Essere custodi di una delle legacy più importanti nella storia della canzone italiana non mette al riparo dalle criticità che attraversano il settore, ma offre senza dubbio una prospettiva privilegiata nel valutare quali siano, oggi, le opportunità e le minacce con le quali l’industria musicale è chiamata a confrontarsi. Massimiliano Pani Mazzini, compositore, arrangiatore e produttore, storico collaboratore di sua madre, Mina, nonché titolare della PDU, label fondata nel ‘67 dalla stessa famiglia Mazzini, non è affatto arroccato sulla torre d’avorio che il patrimonio musicale in sua disponibilità potrebbe garantirgli. Anzi. Molto proiettato sul futuro e sui giovani, è - filosoficamente - più vicino a una indie contemporanea che a un marchio storico (e nobile) dell’establishment discografico. “Il futuro è dei matti, di chi è capace di osare”, racconta: “Del resto non potrebbe essere altrimenti: l’hanno detto anche a noi, quando abbiamo messo un’immagine di Mina in versione culturista sulla copertina di un album [“Rane supreme” del 1987, nell’artwork curato da Mauro Balletti, ndr]. Eppure il pubblico ci ha sempre seguito”. Ecco perché, per Pani, un’attitudine “artistica” nel business della musica registrata può essere più efficace e lungimirante di un approccio scientifico e “ragionieristico”, che - per quanto efficace possa essere a breve termine, specie per le aziende più grandi - non ha tutte le carte in regola per garantire su futuro al comparto. Che sbaglieremmo a dare per scontato, nonostante le rassicuranti performance del digitale… 
&nbsp;

Sono tutti concordi nel dire che lo streaming sta facendo crescere il mercato musicale e che le piattaforme pagano sempre di più…

Sì, è vero. I DSP, cioè le piattaforme di streaming, pagano sempre di più. I numeri del mercato sono chiari e la crescita è sotto gli occhi di tutti. Quando Spotify o YouTube spiegano il proprio modello, sono molto trasparenti: trattengono una percentuale per sostenere la piattaforma e reinvestire, mentre il resto viene distribuito agli aventi diritto. Il problema non è lì. Il problema è il criterio con cui quei soldi vengono ripartiti.

Qual è, quindi, lo squilibrio nel sistema attuale?

Oggi il modello dominante è quello cosiddetto pro rata, ovvero basato sulla market share. Tutti gli stream vengono messi insieme e poi i ricavi vengono distribuiti in base alle quote di mercato. Questo significa che chi è già enorme continua a ricevere una fetta sempre più grande della torta. Faccio sempre un esempio molto semplice. Se io pago il mio abbonamento e ascolto quasi esclusivamente Fabio Concato, sarebbe logico che la parte principale della mia quota finisse agli artisti che ascolto. Invece non succede. I miei soldi entrano in un enorme contenitore e vengono redistribuiti seguendo logiche di mercato globale. Il risultato è che l’artista che ascolto realmente riceve una quota infinitesimale, mentre una parte significativa di quei soldi finisce per alimentare i cataloghi dei grandi colossi.

Eppure il modello alternativo, quello generalmente chiamato user-centric, esiste…

Con un sistema user-centric, i soldi dell’abbonamento di ciascun utente seguirebbero realmente i suoi ascolti. Chi ascolta un determinato artista contribuirebbe direttamente alla sua remunerazione. Questo avrebbe un impatto enorme soprattutto sugli artisti emergenti. Oggi un piccolo gruppo che magari ha mille ascoltatori fedeli al mese guadagna cifre irrisorie perché il suo volume di stream è insignificante rispetto alle quote di mercato globali. Con un sistema user-centric, invece, quei mille ascoltatori potrebbero generare entrate concrete. Non stiamo parlando di cifre astronomiche, ma di somme che permetterebbero a molti artisti di fare concerti, registrare musica, costruire una carriera. Oggi, invece, quella possibilità è quasi completamente soffocata.

Quindi la questione riguarda non solo gli interpreti, ma tutto l’ecosistema creativo?

Si parla spesso degli artisti, ma il problema coinvolge anche autori, compositori, editori. Una volta esistevano professionisti che vivevano esclusivamente scrivendo canzoni. Oggi quella figura è diventata rarissima. L’intero sistema dovrebbe servire a favorire la nascita di nuovi autori, nuovi compositori, nuovi artisti. In fondo l’industria musicale esiste perché qualcuno ha scritto grandi canzoni, qualcun altro le ha interpretate e qualcuno le ha prodotte. Da lì nascono cataloghi che continuano a generare valore per decenni. Ma se il sistema non finanzia più la nascita dei nuovi talenti, prima o poi quel meccanismo si interrompe.

Tornando ai DSP, negli ultimi mesi si è parlato molto di nuove funzionalità delle piattaforme di streaming, e di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759061/spotify-universal-music-accordo-di-licenza-per-cover-e-remix-ai">strumenti basati sull’intelligenza artificiale che permettono agli utenti di remixare o modificare la musica</a>. E’ un'evoluzione convincente?

Dipende da come viene utilizzata. Se guardo la questione dal punto di vista delle piattaforme, il loro obiettivo è aumentare il volume di utilizzo e di engagement. Che questo avvenga attraverso nuovi artisti, remix generati dagli utenti o strumenti di intelligenza artificiale, per loro cambia relativamente poco. Dal punto di vista artistico, però, il discorso è diverso. C’è una componente etica importante. Un artista sceglie cosa pubblicare e cosa no. Non tutto ciò che potrebbe funzionare commercialmente rappresenta davvero la sua identità. Quando si inizia a manipolare liberamente la voce o lo stile di un artista, si entra in un territorio molto delicato. Un brano o&nbsp;un disco&nbsp;viene pubblicato solo quando, dopo un lungo processo creativo, finalmente rappresenta esattamente quello che l’artista e il produttore avevano in mente. Quindi perché permettere all’utente di metter mano a un brano finito rimissando e aggiungendo a suo gusto elementi sonori? Pensate di andare al ristorante ed entrare in cucina per aggiungere di propria iniziativa e senza alcun permesso ingredienti alla ricetta segreta dello chef: volerebbero i coltelli…

C’è modo e modo, quindi, di utilizzare l’AI in campo musicale?

Non sono contrario a prescindere all’utilizzo dell’intelligenza artificiale in ambito musicale. L’AI può diventare uno strumento straordinario se viene messa nelle mani di musicisti, compositori, produttori. E’ successo qualcosa di simile con i campionatori: all’inizio si pensava che avrebbero sostituito i musicisti, invece sono diventati nuovi strumenti espressivi. Il problema nasce quando si pensa che il semplice possesso dello strumento sia sufficiente a creare arte. La tecnologia può aiutare, ma non sostituisce il talento, l’esperienza, lo studio della musica e la sensibilità artistica.

Il tema, in sostanza, è il futuro della creatività musicale. Sarà sempre più difficile far emergere nuovi artisti?

Finché il sistema resterà questo, sì, perché a essere premiato dal mercato è il volume immediato di stream, e non la costruzione di un percorso artistico. Pensiamo a quanti anni sono serviti per far emergere artisti come Vasco Rossi, Franco Battiato o Zucchero. Dietro c’erano persone che avevano il coraggio di investire su talenti che all’inizio non sembravano una scommessa vincente. Oggi quella figura è quasi scomparsa. La discografia storicamente era guidata da persone che amavano la musica e spesso erano state musicisti loro stessi. Oggi molte decisioni vengono prese con logiche finanziarie completamente diverse.

Sono tanti gli osservatori secondo i quali i grandi gruppi discografici privilegeranno sempre di più le attività LAS (label &amp; artist services, ndr) a quelle di A&amp;R…

Basta guardare cosa sta succedendo. Continuano a nascere società che gestiscono diritti, collecting, intermediari. Nel frattempo diminuiscono le strutture che investono direttamente nella scoperta di nuovi autori, produttori e artisti. E’ un segnale molto chiaro. Il business si sta spostando verso la gestione dei flussi economici, mentre dovrebbe tornare a finanziare la produzione culturale. La musica non nasce negli uffici amministrativi. Nasce negli studi, nelle sale prove, nei luoghi dove qualcuno scrive una canzone.

C’è un modo per invertire la tendenza?

Prima di tutto bisogna parlarne. Bisogna sensibilizzare artisti, collecting e operatori del settore. Molti artisti, quando vedono i numeri reali, restano sorpresi. Si rendono conto che tra il valore generato dai loro ascolti e ciò che effettivamente ricevono esiste una differenza enorme. La crescita del mercato c’è. I soldi ci sono. Quello che manca è una distribuzione più coerente con il valore creato.

Quindi essere pessimisti non serve?

No, perché la musica vince sempre, e continuerà a farlo. Penso a giovani artisti come Jacob Collier, che hanno costruito il proprio percorso da soli partendo da una stanza e da Internet, e vedo che esiste ancora un pubblico enorme per la qualità e per la ricerca. Ci sono tanti ragazzi straordinariamente talentuosi che aspettano soltanto un’occasione. Il problema non è l’assenza di talento. Il talento c’è sempre stato e continua a esserci. Quello che manca è qualcuno disposto a riconoscerlo, sostenerlo e accompagnarlo nel tempo. Manca la distribuzione equa del flusso di denaro generato dagli stream. Bisogna che la cifra che i DSP retrocedono sia destinata agli aventi diritto, e vada finalmente a chi è stato realmente ascoltato. Questo salverà la possibilità di fare musica dei giovani nuovi artisti e pagherà in maniera corretta gli artisti già affermati, che hanno un pubblico. La musica vincerebbe, e tutto il sistema con lei: le collecting potrebbere distribuire ai loro associati il giusto ammontare di denaro per fare ripartire il mondo che vive di musica; autori, compositori, editori, musicisti professionisti, cantanti, etichette indipendenti e tutti gli altri anelli della filiera.

È questo il ruolo che vorrebbe continuare a svolgere la PDU?

Nel nostro piccolo, sì. La PDU è nata come espressione della visione di un’artista coraggiosa, visionaria, libera e indipendente. Quello spirito è rimasto. Continuiamo a credere nella professionalità, nella qualità del lavoro e nella possibilità di aiutare chi ha qualcosa di autentico da dire. Non abbiamo la forza delle grandi multinazionali, ma sappiamo ancora riconoscere un talento quando lo incontriamo. E se c’è una cosa che ho imparato in tutti questi anni è che, alla fine, la buona musica trova sempre la sua strada.

Quali sono, oggi, le principali attività editoriali e discografiche della PDU?

Dal punto di vista editoriale, il nostro catalogo nasce a partire dalla metà degli anni Ottanta e comprende brani molto importanti del repertorio di Mina: da “Questione di feeling” a “Acqua e sale”, da “Rose su rose” a “Brivido felino”, “Portati via”, “Volami nel cuore”, Brani degli Audio 2 come “Neve”, “Alle venti”, Specchi riflessi” oltre a opere di tantissimi autori italiani. Completano il catalogo musiche originali scritte per sceneggiati tv e film per il cinema. La PDU, invece, come etichetta discografica nasce nel 1967 grazie a mio nonno Giacomo Mazzini. L’acronimo significa “Produzioni Dischi Ultrafonici” ed è il risultato della volontà di Mina di conquistare una piena autonomia artistica. All’epoca era una scelta rivoluzionaria. Oggi per i ragazzi sembra normale parlare di indipendenza artistica, ma allora non lo era affatto. Mina voleva decidere liberamente il suo progetto musicale: cosa registrare, come registrarlo, come presentarlo al pubblico. Portava il disco finito al distributore. Non chiedeva il permesso a nessuno.

Quanto è stata importante quella indipendenza?

Fondamentale. Se una casa discografica ti vede avere successo con una determinata formula, tende naturalmente a chiederti di replicarla. Mina invece ha sempre cercato e continua a cercare nuove strade. Ha costruito uno studio di registrazione, una struttura produttiva autonoma e un’etichetta che le permettesse di seguire la propria visione artistica senza compromessi. Ha utilizzato nei suoi dischi per prima i migliori jazzisti italiani per produrre musica di tutti i generi - non solo jazz. Ha scelto di aprire la ricerca dei brani per i suoi dischi a tutti gli autori professionisti e non, senza mai creare un clan chiuso di autori. Questa libertà le ha consentito di sperimentare continuamente, pur mantenendo un rapporto fortissimo con il pubblico.

Pubblico che l’ha premiata e che, dopo tanti anni, continua a premiarla…

E’ una delle cose più straordinarie della sua carriera. Parliamo di un’artista che non si esibisce dal vivo dal 1978 e che non partecipa alla promozione televisiva da decenni. Eppure continua a essere contemporanea e interessare il pubblico. Quando abbiamo pubblicato “Gassa d’amante” nel 2024, un album di inediti, è arrivato subito ai vertici delle classifiche. Non era una raccolta di successi: era un disco nuovo. Questo significa che esiste ancora un pubblico trasversale, composto anche da giovani, che continua a cercare e riconoscersi nella sua proposta musicale e artistica.

Però sarebbe ingiusto ridurre la PDU a “l’etichetta di Mina”...

Negli anni abbiamo pubblicato classica, jazz italiano e internazionale, rock progressive, musica contemporanea, elettronica. Abbiamo lavorato con artisti importanti provenienti da mondi molto diversi. C’è stato un periodo in cui la PDU aveva una struttura significativa, con decine di dipendenti. Successivamente l’attività si è concentrata maggiormente intorno ai progetti di Mina e ad alcune produzioni selezionate. Oggi restiamo una realtà indipendente che continua a credere nella musica di vera qualità e nella professionalità artistica.

Massimiliano Pani

streaming

Youtube

Spotify

intelligenza artificiale

artist centric

Mina

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Massimiliano Pani Mazzini: ‘La musica? Vincerà sempre’

Industria

‘Nel nostro settore oggi girano più soldi che mai. Il problema? E’ come vengono distribuiti…’

"Amo il mio lavoro. Amo il talento, la passione, la professionalità, l’educazione e la gratitudine. Partiamo, Lorenzo Salvetti!". Con questo breve messaggio sul suo profilo Instagram, Fabrizio Giannini ha ufficializzato la collaborazione con il fresco vincitore di Amici di Maria De Filippi 2026, che seguirà in qualità di manager. Salvetti non è nuovo al pubblico televisivo: era infatti già arrivato in finale anche nell'edizione 2024 di X Factor nel team di Achille Lauro.

Dopo aver debuttato professionalmente presso l’etichetta CGD Messaggerie Musicali, nella prima metà degli anni '80&nbsp;Giannini è stato prima Local Product Manager e A&amp;R Manager per la CBS, e poi Vice Direttore Artistico di EMI. Passato nella prima metà degli anni '90 alla WEA italiana, dopo aver lavorato con artisti come Ligabue e Laura Pausini nel 2000 torna alla EMI, per la quale ha occasione di mettere sotto contratto Tiziano Ferro, Sergio Cammariere, Mondo Marcio,&nbsp;Finley e altri. Nel 2007 Giannini lascia la discografia per concentrarsi sull’attività di manager fondando la A&amp;R Management, e lavorando nel corso degli anni insieme allo stesso Ferro (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-741592/fabrizio-giannini-finisce-il-rapporto-con-tiziano-ferro">fino a inizio 2024</a>), Giusy Ferreri, Michele Bravi, Nina Zilli, Elodie, Giorgia (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-597331/giorgia-manager-fabrizio-giannini-divorzio-professionale">fino al 2014</a>) ed Eros Ramazzotti.

Management, Lorenzo Salvetti si affida a Fabrizio Giannini

E' il fresco vincitore di Amici di Maria De Filippi 2026 

Alla presenza dei presidenti delle associazioni aderenti alla Federazione Confindustria Cultura Italia&nbsp;(Innocenzo Cipolletta&nbsp;per AIE,&nbsp;Giuseppe Roma&nbsp;per AICC,&nbsp;Alessandro Usai&nbsp;per ANICA,&nbsp;Chiara Sbarigia&nbsp;per APA,&nbsp;Enzo Mazza&nbsp;per FIMI,&nbsp;Mario Limongelli&nbsp;per PMI e&nbsp;Luciana Migliavacca&nbsp;per UNIVIDEO) si sono svolti oggi gli&nbsp;Stati Industriali della Cultura. L'obbiettivo era quello di stilare un appello comune per&nbsp;riconoscere la cultura come settore strategico dell’economia italiana e dotare il Paese di una vera politica industriale per le industrie culturali.

Fondamentale filiera produttiva del Paese - 117.793 imprese, 309.613 occupati, quasi 60 miliardi di euro di fatturato e oltre 21 miliardi di valore aggiunto -&nbsp;contribuisce in modo significativo allo sviluppo economico e sociale e all’attrattività internazionale dell’Italia e la sua valorizzazione dovrebbe essere&nbsp;un obbiettivo primario.&nbsp;“La cultura&nbsp;non rappresenta soltanto un elemento identitario del Paese o un patrimonio da conservare: è molto di più" sottolinea il Presidente di CCI, Luigi Abete. "È un motore di sviluppo, innovazione e occupazione. I numeri testimoniano il peso economico di un settore che contribuisce alla crescita dell’Italia, che può incidere in modo significativo sul PIL nazionale e generare importanti effetti moltiplicatori sull’intero sistema economico, coinvolgendo turismo, servizi, commercio, innovazione, manifattura creativa, formazione e attrattività internazionale. Per questo occorre investire nelle potenzialità di sviluppo dell’industria culturale, valorizzandone la capacità di trasformare patrimonio culturale, conoscenza, creatività e proprietà intellettuale in valore economico, occupazione qualificata e crescita sostenibile”.

Nel corso del suo intervento,&nbsp;il&nbsp;Presidente di PMI – Produttori Musicali Indipendenti,&nbsp;Mario Limongelli, ha ribadito il ruolo centrale delle imprese discografiche indipendenti nel sistema culturale e creativo italiano, sottolineandone il contributo alla scoperta e allo sviluppo di nuovi talenti, alla valorizzazione della diversità culturale, alla tutela del patrimonio musicale e alla crescita economica del Paese, ed evidenziando&nbsp;come l’industria discografica indipendente italiana rappresenti oltre il 30% dell’intero mercato nazionale e come oggi circa l’80% della nuova musica pubblicata nel mondo provenga da aziende indipendenti, realtà che investono quotidianamente in ricerca artistica, innovazione, occupazione e sviluppo di nuovi progetti culturali. Richiamando l’attenzione delle istituzioni sulla necessità di riconoscere il prodotto culturale italiano al pari degli altri comparti che contribuiscono a definire il Made in Italy, e chiedendo politiche capaci di incentivare gli investimenti, sostenere le imprese culturali e semplificare l’accesso alle risorse disponibili, Limongelli ha affrontato il tema dell'AI, "considerata una significativa opportunità di innovazione e sviluppo per il settore, a condizione che la sua evoluzione avvenga nel rispetto della creatività umana e dei diritti di autori, artisti e produttori".

Confindustria Cultura Italia: "Serve una politica industriale"

L'appello è stato promosso in occasione degli Stati Industriali della Cultura

Era già capitato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758709/esse-magazine-rimosso-da-instagram">a inizio maggio</a>: per circa dieci giorni il profilo di Esse Magazine, il più noto web magazine advertorial sulla musica urban italiana (che tramite la società Cantera svolge anche attività di marketing ed&nbsp;eroga corsi di formazione) era&nbsp;scomparso da Instagram, il principale social network che utilizza per la sua divulgazione e dove conta quasi un milione di follower. Il profilo era poi tornato online senza ulteriori spiegazioni da parte della redazione o del fondatore Antonio Dikele Distefano.

Ora, però, sembrerebbe che il problema si sia ripresentato: da circa 48 ore la pagina è scomparsa nuovamente da Instagram, mentre risulta ancora attiva su Facebook (dove ha circa 38.000 follower, ma risulta inattiva dal 2024) e su TikTok (770.000 follower). Al momento non trapelano notizie sul disguido (o più probabilmente ban)&nbsp;da parte dei diretti interessati.&nbsp;

Esse Magazine scomparso (di nuovo) da Instagram

Dopo il ban dello scorso maggio, ancora una volta la pagina non risulta più disponibile 

E’ disponibile da oggi, giovedì 11 giugno, il primo spot che compone <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759503/nuovoimaie-una-serie-di-4-spot-contro-la-violenza-di-genere">il quadrittico della campagna promossa da NUOVOIMAIE contro la violenza di genere</a>: la clip, che sarà proiettata in oltre 2000 sale cinematografiche italiane fino al prossimo 8 luglio, ha come protagonisti Luisa Ranieri e Giampaolo Morelli, ed è stato ideato, scritto e diretto - come gli altri tre video, che saranno presentati nel corso delle prossime settimane - da Matilde D’Errico, creator, autrice e regista dei format televisivi “Amore Criminale” e “Sopravvissute”.

<div class='embed'>		 <iframe
 id="yt_16faafba6b3dac0d24794ac3b1702685"
 class="youtube"
 width="620"
 height="348.75"
 src="https://www.youtube-nocookie.com/embed/F18HxYcHeIU"
 frameborder="0"
 allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>

“La violenza di genere è una ferita profonda che riguarda l’intera società e che non può essere affrontata soltanto quando si manifesta nelle sue forme più estreme. È necessario agire sul piano culturale, educando al rispetto, all’uguaglianza e al riconoscimento della dignità di ogni persona”, ha dichiarato Andrea Miccichè, presidente di NUOVOIMAIE: “Come Istituto sentiamo il dovere di mettere la forza comunicativa degli artisti al servizio di una battaglia che ci riguarda tutti. Ringrazio le e gli interpreti che con generosità hanno aderito a questo progetto, contribuendo a diffondere un messaggio chiaro: non può esserci amore senza rispetto e non può esserci alcuna giustificazione per la violenza”.

“La violenza maschile contro le donne è un problema di carattere culturale. Fino a quando non si cambia la mentalità che ci circonda il problema resta”, ha aggiunto D’Errico: “Gli uomini devono sentirsi responsabili e artefici di questo cambiamento. Non basta dire ‘non siamo tutti così’. Occorre impegnarsi per cambiare una mentalità e una società che vede le donne ancora come prede e oggetti da possedere. Ho accettato molto volentieri di scrivere e dirigere i 4 spot per la Campagna Sociale del NUOVOIMAIE. Sono spot necessari per sensibilizzare e invitare tutti al cambiamento. Le forme di violenza maschile sulle donne sono tante e diverse, alcune silenziose e subdole. E accadono in tutti i contesti. Tutti. Nessuno escluso. Per questo bisogna sensibilizzare in modo trasversale”.

“Con massima e ferma convinzione ANEC ha accolto l’invito del NUOVOIMAIE a supportare all’interno delle sale cinematografiche per le prossime quattro settimane, i contenuti sviluppati per la sensibilizzazione contro la violenza sulle donne”, ha concluso Fabrizio Larini, Presidente ANEC: “In un momento in cui le sale stanno registrando numeri di rilievo e il pubblico che assiste alle proiezioni è di fascia soprattutto giovane, l’efficacia del messaggio si massimizza, forti anche del fatto che i quattro contenuti, che si alternano sugli schermi uno a settimana fino all’8 luglio, sono volti riconoscibili dalle nuove generazioni”.

NUOVOIMAIE, il video del primo spot contro la violenza di genere

Con Luisa Ranieri e Giampaolo Morelli

La causa antitrust contro Live Nation e Ticketmaster, avviata sotto l’amministrazione Biden dopo anni di lavoro istruttorio, è finita nel mirino di due ex legali del Dipartimento di Giustizia Usa dopo l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757547/live-nation-e-la-causa-antitrust-negli-usa-cosa-sta-succedendo">accordo raggiunto a marzo</a>, appena una settimana dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757527/processo-antitrust-a-live-nation-cosa-e-successo-nella-prima-settimana">l’inizio del processo</a>. In occasione della conferenza svoltasi a Minneapolis della National Independent Venue Association, entità che rappresenta gli spazi indipendenti dedicati alla musica dal vivo che operano negli USA, David Dahlquist, ex Head of Litigation del DoJ e responsabile del caso, ha dichiarato: “Quando ho fatto la dichiarazione di apertura in questo caso, credevo che avremmo vinto. E quando è stato chiuso l’accordo, credevo comunque che avremmo vinto. Conoscevo il caso, conoscevo i testimoni, conoscevo le prove”. Dahlquist ha anche precisato di essere rimasto fuori dal negoziato che ha portato alla risoluzione del contenzioso con il Dipartimento: “Non ho visionato i termini dell’accordo fino alla mattina in cui ci siamo presentati davanti al giudice”. Stando a quanto riferito, l’intesa è maturata dopo un incontro a porte chiuse tra funzionari del DoJ e Live Nation, su impulso dell’amministrazione Trump, irritando il giudice Arun Subramanian, che presiedeva il processo.

Secondo una ricostruzione del Wall Street Journal la Casa Bianca avrebbe avuto un ruolo attivo - e di primissimo piano - nella risoluzione della controversia con il Dipartimento di Giustizia: sarebbe stato Donald Trump in persona a contattare Ari Emanuel, ex membro del CdA di Live Nation e CEO di WME Group, società che detiene le quote di maggioranza della World Wrestling Entertainment e dell'Ultimate Fighting Championship tramite la controllata TKO Group, per caldeggiare un accordo extragiudiziale tra le parti disinnescando, così, il procedimento.

Una volta messa la causa intentata dal DoJ su un binario morto, Dahlquist e il suo team legale si è adoperato per passare il dossier agli stati, che - come già riferito dalle cronache - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757660/live-nation-gli-stati-rigettano-l-accordo-sara-ancora-battaglia">hanno proseguito nella vertenza</a>: ad aprile, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758296/live-nation-verdetto-colpevolezza-processo-antitrust-usa">la giuria ha concluso che Live Nation/Ticketmaster deteneva un monopolio illegale nel mercato statunitense della biglietteria</a>. Alla stessa conferenza, Roger Alford, ex vice dell’Assistant Attorney General, ha sostenuto che il decreto consensuale del 2010 non ha corretto il mercato: “Le promesse di 16 anni di conformità non hanno fatto nulla per sistemare il mercato [del ticketing, ndr]”. Alford ha anche dichiarato: “Sono stato licenziato [dal DOJ] nel luglio del 2025 per essermi opposto a un’attività di lobbying inappropriata”. In un documento diffuso lo scorso maggio, Alford ha spiegato di ritenere profondamente preoccupante che la divisione antitrust riservi un trattamento selettivo ad alleati politici in casi critici come quello di Live Nation e Ticketmaster.

Live Nation, le accuse di due ex DoJ alla politica

Si rafforzano le voci relative all'ingerenza dell'amministrazione Trump nell'accordo chiuso a marzo

AssoConcerti e Medici Senza Frontiere hanno lanciato il video-manifesto - realizzato con la partecipazione amichevole di Sonia Bergamasco, Neri Marcoré e Pierpaolo Spollon - “La pace suona qui”, che sarà proiettato sui maxischermi prima dell’inizio dei concerti estivi. Si partirà domani con Firenze Rocks, per continuare con IDays Milano, poi Lucca Summer Festival e ad altri eventi, aprendo una stagione di concerti che contribuirà a diffondere il messaggio della campagna. L’iniziativa - hanno precisato le due entità promotrici - “nasce con l’obiettivo di portare all’interno dei grandi eventi di musica dal vivo un messaggio di consapevolezza e responsabilità condivisa, raggiungendo un pubblico trasversale che ogni anno partecipa in massa ai concerti in tutta Italia. La diffusione del video-manifesto si inserisce in un contesto di forte partecipazione, che rende questi appuntamenti un luogo di incontro e attenzione, soprattutto per le nuove generazioni”.

“Se il mondo è attraversato dal rumore delle bombe, dei droni, delle esplosioni, esiste ancora un altro suono possibile, fragile e potente: quello della vita che resiste”, hanno fatto sapere, in una nota congiunta, AssoConcerti e MSF: “E’ il suono di chi continua a esserci quando tutto intorno crolla, dei bambini che tornano a giocare, delle voci che scelgono di non restare in silenzio. E qui la musica gioca un ruolo cruciale nel farci ascoltare gli altri. ‘Siate musica. Siate ritmo. Siate vita. Finché la loro dannata guerra non sarà finita’ recita il video”.

“Nel reparto pediatrico di Haydan, nel nord dello Yemen, a un certo punto il rumore più forte non era più quello delle bombe o dei monitor ospedalieri”, ha spiegato Elisa Manzini, pediatra di MSF: “Era quello di bottiglie di plastica riempite di sassolini, usate come maracas improvvisate per aiutare i bambini malnutriti a recuperare capacità motorie e cognitive. Per la prima volta dopo giorni, quel reparto era pieno di rumore, gioco e vita. Era un caos bellissimo”.

“In un momento storico segnato da conflitti, i palchi dei nostri associati possono diventare spazi di consapevolezza collettiva, contribuendo a riportare l’attenzione su ciò che accade nel mondo e sulla necessità, sempre più urgente, di non distogliere lo sguardo. Attraverso i grandi numeri dei concerti abbiamo la possibilità di raggiungere milioni di persone e trasformare ogni evento in un’occasione di condivisione e di riflessione civile", ha dichiarato Bruno Sconocchia, Presidente di AssoConcerti: "In questa direzione, la nostra Associazione ha scelto di dare continuità a un percorso di sensibilizzazione che unisce cultura e impegno umanitario, a partire dal successo dell’iniziativa del video ‘E’ come sembra’ promosso lo scorso anno con la Fondazione Una Nessuna Centomila e proiettato in apertura di oltre 800 live raggiungendo più di 5 milioni di persone”.

“In molte parti del mondo ci siamo abituati al rumore della guerra, anche se è inaccettabile”, ha concluso Martina Marchiò, vicepresidente di MSF: “Con questa campagna vogliamo interrompere questa assuefazione e riportare le persone all’ascolto. Scegliere cosa ascoltare è già una presa di posizione: farlo attraverso la musica, in luoghi pieni di vita e partecipazione collettiva, lo rende ancora più potente”.

AssoConcerti e MSF, al via la campagna ‘La pace suona qui’

Il video-manifesto sarà proiettato sui maxischermi dei concerti estivi

Gli Hatebreed sono entrati nel roster di BLKIIBLK Records. L’etichetta pubblicherà il nuovo album della band hardcore candidata ai Grammy entro la fine di quest'anno.

Il progetto è interamente prodotto da Zeuss, collaboratore storico del gruppo statunitense e uscirà questo autunno dando continuità a "Weight of the False Self", ultimo disco pubblicato nel 2020. "Maggiori dettagli saranno resi noti a tempo debito, ma i fan possono seguire i social della band per anticipazioni e aggiornamenti sul disco".

“BLKIIBLK ha messo insieme un dream team per supportare il nuovo album degli Hatebreed e non potremmo essere più felici: nuova etichetta, nuovi orizzonti, nuove canzoni esplosive”, ha dichiarato il cantante Jamey Jasta:&nbsp;“Siamo infinitamente grati e non vediamo l'ora di far ascoltare questi brani al mondo”.&nbsp;“Il 2026 è l'anno degli Hatebreed", ha aggiunto il batterista Matt Byrne:&nbsp;"Questa macchina inarrestabile, come la conosciamo, sta accelerando rapidamente e non fa prigionieri. Come se il 2025 non fosse già un anno davvero intenso e ricco di successi, quest'estate ci aspettano diversi festival europei e tour da headliner, due tappe separate negli Stati Uniti del Summer Slaughter Tour e un nuovo album potentissimo in uscita questo autunno per la fantastica nuova etichetta BLKIIBLK!&nbsp;Non vediamo l'ora di incontrarvi tutti in tour".

"Una delle cose che ho preferito di più nella realizzazione di questo disco è stata lavorare ancora una volta con il nostro fratello d'armi, Zeuss", ha concluso&nbsp;Jasta:&nbsp;"Il suo legame con Matt, Wayne, Frank, Carl e me va ben oltre il ruolo di produttore. Lo conosco dai tempi di Pushbutton Warfare e Jasta 14, è come un sesto membro della band da anni. Quando si insegue qualcosa di intramontabile, memorabile e significativo, avere quel livello di fiducia e comprensione fa tutta la differenza. Ci davamo il cinque, urlavamo, camminavamo avanti e indietro e festeggiavamo ogni volta che miglioravamo una canzone o trovavamo qualcosa di micidiale".

Mike Gitter, responsabile A&amp;R di Frontiers Records e label director di BLKIIBLK, ha commentato: "BlLKIIBLK Records è orgogliosa di annunciare la firma di Hatebreed. Non solo sono un nome scolpito nel panorama della musica heavy, ma sono una forza vitale e rilevante come sempre. Forse anche di più. Siamo entusiasti di lavorare con Jamey [Jasta], che continua a portare nuova energia in tutto ciò che tocca. Jasta e gli Hatebreed non sono solo sinonimo di perseveranza: portano il suono estremo a un nuovo livello. Siamo onorati di lavorare insieme".

Hatebreed

Gli Hatebreed entrano nel roster di BLKIIBLK Records

La band hardcore del Connecticut pubblicherà in autunno il nuovo album prodotto da Zeuss

Primary Wave ha annunciato oggi una partnership con gli eredi di Donna Summer: l’accordo riguarda la gestione del catalogo editoriale e discografico dell’artista, oltre i diritti su nome, immagine e somiglianza. L’intesa, ha fatto sapere l’azienda in una nota, “offrirà agli eredi l'accesso al team marketing e all'infrastruttura editoriale di Primary Wave, lavorando a stretto contatto su nuove opportunità di marketing, branding, digitali e di sincronizzazione, nonché su progetti cinematografici e televisivi”.

Tra i più recenti accordi di gestione siglati da Primary Wave spicca quello stretto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758916/primary-wave-una-partnership-con-pete-townshend">con Pete Townshend</a>: anche nel caso del chitarrista e principale autore degli Who, l’azienda guidata da Larry Mestel ha incluso nel pacchetto di asset oggetto dell’intesa i diritti di sfruttamente di nome e immagine.

Primary Wave, un accordo con gli eredi di Donna Summer

Per lavorare su nuove opportunità di marketing, branding, sync e…

In occasione dell’annuale riunione della National Music Publishers’ Association, tenutasi ieri, giugno, il presidente e CEO della sigla che rappresenta gli editori musicali statunitensi David Israelite ha annunciato la firma dei primi accordi di licenza in materia di intelligenza artificiale con Udio e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755508/in-rampa-di-lancio-klay-il-dsp-a-misura-di-ai">Klay</a>, che saranno estesi all’intero mercato per gli editori membri. “Fare causa ai cattivi player dell'AI e concedere licenze ai partner ‘buoni’ non è in conflitto”, ha detto Israelite: “Le opere sono importanti quanto - se non più - delle incisioni, quando si parla di intelligenza artificiale. A partire dal prossimo lunedì, i nostri associati avranno l'opportunità di prendere in considerazione&nbsp;e aderire a questo accordo rivoluzionario”.

Secondo la NMPA gli accordi negoziati e finalizzati nel corso dell’ultimo anno, inclusi quelli sull’AI, hanno portato alla distribuzione di circa 110 milioni di dollari ai membri. Israelite ha definito l’intesa con Udio il primo accordo di licenza su scala industriale con una grande azienda di AI. Sul fronte Klay, NMPA ha sottolineato che la società è tra le poche ad aver ottenuto licenze prima del lancio della piattaforma: il suo Large Music Model sarà addestrato interamente su musica licenziata e l’accordo con NMPA partirà più tardi quest’estate. Israelite ha anche avvertito che le frodi nello streaming vengono amplificate in modo esponenziale dall’AI e ha annunciato un AI Songs Summit a Nashville in autunno, con editori, PRO e gruppi di autori per creare un allineamento di settore. “Le sfide poste dall’intelligenza artificiale sono enormi e in evoluzione”, ha concluso Israelite, promettendo che “la grande musica non sarà mai prodotta in massa dalle macchine”.

USA, NMPA firma i primi accordi di licenza AI con Klay e Udio

Per garantire agli editori la stessa remunerazione garantita alle etichette

Cos’è e chi è un artista emergente, oggi? Parte da questa domanda la nuova edizione del progetto RADAR, una delle iniziative centrali di Spotify: la sesta edizione e i sei nomi della nuova “classe” sono stati presentati oggi a Milano nell’hub della piattaforma. È stata soprattutto l’occasione per tracciare un bilancio del progetto, che in Italia ha debuttato nel 2020, per intervenire sullo sviluppo di nuovi talenti, sostenendo il lavoro di etichette e management.

Secondo i dati diffusi da Spotify e presentati oggi da Adelechiara Nicoletti, Head of Artist and Label Partnership Sud ed Est Europa di Spotify, gli artisti inseriti in RADAR registrano mediamente, a un anno dall’ingresso nel programma, una crescita del 700% degli ascoltatori mensili. Oltre 11 milioni di utenti hanno scoperto artisti RADAR attraverso le playlist editoriali della piattaforma, mentre il numero dei follower cresce in media del 540%.

Spotify segnala che gli inserimenti nelle playlist create dagli utenti triplicano nel giro di dodici mesi: da circa 5 milioni prima dell’ingresso nel programma a 15 milioni nell’anno successivo. Anche la dimensione internazionale mostra una crescita significativa: gli artisti coinvolti raggiungono mediamente 38 Paesi in più dopo un anno e 57 Paesi in più a tre anni dall’ingresso nel progetto.

“Dietro i numeri e le classifiche c’è sempre una visione artistica che ha bisogno di essere supportata e coltivata”, spiega Nicoletti. “Il vero valore di RADAR risiede nel lavoro di squadra che facciamo quotidianamente con questi giovani artisti e i loro team. Mettiamo a disposizione le nostre risorse editoriali e strategiche non solo per amplificare la loro musica, ma per costruire un percorso condiviso. Vederli trasformare la loro unicità in una carriera solida è il vero successo del programma”. Da qui, spiegano a Spotify, la trasformazione del progetto da vetrina promozionale a uno strumento di sviluppo artistico più strutturato, proprio perché oggi l’idea di artista emergente presuppone un progetto già avviato e strutturato. Le direttrici individuate dalla piattaforma sono tre: distribuzione del valore nel tempo, supporto su misura e maggiore profondità narrativa.

La nuova classe 2026 è composta in parte da nomi già noti a pubblico e addetti ai lavori come Angelica Bove (Premio della Critica a Sanremo Giovani), Faccianuvola, Sara Gioielli, prima stanza a destra, Visino Bianco ed Emili Kasa, con scelte che spaziano dal cantautorato all’elettronica, dall’urban alla fusione tra pop e radici.

Spotify, i numeri del progetto RADAR

L’iniziativa dedicata agli emergenti arriva alla sesta edizione: presentata la nuova classe

Warner Music Group ha annunciato oggi, mercoledì 10 giugno, un accordo per l'acquisizione di Sureel AI: l’operazione, ha spiegato la major in una nota, “rafforza la missione del gruppo di garantire che artisti, autori e titolari dei diritti traggano vantaggio ovunque e ogni qualvolta le loro opere vengano citate in opere generate dall'intelligenza artificiale o utilizzate per l'addestramento di modelli di intelligenza artificiale”.

“La tecnologia di Sureel crea un ‘DNA dell'AI’ per ogni opera, scomponendola nelle sue componenti e tracciando il modo in cui i modelli di IA utilizzano tali elementi”, offrendo, allo stesso tempo, “servizi di tracciabilità della proprietà intellettuale, reportistica di audit e conformità, ottimizzazione dei modelli, business intelligence basata sull'AI e una suite in continua espansione per l'attribuzione dei diritti di immagine che traccia l'utilizzo di voci, sembianze e identità performative degli artisti nell'addestramento e nella GenAI, inclusi cloni vocali, avatar generati dall'AI e replicazione dello stile”.

Sureel - precisa la nota - continuerà a operare come piattaforma indipendente al servizio del più ampio ecosistema musicale e dell'intelligenza artificiale, “rafforzata dalle risorse, dalla portata e dal supporto strategico di Warner Music Group”.

“L'intelligenza artificiale offre un'ampia opportunità di coinvolgimento dei fan e di creazione di valore per il nostro settore, rendendo al contempo l'origine umana della musica più importante che mai”, ha dichiarato Robert Kyncl, CEO di Warner Music Group: “L'integrazione di Sureel in WMG rafforza la nostra capacità di protezione, controllo e monetizzazione e garantisce che la comunità creativa mantenga il controllo della propria proprietà intellettuale, del proprio nome, immagine, somiglianza e voce. Non vediamo l'ora di collaborare con Tamay e il suo team per promuovere il loro straordinario lavoro”.

“I titolari dei diritti meritano di sapere come l'IA interagisce con le loro opere e di partecipare equamente al valore che essa crea”, ha aggiunto Tamay Aykut, CEO e fondatrice di Sureel AI: “Sureel è stato creato per rendere tutto ciò possibile e, con il supporto di WMG, possiamo realizzare la nostra missione su larga scala, costruendo un futuro più trasparente ed equo e promuovendo la crescita del valore per l'intero ecosistema musicale e dell'intrattenimento”.

Warner Music acquisisce Sureel AI

Per rafforzare ‘la protezione, il controllo e la monetizzazione della proprietà intellettuale’

NUOVOIMAIE ha lanciato una campagna di sensibilizzazione per promuovere una cultura del rispetto e contrastare ogni forma di violenza di genere ideata, scritta e diretta da Matilde D’Errico - creatrice, autrice e regista dei format televisivi Amore Criminale e Sopravvissute - che si articola in quattro spot che vedono protagoniste altrettante coppie di artisti: Luisa Ranieri e Giampaolo Morelli, Noemi e Giorgio Pasotti (nella foto), Veronica Pivetti e Giulio Scarpati, Ludovica Nasti e Primo Reggiani. Gli spot sono prodotti da Alessandro Lostia di Indigo Stories.

La serie di filmati, che approderà giovedì 11 giugno in oltre 2.000 sale cinematografiche e sui profili social dell’Istituto, nasce - spiega la collecting in una nota - “dalla consapevolezza che la violenza di genere non è soltanto un’emergenza sociale, ma anche una sfida culturale che richiede l’impegno di tutti. Per questo il NUOVO IMAIE ha scelto di coinvolgere artiste e artisti capaci di raggiungere pubblici diversi e contribuire alla diffusione di un messaggio di responsabilità e consapevolezza”.

“La violenza di genere è una ferita profonda che riguarda l’intera società e che non può essere affrontata soltanto quando si manifesta nelle sue forme più estreme. È necessario agire sul piano culturale, educando al rispetto, all’uguaglianza e al riconoscimento della dignità di ogni persona”, ha dichiarato Andrea Miccichè, presidente di NUOVOIMAIE: “Come Istituto sentiamo il dovere di mettere la forza comunicativa degli artisti al servizio di una battaglia che ci riguarda tutti. Ringrazio le e gli interpreti che con generosità hanno aderito a questo progetto, contribuendo a diffondere un messaggio chiaro: non può esserci amore senza rispetto e non può esserci alcuna giustificazione per la violenza”.

La violenza maschile contro le donne è un problema di carattere culturale. Fino a quando non si cambia la mentalità che ci circonda il problema resta”, ha aggiunto Matilde D’Errico: “Gli uomini devono sentirsi responsabili e artefici di questo cambiamento. Non basta dire ‘non siamo tutti così’. Occorre impegnarsi per cambiare una mentalità e una società che vede le donne ancora come prede e oggetti da possedere. Ho accettato molto volentieri di scrivere e dirigere i 4 spot per la Campagna Sociale del NUOVOIMAIE. Sono spot necessari per sensibilizzare e invitare tutti al cambiamento. Le forme di violenza maschile sulle donne sono tante e diverse, alcune silenziose e subdole. E accadono in tutti i contesti. Tutti. Nessuno escluso. Per questo bisogna sensibilizzare in modo trasversale”.

L’obiettivo - chiarisce NUOVOIMAIE è “raggiungere il più ampio pubblico possibile e mantenere alta l'attenzione su un fenomeno che continua a colpire migliaia di donne ogni anno. Sono noti i casi di molestie subite durante i casting anche da parte di attrici e musiciste. Al punto che ormai da tempo esiste un documento contenente le linee guida per contrastare atteggiamenti durante la fase di casting, che possono mettere a disagio l’artista interprete ed esecutore fino a sconfinare nell’abuso. Con questa iniziativa, il NUOVO IMAIE rinnova il proprio impegno a favore della tutela dei diritti, della parità e della promozione di una cultura fondata sul rispetto e sulla condanna di ogni forma di violenza”.

“Con massima e ferma convinzione ANEC ha accolto l’invito del NUOVOIMAIE a supportare all’interno delle sale cinematografiche per le prossime quattro settimane, i contenuti sviluppati per la sensibilizzazione contro la violenza sulle donne”, ha concluso Fabrizio Larini, Presidente ANEC: “In un momento in cui le sale stanno registrando numeri di rilievo e il pubblico che assiste alle proiezioni è di fascia soprattutto giovane, l’efficacia del messaggio si massimizza, forti anche del fatto che i quattro contenuti, che si alternano sugli schermi uno a settimana fino all’8 luglio, sono volti riconoscibili dalle nuove generazioni”.

NUOVOIMAIE, quattro spot nei cinema contro la violenza di genere

Scritti e diretti da Matilde D’Errico, arriveranno nelle sale domani, giovedì 11 giugno

In occasione della seconda giornata della conferenza annuale di NIVA (National Independent Venue Association), <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-737197/universal-music-group-tra-le-fondatrici-di-fix-the-iix" target="_blank">Fix The Tix - coalizione nata da un'idea di UMG, Dice e RIAA</a> -&nbsp;ha lanciato "Fan Action Center", una piattaforma digitale pensata per fornire assistenza&nbsp;ai fan colpiti da truffe o problemi legati alla rivendita dei biglietti.

Lo strumento, "che mette al primo posto i fan e favorisce gli artisti",&nbsp;consente agli utenti di chiedere rimborsi, segnalare frodi, contattare le autorità competenti e condividere la propria esperienza sui social.

Parallelamente al lancio della nuova piattaforma in collaborazione con Fan Alliance, inoltre, sono stati segnalati e attenzionati oltre 6.000 URL ingannevoli relativi alla vendita di biglietti.

Ticketing, Fix The Tix lancia Fan Action Center

La piattaforma aiuta i fan a chiedere rimborsi, segnalare frodi e denunciare pratiche ingannevoli.

Roundhouse, venue londinese nel quartiere di Camden Town e organizzazione benefica dedita all'arte e alla creatività giovanile, ha recentemente pubblicato un report che mette in evidenza&nbsp;i suoi primi vent'anni di attività a supporto dei giovani. Secondo quanto dichiarato, dalla sua fondazione a oggi l'organizzazione ha investito complessivamente&nbsp;circa 50 milioni di sterline per oltre 100.000 ragazzi impegnati in progetti artistici e creativi, con oltre 60.000 ore di studio messe a disposizione nel periodo considerato. La pubblicazione del report, inoltre,&nbsp;ha accompagnato il lancio di una nuova iniziativa da parte di Roundhouse,&nbsp;"Young Creatives Commission", in collaborazione con The Centre for Young Lives, con l'obiettivo di ampliare ulteriormente l'accesso all'arte e alle opportunità creative per i giovani in Inghilterra.

Roundhouse, 50 milioni di sterline ai giovani in 20 anni

La venue londinese festeggia i suoi 20 anni raccontando del sostegno ad oltre centomila giovani.

Alla conferenza annuale WWDC tenuta pochi giorni fa Apple ha presentato le novità di iOS 27 per Apple Music, che ha - tra gli l'interventi più rilevanti - l'integrazione tra la piattaforma streaming con Siri AI. Il nuovo sistema consente di chiedere a Siri informazioni su un artista e passare, nella stessa conversazione, alla riproduzione di un suo brano con comandi naturali. Sul fronte del prodotto arrivano anche pagine artista e album ridisegnate, mentre AutoMix - funzionalità che permette di mixare i brani presenti nelle playlist - ha aggiornato i suoi algoritmi per creare transizioni più fluide tra i brani in base a tonalità e tempo. Apple parla inoltre di caricamenti e streaming più rapidi e di una maggiore affidabilità dello streaming, elemento che potrebbe ridurre le interruzioni su reti meno stabili.

L'update estende anche Lyrics Translation a sette nuove lingue — tra cui inglese verso francese, tedesco, italiano, coreano e spagnolo, oltre a francese verso inglese e giapponese verso inglese — e aggiunge cinque nuovi abbinamenti per Lyrics Pronunciation. Eddy Cue, vicepresidente senior dei Servizi di Apple, ha detto che l'azienda è "entusiasta di portare nuove potenti funzionalità e intelligenza a centinaia di milioni di utenti” e punta a farlo “rendendo le loro esperienze ancora più utili e divertenti”. Le funzioni sono già disponibili in test tramite l'Apple Developer Program, mentre la beta pubblica arriverà il mese prossimo attraverso l'Apple Beta Software Program.

Apple Music, con iOS 27 in arrivo un maxi aggiornamento

Inclusa anche un’integrazione con Siri AI

MAC Cosmetics ha scelto Chappell Roan come nuovo volto del programma benefico Viva Glam, tramite il quale sarà lanciata una collezione in edizione speciale di tre prodotti labbra creati con la collaborazione dell'artista. Nella presentazione del progetto, il brand afferma che “Chappell Roan rappresenta una nuova era per Viva Glam”; la collezione devolverà il 100% del prezzo di vendita a enti sostenuti dal programma, impegnati su uguaglianza sessuale, di genere, razziale e ambientale. L’azienda ha ricordato che Viva Glam, iniziativa nata nel 1994, ha raccolto oltre 545 milioni di dollari grazie alle sue iniziative, candidandosi a essere “la più grande iniziativa filantropica nel beauty”.

Per Roan, “Viva Glam ha sempre riguardato più del make-up”, mentre Nicola Formichetti, Global Creative Director di MAC, la definisce “l'artista perfetta per guidare questo prossimo capitolo”. In parallelo, MAC Viva Glam destinerà 300.000 dollari alla fondazione non profit della cantante, il Midwest Princess Project, e alle organizzazioni partner che forniscono risorse, assistenza e advocacy alle comunità LGBTQ+.

Chappell Roan

MAC, Chappell Roan è il nuovo volto di Viva Glam

Il proventi dalla nuova collezione saranno devoluti al 100% in beneficenza

Una storia bizzarra, quasi una curiosità da backstage di cui si parla da qualche anno, è stata ripresa <a href="https://www.rockol.it/news-758664/dave-grohl-intervista-musicista-preferito-pat-smear-mariah-carey">qui</a> qualche settimana fa. L’ho trovata divertente, ma soprattutto illuminante. Credo che, per chiunque si occupi di musica, tecnologia e modelli di business, nasconda e contenga qualche insegnamento.

Succede che l’artista preferita di Pat Smear, figura simbolo del punk americano, cofondatore dei Germs, poi seconda chitarra dei Nirvana e membro dei Foo Fighters, sarebbe Mariah Carey. Lo ha riferito Dave Grohl in più occasioni, sottolineando come Smear ami Mariah Carey più di qualsiasi altra o altro artista e consideri “Butterfly” (1997) il suo album preferito in assoluto.

La cosa è diventata quasi una gag interna ai Foo Fighters, proprio per il contrasto tra la figura archetipica del chitarrista punk e una delle più grandi star del pop e dell’R&amp;B contemporaneo. Negli ultimi anni Smear ha più volte manifestato il proprio interesse per il lato meno noto della produzione artistica di Carey, compreso <a href="https://www.rockol.it/news-754440/mariah-carey-album-grunge-storia-frammento-inedito-da-ascoltare">il suo celebre disco segreto “Someone’s Ugly Daughter”</a>.

Registrato nel 1995 mentre Mariah Carey stava lavorando a “Daydream”, fu pubblicato il 5 settembre dello stesso anno sotto il nome della band fittizia Chick. Carey ne scrisse gran parte dei brani, partecipò alla produzione e registrò le parti vocali originali, ma la versione pubblicata utilizzò come voce principale quella dell’amica Clarissa Dane. La ragione era semplice: Sony Music non ci teneva a pubblicare un album grunge e alt rock associato al nome di una delle più importanti artiste pop del proprio roster. E così il progetto venne mascherato e per anni rimase poco più che una curiosità nota agli addetti ai lavori, fino a quando Carey ne raccontò pubblicamente la storia nel memoir “The Meaning of Mariah Carey”.

<h3>Identità musicale e gusto reale</h3>

L’interesse di Pat Smear per questo universo apparentemente distante dalla sua biografia artistica suggerisce, però, che qualcosa di più interessante si celi dietro la semplice aneddotica. E la prima lezione da trarre, qui, riguarda il modo in cui l’industria legge il pubblico.

Il pubblico non è mai coerente quanto i segmenti di mercato vorrebbero farci credere. Pat Smear dovrebbe amare Stooges, Ramones, Black Flag, Bowie o altri nomi coerenti con il proprio percorso artistico. Invece il disco che più lo affascina appartiene a un’artista che rappresenta quasi l’opposto della sua identità pubblica. Non si tratta di una contraddizione, ma di una verità di consumo: l’identità musicale pubblica non coincide necessariamente con il gusto reale. Non è certo una novità che un artista, un fan o un professionista possano abitare un’estetica precisa — punk, metal, rap, indie, elettronica — ma trovare altrove la musica che li emoziona maggiormente. Insomma, la musica che definisce la nostra immagine non coincide sempre con quella che ci forma. Ne deriva che l’industria musicale contemporanea può serenamente prendere nota che non si possono comprendere le audience esclusivamente attraverso i generi. Il fan rock può avere una profonda relazione con il pop, il fan pop può ascoltare jazz o metal, il fan hip hop può essere un consumatore appassionato di cataloghi classic rock: le categorie aiutano a organizzare il mercato, ma spesso descrivono male la realtà.

<h3>L’algoritmo e la crescita inespressa</h3>

Questa osservazione diventa ancora più interessante quando la si applica al predominio contemporaneo che gli algoritmi esercitano sulla generazione di ricavi da musica registrata.

Immaginiamo di disporre di tutti i dati noti su Pat Smear — le sue band, i suoi collaboratori, la sua storia musicale, i suoi riferimenti culturali - per affidarli a un sistema di raccomandazione: probabilmente gli suggerirebbe altro punk, altro hardcore, altro rock alternativo. Forse arriverebbe ai Pixies. Forse a Iggy Pop. Ma “Butterfly” di Mariah Carey…?

Succede perché l’algoritmo è straordinariamente efficace nel prevedere la continuità del gusto, molto meno nel comprenderne la profondità. L’intera economia delle piattaforme musicali si fonda sull’assunto che il comportamento osservato sia una buona rappresentazione del desiderio. E nella maggior parte dei casi è vero, eppure il caso Pat Smear suggerisce che esiste una parte importante del gusto che nasce non dalla somiglianza, bensì dalla differenza. Mentre l’algoritmo ottimizza la probabilità, la passione spesso nasce dall’improbabilità. Se ascolti molto punk, la raccomandazione statisticamente corretta è altro punk, però il disco che potrebbe cambiarti la vita potrebbe essere soul, country, jazz, R&amp;B o pop.

Sappiamo bene che, storicamente, molte innovazioni musicali sono nate proprio da queste contaminazioni inattese. Il punk è pieno di influenze pop, l’hip hop pesca da funk, soul e R’n’B, il grunge combina metal e melodie pop. Senza considerare i guilty pleasure dei musicisti metal che adorano gli ABBA o dei rapper che venerano Phil Collins. E che ne sappiamo, noi, degli autori indie che studiano Burt Bacharach?

Sono connessioni che gli algoritmi tendono a individuare soltanto dopo che si sono manifestate in massa, laddove gli esseri umani, invece, possono crearle prima. Il che conduce a una questione di mercato: se il gusto reale è più ampio e contraddittorio di quanto mostrino i dati comportamentali, allora una parte del mercato musicale potrebbe essere sistematicamente sottostimata. Le piattaforme contemporanee eccellono nello sfruttare la domanda esistente, ma sono meno efficaci nel generare domanda nuova. D’altra parte il loro obiettivo è massimizzare l’affinità: chi ascolta A riceve B, chi segue X riceve Y, chi ama un genere riceve artisti simili. Il risultato è una crescente efficienza nel rafforzare cluster già esistenti, ma allora sorge inevitabilmente una domanda: quanta crescita potenziale stiamo perdendo perché i sistemi di raccomandazione privilegiano la continuità anziché la sorpresa? La risposta: è impossibile quantificarlo, ma è forte la sensazione che una parte significativa del consumo musicale potenziale rimanga inespressa.

<h3>Serendipity e scoperta</h3>

Affermando che l’algoritmo potrebbe essere una straordinaria macchina di efficienza e, contemporaneamente, una macchina relativamente mediocre di espansione culturale, le implicazioni si estendono direttamente all’economia dello streaming.

Nell’attuale modello l’algoritmo aumenta la probabilità di ascolto e gli ascolti determinano la quota del revenue pool che, a sua volta, genera royalty che rafforzano i cataloghi che già performano: il sistema remunera perfettamente la domanda espressa e non possiede alcun meccanismo per valorizzare la domanda latente. Si crea così un circuito auto-rinforzante. Non è un problema che riguarda i DSP, ma il fatto che l’intera filiera economica misura il comportamento osservabile, non il desiderio inesplorato.

Allora, forse, il vero asset scarso dell’industria musicale dei prossimi dieci anni non sarà il catalogo ma la capacità di generare discovery autentica fuori dai percorsi prevedibili. Se questa fosse un’illuminazione plausibile, la sua applicazione pratica richiederebbe un cambio di prospettiva: meno algoritmi più sofisticati e più sistemi progettati per creare serendipità. Come?

Una playlist potrebbe non chiedersi: “Chi ascolta Nirvana cos’altro ascolta?”, bensì: “Quale disco ha cambiato la vita agli ascoltatori dei Nirvana?”. Magari Mariah Carey, oppure Prince, Curtis Mayfield o qualsiasi altro nome apparentemente distante.

Lo stesso principio potrebbe essere applicato all’editoria musicale. Una rubrica interessante potrebbe non riguardare i dischi preferiti degli artisti, ma quelli meno prevedibili - l’album che nessuno si aspetterebbe di trovare nella loro top ten.

E anche il lavoro degli A&amp;R potrebbe cambiare: invece di osservare soltanto le convergenze statisticamente prevedibili, potrebbe concentrarsi sulle anomalie, tipo: quando un pubblico metal ascolta improvvisamente un artista soul, quando una community rap adotta un catalogo rock, quando una fandom elettronico scopre un artista country. Le anomalie, in fondo, sono spesso segnali deboli di mercati futuri.

In definitiva, l’industria dello streaming è costruita per identificare ciò che è probabile, tuttavia il caso Pat Smear–Mariah Carey suggerisce che il prossimo vantaggio competitivo potrebbe risiedere nell’identificare ciò che è improbabile ma vero.

Una differenza non filosofica, ma economica: se il probabile redistribuisce l’attenzione esistente, è l’improbabile che, quando emerge, crea nuova attenzione. Ed è proprio da lì che, storicamente, nascono i nuovi mercati.

Pat Smear, Mariah Carey, l’algoritmo e la serendipity

Dave Grohl ha creato una gag divertente, ma l’industria e lo streaming potrebbero prendere nota

Per mezzo di una nota ufficiale diffusa nel tardo pomeriggio di oggi, martedì 9 giugno, Universal Music Group NV (“UMG” o la “Società”) ha confermato di aver collocato con successo obbligazioni senior non garantite per un valore di 500 milioni di euro con un tasso di interesse del 3,375% e scadenza nel 2030, e obbligazioni senior non garantite per un valore di 500 milioni di euro con un tasso di interesse del 4,125% e scadenza nel 2036. La chiusura dell'offerta è prevista per il 16 giugno 2026.

Le obbligazioni saranno emesse nell'ambito del programma Euro Medium Term Note di UMG, quotato su Euronext Amsterdam e venduto a investitori al di fuori degli Stati Uniti: confermando <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759451/universal-music-obbligazioni-per-1-miliardo-di-euro-in-arrivo">quanto già trapelato nella giornata di ieri</a>, “i proventi dell'offerta saranno utilizzati per scopi aziendali generali, tra cui il rifinanziamento del debito esistente e il pagamento di commissioni e spese di transazione”.

BNP Paribas e Crédit Agricole CIB hanno agito in qualità di coordinatori globali, IMI – Intesa Sanpaolo, Mediobanca, Mizuho Securities Europe GmbH, Morgan Stanley Europe SE, Santander e Société Générale in qualità di bookrunner attivi, e BofA Securities, Citigroup Global Markets Europe AG, Goldman Sachs Bank Europe SE e MUFG in qualità di co-manager dell'offerta.

Universal Music, confermata l’emissione di bond per €1 mld

In due tranche da 500 milioni di euro l’una: i dettagli

Universal Music Publishing Group ha presentato oggi, martedì 9 giugno, la sua nuova brand identity, per definire - ha spiegato l’azienda in una nota ufficiale “una voce distintiva, un sistema visivo e un posizionamento globale incentrati sull'importanza culturale e sull'influenza delle canzoni e degli autori”. L’operazione ha incluso in restyling radicale del sito ufficiale della branca editoriale della major.

“Nella musica tutto inizia con un autore. Le grandi canzoni trascendono generazioni, geografie e formati, ben oltre il momento in cui le mode svaniscono”, ha dichiarato Jody Gerson, Presidente e CEO di UMPG: “Il nostro nuovo marchio vuole celebrare il potere duraturo della composizione musicale e darle una voce chiara, una casa stabile e un futuro più solido. E’ un'identità aperta e in continua evoluzione, dedicata alle canzoni, agli autori e alle persone che le creano; un'identità che assume un nuovo significato ovunque la musica vada”.

Il nuovo logo, ha spiegato Universal Music Publishing, “rappresenta i quattro angoli del pianeta, a simboleggiare una comunità globale di autori di canzoni e a riflettere come la portata di UMPG contribuisca a far viaggiare grandi canzoni oltre i confini e le culture. Lo spazio circolare al centro del logo può anche fungere da cornice per gli autori, evidenziando il loro talento e la loro creatività al centro del dibattito culturale”.

Oltre al nuovo logo e alla grafica, sviluppati con la collaborazione dell’agenzia GrandArmy, la nuova brand identity “include una dichiarazione d'intenti: Universal Music Publishing Group esiste per promuovere l'atto collaborativo, personale e umano della creazione di canzoni. Facciamo in modo che le canzoni vengano ascoltate. Facciamo in modo che gli autori di canzoni vengano pagati. Ovunque vadano le canzoni, noi siamo un passo avanti”.