Cresce l’importanza del cosiddetto segmento del live event travel e, di pari passo, evolvono le soluzioni correlate alle esigenze di questo genere di utenti e turisti. È il caso di quella proposta da Jampack che, mediante una partnership con Protect Group, ha introdotto le prenotazioni rimborsabili nella propria piattaforma, un’integrazione già attiva che consente di aggiungere una protezione di rimborso ai pacchetti acquistati attraverso Jampack.

Jampack opera proprio nel sempre più rilevante comparto del live entertainment specializzato nei pacchetti che combinano biglietti, hotel, travel experience e servizi aggiuntivi. La società si presenta come una piattaforma white-label per eventi dal vivo, progettata per aiutare produttori, promoter, venue e resort integrati a vendere pacchetti “ticket-and-hotel” in un ambiente marchiato dal venditore, con la gestione di inventario, ordini e pagamenti che resta centralizzata su Jampack.

Il modello supera la sola vendita del biglietto e punta a costruire un’offerta più ampia intorno all’evento: hotel, trasporti, merchandising, esperienze VIP, pre-party, after-party, accessi dedicati, sconti locali e altre opzioni. Come in un marketplace, la società propone questi pacchetti come un modo per semplificare l’esperienza del fan e, allo stesso tempo, aprire nuovi ricavi per gli organizzatori.

Secondo Jampack i fan di concerti e tour spendono almeno tre volte l’ammontare del prezzo del biglietto in viaggio, alloggio ed extra. Per promoter e produttori, integrare questi servizi significa provare a intercettare una quota di spesa che altrimenti resta fuori dal perimetro dell’evento.

La partnership con Protect Group aggiunge un tassello a questo modello. Protect Group è specializzata in prenotazioni rimborsabili e servizi ancillari e il suo prodotto Refund Protect permette ai clienti di acquistare, durante il checkout, una protezione che rende rimborsabile la prenotazione in caso di circostanze impreviste coperte dal servizio, come malattia o problemi di viaggio. La gestione della richiesta di rimborso viene presa in carico direttamente da Protect Group, senza che il partner debba amministrare internamente l’intero processo - integrazione rilevante, essendo i pacchetti ben più complessi di un singolo biglietto. Il rimborso è un incentivo a ridurre l’incertezza di un fan interessato a un pacchetto per un evento ma esitante a impegnare una cifra elevata con largo anticipo. Protect Group descrive proprio questa dinamica come “booking anxiety”.

Per gli organizzatori, oltre al vantaggio in termini di customer care, la protezione rimborsi può diventare anche uno strumento commerciale: se riduce l’abbandono al checkout, aiuta a convertire prima una domanda che altrimenti potrebbe restare in sospeso.

Il prodotto di Protect Group non va tuttavia confuso con un rimborso libero e incondizionato: Refund Protect è pensato per specifiche circostanze impreviste coperte dalle condizioni del servizio. Non equivale automaticamente a “cambio idea e vengo rimborsato”.

La rilevanza industriale della La partnership Jampack-Protect Group segnala come l’intrattenimento dal vivo stia monetizzando sempre più il perimetro intorno all’evento e conferma una tendenza più ampia, quella che vede l’industria del live focalizzata a trattenere sempre più valore lungo l’intera esperienza del fan.

Live

Ticketing

turismo musicale

Jampack

Protect Group

Rockol.it Logo

Rockol.com S.R.L.

Turismo musicale: Jampack aggiunge i rimborsi ai pacchetti live

Industria

Con Protect Group, la piattaforma rafforza il modello ticket, hotel ed experience

Regione Lombardia ha avviato il Tavolo Musica, primo passo del percorso condiviso verso la costituzione della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757255/sanremo-2026-regione-lombardia-verso-la-music-commission">Lombardia Music Commission</a>. L’iniziativa, promossa dall’assessore regionale alla Cultura Francesca Caruso, “punta a costruire insieme al settore uno strumento stabile di coordinamento, promozione e sviluppo della musica lombarda”.

L’incontro ha riunito i principali operatori del comparto – associazioni di categoria, produttori, organizzatori, live club, festival, etichette discografiche, professionisti e realtà culturali – chiamati a contribuire con osservazioni e proposte alla definizione del documento prima della sua sottoscrizione. All’incontro erano presenti Assomusica (Associazione tra i produttori e gli organizzatori di spettacoli di musica dal vivo); AssoConcerti (Associazione organizzatori e produttori di musica dal vivo); KeepOn Live (associazione di categoria italiana dedicata ai live club, ai festival e agli spazi di musica dal vivo originale); Pmi (Produttori Musicali Indipendenti); Fimi (Federazione Industria Musicale Italiana); Lombardia film Commission.

“Sicuramente la musica è leader in Lombardia”, ha detto Caruso: “Auspichiamo che [la Music Commission] diventi anche un volano importante per tutta la regione e per tutte le altre città. Per noi è fondamentale valorizzare il settore e sostenerlo, e proprio per questo siamo qui per confrontarci con etichette e promoter”.

“Questa industria vale nel suo complesso, tra live e musica registrata, oltre 3 miliardi di euro in Italia, e l’80% di questo settore sviluppa il proprio business e le proprie attività qui, in Lombardia”, ha commentato Enzo Mazza, CEO di FIMI: “E’ incredibile che fino a oggi non si sia incentivata ulteriormente questa attività che non solo ha riscosso successo entro i nostri confini, ma anche all’estero”. “La Lombardia e Milano sono le vere capitali della musica in Italia”, ha osservato Bruno Sconocchia, presidente di AssoConcerti: “In tutte le classifiche, sia come numero di spettacoli, di spettatori e di spesa del pubblico, la Lombardia rappresenta una percentuale di quasi il 30% del mercato italiano”. “La nascita della Music Commission è un’opportunità molto importante, essendo il settore musicale italiano un aspetto molto importante della cultura di questo Paese”, ha spiegato Dario Giovannini, Presidente di PMI: “Il kickoff di oggi è un punto di partenza per migliorare il settore e la qualità dei nostri artisti e delle nostre aziende”.

Regione Lombardia, via alla costituzione della Music Commission

Istituzioni e associazioni di categoria verso la firma di un protocollo d’intesa

Nel primo semestre del 2026 Deezer ha registrato una crescita dello 0,4% nei propri ricavi su base annua, a quota 268,2 milioni di euro: la performance, che il DSP ha definito “in linea con le previsioni”, è stata trainata dall’aumento dei ricavi diretti (ovvero non ascrivibili ad accordi di partnership con altre entità), al 6,7% su base annua, provocata dall’aumento degli abbonati in Francia (mercato di riferimento del servizio, +8,4%) e nel resto del mondo (+9,2%). In base ai dati registrati alla chiusura della prima metà dell’anno - un EBITDA pari a 8,5 milioni di euro, e un utile netto positivo pari a 6,7 ​​milioni di euro - la società prevede ricavi stabili per l’esercizio 2026 e una liquidità positiva almeno fino alla fine del terzo trimestre.

“La prima metà dell'anno dimostra che la nostra strategia sta dando i suoi frutti”, ha dichiarato Alexis Lanternier, CEO di Deezer: “Il nostro business Direct continua a crescere, la redditività è diventata sostenibile e la nostra solida posizione finanziaria ci consente di investire con fiducia nella crescita futura. Nel settore Partnership, i ricavi si sono stabilizzati nel secondo trimestre, dopo diversi trimestri di calo, grazie al successo delle nuove iniziative commerciali e all'attenuarsi dell'impatto negativo del Mercado Libre. Abbiamo inoltre continuato a rafforzare la leadership di Deezer nel settore della musica basata sull'intelligenza artificiale, promuovendo equità e trasparenza per l'ecosistema musicale e creando nuove opportunità di monetizzazione mirate. Guardando al futuro, rimaniamo concentrati su un'esecuzione disciplinata. La nostra solidità finanziaria ci offre la flessibilità necessaria per incrementare gli investimenti mirati nella seconda metà dell'anno, rimanendo pienamente in linea con gli obiettivi prefissati per l'esercizio 2026”.

Deezer, nel primo semestre 2026 ricavi piatti

Entrate a +0,4% su base annua, ma crescono gli abbonati in Francia e nel mondo

L’editoria musicale è uno dei settori più complessi e compositi dell’industria musicale, ma anche uno di quelli che regala più soddisfazioni: lo dimostra il successo di realtà come Sugar Music Publishing, che ha inanellato un successo dietro l’altro. Nel solo 2026 ha lasciato il segno a Sanremo (con Sayf, Chiello e Tredici Pietro), al Premio Tenco (con Sara Gioielli e Bias candidati a due targhe, rispettivamente per l’album di lei e per quello di Madame prodotto da lui), ha festeggiato anniversari importanti (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756669/sugar-nessuno-mi-puo-giudicare-compie-sessant-anni">i 60 anni di “Nessuno mi può giudicare di Caterina Caselli</a>, il decennale di “La fine dei vent’anni” di Motta e di “Hellvisback” di Salmo), ha acquisito cataloghi di grande valore artistico (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756246/franco-battiato-a-sugar-music-publishing-il-catalogo-di-l-ottava">quello de L’Ottava di Franco Battiato</a>) e molto altro ancora.

Per capire un po’ meglio come si struttura e come lavora il dipartimento editoriale del Gruppo Sugar abbiamo chiesto a chi ci lavora ogni giorno: Lorena Lombardi (nella foto, a sinistra), head of music licensing, e Gabriele Compierchio (a destra), head of A&amp;R publishing. Lorena ha un lungo background nel publishing, ma ha cominciato nella discografia: è arrivata in Sugar a settembre 2025 ed è responsabile di tutte le sincronizzazione e licenze. Ha vissuto a lungo in Francia, dove è arrivata vent’anni fa in seguito a un Erasmus, si è laureata all’Università Paris 3 Sorbonne Nouvelle, e a Parigi ha lavorato in varie case discografiche, come l’etichetta indipendente francese Atmosphériques e in seguito per la Barclay (Universal Music France) e poi in Universal Music Publishing France. Gabriele si è formato al Master in Comunicazione Musicale dell’Università Cattolica, poi ha accumulato esperienze in ambito di ufficio stampa, agenzie di booking e management con Francesco Gaudesi e Paul Sears e in Cantera, l’agenzia creativa legata a Esse Magazine. Infine è approdato al dipartimento A&amp;R di Sugar Music Publishing.&nbsp; 
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Della vostra azienda colpisce molto la varietà del roster: passate da repertori e artisti storici a nuovissime leve e nuovissimi generi…

G.C.: La varietà è nel DNA di Sugar da sempre, sia nelle firme discografiche che editoriali. Essendo una realtà indipendente (Filippo Sugar è sempre in ufficio a qualche porta di distanza, abbiamo la possibilità di confrontarci su tutto immediatamente), riusciamo ad agire con agilità e soprattutto a concentrarci su ciò che più ci piace e ci convince. C’è senz’altro un lato identitario e un lato aderente al contemporaneo, ma si alimentano sempre a vicenda: non manca mai l’attitudine alla ricerca.

L.L.: In particolare Sugar Music Publishing si fonda su eterogeneità e versatilità, il che è anche è tipico del lavoro degli editori, che hanno un approccio diverso rispetto ai colleghi discografici. È questa varietà di prospettive e metodi a creare la libertà che contraddistingue il nostro settore.

E a proposito di nuovissime leve, avete appena annunciato il rinnovo della firma di Sayf, uno dei giovani artisti più celebrati dell’ultimo anno. Cosa avevate visto in lui che vi ha convinto a puntare fin da subito sul suo talento?

G.C.: Abbiamo iniziato a lavorare insieme nel 2023. Lo avevo scoperto per caso, mi era capitata un’inserzione sponsorizzata di un suo vecchio reel su Instagram, e quei pochi secondi mi avevano immediatamente colpito. Gli ho scritto, ci siamo incontrati e abbiamo immediatamente cominciato a combinare delle session in studio per lui. Per uno dei suoi primi singoli ci siamo anche incaricati delle spese del video, mandandolo in Tunisia e chiamando Davide Vicari come regista. Di solito un editore non lo fa, però quando firmiamo un progetto in cui crediamo – è il caso di Sayf, di Tredici Pietro e di tanti altri – se possiamo dare un supporto in più, lo facciamo volentieri e non ci tiriamo indietro. 
 
Lorena, in Italia siamo abituati a immaginarci che la nostra musica fuori dai confini nazionali non funzioni, ma Sugar Music Publishing ha spesso e volentieri dimostrato il contrario. Qual è il modo migliore per farci conoscere anche all’estero, dal tuo punto di vista? 
 
L.L.: Un artista tra i tanti che ci ha dimostrato che una bella canzone è effettivamente un linguaggio universale, in primis all'Eurovision Song Contest, è Lucio Corsi. “Volevo essere un duro” era un brano cantato in italiano, ma non penso che la lingua in sé sia necessariamente una barriera, anzi. Dal punto di vista del licensing e della sync, in realtà all’estero sono molto interessati e molto aperti alla musica dei nostri confini, spesso per utilizzi specifici: magari perché una produzione audiovisiva è girata in Italia, ambientata in Italia, parla di personaggi che hanno un rapporto con l'Italia, e quindi c’è bisogno di un brano fortemente locale. Nel nostro catalogo editoriale, oltretutto, non ci sono soltanto brani italiani: in quello di CAM Sugar, ad esempio, ci sono tantissimi compositori francesi, o brani che (come si faceva spesso negli anni ‘60) sono stati adattati in tante lingue, e quindi sono più conosciuti nel loro versione internazionale. Un’altra cosa su cui abbiamo lavorato molto, di recente, è organizzare delle session all’estero, portando i nostri produttori e autori a lavorare con artisti stranieri o viceversa. Lo abbiamo fatto molto in Francia, sfruttando i miei trascorsi lì, ma anche in Germania: sono rapporti che vanno coltivati, ma quando lo si fa, danno sempre degli ottimi frutti. 
 
Gabriele, cosa cercate nelle nuove firme autorali? Qual è la chiave di volta per conquistarvi? 
 
G.C.: Che sia un autore, un produttore, un compositore o un artista, deve avere davvero qualcosa di unico. A oggi ce ne sono tanti di bravissimi. Il punto fondamentale, però, non è saper scegliere il più bravo, ma quello che nel tuo roster, nella tua azienda, con il team di cui disponi, si posiziona perfettamente. Bisogna avere una visione chiara rispetto alla crescita della persona che stai firmando, anche perché spesso, perfino partendo da condizioni di svantaggio, se c’è un progetto ben definito poi le cose accadono. 
 
Lorena, parliamo di nuove frontiere e opportunità nell’ambito del licensing: di recente, ad esempio, abbiamo pubblicato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760234/quando-le-sync-cambiano-una-carriera-il-caso-di-off-campus">un articolo sul fenomeno “Off Campus”</a>, la serie di Amazon Prime che ha fatto lievitare fino al 46.000% gli streaming dei brani della sua colonna sonora... 
 
L.L.: Effettivamente nell’ultimo periodo diverse serie televisive stanno creando un circolo virtuoso, che secondo me è una conseguenza della bontà di alcune associazioni. Riallacciandomi a quello che diceva Gabriele sulle firme, una sync ben riuscita non si misura soltanto dal rendimento economico generato, ma soprattutto dalla capacità di trovare la collocazione più adatta per ogni brano e di creare un’associazione coerente e significativa. Le sync che restano più in mente, le più amate, quelle che il pubblico si va a recuperare e riascoltare, sono quelle che hanno avuto un impatto emotivo forte. È una delle cose che amo di più del del mestiere dell’editore e del licensing: c'è un approccio creativo, perché quando ricevi un brief bisogna elaborare proposte che siano coerenti, ma anche realizzabili rispetto al budget e alle tempistiche previste. Proprio per questo è importante pensare fuori dagli schemi, esplorando possibilità diverse, magari cover, remix, sample. Le possibilità sono tante, e ci piace esplorarle tutte. 
 
Una domanda volutamente un po’ paradossale, rivolta a entrambi: è meglio un uovo oggi o una gallina domani? O per dirla in altre parole: meglio una hit immediata ma stagionale o un catalogo che ingrana più lentamente ma resta solido nel tempo? 
 
G.C.: Sicuramente, da editore e da persona che lavora in un gruppo come Sugar, direi la seconda. Anche a livello discografico stiamo andando nella stessa direzione, perché viviamo un periodo di imprevedibilità esagerata: un sistema costruito sul successo immediato della canzone non riesce più a sfornare con continuità artisti di successo. Capita di vedere canzoni molto forti e concerti molto vuoti, perché i fan non si legano all'artista ma alla sua hit. 
 
L.L.: Aggiungerei che, anche se quello della gallina domani è un approccio tipico da editori, non vuol dire necessariamente procedere a passo lento: nel nostro ambito c’è comunque velocità, plasticità e proattività, però tenendo sempre bene a mente che c’è una scommessa sul futuro. La mia famiglia ha un ristorante da generazioni, e ho imparato che la buona cucina ha bisogno di tempo. Per preparare un piatto che sia di un certo livello ci vogliono sì gli ingredienti giusti, ma ci vuole anche la cura necessaria. 
 
Tra tutti i traguardi raggiunti quest’anno, qual è quello a cui siete più affezionati? 
 
L.L.: Difficile scegliere, ma forse il percorso di Sayf: abbiamo assistito qualche giorno fa alla sua Santissima Fest a Genova e vedendolo sul palco ho trovato assolutamente adatto il paragone con Stromae, perché hanno entrambi una versatilità e una penna rare. 
 
G.C.: Confermo su Sayf e rilancio su Tredici Pietro: con lui ci conosciamo da sette anni, prima ancora che quattro anni fa firmasse con Sugar, e abbiamo costruito insieme il suo ultimo album, un lavoro che a livello personale e umano è stato molto gratificante. Aggiungo la firma da zero di artisti più giovani come Carla Hero tra gli Spotify Radar dell’anno scorso e di Quest che ora lavoriamo in coedizione con il team di Ghali. Ci hanno riempiti di orgoglio nche il successo di Bias, che ha prodotto l’ultimo album di Madame, e&nbsp;che ha lavorato con un altro nostro nuovo talento autoriale Luca Narducci, e ovviamente quello di Tony Boy: lo abbiamo firmato quando faceva live nei piccoli locali, ora riempie i palazzetti. In generale, tutte le volte che abbiamo la possibilità di fare la differenza nel percorso di un emergente, mettendolo in contatto con le persone giuste e aiutandolo a sviluppare il suo progetto, per noi è una grandissima soddisfazione. 
 
Prossime sfide in arrivo? 
 
G.C.: Continueremo consolidando il lavoro con i nostri ragazzi, continuiamo a costruire il rapporto con la Germania, replicando ciò che già stiamo facendo con la Francia. Stiamo lavorando molto bene con Elisabetta Picariello del reparto A&amp;R, anche in ambito più pop, su cui Sugar ha sempre avuto un taglio molto personale. Senza fretta, un passo per volta, come da nostro stile. 
 
L.L.: Sul versante del licensing, continuare a fortificare la presenza di Sugar nelle produzioni audiovisive francesi e internazionali, Stati Uniti compresi. Con Gabriele stiamo lavorando a dei progetti un po’ speciali, un anello di congiunzione tra il lavoro del reparto sync e quello del reparto A&amp;R, come ad esempio lo showcase che abbiamo fatto a gennaio a Parigi esclusivamente dedicato a music supervisor e clienti di produzioni audiovisive.

Sugar Music Publishing: vincere (senza fretta) le sfide di domani

A colloquio con Lorena Lombardi (Head of Music Licensing) e Gabriele Compierchio (Head of A&R)

A partire dal prossimo mese di settembre Carolina Di Domenico e Pier Ferrantini entreranno a far parte della squadra di Radio Capital: ai due conduttori, voci storiche del programma di Rai Radio 2 Rock and Roll Circus, chiuso lo scorso gennaio dopo tredici anni di presenza nei palinsesti dell’emittente radiofonica del servizio pubblico, sarà affidata la trasmissione Capital Circus, in onda dal lunedì al venerdì dalle ore 12.00 alle ore 14.00.

“Ogni giorno Capital Circus accompagnerà gli ascoltatori con due ore di grande musica e storie in pieno stile Radio Capital”, si legge nelle note di presentazione del programma: “Classici senza tempo, novità italiane e internazionali, brani da riscoprire e nuove canzoni da amare”. Di Domenico e Ferrantini, precisa Elemedia, “porteranno in onda anche aneddoti, riflessioni e curiosità legate al mondo dello spettacolo e della cultura, del cinema e dei libri, dello sport e dei viaggi, ma anche alle persone che animano e hanno animato questi ambiti”, grazie a interviste e “al contributo degli ascoltatori”.

Radio Capital, entrano Carolina Di Domenico e Pier Ferrantini

Per il programma Capital Circus, in partenza a settembre

La Gloria, società benefit ed etichetta discografica indipendente di christian music, ha annunciato la firma di un accordo di distribuzione con ADA Music Italy, divisione indipendente italiana di servizi per artisti e label di Warner Music Group, per la distribuzione fisica e digitale del proprio catalogo: l’intesa, ha fatto sapere la label per mezzo di una nota, “segna una nuova tappa nel percorso di crescita de La Gloria e consentirà di ampliare ulteriormente la diffusione del catalogo attraverso una rete distributiva nazionale e internazionale, rafforzando la presenza dell'etichetta sui principali mercati musicali”.

“La collaborazione con ADA Music Italy rappresenta una soluzione strategica per dare il giusto collocamento alla musica cristiana contemporanea italiana, genere che dimostra ampia qualità e quantità anche nel nostro Paese”, ha dichiarato Andrea Marco Ricci, Direttore de La Gloria. “Siamo veramente entusiasti di inaugurare questo nuovo accordo di distribuzione con La Gloria”, ha aggiunto Renato Tanchis, Head di ADA Music Italy: “Questa collaborazione rappresenta per noi una preziosa opportunità per supportare e promuovere attivamente lo sviluppo della musica cristiana contemporanea anche nel mercato italiano. Siamo pronti a mettere in campo tutta la nostra esperienza distributiva per dare a questo genere valoriale la visibilità che merita”.

Fondata nel 2023, La Gloria lo scorso anno ha spedito sui mercati oltre 230 pubblicazioni, organizzato più di 180 concerti in 19 regioni italiane e sviluppato un catalogo che affianca artisti di musica cristiana contemporanea a repertori storici religiosi acquisiti, restaurati e valorizzati dall'etichetta, come Rugginenti/Rusty Records e Pro Civitate Christiana: l’attività della label - che lo scorso maggio ha <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758715/la-gloria-etichetta-roberto-razzini-entra-nel-team-intervista">ufficializzato l’ingresso nel proprio team di Roberto Razzini</a> - si estende anche all'estero, grazie a una crescente presenza digitale, con due canali YouTube dedicati al mercato statunitense che contano ciascuno oltre 190.000 iscritti.

La Gloria, un accordo con ADA Music Italy

L’etichetta italiana di musica cristiana si lega alla piattaforma di WMG per la distribuzione

Snapchat ha lanciato "Now Playing", una nuova funzionalità disponibile su Snap Map che consente agli utenti di condividere con i propri amici la musica che stanno ascoltando in tempo reale. Spotify è il primo servizio di streaming supportato.

Sulla mappa presente all'interno dell'applicazione sarà possibile visualizzare i brani musicali in ascolto e decidere di avviarne la riproduzione sulla piattaforma di streaming, salvarli tra i "Brani preferiti" oppure accedere ai video Spotlight che utilizzano la stessa traccia. Il salvataggio diretto è disponibile anche dai video Spotlight e dalle Sound Pages.

Dopo aver collegato il proprio account Spotify, è possibile scegliere con chi condividere l’attività di ascolto: tutti gli amici, soltanto quelli con cui si condivide la posizione, un gruppo selezionato oppure nessuno. Snap Map, secondo i dati diffusi da Snap, viene utilizzata ogni mese da oltre 450 milioni di persone.

Questo lancio si colloca sulla scia delle <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753750/spotify-arrivano-i-messaggi-diretti-tra-utenti" target="_blank">nuove funzionalità introdotte da Spotify nell'ultimo anno</a>: il colosso dello streaming si sta infatti impegnando da tempo per arricchire e migliorare l'esperienza degli utenti in-app.

"Now Playing aggiunge un nuovo livello di espressione e scoperta a Snap Map, aiutando gli utenti di Snapchat a condividere la colonna sonora della loro giornata e a trovare nuova musica attraverso le persone che già conoscono", ha dichiarato Manny Adler, responsabile della sezione musica di Snapchat, aggiungendo poi: "La musica è uno dei modi più personali con cui le persone si esprimono, e diventa ancora più significativa quando avvicina gli amici".

"Now Playing" è disponibile nei mercati in cui operano sia Spotify sia Snapchat e sarà presto estesa anche al Canada.

Snapchat lancia “Now Playing” su Snap Map

Una nuova funzionalità che permette agli utenti di condividere musica in tempo reale con gli amici

Hit Week - il Festival della musica italiana nel mondo realizzato con il supporto del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale e di ITA - Italian Trade Agency (Agenzia per la promozione all'estero e l'internazionalizzazione delle imprese italiane) insieme a FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana, e da quest’anno con il patrocinio del Ministero del Turismo - ha annunciato Sync Mission, nuova iniziativa pensata per celebrare la propria ventesima edizione e per amplificare le opportunità del business discografico nazionale.

Tra i prossimi 5 e 10 ottobre La Niña partirà per una missione negli Stati Uniti, a Los Angeles e Miami, per una serie di performance dal vivo al quale sarà abbinato un programma di panel professionali, incontri con le università e dj-set incentrati sul tema delle sincronizzazioni, il segmento dei ricavi discografici generato dalle licenze musicali per prodotti audiovisivi, dal cinema alle serie tv passando per pubblicità e videogiochi.

Dal 5 al 7 ottobre la Sync Mission di Hit Week 2026 riunirà a Los Angeles i Sync Manager delle principali aziende discografiche italiane e i maggiori operatori statunitensi di audiovisivo, advertising e gaming in importanti sessioni di networking verticali per presentare il repertorio italiano, favorendo contatti diretti e potenziali partnership commerciali tra&nbsp;i due mercati. Dal 7 al 10 ottobre la manifestazione proseguirà tra Los Angeles e Miami con gli show di La Niña, oltre che a lezioni universitarie e ai consueti incontri&nbsp;professionali che da vent'anni caratterizzano il programma della manifestazione.

“La Sync Mission di quest’anno è la naturale evoluzione di un percorso ventennale di&nbsp;lavoro sul mercato americano tramite Hit Week: offrire ai nostri professionisti uno&nbsp;spazio esclusivo per incontrare direttamente i decision maker statunitensi è un&nbsp;investimento mirato su uno dei segmenti a maggior potenziale per l'industria&nbsp;discografica italiana”, ha commentato Enzo Mazza, CEO di FIMI, secondo il quale l'operazione mette al centro la produzione discografica italiana “in uno dei palcoscenici globali ideali per trasformare queste relazioni in partnership concrete”.

Come osservato da FIMI, le sync rappresentano oggi uno dei terreni più promettenti per l'export della musica italiana: nel 2025 le royalties generate dalla musica italiana all'estero hanno infatti superato i 32 milioni di euro, in crescita del 13,9% rispetto al 2024 e con un solido incremento del 180% negli ultimi sei anni.

Hit Week compie 20 anni: La Niña va in Sync Mission negli USA

L’artista sarà protagonista di un’edizione dedicata alle sincronizzazioni

Una proposta di class action depositata il 24 luglio presso la Corte Distrettuale del Massachusetts, dove Suno ha sede, accusa la società leader nel settore della GenAI musicale di non aver protetto adeguatamente i dati personali di 55,3 milioni di utenti esposti in una violazione informatica resa nota la scorsa settimana ma emersa nove mesi dopo i fatti.

Secondo la causa, i dati sottratti comprenderebbero nomi, indirizzi fisici, email, numeri di telefono, cronologia degli acquisti e numeri parziali di carte di pagamento con date di scadenza. Il querelante ad aver preso per primo l’iniziativa è Alec Pilavian, cliente di Suno residente in Florida, che punta a rappresentare tutti gli utenti statunitensi coinvolti. Nei documenti depositati in tribunale sostiene che Suno "non ha fornito, e non sembra aver fornito, alcuna notifica riguardo alla violazione dei dati" e che avrebbe privilegiato il profitto ricorrendo a misure di sicurezza inadeguate.

"Stiamo esaminando questo reclamo”, ha fatto sapere l’azienda in una nota consegnata alla stampa americana: “La fiducia è alla base di qualsiasi prodotto che le persone utilizzano quotidianamente e prendiamo molto seriamente la salvaguardia della sicurezza dei dati della nostra comunità. Nel novembre del 2025, abbiamo subito un incidente di sicurezza che è stato rapidamente contenuto”.

A sua difesa, Suno sostiene di non conservare i dati completi delle carte di pagamento né i dettagli dei conti bancari. L'azione legale include accuse di negligenza, violazione di contratto implicito, violazione del dovere implicito di buona fede e correttezza, ingiusto arricchimento e richiesta di accertamento giudiziale: le richieste allegate alla querela - oltre a un risarcimento danni superiore a 5 milioni di dollari - includono un rafforzamento delle misure di sicurezza da parte dell’azienda e almeno dieci anni di servizi di monitoraggio del credito per gli utenti colpiti.

Suno, class action in arrivo

La causa contesta all’azienda la mancata protezione dei dati personali degli utenti

Edizioni Curci Music Publishing annuncia l’ingresso nel proprio roster di Starchild, nome d’arte di Simone Capurro, produttore, autore e musicista già coinvolto nella realizzazione di hit come “Italodisco” e “Pensare male” dei The Kolors, “Autorità” di Geolier, “Femme Fatale” di Emma e “Al mio paese” di Serena Brancale, Levante e Delia.

In veste di autore e produttore Starchild - nella foto insieme al team di Edizioni Curci,&nbsp;il secondo da sinistra -&nbsp;ha inoltre collaborato anche con,&nbsp;tra gli altri,&nbsp;Emma, Clara, Samurai Jay, Capo Plaza, Sal Da Vinci, LDA, AKA 7even, MV Killa e Yung Snapp.

L’accordo, ha spiegato Edizioni Curci, segna la prosecuzione dell’impegno dell’azienda nel proprio “lavoro di scouting, valorizzazione e sviluppo dei talenti più significativi della musica italiana contemporanea, rafforzando&nbsp;ulteriormente un roster di autori e produttori capace di dialogare con generazioni, scene musicali e linguaggi differenti”.

Edizioni Curci, Starchild entra nel roster

Simone Capurro ha firmato con la storica società editoriale milanese

Qobuz ha ufficialmente introdotto i testi sincronizzati in tempo reale sulle proprie app per dispositivi mobili e tablet. La funzione, disponibile per tutti gli abbonati su iOS e Android, consente di seguire le parole dei brani riga per riga durante la riproduzione e include anche le traduzioni.

Insieme a questa nuova funzionalità viene presentato un lettore completamente riprogettato, sia sul piano estetico che su quello funzionale, con una grafica che cambia in base alla copertina dell’album e un mini-lettore che rimane visibile durante la navigazione. Inoltre, la nuova sezione “Esplora” propone album, artisti, playlist e stazioni radio collegati al brano in ascolto, con rimandi ai contenuti di Qobuz Magazine. Sono stati rivisti anche i crediti, che includono recensioni, biografie, libretti digitali e informazioni tecniche sui file.

"Questo nuovo lettore è stato progettato pensando all’esperienza degli abbonati: un design moderno, testi sincronizzati, crediti dettagliati e suggerimenti che attingono ai nostri contenuti editoriali per approfondire l’universo dell’artista", ha dichiarato Axel Destagnol, Chief Product Officer di Qobuz.

I testi sincronizzati e il nuovo lettore sono già disponibili su iOS e Android e saranno estesi successivamente ad altre piattaforme.

Qobuz, arrivano i testi sincronizzati in tempo reale

La nuova funzione arriva su iOS e Android insieme a un lettore riprogettato

Too Lost, piattaforma digitale di distribuzione musicale, ha ufficialmente stretto una partnership con Roblox, colosso del gaming online, per integrare il proprio catalogo musicale nelle esperienze disponibili sulla piattaforma. L’accordo consentirà agli utenti di scoprire e interagire con i brani direttamente all’interno di giochi, ambienti virtuali e spazi social.

Sono già diverse le iniziative di collaborazione all'interno delle quali Roblox figura come pedina fondamentale per l'incremento qualitativo dell'esperienza musicale. La società statunitense si è posizionata nel tempo come motore di scoperta musicale, eliminando completamente il concetto di ascolto passivo. L’inclusione del catalogo di Too Lost e del suo roster di artisti - tra cui The All-American Rejects, A$AP Ferg, 1nonly, Jessie Reyez, Mach-Hommy, Quavo, Royel Otis, Smokepurpp, Teddy Swims, Luke Chiang e Alex Warren -&nbsp;amplia il repertorio disponibile in vari generi, tra cui rock, pop, hip-hop ed elettronica.

"Questa partnership rappresenta un importante passo avanti nel modo in cui la musica indipendente viene scoperta e vissuta online", ha dichiarato Gregory Hirschhorn, CEO di Too Lost. "L’inserimento del catalogo di Too Lost in quest’ecosistema crea un nuovo percorso che permette agli artisti di entrare in contatto con i fan in modi immersivi, sociali e interattivi".

La collaborazione si inserisce nella strategia con cui Roblox sta ampliando il proprio ruolo nella scoperta musicale. "La musica è una parte fondamentale dell’espressione personale e della scoperta su Roblox", ha aggiunto Jessica Meehan, responsabile delle partnership musicali della piattaforma.

L’accordo punta inoltre a favorire l’incontro tra cataloghi già consolidati e un pubblico più giovane, composto in larga parte da utenti appartenenti alla Generazione Z e alla Generazione Alpha.

Too Lost e Roblox: una collaborazione per la musica indipendente

L’accordo integrerà il catalogo nel servizio di gioco, rendendo la scoperta musicale più interattiva

Il vinile è sopravvissuto a tecnologie nate per sostituirlo, a formati poi scomparsi, alla smaterializzazione della musica, allo streaming e persino alla crisi del supporto fisico. È tornato a crescere, è diventato oggetto da collezione, strumento di marketing, prodotto premium, simbolo di appartenenza culturale. Eppure manca ancora una cosa molto più piccola, almeno in apparenza: una emoji.

Record Store Day UK ha lanciato una campagna per chiedere la creazione di una vinyl emoji, una emoji dedicata al disco in vinile. Le tastiere digitali propongono già emoji per CD, microfoni, cuffie, strumenti musicali, floppy disk, fax e altri oggetti tecnologici ormai molto meno centrali nella vita quotidiana; il disco in vinile, invece, è assente in questo alfabeto globale.

Per Record Store Day UK, una vinyl emoji servirebbe a dare visibilità digitale una cultura che continua a esistere anche nell’epoca delle piattaforme, fatta di collezionismo, DJing, crate-digging, negozi indipendenti, ascolto domestico, ritualità fisica, rapporto con le copertine. E c’è anche una dimensione generazionale: negli ultimi anni il vinile è diventato un prodotto comprato anche da pubblici giovani, spesso cresciuti dentro lo streaming ma attratti dall’oggetto fisico: in questo senso la sua assenza dalla tastiera emoji pare ancora più anomala.

La richiesta, accompagnata da una petizione e da una mobilitazione social intorno all’hashtag #VinylEmojiNow, arriva proprio nel momento in cui il vinile è tornato a essere una componente importante del mercato musicale. Nel Regno Unito, il formato ha continuato a crescere anche nel 2025, con ricavi fisici trainati dall’aumento delle vendite di vinile. La BPI ha indicato una crescita dei ricavi della musica registrata nel Regno Unito e un aumento rilevante del vinile, mentre Official Charts ha continuato a monitorare il formato con classifiche dedicate agli album e ai singoli in vinile. Esiste una Official Vinyl Albums Chart, una Official Vinyl Singles Chart e anche una Official Record Store Chart, compilata in collaborazione con Record Store Day e basata sulle vendite in 100 negozi indipendenti del Regno Unito.

Record Store Day UK è un’organizzazione nata per celebrare i negozi di dischi indipendenti e, nel Regno Unito e in Irlanda, coinvolge circa 300 punti vendita. Record Store Day non è solo un calendario di uscite esclusive, ma una piattaforma culturale che tiene insieme artisti, etichette, rivenditori, collezionisti e comunità locali.

Il percorso per ottenere una nuova emoji, però, non è automatico. Le emoji sono standardizzate dal Unicode Consortium, l’organizzazione che definisce gli standard internazionali per il testo digitale. Le proposte devono seguire linee guida precise, dimostrare che il simbolo avrebbe un uso ampio e frequente, non essere ridondanti rispetto a emoji già esistenti e presentare evidenze sulla rilevanza del concetto. Unicode accetta proposte secondo finestre temporali specifiche e avverte che solo una piccola percentuale delle candidature arriva effettivamente all’approvazione. Per convincere Unicode, non basta dire che il vinile è amato dai collezionisti. Bisogna dimostrare che una vinyl emoji sarebbe utile, riconoscibile, distinta da emoji esistenti e potenzialmente usata da un pubblico ampio.

Non è la prima volta che il mondo musicale incrocia il processo Unicode. In passato ha già sostenuto proposte legate agli strumenti, come nel caso dell’arpa - precedente che mostra che l’ingresso di un simbolo musicale nella tastiera globale può nascere anche da comunità specifiche, purché la proposta riesca a dimostrare rilevanza, uso potenziale e valore rappresentativo.

La campagna arriva anche in un momento in cui i negozi indipendenti stanno difendendo il proprio ruolo oltre la semplice vendita. Il record store contemporaneo non è solo un punto commerciale. È luogo di scoperta, spazio sociale, presidio culturale, venue per eventi, punto di incontro per scene locali, luogo dove etichette e artisti possono costruire una relazione fisica con il pubblico. In un mercato dominato dallo streaming, questa funzione comunitaria è diventata parte del valore del vinile.

Per le etichette, i negozi e gli artisti, una vinyl emoji avrebbe anche un uso pratico. Potrebbe accompagnare annunci di nuove uscite, ristampe, pre-order, edizioni limitate, eventi in store, DJ set, listening party, campagne Record Store Day, bundle direct-to-fan e promozioni di album fisici. È un dettaglio minimo, ma nel linguaggio di una generazione che desidera l’oggetto fisico ma vive di social media, è un dettaglio che conta.

Il vinile vuole la sua emoji

Dentro la campagna di Record Store Day UK lancia per portare il 33 giri sulla tastiera globale

L'editore musicale Digital Noises ha ufficialmente lanciato The Last Lantern Tavern, un nuovo canale YouTube dedicato alla musica fantasy e all'immaginario epico. Il progetto unisce composizioni originali e atmosfere cinematografiche, con l'obiettivo di trasformare ogni contenuto in un capitolo di un racconto più ampio.

"The Last Lantern Tavern non è soltanto un canale musicale: è una porta aperta verso mondi immaginari. Ogni composizione rappresenta una nuova avventura, ogni melodia una storia da vivere. Vogliamo costruire una community internazionale di sognatori, lettori, gamer e appassionati di fantasy che possano ritrovarsi, simbolicamente, attorno alla stessa lanterna" recita il comunicato stampa.&nbsp;Oltre alla presenza su YouTube, i contenuti saranno distribuiti anche su Spotify e sulle principali piattaforme di streaming.

Digital Noises lancia The Last Lantern Tavern

Il nuovo canale su YouTube fonde musica fantasy, immaginario epico e storytelling

Scadrà il prossimo 23 agosto il termine per presentare la propria candidatura a&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760086/mie-milano-amburgo-aperte-le-candidature">MIE – Music Industry Exchange Milano / Amburgo</a>,&nbsp;progetto di scambio internazionale dedicato a 30 giovani professionisti e studenti del settore musicale, selezionati tra Italia e Germania, presentato da Butik s.r.l. Impresa Sociale e realizzato con il contributo del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale.

L'operazione, spiegano gli organizzatori, “si propone di favorire il dialogo tra due dei principali ecosistemi musicali europei -&nbsp;Milano, capitale dell'industria musicale italiana, e Amburgo, città con una straordinaria tradizione nella club culture e sede del Reeperbahn Festival - partendo dalla&nbsp;consapevolezza che per costruire una carriera solida nel settore sia necessario andare oltre&nbsp;i confini locali, acquisire esperienza sul campo e costruire una rete di relazioni europee”.

Music Industry Exchange è realizzato in partnership con Hamburg Music, la prima associazione regionale della music industry in Germania, con 160 aziende associate, e con The Corp, consorzio che riunisce più di 20 imprese nel settore dell'entertainment, e della Free and Hanseatic City of Hamburg, Authority of Culture and Media.

Il programma prevede due viaggi di 5 giorni in autunno 2026 in cui 15 italiani voleranno ad Amburgo (tra il 14 e il 18 ottobre) e 15 tedeschi raggiungeranno Milano (tra il 28 settembre e il 2 ottobre). Durante gli scambi i partecipanti avranno accesso a lezioni e workshop con professionisti del settore, visite studio presso organizzazioni musicali e sessioni di networking.

Il programma è rivolto a studenti, neolaureati in music business, management culturale o materie affini e giovani professionisti emergenti del settore musicale tra i 20 e i 29&nbsp;anni, residenti in Italia o in Germania.

E' possibile presentare le candidature tramite la call pubblica disponibile al link:&nbsp;<a href="https://forms.gle/5Hp2xhNiDckYd8fKA">https://forms.gle/5Hp2xhNiDckYd8fKA</a>

La partecipazione è completamente gratuita.

MIE Milano / Amburgo, resta meno di un mese per candidarsi

Per aderire al progetto di scambio internazionale c'è tempo fino al 23 agosto

Universal Music Group ha annunciato il completamento della prima tranche del proprio programma di buyback: la major, attraverso una nota ufficiale diramata oggi, lunedì 27 luglio, ha fatto sapere di essere tornata in possesso di 26,7 milioni di azioni, per una cifra pari a poco più di 499 milioni di euro.

Il gruppo guidato da Lucian Grainge, a metà dello scorso aprile, aveva fatto sapere di essere <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758249/umg-iniziato-il-buyback-e-pershing-square">tornato in possesso di 630mila azioni</a>, quando la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758115/universal-music-pershing-square-presenta-un-offerta-di-acquisizione">proposta di acquisizione avanzata da Bill Ackman tramite Pershing Square</a> non era ancora stata <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759277/ufficiale-universal-music-rifiuta-l-offerta-di-pershing-square">ufficialmente rigettata</a>.

In seguito all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759363/pershing-esce-dal-capitale-di-umg-dopo-il-no-all-acquisizione">uscita dal capitale aziendale</a> del finanziere newyorchese UMG ha provveduto a <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759374/umg-250-mln-per-riacquistare-le-quote-di-pershing-square">riacquistare le quote</a> - nello specifico, 14.156.285 azioni - intitolate a Pershing Square. Parallelamente, all’inizio dello scorso giugno, il gruppo aveva annunciato l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759489/universal-music-confermata-l-emissione-di-bond-per-1-mld">emissione di bond per un miliardo di euro</a>, varato nell'ambito del programma Euro Medium Term Note, per “il rifinanziamento del debito esistente e il pagamento di commissioni e spese di transazione”.

UMG, completato il buyback da 500 milioni di euro

La major è tornata in possesso di 26,7 milioni di proprie azioni

Benito Antonio Martínez Ocasio ha aggiunto al suo già ricco palmares anche il record per il tour con il maggiore incasso di un artista latino maschile: secondo Boxscore - l’osservatorio permanente di Billboard USA sulle attività dal vivo delle star internazionali - il tour mondiale di "Debí Tirar Más Fotos" (passato da Milano la scorsa settimana per due date, la seconda della quali funestata da un evento climatico estremo, e conclusosi lo scorso 22 luglio a Bruxelles, in Belgio) ha incassato in appena otto mesi 467,5 milioni di dollari, cifra che ha portato la star di “Tití Me Preguntó” a battere il precedente titolare del primato (Luis Miguel) ma non a superare il record assoluto, attualmente detenuto da Shakira con il tour legato a “Las Mujeres Ya No Lloran”, che a oggi ha accumulato al botteghino 479,2 milioni di dollari.

Occorre tuttavia osservare come il tour di Shakira, conclusosi lo scorso 7 agosto con 6 date in altrettanti stadi degli Stati Uniti, abbia beneficiato della spinta negli incassi del pubblico del primo mercato per la musica dal vivo al mondo - quello americano, appunto. Bad Bunny, al contrario, è stato in grado di superare il 467 milioni di dollari di incasso - grazie a 3,1 milioni di biglietti per un totale di 55 spettacoli - senza alcuna data prevista negli States in calendario: l’artista, prima di confermare l'itinerario della sua ultima tournée, aveva spiegato di aver escluso gli USA dalla mappa dei suoi show per timore che i suoi fan (molti dei quali stanno vedendo il loro status di residenti americani messo in dubbio dai vari decreti emanati dall’amministrazione Trump) siano presi di mira dall'ICE, la temibile agenzia governativa deputata a rimpatriare gli immigrati, nota per effettuare vere e proprie retate e incursioni a caccia di cittadini in attesa di regolarizzazione. L’unica esibizione tenuta dall’artista portoricano negli USA è stata quella per l’Half time show dell’ultimo Super Bowl, diventata un <a href="https://www.rockol.it/news-756903/bad-bunny-artista-piu-politico-del-momento-show-super-bowl-racconto">caso politico</a> sia per il messaggio di unità rivolto alle popolazioni dell’intero continente americano sia per la reazione - ovviamente molto contrariata - espressa al riguardo dallo stesso Donald Trump.

Bad Bunny

Bad Bunny, live da record (anche senza gli USA)

Il tour di ‘Debí Tirar Más Fotos’ sbanca al botteghino facendo a meno di tappe negli Stati Uniti

Domenico Modugno veniva alla luce il 9 gennaio 2028, ma le celebrazioni per i 100 anni dalla sua nascita sono già iniziate: è stato infatti presentato il logo Modugno 100, che accompagnerà tutte le iniziative che per i prossimi due anni ricorderanno il grande cantautore, anche in occasione dei&nbsp;70 anni della rinascita della canzone italiana nel mondo con “Nel blu, dipinto di blu”.

"ll Mare è il suo liquido amniotico. La chitarra la sua voce nel mondo. Le braccia aperte il suo inconfondibile volo verso l'Infinito": questa la didascalia che&nbsp;accompagna l'immagine e ne sottolinea la simbologia e la genesi. "Con le braccia aperte verso il cielo e i piedi affondati nel mare, continuiamo a volare insieme a lui".

Modugno 100, presentato il logo ufficiale

In occasione delle celebrazioni per i 100 anni dalla nascita del cantautore

La collecting tedesca GEMA ha presentato pubblicamente PLAI by GEMA, “un database musicale curato e personalizzabile per i fornitori di strumenti di intelligenza artificiale” composto da circa 178.000 file audio di oltre 60 generi differenti e sviluppato in collaborazione con i partner editoriali Bailer Music Publishing, Earmotion Audio Creation, Intervox Production Music, Music Sculptor e Sonoton Music. Il dataset, ha precisato la società con quartier generale a Berlino, “è stato sviluppato specificamente per l'addestramento di applicazioni di IA e combina dati musicali di alta qualità con i diritti necessari”, e raggruppa “file audio, metadati completi, copyright e diritti sulle registrazioni da un'unica fonte”.

Al database ha già accesso come cliente Klangio, azienda di Karlsruhe specializzata in strumenti musicali basati sull'intelligenza artificiale.

“I nostri clienti e noi stessi facciamo parte dell'industria musicale”, ha dichiarato Sebastian Murgul, CEO di Klangio: “Per questo motivo, l'equità e la certezza del diritto sono molto importanti per noi. Con il dataset musicale GEMA, abbiamo trovato la soluzione che stavamo aspettando: dati di training legalmente validi in cui tutti i diritti sono effettivamente tutelati. Questo ci dà la sicurezza di poter sviluppare ulteriormente i nostri strumenti di intelligenza artificiale su solide basi. Dimostra che una remunerazione equa e lo sviluppo innovativo dell'AI possono andare di pari passo”.

"In qualità di prima società di gestione collettiva dei diritti d'autore, non solo abbiamo sviluppato un modello di licenza, ma stiamo anche lanciando un prodotto concreto sul mercato”, ha spiegato Kai Welp, General Counsel di GEMA: “Questo crea chiarezza per tutti i fornitori di strumenti di IA: chiunque desideri dati di addestramento legalmente conformi per l'input dell'AI ha in GEMA un partner affidabile. Per quanto riguarda la concessione di licenze ai fornitori di GenAI, speriamo in una sentenza positiva nel <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757553/gema-contro-suno-germania-caso-copyright-musica-ai">caso contro SUNO</a>. Deve essere chiarito che l'utilizzo di opere creative deve essere remunerato indipendentemente da dove avvenga l'addestramento e anche quando le opere originali siano archiviate nei sistemi. Ciò richiede l'intervento dei tribunali, ma soprattutto un quadro politico”.

“Con PLAI by GEMA rendiamo i contenuti musicali per l'addestramento degli strumenti di intelligenza artificiale più accessibili che mai”, ha fatto sapere Thomas Theune, Direttore Broadcasting/Online di GEMA: “Invece di complesse procedure di autorizzazione dei diritti, i fornitori di strumenti di intelligenza artificiale ora ricevono dati musicali di alta qualità, inclusi tutti i diritti necessari, da un'unica fonte. Questo crea certezza giuridica per gli sviluppatori e nuove opportunità di guadagno per i creatori di musica. Con PLAI by GEMA, dimostriamo che l'addestramento dell'AI e un equo compenso per i professionisti creativi non si escludono a vicenda. Se entrambe le parti sono interessate a una collaborazione responsabile, possiamo trovare soluzioni comuni e consentire l'innovazione su una solida base giuridica”.

AI, GEMA lancia PLAI by GEMA

Il primo dataset europeo per il training di modelli generativi completamente autorizzato

Il 27 luglio 1976 non era un giorno come gli altri. Non lo era per il calendario, e certamente non lo era per me. In una stanza improvvisata, l'aria era ferma, carica di un'elettricità che non aveva nulla a che fare con la rete elettrica. Come per molti altri che avevano un'urgenza creativa, il mio viaggio nell'etere è partito da lì: una radio locale, nata dall'improvvisazione e dalla passione, dove ogni segnale era una conquista.

Oggi, quando guardo ai moderni studi radiofonici — cabine asettiche, schermi tattili, software che decidono ogni secondo di trasmissione — mi torna in mente il profumo di quegli anni. Era un misto inconfondibile di polvere, caffè riscaldato e stagno. Soprattutto stagno. Chiudo gli occhi e le mani tornano lì: il calore del saldatore tra le dita, la punta che scivola sui circuiti, cercando di dare un senso a quel groviglio di cavi che avrebbero dovuto permetterci di "bucare" il silenzio. Non c'erano manuali, non c'erano consulenti, non c'erano KPI da rispettare. C'era solo la fame di dire qualcosa, di occupare uno spazio, di essere ascoltati.

Ho avuto la fortuna di vivere questo mezzo secolo in tutte le sue declinazioni: dall'odore di stagno della prima radio locale, passando per l'esplosione creativa e il ritmo frenetico di Radio Deejay [nella foto, nel 1990,&nbsp;ndr], fino alla complessità editoriale e di servizio di una realtà nazionale come Rai Radio 2. Questa identità umana si è forgiata in luoghi che oggi definiremmo impossibili, eppure erano fucine di genio: le nostre regie. Un percorso che mi ha portato a confrontarmi con linguaggi e modelli di business profondamente diversi, permettendomi di toccare con mano una verità indiscutibile: la radio è un organismo vivo, capace di adattarsi, ma solo a patto di non perdere mai la propria identità umana davanti all’algoritmo.

Il nostro "monumento alla precarietà" era, di fatto, un monumento all'ingegno. Le pareti erano coperte dai contenitori di cartone delle uova, convinti che quel materiale povero potesse asciugare l'eco e regalarci un suono "professionale". Avevamo piatti Lenco L75 e un mixer a quattro ingressi dove il microfono doveva contendersi lo spazio con il "mangiacassette" degli spot. Erano il collante con il territorio, il nostro modo di creare economia circolare prima ancora che il termine diventasse di moda. La radio non estraeva valore dal territorio, lo creava.

Se la radio pubblica ha celebrato nel 2024 il suo primo centenario, il 2026 segna un traguardo altrettanto epocale: i 50 anni delle radio libere. In questo mezzo secolo, alcune di quelle piccole antenne sono diventate i network nazionali che oggi dominano l'etere. Ma il vero miracolo italiano risiede altrove: in quelle realtà che, pur restando legate al territorio, sono cresciute fino a diventare "Superstation". Emittenti che, grazie a una creatività mai sopita e a un costante aggiornamento tecnologico, hanno raggiunto ascolti ragguardevoli e una credibilità editoriale che non teme il confronto con i giganti nazionali.

Oggi la differenza tra chi sopravvive e chi resta indietro è dettata dalla capacità di governare la complessità. Software come MusicMaster e sistemi di monitoraggio come EarOne o Radiomonitor sono l'ossatura invisibile di ogni stazione di successo. Le metriche di Audiradio non sono solo numeri: sono la bussola per comprendere il proprio posizionamento in un ecosistema frammentato. Chi ha saputo professionalizzare il proprio lavoro, integrando il dato nella strategia editoriale, ha consolidato la propria posizione. La sfida che la radio locale affronta oggi non è più legata alla legittimità del mezzo, ma alla sua capacità di competere con le piattaforme digitali. L'automazione non è una minaccia, ma uno strumento. Il valore aggiunto — quello che trasforma un flusso di suoni in una radio che parla al proprio pubblico — rimane la competenza del curatore.

Il cinquantennale non deve essere solo una celebrazione del passato, ma un punto di partenza per analizzare come l'identità locale possa trasformarsi in valore economico di primo piano. Dopo mezzo secolo, la radio locale italiana non ha più bisogno di giustificazioni. Ha bisogno di una visione industriale chiara e della consapevolezza che, in un mercato globale, sono la qualità della programmazione e la precisione del posizionamento a decretare chi merita ancora di occupare l’etere.