E’ disponibile da oggi, venerdì 20 febbraio, Essential, report che raccoglie tutti gli spunti e le tendenze emerse durante la <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week 2024</a>. Compilato a cura di Rockol MusicBiz, il documento - spiegano gli organizzatori della manifestazione - “è pensato non solo per offrire una panoramica sugli obiettivi dell'industria musicale per il 2024, ma anche per condividere i numeri e le discussioni che hanno reso unica questa edizione della MMW”.

Essential della Milano Music Week 2024 è disponibile a <a href="https://drive.google.com/file/d/13i613kFn-eB37mieMLQLa0WA_IrrEnd7/view" target="_blank">questo indirizzo</a>.

La direzione artistica della music convention, curata da Nur Al Habash insieme al curatore speciale Venerus, ha organizzato 84 appuntamenti nell’ambito della manifestazione, ai quali si sono aggiunti oltre 300 eventi collaterali ospitati da diverse venue in tutta la città, come - tra gli altri - i SIAE Music Awards, giunti quest’anno alla seconda edizione e condotti da Amadeus: oltre 10.000 persone hanno partecipato agli 84 eventi organizzati dalla Milano Music Week e in totale più di 60.000 persone hanno partecipato alla settimana della musica, segnando una crescita di pubblico del 50% rispetto all’anno precedente (40.000 persone).

Industria

Milano Music Week 2024, da oggi disponibile Essential

Un report per offrire una panoramica degli spunti emersi nel corso dell’ultima edizione della MMW

Negli ultimi anni, il tema della salute mentale è diventato uno dei più dibattuti, anche nel settore musicale, grazie soprattutto alle iniziative intraprese da artisti e operatori del settore, tra cui Rockol. Infatti, nell’ambito della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a>, da tre anni a questa parte, Rockol ha organizzato una serie di incontri con addetti ai lavori per confrontarsi su questa importante tematica. Di seguito&nbsp;l’intervista di Gianni Sibilla a Luca Daher, Managing Director di Believe Italy.

&nbsp;

Che cos'è la salute mentale per te e cos'è la salute mentale nell’industria musicale?

Oggi la salute mentale è un’area di grande attenzione, e per fortuna siamo all'inizio di un percorso che ci aiuterà a capire meglio come stare bene mentalmente, partendo da chi siamo. Il lavoro occupa una parte preponderante del nostro tempo e, di conseguenza, una delle sfide più importanti è imparare a parlarne apertamente per supportarci reciprocamente nel vivere meglio anche l'ambiente lavorativo.

Fino a qualche anno fa, la salute mentale non era un tema centrale. Chi lavorava nel settore musicale doveva solo lavorare, senza lamentarsi. Cosa ricordi di quegli anni?

Sono arrivato tardi in questo settore, e credo sia stato un bene per me. Mi ricordo che, inizialmente, ho avvertito una serie di sensazioni senza rendermi conto dei problemi da dover affrontare anche nella vita quotidiana. Ho avuto la fortuna di vivere una carriera abbastanza rapida, anche quando lavoravo in pubblicità. Quando inizi a gestire persone&nbsp;subentra una responsabilità emotiva non indifferente, soprattutto se sei coinvolto personalmente. All'epoca non era facile mostrare le proprie fragilità. Un episodio illuminante per me è stato durante il periodo in cui lavoravo in Spotify: una conversazione con dei colleghi francesi mi ha fatto riflettere sul ruolo che volevo avere nel lavoro. Mi sono reso conto di essere diverso dal modello tradizionale di manager e ho deciso di accettare questa diversità. Affrontando difficoltà personali, ho iniziato a capire quanto fosse importante parlarne apertamente. È facile predicare bene e razzolare male, mostrando interesse per la salute mentale di un collega o di un artista, ma senza realmente mettersi in gioco. Anche oggi, partecipare a iniziative come questa mi aiuta a sostenere gli altri e, contemporaneamente, me stesso. L’industria musicale, però, pecca in due aspetti: tutto è personale, perché lavoriamo con le persone. Il prodotto qui sono le persone, e non persone qualunque, ma artisti dotati di una sensibilità incredibile. È il tema di cui si parla da decenni del complesso intreccio tra fragilità personali, comportamenti errati, dipendenze e creatività artistica.&nbsp;Questa dinamica, a un certo punto, ha iniziato a pesarmi. Quando parlo con alcuni ragazzi con cui lavoro, al di là delle differenze generazionali – perché le nuove generazioni stanno affrontando un futuro percepito spesso come incerto e spaventoso – noto che la situazione è ancora più delicata per gli artisti. In passato&nbsp;mi è capitato di parlare con clienti importanti, come il direttore marketing di un brand prestigioso, e alla fine della giornata&nbsp;lui tornava a casa dalla sua famiglia e, anche se le vendite di pasta non andavano come previsto, la sua vita personale non ne risentiva drammaticamente. Qui, invece, mi trovo davanti a un altro tipo di realtà: artisti che, dopo appena due singoli che non hanno avuto il successo sperato, ti guardano negli occhi e ti dicono "sono finito". Affronto decisioni contrattuali difficili e vedo artisti esposti pubblicamente in maniera molto intensa. Abbiamo parlato di Sanremo, e sappiamo quanto possa essere centrale nella carriera di un artista. Accompagnarli in quel contesto è una vera tassa emotiva. Sto lavorando duramente per essere di supporto, anche solo in minima parte, perché questa identificazione estrema tra successo e fallimento è unica del nostro settore. In più, ci sono le ore di lavoro. Come azienda, cerchiamo di proteggere i nostri colleghi, ma poi capita che un venerdì notte alle tre, una release abbia un problema e l'artista- che vive per quello - ti chiama. Tu, cosa fai? Non rispondi perché ci sono le regole di lavoro? È complicato. Abbiamo chiara l’idea di dove siano i problemi, ma le soluzioni richiedono uno sforzo collettivo. Dobbiamo prenderci per mano tutti: a livello associativo, aziendale, di sistema e insieme agli artisti. C’è tanto lavoro da fare.

L’industria musicale vive di risultati, e questa pressione è enorme. Come lavora Believe su questi aspetti?

Ad esempio, una cosa che i membri più esperti del mio team mi avevano già segnalato è l'importanza di imparare a dire “no” nel modo giusto. Tuttavia, a volte ciascuno di noi deve affrontare certe situazioni in prima persona per comprenderle appieno. Dire “no” non basta: bisogna saperlo contestualizzare, spiegare e aprirsi al confronto. Nei miei primi anni, ero guidato dall'entusiasmo per l’arte, la cultura e la musica, ero così coinvolto emotivamente che tendevo a lanciarmi oltre l’ostacolo senza pensarci troppo. Con il tempo, però, e grazie ai miei colleghi, molti dei quali decisamente più competenti di me, ho capito che non è sufficiente preparare solo l’artista: bisogna preparare la persona. Affrontare con lui le difficoltà, i momenti di crisi, e soprattutto offrire una visione realistica. Non possiamo promettere qualcosa di cui non siamo certi, ma possiamo impegnarci ad avvicinarci il più possibile a quell'obiettivo.&nbsp;Per esempio, imparare a dire “no” significa anche rifiutare certe promesse. Ho citato Sanremo: promettere a un artista che parteciperà, che raggiungerà obiettivi specifici, e poi trovarsi il giorno dopo a dover comunicare che le cose sono andate male ha un impatto. &nbsp;Per questo, oggi sono molto attento a evitare l’overpromise. Non dobbiamo alimentare l’hype neppure durante la firma di un contratto: quel "Tranquillo, ti porteremo a conquistare il mondo" può trasformarsi, un anno dopo, in un artista droppato. È un’espressione dura, ma descrive bene il dramma che possiamo creare nella vita di queste persone. Ed è proprio per questo che oggi cerco di essere molto più attento.

“Droppato” è un termine davvero brutto. Di tanto in tanto si utilizzava un altro termine, cleaning, che secondo me è persino peggiore: fare pulizia di ciò che non funziona. Però, di fatto, come in tutte le industrie, si vive di risultati, soprattutto in questo momento. I numeri sono una croce e una delizia: l'industria è cresciuta enormemente, ma ha anche generato una pressione sociale sui risultati gigantesca. In Believe come affrontate queste dinamiche?

Il gruppo di lavoro di cui faccio parte si è formato e ha iniziato a costruire il proprio modus operandi durante il secondo lockdown. Questo, per quanto difficile, ci ha permesso di creare il nostro set di regole e di modalità di collaborazione in un periodo già complesso. Per esempio, noi ci fidiamo delle tempistiche di release decise dagli artisti. Abbiamo un artista importante che, tecnicamente, avrebbe dovuto pubblicare un album ad aprile di quest'anno, ma ci ha presentato lo stato del progetto spiegandoci le sue ragioni per cui non era pronto. Certo, per un'azienda ci sono aspetti finanziari da considerare, ma seguiamo sempre la volontà dell'artista. Detto questo, ci tengo a sottolineare che anche noi commettiamo errori. Esistono contratti che sono impegni presi, e qui forse non sempre riusciamo a fare abbastanza education verso gli artisti per spiegare che non si tratta di ostacoli, ma del rispetto di accordi. Tuttavia, si può discutere: solo quest'anno abbiamo rivisto le strategie con una decina di artisti, cercando di concentrarci sul numero giusto di progetti... A Sanremo, molte persone ci hanno fatto i complimenti per il lavoro svolto con La Sad, e questo mi ha reso davvero felice. È giusto riconoscere il merito ai tre ragazzi di La Sad, che hanno affrontato un peso emotivo enorme per veicolare un messaggio importante. Anche noi del team eravamo presenti, in sette, otto, nove persone, per supportarli nei momenti difficili. È vero che oggi siamo aziende quotate con investitori da soddisfare, ma possiamo mantenere l'attenzione umana senza trasformarci in meri venditori di prodotti. Non voglio banalizzare, ma dobbiamo prenderci cura delle persone. Forse sarà il mio lato più "vecchio" che emerge, ma siamo tutti padri, fratelli, compagni. Dobbiamo essere ciò che vorremmo per i nostri cari.

Questo approccio è interessante, ma capita di dover mettere dei limiti. Come gestite il confine tra il rapporto professionale e personale?

È vero, bisogna porsi dei limiti. Dopo aver conosciuto un artista, spesso solo dopo la firma del contratto, ci siamo imposti alcune regole: se non c'è stato un incontro di persona o una valutazione chiara del progetto musicale, non firmiamo. Purtroppo il mercato è molto competitivo, e talvolta le buone maniere e la condotta morale del business vengono messe da parte. Noi cerchiamo sempre il confronto, ma se non ha senso, ci fermiamo. In passato, ho chiesto di lavorare con un artista noto per essere difficile, perché credo che ogni talento meriti di esprimersi. Tuttavia, mi sono accorto che stavo schiacciando emotivamente il mio team, che subiva continue pressioni. Quando non c’è riconoscimento, bisogna fare scelte difficili. Sul tema del lungo periodo, mi piacerebbe approfondire di più: forse dovrebbero esistere contratti più flessibili, un po’ a tempo e un po’ legati alle release. Oggi siamo sfuggiti molto da questo modello, ma per anni è stato prevalente il pacchetto da sei singoli senza opzioni. Ti vengono consegnati, non hai tempo di lavorarci adeguatamente, escono e, se va bene, bene; se no, amen. A quel punto l'artista a 23 anni ha fatto il giro di Warner, Universal, Sony, Believe, e poi magari passa a Tunecore, Distrokid. Questo non è mai un buon segnale per gli addetti ai lavori, e l'artista diventa vittima di se&nbsp;stesso o di chi lo rappresenta in quel momento. Sarebbe utile per tutta la filiera regolamentare un po' di più le regole di ingaggio e di contatto: oggi è tutto troppo schiacciato, e trovare un equilibrio gioverebbe a tutti.

La salute mentale è un tema cruciale per tutta la filiera musicale, dagli artisti agli operatori dietro le quinte. Qual è il vostro approccio?

Ci si prova, però mi rendo conto che la volontà non sempre porta dove si vorrebbe, e sicuramente ci sono approcci che non aiutano tutti. Tuttavia, cerchiamo comunque di fare il possibile per rimuovere lo stigma. Noi, come Believe, non solo ne parliamo apertamente, anche nella leadership, ma personalmente non ho alcun problema a condividere un periodo in cui ho affrontato un episodio depressivo, i miei problemi e il fatto che mi rivolgo a specialisti. Credo che questo dimostri che, proprio nel momento in cui ho provato più paura e mi sono tenuto tutto dentro, anche rispetto ai miei cari, oggi, quando sono sereno nel parlarne, mi sento più utile agli altri. Mi sembra di essere più onesto, e penso che questo possa essere d’aiuto. Non so perché, ma credo che quando sono aperto su questi temi, posso essere di supporto per chi ne ha bisogno. Non sono una persona che esplode facilmente (ma lasciamo che lo dicano i miei colleghi)… Mi sforzo di chiedere agli altri di fare lo stesso. Abbiamo anche dei programmi favoriti dall'HR, con un certo numero di sessioni a disposizione per chi non ha ancora uno specialista a cui rivolgersi, grazie a un’associazione che si occupa di supporto psicologico. Prima ho citato La Sad, ad esempio: è stato fantastico collaborare con loro su un progetto di supporto telefonico, affrontando temi come la depressione e la prevenzione del suicidio. Cerchiamo di integrare questi contenuti dove riteniamo opportuno e, soprattutto, cerchiamo di parlarne, aiutandoci tra di noi. Questo è il nostro tentativo.

È importante parlarne.

Bisogna sempre ripeterselo, perché è più facile parlare di se stessi che degli altri, ed è meglio evitare di fare il "solone". Anche se lo sentivo dire, non ci credevo, perché sono introverso e mi sentivo difettato. Eppure, è vero: man mano che ci contagiamo positivamente su questo fronte, credo che possiamo solo aiutarci. Non a caso, insieme a Christian Mida, un artista con cui lavoro e con cui ho un rapporto di rispetto, durante un viaggio di lavoro ci è capitato di parlarne, cercando di capirci meglio. Io stavo cercando di fare il mio lavoro e lui il suo, ma poi è diventato un contatto personale per affrontare insieme le sfide che entrambi viviamo. Continuiamo a farlo, perché più ne parliamo, più altre persone si sentiranno a loro agio, spero.

Questo contenuto fa parte della campagna di sensibilizzazione di Rockol sulla salute mentale: “Rompi il silenzio” - La salute mentale nell’industria musicale italiana - #oltrelostigma 

Un ringraziamento particolare a Believe per la collaborazione.

<div class='embed'> <div style="position:relative;padding-bottom:56.25%;">
 <iframe frameborder="0" width="100%" height="100%" style="width:100%;height:100%;position:absolute;left:0px;top:0px;overflow:hidden;" 
 src="https://geo.dailymotion.com/player/x5u9u.html?video=k53bHJDR3lKZ90BYTEI" 
 allowfullscreen 
 allow="autoplay; fullscreen; picture-in-picture; web-share"></iframe>
 </div></div>

&nbsp;

"Rompi il silenzio": intervista a Luca Daher

La salute mentale nell’industria musicale italiana

E’ stata definita dagli organizzatori un “grande successo” l’ottava edizione della Milano Music Week, la manifestazione dedicata all’industria musicale promossa da Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, AssoConcerti, Assomusica, FIMI Federazione Industria Musicale Italiana, NUOVO IMAIE Nuovo Istituto Mutualistico Artisti Interpreti Esecutori e SIAE - Società Italiana degli Autori ed Editori.

La direzione artistica della music convention, curata da Nur Al Habash insieme al curatore speciale Venerus, ha organizzato 84 appuntamenti nell’ambito della manifestazione, ai quali si sono aggiunti oltre 300 eventi collaterali ospitati da diverse venue in tutta la città, come - tra gli altri - i SIAE Music Awards, giunti quest’anno alla seconda edizione e condotti da Amadeus.

All’ottava edizione della Milano Music Week hanno preso parte attivamente oltre 200 artisti, tra i quali - oltre alla stesso Venerus, protagonista di un closing party tenuto nella serata di ieri, domenica 24 novembre, presso il Dazio di Levante dell’Arco della Pace - Negramaro, La Rappresentante di Lista, Gaia, Pop X e Francesca Michielin: oltre al Castello Sforzesco e ai Dazi, sedi ufficiali degli eventi curati dall’organizzazione, la settimana dedicata all’industria musicale italiana dal capoluogo lombardo ha coinvolto oltre 120 location.

Ottima, come fatto sapere dagli organizzatori, è stata l’affluenza degli spettatori, provenienti da tutta Italia e non solo: oltre 10.000 persone hanno partecipato agli 84 eventi organizzati dalla Milano Music Week e in totale più di 60.000 persone hanno partecipato alla settimana della musica, segnando una crescita di pubblico del 50% rispetto allo scorso anno (40.000 persone).

Milano Music Week, i numeri dell’edizione 2024

Boom di pubblico per la manifestazione: 60mila persone (+50% su base annua)

Si è tenuta nella serata di oggi, sabato 23 novembre, a conclusione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, la seconda edizione dei SIAE Music Awards, premi istituiti lo scorso anno dalla storica collecting italiana per celebrare gli autori e gli editori italiani di maggior successo nel nostro Paese e all’estero. L'evento, condotto&nbsp;da Amadeus, ha visto assegnare riconoscimenti in diciotto&nbsp;diverse categorie.

Di seguito,&nbsp;le opere premiate e gli artisti insigniti del riconoscimento: 
&nbsp;

Miglior canzone - Locali da ballo con musica live&nbsp;

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone - Club&nbsp;

Freed from desire 
Autori: Molella, Phil Jay, Gala (PRS) 
Editori: Mollyville Publishing, Wise Music Italy 
&nbsp;

Miglior canzone - Locali con musica live&nbsp;

Nel blu, dipinto di blu 
Autori: Domenico Modugno, Franco Migliacci 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior canzone - Radio

Italodisco 
Autori: Alex, Stash, Starchild, Davide Petrella 
Editori: Wonder Manage, The Beautiful Ones, Baraonda Edizioni, Diana, Garage Days, Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior canzone italiana all’Estero

I’m good (Blue)&nbsp; 
Autori: Maury, Jeffrey Jey, Massimo Gabutti, Kamille (BMI), Philip Plested (ASCAP), David Guetta (SACEM), Bebe Rexha (BMI) 
Editori: GZ2538, DiPiù, Sony Music Publishing Italy, BMG Rights Management 
&nbsp;

Miglior canzone Streaming Italia

Cenere 
Autori: Lazza, Dardust, Davide Petrella 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Me Next, J 
&nbsp;

Miglior canzone Social Italia

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone Jazz

Diavolo Rosso 
Autori: Paolo Conte 
Editori: Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Cinema

C’è ancora domani 
Autori: Daniele Marchitelli 
Editori: Flipper, Nightingale Songs 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film tv

I cacciatori del cielo 
Autori: Pasquale Catalano, Antonio Fresa 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv

Imma Tataranni - Sostituto Procuratore 3 
Autori: Andrea Farri 
Editori: Rai Com, 9 aprile 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film streaming

Il grande giorno 
Autori: Brunori Sas 
Editori: Warner Chappell Music Italiana, Picicca 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv streaming

Mare Fuori 
Autori: Stefano Lentini, Raiz, Matteo Paolillo, Lolloflow 
Editori: Rai Com, Coloora 
&nbsp;

Best Recorded Track

Rewind 
Autori: Vasco Rossi, Gaetano Curreri 
Editori: Emi Music Publishing, Giamaica 
&nbsp;

Miglior canzone live concert&nbsp;(in venue superiore ai 5000 posti)

Giovani Wannabe

Autori: Riccardo Zanotti, Marco Paganelli, Enrico Brun, Andrea Pisani, Giorgio Pesenti 
Editori: BMG Rights Management, Tuttomoltobenegrazie 
&nbsp;

Miglior canzone live recital&nbsp;(in venue con meno di 5000 posti)

C'era una volta il West

Autori: Ennio Morricone&nbsp; 
Editori: Universal Music Publishing, Musica e Oltre§ 
&nbsp;

Miglior autore Under 35

Ultimo 
&nbsp;

Premio speciale 2024

Turandot

Autori: Giacomo Puccini, Franco Alfano, Giuseppe Adami, Renato Simoni&nbsp; 
Editore: Casa Ricordi 
&nbsp;

Le nomination sono state basate&nbsp;sulle rilevazioni dei consumi di musica certificati da SIAE e delle royalties distribuite e pagate nel 2024.

"Una serata di musica, di riconoscimenti, di grandi successi voluta dalla SIAE non solo per premiare i più ascoltati,&nbsp;ma per premiare tutta la musica italiana: che è viva, che è bella, che fa sistema e – soprattutto – che ci sa ancora sorprendere, e la SIAE è presente per tutelare questa fabbrica della creatività",&nbsp;ha dichiarato&nbsp;Amadeus:&nbsp;"È un’emozione per me trovarmi dentro a questo “Noi”: io che di musica ho sempre vissuto, perché la musica è davvero stata la colonna sonora della mia carriera professionale. Per me, che fin da ragazzino mi divertivo ad abbinare cantante e autore, andare a cercare chi ci fosse dietro a quel pezzo, riconoscere le cifre stilistiche delle varie firme, è davvero un privilegio essere qui".

"I SIAE Music Awards, che si svolgono nel corso della Milano Music Week, sono l’occasione per celebrare i 100mila iscritti alla SIAE attraverso i protagonisti dei grandi traguardi che la musica italiana ha raggiunto e continua a raggiungere, anche all'estero", ha aggiunto il Presidente di SIAE Salvatore Nastasi:&nbsp;"Noi tuteliamo ogni giorno, da 142 anni, i nostri Autori e i nostri Editori, ma essere qui stasera e avere l'occasione di alzare i calici insieme rende questa serata un momento unico di condivisione e festa. Qui oggi premiamo tutti coloro che hanno dato voce alle nostre emozioni, che hanno composto le canzoni che ascoltiamo e balliamo, le musiche che ci accompagnano mentre guardiamo i nostri film preferiti. Valorizzare questo patrimonio immenso e tutelarlo è da sempre il nostro compito".

SIAE Music Awards 2024, l'elenco dei vincitori

A chi sono andati i premi della seconda edizione della serata di gala organizzata dalla collecting

Cosa significa avere successo nel settore musicale? Chi sono i professionisti che contribuiscono a rendere la carriera di un artista costellata di premi, grandi guadagni, primi posti nelle classifiche? Ma, soprattutto, esiste la formula perfetta per raggiungere il successo?

Questo tema socio economico è all’ordine del giorno di professionisti e artisti; le dinamiche che si susseguono nel confronto tra le due parti sono state spiegate durante il panel “Il segreto del successo: tutto quel che un manager deve sapere nel 2024” organizzato da Rockol e Siae - tenutosi nell’ambito della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a> venerdì 22 novembre alle ore 17 presso la Sala Viscontea – che ha avuto tra i suoi ospiti Marta Donà (Ceo Latarma), Paola Zukar (Ceo Big Picture Management), Ciro Buccolieri (Ceo &amp; Cofounder Thaurus Music), Nicola Migliardi (Coo SIAE). A moderare il panel, Giampiero di Carlo, Ceo di Rockol.

“La gestione dei talenti: quali sono le sfide più difficili e se notate delle differenze nel vostro mestiere?": è stata la domanda che ha aperto il dibattito.

La prima a rispondere è stata Paola Zukar: “Tutto si è trasformato rapidamente e in modo significativo. I concetti chiave sono la fiducia e la lealtà: i dati non possono essere ignorati, ma ancora non li gestisco perfettamente e mi confronto spesso con persone come Nicola per poterli interpretare al meglio. Gli artisti ricevono l’80-85% dei guadagni, mentre il manager prende il resto. Il successo sta nel puntare sull’artista con cui ci si sente più affini…In Big Picture Management abbiamo ancora un approccio ‘artigianale’ e non industriale”.

La “Signora del rap” ha raccontato della prima volta che ha incontrato Tiziano Ferro, con cui collabora da qualche tempo: “Vi racconto un aneddoto del 1997: c’era un ragazzo molto interessante che faceva i cori con gli Atipici. Lo fermo e gli dico che avrebbe fatto strada. Lui aveva radici nel rap e, da quel momento, ci siamo sempre sentiti. Ci capiamo, abbiamo la stessa base e vedremo se funzionerà davvero”.

Marta Donà ha aggiunto: "Ho iniziato 15 anni fa con Sony Music. Marco Mengoni mi chiese di lavorare con lui e inizialmente dissi di no, ma dopo una serie di colloqui con altri manager, lui mi ha confermato di volere me suo manager perché si fidava di me. Noi cresciamo insieme agli artisti e ai loro racconti. L’obiettivo principale è l’ascolto, la resilienza e la pazienza di essere una famiglia, fidanzati, manager per questi artisti. Esprimo sempre la mia opinione e c’è un continuo scambio di idee. Mi chiedo sempre: possiamo essere un valore aggiunto per quel progetto? Solo così possiamo capire se come realtà siamo davvero in grado di portare qualcosa di significativo".

Ciro Buccolieri ha proseguito: “Il tema della fiducia è fondamentale. Non vediamo semplicemente materassi, ma rappresentiamo persone per le quali la musica è la vita, e questa fiducia bisogna guadagnarsela. Devo dire che, sebbene l’amicizia non sia essenziale, è importante avere rispetto reciproco. Bisogna imparare a trattare ogni aspetto con il giusto peso e ricordare che non è il viaggio del manager, ma dell’artista, e quindi a volte è necessario fare un passo indietro. Questo ruolo mi ha sempre affascinato: essere imprenditore, manager, e al tempo stesso restare fedeli a sé stessi. È proprio essere autentica che mi ha permesso di avere successo. Vengo dal commercio e ho cercato di portare questa esperienza nell'azienda. È fondamentale, come abbiamo concordato con Paola, che ci piaccia davvero l’artista che seguiamo…Per quanto riguarda i featuring, parlo da fan: li ho sempre amati perché molte volte permettono a mondi diversi di incontrarsi. Ultimamente, però, c’è un leggero abuso di collaborazioni, e credo che siamo ipocriti nel dire che i numeri pubblici non influenzano gli artisti. Tutti hanno la pressione di performare, anche in relazione ai concorrenti. È più importante dare valore a un disco e il fatto che venda o meno è un problema nostro, non del pubblico. La retorica delle certificazioni e il desiderio di chi è stato bullizzato di mostrare i risultati raggiunti sono temi che mi fanno riflettere. Il rap, per anni, è stato escluso dall'industria e ora, finalmente, stiamo mostrando i risultati ottenuti”.

Nicola Migliardi ha esposto il panorama attuale degli autori in Italia, spiegando che la platea è molto eterogenea; quindi, non esiste un unico segreto per il successo, ma ognuno ha il proprio e che i manager svolgono un ruolo importante come ponte tra questi il mondo “dei numeri” e quello creativo. Ha poi parlato del periodo di grande cambiamento in cui ci troviamo, con l'avvento dell'AI, degli shorts e dei reels, che hanno creato dinamiche e successi differenti, influenzando anche le classifiche, oggi sfalsate dalle nuove modalità di business, come i trend di TikTok e le app di discovery music. Tuttavia, ha anche evidenziato aspetti positivi, come il fatto che il 20% degli autori e compositori è under 35, segno di un cambiamento in corso. Ha infine sottolineato che solo il 6% dei compositori è donna, una disparità che rappresenta un’opportunità per promuovere una maggiore inclusività nel settore.

Diritti d’autore: come gli artisti percepiscono questo tema oggi gli artisti?

Ciro Buccolieri ha concordato sul fatto che il tema è centrale: un autore ben amministrato alla fine dell'anno “porta a casa dei soldi”, ed è un aspetto concreto e fondamentale. Ha aggiunto che mettono gli artisti davanti a questo tema: più la loro carriera cresce, più ci tengono ai loro cataloghi.

Marta Donà si ha spiegato che i suoi artisti si concentrano sui progetti senza pensare a ciò che possono guadagnare perché è compito dei manager far comprendere l’importanza di questo aspetto.

Paola Zukar ha sottolineato un lato negativo: quando si entra nel meccanismo si subisce la pressione dei numeri e i dati possono influenzare negativamente la fase creativa. Ha osservato che, purtroppo, tutta questa matematica non sempre aiuta il ciclo creativo e, nonostante questo, l'aspetto positivo che la mantiene legata all'artigianato è il sentimento e l'emozione che passano alla fine della giornata. Ha anche sottolineato l’importanza di fare una distinzione tra operazioni di marketing e quelle artistiche.

Ma che strumenti hanno i manager per migliorare la situazione? Ha posto, come ultima domanda, Di Carlo; Nicola Migliardi ha risposto: “È un mondo complesso e stiamo cercando di adottare un linguaggio semplice e diretto, digitale, per adattarci alle nuove modalità, ad esempio con le app. L’obiettivo è essere semplici e chiare nel comunicare un tema complesso come il diritto d’autore. Il diritto d’autore è una rendita e un asset, e se il mio catalogo musicale vale tanto, posso stare tranquillo. La sfida di oggi è creare musica che duri nel tempo, e di conseguenza costruire un catalogo che resti valido a lungo termine. Questo è il segreto del successo".

MMW24, il panel “Il segreto del successo"

Con Marta Donà, Paola Zukar, Ciro Buccolieri e Nicola Migliardi

“Il valore artistico delle colonne sonore” è il titolo del panel presentato da SIAE, tenutosi venerdì 22 novembre alle ore 16 presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco in occasione della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a>.

“Affronteremo questo talk come se fosse un viaggio”: sono le parole con cui il giornalista Claudio Cabona, moderatore del talk, ha dato inizio all’evento con gli ospiti Elisabetta Biganzoli (Executive Director Sugarmusic Group), Paolo Buonvino (Compositore) e Pivio (Compositore, Consigliere di Gestione SIAE).

Si parla tanto di “valore”, ma cosa significa esattamente? La prima a rispondere a questa domanda è stata Elisabetta Biganzoli: “Faccio parte di un gruppo che gestisce il repertorio CAAM, composto da oltre 2700 colonne sonore che inizialmente non erano accessibili al pubblico indipendentemente dal film. Quando lo abbiamo acquisito, solo 300 erano disponibili per l’ascolto, ma grazie alla digitalizzazione e alla presentazione in diverse forme, abbiamo avuto l’opportunità di riflettere profondamente sul valore della colonna sonora. Ribadisco il concetto espresso nell’articolo 44 della legge sul diritto d’autore, che riconosce la colonna sonora come parte integrante dell’opera cinematografica. Molte colonne sonore superano i confini di tempo e spazio del film, come dimostrano esempi iconici quali Ennio Morricone o La dolce vita, conosciuti universalmente. Con i compositori con cui collaboro, attribuisco grande importanza al raccontare la storia della colonna sonora, perché essa ha una profondità che va oltre il film o l’opera per cui è stata creata. Quando una composizione musicale ha un autentico valore artistico, questo persiste e supera il contesto cinematografico originario”.

Biganzoli ha sottolineato che, quando nella musica è presente un autentico valore, è possibile intraprendere azioni concrete per garantirne il successo, mettendo a disposizione tutte le risorse necessarie. Ha espresso la convinzione che la musica da film rappresenti la nuova musica classica, destinata a superare le barriere del tempo. Ha poi spiegato che spesso incoraggia, talvolta con determinazione, le compositrici e i compositori a pubblicare le loro opere, poiché tendono ad essere piuttosto riservati su questo aspetto. Un'altra azione rilevante di cui ha parlato è il lavoro sulle sincronizzazioni, ossia il riutilizzo di queste musiche in altri film, magari con registi diversi, per donare loro nuova vita e ulteriore diffusione.

La colonna sonora può effettivamente cambiare la percezione di ciò che vediamo; Paolo Buonvino ha spiegato: “Il compositore riceve una storia ed è chiamato a scrivere qualcosa che ancora non esiste, aggiungendo un significato che va oltre le azioni e le parole. La musica ha la capacità unica di toccare aspetti dell’essere che immagini e dialoghi non riescono a raggiungere. Nel caso del film di Muccino, il racconto si focalizza sulle azioni, ma il mio intento era cogliere qualcosa di più profondo: per esempio, per il personaggio della ragazza, ho cercato di esprimere la ricerca di autenticità nel proprio essere. Ho tratto ispirazione da un passaggio di Così parlò Zarathustra, dove si affronta il rischio di mettersi in gioco fino a morire, perché ciò che è autentico non muore mai. Il coro femminile, in questo caso, rappresenta la coscienza, e la scelta della lingua tedesca mi ha trasmesso un senso di imperativo e universalità. Non so se tutto questo arrivi pienamente al pubblico, ma ciò che conta è che il compositore riesca a superare i confini imposti da immagini e parole. Sono stimoli che ognuno poi interpreta e assimila a modo proprio”.

Pivio ha aggiunto: “La colonna sonora non è una semplice playlist. Guardando l’intero film e cogliendone il disegno complessivo, emerge chiaramente l’intento del compositore, che segue una visione più ampia e articolata. La mia esperienza personale in questo campo è stata piuttosto insolita, dettata da una serie incredibile di coincidenze. Tuttavia, ciò che non è stato casuale è il percorso precedente: si inizia con impegno e serietà. In passato, ero un ingegnere e la mia prima esperienza con le colonne sonore è stata per Ferzan Özpetek con Il bagno turco. Partendo da una scena specifica, cercavamo un elemento che caratterizzasse timbricamente il momento. Ci siamo imbattuti in un brano di musica classica turca e, forti della nostra esperienza nel prog rock, abbiamo preso un frammento di quel brano, lo abbiamo rielaborato invertendolo, e da quelle note, con quel timbro, abbiamo costruito la colonna sonora perfetta per quel film. Il tema inizialmente aveva un’impronta occidentale, utilizzando un pianoforte, ma poi si è evoluto verso sonorità tipicamente ottomane. La lezione che ho tratto da questa esperienza è che non si può arrivare impreparati quando si presenta un’occasione. È fondamentale essere pronti, rimanere fedeli a sé stessi, conoscere il proprio valore e avere qualcosa di concreto per dimostrarlo”.

Non è mancato un momento dedicato ai numeri: quanto vale oggi una colonna sonora? Pivio ha spiegato che, dal punto di vista economico, la musica per film ha un grande valore, rappresentando circa il 25% del fatturato SIAE, è un settore capace di superare i confini geografici e culturali, con un’arte che si distingue perché non è legata ai meccanismi di mercato del momento. Questo, ha aggiunto, consente di operare con libertà, senza essere vincolati ai trend, un aspetto che considera particolarmente gratificante. Inoltre, l’internazionalità di questo mercato è estremamente solida e non si tratta di un fenomeno casuale, ma del risultato di “un’onda lunga” iniziata negli anni Sessanta, un periodo in cui l’Italia è riuscita a imporsi con forza nel panorama musicale internazionale.

Un tema di cui non si poteva non discutere e l’impatto dell’AI in questo segmento; a far chiarezza ci ha pensato Paolo Buonvino: “Si tratta di un grande cambiamento nella nostra esistenza. Questo mestiere racchiude una forza straordinaria già insita nella parola chiave: musica. Fare musica deriva dal termine Muse, le figlie di Zeus, ed evoca qualcosa di divino, autentico e profondamente radicato nella nostra essenza. L’intelligenza artificiale è uno strumento potente, basato su un’intelligenza logico-matematica estremamente rapida. Tuttavia, l’intelligenza umana si distingue perché abbraccia anche l’aspetto emotivo, spirituale, intuitivo. Ha a che fare con l’ispirazione, una qualità che appartiene solo agli esseri umani e che rende la creatività un’esperienza unica e profondamente personale”.

MMW24, il panel “Il valore artistico delle colonne sonore” 

Con Elisabetta Biganzoli, Paolo Buonvino e Pivio

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, presso lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano si è tenuto nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "A cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?", presentato da PMI. Moderato da&nbsp;Gianni Sibilla di&nbsp;Rockol, l'incontro ha visto partecipare&nbsp;Jessica Gaibotti, CEO About; Dario Giovannini, Managing Director Carosello Records; e&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, Founder Maciste Dischi. Partendo dal presupposto che l’industria musicale sta attraversando una fase di disintermediazione, in cui un artista può gestire l’intero processo creativo e distributivo di una canzone direttamente da casa, il talk si è posto la domanda su qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente? Durante il panel si è quindi esplorato&nbsp;il ruolo cruciale che hanno le strutture indipendenti nella creazione, nello sviluppo e nel consolidamento della carriera di un artista.

Per aprire il talk,&nbsp;Gianni Sibilla è partito dalla domanda: "Cosa significa essere indipendente oggi, nell'industria musicale?". Ha quindi risposto Jessica Gaibotti che ha raccontato: "In quanto ex discografica, avendo lavorato per Universal, nel mio percorso 'indipendente' ha significato fare un passo&nbsp;e poter collaborare con più realtà. Quindi non avere un unico interlocutore, un unico team e solo certi artisti, ma poter scegliere di collaborare con tutti e poter scegliere anche quali artisti seguire". A lei ha fatto eco&nbsp;Dario Giovannini, il quale ha affermato: "Io ho&nbsp;iniziato in un'etichetta dance, negli anni '90, che era la Digit International, e ormai sono da quasi 15 anni in Carosello.&nbsp;Ho notato che l'approccio è diverso: noi in Carosello abbiamo un approccio molto familiare.&nbsp;Non ci poniamo come un discografico, figura spesso vista contro l'artista. Il nostro ruolo non è più scoprire artisti, ma è&nbsp;la cura e la tutela di un’artista. L'ideale è avere una struttura indipendente che permette di seguire in ogni fase l’artista". Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, ha spiegato: "Un’etichetta indipendente è un’etichetta come le altre, come una major. Mi rendo conto che bisogna fare di più. C'è liberta nel raggiungimento di un obiettivo, senza uno schema prefissato, quindi&nbsp;il metodo cambia di volta in volta. Nell’approccio c'è la sostanziale differenza e la struttura è diversa. Poi c’è una differenza numerica e di struttura".

Partendo dai singoli case history,&nbsp;Gianni Sibilla&nbsp;ha poi invitato Jessica Gaibotti a raccontare l'approccio&nbsp;nel comunicare i progetti, rispetto a prima. "Io non credo di aver cambiato troppo l’approccio. Una cosa che ho imparato è che la comunicazione non è solo un pezzo, ma più pezzi", ha narrato Gaibotti:&nbsp;"Si fa parte di un progetto sempre, devi abbracciarlo e seguirlo in ogni momento, negli alti e bassi. Nel mio caso, l'importanza sta nel&nbsp;scegliere di seguire tutto di un artista, oltre che scegliere&nbsp;un progetto".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha invece rifletutto sul ruolo e sull'approccio&nbsp;di Carosello, che nel 2019 ha festeggiato 60 anni di attività, nella discografia oggi, e ha raccontato: "Tra la rivoluzione dello streaming e la pandemia negli ultimi anni c’è stata una rivoluzione e c'è stata un esplosione dal punto di vista economico.&nbsp;Facendo un esempio banale e pensando all'impegno economico,&nbsp;fino al 2016, 2017, 2018, 2019 si firmavano artisti per 20mila euro. Gli stessi progetti oggi è possibile firmarli aggiungendo uno zero alla cifra. Quindi è tutti più&nbsp;difficilmente sostenibile per le etichette indipendenti. Inoltre, la musica nel mondo, anche in Italia, è esplosa. Le multinazioni oggi hanno più o meno circa 150 artisti nel loro roster, trasformandosi sempre più in distribuzione.&nbsp;Noi 150 progetti non possiamo permetterceli. Noi abbiamo quindi dovuto attuare un cambiamento e&nbsp;oggi Carosello va in controtendenza, diminuendo i numeri e firmando&nbsp;molti&nbsp;meno artisti, non andando dietro alle mode del momento, ma cercando progetti che possono durare nel tempo". A proposito del caso di Maciste Dischi, fondata nel 2014,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha detto: "Credo che ci sia stato un processo simbiotico da menti sparse per l'Italia, per cui in maniera abbastanza casuale in quegli anni tre o quattro ragazzi hanno iniziato a creare etichette disocogratiche. Nel mio caso specifico, senza neanche conoscerne il significato. Quindi è stato un tuffo, bellissimo, ma comunque un tuffo. Probabilmente, mi permetto di pensare che dopo un decennio di musica bruttina che era quella del pop 2000-2010, a grandi linee, c'è stata la voglia di qualcosa di diverso e più profondo. La mia è&nbsp;una storia nata dalla cameretta, che ci ha visto spostarci per produrre il primo disco. E poi ci siamo aiutati tra varie etichette, penso a Bomba Dischi di Roma e altre. Ci siamo tutte confrontate negli anni e abbiamo creato quella che conosciamo come la scena indie di questi ultimi anni. Quella di Maciste è&nbsp;una storia come tante altre, nasce come una pagina Facebook, diventa un S.R.L.. Da una persona si è diventati un gruppo di dieci persone. Siamo totalmente indipendenti, ma magari&nbsp;abbiamo accordi di distribuzione o di licenza con le major. Da una parte noi cerchiamo di tutelare quell’aspetto di famiglia e cerchiamo di tutelare gli artisti. Non avere regole, significa averle inventate, in qualche maniera, sia per incoscienza e poi per sostenibilità".

Nel raccontare il rapporto con le major e la differenza tra queste e le etichette indipendenti, è emerso dai diversi punti di vista come sia fondamentale il concetto di "qualità" rispetto alla "quantità" delle multinazionali. "Noi&nbsp;da una parte facciamo più fatica per ottenere certi risultati, ma&nbsp;dall’altra c'è fierezza nel scegliere su cosa non lavorare", ha sottolineato&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi. Per&nbsp;Dario Giovannini, "la differenza sostanziale sta nell’approccio: io scelgo le persone con cui lavorare. Accanto agli artisti ci sono manager di comprovata capacità, ma ultimamente è peggiorato il livello, perché c’è un sottobosco non all’altezza. Quando ascolto un progetto musicale buono, guardo anche il team dietro le quinte". Secondo Jessica Gaibotti, "la differenza che non c’è tra etichette indipendenti e major è la professionalità, ovvero le persone che lavorano. In un mondo in cui sono esplosi tantissimi artisti, va da sé che la professione da imparare va imparata&nbsp;in fretta. E&nbsp;mancano quindi figure qualificate. La professionalità e la competenza fanno il 90% di tutto, nell’indipendente e nelle major. Chiaro che in un ambiente più piccolo, la competenza forse è ancora più fondamentale".

"Il mercato è cresciuto troppo? I&nbsp;numeri vanno bene, ma una crescita troppo esponenziale,&nbsp;porta anche lati oscuri?", ha quindi chiesto Gianni Sibilla.&nbsp;Jessica Gaibotti&nbsp;ha sostenuto: "Tanta musica fa bene a tutti, ma c’è un problema ora che prima non c’era: tutto va a tutti. E questa cosa rende tutto più difficile per tutti. Da un lato è un bene, dall’altro è esaurente". Secondo&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, "bisogna capire cosa è mercato quando si dice che va bene: più grande significa anche più frammentato. Bisogna avere a che fare con i sogni degli artisti e i conti aziendali.&nbsp;Avendo fatto diventare l’artista&nbsp;un account, e la canzone un file, il mercato ha seguito delle tendenze tecnologiche. Non voglio mettere il mio gusto davanti al mio lavoro, ma non nego di avere&nbsp;difficoltà di posizione lavorativo rispetto a oggi cosa al momento funziona, dove la quantità sembra essere sinonimo di qualità. Dall’altro lato c’è la crisi di targetizzazione".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha poi evidenziato: "C’è stata una rivoluzione, la forza dal basso. Una volta c’erano le radio, poi Mtv con TRL, poi è arrivato YouTube e quindi Spotify. Da due anni a questa parte Spotify è stata superata da TikTok. Quindi ci troviamo ogni giorno a non sapere esattamente l'andamento di un brano, che può andare virale su un social, ma non fare numeri sulle piattaforme di streaming, perché non è automatico".

L'ultima domanda&nbsp;posta da Gianni Sibilla è stata quindi in merito al valore aggiunto di una realtà indipendente in un mercato tanto complesso come quello odierno. "Io dico il supporto che noi diamo all'artista", ha affermato&nbsp;Dario Giovannini. Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha fatto sapere: "Quello che diciamo all'artista al momento della firma è che per noi non sarà mai un numero e un suo successo sarà anche un nostro successo. La forma famiglia, dal momento che firmiamo un artista all'anno, è quindi garanzia di cura e attenzione". Jessica Gaibotti ha sottolineato: "Per me sono le persone a fare la differenza e la quantità".

MMW24, a cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?

Qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente?

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano ha ospitato nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Come far fruttare il master di un brano con i diritti connessi", presentato da Evolution. L'incontro si è quindi concentrato sui&nbsp;diritti connessi – ovvero quei diritti che prevedono un compenso economico per lo sfruttamento del master – e di come si sono dimostrati una delle fonti di ricavo più solide per le etichette indipendenti, eppure molte realtà del settore ne ignorano ancora l’esistenza. A questa mancanza di consapevolezza si aggiunge una storica disattenzione nei confronti di tali diritti, che ha portato le case discografiche a focalizzarsi quasi esclusivamente sul diritto d’autore.

Nel corso del workshop, moderato da&nbsp;Giampiero Di Carlo, fondatore e CEO di Rockol, si è quindi visto come questi diritti hanno vissuto una crescita continua negli ultimi anni e, in termini temporali, offrono prospettive di guadagno che si estendono per almeno due generazioni e, quindi, per come sono strutturati legalmente, rappresentano un’importante garanzia per il futuro. Per analizzare la situazione sono intervenuti soggetti&nbsp;chiave della filiera, rappresentata da una società di collecting grazie alla presenza di&nbsp;Luca Barone – Vicepresidente Evolution Collecting, e dalla figura del produttore, con&nbsp;Luca Cecchi – Label Director Nar International. Inoltre, Cristina Ranieri – Managing Director Sintonia Copyright Solution, ha offerto&nbsp;un punto di vista sul fronte degli utilizzatori.

"Questo panel, vuole connettere due puntini molto importanti sulla scena musicale italiana contemporanea, che sono il mondo degli indipendenti&nbsp;e tutta la sfera dei diritti connessi": così Giampiero Di Carlo&nbsp;ha introdotto l'incontro: "Qualcuno&nbsp;potrebbe iniziare questo panel con l'impressione che, in alcune circostanze,&nbsp;alcuni operatori, soprattutto quelli appartenti al mondo indipendente, non abbiano una cognizione sufficiente e lascino i soldi sul tavolo".

Ha preso quindi parola Luca Barone che, per offrire qualche lume sul mercato e sulle caratteristiche salienti di questa scena, ha sottolineato: “Da più di 10 anni il diritto connesso è stato liberalizzato, e la cosa più importante è che sono nate più collecting indipendenti di diritti connessi. Ci troviamo in un sistema che non vede partecipare solo le collecting ma anche i produttori, che sono i beneficiari di queste somme. Inoltre, ci sono gli utilizzatori, che sono le società che devono pagare queste somme alle collecting, che poi le versano ai produttori. È un sistema estremamente complesso, fosse uno tra i più complessi che in discografia. E a causa anche di questa complessità le etichette indipendenti spesso hanno snobbato un po' questo diritto, non informandosi in maniera adeguata. Negli anni è successo che il diritto connesso è cresciuto e sta crescendo. E non crescerà soltanto in termini quantitativi, ma anche in termini qualitativi. Quindi, questo offre la dimensione del fatto che non pensare, non valutare, non considerare i diritti connessi come una risorsa importante, è un errore. È assolutamente importante capire che stiamo parlando di qualcosa di economico e fondamentale”.

Giampiero Di Carlo ha poi introdotto un altro aspetto importante, legato all’importanza della scena indipendente e ha fatto luce sui dati resi noti recentemente secondo cui ci sono circa 13mila etichette indipendenti a livello internazionale. “La cosa interessante è che, a fronte di questa pletora di protagonisti, che vanno a erodere le quote di mercato delle major, il 5% di queste fanno la maggior parte dei ricavi”, ha sottolineato Di Carlo. A lui ha fatto eco Luca Barone, che ha aggiunto: “Assolutamente giusto. Consideriamo anche che a differenza del diritto connesso degli interpreti, il diritto dei quello dei produttori fonografici è cedibile. E molti produttori indipendenti preferiscono cedere i diritti connessi invece che capire la loro complessità. Nella nostra mission non c’è solo quello che chiede la direttiva di essere trasparenti, efficaci e veloci nella ripartizione, ma anche di far comprendere ai nostri mandanti come è meglio lavorare su questi diritti e come è meglio approciarsi. Per cui non è soltanto un fatto di incassare e di ripartire, ma il lavoro è molto più a 360 gradi”.

Per capire meglio cosa sono i diritti connessi e come evolvono nel tempo, è quindi intervenuto Luca Cecchi: “I diritti connessi sono tutti diritti di sfruttamento economico i cui compensi devono essere corrisposti quando un brano viene diffuso in locali aperti al pubblico, in radio, in tv, sul web. Per semplificare il concetto, faccio spesso l’esempio del concetto di B2B e di B2C. Se pensiamo a un modello B2C, è quando un'etichetta realizza il proprio prodotto, distribuisce la realizzazione del proprio catalogo, lo fa verso un pubblico di consumatori, di musica, di fan e quindi comunque fa un uso privato. Il modello B2B è quando c’è un fine commerciale, dove la musica registrata viene utilizzata per creare un valore di business”. Ha continuato: “È un mondo che è cambiato tanto. Io ho iniziato nel 2007 e dal mio primo giorno ho dovuto capire i diritti connessi. La fortuna della mia formazione è stata quella di focalizzarsi su questi aspetti. L’equivoco che tutti facevano e spesso fanno ancora è quello di confondere i diritti connessi con quelli della SIAE”. E ancora: “Oggi si è arrivati a un punto in cui è possibile conoscere una conversione che offre un’opportunità di trasparenza del dato. Oggi siamo arrivati a una profondità del dato molto complesso. Ma se il dato non è catalogato bene, può provocare un mancato guadagno. Quindi bisogna avere archivi ben definiti. I data scientist sono quindi figure importanti oggi, perché nei dati si scoprono gli andamenti e le previsioni future. L’ultimo anno abbiamo sviluppato un gestionale customizzato per importare i dati di streaming e lo abbiamo sviluppato personalmente. E abbiamo scoperto cose che non avremmo mai immaginato su come sta performando un determinato brano o artista. Questo è fondamentale e mi piacerebbe farlo anche sui diritti connessi. Sul diritto connesso dobbiamo ogni volta inventarci delle formule per stimolare l’attenzione di un brano o un artista affinché possa essere diffuso. Ogni volta dobbiamo quindi pensare e inventare azioni da fare. Non possiamo distrarci”.

Con l'intendo di capire la complessità per gli utilizzatori, Cristina Ranieri ha dichiarato: “Per gli utilizzatori deve essere fondamentale chiaro che quando si pagano i diritti d’autore, manca un pezzetto, in cui rientrano i diritti connessi. I dati che noi condividiamo sono dati di crescita per una copertura maggiore. Rispetto al diritto d’autore, in Italia il diritto connesso viene gestito da poco tempo. L’utilizzatore per le collecting è fondamentale perché permette di incassare con la ripartizione. A volte gli utilizzatori sottovalutano o non danno il giusto peso ai diritti connessi. Inoltre deve essere chiaro che il diritto connesso non è una tassa. Per questo bisognerebbe migliorare la comunicazione verso l’utilizzatore e lavorare verso una maggiore consapevolezza. Una consulenza quindi permette di comprendere cosa si sta pagando e capire i soggetti coinvolti, che con la liberalizzazione sono aumentati. Per gli addetti ai lavori è faticoso capirlo, per gli utilizzatori che sono di altri settori è ancora più difficile”.

MMW24, come far fruttare un brano con i diritti connessi

Come i diritti connessi offrono prospettive di guadagno e rappresentano una garanzia per il futuro

Si è tenuto il 22 novembre presso il Dazio Ponente, nell’ambito dell’ottava edizione della Milano Music Week, il talk - presentato da FIMI - “The Year of Superfans: Evolution of a Musical Phenomenon”. All’evento - moderato da Clémentin Diard, CEO di Your Music Marketing - hanno preso parte Eleonora Bianchi (Digital Service &amp; Consumption Director, Universal Music Italia), Paola Catò, (Director of Streaming &amp; Partner Development, Sony Music Entertainment Italy), Jordan Gremli (Head of Product, Songkick, Warner Music Group) ed Ester Gazzano (Head of Consumer Marketing, Europe, Spotify).

<div class='embed'>		 <iframe
 id="yt_d45b91fb9149f03c53bd831079cbe680"
 class="youtube"
 width="620"
 height="348.75"
 src="https://www.youtube-nocookie.com/embed/aOWbkyCeznA"
 frameborder="0"
 allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture" allowfullscreen></iframe></div>

Nel corso dell’incontro sono state analizzate le statiche che hanno dimostrato l’importanza di questo segmento di pubblico - per esempio, negli Stati Uniti il 15% della platea viene fatta rientrare in questa categoria, che, da sola spende in media l’80% di più di quella composta dagli ascoltatori normali.

Oltre ai casi di studio più rilevanti, sono state prese in considerazione e commentate le strategie adottate dalle aziende per coinvolgere i superfans sui canali media convenzionali e non (piattaforme come Twitch e Discord e ambienti di gaming online come Roblox e Fortnite), oltre che alle specificità geografiche della categoria, fiorita in prima battuta sui mercati asiatico e nordamericano.

MMW24, ‘L’anno dei superfan’: l’evoluzione del fenomeno

Nel panel presentato da FIMI le analisi dell’impatto sul settore e sulle strategie della discografia

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella primo pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Dynamic pricing, sta arrivando la tempesta?".&nbsp;L'incontro è partito analizzando come le prevendite per il reunion tour degli Oasis hanno fatto conoscere al mondo il dynamic pricing, ovvero il prezzo dinamico per i biglietti dei concerti: il modello, già ampiamente utilizzato anche in Italia in altri settori – tra gli altri, quello alberghiero e quello dei trasporti – negli Stati Uniti è già una realtà consolidata, e presto potrebbe arrivare anche da noi. Le istituzioni europee stanno già monitorando la situazione da vicino, dividendosi tra i favorevoli alla regolamentazione e i più intransigenti, orientati verso il divieto. Durante il panel si è quindi cercato di capire alcune domande: la lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto? Chi favorisce davvero questa pratica? Il prezzo dinamico può davvero arginare il fenomeno del secondary ticketing? E, in ultima analisi: il dynamic pricing è – come sostiene chi lo promuove – un modo per rendere ancora più florido un settore già di per sé molto ricco e per sostenere in modo diretto gli artisti, o è – come hanno lasciato intendere migliaia di fan dei fratelli Gallagher – la peggiore minaccia che potrebbe incombere sul comparto della musica dal vivo?&nbsp;

Il talk, moderato da&nbsp;Davide Poliani di&nbsp;Rockol, ha visto intervenire l'On. Pier Francesco Maran – Europarlamentare; Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano; Fulvio De Rosa, Assomusica; Matteo Fedeli, SIAE; Andrea Grancini, Ticketone; Ferdinando Salzano, Founder Friends&amp;Partners; Marta Fantin - Director of Partnerships Italy - DICE;&nbsp; e Giampiero di Carlo, Fondatore e CEO Rockol.

"Il fenomeno è tornato di strettissima attualità con la situazione degli Oasis, tracimata dai social media, fino alla politica e agli accademici. Gli economisti hanno detto che il fatto degli Oasis&nbsp;ha&nbsp;dato una lezione del capitalismo", ha spiegato&nbsp;Giampiero di Carlo&nbsp;di Rockol nell'aprire l'incontro: "È un meccanismo che si conosce da tempo perché attuato in molti altri ambiti, ancora prima che nella musica, dove non è comunque qualcosa di novissimo. Nel 2022 è un tema salito agli onori della cronaca per Bruce Springsteen e che ha poi fatto ancora più rumore con Taylor Swift.&nbsp;Il dynamic pricing è un meccanismo che cerca di bilanciare la domanda con l'offerta. Nella musica ci sono diverse fazioni: chi è pro rivendica il fatto che è un meccanismo che può ostacolare il secondary ticketing e che i prezzi maggiori genererebbero soldi che finirebbero a ricircolare nell'industria. Chi è contro accusa il fatto di scarsa trasparenza. La musica rivendia la propria unicità e si vuole smarcare dal dibattito su altre fazioni, perché ci sono di mezzo gli artisti e il fattore esperienziale. Tra gli artisti, si è levata la voce di Neil Young che ha evidenziato la paura degli artisti di mettere a rischio il rapporto con la fanbase. Ci sono altri artisti come i Cure che sono proprio contrari o gli Oasis che hanno affermato di esserne all'oscuro.&nbsp;Il&nbsp;problema adesso è capire se il fenomeno può essere normato, regolamentato e legiferato, con meccanismi di altri settori, che la politica non sarebbe incline a punire".

La parola passa quindi a&nbsp;Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano, che ha affermato: "Per entrare subito nel vivo di questo tema, due parole sul perché abbiamo pensato perché&nbsp;non potesse mancare una riflessione su questo tema. Innanzitutto si tratta di una prima volta. Siamo tutti pronti a demonizzare il secondary ticketing, che tradisce le aspettative dei consumatori. Sul dynamic pricing si è spaccata l’opinione degli addetti ai lavori e degli artisti. Alcuni di questi hanno scelto di distaccarsi per paura di tradire la propria fanbase. È la prima volta che si parla di un'azione che può tradire le aspettative dei consumatori, ma&nbsp;può sconfiggere o contrastare forme illecite di rivendita, di bagarinaggio o di lievitazione dei costi non normati. Credo che sia importante in questa Milano Music Week occuparsi di questo tema, sicuramente scomodo per capire come ogni soggetto si comporta in merito a questo aspetto. Inoltre un enorme dettaglio di consumo si sta orientando verso questa dinamicità e variabilità dei prezzi. Non dico che sia giusto che il mondo dei concerti viva questo fenomeno come qualcosa di fisiologico, anzi, siamo qui per parlarne in modo critico. Sicuramente oggi inizia un dialogo che avrà anche uno sviluppo politico”.

Davide Poliani ha così invitato Marta Fantin di Dice a intervenire: "Noi come Dice siamo un’azienda multinazionale nata in Inghilterra e il dynamic pricing lo stiamo vivendo da anni soprattuto, già negli Stati Uniti", ha affermato Fantin: "Su Dice, come piattaforma, abbiamo attuato diverse azioni: mostrare il biglietto solo poche ore prima dell’evento per contrastare il secondary ticketing. In relazione del dynamic pricing noi come piattaforma siamo contrari. Uno è il caso del concerto dei Cure al Troxy di Londra, di cui ci siamo occupati insieme al management della vendita dei biglietti, dal prezzo bloccato. Proprio la nostra campagna è contro il dynamic pricing e il secondary ticketing".

Ha preso poi parola&nbsp;Andrea Grancini&nbsp;di Ticketone e ha sottolineato: "Quello che vedo io, soprattutto sulla tematica concerti, che trovo un ambito diverso dai voli e dagli alberghi, è che dire che il dynamic pricing possa contrastare il secondary ticketing è un discorso che può essere fatto fuori dall’Italia. Nel nostro Paese abbiamo attuato molte strategie per gestire la nuova normativa per contrastare il secondary ticketing e sono stati fatti molti passi avanti, dal biglietto nominativo alle verifiche con i codici otp legati ai numeri di telefono". Ha continuato: "Io porto anche l'esperienza sul territorio: prendo a esempio un caso della scorsa estate di un'artista internazionale, che potete immaginare di chi sto parlando, che ha fatto due date a San Siro a Milano dove il 30% del pubblico era straniero, perché la spesa tra biglietti e viaggi era inferiore al costo dei biglietti nel loro Paese. L'altra osservazione è legata ai prezzi dei biglietti, che è vero che sono aumentati nel corso degli anni,&nbsp;ma a differenza degli altri paese in Italia rimangono&nbsp;comunque più bassi".

Fulvio De Rosa&nbsp;di&nbsp;Assomusica ha aggiunto: “Un pò come per tutti i fenomeni economici e sociali, bisogna analizzarli. Il dynamic pricing è un fenomeno che esiste da tempo e che esiste in Italia, dove è stato introdotto da siti di rivendita italiani dove vengono offerti biglietti a prezzi verificati, ma con diciture diversificate, come 'biglietti platinum'. La strategia è proprio stata quella di utilizzare quel termine per camuffare biglietti regolari ma che può avere più fasce di prezzo".

In qualità di fondatore di&nbsp;Friends&amp;Partners,&nbsp;Ferdinando Salzano ha affermato:&nbsp;"Il punto è capire se è un vantaggio e se in Italia siamo pronti, anche in termini di artisti italiani. Noi siamo passati attraverso un periodo che dopo il Covid ha visto una crescita esponenziale&nbsp; dei prezzi negli eventi di grossa portata. In questo momento storico con il dynamic pricing noi mettiamo a rischio un rapporto straordinario tra pubblico e artista rispetto a un meccanismo costosissimo, che porterebbe a una situazione di non trasparenza e chiarezza. Io oggi sono contrario per quanto investito nel rapporto tra spettatori e artisti, non dico che sono contrario a quello che potrà essere tra qualche anno.

Per SIAE, Matteo Fedeli è intervenuto sulle criticità che comporterebbe il dynamic pricing: “Sicuramente non è semplice, ma oggi viviamo in un mercato in cui esistono complicazioni ben più grandi. Il mondo dei biglietti è fermo indietro nel tempo. Se andassimo dall’amministratore delegato di Ryanair e mettessimo in vendita biglietti per un volo in programma tra sei mesi e faccessimo sold out, sarei licenziato. Perché venderemmo biglietti a un prezzo troppo basso. Non è facile, ma va fatto tutto quanto in una maniera digeribile. Come qualsiasi altra tecnologia può essere usata benissimo o malissimo. Qua bisogna ragionare sul suo utilizzo. Un artista potrebbe anche vederci un utilizzo etico, perché ci sono anche consumatori disposti ad acquistare biglietti il giorno prima dell’evento a prezzo maggiorato perché ha anche capacità di spesa”.

Nel suo intervento, l’On. Pier Francesco Maran ha posto l’attenzione sul dynamic pricing in relazione ai grandi eventi e ha dichiarato: “Il 3% dei concerti ha questa caratteristica e questo tipo di attenzione. L’altro 97% lo leverei da questa discussione. Concentrandoci sugli eventi di quel 3%, si nota che hanno regole ben diverse da altre situazioni. Inoltre, gli eventi più grandi influiscono sull’incremento turistico e culturale dei paesi. In merito al Dynamic pricing ci sono da tenere conto del rapporto di fiducia tra artisti e pubblico, e dall’unicità di ogni vento. Dal punto di vista legislativo è possibile isolare eventi o artisti in base alla loro grandezza o risonanza. In questi giorni stiamo dando il via alla nuova commissione europea e in merito al dynamic pricing si andrà a discutere per i grandi eventi dal vivo e ci sarà un primo passaggio di trasparenza”.

MMW24, il talk sul dynamic pricing: "Sta arrivando la tempesta?"

La lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto?

L’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> &nbsp;si terrà dal 18 al 24 novembre a Milano; l’evento dedicato all'industria musicale&nbsp;è promosso dal Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, Assoconcerti, Assomusica, Fimi, Nuovo Imaie e Siae. Main sponsor:&nbsp;UniCredit, UniCredit Allianz Vita&nbsp;e&nbsp;TicketOne.

Ecco gli eventi di sabato 23 novembre, sesta giornata:

14.30: "Christmas Dance con Carolina Benvenga" (Santeria Toscana 31)

Con:&nbsp;Carolina Benvenga

Presentato da Rockol e&nbsp;Sony Music Entertainment.

MMW24, gli appuntamenti professionali di sabato 23 novembre

Gli ospiti, gli orari, i dettagli...

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella tarda mattinata di oggi, 22 novembre, il panel "Turismo e spettacoli dal vivo: connubio per un nuovo turismo culturale in Italia", presentato da&nbsp;Assomusica - Associazione Italiana Organizzatori e Produttori Spettacoli di Musica dal vivo.&nbsp;L'incontro è partito dal presupposto che gli spettacoli dal vivo sono una fonte di sviluppo economico e un volano per le aziende della filiera del turismo, non solo nelle grandi città ma anche nei borghi d’Italia. Un altro punto centrale&nbsp;del talk si basa sul concetto che analizzare il significato strategico e il valore economico dell’evento e dello spettacolo dal vivo, equivale a comprenderne l’impatto economico e culturale sul territorio.

Introdotto da&nbsp;Carlo Parodi - Presidente Assomusica, e moderato da&nbsp;Paolo Giordano – Giornalista de "Il Giornale", l'incontro ha visto intervenire l'On. Gianluca Caramanna – X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia; On. Matteo Ricci – Eurodeputato – Parlamento europeo (in videoconferenza); On. Manlio Messina – VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati (videoconferenza); Dott. Alessandro Leon – Presidente Cles Srl; Dott. Costantino Ciulla – Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli – Agrigento Capitale italiana della Cultura 2025.

Nel 2017 i Rolling Stones hanno suonato alle Mura Storiche di Lucca in un mitico concerto ospitato dal Lucca Summer Festival, portando a un indotto di circa 20milioni di euro. Prendendo questo evento come esempio, Paolo Giordano ha aperto così l’incontro: “Solo quel concerto ha fatto lavorare tutto il tessuto imprenditoriale intorno a Lucca”. Ha quindi preso parola Carlo Parodi&nbsp;- Presidente Assomusica: “Partirei da un aneddoto per introdurre l’argomento: prima di tutto io sono un organizzatore di concerti e festival. Organizzo un Festival in una città vicino a Torino, e a una prima edizione ricordo che mi sono trovato ai cancelli a parlare con il Sindaco delle modalità dell’organizzazione di un evento. E in quel contesto vediamo avvicinarsi una signora determinata che cercava l’organizzatore dell’evento e dice: ‘Vorrei ringraziarvi perché ho assistito al concerto di Gianna Nannini ed è stato fantastico. Inoltre sono proprietaria di un agriturismo qui vicino e in concomitanza del festival la mia struttura è sold out’. Organizzare eventi nella loro complessità porta ricadute importanti sul territorio e per tutta la filiera. Quindi oltre a esaurire la sua primaria funzione nel creare cultura, genera anche economia. perché è un valore che genera valore e dobbiamo ragionarci in maniera importante”.

Il talk ha poi visto intervenire, in videocollegamento, l’On. Matteo Ricci. In qualità di ex sindaco di Pesaro, carica ricoperta dal 2014 al 2024 prima del ruolo di europarlamentare, Ricci ha sottolineato: “Quello che noi abbiamo cercato di fare in questi anni è di trasformare Pesaro in una città della musica, che investe nella musica e nello spettacolo. Abbiamo uno dei palasport più grandi e importanti di Italia che ci permette di ospitare grandi eventi nazionali e internazionali. Abbiamo ristrutturato il vecchio palasport per rispettare l’esigenza della musica e ospitare eventi più piccoli. Pesaro è stata proclamata Capitale italiana della cultura 2024 e in questo anno abbiamo registrato il 30% del turismo. E sono convinto che gli effetti migliori li avremo negli anni a a venire. Abbiamo già deciso di candidarci a Capitale italiana della cultura 2033 e sarà un’altra grande opportunità per dare continuità a una strategia. È importante inoltre sottolineare che l’Italia è un paese attrattivo per il turismo che verrà”.

Dal canto suo, il Dott. Alessandro Leon&nbsp;– Presidente Cles Srl e Segretario Generale&nbsp;dell'Associazione per l'Economia della Cultura ha affermato: “Riferendomi all’esempio di Parodi, dal canto mio ricordo che molti anni fa lavorai su un gradissimo progetto che si chiamava ‘Residenze Sabaude’ che ha consentito il recupero integrale di una cinquantina di residenze sabaude. Allora, nella metà anni Ottanta, non si pensava che la musica popolare potesse svolgere un ruolo fondamentale e non era stata presa in considerazione. Oggi, invece, ci si rende conto di quanto la cultura e la musica possano giocare un ruolo centrale nel generare aspetti economici”.

In qualità di Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli, in merito ad Agrigento,&nbsp;proclamata Capitale&nbsp;italiana&nbsp;della Cultura 2025, il Dott. Costantino Ciulla ha poi dichiarato: “Agrigento potrebbe essere un esempio e un caso studio per quella che è l’economia che viene riportata dallo svolgimento degli eventi e quelle che sono le ricadute sul turismo e l’economia locale".

In videocollegamento, l’On. Manlio Messina&nbsp;– VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati, ha raccontato: “In Sicilia c’è ancora un certo retaggio culturale secondo cui la musica e lo spettacolo sono solo divertimento, e quindi investire in questo settore non potrebbe creare indotto. Facendo rete possiamo sconfiggere questo retaggio culturale perché i numeri sull’apporto economico della cultura sono reali e incoraggianti.&nbsp;Per sostenere la filiera abbiamo triplicato il fondo per lo spettacolo, da 3,5 milioni a 9,5 milioni. Inoltre, abbiamo fatto riscoprire un personaggio come&nbsp;Nick la Rocca, il cui padre era&nbsp;originario di Salaparuta prima di trasferirsi a New Orleand, che&nbsp;incise il primo disco della storia del Jazz. Per questo abbiamo creato il Sicilia Jazz Festival che dura due settimane e che ha portato solo nell'ultima edizione più di 100mila presenza nella città di Palermo. Inoltre abbiamo istituito il&nbsp;Bellini Festival, in onore del compositore Vincenzo Bellini, che ha sempre registrato più di 100mila presenze".&nbsp;

Nel suo intervento, l'On. Gianluca Caramanna&nbsp;– X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia - ha infine evidenziato: “Il turismo non può fare a meno degli eventi, che siano sportivi o spettacoli dal vivo. Sono un valore aggiunto che spesso riesce&nbsp;a destagionalizzare. Anche se organizzati con anticipo, i grandi eventi si concentrano spesso in due o tre mesi estivi, perché spesso le location sono all'aperto e&nbsp;hanno bisogno della stagione estiva. Noi abbiamo quindi bisogno di invertire la rotta, avendo palazzetti al chiuso, dobbiamo estendere&nbsp;anche agli altri periodi dell’anno per destagionalizzare. Inoltre, il turismo si interseca con tutti gli altri ministeri, che sia agricoltura o trasporti o interni. Tutti i ministeri hanno bisogno di parlare con il turismo. Insieme ai grandi eventi e piccoli eventi dobbiamo fare un grande lavoro per destagionalizzare e delocalizzare il turismo, per dare visibilità e notorietà alle aree meno conosciute. Secondo me attraverso gli spettacoli è possibile".

MMW24, il talk su turismo e spettacoli dal vivo in Italia

Analizzare il valore dello spettacolo dal vivo per comprenderne l'impatto economico e sul territorio

Un quarto di secolo tondo dalla fondazione di&nbsp;Nun Entertainment, l'etichetta fondata da Stefano Senardi in collaborazione con Edel. Per festeggiarla, un evento speciale condotto da Luca De Gennaro&nbsp;con la partecipazione di molti ospiti, tra cui Luca Fantacone, Christina Iredale, Simonetta Simonetto, Pietro Monti, Stefano Pierini, Alessandra Piccioni, Maryon Pessina e l’amichevole supporto di Paolo De Francesco. L'appuntamento è per stasera alle 18.30 presso Detune Milano (via Felice Casati 24), nell'ambito della Milano Music Week. 
 
"La NuN è stata senza dubbio un’esperienza fondamentale, arrivata in un momento molto particolare della mia vita"&nbsp;afferma Stefano Senardi.&nbsp;"Pur non essendo durato a lungo, è stato un capitolo intenso, fatto di amicizie profonde e di grande professionalità, vissuto in un contesto di divertimento e passione in un periodo di notevoli cambiamenti. Alla comunità musicale ha lasciato un segno, un seme piantato sul terreno che, nei miei sogni più belli, potrebbe ancora germogliare".

Stefano Senardi festeggia i 25 anni della Nun Entertainment

In occasione della Milano Music Week, un evento speciale con molti ospiti

Si è tenuto nell’ambito dell’edizione 2024 della Milano Music Week un panel, presentato da FIMI, dal titolo “A European agenda for music. How European policies influence record industry”, in cui si è analizzato l’interazione tra la normativa europea e il business musicale. 

Sul palco in veste di relatori: Enzo Mazza - CEO FIMI; Antonio Guisasola - Presidente Promusicae, Spagna; Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia; René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, Germania; Francesca Trainini - Vice Presidente PMI &amp; Presidente IMPALA. L’incontro è stato moderato da Lodovico Benvenuti – Director of Multilateral Relations and Regional Director, Europe, IFPI. 

Le politiche europee svolgono un ruolo sempre più significativo nell'industria musicale, influenzando le dinamiche della discografia e le opportunità di crescita all'interno del mercato unico. Nell’incontro esperti del settore hanno esaminato le sfide e le opportunità presentate dalle politiche europee, evidenziando le iniziative chiave volte a sostenere l'industria musicale in un contesto globale. 

L’introduzione del panel è stata affidata a Lodovico Benvenuti, direttore di IFBI, quello che definisce “l’organizzazione internazionale che rappresenta l'industria del settore. Rappresentiamo, oltre alle tre principali label, la musica indie, la musica locale e musica internazionale, per oltre 8000 label nel mondo.” La loro visione e conoscenza del mercato è dunque ampia, globale ma ultimamente hanno concentrato la loro attenzione sul mercato europeo, quello dell’Unione Europa come entità politica, non quella geografica. Al fine di queste attenzioni hanno generato un report che ha sancito l’Europa come secondo mercato mondiale della musica. 

“Il rapporto - spiega Benvenuti - ha evidenziato le consistenze e le divergenze all'interno del mercato europeo e fornito strumenti per prendere decisioni politiche migliori, ai player del mercato, ma anche a quelli che creano le regole che sono rilevanti al nostro interno.” Nella sua analisi il direttore di IFBI fa notare che il mercato europeo ha una lenta crescita e resta ancora lontano dai livelli del riferimento americano.&nbsp; 

“Il mercato europeo - ha notato Benvenuti - ha diversi ritmi di crescita, e questo è in relazione con il livello di penetrazione del streaming. Quindi, ci sono mercati in cui c'è più streaming, e sono le nazioni con una maggior crescita. Qui è bello per me, come italiano, salutare il fatto che l'Italia è tra i paesi che sono cresciuti di più. Ciò che è molto buono del mercato europeo è il successo dei repertori locali e anche qui l'Italia è uno dei mercati migliori”. ma l’analisi fa anche notare che ”abbiamo una forte spinta locale che tuttavia non genera fenomeni globali e questo influisce sull’export della musica. Stiamo analizzando i modelli della Corea e quelli del Sud America che esportano un’ampia fetta della loro musica nazionale.” 

Benvenuti mette in campo un dato sull’investimento economico dell’industria musicale: “Se guardiamo a uno studio fatto un paio di anni fa, si nota che un euro investito da un’entità legata al mondo della produzione musicale rende 1,8 euro di output. È un dato straordinario, un qualcosa che i politici non devono dimenticare.”&nbsp; 

Benvenuti inoltre affronta il problema dell’AI e dei Deepfakes lamentando che non esistano regole precise a livello europeo e che andrebbero sviluppate e chiarite quelle già presenti piuttosto che creare altra normativa. Il direttore dell’ IFBI ha chiuso il suo intervento analizzando anche il mercato digitale europeo per il quale fa notare una grande frammentazione a livello nazionale, citando come esempio la “tax streaming” francese “Queste iniziative che sono nate in un paese, e poi non sono coordinate a livello europeo, creano un elemento di incertezza che è un ostacolo per gli investitori internazionali in Europa.” 

Nel suo intervento Francesca Trainini - Presidente di IMPALA - l’associazione che raccoglie circa 4000 label indie - ha sottolineato il valore delle etichette indipendenti per gli artisti, che spesso tendono a creare loro realtà. Francesca ha sottolineato che senza una struttura gli artisti potrebbero trovarsi in difficoltà nella loro carriera. Ha inoltre concordato con la necessità di rafforzare le regolazioni stabilite dall'Unione Europea, che sono considerate efficaci e ben bilanciate. Ha espresso soddisfazione nel riscontrare che i colleghi internazionali lodano queste regolazioni, evidenziando la differenza tra avere regolazioni e l'effettivo loro enforcement. 

Il terzo intervento è stato di Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia che ha illustrato il mercato del suo paese notando che anche per loro lo streaming (a pagamento) è un elemento importante e anche in Francia il mercato locale è molto forte, tutelato dalle leggi d’Oltralpe che impongono quote di programmazione di artisti locali. “Dei 100.000 brani più ascoltati in Francia lo scorso anno, quasi due terzi sono stati prodotti in Francia o sviluppati da team francesi” ha affermato. 

Alexandre Lasch ha espresso una forte critica sulla streaming tax menzionata prima. “L'anno scorso il governo francese ha introdotto una tassa sulle piattaforme di streaming che colpisce in particolare la maggior parte dei player virtuali, come Spotify, Deezer, Cobus, fondamentalmente i servizi in abbonamento. Ora possiamo vedere chiaramente quanto sia stata e sia tuttora una cattiva idea, perché da allora le piattaforme, che non sono nazionali, hanno ridotto i loro investimenti marketing in Francia. Inoltre, alcune di esse, hanno aumentato le tariffe, come nel caso di Spotify, per coprire i costi associati a questa tassa. Tutto ciò rende ancora più difficile lo sviluppo del mercato. E paradossalmente, i proventi di questa tassa non hanno l'effetto ridistribuivo che il governo sperava di ottenere.” 

René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, da l’idea della buona salute del mercato musicale tedesco seppure i dati siano contrastanti: “In Germania l'anno scorso abbiamo avuto un mercato di 2,2 miliardi. L'anno prossimo sarà di circa 2,3 miliardi. Ma veniamo da un picco di 2,8 miliardi, con l’80 % degli introiti che arrivano dallo streaming.” 

Il discografico tedesco affronta anche i problemi legislativi: “Come industria musicale amiamo la legislazione europea. E ci piacciono più gli atti che le direttive. Esistono due tipi di leggi diverse. L'atto è fondamentalmente europeo e il singolo Stato non può più fare nulla. La direttiva può essere attuata. Devono attuarla. Ma in Germania, a volte la politica si siede e dice: "Sì, direttiva, buona idea, ma facciamo in modo diverso". E allora noi ci dobbiamo riorganizzare. E questo non è sempre a favore del mercato, non aiuta la crescita. Quindi, questo è il problema.”&nbsp; 

René Houareau nota che il mercato tedesco vive di “importazione” da Francia e Italia in particolar modo e dice “chi di vi ha recentemente ascoltato una canzone tedesca?” 

Ben diversa è invece la situazione della Spagna che di musica ne esporta parecchia. “lo spagnolo è la lingua del nuovo pop - afferma Antonio Guisasola, Presidente Promusicae - Penso che in passato le persone preferissero qualcosa in inglese piuttosto che in spagnolo. Ma ora sono abituati ad ascoltare musica in spagnolo e ritengono che sia buona quanto quella in inglese. Quindi questo pop urbano con ritmi latini si è consolidato come un nuovo stile musicale. Il problema è che siamo 49 milioni di abitanti e siamo in “contatto” con 500 milioni di persone che parlano in spagnolo, la più grande colonia degli Stati Uniti. Quindi riceviamo molte pressioni da questo punto di vista. Per questo motivo, credo che abbiamo bisogno di un aiuto da parte delle autorità per promuovere gli investimenti locali. Abbiamo molta concorrenza dalla Colombia, da Porto Rico, da Miami, perché sono Paesi che investono molto nell'industria musicale e danno aiuti a questa industria. In Spagna, a causa dell'alto livello di pirateria che si è registrato in passato e del disinteresse di alcuni governi, l'industria musicale è in ritardo.&nbsp; 

L’ultimo intervento è quello di Enzo Mazza - CEO FIMI che espone la situazione italiana: “Abbiamo recentemente raccolto i numeri del terzo trimestre e abbiamo visto ancora una crescita intorno al 15% dell’intero mercato, trainata dallo streaming in abbonamento, che è creciuto del 21%. Questo significa che l'Italia sta ancora correndo e che ci sono alcune opportunità che possiamo vedere, in particolare perché l'Italia è rimasta indietro per molti anni nella penetrazione degli abbonamenti allo streaming. Abbiamo tra i 5 e i 6 milioni di abbonati alla piattaforma musicale nel Paese ed è meno, assolutamente meno di altri Paesi in Europa. Quindi, in questi termini, credo che guarderemo all'Italia come a un Paese meno sviluppato per lo streaming. Dall'altro lato, è un'opportunità perché sappiamo di poter raggiungere un numero sempre maggiore di abbonati in futuro. Come ad esempio la penetrazione nel settore della telefonia mobile, le giovani generazioni utilizzano sempre più smartphone per ascoltare la musica.” 

Mazza chiude il suo intervento osservando la forza del repertorio locale: “è piuttosto forte, come in altri Paesi, ma in particolare qui, sta crescendo rapidamente con un'intera generazione di artisti. Il mercato rimane piuttosto piccolo rispetto alla Francia e gli investimenti che le aziende possono fare sul repertorio locale sono ovviamente meno rilevanti. In particolare, perché il costo dell'investimento sul repertorio locale sta crescendo. I contratti sono più alti rispetto all'era fisica, con un fatturato che non è lo stesso. Quindi, paghiamo molto per i nuovi talenti. Le aziende lottano per ottenerli e offrono contratti molto buoni, ma questo non si traduce nel livello di entrate che abbiamo ottenuto in passato. Quindi, l'unica possibilità è l'esportazione. L'esportazione è probabilmente una delle aree più interessanti da esplorare.”

&nbsp;

&nbsp;

&nbsp;

&nbsp;

MMW24, il panel sulle politiche europee e la discografia

Come leggi e normative a livello europeo siano sfida ed opportunità per l’industria musicale

La musica emergente è stata la protagonista della serata di ieri sera, 21 novembre, al Ronin. Nel quartiere milanese di China Town, il sofisticato cocktail bar e ristorante ha ospitato GenZ Stage, momento che ha visto esibirsi alcuni degli artisti più promettenti e talentuosi della nuova scena musicale italiana. L’evento è stato organizzato da Rockol con la collaborazione di TuneCore Italy&nbsp;nell'ambito dell'<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>.

Nessuna distinzione di genere e di stili, solo un sacco di voglia di suonare, quella dei sette artisti che sono saliti ieri sera sul palco:&nbsp;The Snookers, Niveo,&nbsp;Chyky,&nbsp;Klaus Noir,&nbsp;Montag, Anna Castiglia&nbsp;ed&nbsp;Ethan.

<div class='embed'> <div class="flex flex-col space-y-2 justify-center items-center">
 <h3>21 novembre 2024 - Ronin - Milano - GenZ Stage - Milano Music Week 2024</h3>
 <img src="https://images.rockol.it/bKuvWTmYl6nqpWPBcYkluaQl9lQ=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-1.jpg">
 <div class="flex justify-center items-center"> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/9PegZXFArYSySS2TvJqouNRfmJE=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-10.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/OMivC4mUws4gkQXwfVrkV09MZiU=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-100.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/IDeFvK_10rYRonw1ezC1-xb4iTU=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-101.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/0S8KRzi74zOLkokIN9DpBOEKRdM=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-102.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/7FR0bUdTFvg4l0Vp_aP6iK9447Q=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-103.jpg"></div></div>
 <div class="text-center text-sm font-semibold">Foto di: Elena Grandi</div>
 <a href="https://www.rockol.it/gallerie-fotografiche/8118/" target="_blank" rel="noopener noreferrer" class="underline font-semibold">Vai alla gallery completa</a>
 </div></div>

Tra cocktail elaborati e piatti fusion, ogni musicista protagonista sul GenZ Stage, ha animato la serata con la propria musica e la propria personalità. L'elettronica rock ha aperto quindi l'evento con il duo composto da&nbsp;Anita e Federico, anime di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748131/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-sono-the-snookers">The Snookers</a>, prima di lasciare la scena al cantautorato di&nbsp;Marco Fasano in arte <a href="https://www.rockol.it/news-748149/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-niveo">Niveo</a>. I ritmi hip hop e le trame rap hanno poi fatto da padroni con i set di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748150/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-chyky">Chyky</a>&nbsp;e&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748132/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-klaus-noir">Klaus Noir</a>, seguiti dalla prorompenza della chitarra e dalla voce di <a href="https://www.rockol.it/news-748081/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-montag">Montag</a>. La sofisticatezza e delicatezza di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748130/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-anna-castiglia">Anna Castiglia</a> hanno poi colorato il Ronin di&nbsp;pop e R&amp;B, influenze samba, swing e gipsy, prima di trasformarsi in un club techno berlinese con <a href="https://www.rockol.it/news-748133/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-ethan">Ethan</a>, che ha portato sul palco trame sonore su atmosfere baile funk, R&amp;B, suoni elettronici sperimentali e hardcore.

MMW24, la musica emergente protagonista del GenZ Stage

Ieri sera, 21 novembre, il Ronin ha ospitato il live di 7 artisti emergenti

La Società Italiana degli Autori e degli Editori è stata la protagonista dell’ultimo segmento del Music Publishing Day, evento dedicato all’editoria musicale in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> chiusosi nel tardo pomeriggio di ieri, giovedì 21 novembre, presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco di Milano. Sul palco, oltre al dg della collecting Matteo Fedeli, anche i due autori (e membri del Consiglio di Sorveglianza) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732037/siae-nuovo-consiglio-sorveglianza-giovani-andrea-tonoli-intervista">Andrea Tonoli</a> e Giovanni Caccamo, il discografico ed editore (ed ex presidente di SIAE) Filippo Sugar e gli editori (e membri del consiglio di sorveglianza SIAE) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732659/siae-under-30-ai-vertici-guendalina-gramitto-ricci-intervista">Guendalina Gramitto Ricci</a> e Claudio Buja.

“Per noi autori è formativo entrare nel Consiglio di Sorveglianza”, spiega Tonoli: “Essere a contatto con i grandi professionisti dell'editoria è un grande regalo, è una fonte di istruzione su quello che sarà il nostro futuro. Quello che stiamo vivendo ora è il frutto di una visione collettiva che è stata portata avanti nel tempo: SIAE oggi è molto digitale e innovativa, dobbiamo dare atto a Matteo (Fedeli, ndr) di questo”.

“Da giovane e da editore, dico che è un'occasione di imparare, e un onore e un onore, una cosa bellissima e una fortuna esserne parte”, conferma Gramitto Ricci, alla quale fa eco Caccamo: “Prima di entrarci avevo la percezione della SIAE paradossalmente quasi negativa - dico ‘paradossale’ perché senza il diritto d'autore gli artisti non esisterebbero” - spiega l’artista - “Essere parte di questa società è un onore, una responsabilità e anche un'opportunità: in questi anni ho avuto l’opportunità di arricchire la padronanza degli strumenti a nostra disposizione da SIAE, e sarei felice che tutti gli autori soci avessero le stesse conoscenze che ho acquisito io”.

“Il lavoro di SIAE è semplice”, interviene Fedeli, insediatosi come dg della collecting prima di compiere quarant’anni: “Si tratta di gestire al meglio il diritto che autori ed editori ci hanno affidato, ovvero ottenere dal mercato il valore più fair possibile per il loro lavoro spendendo il meno possibile. Non dobbiamo fare profitto, e questa è la nostra forza. Spendendo il meno possibile il nostro servizio costa sempre di meno: lo scorso anno il nostro fatturato è stato di 883 milioni di euro, più di 100 milioni superiore all’ultimo pre-pandemia. E' stato necessario cambiare tante cose, e il cambiamento è partito prima del mio arrivo, da una decina d'anni: oggi la velocità del cambiamento sta aumentando, le cose che riusciamo a portare a casa sono sempre di più. Se siamo perfetti? No, non lo siamo: c'è sempre qualcosa per cui vale la pena innovarsi. L'AI, per esempio, sarà una sfida generazionale. Di quello che abbiamo fatto siamo abbastanza fieri: stiamo cambiando a 360° la società con persone che credono a questo cambiamento”.

Quali valori dovranno ispirare la collecting per il futuro?

“C'è bisogno di giovani negli organi sociali, perché il cambiamento è legato alle energie”, chiarisce Sugar: “SIAE è autori ed editori insieme, e in questa unione c'è la forza di rappresentare tutto il mondo della creatività e dell'editoria in un unico organo che non deve guadagnare, ma essere il più efficiente possibile. La SIAE è aperta, e possiamo indirizzare il valore della società, per esempio scegliendo un dg di nemmeno quarant'anni. Il nuovo gruppo sta facendo un grande lavoro di trasformazione digitale, efficienza e comunicazione. Per il futuro occorrerà cercare di aumentare l’efficienza anche a livello internazionale: per farlo, le collecting dovrebbero aggregarsi e accelerare il flusso di recupero di denaro da fuori dall'Italia. E non dimenticare che questa capacità di stare insieme consente di creare un contesto legislativo che nessuno di noi, da solo, avrebbe la forza di poter sostenere, trovando equilibrio nelle trattative per le remunerazioni”.

“Ho trascorso più di vent'anni della mia vita professionale con SIAE, compresi momenti difficili, tipo tra il 2010 e il 2020, quando sono stati apportati gravi danni al patrimonio di SIAE”, spiega Buja: “Poi c'è stata una svolta molto positiva, siamo come risultati che come professionisti entrati in organico. In questo momento la proiezione per il futuro non può che essere molto ottimista. Ci sono temi da affrontare subito che possono essere migliorati, come l'efficienza all’estero, dove ci sono paesi che non riconoscono il diritto d'autore o che lo gestiscono in modo oscuro. Sull’intelligenza artificiale: quello <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748084/collecting-e-intelligenza-artificiale-gema-fa-causa-a-openai">che ha fatto GEMA</a> è sacrosanto, perché l’AI lavora su opere che attingono alla creatività di autori umani. SIAE non si occupa di sync: con l'avvento dei social e delle piattaforme come TikTok, Youtube e i videogame online, tuttavia, dovrebbe assumere il ruolo di gestore delle sincronizzazioni non commerciali (come, per esempio, stories su TikTok), perché venga riconosciuto agli aventi diritto quello che gli deve essere corrisposto”.

“Affrontiamo questo tipo di cambiamento come abbiamo affrontato gli altri in tutta la nostra storia”, risponde Fedeli, “Perché l'essere umano si adatta sempre. Riguardo l’AI, la domanda è: in quanto tempo ci si deve adattare? Quella per l'intelligenza artificiale sarà una lotta generazionale, che non si esaurirà in pochi anni. Oggi verso l'AI generativa c'è una sovra-aspettativa, ma resto convinto che debba essere utilizzata, perché è un valore. Oggi è necessario creare competenza sul tema, ma vanno capite le paure che l’AI suscita”.

Sulla sperequazione che caratterizza i compensi di discografia ed editoria - a favore della prima - da parte delle piattaforme digitali, per Buja è importante che il comparto del publishing mantenga “la propria specificità, che ci consente di rapportarci con discografia e con chi lavoro per noi e con noi – le collecting, appunto – per ottenere il massimo per tutti gli aventi diritto”.

“E’ brutto muoversi guerra tra aventi diritto”, commenta Sugar: “La svolta digitale del mercato ha sicuramente premiato la discografia rispetto al diritto d'autore, e a tendere questo sbilanciamento deve essere corretto. Ma la discografia, alla vigilia dell’irruzione sui mercati dei DSP, veniva da anni molto difficili, mentre il nostro settore aveva retto meglio il cambiamento tecnologico”. “In assenza di unanimità a livello internazionale su tematiche fondamentali come il value gap tra discografia ed editoria, SIAE deve essere il baluardo della sfida comune a tutta l'industria”, conclude Gramitto Ricci: “Due parti che lavorano a stretto contatto devono trovare il modo per collaborare al meglio”.

“Gli strumenti ora ci sono”, osserva Tonoli riguardo le strategie che la collecting dovrà adottare nei prossimi anni: “Dobbiamo portare ‘dentro’ la società gli autori che non conoscono tante delle cose sulle quali stiamo lavorando, dobbiamo fare un sforzo per avvicinarci di più ai nostri colleghi”. “L'80% dei giovani oggi ha spento il motore dei sogni e di questo siamo tutti responsabili”, conclude Caccamo: “Abbiamo accorciato così tanto la distanza tra desiderio e realtà che i giovani non sognano più. Dobbiamo dare la parola e la speranza ai giovani perché riaccendano i loro sogni”.

MMW24, ‘Immaginando la SIAE del futuro’

Una lunga storia alle spalle, un futuro in mano ai giovani: il punto coi vertici della collecting

Si può pensare a un brano come un organismo composto da tante piccole cellule che entrando in contatto tra loro e tramite reazioni e concatenazioni danno vita alla canzone. 

Ci si sofferma, spesso, sul testo, sull’interpretazione, ma c’è una cellula che contribuisce in maniera significativa: il suono.

Il suono dà, forse più di tutti, carattere, entità al brano e chi se non i producer possono raccontare questo processo creativo? In occasione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> i produttori Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani (A&amp;R Tuttomoltobenegrazie / Nigiri) e Paolo Colavolpe (Head of M.A.S.T.) si sono confrontati proprio sul ruolo del suono di questi ultimi anni. 

A moderare l’evento è stato il giornalista Claudio Cabona, il quale ha iniziato con una riflessione: “Oggi i produttori sono le nuove star del settore”.

Paolo Colavolpe ha risposto: "L'importanza dei produttori oggi è fondamentale, sia per il sound, che fa la differenza per chi ascolta, sia per il modo in cui la musica viene creata e usufruita. Con il progredire della digitalizzazione, sono cambiati sia i processi creativi che il modo di fruire la musica. Questo si collega all'importanza del produttore, non solo in studio, ma anche nella scelta di quello giusto per l’artista. Questo discorso è valido in qualsiasi periodo storico, ma ciò che ha portato alla ribalta la figura del producer oggi è il fatto che, se un tempo era noto solo agli addetti ai lavori, oggi, grazie anche all'hip hop, è riconosciuto anche a livello popolare, dai fan. Questo ruolo raccoglie e amplifica il rapporto artistico tra produttore e artista. Oggi ciò che fa davvero la differenza è il mood dell'artista, e questi elementi diventano decisivi per i risultati finali."

Martina Giannitrapani ha aggiunto: "Il sound è un concetto ampio, specialmente oggi. La parola stessa è fondamentale, così come la sua scelta. Per esempio: per una canzone dei Pinguini Tattici Nucleari, c’è stata una lunga ricerca per darle una direzione mirata verso il giusto target. Oggi l’arrangiatore è stato inserito tra gli aventi diritto, perché ha acquisito un ruolo significativo anche nella fase di scrittura, contribuendo a definire un’identità sonora. Diversi elementi determinano questa identità. Un altro esempio è il modo in cui i Negramaro utilizzano la voce”

Ogni produttore, quindi, ha un proprio modo di lavorare con l’artista; Bobo ha raccontato: "Principalmente non esiste una regola, specialmente nell'arte. La mia forza sta nel saper capire l’artista: mi considero più uno psicologo, capace di indirizzarlo nella scelta del sound. Mi piace molto comporre al momento. Di solito preparo una base a casa e poi la mando al rapper. Non seguo mai un metodo fisso e amo spaziare tra generi diversi.La sinergia si crea lavorando insieme”

Brail: "Condivido il riferimento alla psicologia: mi rappresenta molto, soprattutto quando lavoro con un artista che non conosco. Non sono un fan delle sessioni 'one day': prima di tutto, bisogna capire chi si ha di fronte, anche dal punto di vista umano, per poter produrre al meglio. È come essere un sarto: devi cucire un vestito su misura che l’artista possa indossare comodamente, facendolo sentire a suo agio. Prima ancora di accendere il computer, deve esserci un confronto umano. Mi capita anche di lavorare sulla parte testuale, in alcune occasioni. Ad esempio: quando ho collaborato con Mannarino, voleva aprirsi verso un mondo più elettronico. In quel caso, ho fatto una lunga ricerca prima di entrare in studio, cercando materiali e ispirazioni. Con Madame, invece, ci siamo trovati spontaneamente: ho buttato giù un giro di piano mentre lei scriveva, e da lì è nato un testo che si intrecciava in maniera imprescindibile con il suono. Quel pezzo aveva già una forte identità e non aveva bisogno di grandi interventi. Dal punto di vista della scrittura (melodia e testo), preferisco partire dalla chitarra. Le reference sono importanti, ma la parte più divertente è elaborare quegli spunti e trasformarli in qualcosa di unico e personale”. 

Estremo: "Accolgo gli artisti a casa mia, dove ho il mio studio, e questo aiuta a creare un ambiente confidenziale e rilassato. È fondamentale trovare una sinergia e un punto di unione: l'idea si costruisce quando si riesce a individuare questo punto di connessione. La voce è un vero e proprio strumento. Di solito inizio dal pianoforte, abbozzo delle melodie e osservo le reazioni degli artisti, ma spesso, una volta in studio, stravolgo tutto dopo aver registrato la traccia vocale. Trovo molto creativo e stimolante utilizzare la voce come campione o sample: in questo modo, diventa uno strumento a tutti gli effetti. Mi piace rompere un po' il mood generale dell’artista e portarlo nel mio mondo. Credo che il valore fondamentale di un produttore sia quello di valorizzare l’artista, lavorando sulle sue caratteristiche e sul suo range espressivo."

Negli ultimi anni molti produttori hanno pubblicato quelli che, per l’appunto, vengono definiti “producer album”. 

Estremo ha spiegato che sta lavorando a un producer album, ma ritiene che abbia senso farlo solo quando si ha un’idea chiara e qualcosa di nuovo da proporre. Ha osservato che spesso, dietro l’ondata di album dei produttori, manca una vera visione. Inoltre, ha sottolineato che realizzare un progetto di questo tipo comporta mettersi in prima linea e svolgere attività che, da semplice produttore, non si affrontano abitualmente.

Brail ha evidenziato che ogni produttore è diverso, e che alcuni sono anche artisti e riescono così a proporre qualcosa di personale. È un fan di chi riesce a "sparire", cioè di chi si adatta a ogni progetto e si identifica con un suono unico per ciascuno. Ha aggiunto che potrebbe immaginare un disco come un’indagine sul suono, una ricerca, ma ha escluso, almeno per ora, l’idea di realizzare un producer album nel senso classico del termine.

Bobo ha affermato di avere una visione musicale molto ampia e di considerare importante non "provare tanto per provare" quando si parla di producer album. Secondo lui, è fondamentale sapere chi si è e cosa si vuole fare. Non è interessato a pubblicare qualcosa di isolato, ma di preferire la costruzione di un percorso coerente, capace di lasciare il segno attraverso una ricerca sonora approfondita. Per lui, una volta che si conoscono le regole, si può anche decidere di romperle.

Non è mancata una riflessione sul futuro del suono.

Martina Giannitrapani: "Penso che riconoscibilità e differenziazione siano fondamentali sia per l’artista che per il suo sound. Con la quantità enorme di materiale presente sul mercato, è facile che i progetti si confondano tra loro e che si tenda a seguire ciò che ha già funzionato. Ciò che davvero rende unico un progetto, invece, è il modo in cui l’artista riesce a comunicare il proprio messaggio, rendendolo originale e diverso rispetto agli altri”.

Paolo Colavolpe ha aggiunto: "Non ho una sfera di cristallo per prevedere come si evolverà il panorama musicale, specialmente nel rapporto tra dimensione locale e globale. L’artista è come una spugna, si lascia ispirare da ciò che lo circonda. Mi piace immaginare un futuro caratterizzato da contaminazioni e crossover, dove le regole sonore vengono infrante e tutto smette di essere rigidamente incasellato. Sono certo che, in qualche modo, si arriverà a qualcosa di nuovo. Quando si raggiunge un punto di saturazione, chi ascolta sente il bisogno di novità, e prima o poi arriverà qualcosa capace di rompere quella diga, portando a un’evoluzione. La musica, così come l’arte, nasce da un’esigenza, e quando quel momento arriverà, sarà uno dei più emozionanti per il mercato”.

Il tema dell'educazione all'ascolto del pubblico è oggetto di un acceso dibattito tra i professionisti, ognuno con una prospettiva diversa.

Paolo Colavolpe ha espresso la sua contrarietà al concetto di "educare" il pubblico, ritenendo che non esista una distinzione tra musica alta e bassa. Secondo lui, parlare di educazione implica voler insegnare qualcosa, ma la musica nasce da esigenze profonde e spesso i musicisti più visionari sono quelli capaci di percepire e rispondere in anticipo ai bisogni degli ascoltatori.

Estremo ha sottolineato l'importanza della diversità, spiegando che essere diversi fa la differenza e che l'errore, spesso, è ciò che porta alla novità, generando stupore. Ha raccontato di dedicare molto tempo alla ricerca di qualcosa di unico e che possa appassionarlo, considerando questa pratica fondamentale.

Brail ha condiviso un’esperienza personale, raccontando di aver fatto scoperte importanti proprio sbagliando in studio. Per lui, la creatività nasce anche dal remixare il passato e vivere il presente con uno sguardo aperto, traendo ispirazione da ambienti inaspettati, come un museo. Ha aggiunto che le opere più memorabili sono quelle che suscitano sorpresa e spingono il pubblico a chiedersi di cosa si tratti, garantendo così la loro permanenza nel tempo.

Bobo ha evidenziato che anche nel rap è sempre necessario introdurre qualcosa di nuovo, definendo il processo creativo come un riciclo continuo. Ha ribadito che sbagliare è fondamentale per andare avanti, sottolineando l’importanza di come si reagisce agli errori e agli eventi nella musica e nella vita.

L'evento è stato organizzato da&nbsp;Believe e&nbsp;M.A.S.T.

MMW24, il panel "Speed Of Sound: La viralità nasce dal suono"

Con Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani e Paolo Colavolpe

La musica non è solo espressione artistica o uno strumento di intrattenimento, ma è un bene economico strategico, in grado di influenzare mercati, plasmare carriere e trasformare interi settori industriali.&nbsp; 

In occasione dell’edizione 2024 della MMW viene annunciata la seconda edizione dello studio di settore “La Musica che Conta”, promosso da AFI in collaborazione con Fondazione Assolombarda. L’analisi, relativa al mondo delle etichette indipendenti, restituisce all’industria discografica una visione razionale e analitica, capace, nell’esplorare gli scenari economici del settore, di tenere in considerazione anche e soprattutto il contesto nazionale. 

L’incontro, presentato da AFI e Fondazione Assolombarda, ha visto come relatori: Sergio Cerruti – Past President di AFI | Presidente della Commissione Affari Legali ed Istituzionali di AFI | CEO di Just Entertainment; Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi, Territorio e Ambiente di Assolombarda; Federico Bagnoli Rossi – Presidente FAPAV; Chiara Santoro – Music &amp; Tech Executive | Strategy Advisor | Editor in Chief, AIRIA 

“Siamo orgogliosi di presentare la seconda edizione di questa analisi “La musica che conta”, una innovativa iniziativa presentata lo scorso anno e che ora approfondisce ancor più l’analisi.” Così dice Sergio Cerruti presentando un veloce estratto dei dati contenuti nello studio di settore. 

“I numeri sono fantastici - prosegue - ma vanno analizzati per contrastare un’informazione che può essere distorta, che può fargli assumere un valore e significato diverso.” Dunque il Centro Studi di Assolombarda ha elaborato i dati grezzi forniti da GFK aggregandoli, pronti per essere capiti ed interpretati correttamente da chi è deputato a farlo, cioè l’industria. 

Il primo dato che fornisce Cerruti è positivo. “L’89% italiani (con età superiore ai 14) ha un’interazione con la musica che vuol dire un + 1% rispetto allo scorso rilievo. Nel periodo del Covid - prosegue Cerruti - c’è stato un forte incremento (poi mantenuto) delle strutture deputate all’audiovisivo, essendo costretti a stare chiusi in casa. Ma il post pandemia ha confermato questo trend di crescita.” Lo studio poi passa ad analizzare le modalità di fruizione della musica: “il mezzo più diffuso per l’ascolto in Italia è la radio. Seguono poi lo streaming on line, i canali televisivi musicali, includendo anche le trasmissioni sulle tv generaliste, seguono i vinili e lo streaming a pagamento con scarico. Infine - conclude Cerruti - resta una quota marginale per il semplice download.” 

L’analisi poi si sposta sul mondo delle piattaforme, la cui fruizione ha uno stretto legame con l’anagrafe. I maggior numero di contatti in assoluto sono generati da YouTube (26,8% dello streaming), a cui accedono i più anziani, mentre Spotify è la più “frequentata” dalle giovani generazioni. Tra le due piattaforme si colloca Tik Tok.&nbsp; 

Dopo questi dati, il focus si sposta sul mondo dell’industria musicale nell’era digitale con l’intervento di Chiara Santoro che ha lavorato a Youtube e che con i suoi tredici anni in azienda, prima di rivolgersi ad altre sfide professionali, ha “vissuto la trasformazione digitale dal di dentro”.&nbsp; 

“Nel mercato della musica digitale possiamo identificare cinque aree specifiche. La prima - dice Chiara Santoro - è la comprensione degli intenti e gradimento dei consumatori/fan. Capisci come cambiano le loro esigenze analizzando i social e i commenti. Cosa che prima non potevi fare. Il fatto che la musica digitale sia distribuita sulla piattaforme permette una maggior integrazione di esperienze per i fruitori, esperienze sempre più ampie e collegate tra loro anche attraverso gli strumenti a disposizione. L’esempio - dice Chiara forte della sua esperienza e conoscenza - è vedere come Youtube è cambiato nel tempo con accesso delle label e degli artisti e altre implementazioni. Questo influisce anche sull’area della competizione tra le diverse piattaforme.”&nbsp; 

Tornando ai dati l’ex Youtube fa notare che “ora sono molto più facili e veloci da ottenere e consultare e queste informazioni possono essere trasformate in azioni sul mercato. Questo influisce anche sulla sfera di come stare sul mercato. Infine l’innovazione è più facile rispetto al “fisico”. Infine con il digitale cresce la facilità di sperimentazione che può essere fatta sia dalle label che dagli artisti stessi oltre che dalle medesime piattaforme.” 

Il terzo intervento è di Federico Bagnoli Rossi, il quale si occupa di pirateria audio e video che fa notare che questo problema, presente anni fa, ora nella musica è quasi assente, mentre affligge maggiormente l’audio video e il mondo delle Tv. “Abbiamo però creato uno spot che andrà prossimamente in visione, in cui uniamo in un unico promo un invito a lottare contro il fenomeno.” 

Chiude il panel l’intervento di Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi di Assolombarda - colei che lo studio l’ha elaborato. La direttrice fornisce una confortante analisi riguardo agli introiti dell’industria musicale entrando in dettagli specifici molto economici. “I numeri non dicono tutto ma molto - afferma - Lo studio non deve solo contare ma misurare e quantificare per dare un valore ai numeri stessi.” Ecco allora che dall’analisi emerge che la quota PIL dell’industria musicale è notevolmente incrementata grazie a tutta la filiera a monte ed è ancor di più corposa se si aggiunge l’indotto a valle. Il tutto viene quantificato in più di 260 milioni di euro sul PIL. 

Dallo studio spiega Valeria Negri emergono le tre “V” del settore: “vitalità” (perché al netto del successo del periodo Covid è un settore in forte crescita rispetto al pre covid), “varietà” (imprese diverse con business model diversi, di dimensioni diverse, realtà nuove o storiche) e “vicinanza” (con una grande diffusione sul territorio delle imprese del mondo musicale). 

In chiusura Sergio Cerruti, dopo avere mostrato l’anteprima cartacea dello studio annuncia che, una volta sistemati piccoli o grandi refusi, l’elaborato sarà, “non prima del 1 dicembre” disponibile per la consultazione direttamente on line.

&nbsp;

&nbsp;

&nbsp;

MMW2024: lo studio di settore sul valore della musica. I dati

La lettura dei numeri per dare un peso alla musica intesa come mercato e bene economico 

Il secondo segmento del Music Publishing Day (tenutosi oggi - giovedì 21 novembre - presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco), evento dedicato all’editoria musicale in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, ha avuto come focus il tema più discusso dall’industria musicale (e non solo) nell’ultimo anno: l’intelligenza artificiale generativa.

Nella premessa alla discussione Pietro Villani, Communication Officer di ICMP, ha chiarito quale sia il razionale dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/ai-act-495842">AI Act europeo</a>, ovvero “prima pensare alla protezione delle opere, poi al profitto che possono generare venendo sfruttate, per fare in modo che musica e intelligenza artificiale possano coesistere". “Non siamo contro l'AI, ma per un'innovazione tecnologica e legale, ovvero che preveda la stipula di licenza”, aggiunge: “In presenza di tanti esempi di violazione, come quelle&nbsp;di OpenAI, che usa materiale protetto da copyright per il training senza le licenze necessarie considerando l’utilizzo del contenuto pubblico sul Web come fair use, l’AI Act&nbsp;è la prima legge a livello globale che si propone di regolare questo settore”. Entrata in vigore il primo agosto 2024, la norma - per ragioni tecniche - si applicherà con un certo ritardo: dal 2 agosto 2025 per i modelli generativi ancora non sul mercato, e dal 2 agosto 2026 per quelli già operativi, con sanzioni che andranno da 8 milioni di euro (o dell’1,5% del fatturato globale dell’azienda responsabile dell’infrazione) a 36 milioni (o del 7% del fatturato globale)”.

“Abbiamo scritto a più di 3000 società di sviluppo di modelli di AI generativa dicendo che non c'era l'autorizzazione per utilizzare i repertori che gestiamo per il training”, spiega Nicola Migliardi, COO di SIAE: “E’ un compito difficile, perché non sappiamo quale sarà la piattaforma leader del futuro”. “Nessuna ci ha risposto”, aggiunge, spiegando come il testo approvato dimostri, almeno fino a ora, scarse capacità di deterrenza: “Come Società Italiana degli Autori ed Editori siamo coinvolti nei lavori del disegno di legge italiano sull'AI, chiedendo trasparenza, ovvero l’obbligo reporting e rendicontazione da parte delle aziende, e un’inversione del processo che ribaldi la logica dell’opt-out. <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748084/collecting-e-intelligenza-artificiale-gema-fa-causa-a-openai">La GEMA, facendo causa a OpenAI</a>, ha dimostrato che anche le collecting si stanno muovendo, in questo senso”.

“Quello che oggi si può fare con l'AI rende, oggi, il ruolo dei compositori per il cinema irrilevante: ci possono mettere in un angolo”, avverte Pivio, autore di tante fortunate partiture per il grande schermo: “L'unica cosa che l’AI non è capace di fare è sbagliare: l'errore, ormai, è l'unica cosa che ancora caratterizza il lato artistico umano. Con 30 euro - il costo dell’abbonamento a uno di questi modelli - si può ottenere un risultato qualitativamente molto alto, e associarlo a immagini, sempre con un'altra applicazione basata sull’intelligenza artificiale. Sono molto preoccupato per quello che succederà da oggi in poi, a meno che non si trovi il modo di permettere un utilizzo intelligente della tecnologia. E' importante mettere in gioco un atteggiamento etico, anche a livello istituzionale: bisogna puntare su un ragionamento collettivo che faccia capire, in prospettiva, cosa significhi utilizzare l'AI. Ma in quanti sono disposti a non aggirare questo ostacolo?”.

“Prima mi faceva paura, l'AI: oggi, un po’ meno”, ammette il Managing Director di BMG Italy Dino Stewart: “Dopotutto la paura è il primo modo che l’uomo ha a disposizione per elaborare un piano di difesa. Nell'industria musicale, tuttavia, la paura ha sempre fatto dei danni. Tutto, dai sintetizzatori ai campioni, faceva paura: poi i publisher hanno aperto uffici apposta per licenziare campioni. Sapere che oggi che una cornice legislativa volta a tutelarci mi rende meno pauroso. Però c'è il discorso etico: oggi siamo in una fase di estrema curiosità, e l'approccio di oggi è che tutto quello che è legato all'AI è cool e fuori dal normale, e questo è il vero pericolo, che forse cambierà quando l'AI diventerà una routine”.

“Stiamo parlando della relazione con big tech molto più grandi di noi: ci vorrà molta determinazione per riuscire a farci sentire”, aggiunge Francesca Trainini, AD di Peermusic e Peer Southern Productions e presidente di IMPALA: “L'AI Act è uno strumento validissimo, che ci viene invidiato e copiato, e ci deve rendere orgogliosi. Ma questa normativa deve essere messa in pratica. Le big tech guardano alla musica come servizio, un approccio molto diverso da quello che caratterizza il nostro modello di business: c'è da riconciliare queste due visioni, e non sarà semplice. Enzo Mazza (CEO di FIMI, ndr) dice che con le big tech è sempre opportuno negoziare, ma con la pistola sul tavolo”.

Parlando delle applicazioni positive dell’AI in ambito editoriale, il CEO di Machiavelli Music Pietro Giola trova che ci siano “soluzioni non generative molto utili per scegliere tra i cataloghi, velocizzando la creatività" nei processi di sincronizzazione. Nel caso, tuttavia, l’AI inizi a porsi come "sostitutivo della creatività, allora diventa un problema. Le big tech non hanno persone come investitori con sensibilità sulla creatività: le big tech vedono le licenze come un rallentamento, credendo di poter imporre le proprie scelte in virtù della ricchezza”.

ICMP, spiega Villani, ha un progetto “destinato a proteggere tutte le società musicali dal text e data mining, il Rights Reservation in Music. A tutti i nostri associati consigliamo di riservare i loro diritti, impedendo lo scraping. La piattaforma RightsandAI.com si basa non solo sulle leggi europee, ed è operativa a livello internazionale: dice che non può esserci uso senza licenza, compenso e consenso per gli aventi diritto. Tutto ciò, in ogni caso, non preclude alle società che diano la propria adesione in futuro di stipulare contratti con società di AI”.

"Abbiamo bisogno di qualità, non di quantità”, conclude Migliardi: “Oggi non abbiamo bisogno di produttività, non ci servono milioni di canzoni in più, quindi in futuro ci sarà più bisogno di intelligenza emotiva che di intelligenza artificiale”.

MMW24, publishing: AI generativa o creatività originale?

Il dibattito sull'intelligenza artificiale anima il Music Publishing Day al Castello Sforzesco

Si è tenuta oggi, giovedì 21 novembre, presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco e all’interno del Music Publishing Day organizzato in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, la presentazione dei dati relativi al mercato editoriale italiano riferiti dal primo Music Publishing Survey dell’International Confederation of Music Publishers, entità che accorpa a livello internazionale editori musicali major e indipendenti.

I risultati completi dell’indagine, condotta sui 15 maggiori mercati a livello globale, saranno resi noti tra la fine del 2024 e l’inizio del prossimo anno. Per quanto invece riguarda il nostro Paese, il valore complessivo dell’editoria musicale italiana (basato sui dati forniti a ICMP da SIAE e dalle tre principali associazioni di categoria del settore, FEM, ANEM ed Emusa) è stato stimato 275 milioni di euro. Di questi, 189 sono ascrivibili agli incassi indiretti, ovvero intermediati da SIAE, e 85 da incassi diretti, ovvero frutto di accordi stipulati direttamente dagli editori con gli utilizzatori (come, per esempio, nel caso delle sincronizzazioni).

Riguardo le linee di ricavo del settore editoriale italiano, il 20% degli incassi totali è stato generato dal consumo digitale di opere, il 28% dalle sincronizzazioni, il 5% dalla copia privata, il 5% dalla riproduzione meccanica e il 44% dalla pubblica esecuzione: l’85% del totale è stato generato in Italia, e il 15% all’estero. Pietro Villani, Communication Officer di ICMP, ha osservato come l’Italia abbia ancora ampi margini di crescita in questo comparto, perché decisamente più performante rispetto al passato.

Toni Verona, presidente di ANEM, concorda con Villani: “La nostra attività prima ci consentiva di operare a livello nazionale: oggi, con la digitalizzazione, il nostro mercato è il mondo, cosa che mi rendo molto ottimista per il futuro”. Senza contare, osserva Paolo Franchini, presidente di FEM, che “parte degli incassi SIAE sono stati raccolti nel 2022, anno ancora intaccato dalla ‘coda’ del Covid. Sarà interessante paragonare i risultati di anno in anno per vedere se saremo stati capaci di correggere la rotta dove ci siamo rivelati meno performanti”. Di dati “ottimi, rispetto al valore del mercato di qualche anno fa” parla Carlo Solaro, presidente di Emusa, che si aspetta - per il prossimo anno - un aumento dai segmenti di digitale e pubblica esecuzione.

“Quello dell’Italia è un buon risultato”, spiega Villani: “Pur dietro a giganti del settore come USA e UK, l'Italia è nei primi sei mercati a livello internazionale come incassi - secondo i dati forniti da CISAC, e al primo posto nel mondo per tasso di crescita su base annua tra il 2022 e il 2023 come raccolta di diritti di pubblica esecuzione”.

Ci si attende una crescita soprattutto all’estero, dove - dice Solaro - “la musica italiana è molto apprezzata, e - quindi - ancora più meritevole di essere tutelata”. “La dance made in Italy è stato il primo esempio di esportazione vincente, grazie alla visione di alcuni imprenditori con una visione illuminata”, rilancia Verona: “Perché non fare la stessa cosa oggi? Si potrebbe trattare la musica come un brand, come oggi già vengono trattati moda e cibo. E' una forza di tipo culturale, ma il settore dovrebbe essere più coeso per portare avanti discorsi di questo tipo”.

Allineato alla linea “fare sistema” è anche Solaro, per il quale, “sotto l'ombrello di ICMP”, occorre “essere presenti nel mercato e cercare di tutelare i diritti guardando avanti, a nuove tecnologie e nuovi paesi, senza mai accomodarci sugli allori”.

La missione, conclude Franchini, resta quella di “difendere l'identità culturale dei nostri repertori, che nonostante l'invasione della musica anglo-americana sono stati capaci di occupare completamente le top ten delle nostre classifiche di vendita”. Considerando, inoltre, che “i repertori italiani all'estero sono tra i più amati: abbiamo delle opportunità di crescita su quel fronte, quindi autori e aziende è bene che si tolgano di dosso qualsiasi complesso di inferiorità. Abbiamo una società degli autori competitiva e efficiente a livello globale, in grado di darci tutti gli strumenti per raggiungere i nostri obiettivi”.

MMW24, il Music Publishing Survey di ICMP

I numeri del mercato editoriale italiano, e le sue prospettive future

Oggi la maggior parte della raccolta dei dati sul pubblico presente ad un evento dal vivo avviene dopo l’evento o l’attività, tramite sondaggi ed email di follow-up. Tuttavia a quel punto il coinvolgimento è già diminuito. Per aziende di ticketing, promoter e organizzazioni culturali comprendere le preferenze del pubblico presente ad un evento gioca, invece, un ruolo fondamentale nel definire eventi futuri, comunicazioni e campagne. Insight&nbsp;che possono supportare dalle promozioni mirate al cross-selling&nbsp;fino al miglioramento dell’esperienza dei fan. Come sfruttare la breve finestra temporale in cui migliaia di fan altamente coinvolti si trovano nello stesso luogo, nello stesso momento, prestando attenzione?

La nuova funzionalità Visitor Engagement&nbsp;di Queue-it offre alle organizzazioni di ticketing un modo per valorizzare quel momento, migliorando l’esperienza di attesa dei fan e raccogliendo al tempo stesso i cosiddetti dati zero-party (quelli&nbsp;che l’utente&nbsp;fornisce volontariamente e in modo esplicito&nbsp;a un’azienda).

Nella fase di vendita i fan sono presenti, motivati e attenti. Le sale d’attesa virtuali sono diventate un’infrastruttura essenziale per gestire la domanda e garantire un accesso equo durante le vendite, e la soluzione di Queue-it le sfrutta aggiungendovi elementi interattivi che danno ai fan qualcosa da fare mentre aspettano e, al tempo stesso, permettono agli organizzatori di accedere a dati zero-party. Visitor Engagement consente agli organizzatori di integrare sondaggi interattivi, quiz e moduli di iscrizione via email direttamente nella sala d’attesa virtuale, utilizzando&nbsp;uno strumento di creazione senza codice utilizzabile in autonomia. I widget possono essere personalizzati con il marchio dell’evento e utilizzati per promuovere eventi futuri o pacchetti, valorizzare sponsor, far crescere le mailing list o comprendere meglio le preferenze del pubblico, tutto mentre i fan stanno attivamente aspettando e sono attenti.

Poiché il coinvolgimento avviene in un momento di forte intenzione, i fan che partecipano alla vendita sono già interessati, quindi i dati raccolti hanno un segnale più forte rispetto a un invio massivo di sondaggi post-evento. Gli organizzatori possono testare l’interesse per eventi futuri, raccogliere consensi (opt-in) e ottenere insight direttamente utilizzabili.

Tutti i dati raccolti restano sotto il controllo dell’organizzatore e sono accessibili tramite la piattaforma Queue-it, da cui possono essere esportati per l’uso in strumenti CRM e di marketing. La funzionalità opera insieme all’infrastruttura principale di gestione del traffico di Queue-it, garantendo che le performance del sito restino stabili anche nei momenti di picco della domanda.

Una volta concluso l’evento, i dati raccolti sono disponibili direttamente nella piattaforma, consentendo ai team di ticketing e marketing di analizzare i risultati e applicarli a future programmazioni, promozioni e comunicazioni.

Queue-it&nbsp;è una società software danese specializzata nel controllo dei picchi di traffico online tramite&nbsp;virtual waiting room: in pratica devia temporaneamente gli utenti in una coda virtuale e li reimmette sul sito o sull’app a un ritmo controllato, per evitare crash, rallentamenti, overselling e accessi non equi nei momenti di domanda molto alta.

L’azienda è stata&nbsp;fondata a Copenaghen nel 2010 da Niels Henrik Sodemann, Camilla Ley Valentin e Martin Pronk.&nbsp;Sul proprio sito, Queue-it spiega di essere nata per prevenire i crash&nbsp;dei siti durante vendite e registrazioni ad alta domanda. Il suo prodotto principale è dunque la&nbsp;“virtual waiting room”, la sala d’attesa virtuale usata come infrastruttura di gestione del traffico in situazioni di picco d’accesso ai siti di ticketing. Sul fronte dei settori serviti, Queue-it si posiziona in modo trasversale:&nbsp;ticketing, ecommerce, pubblica amministrazione, istruzione, viaggi e grandi eventi. Negli ultimi anni la società ha esteso il proprio posizionamento oltre la semplice gestione della coda, aggiungendo componenti di&nbsp;controllo del traffico, correttezza, protezione da abusi e bot. Visitor Engagement&nbsp;va esattamente in questa direzione: usare la waiting room anche come punto di contatto con fan e utenti, non solo come meccanismo tecnico di contenimento del traffico.

Ticketing: come la 'virtual waiting room' sforna dati preziosi

La soluzione della danese Queue-it: nuove funzionalità per coinvolgere i fan in attesa online

E' uscita la nuova versione della pubblicazione annuale di Rockol Il Libro Bianco dell'Industria Musicale Italiana 2025 (Edizione 2026).

<h3>Cos'è "Il Libro Bianco dell'Industria Musicale Italiana"</h3>

Il Libro Bianco dell'Industria Musicale Italiana è curato da MusicBiz, la sezione di Rockol dedicata all’industria musicale attiva dalla primavera del 2021: concepito come una panoramica e una prospettiva sul comparto, il volume offre articoli, editoriali e dati, oltre ai profili personali dei personaggi che, secondo la redazione, hanno rappresentato al meglio i temi forti che hanno caratterizzato il music business nel corso degli ultimi dodici mesi, una selezione degli articoli più rilevanti pubblicati all’interno della sezione nel 2025, contenuti inediti e un’anagrafica di settore.

“Nel 2025 molte delle forze che da tempo&nbsp;attraversano il music business hanno&nbsp;finalmente preso forma visibile: nei contratti,&nbsp;nella filiera dei diritti, nelle piattaforme, nei&nbsp;comportamenti del pubblico e persino nelle&nbsp;zone d’ombra dove gli algoritmi vengono&nbsp;messi alla prova”, ha scritto il fondatore e CEO di Rockol Giampiero Di Carlo nella prefazione della nuova edizione del Libro Bianco dell’Industria Musicale: “È emerso un settore che non può più affidarsi soltanto al suo slancio storico, ma che comincia a misurarsi con la propria complessità: con la differenza tra valore e volume, tra creatività ed efficienza, tra diritti e servizi, tra ciò che si può generare e ciò che vale la pena ascoltare.&nbsp;Per un settore che deve imparare a vivere dentro un equilibrio diverso - meno centrato sulla quantità, più sulla qualità delle relazioni, dei diritti, dei servizi, delle comunità - è più un’epoca di responsabilità che di certezze”.

<h3>Desideri una copia integrale in formato cartaceo del Libro Bianco?</h3>

Del Libro Bianco dell'Industria Musicale Italiana 2025&nbsp;(Edizione 2026) - disponibile solo in formato cartaceo - è possibile ordinare una o più copie fisiche. Di seguito le istruzioni.

Il&nbsp;Libro Bianco dell’Industria Musicale Italiana 2025 (Edizione 2026)&nbsp;è un volume di&nbsp;496 pagine in formato A4&nbsp;ed è disponibile in versione cartacea con la formula ‘print on demand’.

Il costo per ogni copia stampata è di&nbsp;€&nbsp;29,00. Il costo di spedizione è di&nbsp;€&nbsp;5,00&nbsp;per spedizione.

Se desideri procedere all’ordine, è sufficiente effettuare un bonifico bancario utilizzando le coordinate sotto indicate e specificando come causale:&nbsp;“Print on demand LB”.

Bonifico bancario Intestato a&nbsp;ROCKOL.COM SRL&nbsp;- IBAN:&nbsp;IT14A0306901626100000117789

Puoi inoltrare a&nbsp;<a href="mailto:librobianco@rockol.it" target="_blank">librobianco@rockol.it</a>&nbsp;la ricevuta del pagamento, ricevuto il quale attiveremo la spedizione entro 3 giorni lavorativi.

Il Libro Bianco dell'Industria Musicale Italiana 2025

La nuova edizione prodotta e pubblicata da Rockol MusicBiz è disponibile per l’acquisto

Torna anche quest'anno il Medimex, festival e music conference promossi da&nbsp;Regione Puglia e Puglia Culture nell’ambito del progetto per lo sviluppo del sistema musicale regionale Puglia Sounds: la manifestazione è in programma dal 17 al 21 giugno a Taranto.&nbsp;Un’edizione che compie un ideale viaggio dal punk al pop grazie anche a un fitto calendario di concerti internazionali: tra gli artisti annunciati,&nbsp;Pet Shop Boys,&nbsp;Suede,&nbsp;Slowdive, Agents of Time e&nbsp;NYC Redux Band playing the music of Ramones&nbsp;(un'anteprima mondiale con&nbsp;produzione originale del Medimex a cura di Marc Urselli). Non mancheranno inoltre attività professionali e di networking per gli operatori musicali e gli artisti pugliesi, showcase per presentare le novità della scena regionale e nazionale, incontri, mostre, racconti dedicati ai grandi della musica mondiale, presentazioni e attività per avvicinarsi al mondo della musica.&nbsp;

&nbsp;“Saranno cinque giorni di spettacolo e di energia per Taranto che torna ad aprire la stagione estiva della grande musica pugliese" ha&nbsp;dichiarato il presidente della Regione Puglia,&nbsp;Antonio Decaro. "Mi piacerebbe che il Medimex fosse un’occasione per i nostri giovani e per i pugliesi che magari non possono volare in una qualsiasi capitale europea per vedere un concerto di una band internazionale. Perché il Medimex é dei Pugliesi e per i pugliesi innanzitutto". Aggiunge&nbsp;Cesare Veronico, coordinatore artistico Puglia Sounds/Medimex: "La Pop Culture e il Punk sono stati due potenti acceleratori culturali. Entrambi immediati, anti-elitari, democratici, provocatori, iconografici. Approfondiremo questi temi da diverse prospettive. Anche quest'anno le band che abbiamo scelto rappresentano i valori sui quali si poggia il Medimex: Il pacifismo, il rispetto dei diritti civili, la tolleranza, il rispetto per la diversità”.&nbsp;“Medimex torna a Taranto portando nuovo sviluppo e valore per tutto il comparto musicale e per il territorio pugliese" aggiunge&nbsp;Paolo Ponzio, presidente di Puglia Culture.&nbsp;"Come di consueto, alle attività rivolte al pubblico affianchiamo un’importante segmento di valorizzazione e creazione di occasioni di sviluppo per il comparto musicale regionale, che è uno dei tratti identitari del Medimex che da sempre rappresenta un momento di grande esposizione e crescita per la musica della nostra regione".

Medimex: svelato il programma dell'edizione 2026

Dal 17 al 21 giugno a Taranto, propone concerti internazionali, attività professionali e networking

Si va verso la sentenza di risarcimento in contumacia per la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756129/gli-hacker-e-il-maxi-furto-di-musica-da-spotify-cosa-e-successo">colossale violazione attuata dai tecno-attivisti di Anna’s Archive ai danni dei server di Spotify</a> alla fine dello scorso novembre: secondo documenti presentati presso il tribunale di New York (ottenuti dalla stampa di settore statunitense) il DSP svedese e le tre major - Universal Music, Sony Music e Warner Music - avrebbero richiesto&nbsp;322 milioni di dollari di danni statutari per la distribuzione illecita di contenuti musicali coperti da copyright.

L’ammontare del risarcimento (definito dai querelanti come “estremamente prudente”: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756532/spotify-e-major-una-causa-al-collettivo-hacker-di-anna-s-archive">in prima istanza</a>&nbsp;si parlò di violazioni per 13mila miliardi di dollari, in base alle norme stabilite dal Digital Millennium Copyright Act)&nbsp;verrebbe ripartito tra le label, che si spartirebbero oltre 22 milioni di dollari per danni causati da violazione intenzionale di diritto d’autore, e la piattaforma, alla quale andrebbero 300 milioni di dollari (cifra ottenuta sommando il massimo del risarcimento - 2500 dollari - previsto dal DMCA per ogni singola violazione, e moltiplicato per i 120mila file scaricati dalle parti lese via torrent durante le indagini).

La <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756922/annas-archive-non-risponde-causa-etichette-discografiche-violazione-co">mancata risposta</a> da parte di Anna’s Archive alla citazione in giudizio potrebbe portare il tribunale a emettere una sentenza in contumacia alla quale si arriverebbe senza nemmeno celebrare il processo: una decisione in merito è attesa dal giudice Jed Rakoff della Corte Distrettuale degli Stati Uniti per il Distretto Meridionale di New York.

Spotify e major, maxi richiesta di risarcimento ad Anna’s Archive

Presentata un'istanza da 322 milioni di dollari per danni

Warner Music ha annunciato di aver chiuso un accordo per l’acquisizione di Revelator, piattaforma B2B fondata nel 2012 e specializzata nella distribuzione di musica digitale, nella gestione dei diritti, nella contabilità delle royalty e nelle analytics in tempo reale: l’operazione, che sarà finalizzata entro la fine del prossimo mese di giugno, permetterà alla major e ad ADA, la propria divisione dedicati ai servizi di artisti ed etichette, di potenziare la propria offerta rivolta al proprio roster e “alla comunità indipendente”, ampliando al contempo la propria portata.

"La combinazione della tecnologia all'avanguardia e della gamma di servizi di prim'ordine di Revelator con la nostra infrastruttura globale darà un impulso decisivo alla nostra missione comune di supportare un numero sempre maggiore di etichette e artisti in tutto il mondo”, ha dichiarato Robert Kyncl, CEO di Warner Music: “Sono molto lieto di dare il benvenuto al team di Revelator nella famiglia WMG”.

"Fin dal lancio di Revelator nel 2012, ci siamo impegnati per rendere l'industria musicale più equa, semplice e trasparente, colmando il divario tra creatività, tecnologia e distribuzione”, ha aggiunto Bruno Guez, fondatore e CEO di Revelator: “Siamo molto felici di collaborare con WMG per offrire un servizio eccellente ad artisti, etichette e distributori in tutto il mondo".

Warner Music acquisisce Revelator

La major mette le mani sulla piattaforma B2B: la transazione sarà finalizzata entro giugno

Sugar Music, l’etichetta discografica del gruppo Sugar, ha lanciato “Ascolto”, un nuovo progetto di scouting pensato - ha precisato la label - “per raggiungere le voci emergenti direttamente nei territori in cui nascono”.&nbsp;

L’iniziativa prevede una fase iniziale di ricezione e ascolto, alla quale seguiranno sei tappe attraverso l’Italia - il 24 aprile a La Redazione di Empoli, l’8 maggio a Padova (Casetta Zebrina), il 15 maggio a Salerno, presso iMorticelli, il 22 a Bari maggio (al MAT Laboratorio Urbano di Terlizzi), il 29 maggio a Palermo (all’EPYC), per concludersi a Cagliari, in una data ancora da definire.

“Ascolto” si aprirà ufficialmente domani, primo aprile, con un open call nazionale rivolta ad artisti, artiste e band maggiorenni ed emergenti, a cui sarà possibile candidarsi a <a href="https://sugarmusic.com/ascolto" target="_blank">questo&nbsp;link</a>, entro l’8 aprile. Il 14 aprile verranno comunicati i 30 artisti emergenti selezionati, cinque per ciascuna delle sei città del tour, che avranno l’opportunità di esibirsi dal vivo davanti al pubblico e al team A&amp;R di Sugar, “entrando in contatto diretto con il mondo discografico”.

Il progetto - “nato per costruire un ponte tra discografia e territorio” - “è animato - conclude Sugar Music - dalla convinzione che il talento possa nascere ovunque, ma soprattutto dall’incontro fra chi ha qualcosa da dire e chi è disposto ad ascoltare”.

Scouting, Sugar Music lancia Ascolto

Un progetto per scoprire e valorizzare i talenti emergenti in Italia, in sei tappe: i dettagli

Nella classifica Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 20 marzo 2026 al 26 marzo 2026&nbsp;al primo posto debutta&nbsp;IO INDIVIDUO di NAYT, seguito da un altro nuovo&nbsp;ingresso,&nbsp;ARIRANG dei BTS. In terza posizione rimane stabile TUTTA VITA (SEMPRE) di OLLY.

Oltre alle due già citate, le altre nuove entrate nelle prime dieci posizioni sono:

<ul>
	<li>AGONIA di CHIELLO debutta in ottava posizione</li>
	<li>BESTIARIO MUSICALE di LUCIO CORSI debutta in decima posizione</li>
</ul>

Nel corso della settimana dal 20 marzo 2026 al 26 marzo 2026, la classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF mostra una stabilità nelle prime tre posizioni. Alla prima posizione si conferma il brano OBSESIÓN di SAMURAI JAY, NAIARA &amp; VITO SALAMANCA, mentre al secondo posto si attesta, come sette giorni fa,&nbsp;TU MI PIACI TANTO di SAYF. Invariato anche il gradino più basso del podio, che - come sette giorni fa - resta occupato da&nbsp;PER SEMPRE SÌ di SAL DA VINCI.

L'unica nuova&nbsp;entrata&nbsp;nelle prime dieci posizioni della classifica è:

<ul>
	<li>L'ASTRONAUTA di NAYT, che debutta in ottava posizione;</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

Nayt

Classifiche, novità 26 marzo: Nayt debutta al primo posto

'Io individuo' è l'album più ascoltato della settimana

Chiara Galiazzo, una delle più note e amate vincitrici di X Factor (si aggiudicò la vittoria del talent nel 2012) entra nel roster manageriale di Ballandi music, divisione&nbsp;di Ballandi S.R.L. storica casa di produzione televisiva fondata da Bibi Ballandi:&nbsp;il management dell’artista sarà gestito&nbsp;insieme alla sua storica ufficio stampa,&nbsp;Mary Cavallaro.&nbsp;

“Siamo entusiasti di annunciare l'inizio di un nuovo percorso artistico e professionale al fianco di Chiara Galiazzo" dichiara Luca Catalano, director manager di Ballandi Music. "L’ingresso della talentuosa artista nella scuderia Ballandi segna l'unione con una delle voci più raffinate e amate del panorama musicale italiano. La collaborazione nasce da una visione condivisa: la volontà di sperimentare, innovare e costruire progetti che sappiano coniugare qualità artistica e nuove energie creative. Non si tratta solo di una firma, ma di un incontro avvenuto nel momento perfetto, guidato dalla naturalezza e dal desiderio comune di immaginare il futuro della musica senza porsi limiti.”&nbsp;

Chiara Galiazzo entra nel roster di Ballandi Music

La società è la divisione musicale della casa di produzione tv fondata da Bibi Ballandi

Era una diatriba che si trascinava da parecchio, ma è infine arrivata a una risoluzione positiva per gli aventi diritto: in sede di Corte Suprema di Cassazione è stato sancito&nbsp;con l'ordinanza n. 5385/2026 (pubblicata il 10 marzo 2026, su ricorso di SCF)&nbsp;che&nbsp;gli agriturismi che diffondono musica tramite radio e tv nelle proprie&nbsp;strutture ricettive compiono un atto di diffusione pubblica, e pertanto devono assolvere al pagamento dei diritti connessi. Più precisamente: "La fornitura, mediante ricevitori installati nelle camere di un agriturismo - assimilabile a un albergo in quanto struttura ricettiva - di un segnale televisivo costituisce un atto di comunicazione al pubblico" recita la sentenza.&nbsp;"Infatti&nbsp;il diritto di comunicazione al pubblico comprende la messa a disposizione del pubblico delle opere in modo che ciascuno possa avervi accesso dal luogo e nel momento che sceglie individualmente, per cui verrebbe frustrato se non riguardasse anche le comunicazioni effettuate in luoghi privati".

La Cassazione, inoltre, accoglie un ulteriore rilievo di SCF, che chiedeva che la prescrizione del diritto al compenso fosse decennale (e non quinquennale, come richiesto dalla controparte). Si amplia quindi il periodo per il quale le società di collecting possono esigere il pagamento dell'equo compenso, rafforzando la posizione dei titolari dei diritti nella riscossione di quanto loro dovuto. “Accogliamo con soddisfazione questa decisione” commenta il direttore generale&nbsp;Mariano Fiorito, “ed è con questo entusiasmo che SCF proseguirà nel proprio ruolo di riferimento per il settore, a tutela degli investimenti dei produttori, favorendo un sistema sempre più equo, trasparente ed efficiente.”

SCF annuncia un'importante vittoria in Cassazione

La sentenza sancisce che diffondere musica nelle camere degli agriturismi genera diritti connessi

La stagione dei concerti estivi è alle porte, e una nuova location si appresta ad aprire i battenti: si tratta della Imola Music Park Arena e sarà una delle più capienti d'Europa: sviluppandosi su un’area complessiva di oltre 350.000 metri quadrati di parco potrà infatti&nbsp;ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze. Il primo live previsto è quello di Cesare Cremonini, previsto per il prossimo 13 giugno e già sold-out.

Importante anche il fattore ambientale ed ecologico: l'arena&nbsp;è stata concepita come una struttura resiliente, forte di un piano di adattamento climatico. Superfici permeabili in erba, alberature diffuse e soluzioni pensate per mitigare le alte temperature contribuiscono a ridurre l’impatto ambientale degli eventi. Strategie di economia circolare e gestione sostenibile degli eventi&nbsp;(il recupero delle eccedenze alimentari, il riciclo dei materiali e la valorizzazione dei rifiuti) completano il quadro. Il progetto è stato sviluppato come una&nbsp;collaborazione tra Live Nation, il Comune di Imola e l'Autodromo Internazionale Enzo e Dino Ferrari.

&nbsp;

Nasce la Imola Music Park Arena all'insegna della sostenibilità

Potrà ospitare fino a 75.000 spettatori, con possibilità di espansione oltre le 100.000 presenze

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757974/universal-music-annunciato-un-buyback-da-500-milioni-di-euro">Come già riportato</a>, Universal Music Group ha annunciato l’avvio di un programma di riacquisto di azioni proprie per €500 milioni, il primo “buyback” nella storia della società. L’operazione, che sarà eseguita tramite un broker indipendente, è stata presentata dal management come un segnale di fiducia nella strategia e nelle prospettive di crescita di lungo periodo del gruppo. Ma è stata soprattutto una frase del CFO Matt Ellis a chiarire il senso dell’iniziativa: secondo UMG, esiste oggi una “meaningful dislocation” tra il valore di mercato della società e il suo valore effettivo. Tradotto: il mercato non ci sta prezzando correttamente – ergo, ci conviene acquistare le nostre stesse azioni.

<h3 style="text-align: left;">Cos’è un buyback</h3>

Un buyback (o riacquisto di azioni proprie) è un’operazione con cui una società utilizza la propria liquidità per comprare sul mercato le proprie azioni. Quando l’azienda diventa acquirente di sé stessa, sortisce due effetti principali. Il primo è tecnico: riducendo il numero di azioni in circolazione, aumenta il valore relativo di quelle rimaste. Il secondo è comunicativo: il management segnala al mercato che ritiene il titolo sottovalutato.

Un buyback viene generalmente attivato quando una società riscontra tre condizioni:

<ul>
	<li>genera cassa in modo stabile</li>
	<li>non ha bisogno immediato di investire tutto quel capitale</li>
	<li>ritiene che le proprie azioni siano un buon investimento.</li>
</ul>

In questo senso, il riacquisto non è solo una decisione finanziaria, ma una forma di allocazione del capitale: l’azienda sceglie di investire su sé stessa invece che su alternative esterne.

<h3 style="text-align: left;">Il segnale e la strategia di UMG</h3>

Il buyback diventa quindi uno strumento con una doppia funzione. Da un lato, è un segnale agli investitori: il management ritiene che il titolo sia sottovalutato, quindi da comprare. Dall’altro, è una scelta di allocazione del capitale, resa possibile da una condizione che UMG rivendica esplicitamente: una forte generazione di cassa, un bilancio solido e la capacità di sostenere contemporaneamente investimenti, dividendi e rating creditizi. In altre parole, Universal Music si trova in una posizione in cui non è costretta a scegliere tra crescita e distribuzione di valore agli azionisti. Può fare entrambe le cose.

È qui che emerge un secondo livello di lettura. Il gruppo continua a investire nella propria espansione — acquisizioni di cataloghi, sviluppo di artisti, nuove iniziative legate alla tecnologia — ma la quantità di capitale generata supera, almeno nel breve periodo, le opportunità disponibili a condizioni ritenute sufficientemente attrattive. Questo non significa che le opportunità manchino, ma che non tutte offrono ritorni adeguati rispetto al profilo di UMG. In questo contesto, riacquistare le proprie azioni diventa una forma alternativa di investimento: la società considera il proprio titolo più interessante, in questo momento, rispetto ad altre possibili destinazioni del capitale.

Il punto più interessante, però, resta il tema della “dislocation”. Universal Music Group è, apparentemente, uno degli asset più leggibili dell’industria musicale: ricavi ricorrenti legati allo streaming, leadership globale, struttura consolidata. Se anche in questo caso il management ritiene che il mercato stia sottovalutando il titolo, il segnale va oltre la singola società. Indica che il mercato, nel suo complesso, fatica ancora a interpretare pienamente la musica come asset class. Ossia: se gli operatori industriali continuano ad accumulare valore — attraverso cataloghi, diritti e nuove forme di sfruttamento, il mercato finanziario non sembra ancora allineato su questa valutazione.

Il buyback annunciato da UMG non è quindi solo una decisione finanziaria. È anche una presa di posizione più ampia: la convinzione che il valore della musica, per come si sta ridefinendo oggi, non sia ancora riflesso pienamente nei prezzi di mercato. E le ragioni per pensarlo non mancano…

<h3 style="text-align: left;">Perché i mercati premiano Spotify e Tencent ma non UMG e WMG</h3>

Negli ultimi due anni, l’andamento in borsa delle principali società legate alla musica racconta una storia meno intuitiva di quanto ci si potrebbe aspettare. Non è una storia di crescita uniforme del settore, ma di divergenza. Da una parte ci sono le piattaforme, dall’altra i detentori di diritti. E tra le due, il mercato ha scelto — almeno per ora — le prime.

Spotify è il caso più evidente. Dopo un periodo difficile, il titolo ha registrato una forte rivalutazione, arrivando a crescere di circa il 150% nell’arco di due anni, con un’accelerazione particolarmente marcata nel 2024, quando ha messo a segno una delle migliori performance dell’intero mercato tecnologico. Barron’s ha parlato apertamente del “best year” del titolo, mentre Axios ha sottolineato il ritorno sopra i 100 miliardi di dollari di capitalizzazione. Tencent Music ha seguito una traiettoria meno lineare ma comunque positiva. Il titolo ha mostrato una crescita nell’ordine del 40-60% nello stesso periodo, accompagnata da una forte volatilità. Il modello ibrido — che combina streaming, social entertainment e servizi a pagamento — continua a produrre espansione, ma con oscillazioni legate alla composizione dei ricavi e all’evoluzione della base utenti.

Sul versante opposto, i detentori di diritti hanno avuto un andamento più debole. Universal Music Group si è mossa in un range ampio ma senza una direzione chiara, con una performance complessiva negativa nell’arco dei due anni, nell’ordine del -40% secondo i dati di mercato disponibili. Warner Music Group ha marciato quasi allo stesso ritmo, arrivando a perdere il 28% del proprio valore.

Dunque il punto interessante non è tanto la differenza di performance, quanto ciò che questa differenza implica. Le piattaforme sono state premiate perché il mercato ne comprende il motore: crescita degli utenti, aumento dei ricavi, miglioramento della monetizzazione via aumento dei prezzi degli abbonamenti. Sono modelli leggibili, familiari, comparabili con altri segmenti tecnologici. I detentori di diritti, invece, rappresentano un tipo di asset diverso. Più stabile, più duraturo, ma anche più difficile da interpretare. Il valore di un catalogo, la capacità di estrarre ricavi nel tempo, il ruolo crescente di nuovi usi — dall’AI alla sincronizzazione — sono elementi meno immediatamente traducibili in metriche standard.

Questo crea un paradosso. Universal Music Group, che possiede uno dei portafogli di diritti più solidi e prevedibili del settore, viene valutata dal mercato in modo meno generoso rispetto a Spotify, che opera su un modello strutturalmente più esposto alla competizione e ai margini. Asset di proprietà contro distribuzione di asset altrui, insomma. È proprio qui che si inserisce la nozione di “dislocation” richiamata dal CFO di UMG nel contesto del buyback. Non è solo una valutazione sulla propria azienda, ma una lettura più ampia: il mercato, oggi, sembra comprendere meglio la musica come esperienza di consumo che come asset economico. Negli ultimi due anni, in altre parole, la musica è stata premiata come servizio, non come proprietà.

È una distinzione sottile, ma decisiva. Perché se la prima fase della trasformazione digitale ha riguardato la distribuzione e l’accesso, la successiva riguarda inevitabilmente il valore degli asset sottostanti. Soprattutto al cospetto dell’AI&nbsp;slop che tutti preoccupa. E, su quel terreno, il mercato non sembra ancora del tutto allineato.

Universal Music Group: i motivi del buyback

Perché ora, a cosa serve, qual è la particolarità dell’operazione della major

La European Broadcasting Union e Voxovation, insieme a S2O Productions e all’emittente thailandese Channel 3, hanno annunciato lo sbarco dell’Eurovision Song Contest in Asia: la popolare manifestazione canora debutterà in Oriente con una prima edizione a Bangkok, in Thailandia, che culminerà in una finale prevista per il prossimo 14 novembre. Le emittenti di Corea del Sud, Thailandia, Filippine, Vietnam, Malesia, Cambogia, Laos, Bangladesh, Nepal e Bhutan hanno già confermato la propria partecipazione: secondo gli organizzatori, altre adesioni sono attese nelle prossime settimane.

L’operazione è stata varata in concomitanza con il settantesimo anniversario della manifestazione originale.

"E’ significativo aprire questo capitolo con l'Asia proprio per il nostro 70° anniversario”, ha commentato il direttore di EBU Martin Green: “Vogliamo far evolvere l'Eurovision insieme all'Asia, riflettendo le voci e le ambizioni della regione pur rimanendo fedeli a ciò che rende speciale il concorso”.

"Fin dal primo giorno, la nostra ambizione è stata costruire uno show che rifletta l'identità e l'energia creativa dell'Asia”, ha aggiunto Peter Settman, CEO di Voxovation: “Portare questo spettacolo incredibile in un nuovo continente è qualcosa di molto speciale".

La scelta di Bangkok come città ospitante - ha spiegato EBU - “punta a generare visibilità internazionale per la metropoli, sostenendo il turismo e le industrie creative locali”. Social partner ufficiale della versione asiatica del format è ZOOP, che “metterà il pubblico al centro dell'azione tramite una piattaforma di partecipazione dei fan, che permetterà di interagire con gli artisti, unirsi a community e ricevere premi per il coinvolgimento attivo”.

L’Eurovision sbarca in Oriente: prima edizione a Bangkok nel 2026

Dieci Paesi dell'area hanno già dato la propria adesione: finale in programma per il 14 novembre

Dopo il riconoscimento dello scorso anno ad Ontier come Law Firm of the Year nella sezione Copyright, Pierluigi De Palma - Of Counsel presso Ontier - è stato nominato Lawyer of the Year nella categoria Media ai Legalcommunity IP &amp; TMT Awards 2026.

“L’avvocato è fra i maggiori esperti in Italia di diritto della proprietà intellettuale nel settore dell’entertainment e dei media”, si legge nelle motivazioni che hanno accompagnato il riconoscimento: “La sua conoscenza della music industry l’ha reso un regolare collaboratore di grandi artisti e società del settore, a livello nazionale ed internazionale”.

“Il premio è il riconoscimento all’impegno, passione e talento del miglior team con cui io abbia mai lavorato”, ha commentato De Palma: “Sono personalmente grato a tutti loro, alla famiglia di Ontier ed ai nostri clienti che sono sempre stimolo ed ispirazione per tutti noi”.

Ontier, Pierluigi De Palma premiato da Legalcommunity

Agli IP & TMT Awards 2026, come Lawyer of the Year nella categoria Media

Nessuno, oggi, discute il peso che la musica dal vivo ha sul bilancio dell'industria musicale nazionale. Già nel 2023, raccontava <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748036/valore-musica-in-italia-indagine-fimi-4-3-miliardi-di-euro-nel-2023">uno studio realizzato da FIMI</a>, il live - nel nostro Paese - valeva oltre il 56% dei 3 miliardi generati, sul mercato interno, dall'intero settore. Il trend di crescita, successivamente, si è ulteriormente consolidato, come certificato tanto dall'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-753178/rapporto-siae-2024-stato-salute-spettacolo-in-italia">ultimo annuario della Società Italiana degli Autori ed Editori</a>, quando dal più <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754532/musica-dal-vivo-italia-dati-2024-assoconcerti-canzone-popolare-live">recente report</a> dell'associazione di categoria di riferimento del comparto, AssoConcerti. Eppure, nonostante i numeri parlino chiaro, un combinato disposto di fattore sfavorevoli – la crescita fuori controllo di inflazione e costi dell'energia, il caro affitti, la migrazione di professionalità verso altri ambiti indotta dalla pandemia, la gentrificazione delle zone centrali delle grandi aree urbane – sta ponendo una barriera all'ingresso ai futuri protagonisti del live: la crisi degli spazi di base, oggi, rischia di pregiudicare l'intero settore di domani. All'estero lo sanno bene, tanto le associazioni quanto gli artisti – che, tra l'altro, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748183/katy-perry-ha-annunciato-il-suo-sostegno-al-music-venue-trust">sono stati tra i primi a mobilitarsi</a>. Ma qui? Per assicurare un futuro alla musica dal vivo, in Italia – a unire le forze – sono stati il collettivo Germi, guidato da Manuel Agnelli, e SIAE, che lo scorso 12 marzo hanno annunciato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757624/siae-con-germi-per-suoni-dal-futuro">“Suoni dal futuro”</a>, progetto creato per sostenere le nuove generazioni di artisti attraverso “un percorso concreto fatto di palco, formazione e crescita professionale”. “I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo”, ci ha raccontato Salvatore Nastasi, Presidente di SIAE, che insieme ad Agnelli (tornato sull'argomento, sempre con Rockol, con <a href="https://www.rockol.it/news-757986/siae-suoni-dal-futuro-importanza-live-giovani-intervista-nastasi-siae">questa intervista</a>)&nbsp;ha elaborato e messo a punto il progetto: “In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare”. Spiegandoci perché, proprio dagli eventi dal vivo che apparentemente possono sembrare marginali, passano le sorti della grande musica italiana... 
&nbsp;

Lei e Agnelli siete conoscenti di lunga data: entrambi avete spiegato come “Suoni dal futuro” sia un progetto del quale avete parlato per anni. Perché si è concretizzato proprio nel 2026? Qual è stato, se c’è stato, il punto di svolta che ha fatto decollare il processo di organizzazione e realizzazione?

Il progetto "Suoni dal Futuro" nasce da una visione condivisa che nel tempo è maturata fino a trovare oggi le condizioni giuste per concretizzarsi. In questo momento storico abbiamo sentito con ancora più urgenza la necessità di rimettere al centro la creatività, le opere originali e i giovani autori e le giovani autrici. È un’esigenza che nasce dal contesto attuale, in cui la musica rischia spesso di essere letta solo attraverso numeri, classifiche e algoritmi. Il punto di svolta è stato proprio questo: la consapevolezza comune che fosse necessario creare una realtà strutturata e continuativa, capace di accompagnare una nuova generazione di talenti. Insieme a Manuel Agnelli e al collettivo di Germi abbiamo condiviso l’idea che il futuro della musica non si aspetta, ma si costruisce. E si costruisce mettendo in relazione arte, formazione ed esperienza sui palchi.

Tra San Siro e l’assenza dei palchi c’è “un mondo di mezzo”, rappresentato dai piccoli live club, dove SIAE vuole essere presente: perché, secondo lei, la realtà degli spazi di base per la musica dal vivo, che in Paesi come il Regno Unito sono considerati incubatori indispensabili per assicurare un futuro alla comunità artistica, in Italia vengono considerati meno che una nicchia? Crede che il problema possa essere culturale?

I club rappresentano la linfa vitale della musica dal vivo. Sono luoghi in cui la musica prende forma, dove gli artisti iniziano a costruire un rapporto autentico con il pubblico e dove le canzoni diventano esperienze condivise. In Italia, forse, questa centralità non è sempre stata pienamente riconosciuta. Più che parlare però di un singolo problema, credo si tratti di un percorso culturale che dobbiamo rafforzare. È nei club che si sviluppa quel dialogo diretto tra chi crea e chi ascolta, ed è lì che si costruiscono le basi del futuro della musica. Progetti come "Suoni dal Futuro" nascono proprio per riportare attenzione su questi spazi, valorizzarli e riconoscerli come fondamentali per la crescita professionale e artistica di giovani emergenti.

I dati in possesso di SIAE hanno confermato come il pubblico, dopo il Covid, abbia “avuto bisogno di sentire gli artisti dal vivo”. Gli ultimi dati di mercato - sia in Italia che all’estero - hanno confermato come il rapporto “fisico” tra pubblico e musica sia più saldo che mai. È una sorta di “assicurazione” nei confronti della creatività umana, in tempi in cui artisti “virtuali” creati dall’intelligenza artificiale iniziano a finire sui giornali?

La dimensione live restituisce alla musica la sua essenza più profonda: quella dell’incontro. È un’esperienza che non può essere ridotta o sostituita, perché nasce dalla relazione diretta tra artista e pubblico, dalla condivisione di un momento unico e irripetibile.

In questo senso, il rafforzarsi del live non è solo una tendenza di mercato, ma un segnale importante: ci ricorda che la musica vive davvero quando è autentica e condivisa. Anche in un contesto in cui le tecnologie evolvono rapidamente, resta centrale il valore dell’espressione umana, della presenza, della connessione reale. Più che un’assicurazione, è una conferma della natura stessa della musica.

L’importanza della prossimità all’artista che solo il live può garantire, secondo lei, vale per tutti - dalle star che suonano negli stadi alle band emergenti che calcano i palchi dei club - o è per certi versi “drogata” dalla fascinazione che il grande pubblico ha per la celebrità?

La prossimità è un concetto affascinante. È un valore, è un’opportunità, che attraversa tutta la musica, indipendentemente dalle dimensioni del palco. Certamente, cambia la scala dell’esperienza, ma non cambia la sua natura, il bisogno di connessione.

Nei grandi eventi questa relazione assume una forma collettiva più ampia, mentre nei club diventa più intima e diretta, ma è proprio in questi contesti che spesso si sviluppa una connessione più profonda, perché si è più vicini, più esposti, è quindi più autentici. Con "Suoni dal Futuro" mettiamo al centro i club con l’auspicio di costruire o di rafforzare il rapporto tra artista e pubblico, al di là di ogni dinamica legata alla notorietà.

Al di là del progetto “Suoni dal futuro”, cosa fa SIAE nel concreto per i giovani autori? Per quanto riguarda il settore della musica dal vivo, crede sia opportuno che a questo comparto venga assegnato un sostegno da parte delle istituzioni? Se sì, di che tipo? Nel caso, come SIAE, sareste disposti a collaborare con altre entità su un progetto del genere?

Come SIAE lavoriamo da sempre per creare le condizioni affinché chi scrive e crea musica possa crescere in un contesto che riconosca, tuteli e valorizzi il lavoro creativo, soprattutto nelle fasi iniziali di un percorso artistico, che sono spesso le più fragili ma anche le più decisive. In questa direzione vanno misure come la gratuità dell’iscrizione per gli autori e le autrici under 30 e la maggiorazione sui compensi annuali da diritto d’autore del repertorio musica per gli under 35: strumenti pensati per ridurre le barriere di accesso e accompagnare i primi passi di una carriera che, come sappiamo, è spesso complessa e in salita. A queste si affiancano le numerose iniziative promosse attraverso i nostri uffici di Promozione Culturale e programmi come i bandi “Per Chi Crea”, che hanno l’obiettivo di sostenere concretamente giovani talenti under 35, offrendo opportunità di crescita e visibilità.

Per quanto riguarda invece il settore della musica dal vivo, crediamo che il sostegno a questo comparto sia fondamentale. I club, i circuiti locali non sono una nicchia, ma un passaggio essenziale nello sviluppo della musica: è lì che gli artisti si formano, sperimentano e costruiscono la propria identità. Investire nei luoghi della musica dal vivo, significa investire nel futuro dell’intero sistema musicale. Il tipo di sostegno deve andare proprio in questa direzione: favorire la creazione e la sostenibilità di spazi reali, accessibili, dove il talento possa emergere e incontrare il pubblico, valorizzando la dimensione live come momento centrale dell’esperienza musicale.&nbsp; Da parte nostra c’è massima disponibilità al dialogo e alla collaborazione con istituzioni e altri soggetti del settore. Siamo convinti che solo attraverso un lavoro condiviso si possano costruire ecosistemi solidi per il futuro delle nuove generazioni.

'Il futuro della musica non si aspetta, si costruisce'

Il Presidente di SIAE Salvatore Nastasi spiega la visione della collecting dietro 'Suoni dal futuro'

Si rinnova la <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-754253/achille-lauro-una-partnership-con-motorola">partnership tra Achille Lauro e Motorola</a>: l’artista di “Incoscienti giovani” sarà il brand ambassador per la campagna legata alla nuova serie di prodotti Moto G. Il nuovo spot, diretto da Byron Rosero per EY Studio+, è in onda da oggi, giovedì 26 marzo.

"Siamo entusiasti di proseguire questo percorso con Achille Lauro," ha dichiarato Giorgia Bulgarella, Marketing Director di Motorola Italia. "La tecnologia, oggi più che mai, è un'estensione della nostra personalità e del nostro stile. Con la famiglia moto g, invitiamo i nostri utenti a un nuovo livello di espressione. È un'evoluzione naturale del messaggio ‘E tu che fai, sali?' della precedente campagna edge, che ora si trasforma in un invito ancora più profondo: 'Il finale? Lo scegli tu”. Vogliamo che moto g sia il mezzo attraverso cui ognuno possa costruire il proprio racconto, offrendo non solo prestazioni, ma anche identità e senso di appartenenza. L’obiettivo della campagna è elevare moto g da prodotto a vera e propria&nbsp;famiglia di dispositivi, dotata di un’essenza riconoscibile e capace di convivere nella&nbsp;quotidianità dell’utente, donando carattere, personalità e coolness”.

“Lavorare a questa campagna è stata un’occasione per tradurre un messaggio forte come ‘Il finale? Lo scegli tu’ in qualcosa che fosse vicino all’ambassador e al pubblico a cui parla,” ha commentato Byron Rosero: “L’idea era costruire un viaggio che fosse sì visivo, ma anche simbolico, in cui Achille Lauro, nel ruolo di creative director, ci accompagna attraverso la creazione di mondi che riflettono libertà ed espressione personale, supportati dalla sua intuizione nel creare senza giudicarsi. La sfida era mantenere la sua energia e autenticità, lasciando spazio a un racconto che fosse coerente ma aperto, che stimolasse il pubblico a fluire con ciò che sente più vicino, più affine a sé stesso. Motorola, in questo, accompagna il processo”.

Achille Lauro, prosegue la partnership con Motorola

Per la campagna legata alla nuova linea Moto G

Nel 2025 BMG ha iscritto nel proprio bilancio un fatturato pari a 900 milioni di euro, “in calo del 7% a seguito della cessione e del 2% a fronte di una crescita organica”, raggiungendo “un margine EBITDA record del 32%, in aumento di 4 punti percentuali rispetto all'anno precedente, con un EBITDA operativo rettificato che ha toccato la cifra di 284 milioni di euro, rappresentando una crescita significativa in termini assoluti”: a renderlo noto è la stessa società tedesca in una nota ufficiale diffusa oggi, giovedì 26 marzo. La “solida performance finanziaria per l'intero anno 2025”, secondo l’azienda, “riflette la rigorosa attuazione della sua strategia a lungo termine BMG Next e i continui progressi in termini di redditività e trasformazione digitale”: la flessione nel volume dei ricavi, ha spiegato la società, è imputabile a “scelte mirate” e particolari condizioni dei mercati, come - tra le altre - “la cessione di attività non strategiche come Live, andamenti sfavorevoli dei tassi di cambio, nonché la continua priorità data da BMG ai flussi di ricavi digitali”.

“Il 2025 è stato un anno di trasformazione per BMG, caratterizzato da un'esecuzione rigorosa nell'ambito della nostra strategia BMG Next”, ha commentato Thomas Coesfeld, CEO di BMG: “Abbiamo affinato la nostra attenzione sull'editoria musicale e sulla musica registrata, rafforzato le nostre capacità digitali e supportato tale attenzione attraverso gli investimenti Boost e tecnologie all'avanguardia, inclusa l'integrazione dell'intelligenza artificiale nei nostri flussi di lavoro. Il raggiungimento di un margine EBITDA record del 32%, con un significativo aumento dell'EBITDA in termini assoluti, dimostra la solidità e la scalabilità del nostro modello operativo e riflette l'impegno dei nostri team globali nel promuovere una crescita sostenibile a lungo termine per i nostri artisti e autori”.

Nel consuntivo annuale BMG ha rimarcato il “livelli record” raggiunti da proprio programma di investimenti, che ha portato le operazioni sui cataloghi condotte a partire dal 2021 al valore di 1,5 miliardi di dollari. “Complessivamente - spiega l’azienda - BMG ha completato 30 acquisizioni nel 2025 e ha ulteriormente ampliato il suo roster di livello mondiale e il suo portafoglio di proprietà intellettuale con importanti nuove firme e rinnovi contrattuali, tra cui OneRepublic, Joyce Wrice, James Arthur e ALOK”. Tra le uscite discografiche di punta per il 2025 BMG ha citato quelle di Lily Allen, Wiz Khalifa, Jason Aldean, Caparezza, Mötley Crüe e yung kai.

“BMG ha compiuto un significativo passo avanti nella sua strategia di commercializzazione rinnovando le partnership di licenza diretta con piattaforme di streaming musicali chiave come Spotify e TikTok”, si legge nel report 2025: “Questi accordi migliorano la capacità di BMG di promuovere la propria musica, sfruttare una conoscenza più approfondita del pubblico, ottimizzare il posizionamento dei contenuti e garantire una riscossione più rapida e diretta per gli autori, dimostrando un servizio clienti migliorato e maggiori capacità di monetizzazione”.

Sul fronte dell’intelligenza artificiale, l’azienda “ha intensificato l'integrazione di GenAI nei flussi di lavoro principali, dalla creazione e automazione di contenuti di marketing allo sviluppo di un motore di raccomandazione basato sull'IA per la sua divisione Sync+, recentemente unificata. Le partnership strategiche con Google Cloud e OpenAI, insieme a una collaborazione di ricerca ampliata con la TUM School of Management, sono alla base dell'ambizione di BMG di essere la casa discografica di riferimento nell'era dell'IA. BMG è fermamente al fianco di artisti e autori, convinta che l'IA debba potenziare la creatività e impegnata a garantire la tutela del copyright e una giusta remunerazione”.

“Con l'evoluzione delle dinamiche economiche dello streaming e il potenziale trasformativo dell'intelligenza artificiale, BMG è ben posizionata per realizzare le sue ambizioni a lungo termine”, ha concluso Coesfeld: “La nostra strategia rigorosa, il solido programma di investimenti e l'utilizzo pionieristico della tecnologia ci consentono di creare valore a lungo termine per i nostri artisti, autori e partner, proteggendo al contempo la proprietà intellettuale in questa nuova era”.

BMG, nel 2025 ricavi in calo ma EBITDA a +4%

Per la società tedesca ‘una solida performance finanziaria’ nell’anno passato

Torna, anche nel 2026, “Nelle tue mani”, il bando attivato da NUOVOIMAIE come contributo destinato ad artisti e artiste over 55 che necessitano di un sostegno al reddito: per l’operazione la collecting ha stanziato un fondo pari a 318.000 euro.

Potranno partecipare i soci e le socie e i/le mandanti diretti/e aventi diritto del settore Musica, che abbiano compiuto 55 anni alla data del 1 gennaio 2026: le domande dovranno essere inviate esclusivamente attraverso Il Portale Bandi art. 7 dalle ore 10:00 del 14 aprile 2026 alle ore 24:00 del 14 luglio 2026.

Il contributo - ha precisato NUOVOIMAIE - sarà una tantum, e verrà calcolato suddividendo l’ammontare complessivo del fondo stanziato per il numero delle domande ricevute ritenute ammissibili - e in ogni caso non potrà essere superiore a 3.000 euro.

Per conoscere i requisiti, i termini e le condizioni del bando “Nelle tue mani 2026” dedicato al settore musicale è possibile consultare la pagina attivata ad hoc dall’istituto a <a href="https://www.nuovoimaie.it/mission/bandi-e-contributi/bandi-musica/bando-nelle-tue-mani-2026/">questo indirizzo</a>.

NUOVOIMAIE, pubblicato il bando ‘Nelle tue mani 2026’

318mila euro per il sostegno al reddito destinato agli artisti over 55

Jake La Furia è il nuovo ambassador della campagna Lego dedicata ai veicoli.&nbsp;Come primo atto di questa partnership, proprio ieri ha preso parte a un'attività presso il Barrio's di&nbsp;Barona, a Milano: un pomeriggio all'insegna del claim "Click, clikc, vroom" che ha visto una sessione di costruzione /&nbsp;laboratorio creativo a cui hanno preso parte anche i ragazzi del quartiere.&nbsp;

"Per me, il gioco è sempre stato una forma di espressione e libertà. Oggi unire l’energia della musica ai mattoncini è stato un modo diretto per connettermi con i ragazzi e raccontare loro che con la passione puoi costruire tutto quello che immagini" ha dichiarato Jake.&nbsp;“È stato un piacere immenso giocare e confrontarci con lui: la sua energia incarna perfettamente lo spirito&nbsp;del Gruppo LEGO, che da sempre sottolinea il potere del gioco per sviluppare la creatività e le capacità sociali nei bambini”&nbsp;ha aggiunto Davide Cajani, Marketing Director di LEGO Italia.&nbsp;“Oggi i mattoncini sono diventati&nbsp;anche un forte&nbsp;ponte di comunicazione, un linguaggio universale e cool capace di superare barriere generazionali e culturali”.

Jake La Furia è ambassador della nuova campagna Lego

L'artista ha preso parte a un'attività con il pubblico presso il Barrio's di Milano

Come ogni anno, Impala, l’associazione di etichette discografiche indipendenti europee, ha reso noti i nomi dei 100 artisti inclusi nella lista di 100 Artists to Watch, programma varato in collaborazione con YouTube per “mettere in luce la creatività, la diversità e l'innovazione che stanno plasmando il futuro del panorama musicale indipendente europeo”.

Curato dalla rete europea dell’associazione 100 Artists to Watch presenta realtà nominati dai membri di Impala in collaborazione la piattaforma di video-sharing, per scattare un’istantanea di artisti ed etichette che si distinguono per l'innovazione artistica, l'impegno per la diversità e il potenziale commerciale, a dimostrazione del ruolo unico che il settore della musica indipendente riveste per la cultura”.

Nell’elenco sono presenti anche cinque artisti italiani: Anna Carol (INRI Records), Eugenio In Via Di Gioia (Carosello Records), Lamante (Artist First) e prima stanza a destra (Sugar Music). Nella lista è incluso anche il virtuoso della chitarra Matteo Mancuso, i cui album sono pubblicati dalla label olandese Mascot Records.

“Il settore indipendente è la spina dorsale dell'ecosistema musicale europeo”, ha commentato Helen Smith, Executive Chair di Impala: “Iniziative come '100 Artists to Watch' mettono in luce artisti e le loro etichette che stanno plasmando nuovi suoni e rendendo la diversità culturale europea leader a livello mondiale. Supportare questi artisti significa dare loro visibilità, oltre a evidenziare il contributo unico delle etichette indipendenti e degli straordinari artisti con cui collaborano”.

“In occasione del quinto anniversario del programma 100 Artists to Watch, che celebra i 500 artisti scoperti negli ultimi cinque anni, noi di YouTube Music siamo orgogliosi di continuare la nostra collaborazione con IMPALA per dare visibilità agli artisti indipendenti emergenti e alle loro etichette”, ha aggiunto Dan Chalmers, Director di YouTube Music per Europa, Medio Oriente e Africa: “Il nostro ruolo è quello di aiutare questi artisti a raggiungere un pubblico globale, fornendo loro strumenti unici e la visibilità necessaria per avere successo”.

Impala, 5 italiani nella 100 Artists to Watch 2026

Sono Anna Carol, Eugenio in Via Di Gioia, Lamante, Matteo Mancuso e prima stanza a destra

Google ha annunciato Lyria 3 Pro, una nuova versione del suo modello intelligenza artificiale generativa musicale presentata a poche settimane dal rilascio di Lyria 3. La differenza principale rispetto alla versione base riguarda la durata delle creazioni: con la release “professionale” gli utenti potranno creare tracce fino a tre minuti, contro i 30 secondi consentiti dalla prima. Secondo la big tech, il Pro punta anche su maggiore controllo creativo e su diverse opzioni di personalizzazione: il modello comprenderebbe meglio la struttura di un brano, permettendo di specificare nel prompt elementi come intro, strofe, bridge e ritornelli.

In termini di distribuzione, la generazione musicale è già disponibile nell’app Gemini e Lyria 3 Pro arriverà anche lì, ma solo per gli abbonati a pagamento. Sul fronte dati e policy, Google afferma di aver usato dati dei partner e dati autorizzati da YouTube e Google per l’addestramento, sottolineando che il modello non imita un artista; se però l’utente indica un artista nei prompt, l’output prenderà “ampia ispirazione” da dall’artista citato. Tutte le tracce create con Lyria 3 e Lyria 3 Pro vengono marcate con SynthID per rendere esplicito l’uso dell’AI.

Quasi contestualmente al lancio della versione professionale del modello di GenAI musicale di Google, Suno - il principale marchio di tema di intelligenza artificiale generativa applicata alla musica - ha annunciato l’arrivo sul mercato della versione 5.5 del suo modello. Definito dalla stessa azienda “il migliore mai presentato finora”, la nuova release del software è caratterizzata dall’introduzione di nuove funzioni - Voices, Custom models e My Taste - che, secondo Suno, “gettano le basi” per una nuova generazioni di modelli di GenAI musicale.

In particolare, Voices - disponibile per gli abbonati Pro e Premier - prevede una verifica che confronta la voce cantata in un audio registrato dal vivo o caricato con una frase casuale che l’utente deve pronunciare; le voci restano private e utilizzabili solo da chi le ha caricate. Sul fronte della personalizzazione, Custom models permette di “accordare” la musica creata con 5.5 per costruire una versione del modello più aderente al proprio stile (fino a tre modelli personalizzati per gli utenti Pro e Premier), mentre My Taste funziona in modo più simile a un profilo di gusti algoritmico e risulta l’unica funzione dell’update accessibile a tutti.