<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754749/mngrsai-intelligenza-artificiale-come-manager-degli-artisti" target="_blank">MNGRS.AI - servizio di management artistico basato sull'intelligenza artificiale</a> e sviluppato dalla startup francese&nbsp;Global Music Community - ha annunciato l'ingresso di Cortez Bryant come investitore e consulente strategico.

Bryant, noto per aver contribuito allo sviluppo delle carriere di Lil Wayne, Drake e Nicki Minaj, diventa il primo investitore di MNGRS.AI proveniente dall’industria musicale statunitense. Nel nuovo ruolo affiancherà il team dirigenziale sui modelli di sviluppo degli artisti, sulle partnership di settore e sulla crescita strategica a lungo termine.

"Da molto tempo cercavo un modo per aiutare più artisti di quanti potessi mai sostenere personalmente. Nel corso della mia carriera, innumerevoli artisti mi hanno contattato in cerca di consigli, orientamento e indicazioni, ma la realtà è che la gestione tradizionale degli artisti può raggiungere solo un numero limitato di persone. MNGRS.AI ha il potenziale per rappresentare una vera e propria svolta", ha dichiarato Cortez Bryant.

Cortez Bryant

intelligenza artificiale

MNGRS.AI

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MNGRS.AI: Cortez Bryant investe e diventa Strategic Advisor

Industria

Il manager di Drake, Lil Wayne e Nicki Minaj affiancherà la società nella crescita internazionale

Bad Bunny, fresco trionfatore all’half time show dell’ultimo Super Bowl, e i BTS, campioni incontrastati della scena K-pop, sono solo la punta dell’iceberg: secondo uno studio compilato da Jaime Marconette, VP, Music Insights &amp; Industry Relations di Luminate, il settore dello streaming musicale americano sta vivendo una vera e propria rivoluzione, prima ancora culturale che commerciale. In un mercato della musica registrata storicamente legato alla produzione nazionale (con, ancora oggi, due stream su tre ascrivibili ad artisti locali), l’inglese, lingua che - da sola - non è mai stata garanzia di successo nella scalata delle classifiche a stelle e strisce (come ha imparato, a sue spese, Robbie Williams), sta progressivamente perdendo terreno.

“Nel primo trimestre del 2026, il consumo di musica in lingua inglese negli Stati Uniti è diminuito di 2,1 punti percentuali rispetto al primo trimestre del 2025 (rispettivamente dell'86% e dell'88,1%), confermando un trend discendente di lungo periodo dovuto alla crescente popolarità dei suoni globali tra gli americani”, spiega il report: “A guidare questa tendenza è la musica in lingua spagnola, che ha rappresentato quasi uno streaming su dieci on demand negli Stati Uniti, raggiungendo una quota di mercato storica del 9,5% nel primo trimestre”.

Secondo Marconette negli USA la musica latina “ha definitivamente abbandonato il suo status di ‘nicchia’”, vedendo crescere il proprio ascolto occasionale mensile presso il pubblico americano dal 41% nel 2024 al 56% nel primo trimestre del 2026. “Questo aumento - spiega Marconette - significa che più della metà degli ascoltatori statunitensi considera ora la musica latina un genere che ascolta occasionalmente”.

A far luce in maniera ancora più chiara sulla rivoluzione che sta montando sui DSP d’oltreoceano ci sono le quote di mercato - divise per nazionalità - nelle produzioni più ascoltate sulle piattaforme digitali. Escluse le produzioni locali, nel 2026 la market share delle opere battenti bandiera britannica è del 7,8%, tallonata da quelle messicane (5%), canadesi (4,5%), portoricane (3,1%), sudcoreane (1,8%) e australiane (1,5%). “Tutte le altre lingue al di fuori di inglese, spagnolo e coreano hanno registrato un'impennata, raggiungendo il 3,4% del totale degli streaming, con un aumento sostanziale di 1,5 punti percentuali rispetto al 2025”, osserva lo studio: “La frammentazione del mercato dello streaming statunitense ha fortes implicazioni per l'intero ecosistema musicale. Storicamente, gli Stati Uniti hanno agito da ‘guardiano’, obbligando gli artisti internationalen ad adattarsi agli stili occidentali o a cantare in inglese per raggiungere il successo commerciale. L'infrastruttura di streaming odierna permette ai fan di scoprire la musica in modo organico, senza che la lingua rappresenti una barriera d'ingresso, bensì un punto di connessione”.

Il fenomeno promette di avere ripercussioni anche sulla filiera della musica registrata locale, alla quale non basterà più fare affidamento solo sui talenti nazionali. “Per rimanere competitive, le etichette devono investire nello scouting internazionale, nelle collaborazioni transfrontaliere e nelle strategie di marketing multilingue per rispecchiare le mutevoli abitudini dei consumatori”, osserva Marconette. La sfida, quindi, non riguarda solo i discografici, ma anche gli editori, il settore della musica dal vivo, e - ultimi ma non meno importanti - gli inserzionisti, che dovranno rivedere le proprie strategie per parlare a un “pubblico multiculturale e poliglotta ed entrare in sintonia con i consumatori americani”. “Il futuro dello streaming musicale non è più monolitico”, conclude la ricerca: “È globale, diversificato e caratterizzato da una decentralizzazione senza precedenti”.

Il lento declino dell’inglese nello streaming americano

In un rapporto Luminate la chiave per leggere il futuro del primo mercato discografico mondiale

Sono stati annunciati i vincitori dei Nastri d’Argento del cinema italiano per l’anno 2026.

Per la categoria “Miglior canzone originale” il Nastro d’Argento è stato assegnato a “Le cose non dette”, scritta (con Marcello Grilli e Paolo Buonvino) e interpretata da Mahmood per il film omonimo di Gabriele Muccino.

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Il Nastro d’Argento per la miglior colonna sonora è stato assegnato a quella scritta da Fabio Massimo Capogrosso per il film “Primavera” di Damiano Michieletto.

Mahmood

Nastri d’Argento 2026, i vincitori per la musica

Mahmood (miglior canzone) e Fabio Massimo Capogrosso (miglior colonna sonora). 

La filiale scandinava di Sony Music Publishing ha annunciato l'acquisizione dei diritti del catalogo di Sound Pollution, che comprende circa 5.000 opere. L'accordo - ha spiegato l’azienda in una nota - “rappresenta una delle più importanti vendite di catalogo degli ultimi tempi per un editore indipendente svedese”.

Il catalogo di Sound Pollution include opere eseguite da artisti come - tra gli altri - Bonafide, Elaine, Foredoom, Srexoria, Sabaton, Twilight Force e Wormwood: Sony Music Publishing e la società di edizioni specializzata in hard rock, punk e metal con sede a Stoccolma hanno stipulato “un accordo di amministrazione a lungo termine che riguarda le opere future”.

“Sony Music Publishing è da tempo una parte fondamentale nella costruzione del nostro catalogo di diritti”, ha commentato Johan Hargeby, Managing Director&nbsp;di Sound Pollution: “Questo è un passo naturale. Per i nostri artisti e autori, significa maggiori risorse e condizioni migliori per il futuro. Nel nostro genere, artista e autore sono spesso la stessa persona e continuiamo a collaborare con la maggior parte di loro. Questo accordo ci fornisce la capacità finanziaria per effettuare nuovi investimenti e sviluppare ulteriormente il business”.

"Collaboriamo a stretto contatto con Johan, Calle &amp; Johan e il team di Sound Pollution da molti anni e, come dice Johan, questo rappresenta un passo naturale per entrambe le parti”, ha aggiunto Johnny Tennander, Managing Director Scandinavia e SVP International di Sony Music Publishing: “Sound Pollution ha una storia di tutto rispetto e rappresenta qualcosa di unico nell'industria musicale svedese, quindi siamo molto orgogliosi di questa collaborazione ed è un grande onore poter dare continuità a ciò che hanno creato”.

A Sony Music Publishing il catalogo di Sound Pollution

Alla divisione editoriale della major i diritti su circa 5000 opere

In occasione del concerto allo Stadio San Siro di Milano, Tedua ha lanciato 'TEDUA ID', mobile app ufficiale pensata esclusivamente per la sua community.

Sviluppata da MIOO Tech, l'applicazione nasce con l'intento di dare ai fan uno strumento concreto attraverso cui&nbsp;accedere a contenuti riservati, ricevere comunicazioni in anteprima e collegare acquisti fisici a esperienze e benefit digitali. L’obiettivo concreto è offrire uno spazio dedicato al rapporto tra artista e pubblico, anche oltre il concerto live. L'artista di Genova ha voluto fortemente uno spazio controllato e curato, all'interno del quale il fan non è più soltanto un ascoltatore, ma diventa partecipante attivo di un percorso condiviso.

"MIOO Tech lavora con artisti e brand che vogliono costruire relazioni autentiche con il proprio pubblico. Il progetto con Tedua va esattamente in questa direzione: usare la tecnologia per rafforzare il legame tra artista e fan, non per sostituirlo", ha dichiarato Etan Genini, CEO di MIOO Tech.

TEDUA ID è disponibile gratuitamente su App Store e Google Play.

Tedua

Tedua lancia 'TEDUA ID', la sua app ufficiale

In occasione del debutto a San Siro, una mobile app pensata per la sua community

Aggiornamento, ore 15,20, mercoledì 24 giugno - Secondo l'edizione americana di Billboard,&nbsp;Influence Media Partners si è aggiudicata la gara per l'acquisizione degli asset musicali di Anthem Entertainment, con un offerta di poco superiore a&nbsp;650 milioni di dollari.

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Come è noto agli addetti ai lavori, gli asset di Anthem Entertainment,&nbsp;società&nbsp;canadese che possiede asset editoriali musicali e royalties su master registrati di artisti come Rush e Timbaland, sono da tempo all’asta: &nbsp;due precedenti tentativi di vendere la società, nel 2017 e nel 2022, non erano andati a buon fine. Alcune fonti riferiscono ora che Goldman Sachs - che gestisce l’operazione - avrebbe ricevuto&nbsp;varie proposte collocate&nbsp;tra i 500 e i 600 milioni di dollari da diversi offerenti, prima che questi ultimi si ritirassero dalla gara dopo che Influence&nbsp;Media Partners,&nbsp;sostenuta da BlackRock, ha presentato un’offerta superiore ai 650 milioni di dollari firmando un pre-accordo in attesa che l’operazione venga approvata dalle autorità canadesi.

Influence Media, fondata nel 2019 con il nome originario di Ole e inizialmente sostenuta da Warner Music Group prima di aggiungere BlackRock come principale fonte di finanziamento, ha investito nei cataloghi di artisti come Blake Shelton, Future, Julia Michaels, Enrique Iglesias e DJ Khaled. Si presenta come una piattaforma di investimento, gestione e valorizzazione attiva dei diritti musicali. La sua identità si è costruita intorno all’idea dei “modern evergreen”: repertori contemporanei, ad alta riconoscibilità culturale e con capacità di generare valore nel tempo, soprattutto nei territori pop, hip-hop, Latin e nel lavoro di autori e produttori dietro grandi hit globali. Il sostegno di Warner Music Group e BlackRock le ha conferito la scala finanziaria per muoversi in modo aggressivo sul mercato, ma anche un posizionamento diverso rispetto ai fondi più puramente finanziari: Influence combina capitale, relazioni artistiche, marketing, gestione dei diritti e capacità di riattivare repertori dentro nuovi contesti commerciali, editoriali e audiovisivi.

Negli ultimi anni questa traiettoria si è fatta più evidente. Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-728506/publishing-alleanza-tra-wmg-e-blackrock-per-un-fondo-da-750-milioni">fondo costruito con BlackRock e Warner</a> ha permesso di acquisire quote in cataloghi legati a nomi come Future, Blake Shelton, Julia Michaels, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-741085/enrique-iglesias-cede-i-master-a-influence-media-partners">Enrique Iglesias</a>, DJ Khaled e altri repertori contemporanei; la successiva cartolarizzazione da 360 milioni di dollari garantita da royalties ha mostrato come Influence stia costruendo anche un’infrastruttura finanziaria stabile intorno ai propri asset. Allo stesso tempo, alcune operazioni indicano un allargamento oltre la logica classica del catalog deal: il caso DJ Khaled, con l’acquisizione di diritti ma anche la creazione di joint venture per film, TV, iniziative commerciali e valorizzazione del brand, chiarisce la direzione. Il catalogo Sony Pictures Entertainment aggiunge una componente audiovisiva rilevante, con musiche legate a franchise, film e serie televisive; le partecipazioni editoriali legate a Timbaland rafforzano il lato autore/produttore e il legame con repertori pop, hip-hop e R&amp;B di grande circolazione; la presenza dei Rush aggiungerebbe una dimensione classic rock e un valore culturale canadese che rende l’operazione più sensibile anche sul piano regolatorio. Infine, il fatto che Compact Media e la piattaforma Anthem Entertainment restino fuori dal perimetro del deal indica che Influence non sta comprando l’intera architettura societaria e amministrativa di Anthem,&nbsp;selezionandone invece solo gli asset musicali più coerenti con la propria strategia.

A Influence Media gli asset musicali di Anthem Entertainment

Terminata la gara per aggiudicarsi le proprietà pregiate della società canadese

Negli ultimi giorni SZA, per mezzo di una serie di post pubblicati sulla propria pagina Instagram ufficiale, ha attaccato i musicisti che sostengono i modelli di AI generativa, citando in particolare Suno e sostenendo anche che Diplo figuri tra i finanziatori della società. La presa di posizione arriva dopo la scoperta, tramite un database pubblico segnalato da Atlantic, che 238 suoi brani sarebbero finiti nei dataset di training non autorizzato, inclusi alcuni che, a suo dire, è “certa” non siano nemmeno stati pubblicati. In un post, l'artista ha scritto: “Se sei un musicista e sostieni questa merda degenerata? Sei disgustoso, e non c'è niente che tu possa mai dire per rendere tutto questo accettabile”. L’artista ha spostato poi il discorso su un piano socio-culturale, sostenendo che Diplo, con la sua presunta partecipazione in Suno, fosse complice di un “saccheggio” della creatività della comunità afroamericana, utilizzando - seppure indirettamente - "le menti più brillanti e creative tra autori e produttori neri" per sviluppare le capacità del modello di GenAI. “[Noi afroamericani, ndr] Rappresentiamo il 13% della popolazione americana, eppure influenziamo il mondo con il nostro suono e la nostra prospettiva”, è stata l’esortazione di SZA: “Non regalate la vostra arte. Non addestrate l'IA con il vostro genio”.

Diplo ha respinto l'accusa di essere investitore di Suno, pur avendo investito quest'anno nella startup di ricerca AI Aaru. “Non sono affatto un titolare di una parte delle quote di Suno, e ci sono altre 100 app che possono fare quello che fa Suno”, ha dichiarato in due interviste all’edizione americana di Rolling Stone e a Pedestrian: “La tecnologia non è cattiva. La tecnologia è solo tecnologia”. Il producer ha anche sostenuto che il problema va oltre Suno, che gli artisti dovranno essere proattivi nel rivendicare scrittura e pagamenti quando il loro lavoro viene usato nei modelli, e che diventerà sempre più difficile distinguere il reale dal sintetico: "Se SZA usa le app senza protezione [del copyright], rimarrà completamente sconvolta se la qualità sarà ancora più elevata e diventerà impossibile distinguere ciò che è reale da ciò che non lo è. Suno e Udio sono vecchi per i ragazzi che usano l'AI: i prossimi modelli sono spaventosi".

AI, scontro tra SZA e Diplo

Botta e risposta tra gli artisti su ‘etica artistica’ e una presunta partecipazione in Suno

Nel 2026, facendo zapping tra le principali emittenti radiofoniche italiane, si avverte spesso un risvolto inaspettato:&nbsp;si percepisce un evidente effetto fotocopia.&nbsp;Si ha l'impressione di ascoltare un'unica, gigantesca radio frammentata su più frequenze. La radio italiana, storicamente il medium per eccellenza della scoperta, della sorpresa e della forte identità editoriale, sembra essersi trasformata in un terminale di ricezione passivo.

Le playlist che ascoltiamo, caratterizzate da una sovrapposizione che rasenta l'identico tra un'emittente e l'altra, non sono più il frutto esclusivo di scelte editoriali identitarie, ma il risultato di una dinamica consolidata: la forte dipendenza dai sistemi di monitoraggio. Ma a che prezzo stiamo delegando il nostro orecchio alle classifiche generate dai dati?

Se eliminiamo i jingle e le voci dei conduttori, oggi c'è ancora una reale differenza musicale tra un'emittente e l'altra? La risposta, purtroppo, è sempre più spesso un "no" mascherato da sfumature impercettibili.

È doveroso fare una premessa: le emittenti radiofoniche sono aziende, ed è assolutamente legittimo che scelgano in totale autonomia le strategie musicali più sicure per tutelare i propri ascolti. Così come è innegabile l'utilità e il valore del servizio offerto da piattaforme eccellenti come EarOne e Radioairplay, nate per fornire fotografie precise e indispensabili per leggere il mercato in tempo reale.

Il cortocircuito nasce quando questi strumenti smettono di essere consultati per&nbsp;riflettere&nbsp;il mercato e iniziano a&nbsp;guidarlo. Oggi, se un brano non mostra trend di crescita immediati nei monitoraggi, viene percepito come un rischio economico.

Le direzioni artistiche e i programmatori musicali, sotto la pressione costante di difendere i quarti d'ora (AQH), preferiscono rifugiarsi nella propria "comfort zone": suonare solo ciò che è già ampiamente validato dai dati altrove. Il quarto d’ora è diventato una gabbia: pur di non rischiare che l'ascoltatore cambi frequenza nei 15 minuti decisivi, si preferisce anestetizzarlo con il già sentito. Si innesca così un "effetto gregge" che appiattisce le differenze tra i network e azzera il coraggio editoriale.

Questo meccanismo di difesa genera un secondo, pericoloso effetto collaterale che investe direttamente la produzione discografica. Ci si deve chiedere: la musica attuale è specchio dei tempi o è semplicemente disegnata per superare i filtri degli algoritmi e dei programmatori terrorizzati dal rischio?

La verità è che assistiamo alla proliferazione di brani creati "in vitro", strutturati appositamente per le piattaforme di streaming e per non disturbare il flusso radiofonico. Canzoni che sacrificano la qualità, l’originalità e la longevità artistica sull’altare dell'immediata reperibilità: intro brevissime, ritornelli istantanei, strutture standardizzate e una durata che supera raramente i due minuti e mezzo.

Le etichette discografiche, conoscendo le logiche difensive dei programmatori, finiscono per assecondarli, scoraggiando la sperimentazione a discapito della qualità dell'opera. Se la musica viene prodotta solo per non essere "skippata" o per non far cambiare sintonia, l'arte diventa un'industria di consumo rapido e deperibile.

l rischio di questo meccanismo ricade sul futuro della musica italiana. Se si aspetta che un pezzo "funzioni" da qualche alta parte prima di inserirlo in rotazione, si crea un circuito chiuso. Prima dell'avvento delle piattaforme digitali, la radio viveva di&nbsp;propositività: i programmatori facevano a gara a scovare la novità, a lanciare il "disco novità", a firmare un successo grazie al proprio intuito.

La vera perdita, in questo scenario, non è solo musicale, ma editoriale. La radio rischia di smarrire la sua natura primaria, rinunciando alla possibilità di&nbsp;creare&nbsp;un successo e accontentandosi di&nbsp;consolidarlo.

L'obiettivo di questa riflessione non è muovere una critica polemica, né auspicare un anacronistico spegnimento dei monitoraggi. Ottimizzare i flussi e misurare il tempo di permanenza (TSL) è fondamentale per la salute del mezzo. Il cambio di passo necessario è anzitutto di prospettiva:&nbsp;spezzare il monopolio dei dati per rimettere al centro la sensibilità e il coraggio editoriale.

I dati devono restare un supporto prezioso, uno strumento di verifica, ma la sintesi finale deve tornare nelle mani della sensibilità, dell'istinto del programmatore. Il mercato ha bisogno di emittenti che tornino a farsi riconoscere per il proprio "sound" distintivo, riabituando l'ascoltatore alla bellezza della diversità editoriale.

Tornare a essere propositivi significa riaccendere la curiosità del pubblico, facendogli ritrovare il piacere di sintonizzarsi su la loro radio preferita sapendo che lì, e solo lì, troverà quell'esatta identità musicale. Solo recuperando questa unicità la radio continuerà a essere, come è sempre stata, l'anima e il motore della nostra colonna sonora.

Musica omologata: quando i dati sostituiscono le scelte

La dittatura delle playlist: la radio ha smesso di scegliere?

La filiale britannica di StubHub dovrà rimborsare più di 50mila clienti nel Regno Unito dopo un intervento della CMA, l’autorità britannica per la concorrenza e i mercati, che ha anche imposto alla piattaforma di secondary ticketing una sanzione di 889.200 sterline, pari a circa 1,2 milioni di dollari. Secondo l’autorità, tra il 6 aprile e il 7 dicembre 2025 alcuni fan hanno visto aggiungere solo all’ultimo passaggio del processo di acquisto dei biglietti costi obbligatori come consegna e commissioni di servizio, in violazione della normativa sui consumatori. I clienti coinvolti sono 51.350 e il rimborso medio sarà di circa 10,33 sterline per transazione. La CMA ha precisato che la sanzione include una riduzione del 40% perché StubHub ha ammesso la violazione e ha scelto di chiudere il caso. Emma Cochrane, direttrice esecutiva per la tutela dei consumatori della CMA, ha detto che “imporre ai clienti commissioni nascoste è illegale” e che il messaggio alle imprese è semplice: “siate trasparenti sui costi o rischiate un’azione dell’antitrust”.

StubHub sostiene che le commissioni non mostrate in anticipo siano dipese da un “errore isolato della piattaforma” e non dal proprio modello di business, aggiungendo di avere corretto il problema. Un portavoce dell'azienda ha dichiarato che “la nostra piattaforma è progettata per mostrare tutte le commissioni in anticipo” e che tutti i clienti interessati riceveranno un rimborso automatico.

UK, maxi-multa a StubHub

La piattaforma condannata anche a risarcire oltre 50mila clienti per ‘commissioni nascoste’

L’Assemblea Ordinaria di PMI – Produttori Musicali Indipendenti, tenutasi nella mattina di oggi, martedì 23 giugno, ha eletto le nuove cariche sociali che definiranno gli indirizzi generali dell’Associazione nel triennio 2026/2029.

L’Assemblea ha votato all’unanimità Dario Giovannini (Direttore Generale di Carosello Records, nella foto al centro, in prima fila) come nuovo Presidente e Rappresentante Legale di PMI. Alla guida dell’Associazione, insieme al Presidente, è stato nominato il Comitato di Presidenza così composto da Tommaso Fobetti (Founder di Undamento), Marco Guasparri (Head of Management di Artist First), Max Moroldo (Founder e CEO di Do It Yourself) e Gianluigi Peccerillo (Head of A&amp;R di Sugar Music).

Il nuovo Consiglio Direttivo è completato da Luca Cecchi (Label Director di Nar International), Paolo Ceresoli (CEO di Metatron), Marco Gallorini (CEO di Woodworm) e Roberto Riva (Co- Founder di Triggger). Mario Limongelli (nella foto, il quarto da sinistra, in seconda fila), che ha guidato l’Associazione per oltre 20 anni, è il primo Past President di PMI.

Il nuovo direttivo, ha spiegato PMI in una nota, “proseguirà il lavoro solido e strutturato che ha contraddistinto i 20 anni di associazionismo”. “Saranno comunque tre le direttrici portanti dell’impegno del nuovo assetto che sosterranno il triennio: informare, formare, comunicare”, ha proseguito l’associazione: “A queste si aggiunge un obiettivo trasversale, ovvero la crescita della base associativa. Una struttura semplice e operativa, concepita per restituire agli associati un valore concreto e quotidiano”.

“E’ un onore e una grande responsabilità essere stato chiamato a dirigere l’associazione che rappresenta le etichette indipendenti italiane”, ha dichiarato Giovannini: “Eredito una realtà forte e credibile grazie alla guida, in questi vent'anni, di Mario Limongelli e di tutto il direttivo, a cui va il mio più sentito ringraziamento. Il futuro di PMI parte quindi da basi solide. L’obiettivo di questo triennio è aumentare la competitività delle nostre aziende su due direttrici principali. Informare, garantendo una presenza costante e incisiva nei tavoli più importanti del settore. Un presidio importante è quello di Francesca Trainini, già Presidente di Impala (affiancata da Guendalina Gramitto Ricci) e attiva anche all'interno di Confindustria Cultura Italia. Inoltre, una prima e cruciale novità per PMI è l'avvicinamento a FIMI con una rappresentanza - nelle persone&nbsp;del sottoscritto e di Filippo Sugar - nel direttivo della Federazione: una sinergia strategica nata per unire la discografia italiana di fronte alle sfide nazionali e internazionali che ci attendono. Formare: vogliamo fornire tutto il supporto e la consulenza necessari alle aziende indipendenti per affrontare le sfide di questo momento storico. Dalla difesa dei nostri cataloghi e dal ‘saccheggio’ dell’intelligenza artificiale, all'ottimizzazione delle condizioni economiche nei rapporti con i DSP, fino a far sentire la nostra voce, in modo sempre più forte, in sede politica e istituzionale. Il mio ringraziamento si estende a tutte le aziende di PMI che mi hanno votato, al Presidente Mario Limongelli, al direttivo uscente e ad Alfredo Gramitto Ricci, che mi ha permesso di accettare questo incarico riponendo in me grande fiducia”.

PMI, eletto il nuovo direttivo: Dario Giovannini nuovo Presidente

Vicepresidenza a Fobetti, Guasparri, Moroldo e Peccerillo: 

NuovoIMAIE propone una serie di incontri con protagonisti e protagoniste del panorama musicale italiano per parlare dei loro progetti, ma anche per approfondire le dinamiche che ruotano intorno all’essere Artista Interprete Esecutore.

Da anni, ormai, è considerata uno dei talenti di punta del rap italiano al femminile: Beba, torinese classe 1994, ha cominciato a muovere i primi passi nella scena da adolescente e si è fatta conoscere anche grazie a collaborazioni prestigiose, come quelle con Lazza o Salmo. Nel 2021 è uscito il suo primo album ufficiale, “Crisalide”, seguito negli anni successivi da una serie di singoli e featuring, ma ha atteso a lungo prima di tornare con un progetto discografico tutto suo. Nel 2026, però, è uscito il suo atteso secondo album: “L'imperatrice”, un disco molto personale, esteticamente e filologicamente ispirato agli arcani maggiori dei tarocchi, in cui dimostra tutta la sua versatilità e la sua abilità tecnica. 

L'album arriva dopo cinque anni di pausa. Con che spirito sei arrivata alla sua pubblicazione?

È il risultato di tanti anni di lavoro personale, prima di tutto. Credo di essere un tutt'uno con con la mia carriera, non c'è differenza fra la persona e il personaggio: questo è molto bello perché rende quello che faccio autentico, ma inevitabilmente se non sto bene è difficile che io riesca a performare lavorativamente. Questi ultimi anni per me sono stati un po' complessi, e inevitabilmente la mia musica ne ha un po' risentito. Ho fatto molta fatica a trovare una direzione e una motivazione: ho dovuto ricreare il mio spazio di espressione. Ecco perché “L'Imperatrice”: è il manifesto di una donna che non deve chiedere il permesso, che sa chi è cosa vuole, sa con chi sta parlando e sa come dirlo. Come dico anche in un brano, vorrei essere il chiodo che regge questo quadro, e non più solo la cornice. 
 
Chi ti ha affiancato nello sviluppo di questo nuovo progetto?

Tutte le persone con cui ho lavorato a questo disco le posso definire amiche, e questo è uno dei suoi punti di forza. Sono arrivata a un punto della mia carriera in cui è è difficile che io mi affianchi a persone per cui non nutro stima e affetto. È un'altra cosa su cui ho dovuto lavorare parecchio: ho capito che avevo bisogno di creare musica con persone con cui condivido gli stessi valori, con cui ci fosse uno scambio di energie, cosa che in questi anni mi è molto mancata, perché spesso ci si trova a lavorare con professionisti che sono lì per portare a termine il proprio compito e niente più. A livello di produzioni, quindi, ci sono Emanuele Invisible (un ragazzo brillante e adorabile), Federico dei 2nd Roof, Pietro Fitchner e Rossella Essence. Inoltre non volevo riempire il disco di featuring, perché avendo fatto una pausa di cinque anni volevo dare tanto spazio alla mia scrittura. E poi, come dicevamo, sono molto legata ai rapporti un po' autentici, quindi collaboro quasi solo con persone con cui c'è qualcosa da cui partire.

Di recente hai raccontato in un'intervista che avresti voluto ospitare rapper donne all'interno del tuo album, ma che molte hanno rifiutato, indipendentemente dalla tanto decantata solidarietà femminile...

Quell'intervista è stata un po' travisata con dei titoli clickbait. L'intervistatore mi aveva chiesto perché le donne non facessero squadra, e io ho risposto la scomoda verità: che avrei avuto piacere di mettere almeno tre o quattro donne forti nel mio disco – ragazze più giovani, possibilmente, anche per aiutarle a livello di credibilità – ma hanno tutte declinato, forse anche perché mal consigliate. Spesso in Italia i featuring tra donne sono trattati come il sacro Graal, per cui non ti fanno collaborare con me se hanno già in mente di farti collaborare con un'altra artista magari più famosa. Insomma, mi sarebbe piaciuto tanto avere delle donne delle rapper donne in questo disco ma non è stato possibile, non avevo voglia di rincorrere nessuno.

Oltre a Nitro e Omär tra i featuring c'è anche Jake La Furia, che ti segue anche come management e ha pubblicato il disco con la sua etichetta La Furia.

Ci conosciamo da tempo e sono sempre stata una super fan sua e dei Club Dogo. Tre anni fa mi sentivo un po' persa: ero finita per varie vicissitudini a essere rappresentata da un'agenzia che si occupava più che altro di influencer, e non di artisti. Mi sentivo in difficoltà, anche perché ho bisogno di qualcuno che mi aiuti a mettere ordine in testa perché sono un po' disfunzionale e ADHD. Io e Jake siamo andati a cena insieme e gli ho fatto sentire le tracce a cui stavo lavorando, spiegandogli che non ero del tutto convinta dalla direzione. Lui mi ha risposto: “Roberta, il tuo problema è che a te serve qualcuno che ti dica che questa roba spacca, perché da sola fai fatica a dirtelo e quindi non fai uscire i pezzi”. Scherzando gli avevo chiesto se per caso quella persona voleva essere lui: “Sì, va bene”, mi fa serissimo. Due settimane dopo abbiamo firmato un contratto, e il resto è storia. 
 
La sovrapposizione tra il ruolo di artista e performer e quello di influencer è uno dei grandi temi dei nostri tempi. Tu come la vivi? 
 
Non benissimo, vorrei che bastasse la musica, anche perché ci metto tanto di me. In questo disco mi sono raccontata molto, aprendo dei cassetti dolorosi ed esponendomi su cose di cui magari non avevo neanche mai parlato con i miei genitori. A me piacerebbe che non ci fosse bisogno di essere anche una content creator, però mi rendo anche conto che non ci si può opporre ai tempi che corrono: oggi probabilmente c'è talmente tanta offerta che bisogna necessariamente aggiungere qualcosa in più per distinguersi. Detto ciò, a me diverte usare i social nel giusto modo: non vivo in funzione di quello che condivido, e se non condivido non vuol dire che non sto vivendo. Cerco di esserci in maniera moderata, rispettosa di chi mi circonda: ci sono persone che vanno a cena al ristorante e poi per 40 minuti monopolizzano la situazione per creare contenuti, cosa che per me è una follia. 
 
Un altro grande problema degli artisti dei nostri tempi è il ritmo delle uscite discografiche, che deve essere sempre più sostenuto per andare incontro alle richieste del mercato. 
 
C'è più offerta che richiesta ormai, e credo che ne stiano risentendo un po' tutti, a parte i capisaldi delle classifiche. È chiaro che se una volta uscivano 10 dischi il venerdì e adesso ne escono 50, anche con tutta la passione del mondo, un ascoltatore non riesce a dare la stessa importanza a tutto quello che viene proposto. Francamente anche per questo mi sono presa il mio tempo per fare un album. Se lo avessi fatto uscire quattro anni fa magari la mia carriera avrebbe avuto un'impennata, ma quattro anni fa non avevo questa scrittura e non avevo questi contenuti. Se perdo l'attimo perché un mio progetto non rispetta le tempistiche discografiche, pazienza: vorrà dire che parlerò solo a chi è lì in quel momento e vuole ascoltare. 
 
Cambiando argomento, uno dei tuoi grandi punti di forza è l'aspetto della performance. Perché è così importante per te?

Appartengo a una generazione di artisti per cui saper stare sul palco e saper performare era imprescindibile, se volevi fare questo lavoro. Stare sul palco è la cosa che preferisco in assoluto, ma ho anche molto rispetto di chi paga per vedermi: non potrei salire su un palco e fare a vocalist, come capita spesso oggi. Ci sono artisti che fanno stadi e palazzetti senza sapere effettivamente cantare un brano dall'inizio alla fine, si esibiscono in modalità un po' villaggio turistico, il che è intrattenimento più che performance. Per me, invece, la performance resta fondamentale. 
 
C'è qualcosa che avresti voluto sapere all'inizio della tua carriera e che ti sarebbe stato utile nell'intraprendere questo mestiere?

Sicuramente mi sarebbe servito capirne qualcosa di contratti. So che sembrerò una vecchia zia nel dirlo, ma avere una coscienza economica è fondamentale: questo è un mondo che ti mostra la possibilità di fare soldi in un momento in cui molto probabilmente tu non hai la minima idea di cosa fartene. Se non hai delle persone fidate intorno che ti aiutano e che ti sappiano consigliare, è la fine. Non bisogna adagiarsi sull'idea che se arrivano dei buoni cachet all'inizio poi ne arriveranno altri, perché il successo è una sinusoide, è fatto di alti e bassi. Trovo assurdo che a scuola non esista una materia come l'educazione finanziaria: negli ultimi anni io ho dovuto studiare molto per capirci qualcosa. Spesso mi trovo a consigliare ragazzi più giovani di me che stanno iniziando adesso, e che si trovano in una bolla in cui sembra che la fama cresca in maniera esponenziale, perciò vivono i loro guadagni alla giornata. Bisogna avere i piedi per terra. 
 
Se tu potessi cambiare una sola cosa dell'industria dello spettacolo, quale sarebbe? 
 
Mi piacerebbe che ci fosse un bilancio di realtà. Ci sono artisti che fanno sold-out ma poi numericamente su Spotify non convertono allo stesso modo; viceversa, ci sono artisti che magari hanno dei brani con il triplo platino e poi però ai loro concerti non si presenta nessuno. Sarebbe bello se si tenesse conto di questa tendenza, perché crea una dissociazione sia per l'artista in sé che per il pubblico. 
 
Cosa ti aspetta nel prossimo futuro? 
 
Quest'estate sarò in tour e le date sono costantemente in aggiornamento: spero che se ne aggiungano sempre di più, perché come dicevamo prima la mia cosa preferita è stare sul palco e spero di poterlo fare tutti i giorni. In autunno ci sarà la seconda stagione del mio podcast, After Party, e sto lavorando a un progetto nuovo che non svelo perché è una bella idea e spero che non la realizzi nessuno prima di me, come spesso accade con le belle idee... (ride) Infine è in arrivo una collaborazione molto attesa e molto richiesta dei miei fan, ma non posso svelare altro: lo scoprirete a breve!

Beba: l'importanza di prendersi il proprio tempo

La rapper torna sulla scena dopo 5 anni di pausa: 'Prima non avrei potuto scrivere un album così'

Warner Music Group e il noto marchio di prodotti dolciari Crumbl hanno finalizzato l'accordo che chiude la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759220/warner-music-group-crumbl-cookies-causa-legale">causa per violazione di copyright</a> annunciata il mese scorso. L'intesa era stata confermata inizialmente in un deposito presso un tribunale federale dello Utah datato 22 maggio, dopo l'azione legale avviata nell'aprile 2025; le parti avevano indicato il 15 giugno 2026 come termine previsto per la risoluzione completa, e ora la procedura risulta conclusa. I termini dell'accordo non sono stati resi pubblici.

Nell'atto, WMG sosteneva che Crumbl avesse “raggiunto il proprio successo violando su larga scala le registrazioni sonore e le composizioni musicali protette da copyright dei ricorrenti in contenuti promozionali pubblicati sulle piattaforme di social media”. Secondo la denuncia, la catena avrebbe usato senza autorizzazione almeno 159 registrazioni e composizioni di WMG in video promozionali su TikTok e Instagram, dove conta rispettivamente 9,8 milioni e 6,1 milioni di follower; Warner descriveva quei contenuti come centrali nella strategia di marketing di Crumbl e sosteneva che presentassero tipicamente “nessun parlato o suono diverso dalla musica integrata nel video”. La major chiedeva fino a 150.000 dollari di danni statutari per ciascuna opera, per un totale potenziale di 23,85 milioni di dollari, oltre a un'ingiunzione permanente.

Warner Music, finalizzato l'accordo con Crumbl

L’intesa (i cui termini sono rimasti riservati) chiude un contenzioso da quasi 24 milioni di dollari

Frontiers Label Group ha annunciato nuove promozioni nel management interno: Leo Nicholas è stato nominato amministratore delegato per il Regno Unito, Aldo Lonobile sarà il vicepresidente del reparto Global A&amp;R e Martina Palermo la nuova responsabile globale PR.

Nel dettaglio, Nicholas, entrato a far parte di Frontiers Group nel 2024, assumerà direttamente le responsabilità delle attività svolte dal gruppo nel mercato britannico, continuando a supervisionare il team A&amp;R di FLG Records; Lonobile, autore e produttore con decenni di esperienza nel settore, si occuperà di dirigere le attività del team A&amp;R Global, gestendo anche la direzione creativa; Martina Palermo, invece, ex Universal Music Group&nbsp;e BMG,&nbsp;coordinerà&nbsp;le attività di comunicazione e PR sul piano internazionale.

Serafino Perugino, presidente e fondatore di Frontiers Label Group, ha dichiarato: "Tra le cose che mi rendono più orgoglioso in Frontiers c’è vedere persone di talento crescere, assumersi responsabilità e brillare di luce propria. Leo, Aldo e Martina non sono solo preziosi professionisti all’interno della nostra azienda; sono persone che hanno scelto di mettersi in gioco, di migliorare ogni giorno e di contribuire con passione, ambizione e impegno a ciò che stiamo costruendo".

Frontiers Label Group: nuove promozioni ai vertici

Nuovi incarichi per Leo Nicholas, Aldo Lonobile e Martina Palermo

OVO, la casa di moda fondata da Drake con Oliver El-Khatib e Noah “40” Shebib, è finita in una doppia causa legale con una delle sie società investitrici, Applied Real Intelligence, per un finanziamento da 3,7 milioni di dollari erogato nell’estate 2025 tramite una serie di operazioni con obbligazioni convertibili. Secondo Applied Real Intelligence, la società è andata in default a inizio 2026 per ritardi nei pagamenti degli interessi; OVO aveva firmato un accordo di rimborso e ha restituito 3,7 milioni di dollari a maggio, ma contesta l’ulteriore richiesta da 3,8 milioni di dollari avanzata dal creditore. Il 2 giugno OVO ha aveva citato Applied Real Intelligence davanti a un tribunale di Toronto, sostenendo che la clausola sulla penale si applichi solo in una “circostanza specifica” che qui non si sarebbe verificata.

Nell’atto, OVO sostiene che “il rimborso nel contesto e ai sensi delle concessioni di tolleranza non fa scattare il diritto all’erogazione della penale”. Applied Real Intelligence ha risposto l’11 giugno con una nuova causa depositata presso il tribunale di Vancouver, sostenendo che il pagamento fosse “progettato per garantire alla società un rendimento minimo negoziato” e dichiarando di aver “affrontato questa operazione in buona fede”. Nella sua nota, l’entità investitrice aggiunge che intende “far valere pienamente i propri diritti legali e proteggere i propri investitori attraverso i tribunali”. I rappresentanti di OVO e di Drake non hanno rilasciato commenti.

Drake, problemi legali per OVO

Il brand del rapper canadese citato in giudizio per $4 mln da una società investitrice

PIAS ha annunciato l’acquisizione dell’etichetta indipendente di musica classica Signum Records, che entrerà nel gruppo dell’ex indie label <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-747375/universal-music-completata-l-acquisizione-di-pias">dal 2024 di proprietà di Universal Music</a> mantenendo il proprio marchio, la direzione creativa e un approccio centrato sugli artisti. In base all’accordo, Steve Long resterà managing director e Signum avrà accesso all’infrastruttura globale di PIAS, alle sue capacità di distribuzione, al marketing internazionale e alle risorse operative del gruppo.

Per PIAS, l’intesa amplia ulteriormente la presenza nel segmento classico; per Signum, fondata nel 1997, l’accordo apre a una maggiore scala internazionale senza rinunciare all’indipendenza operativa. Il CEO Edwin Schroter ha detto che “Signum è cresciuta fino a diventare una delle etichette classiche indipendenti più rispettate al mondo” e che “la musica classica è oggi più accessibile che mai”. Steve Long ha aggiunto: “Avere accesso all’infrastruttura, all’esperienza e alla portata globale di un’azienda musicale internazionale pur potendo ancora operare come etichetta indipendente è davvero il meglio di entrambi i mondi”.

PIAS acquisisce Signum

L’ex indie (ora parte del gruppo UMG) espande la sua presenza al mondo della classica

L’industria musicale americana piange oggi la scomparsa di Clive Davis, storico fondatore della Arista Records (oggi parte del gruppo Sony Music) nonché produttore e A&amp;R che ha lasciato un segno indelebile nel settore della musica registrata statunitense e non solo: a riferirlo sono diverse fonti americane, tra le quali TMZ, il New York Times e Variety. Poco dopo è arrivata la conferma da parte della famiglia.

Secondo quanto riportato, Davis è morto nella sua casa di New York. Le cause del decesso non sono state specificate: il discografico, poche settimane fa, era stato ricoverato, sempre nella Grande Mela, per un’infezione alle vie respiratorie, dalla quale - tuttavia - diverse fonti di stampa davano in via di guarigione.&nbsp;

Davis tra i più influenti discografici&nbsp;della storia della musica, lanciando&nbsp;le carriere e/o mettendo sotto contratti&nbsp;Janis Joplin, Bruce Springsteen, Santana, Alicia Keys, Patti Smith&nbsp;molti altri. Fu una rockstar a sua volta, diventando celebre quasi quanto gli artisti con cui ha lavorato.

Entrato alla Columbia Records nel 1960 come avvocato, ne divenne presidente nel 1967. Fu lui a spingere l’etichetta verso il rock, intuendone il potenziale commerciale dopo aver assistito al Monterey Pop Festival. Sotto la sua guida la Columbia mise sotto contratto artisti come Janis Joplin, Santana, Aerosmith, Billy Joel, Bruce Springsteen, contribuendo a ridefinire il catalogo dell’etichetta. 
Dopo l’uscita dalla Columbia fondò e guidò la Arista, dove ottenne alcuni dei suoi maggiori successi. Fu lui a scoprire e lanciare Whitney Houston, seguendone da vicino la carriera fin dal debutto del 1985. Con la Arista lavorò anche con Aretha Franklin&nbsp;e Patti Smith. Contini a essere centrale anche negli anni successivi: fu fondamentale nello scoprire e lanciare Alicia Keys, non nel rilancio di Carlos Santana, il cui album “Supernatural” del 1999 vendette milioni di copie e vinse nove Grammy Awards.

Inserito nella Rock and Roll Hall of Fame nel 2000 nella categoria non performer, Davis è rimasto attivo fino agli ultimi anni come Chief Creative Officer di Sony Music Entertainment.

"Per il mondo, nostro padre era una leggenda della musica, icona la cui visione, il cui istinto e la cui instancabile ricerca dell'eccellenza hanno plasmato la colonna sonora di innumerevoli vite", ha commentato, in una nota, la famiglia di Davis: "Ha scoperto, guidato e sostenuto i più grandi artisti della storia della musica moderna, lasciando un segno indelebile nella cultura che durerà per generazioni.&nbsp;Per la sua famiglia,&nbsp;Clive&nbsp;era papà e nonno, la presenza costante al centro delle nostre vite, la fonte di saggezza, forza, incoraggiamento e amore incondizionato.&nbsp;Nonostante gli straordinari successi professionali, non ha mai perso di vista ciò che contava di più: le persone che amava.&nbsp;In ogni capitolo della sua straordinaria vita, la famiglia è sempre stata il più grande orgoglio e la più grande gioia di&nbsp;Clive. Oggi celebriamo non solo una figura imponente la cui influenza ha cambiato per sempre la musica, ma anche l'uomo che ha guidato la nostra famiglia con grazia, generosità e gentilezza.&nbsp;Ci mancherà moltissimo, lo ricorderemo sempre con affetto e porteremo il suo amore con noi per il resto della nostra vita".

“Piangiamo la scomparsa del grande produttore discografico e caro amico Clive Davis”, ha scritto Bruce Springsteen sul proprio canale Instagram ufficiale: “A soli 22 anni mi ha cambiato la vita quando mi ha fatto firmare un contratto con la Columbia Records. Mi ha trattato con lo stesso rispetto e la stessa gentilezza quando ero un perfetto sconosciuto di 22 anni, come ha fatto anche dopo il mio successo. Un grande uomo. A lui vanno le nostre preghiere e il nostro affetto”.

“Clive ha ovviamente svolto un ruolo fondamentale nella storia di Sony Music attraverso due capitoli incredibili, ed è responsabile in modo permanente di gran parte del patrimonio discografico dell'azienda”, ha dichiarato Rob Stringer, CEO di Sony Music, in un messaggio pubblicato a tutto schermo sul sito della major: “Non solo moltissimi artisti che rappresentiamo gli sono eternamente grati per il suo contributo, ma anche tantissimi membri del nostro staff sono stati influenzati e guidati dal suo profondo amore e rispetto per la nostra azienda, che ha mantenuto fino ad oggi. Le nostre vite lavorative sono migliori grazie alla sua costante presenza nell'atmosfera e nella percezione di Sony Music”.

Cordoglio per la scomparsa di Davis è stato espresso anche da Merck Mercuriadis, fondatore di Hipgnosis Songs Fund. “Abbiamo tutti perso un uomo straordinario, come non ne vedremo mai più, ma voi avete perso un padre, un padre per tutti noi”, ha dichiarato Mercuriadis: “E’ impossibile misurare il suo impatto sulla musica, sulla cultura e sulla vita in tutto il mondo. Ha accelerato la crescita del settore musicale come pochi altri e ha sostenuto i suoi artisti come un indemoniato. Nessuno era in grado di lanciare un artista come Clive, e il suo metodo è diventato l'invidia di chiunque si occupasse di marketing e promozione musicale. Individuare il talento non è difficile, ma individuarlo e sapere cosa farne è qualcosa che pochissimi sanno fare”.

“Oggi la musica ha perso una delle sue figure più importanti e influenti, e io ho perso un caro amico e mentore”, ha fatto sapere Harvey Mason Jr., CEO della Recording Academy, sigla che rappresenta i discografici e i produttori americani e che organizza i Grammy Awards, universalmente riconosciuti come tra i massimi riconoscimenti in ambito internazionale: “Con il suo orecchio d'oro e il suo innato talento per la creazione di successi, Clive Davis ha lanciato le leggende e le star più brillanti della musica, vincendo quattro Grammy e il Recording Academy Trustees Award nel 2000. La presenza di Clive nel nostro settore ha avuto un impatto enorme su tutti i musicisti, me compreso. Grazie, Clive, per tutto quello che hai fatto per noi nel mondo della musica. Ci mancherai”.

Clive Davis

Addio a Clive Davis, gigante della discografia

È venuto a mancare all’età di 94 anni: aveva lanciato Whitney Houston, Santana e molti altri

Dopo un <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753036/spotify-sotto-indagine-antitrust-turca">periodo turbolento</a> risoltosi grazie a <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753675/spotify-la-crisi-in-turchia-rientra-dopo-un-incontro-col-governo">un intenso - e proficuo - dialogo con le autorità locali</a>, Spotify ha finalmente aperto i propri uffici a Istanbul, in Turchia. La nuova sede fungerà da hub per le attività della società nel Paese, con l'obiettivo di “sostenere artisti, creator e partner e di rafforzare l'ecosistema musicale locale”. Per la piattaforma, l'espansione in Turchia rientra in una strategia più ampia di presidio dei mercati regionali in forte crescita nei consumi musicali: in particolare, le produzioni musicali locali, sul servizio svedese, hanno già superato a livello globale i 294 miliardi di stream complessivi.

"Consideriamo la decisione di Spotify di incrementare la propria presenza e i propri investimenti in Turchia come una dimostrazione della fiducia che ripone in questo Paese e nella nostra musica", ha dichiarato Erkin Yılmaz, Direttore Generale delle Royalties presso il Ministero della Cultura e del Turismo: “Come Ministero, sosteniamo con tutto il cuore tutti gli investimenti nell'economia musicale e culturale della Turchia, compresa la diffusione di progetti locali che mettano in risalto i nostri artisti e le iniziative promozionali specifiche a loro dedicate”.

"La Turchia è uno dei mercati musicali più vivaci dal punto di vista culturale e più dinamici a livello commerciale al mondo, e vediamo enormi opportunità per il futuro", ha aggiunto Akshat Harbola, Managing Director di Spotify per la regione del Medio Oriente: “La nostra nuova sede di Istanbul riflette il nostro impegno a lungo termine nei confronti della Turchia : dei suoi artisti, della sua industria musicale e dei suoi appassionati di musica, nonché la nostra fiducia nel ruolo che Spotify svolge nel connettere la musica turca al mondo”.

Spotify, inaugurati gli uffici a Istanbul

La nuova filiale rappresenterà un hub per le attività del DSP in Turchia

Lo scorso venerdì, 19 giugno, è stata inaugurata una targa dedicata a Claudio Coccoluto, leggenda italiana della dance scomparsa ormai 5 anni fa: l’omaggio è stato piazzato in via di Libetta 7, nel VIII Municipio, indirizzo che fino al 2021 è stato quello del Goa Club, uno degli spazi dedicati al clubbing più importanti della Capitale. La targa reca, come iscrizione, una citazione di Friedrich Nietzsche: “E coloro che furono visti danzare vennero giudicati pazzi da quelli che non potevano sentire la musica”.

Alla cerimonia di inaugurazione era presente anche uno dei due figli dell’artista, Gianmaria, da anni impegnato - seguendo le orme paterne - dietro la consolle.

“E’ emozionante realizzare qualcosa che non si è abituati a vedere da parte delle istituzioni, ma l'attitudine sta cambiando”, ha dichiarato, come riferisce l’edizione locale del Corriere della Sera, Amedeo Ciaccheri, presidente dell'VIII Municipio: “Siamo qui per condividere la riflessione su esperienze profonde che rischiano di scomparire: una stagione e una generazione che si sono fatte conoscere in tutto il mondo. La città aveva un debito nei confronti di Coccoluto che ha portato il nome di Roma nel mondo”.

Dj Claudio Coccoluto

Roma, una targa in ricordo di Claudio Coccoluto

L’omaggio presso la storica sede del Goa Club, in via di Libetta 7

Sotto l'egida di EMMA, la&nbsp;European Music Managers Alliance, 31 diverse associazioni e organizzazioni (tra cui&nbsp;Songwriters of North America,&nbsp;Music Artists Coalition, European Composer and Songwriter Alliance,&nbsp;Artist Rights Alliance,&nbsp;Black Music Action Coalition&nbsp;e&nbsp;Featured Artists Coalition) hanno firmato una lettera aperta in cui si esorta case discografiche ed editori musicali a cessare "l'uso scorretto" dei diritti di artisti e autori nelle licenze siglate con le grandi aziende tech specializzate in intelligenza artificiale.

"In tutti i settori dell'industria musicale vengono negoziati contratti sull'AI che possono determinare la direzione in cui si orienterà il&nbsp;futuro della musica" recita la lettera. "Eppure gli artisti e gli autori che rendono profittevoli quegli accordi con i loro lavori, le voci, le performance, i tratti salienti e l'identità creativa, non vengono consultati in maniera determinante". Stando alla missiva, infatti chi ha già un contratto in essere rischierebbe&nbsp;di ritrovare&nbsp;automaticamente le proprie opere tra quelle il cui utilizzo&nbsp;è concesso per fini di training o modificativi. E chi firma un nuovo contratto troverebbe&nbsp;delle clausole apposite già inserite tra quelle standard, come condizione vincolante per la firma.

In risposta alla lettera, un portavoce di IFPI afferma che "Discografici ed editori stanno guidando la battaglia per proteggere artisti e autori nell'era dell'AI" e che, "anche se i nostri membri hanno approcci diversificati, condividono tutti gli stessi obbiettivi fondamentali: combattere l'uso non autorizzato della musica e stabilire modelli di licenza che facciano sì che gli incassi tornino agli aventi diritto".

Una lettera aperta per un uso più corretto dell'AI

A firmarla 31 organizzazioni capitanate dalla European Music Managers Alliance

A dieci mesi dal deposito della causa, gli eredi di MF Doom e Temu hanno comunicato al tribunale, in una notifica congiunta, di “aver raggiunto un accordo di principio” per risolvere la vertenza che li vedeva contrapposti. Se non emergeranno ostacoli nell’ultima fase della bozza, le parti puntano a depositare entro 45 giorni la richiesta formale di archiviazione. La causa, avviata nell’agosto 2025 e poi riformulata dopo un primo successo processuale di Temu, accusava la piattaforma di e-commerce di violazione dei marchi attraverso la “commercializzazione e vendita consapevole e sistematica” di merchandising contraffatto. Al momento, come rilevato da diversi osservatori internazionali, gli articoli oggetto di contestazioni non sono più disponibili all'acquisto sul markeplace gestito da&nbsp;PDD Holdings.

La risoluzione extragiudiziale è rilevante anche per un contenzioso analogo, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758185/twenty-one-pilots-vs-temu-respinta-la-richiesta-di-archiviazione">quello che ha per protagonisti i Twenty One Pilots</a>, che aveva avviato un’azione il mese successivo: a giugno le parti hanno accettato l’arbitrato, ma al momento non risulta che le parti siano arrivate a un accordo.