale di Live Nation e Ticketmaster

Un ricorso delle aziende chiede l’annullamento del verdetto di colpevolezza della giuria

La grande mutazione dell’industria musicale degli ultimi 20 anni, streaming a parte? In una parola: i cataloghi.

Che non sono più soltanto patrimonio editoriale o discografico, ma strumenti finanziari valutati su flussi prevedibili, multipli, rischio di decadimento, potenziale sync e rivendibilità. Anche perché “catalogo” è una parola comoda, ma che a suo modo rischia di essere imprecisa: può indicare master, publishing, quote di diritti, diritti amministrati ma non posseduti, oppure asset controllati direttamente. E la differenza non è nominale: cambia il perimetro dei ricavi, il potere di autorizzare gli usi, la forza nel sync, la possibilità di rilanciare il repertorio e, quindi, il multiplo riconoscibile in una transazione.

Il lavoro dei DSP ha reso i ricavi musicali più leggibili, ricorrenti e modellizzabili, attirando capitale finanziario e incrementato i multipli. È così che il mercato dei cataloghi è passato da opportunità contrarian ad asset class finanziaria, lasciandosi alle spalle i giorni più bui del music business, dominati da pirateria e incertezza sui modelli viabili. Oggi abbiamo un mercato irriconoscibile rispetto a quello di allora, in cui operatori finanziari, fondi, acquirenti strategici e artisti in cerca di cash-out hanno mutato il panorama dell’economia della musica.

Ma quanto è stabile e duratura questa postura industriale?

<h3>Il futuro, non il passato</h3>

Cè un aspetto che si impone subito all’attenzione di chi decide sui cataloghi: il valore di un catalogo dipende dalla “durata culturale”, non solo dal successo storico. Per esempio, perché certi cataloghi ascrivibili al classic rock sembrano essere mediamente più attraenti e costosi di quelli country, dance o hip-hop? Questione di genere? Non necessariamente. Si tratta, semmai, di un misto tra “ampiezza dell’ascolto”, durata dell’interesse e velocità di decadimento dei ricavi. Ci sono hit gigantesche nel momento che, però, non riescono a restare culturalmente rilevanti vent’anni dopo. Come dire: il catalogo non vale perché “ha avuto successo”, ma perché si presume che continui a generare attenzione, usi e ricavi nel tempo. Il vero parametro non è la nostalgia, ma la resilienza culturale. Un evergreen vale perché attraversa generazioni, contesti e piattaforme; una hit momentanea può avere numeri enormi ma una curva di decadimento molto più ripida.

<h3>WTF?!? Il peso dei testi - e quello del sync</h3>

La rilevanza è, anche, funzione dei testi che, diversamente dalla melodia e dal genere, hanno una possibilità superiore di resistere alle tendenze; possono effettivamente essere spontaneamente sempreverdi. E, per versi differenti e complementari, l’impatto di un testo sul valore di un catalogo dipende anche dalla sua elasticità d’uso: se un brano è infarcito di turpiloquio, per estremizzare, può essere più difficile da usare in cinema, TV, advertising o altri contesti di licensing. Non basta che la musica sia forte o potenzialmente adatta; deve essere anche sfruttabile in contesti audiovisivi e commerciali.

Nel dibattito sui cataloghi spesso si guarda soprattutto allo streaming come a una sorta di meta-metrica, ma il criterio industriale di valutazione è più sofisticato di così: il valore di un catalogo dipende molto, infatti, anche dalla sua elasticità d’uso. Un catalogo vale di più se può vivere in film, serie, spot, trailer, documentari, biopic, videogiochi, UGC e cover. Il sync diventa quindi non un ricavo accessorio, ma una componente della valutazione. Ed ecco un’altra distinzione decisiva: il valore finanziario di un catalogo non coincide sempre con il suo valore operativo. Il primo misura la prevedibilità dei flussi; il secondo dipende dalla capacità di chi compra — o amministra — di far circolare nuovamente quelle opere: sync, biopic, campagne su anniversari, campionamenti, nuove versioni, licensing internazionale, UGC. A parità di repertorio, il valore cambia se il catalogo viene semplicemente detenuto o se viene lavorato come una piattaforma di sfruttamento culturale e commerciale.

<h3>L’invisibilità dell’autore</h3>

Un investitore che sborsa fino a centinaia di milioni per acquisire un catalogo è chiamato a soppesare il rischio dell’operazione. E, spesso, il nome di quel rischio coincide con quello dell’artista titolare del catalogo. Il suo potenziale di suscitare scandali e, più in generale, la qualità della sua reputazione, sono elementi di valutazione di un certo peso.

Viene da sé che il rischio economico è superiore quando il catalogo è legato a un’identità pubblica viva, poiché potrebbe sempre manifestarsi in qualche modo negativo. Ed occorre anche distinguere tra artisti pubblicamente esposti (performer) e autori. I quali, a differenza dei primi, sono spesso invisibili al pubblico. È’ una considerazione che introduce un tema cruciale: il catalogo non è un asset neutro. Quando è legato a un artista vivente e molto visibile, il rischio reputazionale può incidere sul valore, sulle opportunità di licensing, sulla disponibilità dei brand a usare quei brani e sulla percezione del mercato. È una forma di “artist risk” che diventa parte della due diligence, accanto a diritti, flussi e contratti. Il catalogo legato a un autore, in questo contesto, risulta più “neutro”.

<h3>Gli evergreen nell’era dell’abbondanza musicale</h3>

I Queen, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745288/queen-vendita-diritti-discografici-sony-music-accordo-cifra-record">passati di mano per una miliardata buona</a>, sono un marchio vecchio di decenni. Anche per episodi come questo la domanda più frequente, in tema di cataloghi, è: ma tra 30, 40 o 50 anni questi artisti e i loro pezzi continueranno a restare nel mainstream culturale? Il potenziale di Kanye, Dua Lipa, Marra e Sfera può paragonarsi a quello di Beatles, Mina, Battisti e Dalla?

Viviamo un’epoca di passaggio, in cui la fruizione della musica non dipende dall’età del repertorio, ma dal cambiamento delle abitudini ancora in atto. Oggi sappiamo già percepire istintivamente quale possa essere l’impatto di molta più musica disponibile, di una maggiore scelta, di ascolti più frammentati, di una soglia di attenzione bassa e decrescente. E di una possibilità di scoperta di nuova musica inferiore, perché inversamente proporzionale alla massa di artisti e brani disponibili.

È qualcosa che suscita un dubbio strategico profondo.

Tutta la finanza dei cataloghi si basa sull’idea che certi brani abbiano una vita molto lunga e relativamente prevedibile. Ma se l’ascolto diventa più disperso, se le nuove generazioni non ereditano gli stessi canoni, se l’attenzione si distribuisce su nicchie infinite, allora anche la nozione di catalogo “evergreen” va riconsiderata. È il rischio sistemico del mercato: non il singolo deal sbagliato, ma il possibile indebolimento del concetto stesso di permanenza culturale.

La stagione dei cataloghi non è certo finita, ma è entrata in una fase più adulta. Non basta più comprare repertorio: bisogna capire quali canzoni hanno ancora capacità di circolare, essere riusate, generare immaginario, attraversare piattaforme e parlare a pubblici che non le hanno vissute nel loro tempo. Il catalogo resta uno degli asset più potenti della musica. Ma non assomiglia né a un bene immobile, né a un diamante. È un’altra cosa. È memoria che deve continuare a funzionare come presente.

Non è mica un diamante. Un catalogo non è per sempre.

Multipli, sync, reputazione, nuove abitudini d’ascolto: le hit valgono quanto sanno sopravvivere

Achille Lauro è stato nominato direttore creativo di Dondup: la prima collezione realizzata sotto la supervisione dell’artista sarà presentata il prossimo 15 giugno in occasione della data che vedrà la voce di “Rolls Royce” protagonista allo stadio Meazza di San Siro, a Milano.

"Volevo creare qualcosa che restasse. Non come volto ma come autore”, ha dichiarato al proposito Achille Lauro: “Non un gesto, ma un progetto. L'inizio di un percorso creativo che nei prossimi anni influenzerà l'immagine, le collezioni e il posizionamento di Dondup - preservandone il DNA e rafforzandone l'identità. L'eleganza non è un accessorio, è un'attitudine, e la moda deve saperla raccontare”.

"Sono davvero felice che Lauro si unisca alla nostra squadra nel ruolo di direttore creativo di Dondup per una collaborazione di lungo periodo”, ha aggiunto Mauro Grange, CEO di Dondup: “Grazie alla sua profonda sensibilità artistica e al suo apprezzamento per il patrimonio del nostro marchio, sono sicuro che guiderà il team creativo con una visione distintiva contribuendo a scrivere il prossimo capitolo di Dondup, capitalizzando il suo heritage e portando grande valore al brand. Fin dai primi momenti c'è stata una bellissima sintonia tra noi due e non vediamo l'ora di realizzare grandi progetti insieme. Con Lauro De Marinis, Dondup continuerà a influenzare la moda e la cultura attraverso collezioni altamente desiderabili e con una prospettiva unica e contemporanea al lusso moderno".

Achille Lauro

Achille Lauro nominato direttore creativo di Dondup

‘Non un gesto, ma un progetto’

Matchfy PRO,&nbsp;lo spazio per professionisti dell’industria musicale&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754990/matchfy-lancia-matchfy-pro" target="_blank">lanciato da Matchfy lo scorso ottobre</a>, ha annunciato l’ingresso nel proprio network di HydraTek, producer, sound designer e ingegnere del suono attivo nella scena elettronica, con un percorso legato nello specifico a generi come&nbsp;l'Acid House, l'Ambient&nbsp;e la Bass Music.

Il suo percorso si è sviluppato tra produzione musicale, post-produzione audio e sperimentazione sonora. Nel corso della sua attività ha collaborato con aziende del settore audio come Tracktion, Dawesome, Baby Audio, D16 Group e ADSR. All’interno di Matchfy PRO, HydraTek offrirà supporto professionale&nbsp;sugli aspetti creativi e tecnici dei progetti musicali, con grande attenzione alla cura dell'identità sonora, arrangiamento, impatto, coerenza stilistica e sviluppo artistico.

HydraTek ha dichiarato: "Ho scelto Matchfy PRO perché credo sia una piattaforma capace di creare un contatto reale tra artisti e professionisti, valorizzando il confronto diretto e un feedback concreto. Mi interessa contribuire a un ecosistema in cui la crescita artistica passi anche attraverso ascolto, selezione e orientamento di qualità".

Paolo Mantini, CEO e fondatore di Matchfy, ha aggiunto: "HydraTek rappresenta una figura perfettamente in linea con la visione contemporanea di Matchfy PRO: innovazione sonora, competenza tecnica e forte identità artistica. La sua esperienza nel mondo del sound design e della musica elettronica internazionale porta un contributo importante alla nostra community, soprattutto in un momento storico in cui il suono e la ricerca creativa stanno diventando sempre più centrali nello sviluppo degli artisti".

Matchfy PRO, entra HydraTek

Producer e sound designer, offrirà feedback su identità sonora e produzione elettronica

Material Music Group ha lanciato una divisione editoriale in collaborazione con Downtown Music Publishing.&nbsp;

La nuova struttura, creata con l'obiettivo di affiancare gli autori in sessioni di composizione, collaborazioni, sincronizzazione musicale, attività&nbsp;di A&amp;R e sviluppo della carriera, è stata amministrativamente affidata a Downtown Music, che gestirà direttamente anche i diritti sulle registrazioni e la riscossione dei diritti d'autore.

Il primo artista a essere stato messo sotto contratto dalla divisione editoriale è stato Richard Atkins, autore e produttore già al lavoro con Girls Don't Sync, Becky Hill, Rudimental, Jax Jones e Jess Bays.

Il CCO di Downtown Music Publishing, Jedd Katrancha, ha dichiarato: "L'approccio di Material deriva da una visione molto simile alla nostra in materia di editoria. C'è un vero e proprio allineamento nel modo in cui concepiamo la creatività, la collaborazione e il valore a lungo termine, e questo rende questa partnership molto naturale. Siamo entusiasti di supportarli e di aiutarli a far crescere ciò che stanno costruendo".

Sean Brosnan, amministratore delegato di Material Music, invece, ha commentato: "In qualità di azienda musicale, mettiamo sempre l’artista al centro di ciò che facciamo; il nostro compito è potenziare la sua ambizione creativa e la sua visione globale. Il lancio della nostra divisione editoriale Material Music ci permette di offrire e ampliare tali relazioni e opportunità creative con un’infrastruttura globale senza pari attraverso il nostro partner Downtown Music Publishing. Non vedo l’ora di costruire una famiglia di autori di livello mondiale, a partire dal talentuosissimo Richard Atkins".

Material Music lancia una divisione editoriale

Downtown Music Publishing si occuperà della gestione amministrativa a livello globale

Sony Music ha depositato un nuovo ricorso alla causa contro Udio, chiedendo di estendere l'azione per violazione del copyright a 30.304 opere che, secondo la major, sarebbero state usate e riprodotte senza autorizzazione nel training della piattaforma GenAI. Nel testo, ottenuto da DMN, Sony sostiene di avere ora “chiarezza sulla portata della violazione di Udio” e afferma di aver “identificato centinaia di migliaia” di file audio potenzialmente in violazione attraverso un processo sistematico di matching basato su Audible Magic; per questo, le opere inserite nel ricorso sono state presentate come solo una parte del materiale contestato. La società scrive inoltre di aver scelto di perseguire “l'uso e la riproduzione da parte di Udio di oltre 30mila opere” per mantenere ordinato il procedimento e accelerare la definizione delle questioni centrali.

Udio ha contestato la richiesta in una lettera al tribunale, sostenendo che l'ampliamento “farebbe di fatto ripartire da zero la fase istruttoria” su decine di migliaia di opere aggiuntive e su diverse nuove parti, con un possibile “ritardo di molti mesi” anche sulla decisione relativa alla sua difesa fondata sul fair use. La prossima verifica procedurale è fissata per il 10 luglio.

A oggi, la major guidata da Rob Stringer è l’unica a non aver chiuso un accordo quadro con l’ex startup fondata nel 2024 da un team di ex ricercatori di Google DeepMind guidato da David Ding: Universal Music e Warner Music hanno infatti siglato accordi con Udio rispettivamente <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">nell’ottobre</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755486/intelligenza-artificiale-wmg-sigla-accordi-con-udio-e-stability">nel novembre</a> dello scorso anno.