E’ stato reso noto il programma di CREDO 2026 - Christian Music Forum, la prima manifestazione italiana dedicata alla musica cristiana contemporanea in programma a Bologna tra i prossimi 4 e 6 ottobre.

La manifestazione prenderà il via già venerdì 2 ottobre, ma in forma privata, con un ritiro spirituale degli artisti di musica cristiana presso il Seminario Arcivescovile di Bologna, dove - oltre a momenti di confronto, comunità e formazione - avrà luogo un incontro con il Mons. Matteo Zuppi, Presidente della CEI, per l’evento “Gli artisti di musica cristiana oggi: credenti, credibili o incredibili?”, oltre che a un momento di catechesi con Don Marco Bonfiglioli, Direttore dell'Ufficio Diocesano per la Pastorale Universitaria e l'Ufficio per la Pastorale Vocazionale, Rettore del Seminario Arcivescovile.

CREDO 2026 debutterà pubblicamente nel tardo pomeriggio di domenica 4 ottobre con un concerto che - a partire dalle 19, in Piazza Maggiore - richiamerà sul palco diversi artisti di musica cristiana. Dalle ore 21 la serata, organizzata nell’ambito delle celebrazioni del santo patrono cittadino, avrà per protagonisti - oltre allo scrittore Enrico Brizzi, al quale è stata affidata la conduzione dello show - il Piccolo Coro dell’Antoniano, Kantiere Kairòs, Debora Vezzani, Reale e The Sun. Alle ore 23 avrà luogo lo spettacolo di luci dedicato alla figura di San Petronio, con testo di Andrea Marco Ricci (La Gloria), voce di Stefano De Sando (doppiatore di Robert De Niro), e l’allestimento scenico a cura di Mattia Fasolo.

La music conference vera e propria prenderà il via nella mattinata di lunedì 5 ottobre presso il centro Sympò di Via delle Lame 83, sempre nel centro di Bologna. Nel corso della prima giornata, oltre agli interventi inaugurali di Don Alessandro Caspoli (Comitato per le Manifestazioni Petroniane), Stefano Cavalli (Direttore degli uffici della Curia della Diocesi di Bologna) e Andrea Marco Ricci (Direttore di La Gloria), sono previsti i panel “L’intelligenza artificiale tra creatività e informazione” (con il giornalista Gigio Rancilio, Alessandro Gallo dei Reale, Francesco Lorenzi dei The Sun e Antonello Armieri dei Kantiere Kairòs), “La musica come strumento di accompagnamento pastorale” (con don Massimo d’Abrosca – Associazione Se guardo in cielo APS, Fra Matteo Della Torre, ofm – Tu sei Bellezza, Fra Federico Russo, ofm Ordine dei Frati Francescani Minori, Padre Luca Arzenton – Shout! Koinonia, don Riccardo Pincerato Direttore dell’Ufficio Pastorale Giovanile Nazionale della Conferenza Episcopale Italiana, Elena Martelli – Nuovi Orizzonti e Alessandro Gallo - Reale), e il workshop “Come scrivere una canzone di ispirazione cristiana?”, con Alessandro Gallo dei Reale e Antonello Armieri dei Kantiere Kairòs.

Per la giornata conclusiva della manifestazione il calendario dei lavori include i panel “La musica negli oratori: uno strumento per trasmettere valori” (con don Gabriele Gianpietro Bonzi, Direttore della Pastorale Giovanile e dell'UPEE (Ufficio per la Pastorale dell'Età Evolutiva di Bergamo, don Luca Ramello Presidente di NOI Associazione e altri ospiti in via di definizione), “Case discografiche e artisti di musica cristiana: quale ruolo oggi come operatori culturali?” (con Suor Livia Sabatti di Paoline Audiovisivi, Luciana Leone di Rinnovamento nello Spirito Santo, Emanuele Chirco e Valerio “Lode” Ciprì dei Gen Rosso, Andrea Marco Ricci di La Gloria, Angelo Maugeri di Hopeful Music e Luca Durante di Motivo Comunication), e Worship music e animazione liturgica: quali punti di incontro? (con Laetitia Ricotta e Matteo Vasco di I Choose to Worship, Elena Martelli di Nuovi Orizzonti, Luciana Leone di Rinnovamento nello Spirito Santo e Giovanni Di Sano di PDG Worship). I lavori saranno conclusi dall'intervento finale dei protagonisti della conference “Verso una rete nazionale della musica cristiana”.

Andrea Marco Ricci

La Gloria

Credo 2026

The Sun

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CREDO 2026 a Bologna, il programma

Industria

Una serata live, incontri, panel e altro alla conference italiana dedicata alla christian music

Il 26 agosto SoundCloud <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760853/soundcloud-download-a-pagamento-di-musica-per-fan-superfanla-beta-part">ha lanciato in beta&nbsp;“Direct Music Purchases”</a>, una nuova funzione che permette agli artisti di vendere direttamente dai propri profili singole tracce in formato MP3 e WAV, stabilendone autonomamente il prezzo. Insomma, la piattaforma di streaming nota per la sua inclinazione verso l’ambiente indie, nata sulle spalle del remix e posizionata sul fronte dello user centric per ciò che riguarda la ripartizione dei compensi agli artisti, prova a reintrodurre i download.

Il test è partito con circa 200 musicisti statunitensi, tutti abbonati al piano Artist Pro. SoundCloud non tratterrà una percentuale sulle vendite: una volta detratti costi di pagamento e tasse, il 100% dei ricavi resterà agli artisti. La funzione sarà progressivamente estesa ad altri creator idonei nel corso dell’autunno.

Il download entra così in un sistema di strumenti che SoundCloud ha già progressivamente allargato oltre lo streaming. Gli artisti possono vendere vinili, merchandise e biglietti, ricevere contributi diretti attraverso Fan Support e utilizzare una serie crescente di servizi professionali inclusi nell’abbonamento Artist Pro.

Perché i download?

La società ha spiegato che la nuova funzione risponde a comportamenti già evidenti sulla propria piattaforma. Più di 250.000 artisti avrebbero collegato oltre 2,4 milioni di tracce a servizi musicali esterni, mentre ogni anno SoundCloud indirizzerebbe oltre mezzo milione di utenti verso soggetti terzi per acquistare musica. Secondo una ricerca interna citata dall’azienda, il 14% degli artisti intervistati vende già download e un altro 14% vorrebbe farlo.

Il test riguarda quindi una quota minoritaria della community, ma sufficientemente ampia da giustificare l’esperimento. SoundCloud sottolinea, inoltre, di avere scelto inizialmente un gruppo ridotto proprio per raccogliere indicazioni su funzionamento, attriti e richieste degli artisti prima di ampliare la disponibilità.

Estendendo il contesto oltre Soundcloud, ricordiamo che IFPI ha reso noto <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757704/mercato-discografico-mondiale-dati-2025-ifpi-crescita-6-4">che nel 2025 download e altre forme di vendita digitale hanno rappresentato appena il 2,5% dei ricavi mondiali della musica registrata</a>, contro il 69,6% dello streaming. Una nicchia (che in valore assoluto cuba circa 798 milioni di dollari) che non può certo candidare quel formato a un ruolo centrale nel mercato discografico.

Tuttavia il download continua ad avere un ruolo in piattaforme costruite intorno alla relazione diretta tra artista e pubblico. Bandcamp permette da anni di acquistare file digitali e contemporaneamente ascoltarli in streaming. Amazon Music, Apple Music e Qobuz mantengono negozi digitali (anche Spotify, prima di abbandonare il modello nel 2013, aveva venduto download à la carte).

Il confronto più immediato per SoundCloud è proprio quello con Bandcamp, al di là della differenza più evidente tra i due modelli: Bandcamp trattiene normalmente il 15% delle vendite digitali, quota che scende al 10% oltre determinati livelli di ricavo, mentre SoundCloud propone per ora un modello senza commissione sulla vendita.

Lo streaming non è abbastanza per i fan

È una differenza che, però, va collocata in un modello più ampio: i primi utenti del nuovo servizio di Soundcloud sono, infatti, gli abbonati ad Artist Pro - e SoundCloud monetizza già il rapporto con gli artisti attraverso quell’abbonamento. La vendita senza commissioni può quindi aumentare il valore del pacchetto professionale senza richiedere necessariamente a SoundCloud di prelevare una quota sulla singola transazione. Il che é coerente con quanto aveva dichiarato nell’ottobre 2025 il CEO Eliah Seton a Music Ally: streaming is not enough for the vast majority of artists, ma anche streaming is not enough for fans. Seton aveva aggiunto che un artista non dovrebbe avere bisogno di 50 milioni di follower per riuscire a vivere della propria attività e che una base attiva di 5.000, 10.000 o 15.000 fan dovrebbe poter sostenere economicamente una carriera.

Così inquadrato, il download assume un significato più interessante della sua semplice dimensione economica come formato. Inquadra la mossa di SoundCloud nell’ampliamento progressivo della piattaforma che, da luogo progettato e realizzato principalmente per l’ascolto e la distribuzione di musica, evolve a infrastruttura attraverso cui l’artista può monetizzare direttamente il proprio pubblico in più modi.

Ecco che una “suite” ha già preso forma: streaming e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-729830/soundcloud-il-pagamento-diretto-agli-artisti-funziona">Fan-Powered Royalties</a> monetizzano l’ascolto, Fan Support introduce il contributo diretto, Ticketing, merchandise e vinile monetizzano altre forme di relazione con l’artista. A tutto ciò il download aggiunge un altro livello: il fan non si limita a sostenere economicamente il musicista, ma compra direttamente la sua musica.

Ma non è Patreon

Viene in mente il tipping – una forma di monetizzazione diretta resa popolare da piattaforme come Patreon, una specie di crowdfunding frammentato che avviene durante un’esperienza (diretta streaming) o nell’ambito di un progetto da finanziare con forme di micro-mecenatismo. Ma è una similitudine fuorviante. Se il contributo diretto (la “mancia”, la donazione) monetizza soprattutto il sostegno al creator, il download monetizza invece la musica come bene acquistabile. Il terreno comune c’è, però: in entrambi i casi viene creato uno spazio nel quale il valore di un fan può superare quello prodotto dal semplice ascolto in streaming.

Considerazioni e osservazioni che inducono a leggere Direct Music Purchases all’interno del fenomeno dei&nbsp;superfan&nbsp;e del direct-to-fan, piuttosto che come un tentativo di rilanciare il download come formato di massa. Ci si può individuare abbastanza nitidamente quella progressione virtuosa alla quale molti aspirano: ascoltatore, fan, fan pagante, superfan. Insomma, SoundCloud sta aggiungendo strumenti economici ai diversi livelli di questa relazione: un ascoltatore genera ricavi attraverso lo streaming, un fan può sostenere direttamente l’artista acquistando una traccia, un vinile, un biglietto o merch.

Il dato fornito dalla stessa SoundCloud sui più di 500.000 utenti inviati ogni anno verso piattaforme esterne per acquistare musica dimostra come una parte di questa relazione economica esista già (oggi fuori dalla piattaforma). Direct Music Purchases prova a riportarne una quota all’interno di SoundCloud. Il download può avere valore se intercetta quella parte di pubblico che vuole spendere qualcosa in più per uno specifico artista e se permette a SoundCloud di ampliare il numero di azioni economiche che possono avvenire tra artista e fan senza uscire dalla piattaforma, trasformando l’intensità del rapporto con l’artista in occasioni differenti di spesa.

Il peso di un ecosistema

Quello di SoundCloud per ora resta un test. Non sono stati pubblicati dati su vendite, conversione dall’ascolto all’acquisto, prezzo medio delle tracce o ricavo medio generato per artista. Non sappiamo neppure se la funzione aumenterà in misura significativa il valore percepito di Artist Pro o la capacità di SoundCloud di convertire nuovi artisti all’abbonamento: sono questi i dati che permetteranno di capire quanto pesi realmente Direct Music Purchases.

Ma il significato della mossa è già visibile: SoundCloud non sembra puntare sul ritorno del download, ma a costruire più occasioni nelle quali un fan possa pagare direttamente un artista, e di fare in modo che una quota crescente di quella relazione economica avvenga dentro SoundCloud. Sembra volere rafforzare il proprio ecosistema. Come ha fatto per lo streaming, punta sui fans: se prima erano solo quelli degli artisti, ora si tratta anche dei suoi.

Soundcloud ha introdotto i download: ecco perché

La piattaforma di streaming segue un modello preciso, all’insegna della metafora dei superfans

BeatHub Entertainment ha ufficialmente acquisito la quota del 50% da BeLive Entertainment Group rispetto alla Colombiana de Escenarios, società che gestisce direttamente la Movistar Arena di Bogotà. Quest'operazione, di cui non si conoscono i termini economici, porta il controllo totale della società nelle mani del gruppo colombiano.

La Movistar Arena ha aperto nel 2018 e, secondo quanto dichiarato da BeatHub, ha accolto oltre 5,5 milioni di persone e più di 400 artisti. Per il 2026 sono previsti oltre 160 eventi. "Consolidare la proprietà totale della Movistar Arena riflette la nostra decisione di continuare a investire in Colombia con una visione a lungo termine", ha dichiarato&nbsp;Eduardo Olea, CEO di BeatHub Entertainment,&nbsp;"abbiamo trascorso 26 anni a costruire questo ecosistema e a sviluppare l’industria dell’intrattenimento in Colombia".&nbsp;Infine, ha concluso: "Consolidare la proprietà totale della Movistar Arena riflette tale convinzione e la nostra decisione di restare, di continuare a investire e di proseguire nella costruzione in Colombia con una visione a lungo termine".

Questa mossa anticipa concretamente l'apertura della DAVIarena nell'area di Medellín, una struttura da quasi 18.000 posti&nbsp;sviluppata da BeatHub insieme a Davivienda e prevista per novembre. Secondo il gruppo, la presenza nelle due principali aree del Paese dovrebbe rafforzare il posizionamento della Colombia negli itinerari dei tour internazionali in America Latina.

BeatHub rileva la quota di BeLive nella Movistar Arena di Bogotá

Il gruppo colombiano assume il controllo totale della società che gestisce la venue

BMG ha annunciato l’ingresso di Vinicio Capossela nel proprio roster e la pubblicazione del nuovo album dell’artista, in uscita a gennaio 2027, primo progetto di una nuova collaborazione che riguarderà - ha specificato la filiale italiana della multinazionale tedesco-statunitense - “sia l’attività discografica sia quella editoriale”.

“Con l’ingresso di Vinicio Capossela, BMG avvia così una nuova collaborazione con un artista che ha fatto della continua trasformazione dei linguaggi e della libertà artistica i tratti distintivi del proprio percorso, accompagnandolo nella realizzazione e nello sviluppo dei suoi prossimi progetti”, ha aggiunto BMG Italy.

L’annuncio arriva mentre Capossela è impegnato nel nuovo progetto “E morte non avrà dominio”, la prima “Ballad Opera” dell’artista, che debutterà il 3 e 4 ottobre a Romaeuropa Festival per proseguire poi in tournée nei teatri italiani. Liberamente tratta dalla vita di Renato Striglia e dall’opera di Dylan Thomas, “E morte non avrà dominio” vede Capossela sul palco insieme a Pierpaolo Capovilla - già frontman di One Dimensional Man e Teatro degli Orrori - e sviluppa ulteriormente il lavoro nato intorno a “Under Milk Wood”, già al centro del radiodramma Sotto il bosco di latte, trasmesso da Rai Radio3 nel maggio 2026.

Vinicio Capossela

BMG, Vinicio Capossela entra nel roster

Per un nuovo album in uscita a gennaio 2027. La collaborazione sarà discografica ed editoriale

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759608/milano-music-week-2026-presentazione-linus">Come già anticipato</a>, si terrà dal 16 al 22 novembre la decima edizione della Milano Music Week, la manifestazione dedicata alla musica che ogni anno anima la città con concerti, dj set, presentazioni di dischi e libri, workshop, showcase e tanti speciali appuntamenti diffusi su tutto il territorio.

Il progetto del Comune di Milano - Cultura, è promosso da AssoConcerti, Assomusica, FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana, Nuovo IMAIE - Nuovo Istituto Mutualistico Artisti Interpreti Esecutori e SIAE - Società Italiana degli Autori ed Editori, ed organizzato da Butik s.r.l. Impresa Sociale. <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759608/milano-music-week-2026-presentazione-linus">Per l’edizione del 2026 la direzione artistica è affidata a Linus</a> – Presidente di ELEMEDIA, Direttore Editoriale delle Radio GEDI e Direttore Artistico di Radio Deejay, Radio Capital e OnePodcast – che assume il ruolo di guida durante il suo cinquantesimo anniversario di carriera.

La Milano Music Week - hanno fatto sapere gli organizzatori - “trasforma Milano in un grande palcoscenico diffuso che riunisce artisti, professionisti e appassionati attraverso numerosi eventi pensati per celebrare la musica in tutte le sue forme all’insegna dell’inclusione, della diversità, dell’innovazione e della partecipazione”.

L’edizione 2026 della manifestazione includerà anche Frequenza Futura, il progetto biennale dedicato alla parità di genere nel settore musicale, realizzato con il contributo di Fondazione Cariplo, che nasce per rispondere allo squilibrio ancora molto marcato nel settore, dove le donne rappresentano solo il 15,6% di chi si esibisce nei festival italiani. “L’obiettivo è quello di incoraggiare - con l’aiuto delle principali realtà che si occupano del tema, linee guida e strumenti operativi - il bilanciamento di genere negli eventi e nelle conferenze in ambito musicale, e creare una programmazione di incontri e concerti per dare più spazio e visibilità alle donne e alle persone di generi sottorappresentati”, hanno fatto sapere i promotori: “Con Frequenza Futura, attraverso live e panel, la Milano Music Week si fa laboratorio di pratiche condivise e replicabili nell'intero comparto, perché la parità di genere sia una scelta concreta e non un'eccezione. La manifestazione aderisce al progetto anche promuovendo il riequilibrio di genere nelle iniziative del suo stesso calendario diffuso: gli eventi proposti in cui donne e persone di generi sottorappresentati costituiscono almeno il 33% del programma saranno raccolti in una pagina dedicata del sito, pensata per dare ulteriore visibilità a chi sostiene attivamente questo impegno”.

La Milano Music Week 2026 “accenderà l’attenzione sulla capacità della musica di resistere al passare del tempo, celebrando, attraverso un racconto speciale, i cinquant’anni di Punk e Disco Music: due linguaggi diversi ma accomunati dall’impatto con cui hanno trasformato in modo indelebile immaginari, stili di vita e forme di espressione. La manifestazione esplorerà anche la capacità della musica di creare connessioni, riportandole alla loro dimensione dal vivo, dove relazioni e comunità prendono forma concreta attraverso esperienze reali, partecipate e condivise. Musica che resiste, che connette, ma anche che esprime appartenenza al luogo di origine: al centro della riflessione ci sarà, infine, il rapporto tra Milano, storica fucina creativa dell’industria musicale, e i grandi fenomeni contemporanei del settore, a partire dal Festival di Sanremo. Tutti questi temi saranno protagonisti di un palinsesto diffuso che trasformerà la città in un hub musicale animato da conferenze, videopodcast, live, dj set, incontri, workshop, party e molte altre iniziative”.

Entro il 10 ottobre è possibile proporre eventi da inserire nel calendario ufficiale della MILANO MUSIC WEEK: concerti, talk, dj set, laboratori, esperienze immersive o qualsiasi format originale legato al mondo della musica. Il form è disponibile a questo link: <a href="https://forms.gle/zPcsSE6gUcGsDPRt8">https://forms.gle/zPcsSE6gUcGsDPRt8</a>.

Quartier generale della manifestazione per la prossima edizione sarà la Fabbrica del Vapore di Milano dove si svolgeranno grandi eventi, incontri business e live vodcast. Un luogo vivo a cui si affiancano le altre location sparse per la città. Tutti gli eventi come tradizione saranno gratuiti previa prenotazione su DICE.

MMW 2026, online il form per la candidatura degli eventi

Si avvicina la settimana dedicata all’industria musicale italiana: le novità

Kakao Entertainment e Walt Disney Company Korea hanno ufficialmente siglato una partnership strategica che prevede lo sviluppo, nel medio-lungo periodo, di circa dieci progetti capaci di combinare artisti e contenuti legati al K-pop con storie e personaggi Disney. Le iniziative interesseranno diversi ambiti, tra cui musica, contenuti, commercio e intrattenimento dal vivo.

"Oggi il K-pop si è evoluto in un fenomeno culturale globale capace di influenzare le tendenze in settori quali moda, bellezza e stile di vita", ha dichiarato Kakao Entertainment, spiegando che l’obiettivo della partnership è unire artisti e musica K-pop alle storie Disney per sviluppare nuove opportunità di fruizione e coinvolgimento del pubblico.

Le due società stanno inoltre valutando ulteriori forme di collaborazione, tra cui la possibile creazione di un fondo dedicato alla K-culture. Al momento non sono stati comunicati né l’ammontare del fondo, né i progetti che potrebbe sostenere, né le tempistiche per una sua eventuale istituzione.&nbsp;Kakao Entertainment è la divisione entertainment di Kakao Corp. e controlla, tra le altre, Starship Entertainment, EDAM Entertainment e Antenna, oltre al servizio di streaming Melon, alla piattaforma KakaoPage e alla fan platform Berriz. Insieme a Kakao Corp. detiene inoltre una quota del 40,28% di SM Entertainment.

Kakao Entertainment e Disney Korea siglano una partnership

Circa dieci progetti tra K-pop e contenuti, con l’ipotesi di un fondo per la K-culture

TuneCore ha esteso la partnership <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758471/tunecore-un-accordo-in-chiave-green-con-earthpercent">avviata ad aprile con EarthPercent</a>, l’organizzazione di Brian Eno, e con l’iniziativa Sounds Right, annunciando all’inizio della Climate Week di New York che “raddoppierà” di tasca propria, fino alla fine del 2026, le donazioni effettuate dagli artisti attraverso una quota delle loro royalty di streaming. Il programma consente agli artisti TuneCore di destinare una percentuale selezionata dei ricavi al Sounds Right Fund; il fondo è alimentato anche dalle royalty generate dalla playlist Sounds Right distribuita su più DSP, in cui “Nature” compare come collaboratore. Gli artisti possono a loro volta indicare “Nature” come featuring per impostare una ripartizione delle royalty a favore delle organizzazioni sostenute dal fondo.

Per Brian Miller, chief business officer di TuneCore, “gli artisti hanno una potente capacità di ispirare il cambiamento direttamente attraverso la loro musica” e, con “Give Nature A Split”, la società sta “rendendo più facile per gli artisti indipendenti che vogliono sostenere il pianeta incanalare la loro musica in un’azione significativa”. Cathy Runciman, co-direttrice esecutiva di EarthPercent, ha aggiunto che “la comunità musicale ha un enorme potenziale per diventare una potente fonte di finanziamento per l’azione per il clima e la natura”. Sounds Right è partito nel 2024 e “Nature” supera ora i 2,3 milioni di ascoltatori mensili solo su Spotify; secondo l’organizzazione, il fondo avrà destinato oltre 1,2 milioni di dollari alla conservazione sul campo entro la fine del 2026, con l’obiettivo di superare i 5 milioni di dollari l’anno entro il 2028.

TuneCore, rinnovato l’accordo con EarthPercent

La divisione di Believe ‘raddoppierà’ le royalties donate tramite Sounds Right

Sfera Ebbasta ha pubblicato "Lontano", nuovo singolo che anticipa la release del prossimo disco "Purosangue", in arrivo l'11 dicembre. Il brano è accompagnato da un videoclip girato, tra le varie location, anche all'interno del Cenacolo Vinciano di Milano, davanti all'"Ultima Cena" di Leonardo da Vinci, dove l'artista milanese compare anche insieme al figlio Gabriel (come si vede in foto).

Il rapporto con il Museo non si esaurirà però nel videoclip. Nelle settimane che precederanno l’uscita di "Purosangue", Sfera Ebbasta e il Museo del Cenacolo Vinciano realizzeranno tre appuntamenti aperti alla città, dedicati all’inclusione sociale e pensati per mettere in relazione il patrimonio culturale con alcuni degli artisti più seguiti dalle nuove generazioni. I dettagli delle iniziative saranno comunicati prossimamente.

"Credo che sia lodevole che una star tanto amata dal pubblico giovane scelga un capolavoro così importante e quasi sacro per una riflessione intima sulla propria vita e che inoltre decida di sostenere dei progetti legati ai ragazzi delle periferie", ha dichiarato Angelo Crespi, Direttore della Grande Brera. "È uno dei nostri obiettivi rendere il patrimonio culturale accessibile a tutti, soprattutto al pubblico che si immagina più lontano dalla storia dell’arte. È un nostro dovere rendere accessibile la bellezza".

Sfera Ebbasta

Sfera Ebbasta, il video di "Lontano" al Cenacolo Vinciano

La collaborazione con il Museo proseguirà con tre iniziative a sostegno dell’inclusione sociale

Apple ha recentemente inaugurato la Apple Music Hall, a Londra, una nuova venue da 600 posti all'interno della Battersea Power Station, progettata per integrare musica dal vivo, registrazione audio, produzione video e distribuzione di contenuti. Questa nuova struttura ha l'obiettivo di offrire agli artisti uno spazio in cui realizzare performance dal vivo e produrre contenuti pronti per la diffusione sulle piattaforme.

"Con l’apertura di Apple Music Hall, compiamo un ulteriore passo avanti nel nostro impegno verso artisti e fan, sostenendo la musica dal vivo in modi che solo Apple sa offrire", ha dichiarato Oliver Schusser, Vice President di Apple Music e International Content.

La sala, dotata di un palco riconfigurabile, è utilizzabile sia in configurazione frontale che a 360 gradi, inoltre, dispone di un sistema Spatial Audio con 48 diffusori distribuiti attorno al pubblico. Alle spalle del palco, sono stati realizzati due studi dedicati alla registrazione e al missaggio, in grado di acquisire le esibizioni in multitraccia e lavorarle in Spatial Audio in tempo reale o in post-produzione. Per quanto concerne il lato video, la struttura ha la possibilità di gestire 16 telecamere attraverso una regia broadcast dedicata, con la possibilità di integrare riprese di Iphone.&nbsp;Le performance potranno inoltre essere trasmesse in live streaming a livello globale.

Contestualmente, Apple ha annunciato anche l’apertura dei nuovi studi londinesi di Apple Music Radio a Battersea, da cui saranno trasmessi tutti i programmi e le conduzioni prodotte dalla capitale britannica.

Apple: inaugurata a Londra la Apple Music Hall

La venue da 600 posti integra live, Spatial Audio, produzione video e streaming globale

La Inner London Crown Court ha condannato a tre anni e mezzo di carcere Rehan Ahmed, 40enne, nell'ambito di un'indagine su un'attività di produzione e vendita di vinili contraffatti. Le pene per violazione di diritto d'autore e utilizzo di beni di provenienza illecita saranno scontate simultaneamente.

Il caso era stato segnalato alla PIPCU dalla British Phonographic Industry (BPI) e ha portato al sequestro complessivo di 18 tonnellate di materiale. Peter Ratcliffe, direttore della divisione Content Protection della BPI, ha definito la condanna "di enorme importanza", sottolineando il lavoro svolto con le autorità e le case discografiche coinvolte nell’indagine.

Secondo la PIPCU - Police&nbsp;Intellectual Property Crime Unit - nel periodo tra il 2017 e il 2024, Ahmed avrebbe generato proventi per circa 2,74 milioni di sterline attraverso l'attività, operativa con il nome "Phoenix of Vinyl". A febbraio del 2024, le perquisizioni hanno condotto al sequestro di 2.791 vinili, matrici di incisione e macchinari utilizzati per la stampa. I prodotti, venduti anche online tramite eBay e Discogs, riguardavano opere di 108 artisti, tra cui Taylor Swift, Coldplay e Kendrick Lamar.

Vinili contraffatti, condanna dopo un sequestro da un milione

A Londra Rehan Ahmed condannato a tre anni e mezzo dopo l’indagine della polizia

La MetaBrainz Foundation, organizzazione non profit fondata nel 2004 da Robert Kaye e impegnata nella promozione dell’accesso libero e aperto ai dati, ha nominato&nbsp;Silona Bonewald&nbsp;nuova Executive Director con effetto immediato.

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757360/robert-kaye-1970-2026-scomparso-il-fondatore-di-musicbrainz">Dopo la scomparsa di Robert Kaye all’inizio dell’anno</a>, la fondazione è stata guidata ad interim dal Board of Directors e dall’acting Executive Director,&nbsp;Nicolás Tamargo.

La visione e la leadership di Kaye hanno contribuito in modo significativo allo sviluppo di MetaBrainz e, più in generale, all’industria musicale e dei metadata. Tra i suoi contributi più rilevanti figura la creazione degli&nbsp;MBID, gli identificativi univoci di MusicBrainz, diventati di fatto una sorta di lingua franca per l’identificazione non ambigua dei dati musicali.

Bonewald porta con sé oltre trent’anni di esperienza nella costruzione di comunità aperte, infrastrutture open source e organizzazioni non profit su scala globale. È nota anche per aver coniato nel 2004 il termine&nbsp;“citability”, riferito alla possibilità di rendere l’informazione digitale verificabile e attribuibile su larga scala.

“Robert Kaye e la comunità MetaBrainz hanno trascorso ventidue anni a costruire e dimostrare l’immenso valore di un archivio aperto della conoscenza e del patrimonio culturale”, ha dichiarato Bonewald. “Sono onorata di poter contribuire a portare avanti gli ideali di questa comunità: rendere i metadata riutilizzabili, interoperabili, disponibili e curati dalla comunità”.

Più recentemente Bonewald ha ricoperto il ruolo di Executive Director di&nbsp;IEEE SA Open, dove ha lanciato la prima piattaforma open source cloud-based dell’associazione per gli standard, ed è stata&nbsp;Vice President of Community Architecture at Hyperledger, progetto che fa parte della Linux Foundation.

Nel settore non profit, Bonewald ha fondato la&nbsp;League of Technical Voters, ha svolto attività di consulenza per organizzazioni open source come la&nbsp;Software Freedom Conservancy&nbsp;ed è stata membro del board del chapter di Austin della&nbsp;Electronic Frontier Foundation.

“I progetti MetaBrainz, dei quali MusicBrainz è il più noto, esistono affinché artisti e fan possano trovarsi senza dover chiedere il permesso a una piattaforma commerciale”, ha dichiarato&nbsp;Matthew Hawn, Director della MetaBrainz Foundation. “I dati presenti sulle piattaforme commerciali restano prigionieri all’interno dei servizi di streaming e dei social network, e l’AI non fa che accentuare questi silos. Silona porta trent’anni di esperienza nella costruzione di infrastrutture aperte e affidabili e il board è molto lieto che abbia deciso di assumere questo incarico”.

La&nbsp;MetaBrainz Foundation&nbsp;è una non profit attiva a livello internazionale che sostiene il libero accesso ai dati. È stata creata per costruire database mantenuti dalla comunità e renderli disponibili nel pubblico dominio o attraverso licenze Creative Commons.

I dati di MetaBrainz vengono raccolti in gran parte dalla comunità di volontari e verificati attraverso processi di peer review. I dataset della fondazione alimentano numerosi progetti e vengono utilizzati, dietro le quinte, anche da alcune delle maggiori aziende tecnologiche al mondo, tra cui&nbsp;Microsoft, Google e Amazon.

I principali progetti della MetaBrainz Foundation sono&nbsp;MusicBrainz,&nbsp;BookBrainz&nbsp;e&nbsp;ListenBrainz.

MetaBrainz nomina Silona Bonewald Executive Director

A una pioniera degli standard open source l’eredità di Robert Kaye 

Snapchat ha annunciato l’introduzione in Lens+, la formula di abbonamento premium lanciata lo scorso anno, di una nuova suite di strumenti creativi basati sull’intelligenza artificiale. Tra le funzionalità appena lanciate c’è la possibilità di trasformare una chat in un brano originale selezionando un messaggio e un genere musicale, oltre a remixare lo Snap di un amico, rinnovare sticker, font e texture e ripulire immagini esistenti. Secondo l’azienda, la funzione nasce da una tendenza già visibile nelle piattaforme di short video, dove gli utenti generano canzoni a partire dalle chat.

Per AI Photoshoot, Snapchat afferma che "non tutti i grandi Snap capitano con il tempismo perfetto", e che con il nuovo tool sarà possibile “ripulire rapidamente le foto quasi perfette… in modo da poter condividere il momento che si vuole catturare senza dover rifare lo scatto". Le nuove funzioni sono disponibili per gli utenti Lens+, mentre gli abbonati Snapchat+ ricevono anche altri strumenti, tra cui la creazione di un modello 3D della propria casa da mostrare su Snap Map ai contatti fidati.

Non sono chiari, al momento, i dettagli tecnici dietro al lancio della nuova suite: Snapchat ha una lunga serie di accordi con etichette ed editori, tra cui UMG, Sony Music, WMG, Warner Chappell, Kobalt, BMG, Merlin, NMPA e DistroKid, ma non è noto se questi rapporti abbiano un ruolo nei tool per generare canzoni.

Snapchat, in Lens+ arrivano i remix AI

E non solo: l’intelligenza artificiale sarà utilizzata anche per modificare le foto da postare

Esiste una pratica cognitivo-comportamentale sintetizzata dall’acronimo STOP: Stop, Take a breath, Observe, and Proceed. Fermati, respira, osserva e agisci. Una procedura utile a rialzarsi dopo una caduta con un approccio lucido e consapevole, scevro da condizionamenti negativi che possano pregiudicare il raggiungimento dell’obiettivo. Gli spazi di musica dal vivo di base italiani, oggi, sono come uno sportivo che si sta preparando a tornare in campo dopo un brutto infortunio. Lo spirito è resiliente e le idee non mancano, ma serve uno scatto per lasciarsi il passato alle spalle e guardare al futuro con il giusto atteggiamento. Occorre, quindi, ordinare le tessere del mosaico sparse negli anni passati, prima della pandemia e poi delle turbolenze finanziarie globali. Serve mettere a sistema tutti gli spunti emersi nelle ultime stagioni, per instaurare un rapporto più stretto e proficuo con le istituzioni e creare un ecosistema abbastanza solido da reggere la concorrenza dei big player e gli scossoni di una congiuntura economica sempre più sfidante, non solo per il comparto live.

La vera priorità, per gli spazi di musica dal vivo di base, è trovare una propria identità, per sapersi raccontare e riuscire a farsi inquadrare dalla politica. Perché il live club, così come tradizionalmente inteso, è un’entità che ormai appartiene al passato. Di “luoghi in costante movimento” parla Davide Fabbri, Presidente di KeepOn, nel suo intervento di apertura alla plenaria dell’associazione - tenuta lo scorso venerdì 18 settembre al DumBO di Bologna, nell’ambito dell’annuale edizione del KeepOn Fest - che dal 2004 rappresenta i gestori dei locali dedicati agli eventi musicali. La necessità di fornire alle istituzioni una fotografia chiara e definita del settore è un’impresa ardua, quasi come scattare un’istantanea di “un animale in fuga”. “Capire cosa sia un live club è una querelle che non si è mai risolta”, dice: “Dovremmo dare una risposta a questa domanda, ma ogni realtà dà una risposta diversa in base alla propria prospettiva”.

Contarsi e raccontarsi è fondamentale per ottenere un riconoscimento a livello istituzionale. Là dove esistono esempi virtuosi - come quello emiliano-romagnolo, raccontato alla plenaria di KeepOn da Giorgia Boldrini, Direttrice del Settore Cultura del Comune di Bologna, e Gianni Cottafavi, dirigente regionale del Settore Attività Culturali, Economia della Cultura e Giovani - sono presenti, sulla maggior parte del territorio nazionale, situazioni di profonda criticità, soprattutto nelle aree più lontane dai grandi centri urbani.

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Federico Rasetti (nella foto, qui sopra, durante il suo intervento, ndr), Managing Director di KeepOn, cita l’esempio del Diagonal Loft Club, storico locale live di Forlì chiuso definitivamente alla fine dello scorso luglio, dopo trent’anni di attività, perché sfrattato dai proprietari dell’immobile che occupava per far posto a un supermercato. “Un caso che racconta molto - dice - della situazione che stiamo vivendo”, riferendosi alla proprietà degli spazi che, nella quasi totalità dei casi, non è nella disponibilità di chi li gestisce. Gli fa eco Carlo Parodi, Presidente di Assomusica, che prossimamente presenterà l’Atlante dei live club italiani, una sorta di primo censimento delle realtà di base da presentare in vista della stesura dei decreti attuativi del tanto atteso Codice dello Spettacolo. “Solo a Groningen [città dei Paesi Bassi da 240mila abitanti che annualmente ospita l’Eurosonic, happening europeo di riferimento per gli operatori live indipendenti, ndr] operano più di una dozzina di live club, tutti modernissimi e ottimamente attrezzati”, spiega: “I dati che abbiamo raccolto, per l’Italia, fotografano una condizione profondamente diversa, con capoluoghi di provincia spesso privi di un vero e proprio spazio dedicato alla musica dal vivo”.

Non è solo un tema economico, perché da una parte - sottolinea Parodi - “i club offrono opportunità lavorative ai giovani, creano economie e arginano la polverizzazione del tessuto sociale”, e dall’altra, osserva Cottafavi, i locali di musica dal vivo, “così come i musei, i teatri e le biblioteche, rappresentano dei presidi indispensabili di cultura democratica”.

Gli spazi live di base, in sostanza, non hanno più né tempo né voglia di commiserarsi, cedendo alla rappresentazione - pur veritiera - di un boom del comparto dal vivo che ha interessato solo i big player. Resta, ovviamente, una massima apertura ai sostegni delle istituzioni, ma, assodato che l’attesa di un supporto dall’alto non sia strategicamente sostenibile per proseguire le attività, l’idea è quella di aiutarsi da soli. E, in questo senso, le iniziative sono tante: si va dall’organizzazione di tour collettivi raccontati da Toto Barbato del The Cage di Livorno, con diversi club disposti a formare un network in grado di ospitare tournée estese e, per così dire, autoprodotte su tutto il territorio nazionale, a una partnership con Yamaha, che metterà a disposizione a titolo gratuito dispositivi pro-audio di alta qualità a locali il cui budget non consenta di investire in strumentazione, fino a una sorta di “mercatino” interno all’associazione per la vendita di attrezzature usate. Senza dimenticare nuovi format studiati per ampliare l’accessibilità economica alle serate, come quello dell’abbonamento stagionale - preso in prestito da teatri e cinema d’essai - che Damiano Miceli, CEO di Panico Concerti, ha iniziato a sperimentare, con “ottimi risultati”, da pochissimo.

Tra le sfide alle quali i live club e i festival indipendenti sono chiamati a far fronte c’è quella di un cambio di prospettiva radicale del pubblico. Oggi, stando ai dati in possesso di KeepOn, solo l’11% degli esercizi che operano nel nostro Paese basa le proprie attività esclusivamente sui concerti. Una parte consistente della programmazione - racconta Simone Fogliata, gestore del The Hall di Padova - oggi è occupata dalla stand-up comedy, che, a costi di produzione decisamente inferiori a quelli dei concerti tradizionali, restituisce, in termini di vendite al botteghino, incassi decisamente vantaggiosi. “La loro platea, però, è diversa da quella alla quale siamo abituati”, avverte: “Un buon 80% del pubblico presente alle serate comedy, soprattutto in provincia, non è mai entrato in un live club”.

Se, sulle macerie lasciate dal Covid, gli spazi live di base italiani chiedevano essenzialmente sostegno e riconoscimento, con l’impressione di venire ingiustamente considerati come seconde linee in un settore che, negli ultimi anni, è stato finalmente riconosciuto come comparto non solo culturale, ma anche industriale, oggi club e festival indipendenti guardano più a loro stessi, alla ricerca di un’identità da definire non solo a beneficio dei propri interlocutori, ma anche della filiera stessa. Una tensione tra fragilità e trasformazione che, se trasformata in energia, può condurre a una rinascita che, al momento, è ancora tutta - o quasi - da immaginare.

Live club italiani: conoscere sé stessi per immaginare un domani

Alla plenaria di KeepOn gli spazi di musica dal vivo tra criticità e idee per esistere (e resistere)

Warner Music Italy ha rinnovato anche per il 2026 Back To School, operazione che vede la label ripubblicare in formato vinile, in nuove edizioni colorate, una selezione di titoli della propria divisione frontline. A partire dallo scorso venerdì, 18 settembre, sono stati resi disponibili sul mercato gli LP colorati di - tra gli altri - “Trauma” di Tony Boy, “E poi siamo finiti nel vortice” di Annalisa, “Magmamemoria” di Levante, “Antologia della vita e della morte” di Irama, “1990” di Achille Lauro e “Mattia” di Rondodasosa. Tutte le uscite sono disponibili sulla piattaforma D2C di WMG Italy e presso i negozi fisici che hanno aderito all’iniziativa.

"Abbiamo voluto fare qualcosa di diverso: non solo sconti legati al Back to School, ma nuovi prodotti, tutti con colorazioni differenti”, ha commentato Alessandro Faccin, Head of D2C, E-commerce &amp; Physical di Warner Music Italy: “Alcuni di questi non sono mai usciti in vinile, come 'Pensieri Cattivi' di Macello e 'Tana' di Angelica Bove. Un pubblico sempre più giovane si sta avvicinando al vinile e richiede prodotti particolari. Nell'era digitale, il vinile permette ai superfan di stringere un legame più profondo con l'artista attraverso il possesso di un oggetto che ne riflette la creatività. Per rispondere all'interesse di questi giovani appassionati, abbiamo quindi realizzato questa selezione speciale”.

"Questo testimonia la nostra attenzione verso le evoluzioni del mercato, che si muove in modo sempre più rapido e che abbraccia tutti i target con l'evoluzione dei canali di vendita, tant'è che uno dei passi che attualmente stiamo facendo sul mercato fisico è la rivitalizzazione del formato CD, in grande crescita presso i target della Gen Z”, ha aggiunto Enrico Pugni, Sales &amp; Business Development Director di Warner Music Italy.

WMG Italy, anche nel 2026 torna Back To School

LP colorati, in edizione speciale: i dettagli

Sono stati raccolti 20 milioni di dollari in nuovi finanziamenti da Unit1 Studio per lo sviluppo della propria tecnologia per concerti, che utilizzano&nbsp;avatar digitali. L'operazione comprende un investimento azionario guidato dalla società di venture capital Balderton, insieme a risorse dedicate alla produzione.

Unit1 Studio, lanciata nell'ottobre 2025, punta a rendere questi show facilmente replicabili e trasferibili su più venue, superando il modello delle residency legate a strutture progettate ad hoc, La prima dimostrazione della tecnologia, realizzata con KT Tunstall, è stata recentemente trasferita nel nuovo studio della società a Tileyard London. "Lo spettacolo 'ABBA Voyage'&nbsp;ha dimostrato che il pubblico apprezza i concerti con avatar, ma i costi di sviluppo e di trasferimento hanno impedito che questa opportunità si concretizzasse appieno", ha dichiarato il fondatore Barney Wragg. "La nostra capacità di realizzare questi spettacoli a una frazione dei costi e di replicarli in qualsiasi luogo trasforma finalmente tali eventi in una realtà commerciale concreta".

Unit1 Studio, inoltre, ha nominato nel proprio consiglio di amministrazione John Kennedy, ex vertice di IFPI, mentre tra gli investitori figura anche Paul McGuinness.

Unit1 Studio, 20 milioni per i concerti con avatar

Si punta a sviluppare una tecnologia pensata per il touring, replicabile in diverse venue

Winamp ha annunciato una partnership strategica con Deezer per lanciare un proprio servizio premium in abbonamento, integrato nativamente nella prossima generazione del Winamp Player, il cui lancio sui mercati è previsto per il 2027. In base all'accordo, il DSP francese metterà la propria infrastruttura tecnologica e il proprio catalogo globale, mentre Winamp costruirà un'offerta sotto il proprio marchio che unirà streaming premium, library locali, Web internet, podcast, raccolte personali in cloud e altre fonti audio, con un'interfaccia più personalizzabile e nuove funzioni social.

L'azienda sostiene che il prodotto ripenserà sia l'esperienza d'ascolto sia il modello di abbonamento; dopo il lancio, anche il player desktop Winamp, ancora usato da oltre 40 milioni di utenti nel mondo, includerà il servizio. Per Alexandre Saboundjian, CEO di Winmap, l'accordo consente di accedere a “tecnologia di streaming di livello mondiale” e a “uno dei cataloghi musicali più ricchi del mondo”; Thierry Ascarez, CBO di Winamp, ha riassunto così la divisione dei ruoli: “Deezer fornisce l'infrastruttura di streaming; Winamp sta creando un'esperienza di prodotto completamente nuova”.

Winamp, una partnership con Deezer

Per il rilancio dello storico lettore musicale

La situazione di Suno, l’attore principale su scala globale in tema di Gen AI e musica, è fluida e in continuo divenire. Dotata di ingenti risorse finanziarie e sempre meglio posizionata a livello di lobby, da mesi gioca su due tavoli con disarmante disinvoltura. Oggi gli accordi con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755613/ai-warner-music-sigla-un-accordo-con-suno">Warner Music Group</a>, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760665/suno-un-accordo-con-bmg">BMG</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761087/suno-un-accordo-con-believe">Believe</a> convivono con i <a href="http://musicbiz.rockol.it/news-759209/sony-music-e-universal-music-si-intensifica-la-causa-contro-suno">pericolosi contenziosi</a> <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761327/suno-una-nuova-causa-da-universal-music-e-sony-music">contro Universal e Sony Music</a>, tecnicamente inceppati sull’interpretazione del fair use ma pragmaticamente utili per alzare le rispettive poste e negoziare dietro le quinte. Nel frattempo bisognerà capire se le licenze ottenute possano costituire una prova dell’esistenza di un mercato per il training AI e, quindi, indebolire la difesa di Suno; oppure aspettare di scoprire se i contratti che le regolano sono stati configurati ad hoc proprio per scongiurare questa interpretazione. Anche perché le due major sono meglio posizionate per sostenere a lungo una guerra di logoramento dai costi sempre più ingenti.

Ecco come stanno le cose.

Due Suno contemporaneamente

C’è una situazione che sembra contraddittoria ma che, sul piano giuridico, non è ancora stata dichiarata tale da nessun tribunale.

Da una parte Suno continua a difendersi dalle cause intentate da Universal Music Group e Sony Music, sostenendo che l’impiego di musica protetta per addestrare un modello di intelligenza artificiale possa ricadere nel&nbsp;fair use&nbsp;e, dunque, non richiedere necessariamente una licenza.

Dall’altra la stessa Suno ha cominciato a concludere accordi con grandi titolari di repertorio nei quali l’utilizzo della musica per i nuovi modelli viene invece autorizzato e remunerato.

Un doppio binario:&nbsp;cause contro licenze.

Ne deriva una domanda:&nbsp;gli accordi di licenza che Suno sta firmando possono essere utilizzati da Universal e Sony come prova contro Suno nelle cause ancora aperte? Bel dilemma. Ecco come ci si è arrivati.

Nel 2024 le tre major, Universal Music Group, Sony Music Entertainment e Warner Music Group, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745385/intelligenza-artificiale-maxi-cause-delle-major-a-suno-e-udio">hanno intentato causa a Suno accusandola di avere utilizzato registrazioni protette da copyright per addestrare i propri modelli senza autorizzazione</a>. Poi, il&nbsp;25 novembre 2025, WMG ha annunciato un accordo con Suno&nbsp;che ha posto fine al contenzioso tra le due società e che prevede lo sviluppo di nuovi modelli Suno basati su musica autorizzata, con meccanismi di partecipazione volontaria per artisti e autori.

Il&nbsp;12 agosto 2026 BMG e Suno hanno annunciato una propria alleanza globale. BMG non era parte della causa iniziale delle major, ma l’accordo riguarda sia registrazioni che publishing e prevede compensi per gli aventi diritto partecipanti e un quadro concordato per l’impiego delle opere nei sistemi Suno.

L’8 settembre 2026 Believe e Suno hanno annunciato una partnership strategica globale, estesa anche a TuneCore. L’accordo prevede che artisti e label che scelgono di aderire possano autorizzare l’utilizzo del proprio repertorio nei nuovi modelli Suno, con forme di remunerazione dedicate.

Pertanto Suno continua a sostenere contro Universal e Sony che il training non richieda necessariamente licenze, mentre contemporaneamente costruisce con Warner, BMG e Believe un sistema nel quale quelle licenze esistono.

Fair use

Negli Stati Uniti non esiste una regola che stabilisca automaticamente che il training di un modello AI con opere protette sia sempre lecito o sempre illecito. La valutazione avviene considerando diversi fattori. Quello decisivo per il nodo Suno è&nbsp;l’effetto dell’utilizzo sul mercato dell’opera protetta, compreso in determinate circostanze il suo mercato potenziale.

Questa la tesi di UMG e SME: se Suno conclude con Warner, BMG e Believe accordi che prevedono l’utilizzo autorizzato e remunerato del repertorio nei propri modelli, ciò dimostra che un mercato delle licenze per il training può esistere realmente.In un deposito giudiziario dell’aprile 2026 i loro avvocati sostengono, infatti, che l’accordo Warner incide direttamente sulla valutazione dell’effetto sul mercato. La loro formulazione è importante: l’accordo Warner costituirebbe direct evidence that a market for such licenses exists, la dimostrazione pratica che una licenza è possibile e che Suno stessa ha riconosciuto operativamente quel mercato.

Dunque, se un giudice deve chiedersi se esista o possa svilupparsi un mercato per concedere in licenza registrazioni musicali ai sistemi AI, WMG, BMG e Believe offrono oggi tre casi reali: tutte hanno raggiunto un accordo con Suno e per un tribunale potrebbe diventare difficile sostenere che un mercato delle licenze non sia destinato a svilupparsi. Parliamo dell’esistenza stessa di una nuova categoria economica:&nbsp;il diritto di utilizzare repertorio protetto come training data.

La risposta di Suno

La posizione opposta non consiste nel negare che Warner o BMG o Believe abbiano firmato accordi. Suno contesta il significato giuridico attribuito a quei contratti, sostenendo che un accordo concluso nel contesto di una causa non dimostra necessariamente l’esistenza di un normale mercato concorrenziale. Più in dettaglio, i legali della piattaforma nell’aprile e poi nel luglio 2026 scrivevano che la perdita di possibili opportunità di licenza per un utilizzo trasformativo non costituirebbe automaticamente un danno riconosciuto dal diritto e che l’accordo con WMG era stato plasmato dal rischio di contenzioso, non dalle forze competitive proprie di un mercato funzionante.

Quindi, secondo Suno, WMG non prova che esistesse un mercato autonomo delle licenze per il training ma solo che Suno era coinvolta in un contenzioso costoso e WMG era una delle controparti, dunque le due società hanno deciso di eliminare il rischio legale attraverso una transazione. È, anche questo, un assunto cruciale: il pagamento, qui, può quindi essere interpretato come prezzo della pace giudiziaria e non necessariamente come prezzo di mercato del training (si applica a WMG, con cui un contenzioso era in essere, non a BMG e Believe).

Ad oggi manca la risposta a questa domanda: Suno sta pagando una licenza, una transazione, la fine di una causa, l’accesso futuro al repertorio o tutte queste cose contemporaneamente?

Cosa c’entrano Anthropic, Meta e GEMA?

Il&nbsp;23 giugno 2025, nel caso&nbsp;Bartz v. Anthropic, il giudice federale William Alsup ha stabilito che l’utilizzo di libri per addestrare Claude era, nelle circostanze esaminate,&nbsp;fair use. Questo precedente viene utilizzato dall’industria AI perché riconosce che l’addestramento può avere natura trasformativa.

Ma Alsup ha distinto il training dalla creazione e conservazione di una biblioteca di copie ottenute illegalmente, e quella parte non è stata considerata automaticamente coperta dal&nbsp;fair use. Quindi affermare che «usare qualsiasi contenuto protetto per addestrare un’AI è legale» è estremo; la sentenza Anthropic stabilisce che uno specifico utilizzo per il training può essere trasformativo e ricadere nel&nbsp;fair use, mentre modalità differenti di acquisizione e conservazione delle opere possono avere un trattamento diverso.

Nel caso&nbsp;Kadrey v. Meta, deciso nel 2025, un giudice ha respinto l’idea che la semplice possibilità di creare un mercato delle licenze possa automaticamente dimostrare un danno a quel mercato. È il cosiddetto argomento della circolarità, ossia: se bastasse che il titolare del copyright dichiari di essere disposto a concedere una licenza, ogni nuovo utilizzo potrebbe generare artificialmente un mercato delle licenze e, successivamente, il titolare potrebbe sostenere che chi non acquista quella licenza gli causa un danno. Il precedente Meta&nbsp;non può decidere il caso Suno, ma le offre un argomento contro l’idea che la nascita di alcune licenze dimostri automaticamente che esistesse un diritto esclusivo a concederle.

Il caso più direttamente collegato alla musica è però europeo: il&nbsp;31 luglio 2026 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760457/gema-sconfigge-suno-in-tribunale">il Landgericht München (tribunale regionale di Monaco di Baviera I) ha sentenziato sul caso GEMA contro Suno</a>, riconoscendo una violazione del copyright con riferimento all’uso di opere del repertorio GEMA nell’ambito dei sistemi Suno. È un precedente particolarmente rilevante dal punto di vista industriale perché riguarda Suno, ma non può però essere trasferito automaticamente negli Stati Uniti (il diritto tedesco ed europeo utilizzano un quadro giuridico diverso dal&nbsp;fair use&nbsp;americano).

Tre major, tre strategie

Passando dalla posizione di attrice contro Suno a quella di partner contrattuale di Suno, WMG ha evidenziato l’attuazione di tre strategie differenti tra le major. Infatti WMG ha scelto accordo e licenza, UMG continua il contenzioso con Suno, pur avendo contemporaneamente raggiunto un accordo con Udio, mentre Sony Music continua il contenzioso e non risulta aderire all’accordo Udio.

Oggi il fronte dell’industria discografica non è unitario sul modello di un accordo da perseguire con le startup di Gen AI operanti nella musica.

Il modello Udio 

Il&nbsp;29 ottobre 2025 <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755014/ai-universal-music-e-udio-hanno-raggiunto-un-accordo">Universal Music Group e Udio hanno annunciato un accordo&nbsp;per sviluppare un nuovo servizio di gen AI</a> basato su musica autorizzata, secondo un modello che introduce un elemento che distingue quella trattativa dal confronto con Suno. <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756807/umg-vs-suno-la-battaglia-filosofica-sull-ai">UMG ha adottato un’impostazione walled garden</a>, in base alla quale le creazioni restano all’interno di un ambiente controllato e sono previste limitazioni alla possibilità di esportarle o scaricarle liberamente.

Suno sostiene invece che le opere generate debbano poter uscire dalla piattaforma.

Quella in questione non è, perciò, soltanto una disputa sul pagamento del training ma anche una disputa sul&nbsp;modello del prodotto finale – impatta su chi controlla gli output, dove possono essere utilizzati, se possono circolare fuori dalla piattaforma, quali possibilità di riutilizzo hanno gli utenti. È una trattativa che riguarda, oltre il diritto di usare il repertorio come input, anche la natura dell’output, la sua esportabilità, il controllo sulle opere generate e il grado di libertà riconosciuto agli utenti.

Conclusioni

L’attuale doppio contenzioso che vede protagonista Suno supera il caso specifico e può contribuire a definire una questione economica molto più ampia, ossia: il training diventerà una nuova categoria stabile di sfruttamento del copyright, con un proprio mercato delle licenze, oppure alcuni utilizzi di opere protette saranno considerati trasformativi e quindi non sottoposti a un diritto generalizzato di autorizzazione?

Gli accordi Suno con Warner, BMG e Believe, insieme all’accordo tra UMG e Udio, mostrano che&nbsp;un mercato contrattuale sta già cominciando a formarsi, mentre l’esito delle cause stabilirà fino a che punto quel mercato derivi da un obbligo giuridico e fino a che punto sia, invece, il risultato di accordi volontari tra operatori.

È una distinzione fondamentale. L’esistenza economica di una licenza non coincide automaticamente con l’esistenza giuridica di un diritto a pretendere quella licenza. Ed è precisamente questo lo spazio che Suno cerca di difendere, anche provando a dimostrare che il contenzioso è abbastanza oneroso da rendere conveniente una soluzione negoziale (servirebbe leggere i contratti, a questo proposito, per capire se questi accordi sono stati strutturati tenendo conto del modo in cui sarebbero stati utilizzati successivamente nel procedimento sul fair use).

Nel procedimento contro Suno, le istanze relative al fair use non saranno presentate prima dell’aprile 2027: fino ad allora potrebbero sopraggiungere altri accordi, altre sentenze e nuovi modelli di licensing. Universal e Sony potrebbero anche trovare un’intesa con Suno prima che il giudice sia chiamato a decidere. Non sarebbe sorprendente, dato che la maggioranza delle cause civili negli Stati Uniti si chiude con una transazione (nei casi ad alta esposizione economica, poi, le società tendono spesso a ridurre il rischio invece di affidare l’esito a un tribunale o a una giuria).

Per ora il paradosso rimane aperto. Se sul piano commerciale Suno sta dimostrando di poter costruire insieme all’industria musicale un ecosistema di AI basato su repertorio autorizzato, sul piano giudiziario continua invece a sostenere che il copyright non attribuisca necessariamente ai titolari delle opere un diritto a essere pagati per ogni utilizzo destinato al training.

Le due posizioni possono convivere se le licenze vengono considerate accordi volontari, mentre entrano in tensione se i tribunali considerano quelle stesse licenze come prova dell’esistenza di un mercato che il training senza autorizzazione danneggia.

Suno è bipolare?

Licenze con WMG, BMG e Believe, cause contro UMG e SME. L’analisi di un’apparente contraddizione

Carianne Marshall lascerà ufficialmente l'incarico di Co-Presidente e Chief Operating Officer di Warner Chappell Music alla fine di settembre, nell'ambito di un processo di razionalizzazione della struttura dirigenziale di WMG. Marshall resterà, ad ogni modo, in azienda fino alla fine del 2026, mentre Guy Moot assumerà il ruolo di Presidente unico a partire dal&nbsp;1° ottobre.

"Quando Guy ed io abbiamo intrapreso questo percorso insieme, volevamo creare una casa per la comunità creativa che mettesse al primo posto gli autori", ha dichiarato Marshall. "Ripensando al tempo trascorso, ciò di cui vado più fiera non è solo la nostra crescita, ma l’incredibile cultura e i valori che abbiamo coltivato insieme". Robert Kyncl, CEO di Warner Music Group, ha sottolineato come Marshall abbia avuto "un ruolo fondamentale nel trasformare Warner Chappell nell’azienda di successo che è oggi".

Entrata in azienda nel giugno 2018 come COO, Carianne Marshall ha guidato la società insieme a Moot dall'aprile del 2019, contribuendo alla creazione del dibartimento 'Creative Services', sviluppato per ampliare le opportunità commerciali e creative a disposizione degli autori. Prima di entrare in WMG, Marshall aveva lavorato per oltre dieci anni con SONGS, dove era Partner, oltre che Head of Creative Services e reponsabile del Creative Licensing. Ha contribuito allo sviluppo di un roster di oltre 300 autori, tra cui Lorde, The Weeknd, Diplo e DJ Mustard, oltre a guidare le attività della West Coast e il team dedicato al licensing per cinema, televisione, pubblicità, videogiochi e altri media.

Carianne Marshall lascia Warner Chappell Music

Dopo sette anni ai vertici come Co-Presidente, resterà in azienda fino alla fine del 2026

AssoConcerti, l’associazione di categoria che rappresenta i principali produttori e organizzatori di musica dal vivo in Italia, ha assegnato tre importanti riconoscimenti a Marco Mengoni, Il Volo ed Eros Ramazzotti in occasione dei BYD Music Awards, tenutisi tra gli scorsi 18 e 19 settembre all’Arena di Verona.

“I premi assegnati dalla nostra Associazione raccontano tre percorsi artistici differenti, accomunati da un rapporto forte e duraturo con il pubblico e, soprattutto, dalla capacità di portare la musica italiana oltre i confini nazionali”, ha dichiarato il Presidente di AssoConcerti, Bruno Sconocchia: “Marco Mengoni, Il Volo ed Eros Ramazzotti rappresentano esempi significativi di come la canzone popolare contemporanea possa trasformarsi in un patrimonio condiviso, in grado di parlare a pubblici diversi e di unire generazioni”.

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A Marco Mengoni è stato assegnato il riconoscimento per gli straordinari risultati ottenuti con la sua attività live. “Per la tournée che ha segnato il record del 2025, certificato dalla SIAE, con oltre 670.000 biglietti venduti”, si legge nelle motivazioni di AssoConcerti: Ha conquistato stadi, palazzetti e arene d’Italia e d’Europa, creando un dialogo autentico con il pubblico e confermando, ancora una volta, la forza aggregante della musica dal vivo”.

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Ai Il Volo è andato il Premio Speciale di AssoConcerti, “per aver saputo rinnovare e diffondere nel mondo la tradizione del bel canto italiano, trasformandola in un linguaggio capace di unire generazioni, culture e Paesi diversi”. “AssoConcerti premia tre giovani artisti che continuano a portare il talento italiano sui palcoscenici di ogni continente”, ha motivato l’associazione.

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A Eros Ramazzotti, infine, è stato conferito il premio per un percorso artistico capace di attraversare quattro decenni, mantenendo nel tempo una dimensione globale. “In oltre quarant’anni di carriera porta la musica italiana sui palchi di tutto il mondo”, ha spiegato AssoConcerti: “Conquistando generazioni con una voce e uno stile inconfondibili e con oltre 500.000 biglietti venduti in tutta Europa. E come un diamante… la sua carriera continua a brillare nel tempo”.

BYD Music Awards, i premi di AssoConcerti

Riconoscimenti a Marco Mengoni, Il Volo ed Eros Ramazzotti

Accogliendo un’istanza presentata da FIMI - Federazione Industria Musicale Italiana, nel regolamento del prossimo Festival di Sanremo - diffuso oggi, lunedì 21 settembre - è stata inserita una norma che vieta l’utilizzo di modelli di intelligenza artificiale generativa nel processo di composizione dei brani candidati a competere sul palco del Teatro Ariston tra i prossimi 16 e 20 febbraio.

“Le canzoni dovranno essere espressione della creatività umana”, precisa il resto recepito dagli organizzatori del Festival: “Non potranno quindi essere utilizzati - nella loro ideazione, nella composizione di musica e testi e nella loro realizzazione - sistemi o strumenti di intelligenza artificiale, qualora tale impegno comporti la sostituzione, l’alterazione o lo snaturamento del contributo creativo umano che costituisce caratteristica essenziale delle canzoni partecipanti”.

“Rai e Direttore Artistico si riservano, ove ritenuto necessario, la facoltà di utilizzare ogni mezzo tecnologico disponibile per verificare e valutare l’eventuale utilizzo di sistemi e strumenti di intelligenza artificiale nell’ideazione, nella composizione e realizzazione delle canzoni”, conclude il testo.

“La posizione assunta da RAI in linea con i recenti principi adottati dall’industria musicale è importante", ha commentato Enzo Mazza, CEO di FIMI:&nbsp;"L’AI generativa è infatti una tecnologia che farà sicuramente parte del settore, ma è necessario che lo sia in modo trasparente e senza sostituire la creatività umana, che soprattutto in una gara che si focalizza su canzoni e testi come quella del Festival di Sanremo deve rimanere assolutamente centrale”.

Tra le altre novità introdotte dal regolamento per la settantasettesima edizione del Festival della Canzone Italiana, c’è quella di una giuria internazionale che interverrà nel corso della “Serata performance” di venerdì 19 febbraio, che designerà il partecipale italiano alla prossima edizione dell’Eurovision Song Contest. In occasione della serata finale, durante la quale verrà indicato il nome vincitore assoluto della manifestazione, a votare sarà solamente la Giuria Popolare, che esprimerà le proprie indicazioni tramite il Televoto e il Voto Online. Un’altra novità riguarda la frequenza delle esibizioni dei concorrenti in gara alla prossima edizione del Festival: a febbraio, al Teatro Ariston, tutti i concorrenti si esibiranno in ognuna delle cinque serate della manifestazione, proponendo così al pubblico la propria canzone per un totale di quattro volte (escludendo, ovviamente, la serata dedicata alle cover).