Andare in tour, come ogni artista sa, è un gioco duro. L’incertezza è alta, i margini sono sempre più sottili e, una volta detratti dai ricavi piccoli lussi trascurabili come alloggio, cibo, trasporti, commissioni, crew e tasse, una data apparentemente interessante può rivelarsi in un’operazione molto meno redditizia del previsto. È dentro questa zona grigia che si inserisce GigLogic, una nuova piattaforma che si definisce una “gig intelligence platform” rivolta ad artisti, manager e professionisti dell’industria live dedicata ad aiutare chi sale sul palco a capire in anticipo se una performance porterà davvero margine.

GigLogic nasce da un’idea concreta: il cachet non coincide con il profitto. La piattaforma permette agli utenti di inserire i dettagli di una potenziale data, costruire profili di costo personalizzati e valutare i guadagni attesi prima di firmare contratti o confermare il booking. Sostituisce fogli di calcolo e stime approssimative con un processo standardizzato di valutazione economica.

Il posizionamento di GigLogic non coincide con quello dei software di tour management tradizionali - strumenti che aiutano a organizzare date già confermate con routing, calendario, contabilità, gestione operativa del tour. GigLogic prova invece a intervenire prima, nel momento della decisione: questa data va accettata o no? Anziché costruire il budget quando lo show è già in agenda, meglio chiedersi in anticipo se lo show abbia un senso economico.

Il funzionamento è lineare. L’utente inserisce il compenso previsto e le principali voci di costo, dalla trasferta agli hotel, dalle commissioni alle tasse, fino ad altre spese specifiche. Il sistema restituisce una proiezione del guadagno netto, aiutando l’artista o il manager a vedere ciò che spesso resta nascosto: non solo quanto paga una data, ma quanto “vale” davvero dopo tutti gli esborsi. Sul sito ufficiale, GigLogic sintetizza la promessa in tre passaggi: inserire i dettagli del concerto, scoprire l’effettivo profitto e decidere con maggiore sicurezza.

Il modello commerciale parte da una soglia gratuita. Il sito ufficiale prevede una formula free con uno show profile tre “gig checks”; il piano Core, a 19,99 dollari al mese o 199,99 dollari l’anno, offre gig check e show profile illimitati, tracciamento di ripartizioni, per diem, tasse e commissioni, salvataggio e comparazione delle date e storico consultabile. Il piano Touring, a 39,99 dollari al mese o 399,99 dollari l’anno, aggiunge funzioni più vicine alla gestione professionale dell’attività dal vivo: permette di raggruppare più date in un unico tour, valutarne l’andamento economico complessivo, inserire diverse forme di ricavo oltre al cachet fisso — come percentuali sugli incassi, compensi legati ai risultati, forfait e contributi —, confrontare scenari alternativi per la stessa data, calcolare i costi di attrezzatura e produzione, preparare riepiloghi economici di fine concerto, gestire i ricavi del merchandising e costruire liste di spesa personalizzate. È prevista anche una fascia superiore, Headliner, oggi in lista d’attesa, con funzioni avanzate: confronto tra previsioni e risultati effettivi, verifica tra accordi iniziali e consuntivi finali, previsioni sulle vendite di merchandising, raccolta della documentazione fiscale e proiezioni economiche mensili e annuali.

GigLogic è stata fondata da Craig A. Meyer e Gary Arbuthnot, entrambi con esperienza diretta di tournée. Meyer, secondo il sito ufficiale della piattaforma, è artista e produttore, con oltre 200 giorni l’anno in viaggio; il suo profilo è legato anche allo spettacolo “Almost Elton John” e include esperienze tra teatro, televisione, cinema, Broadway, tournée internazionali e collaborazioni con nomi come Barry Manilow e Frankie Valli. Gary Arbuthnot viene invece dalla musica strumentale. Flautista originario di Antrim, Irlanda del Nord, ha studiato alla Royal Academy of Music di Londra e alla McGill University di Montréal; ha suonato come primo flauto con Royal Liverpool Philharmonic, Opéra de Lyon e São Paulo State Symphony Orchestra, e secondo Viking.TV porta i suoi spettacoli in giro per il mondo dal 2002.

Questa provenienza spiega il tono del prodotto. GigLogic non nasce dal mondo del software, ma è uno strumento costruito da artisti che hanno sperimentato lo scarto tra occasioni promettenti sulla carta e risultati economici deludenti.

Quello di GigLogic è un piccolo caso che intercetta un tema più ampio: il concerto, che non è più soltanto la compensazione naturale al calo dei ricavi discografici, per molti artisti indipendenti è diventato un problema di margini. Resta centrale per costruire pubblico, identità, relazione e reddito, ma non basta suonare di più: bisogna capire quali date rischiano di bruciare cassa.

Chartmetric, in <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752074/chartmetric-lo-studio-gli-artisti-sempre-meno-in-tour">un’analisi del maggio 2025</a>, ha descritto un mercato delle tournée segnato da costi di viaggio e alloggio in aumento, vendite di biglietti più deboli e regole sui visti più restrittive, con una contrazione visibile anche tra artisti di fascia media e superstar. Tra i primi 1.000 artisti analizzati per fase di carriera, la quota di artisti di fascia media con almeno dieci concerti l’anno scende dal 19% circa al 12%; tra le superstar, dal 44% al 36%.

Il Regno Unito è uno dei casi più chiari. Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/music-venue-trust-485719">Music Venue Trust</a>, nel suo Annual Report 2025, descrive un settore dei piccoli locali dal vivo che contribuisce per oltre 500 milioni di sterline all’economia britannica, ma resta fragile, con margini medi del 2,5%. Più della metà dei locali, il 53%, non ha registrato profitti nel 2025; nello stesso anno 30 spazi hanno chiuso definitivamente e 175 città, per una popolazione stimata di 25 milioni di persone, non ricevono più regolarmente tournée di artisti professionisti.

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Quando un concerto conviene davvero? Lo calcola GigLogic

Industria

Una piattaforma di “gig intelligence” per stimare il profitto reale di una data prima di accettarla

Nel secondo trimestre del 2026 Live Nation ha registrato ricavi per 7,7 miliardi di dollari, in aumento su base annua del 9%, con un utile operativo netto pari a 522 milioni di dollari (a +7% su base annua).

La divisione dedicata al live promoting della multinazionale americana ha contribuito al bilancio per 6,4 miliardi di dollari (+8% su base annua), grazie a un totale di 49 milioni di presenze ai propri spettacoli (in aumento del 10% su base annua a livello generale, e del 20% in “stadi, arene e festival” internazionali). “L'accessibilità economica rimane una priorità fondamentale, con aumenti di prezzo a una cifra bassa o media per stadi, arene e anfiteatri, e con aumenti dei prezzi dei biglietti d'ingresso negli Stati Uniti che continuano a essere inferiori all'inflazione negli ultimi cinque anni”, ha chiarito l’azienda, che prevede di chiudere l’anno in linea con i dati emersi al giro di boa del primo semestre.

Ticketmaster, la divisione dedicata alla biglietteria di Live Nation, ha registrato un aumento nel fatturato del 15% su base annua, a quota 852 milioni di euro: complessivamente, sono stati venduti 90 milioni di biglietti (+8% su base annua). Fuori dagli Stati Uniti, la crescita nel volume di biglietti staccati ha compiuto un balzo in avanti del 12% (e un valore lordo delle transazioni in crescita del 20%), “trainata dalla forte crescita in Sud America”. Il volume lordo delle vendite generale è aumentato del 15%, superando i 10 miliardi di dollari.

La divisione dedicata alle sponsorizzazioni, Live Nation Sponsorship, nel secondo trimestre del 2026 ha incassato 383 milioni di dollari, in crescita del 12% su base annua grazie al traino dei festival internazionali, che hanno contribuito per il 70% alla crescita.

“In un mondo di schermi ovunque e di intelligenza artificiale, l'unica cosa che non si può copiare è la presenza fisica”, ha commentato Michael Rapino, Presidente e CEO di Live Nation: “Più artisti che mai sono in tour e i fan continuano a scegliere di essere fisicamente con loro, alimentando le vendite di biglietti per concerti più elevate di sempre. Oltre 143 milioni di biglietti sono stati venduti entro metà luglio, più di 14 milioni in più rispetto allo scorso anno, con una crescita delle vendite a due cifre in tutte le tipologie di grandi location: stadi, arene e anfiteatri. Niente di tutto questo sarebbe possibile senza gli artisti: sono loro a creare questi momenti, e siamo grati a ogni artista e membro dello staff che si affida a noi per i loro tour”.

“Questo è stato un trimestre ricco di traguardi: quasi 49 milioni di fan hanno assistito ai nostri spettacoli, Ticketmaster ha registrato una crescita del 14% dell'utile operativo rettificato e i ricavi differiti, ai massimi storici, fanno presagire un secondo semestre positivo”, ha concluso Rapino: “L'accantonamento legale del primo trimestre inciderà sull'utile operativo dichiarato, ma restiamo sulla buona strada per una crescita a doppia cifra dell'utile operativo rettificato quest'anno e per mantenere questo livello di crescita negli anni a venire".

Live Nation, nel secondo trimestre 2026 ricavi a +9%

A quota 7,7 miliardi di dollari, con le vendite di biglietti al massimo storico

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Sony Music&nbsp;ha chiuso il trimestre fiscale terminato il 30 giugno con ricavi in aumento del 20% su base annua a 562 miliardi di yen, pari a 3,53 miliardi di dollari, diventando la seconda attività del gruppo per fatturato dopo Games &amp; Network Services. A sostenere il risultato sono stati la crescita dello streaming e dei ricavi da live, merchandising e vendite fisiche, insieme alla performance del catalogo e delle uscite di artisti come Michael Jackson, Ella Langley, Bad Bunny, Raye, SZA e Peso Pluma con Tito Double P. Alla luce del trimestre, Sony Music&nbsp;ha alzato le stime per l'intero esercizio: ora prevede circa 2,2 trilioni di yen di ricavi e 420 miliardi di yen di utile operativo per il business musicale.

Nel dettaglio, i ricavi dello streaming nella divisione della musica registrata&nbsp;sono saliti del 21% a 237,1 miliardi di yen, mentre le altre entrate del ramo d'azienda — che includono supporti fisici, download, live e merchandising — sono cresciute del 36% a 143,9 miliardi; dentro questa voce, il fisico è aumentato del 14% a 30 miliardi. La divisione editoriale della major ha segnato un +17,5% a 116 miliardi di yen. L'utile operativo è cresciuto del 14% a 105,9 miliardi di yen e l'OIBDA di quasi il 15% a 134 miliardi. Come riferito da Billboard USA Sony ha inoltre comunicato di aver completato il 15 luglio l'acquisizione di una società di diritti musicali non nominata e di aver acquisito circa 550 miliardi di yen in cataloghi musicali, con una struttura finanziata da cassa, debito a lungo termine e un contributo di terzi, per un prezzo complessivo della transazione di circa 3,9 miliardi di dollari.

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Nel trimestre chiuso a giugno la divisione cresce del 20% con un balzo dello streaming a +21%

Sony Music, nel Q2 2026 ricavi a 3,53 miliardi

Con una sentenza destinata ad orientare i prossimi passi di settore tecnologico, filiera creativa e istituzioni, il tribunale di Monaco di Baviera ha riconosciuto Suno colpevole di violazione del diritto d’autore nella causa intentata dalla principale collecting tedesca, GEMA: la corte regionale della capitale bavarese, riferisce l’agenzia Reuters, ha imposto all’azienda con quartier generale a Cambridge, Massachusetts, di corrispondere alla controparte querelante un risarcimento che sarà quantificato in base ai ricavi considerati illeciti dal verdetto. Suno, che attraverso una nota ha (ovviamente) fatto sapere di non essere d’accordo con i giudici tedeschi e di “valutare tutte le opzioni disponibili”, potrà ricorrere in appello. Al contrario, per Tobias Holzmueller, CEO di GEMA, quella del tribunale di Monaco è una “sentenza dalla rilevanza globale”.

La vertenza tra la collecting tedesca e l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757295/suno-ai-supera-quota-2-milioni-di-utenti-paganti">azienda leader sul mercato della GenAI musicale</a> <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757553/gema-contro-suno-germania-caso-copyright-musica-ai">aveva preso il via lo scorso 10 marzo</a>. Da una parte, GEMA sosteneva che l’impiego di repertorio protetto nei dataset di addestramento di Suno dovesse dare diritto alla collecting di riscuotere compensi anche sulle tracce generate. Dall’altra, per Suno, i brani creati ex novo dagli algoritmi del proprio modello generativo, non copiando direttamente opere specifiche, non richiederebbero pagamenti a terzi aventi diritto.

La reazione di GEMA

“La creatività umana è il fondamento di tutta l'intelligenza artificiale generativa”, ha spiegato, in una nota diffusa dopo la sentenza, Holzmüller: “Senza gli esseri umani, l'intelligenza artificiale non è nulla. La Corte, oggi, ha chiarito che i modelli di AI basati sul furto di proprietà intellettuale non sono protetti dalla legge. I fornitori di intelligenza artificiale devono acquisire licenze [come quella <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760359/ai-gema-lancia-plai-by-gema-dataset-training-autorizzato">presentata ai mercati dalla stessa GEMA appena qualche giorno fa</a>, ndr] e non possono utilizzare gratuitamente le opere dei nostri membri. In tal modo, la Corte ha rafforzato significativamente la posizione dell'Europa come polo culturale. Se i sistemi vengono gestiti in Europa, è possibile intraprendere azioni legali anche presso i tribunali europei. Questo è fondamentale per l'applicazione della legge”.

“Questa sia solo la punta dell'iceberg”, ha aggiunto Kai Welp, consulente legale di GEMA: “E’ molto incoraggiante il modo in cui la situazione legale viene valutata negli Stati Uniti e il fatto che possiamo intentare cause a Monaco indipendentemente da dove avvenga l'addestramento. Questo è un enorme passo avanti per i creator. Tuttavia, per far valere efficacemente i nostri diritti e impedire ai fornitori di trasferirsi in paesi con leggi sul diritto d'autore sfavorevoli, avremo bisogno anche del supporto dei legislatori europei”.

“Oggi è un giorno significativo per i creatori di musica di tutto il mondo”, ha concluso Ralf Weigand, presidente del consiglio di sorveglianza di GEMA: “Questa sentenza invia un forte segnale internazionale: la creatività ha valore e i diritti degli autori e dei creatori rimangono validi anche nell'era dell'intelligenza artificiale. GEMA ha stabilito un importante precedente non solo per i suoi oltre 100.000 membri, ma per i professionisti creativi di tutto il mondo. Il fatto che ora possiamo far valere i nostri diritti anche negli Stati Uniti, tra gli altri Paesi, dà slancio e speranza ai creatori di musica in un momento di profondo cambiamento”.

La replica di Suno

“Abbiamo creato Suno attorno a un principio fondamentale: dare a tutti la possibilità di provare la gioia di fare musica”, ha spiegato l’azienda in una nota consegnata alla stampa internazionale: “I nostri strumenti offrono a chiunque la possibilità di creare nuove canzoni, che si tratti di artisti affermati, sviluppatori di prodotti, autori che utilizzano i nostri strumenti nei loro flussi di lavoro o semplici appassionati di musica. Fin dall'inizio, abbiamo addestrato i nostri modelli a creare nuove canzoni, non a riprodurre quelle esistenti, e abbiamo integrato delle protezioni nella nostra piattaforma. Non condividiamo la sentenza odierna, che si basa su una fondamentale errata interpretazione del funzionamento della tecnologia di Suno, del suo utilizzo e dell'applicazione della legge statunitense, e stiamo valutando tutte le opzioni disponibili, incluso il ricorso in appello”.

Le implicazioni

Benché, per il momento, si tratti solo di una sentenza di primo grado, la decisione del tribunale di Monaco aggiunge un tassello importante al tema che più di ogni altro, da ormai due anni a questa&nbsp;parte, sta tenendo occupata l’industria musicale globale. Più ancora che quello di Monaco, dirimente per i futuri rapporti tra filiera creativa e settore tecnologico è <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759209/sony-music-e-universal-music-si-intensifica-la-causa-contro-suno">il processo che si sta celebrando presso il District Court of Massachusetts, che vede contrapposte a Suno Universal Music e Sony Music</a>: l’eventuale non riconoscimento del principio di fair use nell’utilizzo di materiale coperto da copyright per il training del proprio modello generativo porterebbe il modello sul quale è basata l’operatività della piattaforma all’implosione, e di conseguenza&nbsp;a una profonda revisione dell'accordo dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755630/come-l-accordo-con-suno-coinvolgera-gli-artisti-di-warner-music">accordo con Warner Music</a>, a oggi l’unica major ad aver siglato un accordo con Suno.

La decisione presa oggi dal tribunale di Monaco senz’altro esclude il servizio di GenAI fondato da Mikey Shulman da quelli “autorizzati” a contribuire alla creazione di opere ammissibili alle classifiche di vendita a livello internazionale: secondo le linee guida diffuse ieri da IFPI (e adottate anche da FIMI), tra i requisiti indispensabili affinché una registrazione possa essere considerata candidabile all’ingresso nelle chart c’è che l’eventuale modello di GenAI utilizzato per realizzarla possa essere considerato “<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760179/classifiche-la-policy-di-fimi-verso-l-ai-e-contro-i-fake-stream">debitamente autorizzato e lecito</a>”. Status che, almeno per il momento, a Suno è stato negato dalla giustizia tedesca.

GEMA sconfigge Suno in tribunale

Per la giustizia tedesca la GenAI americana è colpevole di violazione del diritto d’autore

Exhibo, distributore italiano ufficiale di Neumann, ha annunciato l'arrivo di un nuovo modello esclusivo di U 47 fet, lo storico microfono a condensatore a diaframma del marchio tedesco, prodotto per omaggiare Bon Scott, frontman degli AC/DC.

La Bon Scott Edition di Neumann sarà una produzione limitata a soli 300 pezzi in tutto il mondo, pensata come strumento di registrazione, ma soprattutto "come una forma di tributo ad un'epoca fondamentale della musica rock".

L'iniziativa, realizzata in collaborazione con Bon Scott Real Estate, prevede che parte dei proventi di questa edizione vengano donati a Support Act Australia al fine di aiutare artisti e professionisti della musica in difficoltà.

Neumann celebra Bon Scott con un microfono in edizione limitata 

La versione speciale dedicata al frontman degli AC/DC sarà prodotta in soli 300 esemplari

(<a href="https://www.rockol.it/news-760382/artist-included-l-ai-che-vuole-rifare-i-master-parte-1">leggi la prima parte</a>)

Streaming, cataloghi, eredi

L’ascolto domestico su Spotify o Apple Music non è il terreno principale della questione. Il consumo casuale potrebbe continuare a privilegiare l’originale. Ma il mercato professionale può ragionare in modo diverso. Un supervisor musicale, un brand, una produzione audiovisiva, una piattaforma di gaming o un’agenzia pubblicitaria potrebbero essere interessati a una nuova registrazione ufficiale se offrisse modalità di clearance più semplici, maggiore disponibilità, controllo diretto dell’artista, condizioni economiche diverse o una qualità tecnica più adatta a determinati usi.

In questo senso, Artist Included si inserisce nella trasformazione più ampia del catalogo musicale da archivio a materia prima. Negli ultimi anni i cataloghi sono stati comprati, finanziarizzati, cartolarizzati, analizzati come asset, sfruttati in sync, brand partnership, biopic, documentari, musical, social e gaming. L’AI aggiunge un nuovo passaggio: non solo monetizzare il catalogo esistente, ma generare versioni derivate, approvate e potenzialmente proprietarie, capaci di convivere con l’originale e aprire nuove linee di sfruttamento.

La parola chiave, però, resta: approvazione. Senza consenso dell’artista, il modello scivola nel territorio più contestato dell’AI musicale. Con il consenso, si apre un’altra conversazione: chi possiede la voce? Chi può autorizzare una versione nuova? Chi controlla il master derivato? Chi partecipa ai ricavi? Come si distinguono restauro, nuova performance, clone, simulazione e reinterpretazione? Quali diritti vengono coinvolti: master, publishing, immagine, nome, voce, likeness, diritti morali, diritti di publicity? Artist Included prova a dare una risposta industriale prima ancora che teorica: si parte dall’artista, si chiariscono i diritti, si produce un nuovo master, si monetizza il nuovo asset.

La partnership con BMG nel caso Boy George è importante anche per questo. BMG ha costruito negli anni un posizionamento molto attento ai diritti degli artisti e alla gestione moderna dei cataloghi. La presenza di un partner discografico strutturato aiuta Artist Included a non apparire come un semplice esperimento tech, ma come una proposta che cerca legittimazione dentro l’industria musicale tradizionale. Per una startup AI è un fattore decisivo. La tecnologia da sola non basta: servono diritti, fiducia, distribuzione, relazioni con gli artisti, credibilità presso management e label.

Il modello può interessare anche le “artist estate”, ossia enti o istituzioni che ne amministrano l’eredità e gli asset. Nel caso di artisti scomparsi, però, il terreno si fa scivoloso. Artist Included parla di artisti ed estate come potenziali interlocutori, ma la questione cambia se l’artista non può più registrare una nuova performance o approvare direttamente il risultato. È un punto in cui il confine tra valorizzazione, restauro e simulazione diventa ancora più fragile. Il caso Boy George è più difendibile proprio perché l’artista è vivo, coinvolto e vocalmente presente. È un banco di prova relativamente sicuro per presentare la filosofia della società.

Se il modello dovesse allargarsi, le possibilità sono molte. Un artista potrebbe incidere una nuova versione della propria hit con una vocalità attuale, poi usare l’AI per recuperare caratteristiche timbriche di un periodo storico specifico. Potrebbe produrre versioni multilingua mantenendo una coerenza vocale più forte. Potrebbe creare take alternative per film e trailer. Potrebbe autorizzare remix costruiti su una voce restaurata. Potrebbe generare una versione adatta a Dolby Atmos o a esperienze immersive. Potrebbe creare pacchetti sync più flessibili, con master nuovi e condizioni più favorevoli.

Ma ogni passaggio porta con sé una domanda di autenticità. La musica pop vive di memoria, ma anche di imperfezione. Una voce storica non è solo un timbro: è età, corpo, fraseggio, limite, epoca, tecnologia di registrazione, contesto culturale.

Un equilibrio complesso

Artist Included dovrà quindi individuare un equilibrio difficile: usare l’AI abbastanza da creare valore, ma non così tanto da far sembrare il risultato quasi una maschera.

La promessa “artist-first” andrà verificata nei fatti. Significa contratti trasparenti? Quote favorevoli agli artisti? Controllo creativo finale? Diritto di veto? Possesso del nuovo master? Partecipazione al publishing se la nuova versione modifica elementi creativi? Revenue share sui diversi canali? Chiarezza verso il pubblico sul ruolo dell’AI? Sono tutte questioni centrali. Il posizionamento etico è forte, ma in un settore abituato a parole come “artist-friendly” e “creator-first”, la sostanza sarà nei dettagli contrattuali.

Resta, però, il dato più interessante: Artist Included sposta la discussione sull’AI musicale dal terreno della produzione anonima a quello della rinegoziazione del valore. Si chiede che cosa può fare un artista con la propria voce, il proprio repertorio e la propria legacy se dispone di strumenti tecnologici nuovi invece di chiedersi solo quante canzoni può generare una macchina. È un cambio di prospettiva importante. Non AI contro artisti, almeno nella narrazione della società, ma AI come leva per artisti che vogliono riaprire il proprio catalogo.

Artist Included: l’AI che vuole rifare i master (parte 2)

Con Boy George e BMG, la startup testa nuovi master approvati dagli artisti

Artist Included nasce nel punto più sensibile del dibattito tra musica e intelligenza artificiale: la voce degli artisti. Il suo posizionamento è l’opposto di quello più ovvio (materia da clonare senza consenso o scorciatoia per produrre brani apocrifi o sostituto sintetico della performance originale). La startup, invece, punta a usare l’AI per aiutare artisti e cataloghi storici a creare nuove registrazioni approvate, controllate e potenzialmente monetizzabili dagli stessi creatori.

Il caso di lancio ha coinvolto una canzone immediatamente riconoscibile: “Karma Chameleon” dei Culture Club. Boy George ha registrato una nuova versione del brano, realizzata con il supporto tecnologico di Artist Included e distribuita in partnership con BMG. La società insiste su un punto decisivo: non si tratterebbe di una registrazione sintetica costruita artificialmente sostituendo l’artista, ma di una nuova performance vocale registrata da Boy George, con l’AI utilizzata per sostenere il processo produttivo, migliorare il risultato finale e recuperare alcune qualità riconoscibili della voce legata all’immaginario originale del brano.

Nel pieno della diffidenza verso la musica generata dall’intelligenza artificiale, la società si propone come un’infrastruttura progettata per riportare gli artisti dentro il valore dei loro cataloghi. È qui che Artist Included prova a costruire la propria differenza, riproponendo l’AI può come uno strumento di riappropriazione anziché di appropriazione indebita.

Nuovo master? Includere l’artista

Nomen omen, si direbbe: Artist Included serve a fissare il posizionamento, con l’artista che deve essere incluso sempre e comunque: nel processo creativo, nella decisione, nei diritti, nel valore economico generato da nuove registrazioni di repertori già conosciuti. Si prendono le distanze dal lato più tossico della nuova AI musicale, quello delle voci clonate, delle tracce non autorizzate, dei deepfake sonori, delle versioni “alla maniera di” prodotte senza controllo dei titolari della voce, dell’immagine o del catalogo.

La promessa rivolta ad artisti e a chi ne gestisce le estate è ambiziosa: riprendere controllo sulla propria voce, reimmaginare brani iconici e monetizzare nuove versioni attraverso canali diversi. Non solo streaming, quindi, ma anche sync, trailer, gaming, contenuti social, TikTok, Dolby Atmos, formati immersivi, versioni multilingua, remix, direct-to-fan, vinili esclusivi e operazioni da collezione. La logica è quella di creare un nuovo master, approvato dall’artista, capace di vivere in mercati dove il master originale può essere troppo costoso, troppo vincolato, troppo datato, non disponibile o non controllato dall’artista.

Un po’ Swifty

La prima operazione pubblica, “Karma Chameleon (Artist Included)”, serve quindi come manifesto. Da una parte c’è il richiamo emotivo di una hit globale degli anni Ottanta. Dall’altra c’è una questione molto concreta: cosa può fare oggi un artista heritage se non controlla pienamente i master storici, ma possiede ancora voce, identità, immagine, repertorio, fan base e capacità di approvare nuove versioni? Artist Included prova a rispondere costruendo master alternativi, ufficiali, autorizzati, potenzialmente sfruttabili come nuovi asset.

Il parallelo più immediato, anche se non perfetto, è quello con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-726350/taylor-swift-red-master-vecchi-dischi-universal-modifica-contratti">il modello “Taylor’s Version”</a>. Taylor Swift trasformò la ri-registrazione del proprio catalogo in una battaglia di controllo, una strategia di fan engagement e un’operazione economica di enorme successo. Artist Included sembra voler portare quella logica verso un territorio diverso: non più la popstar contemporanea con una fanbase mobilitata e una narrazione pubblica potentissima, ma artisti legacy, cataloghi storici, voci iconiche e canzoni che hanno già una vita lunga alle spalle.

Se nel caso Swift la ri-registrazione venne sostenuta da una comunità di fan attiva, da un conflitto pubblico chiarissimo e da un repertorio ancora centrale nel consumo pop contemporaneo, per molti artisti heritage il meccanismo è più complicato. Il pubblico può essere più legato alla registrazione originale. La nuova versione rischia di sembrare superflua. L’operazione può essere percepita come puramente economica. La sfida di Artist Included sarà dimostrare che questi nuovi master non sono copie lucidate o ringiovanite di hit storiche, ma versioni con una ragione artistica, tecnologica e commerciale autonoma.

Tech

La tecnologia è uno dei punti centrali del progetto. Il partner tecnico è Syntiant, società californiana specializzata in AI fisica ed edge AI. Il lavoro descritto intorno ad Artist Included combina machine learning e audio processing per separare, restaurare, migliorare e supportare performance vocali registrate dagli artisti. In concreto, la tecnologia può lavorare su processi di de-mixing, isolamento delle parti vocali e strumentali da registrazioni legacy, restauro della voce, modellazione del timbro, recupero di caratteristiche tonali ed espressive legate a una determinata fase della carriera di un artista.

Il punto delicato è la linea tra restauro e sostituzione. Artist Included e Syntiant insistono sul fatto che, nel caso “Karma Chameleon”, la base del processo sia una nuova performance registrata da Boy George. L’AI aiuterebbe a catturare alcune qualità tonali riconoscibili, ma senza sostituire fraseggio, emozione e intenzione dell’artista. È una distinzione importante, perché consente alla startup di posizionarsi nel campo dell’AI assistita e autorizzata, non in quello della clonazione vocale generativa non consensuale.

Questa distinzione sarà probabilmente decisiva per la credibilità del modello. Il pubblico accetta con più facilità una tecnologia che migliora, restaura o rilegge una performance reale. Diventa molto più sospettoso quando percepisce che la macchina sta simulando un artista al posto dell’artista. Artist Included prova a stare dalla parte più difendibile del confine: nuova registrazione, consenso dell’artista, controllo creativo, trasparenza del processo, diritti chiariti, partecipazione economica del creator.

La compagine

I fondatori sono Paul “PK” Kemsley, imprenditore e manager di Boy George, e Jeremy Rosen, entertainment attorney e produttore cinematografico. La struttura del team è ibrida tra intrattenimento, management, diritto, capitale e tecnologia – non assomiglia a quella della tipica startup tecnologica. Artist Included ha nominato Robert Earl, fondatore di Planet Hollywood, chairman del board e nel gruppo figurano anche Kurt Busch, CEO e co-fondatore di Syntiant; Antony Antoniou, legato alla capital strategy e agli investimenti; Rob Guthrie, con esperienza nel mondo discografico ed editoriale; e Patryk Strojny, ex McKinsey.

Anche gli investitori comunicati aiutano a capire l’ambizione. Figurano Mike Walsh, descritto come investitore iniziale in Uber e Salesforce, Doug Raetz, co-presidente di Cresset Sports and Entertainment, e Red Light Management, una delle maggiori società indipendenti di artist management. La presenza di Red Light è particolarmente significativa: se il modello funziona, il bacino naturale si estende da quello delle major o dei fondi cataloghi al management artistico (chi rappresenta direttamente gli artisti e può proporre nuove forme di valorizzazione del repertorio).

Il modello

La tesi industriale dichiarata da Kemsley è semplice: per decenni gli artisti hanno creato la colonna sonora della vita di milioni di persone, mentre una parte rilevante del valore di lungo periodo si è spostata lontano dai creatori originali. Artist Included nasce per intervenire su quella frattura. Non per sfruttare vecchi cataloghi, almeno nella sua narrazione, ma per crearne di nuovi: nuovi master, nuove versioni, nuovi asset, nuove possibilità di monetizzazione, con l’artista al centro.

Jeremy Rosen formula la stessa idea dal lato dell’AI: il futuro dell’intelligenza artificiale nella musica deve mettere gli artisti al centro creativamente, eticamente ed economicamente. Non è solo una questione morale. È anche una questione di mercato. Dopo le polemiche sulle voci clonate e sui training dataset non autorizzati, una parte dell’industria musicale cerca modelli AI compatibili con consenso, licenze, clearance, controllo dei diritti e partecipazione economica. Artist Included entra esattamente in quello spazio.

Il caso Boy George consente di rendere il discorso meno astratto. “Karma Chameleon” è una hit enorme, con una vita commerciale che supera di molto la sua epoca di uscita. Ma proprio le canzoni di questa portata possono generare tensioni sulla disponibilità del master, sulle licenze, sulle utilizzazioni pubblicitarie, sul sync, sui rapporti tra artista, label, editori e detentori dei diritti. Il punto industriale resta evidente: se l’artista non controlla pienamente il master storico, una nuova registrazione approvata può diventare uno strumento per rientrare nella catena del valore.

Da qui la possibile forza del modello. Artist Included non ha bisogno di convincere il pubblico che la nuova versione debba sostituire l’originale. L’originale resta l’originale. Il valore del nuovo master può stare altrove: nella possibilità di essere licenziato per uno spot, sincronizzato in un film, usato in un trailer, adattato a un videogame, trasformato in versione Atmos, localizzato in altre lingue, remixato per mercati specifici, inserito in una campagna brand, venduto in edizione fisica limitata, distribuito come contenuto direct-to-fan o utilizzato in contesti dove l’artista vuole avere maggiore controllo.

Il target dichiarato di Artist Included sono artisti “leggendari” con carriere dagli anni Sessanta ai Duemila. È un perimetro interessante, attraversa generazioni diverse di cataloghi. Gli artisti degli anni Sessanta e Settanta possono avere enormi problemi di controllo dei master e repertori ancora molto richiesti da cinema, pubblicità e documentari. Gli artisti degli anni Ottanta e Novanta hanno brani iconici spesso efficaci in termini di sync e nostalgia marketing. Quelli dei Duemila parlano a pubblici più giovani, ancora attivi sulle piattaforme social, e dispongono di un repertorio più vicino alla grammatica contemporanea dello streaming.

Esiste spazio per una nuova versione ufficiale, approvata, tecnologicamente assistita e commercialmente utile di una canzone già nota? Le prime reazioni pubbliche al caso “Karma Chameleon” mostrano anche un lato critico e non sono mancati commenti scettici e osservatori che hanno letto l’operazione come un esercizio economico più che artistico. È una reazione prevedibile. Una parte del pubblico non chiede una versione nuova. Questo è il rischio principale per Artist Included: l’effetto gimmick. Se le nuove versioni sembrano soltanto riedizioni AI di canzoni famose, il modello può bruciarsi rapidamente. Se appaiono come operazioni di maquillage tecnologico, il pubblico può respingerle. Se invece riescono a creare master alternativi credibili, autorizzati, utili e ben prodotti, possono diventare un tassello importante nella nuova economia dei cataloghi.

(<a href="https://www.rockol.it/news-760383/artist-included-l-ai-che-vuole-rifare-i-master-parte-2">continua</a>)

Artist Included: l’AI che vuole rifare i master (parte 1)

Nel primo semestre del 2026 il fatturato di Universal Music Group è cresciuto del 10,5% su base annua, grazie - ha precisato la major in una nota - “al <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757164/universal-music-completata-l-acquisizione-di-downtown">consolidamento di Downtown Music Holdings</a>, ai vantaggi in termini di prezzi derivanti dagli accordi Streaming 2.0, alle solide vendite di supporti fisici, licenze e altri prodotti, nonché ai buoni ricavi derivanti dalle pubbliche esecuzioni, che sono tra i principali fattori che hanno contribuito alla crescita nel settore della musica registrata e dell'editoria musicale”.

I ricavi generati dalla divisione discografica del gruppo sono cresciuti del 6,8% su base annua, mentre quelli ascrivibili alla divisione editoriale sono cresciuti del 3,8% su base annua: entrambi i rami d’azienda hanno beneficiato dall’acquisizione di Downtown, mentre i ricavi derivanti da merchandising e da altre attività sono diminuiti del 12,1%.

I ricavi generati dagli abbonamenti a pagamento alle piattaforme digitali sono cresciuti del 9,0% su base annua per la divisione dedicata alla musica registrata, mentre quelli riferiti alle utenze streaming freemium sono cresciuti del 2,4% su base annua.

L'EBITDA rettificato - attestatosi a quota 1,31 miliardi di euro - è diminuito dell'1,9% su base annua, ma è aumentato del 2,7% a valuta costante, con una contrazione del margine EBITDA rettificato di 1,6 punti percentuali al 21,1%, principalmente a causa dell’acquisizione di Downtown.

Nel primo semestre del 2026 i costi di produzione sono aumentati a 577 milioni di euro rispetto ai 546 milioni di euro del primo semestre dell’anno precedente, rimanendo costanti in percentuale sul fatturato al 9,3%. Escludendo Downtown, i costi di produzione sono cresciuti al 9,8% del fatturato nel primo semestre del 2026 a causa di una maggiore incidenza delle vendite fisiche, nonché dei costi associati ai ricavi da eventi dal vivo e correlati e ai ricavi audiovisivi.

"Stiamo realizzando il nostro piano strategico e lavorando per affinare ulteriormente la nostra capacità di esecuzione, capitalizzando al contempo sulle opportunità offerte dalle nuove tecnologie e dall'ecosistema musicale in continua evoluzione”, ha dichiarato Lucian Grainge, Presidente e CEO di UMG: “La nostra combinazione unica di portata globale, competenza locale, sviluppo artistico, vasta proprietà intellettuale audio e video e cultura imprenditoriale posiziona UMG in modo da garantire crescita a lungo termine, creazione di valore sostenibile e successo creativo e commerciale per i nostri artisti e autori”.

"Il nostro obiettivo è consolidare la nostra leadership di mercato, promuovendo al contempo la crescita del fatturato e degli utili, migliorando l'efficienza e continuando a investire dove vediamo i maggiori rendimenti”, ha aggiunto Matt Ellis, CFO di UMG.

Per quanto riguarda il secondo trimestre 2026, i ricavi della divisione discografica di Universal Music sono cresciuti del 13,1% su base annua, per un totale pari a 2,5 miliardi di euro, mentre quelli della divisione editoriale sono cresciuti dell’8,1% su base annua, toccando quota 616 milioni di euro.

Universal Music, nel primo semestre 2026 ricavi a +10,5%

A quota 3,294 miliardi di euro: a dare la spinta l’acquisizione di Downtown. E…

Due importanti sigle di rappresentanza dell’editoria musicale internazionale, Impel e IMPF, stanno esplorando le potenzialità di Sureel AI, piattaforma identificazione e tracciamento di contenuti negli output dei modelli di intelligenza artificiale generativa <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/sureel-ai-511481">acquisita lo scorso giugno da Warner Music</a>: le due entità offriranno a Sureel un “repertorio selezionato in un ambiente sicuro e chiuso” per verificare che il sistema sia in grado di “garantire un equo compenso per autori ed editori musicali” per l’utilizzo di opere coperte da diritto d’autore nei processi di training dei modelli generativi.

"In questo momento non c'è passo più importante che per le organizzazioni di autori ed editori musicali testare in prima persona la tecnologia di attribuzione", ha dichiarato Tamay Aykut, CEO di Sureel AI, a proposito del "progetto congiunto di sperimentazione": “Gli editori indipendenti e i loro autori non dovrebbero dover credere ciecamente a nessuno: dovrebbero poter visionare e verificare direttamente le prove”.

Impel e IMPF ‘mettono alla prova’ Sureel AI

Con l’obiettivo di stanare violazioni di copyright nel training dei modelli di GenAI

NUOVO IMAIE ha ufficialmente pubblicato le graduatorie relative al <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758240/nuovoimaie-lancia-bando-formazione-per-l-insegnamento-musicale" target="_blank">Bando Formazione Musica 2026</a>.

L'iniziativa, che mira a sostenere il percorso musicale di giovani e giovanissimi, pone il focus sull'azione didattica e sul potenziamento delle soft skills, fondamentali per incrementare le capacità di adattamento dei ragazzi all'interno di contesti sociali più ampi.

La commissione esaminatrice ha valutato le domande inviate, attribuendo ai progetti vincitori un contributo fino a un massimo di 12.500 euro. Eventuali avanzi verranno stanziati per il Fondo dell'anno successivo.

La graduatoria è consultabile liberamente sul sito ufficiale di NUOVO IMAIE a <a href="https://www.nuovoimaie.it/wp-content/uploads/2026/07/GRAUDATORIA-BANDO-FORMAZIONE-MUSICA-2026.pdf" target="_blank">questo indirizzo</a>.

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NuovoIMAIE, pubblicata la graduatoria del Bando Formazione 2026

L'iniziativa con un fondo da 500.00 mila euro per l'insegnamento musicale

Audacia, società di servizi per artisti ed etichette fondata da Luca Stante, ha annunciato il potenziamento di Growth, tool di data analysis basato sul sistema Celia: “in risposta alle esigenze emerse dal confronto con etichette e artisti in questi anni”, la società ha annunciato l’introduzione di due nuovi strumenti nella propria offerta.

“Il primo servizio risponde alla necessità degli artisti di incrementare o mantenere i propri fan”, ha spiegato Audacia in una nota: “Growth sviluppa una strategia dedicata, uno storytelling e un calendario trimestrale di contenuti promozionali, molto apprezzato dagli artisti. Il piano può essere integrato con advertising, influencer marketing, sentiment analysis e collaborazioni con community influenti. L’obiettivo è incrementare i follower organici e convertirli in fan”.

“Il secondo - prosegue l’azienda - aiuta le label a trasformare il catalogo in un asset dinamico, adattato alle attuali preferenze degli appassionati di musica per ogni genere musicale, fornendo una strategia di pubblicazione per compilation, playlist e video di breve o lunga durata. Il team di Audacia serve l’etichetta anche nella produzione e nella pubblicazione dei contenuti, consentendo di valorizzare il repertorio oltre la semplice trasposizione del catalogo fisico”.

“L’intelligenza artificiale deve essere uno strumento al servizio dell’uomo, mai un concorrente dell’uomo”, ha dichiarato Stante: “Growth è un modello sviluppato dal 2021 quando di intelligenza artificiale ancora non parlava nessuno, nel quale dati, intelligenza artificiale e competenze umane sono state utilizzate con successo per trasformare le opportunità del mercato digitale in percorsi di crescita concreti e misurabili”.

Audacia, annunciato un potenziamento di Growth

Al servizio basato sul sistema Celia si aggiungono due nuove funzionalità

Achille Lauro sarà il protagonista del Grand Opening Show delle Nitto ATP Finals 2026, in programma giovedì 12 novembre presso l'Inalpi Arena di Torino. L'artista sarà sul palco alle ore 21.00 per l'apertura della terza edizione dell'evento inaugurale che precede il torneo.

I biglietti per l'evento saranno disponibili dalle ore 12.00 di giovedì 30 luglio sul sito ufficiale delle Nitto ATP Finals. Per i tesserati FITP sono previste delle condizioni agevolate, con uno sconto esclusivo del 20% per i possessori delle tessere Atleta e Gold e uno sconto del 5% per i tesserati eSports.

Lauro, con centinaia di milioni di streaming e una carriera in continua evoluzione, rappresenta una delle personalità più influenti della scena musicale italiana. Dopo un 2026 pieno di concerti sold out, in vista del tour negli stadi programmato per il 2027, salirà sul palco dell'Arena di Torino per inaugurare una serata all'insegna dello sport.

"Il Grand Opening Show rappresenta il momento inaugurale delle Nitto ATP Finals: una serata pensata per celebrare l’inizio del torneo più prestigioso della stagione, unendo spettacolo, musica ed emozioni prima che scendano in campo i migliori otto giocatori dell’anno e le migliori otto coppie di doppio."

Achille Lauro

Achille Lauro aprirà il Grand Opening Show delle Nitto ATP Finals

L'artista si esibirà il 12 novembre all'Inalpi Arena di Torino per la serata inaugurale del torneo

E’ stata resa disponibile sul sito di SIAE, a <a href="https://d2aod8qfhzlk6j.cloudfront.net/SITOIS/siae_booklet_AI_472082cfb2.pdf" target="_blank">questo indirizzo</a>, la guida “Intelligenza Artificiale e Diritto d’Autore”, un documento elaborato dalla Società Italiana degli Autori ed Editori “per comprendere - spiega la collecting - come funziona la GenAI in relazione alle opere creative, come SIAE tutela il tuo lavoro, quali attenzioni adottare e quali diritti restano centrali nel nuovo scenario tecnologico”.

Il testo si compone di “una guida essenziale per comprendere le parole chiave dell’AI generativa (come "prompt", "output", "training")”, e le indicazioni per orientare gli associati “tra tutela delle opere, deposito, utilizzo degli strumenti di GenAI e responsabilità dell’autore”.

“L'intelligenza artificiale continuerà a evolversi e a influenzare il modo in cui produciamo e fruiamo contenuti creativi”, conclude SIAE nella presentazione della guida: “In questo scenario, la sfida è costruire un futuro in cui innovazione e creatività possano crescere insieme, riconoscendo il valore delle opere e delle persone che le realizzano. Il diritto d'autore rende possibile questo equilibrio, perché tutela le opere e riconosce il contributo della creatività allo sviluppo culturale, sociale ed economico”.

SIAE, ecco la guida ‘Intelligenza Artificiale e Diritto d’Autore’

‘Uno strumento semplice e concreto per comprendere il rapporto tra GenAI e creatività’

PLG, uno dei principali gruppi di ticketing attivi nei Paesi Baltici e nell'Europa centrale, ha siglato un accordo per l’acquisizione di iaBilet da Resource Partners e dai fondatori della società, che resteranno coinvolti nell’attività e continueranno a contribuire al suo sviluppo anche a livello di consiglio di amministrazione. L’intesa è stata firmata il 20 maggio e sarà perfezionata dopo il closing e le necessarie autorizzazioni normative.

L’operazione rientra nella strategia di espansione internazionale di PLG e punta a rafforzarne le competenze tecnologiche e di ticketing nell’Europa centrale e orientale. "Continuiamo a intravedere un forte potenziale di crescita a lungo termine nel mercato della biglietteria della regione", ha dichiarato Sven Nuutmann, fondatore del gruppo e presidente del consiglio di amministrazione. PLG intende inoltre proseguire gli investimenti in soluzioni basate sull’intelligenza artificiale e nello sviluppo di tecnologie condivise all’interno del gruppo. "La nostra convinzione è che la tecnologia da sola non venda i biglietti: la crescita sostenibile si basa su una base di utenti forte e fedele", ha aggiunto Nuutmann.

iaBilet è stata fondata nel 2012 ed è diventata un punto di riferimento nel mercato musicale della Romania, garantendo servizi per un'ampia gamma di eventi. La quota di maggioranza della società era stata acquisita da Resource Partners, società di private equity con sede nell'Europa centrale.

Emil Ionescu, CEO e cofondatore di iaBilet, ha commentato: "Questo era il mio sogno quando ho fondato iaBilet quasi 15 anni fa: far parte di qualcosa di grande, potente e orientato ai risultati, in modo da poter conquistare il mondo con i nostri servizi onesti e rivoluzionari, e innovare e far crescere insieme un gruppo potente. Giocare non solo nel campionato locale, ma nella Champions League. Sono onorato di far parte del sogno di PLG e di trasformarlo in realtà costruendo insieme un’azienda molto più forte".

Ticketing, PLG acquisisce iaBilet

L'operazione con Resource Partners sarà effettiva dopo il closing e le autorizzazioni normative

Influence Media Partners ha annunciato l'acquisizione di “sostanzialmente tutti” gli asset di proprietà intellettuale di Anthem Entertainment: l’operazione, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759763/a-influence-media-gli-asset-musicali-di-anthem-entertainment">già annunciata alla fine dello scorso giugno</a>, è stata condotta in collaborazione con fondi e investimenti gestiti da società affiliate a BlackRock. La transazione supera i 600 milioni di dollari, cifra raggiunta al termine di una gara molto competitiva: la chiusura dell’acquisizione è attesa nel quarto trimestre del 2026. Nel perimetro dell'operazione rientrano partecipazioni in oltre 24.000 brani pubblicati e più di 60.000 opere aggiuntive non ancora sfruttate, inclusi diritti su brani resi popolari da Timbaland, Justin Timberlake, OneRepublic e Britney Spears.

"Nel corso di oltre vent'anni Anthem ha costruito un catalogo ricco e diversificato di canzoni, album e musiche per film e televisione”, ha commentato Jason Klein, CEO di Anthem: “È stato un privilegio essere custode di questa musica straordinaria negli ultimi tre anni e sono orgoglioso della dedizione e dell'integrità che il mio team ha dimostrato nel valorizzarla. Con la finalizzazione di questa cessione, sono lieto di vedere il nostro catalogo e i nostri talentuosi autori entrare in una nuova era supportati da un'etichetta indipendente guidata dagli autori stessi, con la visione e le risorse necessarie per sbloccare nuove opportunità e valorizzarli ulteriormente".

"Siamo orgogliosi di accogliere queste opere nel portfolio Influence, mentre proseguiamo il nostro prossimo capitolo di crescita con il supporto di BlackRock, e non vediamo l'ora di collaborare con i nostri partner leader del settore per creare nuove opportunità e dare visibilità alle opere e agli artisti che le hanno realizzate", ha concluso Lylette Pizarro, fondatrice e co-managing partner di Influence.

Ufficiale: a Influence e BlackRock il catalogo di Anthem

Dopo una bidding war che ha fatto lievitare il prezzo del repertorio a più di 600 milioni di dollari

Warner Records Italy, una delle due label principali di Warner Music Italy, guidata da Eleonora Rubini, ha annunciato ufficialmente l'avvio di una prestigiosa collaborazione con Federico Cirillo, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759574/universal-music-italia-federico-cirillo-dimissioni-island-records">fino a metà dello scorso giugno Label Director di Island Records Italy</a>, e la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759920/federico-cirillo-lancia-wolfcut">sua nuova realtà imprenditoriale, wolfcut</a>.

La partnership - ha spiegato la label - “vedrà Cirillo impegnato in una consulenza artistica e creativa a tutto tondo” in una sinergia “focalizzata sia sulla valorizzazione di alcuni dei progetti già presenti nel roster della label, sia sullo scouting e sullo sviluppo di eventuali nuove firme che definiranno il panorama musicale di domani”.

“Questa unione - ha concluso Warner Records Italy - nasce dal desiderio comune di unire la solidità strutturale e la forza globale di Warner Music Italia all'intuizione, alla freschezza e alla sensibilità artistica che da sempre contraddistinguono il percorso di Federico Cirillo”.

“Sono molto orgoglioso di collaborare con uno dei più grandi talenti della discografia degli ultimi anni”, ha commentato Pico Cibelli, Presidente di Warner Music Italy: “Parliamo di un player che ha dimostrato sul campo cosa significa fare la differenza, guidando con grandi successi artistici e commerciali quella che è stata una delle label più importanti in Italia. Sono felice di averlo oggi nella nostra squadra”.

“Ci sono incontri che cambiano le regole del gioco, e questo è uno di quelli”, ha aggiunto Rubini: “E’ con immenso entusiasmo che diamo il benvenuto a Federico Cirillo a fianco della squadra di Warner Records Italy. La sua storia professionale parla da sé, ma è la visione di wolfcut, la sua nuova realtà imprenditoriale, ad averci convinto che fosse il partner ideale per costruire nuovi successi insieme. Con questa collaborazione uniamo la nostra struttura alla sua sensibilità unica nel valorizzare il talento. C'è la stessa fame e una gran voglia di fare rumore insieme”.

“Prima dei progetti vengono le persone”, ha concluso Cirillo: “Questa collaborazione nasce dalla stima e dalla fiducia che mi legano da tempo a Pico, Eleonora e Gianluca, e dalla sensazione molto semplice di parlare la stessa lingua. Condividiamo un modo di lavorare fatto di ascolto, confronto e coraggio nelle scelte. Warner Records ha costruito un roster di artisti con identità forti. Sono felice di mettere a disposizione la mia esperienza e visione con l’obiettivo di valorizzare e consolidare i percorsi di ogni artista con cui avrò il piacere di collaborare”.

Warner Records Italy, una collaborazione con wolfcut (Cirillo)

L’ex UMG fornirà ‘una consulenza artistica e creativa d’eccellenza’ alla label

La Federazione Industria Musicale Italiana, sigla che rappresenta le principali&nbsp;aziende discografiche operanti nel nostro Paese e che cura la pubblicazione delle chart italiane&nbsp;di vendita, ha annunciato di aver adottato una nuova serie di princìpi che disciplinano l'idoneità delle registrazioni sviluppate utilizzando l'intelligenza artificiale generativa ai fini dell'inclusione nella classifica ufficiale Top of the Music by FIMI/NIQ.

La policy - ha spiegato FIMI in una nota - “stabilirà un confine netto tra la creatività guidata dall'essere umano e le opere puramente sintetiche o generate da modelli di IA non autorizzati”, contribuendo “a garantire che i brani con un numero di ascolti gonfiato in modo fraudolento non vengano riconosciuti e celebrati nelle classifiche”.

Le linee guida adottate dalla Federazione “permetteranno alle classifiche ufficiali italiane di consentire un uso appropriato dell'intelligenza artificiale nel processo creativo, pur rimanendo un'autentica celebrazione della creatività umana”. In sostanza, le registrazioni sviluppato con il contributo dell’AI potranno essere incluse nelle classifiche di vendita solo se:

<ol>
	<li>il servizio di IA utilizzato è debitamente autorizzato e lecito</li>
	<li>il brano è sostanzialmente realizzato da un essere umano</li>
	<li>non solleva preoccupazioni relative alla manipolazione degli ascolti o della classifica</li>
</ol>

A questi tre princìpi si aggiungono ulteriori tre criteri:

<ol>
	<li>[l’opera, ndr] è conforme alle leggi applicabili, comprese quelle relative al diritto d'autore, ai diritti connessi e ai diritti della personalità</li>
	<li>la messa a disposizione [dell’opera, ndr] non viola i termini del servizio GenAI utilizzato</li>
	<li>l'uso di servizi di GenAI per lo sviluppo è adeguatamente segnalato ai consumatori sui servizi a valle (ad es. le piattaforme di streaming digitale), in conformità con la normativa applicabile e/o gli standard di etichettatura del settore</li>
</ol>

Questa iniziativa fa seguito all'annuncio della scorsa settimana, da parte di un ampio spettro di creatori e aziende del settore musicale a livello mondiale, di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760116/ai-l-industria-discografica-insiste-sulla-trasparenza">un approccio unificato all'etichettatura (labelling) volontaria dei brani musicali, volto a fornire ai fan informazioni più chiare sull'uso dell'IA generativa nelle registrazioni sonore</a>. Distinguendo tra “generato dall'IA” e “assistito dall'IA”, le etichette sono state concepite pensando a un'adozione ampia e globale, su tutti i servizi musicali digitali e altri partner.

"Le classifiche musicali ufficiali celebrano gli artisti, gli autori e i team creativi dietro la musica che entra in contatto con il pubblico italiano”, ha dichiarato Enzo Mazza, CEO di FIMI: “Man mano che l’AI diventa uno strumento creativo sempre più importante è essenziale che le nostre classifiche continuino a riconoscere l'autentica creatività umana, sostenendo al contempo un'innovazione responsabile. Questi principi offrono un quadro chiaro e pratico che consente gli usi legittimi dell'AI, garantendo al contempo che le registrazioni generate utilizzando modelli di AI non autorizzati o associate a manipolazioni non vengano riconosciute nelle nostre classifiche ufficiali”.

"Le classifiche musicali ufficiali sono una celebrazione della creatività e dei risultati umani”, ha commentato Victoria Oakley, CEO di IFPI - International Federation of the Phonographic Industry, entità che rappresenta l’industria discografica a livello internazionale: “Siamo lieti che FIMI stia adottando questi princìpi, contribuendo a costruire un approccio globale coerente che sostiene l'innovazione e al contempo tutela l'integrità delle classifiche ufficiali”.

I&nbsp;princìpi annunciati nella mattina di oggi da FIMI saranno adottati a livello internazionale: il fatto che le linee guida sul labelling dei contenuti AI sia stato presentato non solo da IFPI - sigla che rappresenta&nbsp;le tre major - Universal Music, Sony Music e Warner Music - e altre entità multinazionali come&nbsp;Believe e&nbsp;BMG, ma anche da WIN e IMPALA, che aggregano su scala globale le principali realtà indipendenti, porterà la discografia ad adottare la medesima linea su tutti i mercati.

Tra gli spunti proposti, il più rilevante a livello industriale&nbsp;è senz’altro quello relativo alla conformità dei servizi di GenAI al rispetto delle normative riguardanti la copertura dei propri dataset da regolari licenze: mentre - la notizia è di pochi giorni fa - in Germania GEMA ha annunciato la creazione di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760359/ai-gema-lancia-plai-by-gema-dataset-training-autorizzato">un dataset opportunamente licenziato</a> (già utilizzato da una società sviluppatrice di soluzione di GenAI musicale, Klangio), è ancora in corso la battaglia - che, anzi, si sta facendo&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759209/sony-music-e-universal-music-si-intensifica-la-causa-contro-suno">sempre più accesa</a> - tra Universal Music, Sony Music e Suno. Il procedimento legale che vede contrapposte le due major a uno dei servizi&nbsp;leader di mercato a livello globale nel settore dell'intelligenza artificiale musicale&nbsp;verte proprio sulla liceità dell’utilizzo delle opere per il training del modello generativo: le due multinazionali, infatti, accusano l’azienda con quartier generale a Cambridge, Massachusetts, di una gigantesca violazione di copyright tramite l’utilizzo senza autorizzazione di “milioni di brani” per l’addestramento della propria GenAI.

Classifiche, la policy di FIMI verso l’AI e contro i fake stream

Per tutelare ‘la creatività umana’ e per sostenere ‘un’innovazione responsabile’: i dettagli

I BTS non candideranno il loro ultimo album, “Arirang”, all’edizione 2027 dei Grammy Awards. In una nota in coreano diffusa sui social, il gruppo ha scritto: “Abbiamo deciso di non presentare candidature ai Grammy quest’anno. Speriamo che la musica possa essere ascoltata e accolta per ciò che è, al di là della regione o della lingua. Grazie ai nostri fan e a tutti coloro che continuano a sostenerci”. La comunicazione non entra nei motivi del ritiro, ma arriva subito dopo la revisione delle categorie annunciata dalla Recording Academy: per il 2027 sono attese 100 categorie, tra cui la nuova Best Asian Pop Music Performance, pensata per riconoscere “l’eccellenza artistica nelle performance di pop asiatico originarie o ampiamente riconosciute nei mercati asiatici”, inclusi K-pop, J-pop e C-pop.

Secondo diverse testate nazionali, in Corea del Sud la nuova categoria ha già attirato critiche come “una forma di segregazione che mette gli artisti asiatici ai margini dei premi principali”. Il contesto aiuta a leggere la scelta: i progetti solisti dei BTS e le candidature inviate da Stray Kids, Tomorrow X Together e altri non hanno ottenuto nomination ai Grammy 2024, mentre nel 2025 gli artisti K-pop sono rimasti ancora a quota zero. Hybe, citata da media regionali, ha precisato che non si tratta di “un boicottaggio a livello aziendale”, lasciando quindi aperta la possibilità di una ricomposizione con la Recording Academy.

“Mi rattrista apprendere che i BTS hanno scelto di non partecipare ai Grammy Awards quest'anno, ma come artista musicale capisco e rispetto la loro decisione”, ha fatto sapere Harvey Mason Jr., CEO della Recording Academy, in un post pubblicato sulla propria pagina Instagram personale: “La categoria Asian Pop è stata creata per celebrare la profondità, la diversità e la straordinaria crescita dell'arte pop proveniente dall'Asia. Lo spirito di questa nuova categoria è quello di dare particolare risalto a questi importanti artisti. Avere più categorie significa che il lavoro di un maggior numero di artisti viene riconosciuto. Non si tratta di dividere, ma di ampliare la platea di artisti riconosciuti dai nostri 15.000 votanti dei Grammy”.

“Mentre continuiamo ad ampliare la nostra portata, il numero dei nostri membri e i nostri premi, a prescindere dalla geografia o dalla lingua, voglio sottolineare che continueremo ad ascoltare la comunità musicale globale e a impegnarci per onorare e celebrare tutti gli artisti la cui musica emoziona il mondo”, ha concluso Mason.

Grammy Awards 2027, c’è il boicottaggio dei BTS

Per la creazione della categoria Best Asian Pop Music Performance

Regione Lombardia ha avviato il Tavolo Musica, primo passo del percorso condiviso verso la costituzione della <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757255/sanremo-2026-regione-lombardia-verso-la-music-commission">Lombardia Music Commission</a>. L’iniziativa, promossa dall’assessore regionale alla Cultura Francesca Caruso, “punta a costruire insieme al settore uno strumento stabile di coordinamento, promozione e sviluppo della musica lombarda”.

L’incontro ha riunito i principali operatori del comparto – associazioni di categoria, produttori, organizzatori, live club, festival, etichette discografiche, professionisti e realtà culturali – chiamati a contribuire con osservazioni e proposte alla definizione del documento prima della sua sottoscrizione. All’incontro erano presenti Assomusica (Associazione tra i produttori e gli organizzatori di spettacoli di musica dal vivo); AssoConcerti (Associazione organizzatori e produttori di musica dal vivo); KeepOn Live (associazione di categoria italiana dedicata ai live club, ai festival e agli spazi di musica dal vivo originale); Pmi (Produttori Musicali Indipendenti); Fimi (Federazione Industria Musicale Italiana); Lombardia film Commission.

“Sicuramente la musica è leader in Lombardia”, ha detto Caruso: “Auspichiamo che [la Music Commission] diventi anche un volano importante per tutta la regione e per tutte le altre città. Per noi è fondamentale valorizzare il settore e sostenerlo, e proprio per questo siamo qui per confrontarci con etichette e promoter”.

“Questa industria vale nel suo complesso, tra live e musica registrata, oltre 3 miliardi di euro in Italia, e l’80% di questo settore sviluppa il proprio business e le proprie attività qui, in Lombardia”, ha commentato Enzo Mazza, CEO di FIMI: “E’ incredibile che fino a oggi non si sia incentivata ulteriormente questa attività che non solo ha riscosso successo entro i nostri confini, ma anche all’estero”. “La Lombardia e Milano sono le vere capitali della musica in Italia”, ha osservato Bruno Sconocchia, presidente di AssoConcerti: “In tutte le classifiche, sia come numero di spettacoli, di spettatori e di spesa del pubblico, la Lombardia rappresenta una percentuale di quasi il 30% del mercato italiano”. “La nascita della Music Commission è un’opportunità molto importante, essendo il settore musicale italiano un aspetto molto importante della cultura di questo Paese”, ha spiegato Dario Giovannini, Presidente di PMI: “Il kickoff di oggi è un punto di partenza per migliorare il settore e la qualità dei nostri artisti e delle nostre aziende”.