Nei primi sei mesi del 2026, analizzati come da tradizione&nbsp;da Luminate, emergono molti dati interessanti e indicativi di come potrebbe terminare l'annata in corso. L'istituto di ricerca ha infatti appena pubblicato il suo tradizionale Mid-Year Report, ricco di spunti e analisi. Il dato principale, innanzitutto, riguarda la crescita dello streaming: +9,8% rispetto allo stesso periodo del 2025.

Spicca poi&nbsp;la crescita di due settori che fino a qualche anno fa erano dati per spacciati: il catalogo e le vendite di CD. Il primo, naturalmente, è in fase ascendente&nbsp;fin dall'avvento dello streaming, ma si consolida sempre di più come la vera riserva aurea della musica registrata, in particolare in alcuni generi specifici: nel rock, ad esempio, il 75% degli ascolti deriva da brani che hanno più di 60 mesi. I secondi, invece, vivono una fase di revival grazie al traino del k-pop, i cui fan sono ancora molto appassionati dei formati fisici digitali in edizione limitata. Sono però in calo le vendite nei negozi indipendenti, che passano da una quota di mercato del 36,6% nello stesso periodo dell'anno scorso a un 32,1% nel 2026.

Per quanto riguarda invece i generi che calano e quelli che invece crescono, nonostante la dominanza di hip hop e R&amp;B (genere che in Italia viene identificato sotto il cappello di "urban"), in particolare nel mercato americano, si registra un leggero calo: -1,6% YoY. A calare è in particolare l'R&amp;B, che se nel 2023 occupava circa il 40% della Billboard Hot 100, oggi è a un ben più modesto 30%. La crescita maggiore, invece, è nel settore dance e EDM: +18,9% YoY negli Stati Uniti. Bene anche la world music, che registra un +11,9% rispetto allo stesso periodo dello scorso anno.

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Il k-pop trascina molti trend, maluccio l'hip hop e l'R&B, bene l'EDM e il catalogo: i dati

Con la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760048/nuovoimaie-andrea-micciche-riconfermato-presidente">riconferma di Andrea Miccichè nel ruolo di Presidente</a>, NUOVO IMAIE si prepara ad affrontare una nuova fase ricca di novità. La collecting dedicata ad Artisti, Interpreti ed Esecutori, sul fronte musicale, non si limiterà ad “ampliare il perimetro della raccolta dei diritti connessi” e a proseguire nella sua “missione primaria” di sostegno agli artisti, ma, entro la fine dell’anno, allargherà le proprie attività anche alla raccolta dei diritti riservati ai produttori (“rilevando” le attività di AFI), aprendo una sede a Milano per presidiare in modo stabile la città di residenza della quasi totalità dell’industria discografica italiana. L'obiettivo è molto ambizioso, e Miccichè non lo ha mai nascosto: portare la raccolta del diritto connesso in Italia al livello di quella francese.

È presidente del NUOVO IMAIE <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-167401/approvato-l-atto-costitutivo-nasce-la-nuova-imaie">fin dalla sua nascita, nel 2010</a>. Questo rinnovo del mandato conferma una forte continuità, non solo alla guida dell'Istituto, ma anche nel Consiglio di amministrazione del settore musica, con le riconferme di Andrea Marco Ricci e Sabino Mogavero. Lo considera un riconoscimento del lavoro svolto?

Sì, lo considero sicuramente un importante attestato di fiducia. Evidentemente il lavoro fatto in questi anni è stato apprezzato e questo rinnovo ne è una conferma.

In questi anni alla guida del NUOVO IMAIE, come ha visto cambiare la condizione degli artisti interpreti ed esecutori?

Credo che l’Istituto abbia contribuito in modo significativo a riportare gli artisti al centro dell'attenzione della politica, sia sul tema dell'intermediazione dei diritti sia su questioni più ampie che riguardano la categoria. Non rivendichiamo certo il merito dell'introduzione del contratto collettivo degli attori, ma penso sia innegabile che abbiamo contribuito a far emergere le esigenze degli artisti nel dibattito istituzionale. Mai come negli ultimi quindici anni Parlamento, Governo e Ministero della Cultura hanno dedicato attenzione al settore, attraverso decreti e interventi normativi. Questo non significa che la politica abbia sempre dato tutte le risposte attese, ma certamente gli artisti non sono più stati ignorati.

E come è cambiato il NUOVO IMAIE, rispetto al momento della sua prima elezione?

È cambiato profondamente. Quando siamo partiti eravamo poco più di trenta persone; oggi siamo oltre settanta. Il volume di attività è passato da circa 10-15 milioni di euro a quasi 70 milioni. Abbiamo ampliato in modo considerevole la rete di accordi internazionali: da pochi rapporti con società omologhe siamo arrivati a circa settanta accordi. Abbiamo inoltre sottoscritto intese con tutti i principali utilizzatori e, dove non è stato possibile raggiungere un accordo, abbiamo avviato contenziosi. Anche la base associativa è cresciuta enormemente: dai circa 1.500 soci iniziali siamo arrivati a quasi 34.000. È davvero un altro mondo.

Nel <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760048/nuovoimaie-andrea-micciche-riconfermato-presidente">messaggio con cui ha annunciato la sua rielezione</a> ha parlato delle nuove sfide che attendono il settore. Quali ritiene siano le più importanti?

La principale sfida è superare i pregiudizi che ancora esistono nei confronti del diritto connesso. La cultura del diritto d'autore è ormai consolidata: chi utilizza un'opera musicale sa di dover corrispondere i diritti agli autori. Meno chiaro, invece, è che esistono anche i diritti di chi quella registrazione l'ha prodotta e di chi l'ha interpretata. Diffondere questa consapevolezza significa compiere un'importante operazione culturale, oltre che giuridica.

Su questo fronte, è ancora aperto il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755185/nuovoimaie-ha-fatto-causa-a-spotify">contenzioso con Spotify</a>. Ci sono novità?

Al momento no. La causa è stata avviata e attendiamo gli sviluppi. Restiamo convinti delle nostre ragioni. Non siamo un caso isolato: anche altre società di gestione collettiva europee ritengono che il settore digitale remuneri i diritti connessi in misura insufficiente. Non condividiamo l'interpretazione secondo cui il modello di business delle piattaforme dovrebbe remunerare esclusivamente i diritti primari, escludendo quelli connessi. Sappiamo bene che si tratta di un tema delicato, perché oggi gran parte del fatturato dell'industria musicale passa attraverso le piattaforme digitali come Spotify. Tuttavia riteniamo che questa sia una battaglia necessaria per tutelare gli artisti. Posso aggiungere che numerosi artisti di primo piano ci hanno espresso la loro vicinanza e non escludo che, nei prossimi mesi, possano decidere di sostenere pubblicamente questa iniziativa.

È un segnale importante, anche perché finora gli artisti italiani si sono esposti raramente su questi temi. Che cosa li sta spingendo a farlo oggi?

Probabilmente una maggiore consapevolezza del proprio ruolo. Gli artisti hanno compreso quanto siano centrali all'interno dell'intera filiera e quanto incidano gli interessi dei grandi gruppi industriali. Oggi questa consapevolezza è molto più forte rispetto a qualche decennio fa.

Quali sono, nell'immediato, i principali dossier aperti che intende affrontare in questo nuovo mandato?

Sicuramente l'ampliamento del perimetro della raccolta dei diritti. Ci sono grandi operatori globali – penso a Meta, Google, oltre che a Spotify e ad altre piattaforme di diffusione musicale – che, a nostro avviso, non stanno riconoscendo una remunerazione adeguata per i diritti connessi. Ampliare la platea di chi paga significa non solo diffondere una maggiore cultura del diritto connesso, ma anche incrementare le risorse destinate agli artisti.

Per ottimizzare la raccolta a favore degli aventi diritto, a febbraio <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756981/diritti-connessi-scf-nuovoimaie-intervista-micciche-fiorito-sportello">avete annunciato con SCF un progetto di one stop shop</a>. Sebbene sia ancora presto per un bilancio definitivo, come valuta i primi risultati?

A mio giudizio il progetto sta funzionando bene. La raccolta effettuata insieme a SIAE sta producendo risultati positivi e conferma che la concentrazione dei pagamenti verso un unico interlocutore è una soluzione richiesta dal mercato. Naturalmente servirà ancora un po' di tempo per una valutazione completa, ma i primi dati sono già molto incoraggianti. Quando avremo numeri consolidati, credo che sarà opportuno coinvolgere anche il legislatore, perché un mercato efficiente dei diritti dovrebbe poter contare su una rete di gestione comune, nell'interesse dell'intero sistema.

Ripercorrendo la storia del NUOVO IMAIE, è evidente come il sostegno diretto agli artisti sia sempre stato una costante dell'attività dell'Istituto. Pensate di rafforzare ulteriormente questo impegno?

È certamente uno degli aspetti centrali della nostra missione. Ogni anno pubblichiamo circa diciassette bandi, che spaziano dal sostegno alla realizzazione di fonogrammi inediti e cortometraggi fino ai contributi per la promozione di nuovi progetti discografici e delle esibizioni dal vivo. Continueremo naturalmente a sostenere gli artisti in difficoltà, le mamme lavoratrici e chi attraversa momenti particolarmente complessi, ma non abbiamo mai trascurato il sostegno alla produzione culturale. Crediamo sia fondamentale aiutare gli artisti a realizzare opere concrete. La nostra ambizione, inoltre, è quella di dotarci di una sede capace di ospitare anche attività creative.

Che tipo di struttura immagina?

Un luogo dove gli artisti possano provare, registrare, incontrarsi e sviluppare nuovi progetti. In sostanza, un vero polo creativo.

Se dovesse nascere, lo immagina a Roma o a Milano?

Direi Roma. Per quanto riguarda la musica il discorso è più articolato, perché oggi i musicisti sono distribuiti su tutto il territorio nazionale e non sono più concentrati esclusivamente a Milano. Per il cinema, invece, Roma continua a rappresentare il punto di riferimento naturale.

Da qui alla fine dell'anno ci sono novità che il NUOVO IMAIE si prepara ad annunciare?

Stiamo lavorando per ampliare ulteriormente la nostra rappresentanza. Inoltre stiamo valutando la possibilità di svolgere attività di intermediazione anche per quei produttori discografici rimasti privi di un organismo di riferimento dopo la decisione di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749949/afi-associazione-fonografici-italiani-in-liquidazione">AFI di cessare questa attività</a> a partire dal 31 dicembre 2026. Molti di questi produttori siedono già nella nostra assemblea perché sono anche artisti e ci hanno chiesto più volte di tutelare anche i loro interessi.

Questo comporterà anche un rafforzamento della struttura organizzativa?

È un'ipotesi molto concreta. Se questo progetto dovesse prendere forma, sarà verosimilmente necessario adeguare anche l'organizzazione interna.

Il quartier generale resterà comunque a Roma?

Sì, anche se nel frattempo abbiamo acquisito una nuova sede a Milano, acquistata circa quattro mesi fa.

Entrerà presto in funzione?

Sì. L'apertura della sede milanese non è legata esclusivamente ai nuovi progetti, ma rappresenta una scelta coerente con la crescita dell'Istituto. Oggi era impensabile operare nel settore dei diritti musicali senza una presenza stabile a Milano, dove si concentra una parte importante dell'industria musicale e dove risiedono anche molti dei nostri associati. Naturalmente questa presenza potrà favorire anche gli sviluppi futuri di cui parlavo.

Quale obiettivo si pone per questo nuovo mandato?

Portare il diritto connesso in Italia a livelli comparabili con quelli della Francia, almeno in termini di raccolta e fatturato: sarebbe un risultato di grande importanza per tutto il settore e, soprattutto, per gli artisti.

Andrea Miccichè: ‘Superare i pregiudizi sul diritto connesso’

 NuovoIMAIE riconferma i propri vertici, aprendo a grandi cambiamenti e novità

Pubblichiamo la seconda parte del Focus sui micro-dramas, &nbsp;serie di fiction pensate per il telefono, girate in verticale, costruite in episodi brevissimi — spesso tra i 45 secondi e il minuto — e progettate per essere consumate in sequenza, su piattaforme mobile e app dedicate. La prima è disponibile <a href="https://www.rockol.it/news-760210/musica-e-micro-dramas-cosa-sono-e-perche-ci-interessa">a questo link</a>.

Il lato oscuro: dalla A.I. alle piattaforme alle etichette

L’intelligenza artificiale generativa è un acceleratore produttivo. Molti micro-dramas sono ancora realizzati come produzioni tradizionali, con sceneggiatori, attori, set, operatori e crew. Ma dal 2025, a partire dalla Cina, diversi studi stanno sperimentando strumenti Gen AI. “Nine-Tailed Fox Demon Falls For Me” ha superato i 200 milioni di views nel mese successivo all’uscita; “The Double Life of My Billionaire Husband” ha raggiunto quasi 500 milioni di views. L’AI consente anche a singoli creator di produrre storie con un’apparenza visiva più ambiziosa: draghi, esplosioni, astronavi, mondi fantastici. Su uno schermo piccolo, eventuali imperfezioni possono risultare meno evidenti per lo spettatore medio. In questo scenario, la musica AI-generated può diventare parte del pacchetto produttivo, con conseguenze dirette per il licensing tradizionale.

“Raynmaker”, progetto dello studio britannico Metrotone, viene presentato come un animated k-pop crime thriller nato da un esperimento legato al video musicale e destinato a svilupparsi in una serie da 22 episodi. Copione e performance restano umani, ma produzione e musica sono affidate all’AI. Il risultato è un progetto apparentemente vicino al k-pop, quindi a uno degli immaginari musicali più forti e globalizzati degli ultimi anni, ma costruito senza ricorrere a musica licenziata da artisti k-pop reali. È un esempio utile perché mostra anche il lato oscuro dell’opportunità: i micro-dramas possono aprire nuovi spazi per sync, licensing e partnership, ma possono anche aggirarli usando production music o musica generata.

Da quanto emerge finora, molte colonne sonore di micro-dramas sembrano muoversi proprio tra production music e AI-generated music, più che tra brani commerciali concessi in licenza. Per l’industria musicale questa è una questione concreta. Se il settore resta a basso budget e ad alta velocità produttiva, l’uso di musica generica o generata può apparire funzionale. Se però il mercato continua a crescere, e se alcuni titoli iniziano ad alzare qualità produttiva, casting, ambizione narrativa e capacità di monetizzazione, si apre uno spazio per sync a maggiore valore aggiunto per editori, label e società di management. La sfida sarà costruire partnership compatibili con i tempi e i budget del formato, evitando di applicare meccanicamente logiche da cinema, TV o advertising tradizionale.

Quanto alle piattaforme, TikTok e Instagram stanno creando sezioni o app che organizzano contenuti in modo vicino al linguaggio dei micro-dramas. Come funzionano o funzioneranno? In una fase iniziale, gli artisti che adattano formato, tagging e serialità a questi spazi potrebbero beneficiare di pattern algoritmici diversi da quelli dei feed tradizionali. Fondamentale è conoscere gli show, osservare quali ospitano artisti o quali potrebbero essere coerenti con il brand e il pubblico di un artista, e considerare il formato come strumento creativo per release, tour e periodi tra una pubblicazione e l’altra. È una logica molto pratica: prima padroneggiare le grammatiche del formato, poi entrare con progetti coerenti, senza limitarsi a travestire da micro-drama un normale contenuto promozionale.

Per le etichette, le ipotesi diventano più ampie. Un’etichetta potrebbe collaborare con uno studio specializzato per creare una serie guidata da un album o da un catalogo. Una grande società musicale coreana potrebbe immaginare una serie lunga in cui fan, concerti, musica e membri di gruppi K-pop entrano nei momenti chiave della trama. Una major con legami nel cinema e nella televisione potrebbe commissionare micro-dramas con colonne sonore formate con il proprio repertorio, o persino costruire un’app in stile ReelShort. Un management potrebbe far produrre una serie ambientata intorno a un grande tour, senza che l’artista debba esserne protagonista costante ma prevedendo apparizioni episodiche. Sono scenari formulati in modo volutamente estremo, ma utili a mostrare la plasticità del formato.

Musica e monetizzazione: dalla promozione al racconto

Il micro-drama interessa la musica perché si colloca all’incrocio tra tre economie: attenzione mobile, storytelling seriale e monetizzazione diretta. Rispetto al contenuto social tradizionale, introduce una struttura narrativa più forte. Rispetto alla fiction tradizionale, riduce durata, costi e tempi. Rispetto al videoclip, costruisce continuità episodica. Rispetto al marketing musicale, offre un formato in cui brano, artista, personaggio, mondo narrativo, tour e fanbase possono essere messi in relazione dentro una sequenza, non in un singolo contenuto isolato.

La sua utilità per la musica dipenderà dalla capacità di rispettarne le regole interne. Il settore è ancora giovane e in rapido cambiamento, ma una buona idea può funzionare solo se nasce con una comprensione reale dei generi. Utilizzare il formato breve non è sufficiente: servono anche serialità, una promessa narrativa immediata, un meccanismo di ritorno, un pubblico che abbia motivo di proseguire da un episodio all’altro. Per la musica, questo significa spostarsi da una logica di contenuto promozionale a una logica di racconto.

In conclusione, i micro-dramas sono già qualcosa di più di una moda da short video, assurti a formato industriale, con app dedicate, modelli freemium, ricavi rilevanti, investimenti crescenti delle piattaforme e sperimentazioni con la GenAI. Per l’industria musicale rappresentano almeno tre possibili terreni di coltura: marketing narrativo degli artisti, licensing e sincronizzazione, sviluppo di IP e contenuti seriali collegati a brani, cataloghi, tour e fan culture. I casi citati evidenziano tre traiettorie diverse: la micro-serie come lancio musicale, il musical verticale come nuova forma narrativa, il progetto guidato dalla musica e AI-generated come possibile alternativa al licensing. Oggi i micro-dramas consentono di costruire un laboratorio concreto per capire come storie brevissime, consumo mobile e pagamento diretto possano convergere.

Musica e micro-dramas: cosa sono e perché ci interessa (parte 2)

La seconda parte del focus sui micro-dramas e sulle loro potenzialità per l'industria musicale

Pophouse e gli eredi di Avicii hanno ufficialmente lanciato Avicii Community, una piattaforma destinata a diventare l'hub&nbsp;ufficiale di tutti i fan del DJ&nbsp;svedese scomparso nel 2018.

Pophouse, società anch'essa&nbsp;svedese cofondata da Björn Ulvaeus degli ABBA, ha acquisito nel 2022 una partecipazione del 75% nei diritti discografici ed editoriali di Avicii, nell’ambito di una joint venture con la famiglia e gli eredi dell’artista. Il lancio della community si inserisce nella strategia della società volta a sviluppare esperienze e servizi per i fan attorno ai cataloghi musicali di cui detiene i diritti.

È prevista, in occasione del lancio del 15 luglio, una serie di attività con l'obiettivo di stringere ancor di più il legame tra l'artista e la sua fanbase&nbsp;attraverso contenuti d’archivio, iniziative interattive e nuove funzionalità. All'interno della piattaforma&nbsp;saranno disponibili nuove sezioni tra cui Archive Stories, che raccoglie filmati e materiali inediti legati ai progetti dell’artista, accompagnati da sondaggi attraverso i quali gli utenti possono confrontare le proprie opinioni con quelle della community.

Sarà possibile, per gli utenti che fruiscono della piattaforma, collegare il proprio account Spotify e&nbsp;accedere anche a playlist realizzate dagli amici e dai collaboratori dell’artista, a partire da una selezione dedicata ai set presentati al Tomorrowland tra il 2012 e il 2015.

Avicii

Nasce Avicii Community, piattaforma per i fan del compianto DJ

E' stata lanciata da Pophouse insieme agli eredi del DJ svedese

Se avete provato negli ultimi tempi ad acquistare dei biglietti per i concerti milanesi di Bad Bunny (doppio sold-out da circa 80.000 spettatori l'uno, sono&nbsp;previsti per stasera e domani all'Ippodromo La Maura), vi sarà senz'altro capitato di imbattervi in messaggi di dubbia provenienza.

C'è chi è andato oltre, però: è il caso di un falso sito di biglietteria Dtmfitaly.com, che prometteva di essere un canale affidabile di secondary ticketing. E riusciva nel suo intento soprattutto grazie a un dettaglio: tra le informazioni legali sul sito compaiono i dati di Sony Music, indicata come editore e responsabile del portale.&nbsp;Naturalmente si tratta di una truffa, per di più su scala globale:&nbsp;in Francia, ad esempio, la stessa falsa biglietteria operava con il dominio Dtmftour.com, dove come editore compare&nbsp;la compagine francese di Sony Music. Il tutto accompagnato da campagne social in cui Bad Bunny stesso (o meglio, una sua versione creata con l'intelligenza artificiale) invitava ad acquistare biglietti sul sito.

L'attività fraudolenta è stata svelata dagli stessi utenti che, non vedendosi recapitare i biglietti acquistati, hanno chiesto conto direttamente a Sony Music, che ha attivato una campagna sui suoi profili social dissociandosi dal sito. Una volta individuato il problema, inoltre, la società di servizi antipirateria DcP e&nbsp;FPM (Federazione contro la Pirateria Musicale e Multimediale) hanno agito di concerto per contrastare il reato. Dopo l'acquisizione delle prove e averle notificate&nbsp;a provider, piattaforme social e altri soggetti coinvolti, preso atto del fatto che i riscontri tardavano ad arrivare,&nbsp;le segnalazioni sono state reiterate da FPM nella qualità di segnalatore attendibile (Trusted Flagger) certificato da AGCOMA. Lo status di Trusted Flagger dovrebbe garantire alle notifiche un trattamento prioritario e senza indebito ritardo: è lo strumento più qualificato che l’ordinamento europeo mette oggi a disposizione dei titolari dei diritti.

Il 22 giugno, quindi, il dominio Dtmfitaly.com&nbsp;cessa di funzionare, ma la vittoria dura meno di quarantotto ore. Si riparte da capo: nuova acquisizione forense delle prove, nuove notifiche in qualità di Trusted Flagger. Purtroppo, però, stavolta con più modesto successo:&nbsp;il provider&nbsp;non fornisce&nbsp;riscontro alle&nbsp;notifiche ricevute, mentre&nbsp;Meta rimuove il profilo falso e le campagne pubblicitarie collegate soltanto il 13 luglio, dopo&nbsp;ripetuti solleciti. E oltre il danno, la beffa: il sito gemello Debitirarmasfotositalia.com risulta essere&nbsp;ancora online.

Naturalmente la questione solleva parecchi dubbi sull'efficacia delle misure in essere, perché al momento moltissimi altri consumatori rischiano di cadere nella trappola ordita dai truffatori. "Abbiamo usato lo strumento più qualificato che l’Europa mette a disposizione, la segnalazione come Trusted Flagger certificato. Eppure il secondo sito è ancora online" commenta&nbsp;Luca Vespignani, Segretario Generale di FPM. "Il Digital Services Act è un buon impianto, ma finché non ci saranno certezze sulle sanzioni&nbsp;e i tempi di reazione degli intermediari si misurano in settimane e le truffe in ore, il conto lo pagano i fan". La speranza di tutta l'industria, quindi, è che la burocrazia prenda nota del fatto che purtroppo spesso il web corre più veloce, e per mettere in campo un'azione efficace bisogna stare ai suoi tempi.

La nuova pirateria passa anche dai live come quello di Bad Bunny

L'emblematico caso della falsa biglietteria che si faceva passare per Sony Music: la reazione di FPM

I micro-dramas sono serie di fiction pensate per il telefono, girate in verticale, costruite in episodi brevissimi — spesso tra i 45 secondi e il minuto — e progettate per essere consumate in sequenza, su piattaforme mobile e app dedicate. La loro forma è apparentemente semplice: soap opera compresse, melodrammi seriali, storie romantiche, cliffhanger continui. I generi e i temi: fantasy, horror, fantascienza, vendette, viaggi nel tempo, demoni, mostri, CEO miliardari e innamoramenti impossibili. Sono nati in Cina, dove sono già diventati un mercato da miliardi di dollari, al punto da superare spesso il box office cinematografico domestico, e sono cresciuti al punto da proporsi come uno dei nuovi mercati globali del contenuto digitale.

Il dato economico è il primo elemento che costringe a prenderli sul serio. Il mercato cinese viene stimato intorno ai 7 miliardi di dollari annui, mentre altre analisi indicano per il 2025 un giro d’affari globale nell’ordine degli 11 miliardi di dollari, con una quota ancora largamente concentrata in Cina ma negli Stati Uniti, secondo Business Insider, il formato avrebbe generato 1,3 miliardi di dollari nel 2025, in larga parte attraverso pagamenti diretti da parte degli spettatori. È un aspetto decisivo: il micro-drama non è soltanto un contenuto virale da piattaforma social, ma un prodotto che può convertire attenzione in ricavo diretto.

Una nuova grammatica, una nuova economia, una nuova filiera

La grammatica dei micro-dramas è profondamente mobile. In Cina il formato ha preso slancio inizialmente dentro app di short video come Douyin e Kuaishou, per poi spostarsi in modo sempre più netto verso app dedicate. Fuori dalla Cina, nomi come ReelShort, DramaBox, Shortmax, Goodshort, FlareFlow, FlickReels e MoboReels indicano un ecosistema in rapida moltiplicazione. TikTok, Instagram e YouTube funzionano spesso come canali di scoperta: teaser, trailer o perfino episodi interi servono a portare gli utenti verso app dove la visione completa viene monetizzata. Il modello più ricorrente è freemium: i primi episodi sono gratuiti, poi l’utente paga per accedere al resto della serie, con abbonamenti o acquisti episodio per episodio. Secondo una stima citata nel materiale, circa tre quarti dei ricavi globali arriverebbero da pagamenti degli utenti, mentre il resto sarebbe riconducibile soprattutto alla pubblicità.

Il costo di produzione contribuisce alla forza del modello. Una serie media può avere budget compresi tra 100.000 e 300.000 dollari: cifre molto più basse rispetto alla produzione televisiva tradizionale, ma sufficienti a generare prodotti narrativi riconoscibili, seriali e potenzialmente redditizi. Se una serie funziona e gli utenti pagano anche poche decine di centesimi per episodio, il ritorno può diventare significativo. La velocità di produzione, la serialità estrema e l’aderenza alle abitudini di visione contemporanee rendono il micro-drama un formato particolarmente adatto al consumo frammentato, quotidiano, ripetuto.

I grandi operatori digitali hanno iniziato a muoversi. TikTok ha già inserito una sezione Minis e ha lanciato un’app dedicata ai micro-dramas, PineDrama, negli Stati Uniti e in Brasile. Il messaggio dell’app promette “short dramas senza pubblicità”, fruibili in ogni momento, selezionabili tramite una sezione Discover o attraverso raccomandazioni verticali infinite. Instagram starebbe lavorando a un elemento dedicato agli Short Drama. Meta e TikTok osservano quindi un mercato che finora è stato alimentato anche dalle loro piattaforme, ma che si monetizza sempre più spesso altrove. I micro-dramas vengono promossi nei feed social; la visione completa, e soprattutto il pagamento, avvengono nelle app verticali dedicate.

Musica: marketing, presenza, sync

La natura narrativa del formato aiuta a capire perché possa diventare rilevante anche per la musica. I micro-dramas funzionano perché estremizzano meccanismi già familiari: serialità, riconoscibilità dei personaggi, suspense, ricompensa immediata, escalation continua. Sono storie pensate per intercettare un pubblico mainstream, spesso attraverso generi guardati con sufficienza dai circuiti televisivi più tradizionali. Proprio come il successo del romantasy ha mostrato nel mercato editoriale, anche nell’industria musicale il cosiddetto “rischio di disprezzo culturale” è elevato; però dietro il rischio può nascondersi un’efficacia commerciale potente. Come dire: i micro-dramas non cercano legittimazione alta, cercano spettatori, retention e pagamento.

Per la musica, il primo livello di interesse riguarda il marketing degli artisti. I team degli artisti hanno già imparato a osservare le pratiche dei creator su YouTube, TikTok e Instagram; i micro-dramas aggiungono un altro modello possibile. Non significa competere con le grandi produzioni verticali, ma capire quali elementi possano essere adattati alla comunicazione musicale: formati serializzati, mini-storie ricorrenti, episodi brevi costruiti intorno a una release, narrazioni più elaborate rispetto al semplice contenuto promozionale.

Si nota già, nei contenuti social di alcuni artisti, un ritorno a brevi scenette, mini-format seriali e forme di racconto più costruite rispetto alla semplice comunicazione promozionale (skit format). Da osservare il caso del cantante svizzero Nemo, che ha creato contenuti episodici su YouTube fino alla rivelazione di una nuova canzone. In questa prospettiva, il micro-drama può essere letto come una possibile evoluzione dello short film musicale: non più solo videoclip o contenuto social, ma racconto seriale breve costruito intorno a brani, tour, fasi promozionali o periodi tra una release e l’altra.

Il secondo livello riguarda la presenza diretta degli artisti nei micro-dramas. Qui gli esempi sono ancora frammentari, ma si intravede una direzione: gli artisti possono comparire in show esistenti, usare il formato per raccontare un proprio universo narrativo o creare micro-serie legate a una campagna. Nel panorama statunitense ci sono show come Revival of the Fittest e Roomies, spesso legati a esperienze iperlocali e capaci di coinvolgere creator riconoscibili (da Kareem Rahma di SubwayTakes ad Anthony Fantano di The Needle Drop). Fiction mobile, creator economy e promozione musicale in contaminazione. Non è ancora un modello industriale consolidato per la musica, è un segnale: il micro-drama può diventare uno spazio di apparizione, racconto e posizionamento per artisti con una forte identità pubblica.

Il terzo livello riguarda le opportunità di sincronizzazione e licensing, con un quadro interessante. La case study da manuale è emersa in India: si tratta di Ishq At Campus, creato da Saregama con lo studio digitale FilterCopy per promuovere l’EP “Talab” dell’artista Maahi. La serie è costruita in episodi brevi da 1-2 minuti, ambientati in una storia di genere college romance, e integra le quattro tracce dell’EP dentro la narrazione. Ogni brano non funziona solo come colonna sonora, ma come snodo emotivo del racconto. È un passaggio rilevante, perché sposta il marketing musicale da una logica di videoclip a una logica di “song discovery” serializzata: la canzone viene scoperta perché accade dentro una storia. È un caso che mostra un possibile uso molto concreto del micro-drama da parte delle etichette. Una release può essere trattata non come singolo evento promozionale, ma come sequenza narrativa: un episodio introduce un tema, un conflitto o una relazione; il brano entra come momento emotivo; la serie accompagna la pubblicazione e prolunga il tempo di attenzione intorno al progetto. Rispetto al classico videoclip, il micro-drama può moltiplicare i punti di contatto. Rispetto al semplice contenuto social, può creare appuntamento, attesa e continuità. Per un artista emergente o in costruzione, questo può essere particolarmente utile: invece di chiedere al pubblico di ascoltare subito una canzone isolata, lo porta dentro un contesto emotivo che dà alla canzone una funzione.

Un’evoluzione ulteriore è “Playback”, annunciato da Holywater e Second Rodeo come musical prodotto specificamente per il formato verticale. Qui il micro-drama non usa semplicemente musica al suo interno: assume la forma del musical. La trama segue un’autrice in difficoltà che crea segretamente una versione AI di sé stessa, destinata a diventare una pop star globale; la storia lavora quindi su autorialità, identità, autenticità, AI e costruzione della fama. Il progetto include brani originali ed è uno dei rari micro-dramas affiliati SAG (Screen Actors Guild, oggi dentro SAG-AFTRA, ossia: il sindacato che rappresenta attori e performer negli Stati Uniti). Con 17 canzoni originali in circa 100 minuti complessivi, eleva il livello del rapporto tra musica e micro-drama: non più cameo, sincronizzazione, contenuto promozionale attorno a un EP, ma una micro-serie musicale in cui la musica è struttura narrativa, contenuto e tema.

(Continua...)

Musica e micro-dramas: cosa sono e perché ci interessa (parte 1)

Il formato breve che sta cambiando la grammatica della narrazione su mobile

La notizia è stata riportata da 404 Media, una testata americana specializzata in tecnologia e nuovi media: Suno, la più celebre società di intelligenza artificiale generativa in ambito musicale,&nbsp;sarebbe stata&nbsp;vittima di un hackeraggio nel 2025. Perché, quindi, la notizia emerge solo adesso? Semplice: perché a quanto pare gli hacker stessi si sono messi in contatto con l'autore dell'articolo, Jason Koebler, per condividere con lui ciò che hanno scoperto scandagliando senza permesso i sistemi della società.&nbsp;

Ne è emerso che, oltre ai dati personali e di pagamento degli utenti della piattaforma, gli hacker avrebbero trovato le prove che Suno avrebbe addestrato i suoi modelli tramite l'utilizzo di miloni di canzoni prese da YouTube e Deezer, liriche tratte da Genius e numerosissime music library. Una vicenda che, se dimostrata, potrebbe portare ulteriori problemi legali all'azienda, che è già stata in causa con numerosi soggetti ed enti dell'industria musicale.

Al momento un portavoce di Suno ha rilasciato una dichiarazione a Pitchfork a commento dell'intera vicenda: "Nel novembre del 2025 ci siamo resi conto che eravamo stati vittima di un piccolo incidente di sicurezza, che è stato subito arginato. Ai tempi abbiamo condotto un'indagine e verificato che i dati coinvolti erano soprattutto derivanti da materiale non più in uso a Suno, e che nessuna informazione&nbsp;sensibile era stata compromessa. Non abbiamo accesso ai numeri completi delle carte di credito dei nostri utenti, peraltro". La domanda ora è: al di là della privacy dei singoli utenti,&nbsp;YouTube, Genius, Deezer e gli autori delle canzoni utilizzate vorranno agire in merito?

Quello che sappiamo sull'attacco informatico a Suno

Il sito è stato preso di mira dagli hacker nel 2025, ma la notizia è emersa solo oggi

Apple Music e Jordan hanno ufficialmente lanciato 'Retro Sounds', una collaborazione che fonde la musica alla storia dietro le Jordan Retro, sneakers di punta del brand.

La serie si sviluppa attraverso delle playlist dedicate, contributi editoriali e contenuti esclusivi, con episodi che ripercorrrono il contesto artistico e culturale legato alla scarpa, esplorando artisti e sonorità che hanno contribuito a definirne l'epoca. Il primo episodio è andato online ieri sera alle ore 23.00, con una puntata dedicata alle Air Jordan 3 True Blue. L'episodio e il relativo Dj Mix saranno disponibili on demand per gli utenti abbonati.

"Il brand Jordan è da sempre plasmato dalle conversazioni che avvengono nel mondo dello sport, dello stile e della musica", ha dichiarato Reggie Saunders, vicepresidente Global Entertainment di Jordan Brand. "La collaborazione con Apple Music ci permette di riscoprire i nostri prodotti più iconici attraverso la cultura che li circondava e di presentare queste storie a una nuova generazione".

I prossimi episodi di Retro Sounds&nbsp;saranno dedicati ad altre silhouette storiche del marchio, raccontate attraverso le colonne sonore e i riferimenti culturali che ne hanno accompagnato l’ascesa.

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Partnership, Apple Music e Jordan lanciano Retro Sounds

Una collaborazione che unisce la musica alla cultura delle sneakers Jordan Retro

Per una volta non si tratta di un investimento in una start-up innovativa, come le <a href="https://musicbiz.rockol.it/ricerca?query=too+lost">ultime a cui ci aveva abituato</a>, ma di un consolidamento nel suo core business: la distribuzione. Too Lost ha infatti acquisito GYRO.Group, la principale società australiana&nbsp;di distribuzione e servizi per gli artisti indipendenti, con sede a Brisbane e attività concentrate, oltre che&nbsp;in Australia, anche in Nuova Zelanda e nell'area del sud Pacifico (oltre che in USA, Canada e Brasile).

L'organigramma di GYRO.Group resterà inalterato e&nbsp;Gregory Hirschhorn, CEO e Co-Founder di&nbsp;Too Lost,&nbsp;sottolinea che si tratta di un'acquisizione quanto mai strategica: "L'Australia ha una delle più vivaci ed entusiasmanti scene musicali indipendenti al mondo, e abbiamo intenzione di investire massicciamente in GYRO per supportare gli artisti, le etichette, i manager e l'industria musicale della regione" ha dichiarato.

Distribuzione, Too Lost acquisisce GYRO.Group

La società, che ha sede in Australia, opera principalmente nell'area del sud Pacifico

Omdia, società specializzata in forecast di mercato, ha pubblicato un report che indica le sue previsioni sull'andamento del mercato della musica registrata. In base ai dati da loro elaborati, la crescita degli incassi provenienti dalle vendite, dagli streaming, dalle sync, dai diritti connessi e da tutti i canali di sfruttamento dei master salirà a 56,8 miliardi di dollari. Notevole, se si considera che per il 2026 si prevede una chiusura a 48,3 miliardi di dollari: si tratta di un balzo di oltre otto miliardi di dollari in meno di quattro anni.

Un'altra buona notizia è che il 2028 segnerà ufficialmente la fine della crisi discografica degli anni '00: il numero di anni in cui la musica registrata ha totalizzato un segno +, infatti, sarà superiore a quello in cui ha visto un segno - nei bilanci. Insomma, se i pronostici dovessero essere confermati, il nuovo decennio potrebbe essere l'inizio di una nuova era.&nbsp;&nbsp;

Infine, a livello geografico, Omdia immagina un cambiamento enorme negli scenari globali: la Cina, infatti, sempre entro il 2030 dovrebbe essere destinata a diventare il secondo mercato mondiale per la musica registrata, dietro agli Stati Uniti e davanti al Giappone e all'Inghilterra.

Musica registrata, il 2030 sarà l'anno dei record?

Secondo una nuova proiezione di Omdia, gli incassi saliranno a quasi 57 miliardi di dollari

Un gruppo di consumatori ha intentato una class action contro StubHub e il suo CEO Eric Baker, chiedendo danni per 5 milioni di dollari: l'accusa è legata soprattutto a Baker, che stando a quanto sostenuto dai querelanti porterebbe avanti un'attività parallela da ticket broker, ovvero da "bagarino" di alto livello. Barker è&nbsp;infatti anche a capo di Andro Capital, un hedge fund specializzato nella rivendita di biglietti di concerti ed eventi sportivi per il valore complessivo di milioni di dollari; la sua particolarità è che anche Andro Capital opera sulla piattaforma di secondary ticketing StubHub.

L'ipotesi portata avanti nella class action, insomma, è che StubHub non sia un marketplace neutrale, ma che in realtà faccia gli interessi di Andro Capital e di Barker, a scapito della trasparenza nei confronti del consumatore finale. "Il conflitto di interessi non è stato reso evidente, e StubHub viene attivamente pubblicizzato come un marketplace da fan a fan" si legge negli atti depositati presso il tribunale di New York. Al momento la società sotto accusa non ha rilasciato alcun commento, così come non lo ha rilasciato il suo CEO.&nbsp;

StubHub, una class action contro la società e il CEO Eric Baker

L'accusa, in particolare per Baker, è di aver portato avanti un'attività parallela da ticket broker

Il Consiglio del Distretto di Columbia ha approvato all’unanimità in via definitiva il RESALE Act, una legge sulla rivendita dei biglietti che, secondo i sostenitori, introdurrà uno dei quadri regolatori più severi e completi degli Stati Uniti. Il provvedimento, sostenuto tra gli altri da Independent Concert Promotion (IMP), National Independent Venue Association (NIVA) e Fix the Tix Coalition, prevede un tetto del 10% ai prezzi di rivendita, vieta la vendita speculativa di biglietti non ancora posseduti dai rivenditori, impone piena trasparenza su prezzi e commissioni durante l’acquisto, proibisce il surveillance pricing (pratica che stabilisce il prezzo di un bene o di un servizio in base a processi di profilazione algoritmica del cliente) e rafforza gli strumenti di controllo e tutela dei consumatori. Dopo il via libera finale del Consiglio, la legge dovrà completare gli ultimi passaggi dell’iter legislativo prima di entrare in vigore il 1° gennaio 2027.

Per il consigliere Charles Allen, autore del testo, “gli speculatori hanno usato la tecnologia e profitti sfrenati per trasformare la nostra scena dell’intrattenimento dal vivo nel Far West”. “La gente è stufa che le grandi aziende tecnologiche continuino a spremere sempre più denaro”, ha proseguito Allen: “Washington D.C. è all'avanguardia in questo campo e mi aspetto che molte altre giurisdizioni intervengano una volta capito che possiamo far risparmiare denaro ai nostri residenti e mantenere più soldi nell'economia locale, invece di sostenere le grandi aziende tecnologiche”. Audrey Fix Schaefer di IMP ha detto che la misura “impedirà ai profittatori opportunisti di guadagnare più degli artisti”, mentre Stephen Parker di NIVA ha aggiunto che Washington “ha alzato l’asticella della riforma del ticketing a livello nazionale”, indicando il RESALE Act come possibile riferimento per altri mercati locali.

Secondary ticketing, a Washington DC passa la linea dura

Il RESALE Act introduce un tetto del 10% sulla rivendita e vieta vendite speculative

Il CPM Music Institute di Milano presenta "Sento dunque suono", il nuovo progetto di Formazione Musicale Integrale ideato da Franco Mussida, fondatore e presidente dell’istituto. A partire da ottobre, il programma affiancherà i percorsi della scuola con un approccio che integra la preparazione tecnica e teorica con la dimensione emotiva e umanistica del musicista.

Sviluppato all’interno del Dipartimento di Ricerca del CPM, "Il progetto punta a favorire una maggiore consapevolezza del rapporto tra musica ed emozioni, valorizzando il modo personale di creare, interpretare e vivere l’esperienza musicale", recita il comunicato stampa.

La Formazione Musicale Integrale prevede attività dedicate all’ascolto, alla lettura, all’esecuzione, all’interpretazione, alla composizione e all’improvvisazione, attraverso metodologie e strumenti didattici sviluppati dall’istituto.

"Con la Formazione Musicale Integrale offriamo agli studenti che vogliono fare della musica la loro vita un importante supporto, attraverso innovativi strumenti di apprendimento", ha dichiarato Franco Mussida, "e, insieme a questo, la possibilità di osservare gli effetti della musica sulla propria natura emotiva, offrendo un percorso che porta a una più intima conoscenza di sé".

CPM Music Institute di Milano presenta “Sento dunque suono”

Il programma di Formazione Musicale Integrale partirà ad ottobre.

UK music, organizzazione che rappresenta l'industria musicale britannica, ha pubblicato ufficialmente&nbsp;i nuovi dati relativi all’impatto del turismo musicale nel Regno Unito.&nbsp;Secondo il rapporto, nel 2025 concerti e festival hanno attirato 24,7 milioni di "turisti musicali", con un aumento del 4,8% rispetto all’anno precedente.

I dati diffusi parlano di 22,6 milioni di visitatori provenienti dal Regno Unito e 2,1 milioni di turisti internazionali.&nbsp;Complessivamente, la spesa generata dal fenomeno ha raggiunto gli 11,2 miliardi di sterline, registrando un aumento dell’11,3% rispetto al 2024. Nel dettaglio,&nbsp;5,7 miliardi di sterline derivano dalla spesa diretta per biglietti, trasporti, alloggi e ristorazione, mentre altri 5,5 miliardi sono riconducibili all’indotto generato dall’organizzazione degli eventi e dai servizi collegati.

Secondo le stime di UK Music,&nbsp;il turismo musicale ha inoltre sostenuto 74.000&nbsp;posti di lavoro equivalenti a tempo pieno nel settore della musica dal vivo, il 3% in più rispetto al 2024. A contribuire alla crescita sono stati anche i tour di artisti del calibro di Beyoncé, Oasis, Dua Lipa, Coldplay, Lana Del Rey e Kendrick Lamar.

"I miliardi spesi rappresentano una boccata d'ossigeno per città e paesi in tutto il Regno Unito e vanno a vantaggio di hotel, ristoranti, bar, aziende di trasporto e migliaia di altre imprese", ha dichiarato Tom Kiehl, Chief Executive di UK Music: "Tuttavia, il governo deve sostenere gli appassionati di musica mantenendo la promessa elettorale di contrastare il flagello dei bagarini che applicano prezzi esorbitanti per la rivendita dei biglietti, riducendo drasticamente il denaro che i fan possono spendere per andare ai concerti".

"E’ necessario che il governo e l'UE intervengano, da tempo attesi, per aiutare gli artisti e i musicisti britannici in tournée nell'UE, che devono affrontare costi alle stelle e una burocrazia eccessiva dopo la Brexit", ha proseguito Kiehl: “Dobbiamo inoltre garantire la tutela e la crescita del panorama musicale di base. Ciò include artisti, locali, festival, studi di registrazione e sale prova radicati nelle nostre comunità locali e fondamentali per la prosperità futura del nostro settore, leader a livello mondiale. Dobbiamo assicurarci che i responsabili politici ne riconoscano il vitale valore economico e culturale e forniscano loro il supporto necessario. Con il giusto supporto, possiamo aiutare l'industria musicale del Regno Unito a continuare a dare impulso all'economia, creare posti di lavoro e offrire agli amanti della musica esperienze indimenticabili”.

"Questi dati da record testimoniano ciò che l'industria musicale del Regno Unito sa fare meglio di qualsiasi altro paese al mondo”, ha concluso Ian Murray, Ministro delle Industrie Creative del governo britannico: “Che si tratti degli Oasis che suonano a Heaton Park, o di un artista emergente che muove i primi passi su un palco più piccolo come quello del Castello di Dublino o del Troubadour, questa è una nazione con incredibili performance dal vivo, supportate da locali di fama mondiale. Ecco perché questo governo si impegna a sostenere l'intero ecosistema musicale nel suo prossimo piano per la musica: proteggere i fan dallo sfruttamento dei bagarini, supportare i locali e gli studi di registrazione indipendenti che sono la linfa vitale dei nostri futuri talenti e lavorare per migliorare le opportunità per gli artisti britannici di andare in tournée in Europa”.

Live, UK Music: i dati sul turismo musicale nel 2025

La spesa ha raggiunto 11,2 miliardi di sterline, l’11,3% in più rispetto al 2024.

BMG ha ufficialmente annunciato l'acquisizione delle quote residue dei cataloghi editoriali di&nbsp;Hal David, John Lee Hooker e ARC Music, ottenendone così la piena proprietà.&nbsp;L’operazione completa un percorso avviato negli anni precedenti: già <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-581124/hal-david-catalogo-canzoni-ceduto-bmg-burt-bacharach" target="_blank">nel 2014 la società aveva acquisito dagli eredi di Hal David i diritti relativi al catalogo del paroliere</a>, mentre nel 2016 aveva rilevato dal Fuji Music Group una quota di maggioranza di ARC Music, dopo una collaborazione per la sua gestione iniziata nel 2010.

L'accordo raggiunto riguarda direttamente il catalogo editoriale di Hal David,&nbsp;paroliere partner di&nbsp;Burt Bacharach, vincitore di Grammy e Oscar.&nbsp;Il suo repertorio include brani come "Raindrops Keep Fallin’ On My Head", "Walk On By", "What The World Needs Now Is Love", "I Say A Little Prayer"&nbsp;e "Do You Know The Way To San Jose?".

L'operazione conferisce a BMG la piena proprietà delle quote editoriali del catalogo di John Lee Hooker,&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-728357/bmg-acquisiti-i-diritti-editoriali-e-discografici-di-john-lee-hooker" target="_blank">dopo l’accordo siglato nel 2022 con il Fuji Music Group e gli eredi dell’artista</a>. Tra i brani più noti del bluesman figurano "Boom Boom", "One Bourbon, One Scotch, One Beer", "Dimples"&nbsp;e "Boogie Chillen’".

BMG completa anche l’acquisizione di ARC Music, storica divisione editoriale della Chess Records fondata nel 1948 da Leonard e Phil Chess. Il catalogo comprende alcune delle opere più rilevanti della storia del blues, del rock and roll e della musica popolare americana, con brani resi celebri da artisti del calibro di&nbsp;Chuck Berry, Bo Diddley, Howlin’ Wolf, Muddy Waters ed Etta James.

"I cataloghi musicali di Hal David, John Lee Hooker e ARC Music sono pietre miliari della musica moderna", ha dichiarato Monti Olson, vicepresidente esecutivo di BMG e responsabile della divisione editoriale per il Nord America:&nbsp;"L’acquisizione della piena proprietà di questi repertori&nbsp;rafforza ulteriormente la posizione di BMG come custode di alcune delle opere più significative della storia della musica americana, garantendo che queste canzoni continuino a essere protette e presentate a un nuovo pubblico per le generazioni a venire".

BMG completa l’acquisizione dei cataloghi di Hal David e Hooker

L'operazione conferisce alla label anche la piena proprietà delle quote editoriali di Arc Music.

Soundreef ha annunciato un accordo quadro con ANEC – Associazione Italiana Esercenti Cinema e ACEC – Associazione Cattolica Esercenti Cinema per la tutela del diritto d'autore della musica nei cinema: l’intesa - ha fatto sapere la collecting in una nota - “disciplina la regolarizzazione della posizione degli esercenti cinematografici associati e stabilisce condizioni uniformi per l'accesso alle tariffe agevolate dei propri associati”. I cinema aderenti ad ANEC e ACEC potranno usufruire di condizioni commerciali agevolate e di una procedura semplificata per richiedere l'attestato di conformità ai sensi dell'art. 46, comma 3 della Legge 633/1941, con accesso diretto alla piattaforma e-commerce Soundreef.

“L'accordo nasce da un dialogo costruttivo con ANEC e ACEC, cui va il nostro sincero ringraziamento per la loro disponibilità e collaborazione”, ha dichiarato il CEO di Soundreef Davide d'Atri: “L'intesa costituisce un passo concreto per rafforzare la tutela degli aventi diritto e assicurare la conformità degli esercenti cinematografici alle disposizioni di legge. Questa partnership testimonia l'impegno di Soundreef nel supportare le principali associazioni di categoria del settore cinematografico nella gestione semplificata e trasparente dei diritti d'autore”.

“Questo accordo rappresenta un risultato importante per gli associati, che potranno accedere a tariffe agevolate e a un sistema semplificato di gestione dei diritti musicali”, ha aggiunto Fabrizio Larini, Presidente di ANEC: “L'intesa è stata negoziata ponendo attenzione equilibrata agli interessi legittimi degli aventi diritto e a quelli degli esercenti cinematografici, consentendo a questi ultimi di assolvere agli obblighi di legge con modalità semplificate, evitando duplicazioni di oneri burocratici e nel pieno rispetto delle indicazioni dell’autorità competente”.

“L'accordo rappresenta una soluzione equilibrata e sostenibile che tutela sia i diritti degli autori che gli interessi delle sale della comunità”, ha concluso Gianluca Bernardini, Presidente di ACEC: “L'intesa riconosce l'importanza della cooperazione tra le parti e offre ai nostri associati condizioni commerciali agevolate e una procedura semplificata per adempiere agli obblighi normativi”.

Soundreef, un accordo con ANEC e ACEC

Per la tutela del diritto d’autore della musica nei cinema

La società svedese fondata da&nbsp;Björn Ulvaeus degli ABBA, Pophouse Entertainment, ha acquisito una quota del catalogo degli Iron Maiden. Più precisamente, si occuperà della&nbsp;co-gestione (insieme ad Andy Taylor, manager della band)&nbsp;di master, edizioni, nome, immagine e diritti relativi agli apparati visivi&nbsp; e grafici (likeness). La collaborazione è stata inaugurata con il debutto della mostra&nbsp;EddFest: the&nbsp;Infinite Dreams Museum Experience a Knebworth, in Inghilterra.

Jessica Koravos, CEO di Pophouse, dichiara tutto il suo entusiasmo: "Grazie a questa partnership&nbsp;band ha ora il capitale e la capacità creativa per continuare a evolversi anche nei prossimi cinquant'anni" ha dichiarato. Oltre alla mostra, sono in corso delle riprese durante il tour mondiale degli Iron Maiden che confluiranno in un progetto cinematografico ed è allo studio anche lo sviluppo di un universo digitale legato a Eddie, la storica mascotte simbolo del gruppo.

Iron Maiden, Pophouse acquisisce una quota del catalogo

La società si occuperà della co-gestione di master, edizioni, nome, immagine e apparati visivi

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756680/uk-distribuiti-i-primi-fondi-erogati-dal-live-trust" target="_blank">Dopo la prima tranche di 500.000 sterline annunciata a gennaio e devoluta&nbsp;agli aventi diritto</a>, il Live Trust&nbsp;amplia il proprio sostegno alla musica live indipendente nel Regno Unito con una nuova raccolta di fondi pari a un milione di sterline. Grazie al nuovo programma, nella "Fase Due"&nbsp;viene raddoppiata la cifra erogata, arrivando a quota 1,5 milioni di sterline distribuite dal fondo.

Il nuovo ciclo di finanziamenti conferma il sostegno ai partner già coinvolti, tra cui Music Venue Trust, UK Artist Touring Fund, Association of Independent Promoters e Association of Independent Festivals. A questi si aggiungono nuove collaborazioni con Youth Music e Help Musicians, oltre a investimenti mirati attraverso Anthem Wales, Attitude Is Everything, Back Up Tech e Black Lives in Music.

Il funzionamento del Live Trust - un consorzio di arene,&nbsp;venue e&nbsp;promoter -&nbsp;ruota attorno a&nbsp;un sistema che prevede un contributo volontario di una sterlina&nbsp;applicato ai biglietti degli spettacoli con una capienza superiore a 5.000 persone. La prima fase del programma aveva già dato supporto e sostegno a&nbsp;372 locali, 211 concerti e 81 festival in tutto il Regno Unito.&nbsp;Dal lancio, avvenuto nel gennaio 2025, il fondo ha raccolto oltre sei milioni di impegni di spesa legati all’acquisto di biglietti e ha collaborato con dieci promoter nell’ambito di più di cento tour.

"In poco più di un anno, LIVE Trust ha dimostrato ciò che il settore della musica dal vivo può realizzare quando lavora in modo coeso", ha dichiarato Kirsty McShannon, presidente del fondo. "Ci siamo prefissati di creare un modello di sostegno a lungo termine per la musica live a livello locale e la risposta è stata travolgente".

"Il LIVE Trust sta già dimostrando che i fondi raccolti dal settore possono essere distribuiti in modo rapido ed efficace", ha aggiunto l’amministratore delegato Jon Collins. "La Fase Due ci consente di consolidare questo successo, continuando a sostenere i programmi principali e collaborando con nuovi progetti per fornire un supporto mirato a chi deve affrontare ulteriori ostacoli".

UK, un milione di sterline dal Live Trust per la musica live

La 'Fase Due' raddoppia le risorse distribuite, portando il totale a 1,5 milioni

Anche quest'anno, come da tradizione, a luglio la Recording Academy ha diramato gli inviti per i nuovi membri che soddisfano i criteri per entrare a far parte dell'organizzazione. La Class of&nbsp;2026, così si chiamano in gergo le "matricole" della Academy, è composta da oltre&nbsp;4.000 artisti,&nbsp;professionisti del music business, produttori,&nbsp;autori&nbsp;e sound engineer di tutto il mondo.&nbsp;

Tra i nuovi ingressi ci sono artisti internazionali di primo piano, come Lola Young, Paris Jackson e Sombr, ma si registrano anche diversi italiani tra le fila della Class of 2026: tra di loro il mastering engineer Giovanni Versari, la cantautrice / compositrice / produttrice Veronica Vitale, l'Head of Retail Marketing di The Orchard per l'Italia Alessio Radoccia, il label manager di RecordKicks Mimmo Ciccone e il compositore di colonne sonore Marco Valerio Antonini.

Per essere presi in considerazione, lo ricordiamo, è necessario che almeno due membri della Recording Academy raccomandino la nomina, che viene poi riesaminata da un panel apposito per verificare che il candidato abbia tutti i requisiti, in un processo che dura alcuni mesi. Non tutti i candidati, però, voteranno per l'assegnazione dei Grammy Awards: i cosiddetti "voting members" sono solo coloro che prendono concretamente parte al processo creativo della realizzazione della musica, dal songwriting fino al mix e al master.&nbsp;

La Recording Academy dà il benvenuto a 4.000 nuovi membri

Tra i membri di nuova nomina Lola Young, Paris Jackson e Sombr, ma ci sono anche diversi italiani

iHeartMedia ha raggiunto un accordo con la Federal Communications Commission <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750344/iheart-radio-sospetti-payola" target="_blank">che chiude l'indagine relativa ai sospetti di payola legati agli eventi musicali organizzati e gestiti dalla società</a>. Il decreto di consenso non prevede sanzioni pecuniarie&nbsp;né ammissioni di responsabilità, ma si limita ad introdurre nuove misure di conformità e trasparenza.

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-749838/payola-accuse-senatrice-usa-radio-discografia" target="_blank">La vicenda ebbe origine&nbsp;il 30 gennaio 2025, quando Marsha Blackburn, senatrice statunitense, aveva segnalato alla FCC quella che aveva definito una potenziale pratica di payola</a>, secondo cui le emittenti radiofoniche avrebbero offerto uno spazio maggiore&nbsp;ai brani di artisti in cambio della loro partecipazione gratuita ai loro eventi.&nbsp;Nei giorni successivi, l’Enforcement Bureau della Commissione aveva avviato degli approfondimenti e richiesto a iHeartMedia informazioni relative all’iHeartCountry Festival.

La FCC ha definito la pratica al centro del caso come "showola", ovvero una forma di payola in cui un'emittente eserciterebbe pressioni sugli artisti affinché si esibiscano gratuitamente in cambio di una maggiore esposizione in radio. iHeartMedia aveva respinto questa ricostruzione,&nbsp;sostenendo che la partecipazione degli artisti ai propri eventi risponda a finalità promozionali e non sia collegata alla programmazione delle sue stazioni.

La società, in base all'accordo, dovrà elaborare e attuare entro 60 giorni un piano di conformità&nbsp;che prevede la nomina di un responsabile interno, la programmazione di attività di formazione per i dipendenti interessati, nonchè l'attivazione di una linea dedicata alle segnalazioni e l'invio periodico di relazioni alla FCC. Dovrà comunicare agli artisti invitati agli eventi che la loro decisione non avrà alcuna conseguenza sulla diffusione radiofonica. Per eventi specifici come&nbsp;l’iHeartRadio Music Festival, l’iHeartRadio Jingle Ball Tour e l’iHeartCountry Festival, la società sarà tenuta a pubblicare informative relative agli artisti coinvolti e alle condizioni della loro partecipazione.

Brendan Carr, il presidente della Commissione FCC, ha dichiarato: "La FCC si impegna a garantire che gli artisti, in particolare quelli emergenti, ricevano un trattamento equo nei loro rapporti con l’industria radiotelevisiva, il talento degli artisti e il pubblico dovrebbero determinare il loro successo".

iHeartMedia, dunque, presenterà una prima relazione di conformità entro 120 giorni, seguita da ulteriori aggiornamenti a 12, 24 e 36 mesi. Con la sottoscrizione del decreto, l’Enforcement Bureau ha disposto la chiusura dell’indagine e, in assenza di nuovi elementi concreti, ha escluso l’avvio di ulteriori procedimenti basati sui fatti già esaminati.