E’ disponibile da oggi, venerdì 20 febbraio, Essential, report che raccoglie tutti gli spunti e le tendenze emerse durante la <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week 2024</a>. Compilato a cura di Rockol MusicBiz, il documento - spiegano gli organizzatori della manifestazione - “è pensato non solo per offrire una panoramica sugli obiettivi dell'industria musicale per il 2024, ma anche per condividere i numeri e le discussioni che hanno reso unica questa edizione della MMW”.

Essential della Milano Music Week 2024 è disponibile a <a href="https://drive.google.com/file/d/13i613kFn-eB37mieMLQLa0WA_IrrEnd7/view" target="_blank">questo indirizzo</a>.

La direzione artistica della music convention, curata da Nur Al Habash insieme al curatore speciale Venerus, ha organizzato 84 appuntamenti nell’ambito della manifestazione, ai quali si sono aggiunti oltre 300 eventi collaterali ospitati da diverse venue in tutta la città, come - tra gli altri - i SIAE Music Awards, giunti quest’anno alla seconda edizione e condotti da Amadeus: oltre 10.000 persone hanno partecipato agli 84 eventi organizzati dalla Milano Music Week e in totale più di 60.000 persone hanno partecipato alla settimana della musica, segnando una crescita di pubblico del 50% rispetto all’anno precedente (40.000 persone).

Industria

Milano Music Week 2024, da oggi disponibile Essential

Un report per offrire una panoramica degli spunti emersi nel corso dell’ultima edizione della MMW

Negli ultimi anni, il tema della salute mentale è diventato uno dei più dibattuti, anche nel settore musicale, grazie soprattutto alle iniziative intraprese da artisti e operatori del settore, tra cui Rockol. Infatti, nell’ambito della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a>, da tre anni a questa parte, Rockol ha organizzato una serie di incontri con addetti ai lavori per confrontarsi su questa importante tematica. Di seguito&nbsp;l’intervista di Gianni Sibilla a Luca Daher, Managing Director di Believe Italy.

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Che cos'è la salute mentale per te e cos'è la salute mentale nell’industria musicale?

Oggi la salute mentale è un’area di grande attenzione, e per fortuna siamo all'inizio di un percorso che ci aiuterà a capire meglio come stare bene mentalmente, partendo da chi siamo. Il lavoro occupa una parte preponderante del nostro tempo e, di conseguenza, una delle sfide più importanti è imparare a parlarne apertamente per supportarci reciprocamente nel vivere meglio anche l'ambiente lavorativo.

Fino a qualche anno fa, la salute mentale non era un tema centrale. Chi lavorava nel settore musicale doveva solo lavorare, senza lamentarsi. Cosa ricordi di quegli anni?

Sono arrivato tardi in questo settore, e credo sia stato un bene per me. Mi ricordo che, inizialmente, ho avvertito una serie di sensazioni senza rendermi conto dei problemi da dover affrontare anche nella vita quotidiana. Ho avuto la fortuna di vivere una carriera abbastanza rapida, anche quando lavoravo in pubblicità. Quando inizi a gestire persone&nbsp;subentra una responsabilità emotiva non indifferente, soprattutto se sei coinvolto personalmente. All'epoca non era facile mostrare le proprie fragilità. Un episodio illuminante per me è stato durante il periodo in cui lavoravo in Spotify: una conversazione con dei colleghi francesi mi ha fatto riflettere sul ruolo che volevo avere nel lavoro. Mi sono reso conto di essere diverso dal modello tradizionale di manager e ho deciso di accettare questa diversità. Affrontando difficoltà personali, ho iniziato a capire quanto fosse importante parlarne apertamente. È facile predicare bene e razzolare male, mostrando interesse per la salute mentale di un collega o di un artista, ma senza realmente mettersi in gioco. Anche oggi, partecipare a iniziative come questa mi aiuta a sostenere gli altri e, contemporaneamente, me stesso. L’industria musicale, però, pecca in due aspetti: tutto è personale, perché lavoriamo con le persone. Il prodotto qui sono le persone, e non persone qualunque, ma artisti dotati di una sensibilità incredibile. È il tema di cui si parla da decenni del complesso intreccio tra fragilità personali, comportamenti errati, dipendenze e creatività artistica.&nbsp;Questa dinamica, a un certo punto, ha iniziato a pesarmi. Quando parlo con alcuni ragazzi con cui lavoro, al di là delle differenze generazionali – perché le nuove generazioni stanno affrontando un futuro percepito spesso come incerto e spaventoso – noto che la situazione è ancora più delicata per gli artisti. In passato&nbsp;mi è capitato di parlare con clienti importanti, come il direttore marketing di un brand prestigioso, e alla fine della giornata&nbsp;lui tornava a casa dalla sua famiglia e, anche se le vendite di pasta non andavano come previsto, la sua vita personale non ne risentiva drammaticamente. Qui, invece, mi trovo davanti a un altro tipo di realtà: artisti che, dopo appena due singoli che non hanno avuto il successo sperato, ti guardano negli occhi e ti dicono "sono finito". Affronto decisioni contrattuali difficili e vedo artisti esposti pubblicamente in maniera molto intensa. Abbiamo parlato di Sanremo, e sappiamo quanto possa essere centrale nella carriera di un artista. Accompagnarli in quel contesto è una vera tassa emotiva. Sto lavorando duramente per essere di supporto, anche solo in minima parte, perché questa identificazione estrema tra successo e fallimento è unica del nostro settore. In più, ci sono le ore di lavoro. Come azienda, cerchiamo di proteggere i nostri colleghi, ma poi capita che un venerdì notte alle tre, una release abbia un problema e l'artista- che vive per quello - ti chiama. Tu, cosa fai? Non rispondi perché ci sono le regole di lavoro? È complicato. Abbiamo chiara l’idea di dove siano i problemi, ma le soluzioni richiedono uno sforzo collettivo. Dobbiamo prenderci per mano tutti: a livello associativo, aziendale, di sistema e insieme agli artisti. C’è tanto lavoro da fare.

L’industria musicale vive di risultati, e questa pressione è enorme. Come lavora Believe su questi aspetti?

Ad esempio, una cosa che i membri più esperti del mio team mi avevano già segnalato è l'importanza di imparare a dire “no” nel modo giusto. Tuttavia, a volte ciascuno di noi deve affrontare certe situazioni in prima persona per comprenderle appieno. Dire “no” non basta: bisogna saperlo contestualizzare, spiegare e aprirsi al confronto. Nei miei primi anni, ero guidato dall'entusiasmo per l’arte, la cultura e la musica, ero così coinvolto emotivamente che tendevo a lanciarmi oltre l’ostacolo senza pensarci troppo. Con il tempo, però, e grazie ai miei colleghi, molti dei quali decisamente più competenti di me, ho capito che non è sufficiente preparare solo l’artista: bisogna preparare la persona. Affrontare con lui le difficoltà, i momenti di crisi, e soprattutto offrire una visione realistica. Non possiamo promettere qualcosa di cui non siamo certi, ma possiamo impegnarci ad avvicinarci il più possibile a quell'obiettivo.&nbsp;Per esempio, imparare a dire “no” significa anche rifiutare certe promesse. Ho citato Sanremo: promettere a un artista che parteciperà, che raggiungerà obiettivi specifici, e poi trovarsi il giorno dopo a dover comunicare che le cose sono andate male ha un impatto. &nbsp;Per questo, oggi sono molto attento a evitare l’overpromise. Non dobbiamo alimentare l’hype neppure durante la firma di un contratto: quel "Tranquillo, ti porteremo a conquistare il mondo" può trasformarsi, un anno dopo, in un artista droppato. È un’espressione dura, ma descrive bene il dramma che possiamo creare nella vita di queste persone. Ed è proprio per questo che oggi cerco di essere molto più attento.

“Droppato” è un termine davvero brutto. Di tanto in tanto si utilizzava un altro termine, cleaning, che secondo me è persino peggiore: fare pulizia di ciò che non funziona. Però, di fatto, come in tutte le industrie, si vive di risultati, soprattutto in questo momento. I numeri sono una croce e una delizia: l'industria è cresciuta enormemente, ma ha anche generato una pressione sociale sui risultati gigantesca. In Believe come affrontate queste dinamiche?

Il gruppo di lavoro di cui faccio parte si è formato e ha iniziato a costruire il proprio modus operandi durante il secondo lockdown. Questo, per quanto difficile, ci ha permesso di creare il nostro set di regole e di modalità di collaborazione in un periodo già complesso. Per esempio, noi ci fidiamo delle tempistiche di release decise dagli artisti. Abbiamo un artista importante che, tecnicamente, avrebbe dovuto pubblicare un album ad aprile di quest'anno, ma ci ha presentato lo stato del progetto spiegandoci le sue ragioni per cui non era pronto. Certo, per un'azienda ci sono aspetti finanziari da considerare, ma seguiamo sempre la volontà dell'artista. Detto questo, ci tengo a sottolineare che anche noi commettiamo errori. Esistono contratti che sono impegni presi, e qui forse non sempre riusciamo a fare abbastanza education verso gli artisti per spiegare che non si tratta di ostacoli, ma del rispetto di accordi. Tuttavia, si può discutere: solo quest'anno abbiamo rivisto le strategie con una decina di artisti, cercando di concentrarci sul numero giusto di progetti... A Sanremo, molte persone ci hanno fatto i complimenti per il lavoro svolto con La Sad, e questo mi ha reso davvero felice. È giusto riconoscere il merito ai tre ragazzi di La Sad, che hanno affrontato un peso emotivo enorme per veicolare un messaggio importante. Anche noi del team eravamo presenti, in sette, otto, nove persone, per supportarli nei momenti difficili. È vero che oggi siamo aziende quotate con investitori da soddisfare, ma possiamo mantenere l'attenzione umana senza trasformarci in meri venditori di prodotti. Non voglio banalizzare, ma dobbiamo prenderci cura delle persone. Forse sarà il mio lato più "vecchio" che emerge, ma siamo tutti padri, fratelli, compagni. Dobbiamo essere ciò che vorremmo per i nostri cari.

Questo approccio è interessante, ma capita di dover mettere dei limiti. Come gestite il confine tra il rapporto professionale e personale?

È vero, bisogna porsi dei limiti. Dopo aver conosciuto un artista, spesso solo dopo la firma del contratto, ci siamo imposti alcune regole: se non c'è stato un incontro di persona o una valutazione chiara del progetto musicale, non firmiamo. Purtroppo il mercato è molto competitivo, e talvolta le buone maniere e la condotta morale del business vengono messe da parte. Noi cerchiamo sempre il confronto, ma se non ha senso, ci fermiamo. In passato, ho chiesto di lavorare con un artista noto per essere difficile, perché credo che ogni talento meriti di esprimersi. Tuttavia, mi sono accorto che stavo schiacciando emotivamente il mio team, che subiva continue pressioni. Quando non c’è riconoscimento, bisogna fare scelte difficili. Sul tema del lungo periodo, mi piacerebbe approfondire di più: forse dovrebbero esistere contratti più flessibili, un po’ a tempo e un po’ legati alle release. Oggi siamo sfuggiti molto da questo modello, ma per anni è stato prevalente il pacchetto da sei singoli senza opzioni. Ti vengono consegnati, non hai tempo di lavorarci adeguatamente, escono e, se va bene, bene; se no, amen. A quel punto l'artista a 23 anni ha fatto il giro di Warner, Universal, Sony, Believe, e poi magari passa a Tunecore, Distrokid. Questo non è mai un buon segnale per gli addetti ai lavori, e l'artista diventa vittima di se&nbsp;stesso o di chi lo rappresenta in quel momento. Sarebbe utile per tutta la filiera regolamentare un po' di più le regole di ingaggio e di contatto: oggi è tutto troppo schiacciato, e trovare un equilibrio gioverebbe a tutti.

La salute mentale è un tema cruciale per tutta la filiera musicale, dagli artisti agli operatori dietro le quinte. Qual è il vostro approccio?

Ci si prova, però mi rendo conto che la volontà non sempre porta dove si vorrebbe, e sicuramente ci sono approcci che non aiutano tutti. Tuttavia, cerchiamo comunque di fare il possibile per rimuovere lo stigma. Noi, come Believe, non solo ne parliamo apertamente, anche nella leadership, ma personalmente non ho alcun problema a condividere un periodo in cui ho affrontato un episodio depressivo, i miei problemi e il fatto che mi rivolgo a specialisti. Credo che questo dimostri che, proprio nel momento in cui ho provato più paura e mi sono tenuto tutto dentro, anche rispetto ai miei cari, oggi, quando sono sereno nel parlarne, mi sento più utile agli altri. Mi sembra di essere più onesto, e penso che questo possa essere d’aiuto. Non so perché, ma credo che quando sono aperto su questi temi, posso essere di supporto per chi ne ha bisogno. Non sono una persona che esplode facilmente (ma lasciamo che lo dicano i miei colleghi)… Mi sforzo di chiedere agli altri di fare lo stesso. Abbiamo anche dei programmi favoriti dall'HR, con un certo numero di sessioni a disposizione per chi non ha ancora uno specialista a cui rivolgersi, grazie a un’associazione che si occupa di supporto psicologico. Prima ho citato La Sad, ad esempio: è stato fantastico collaborare con loro su un progetto di supporto telefonico, affrontando temi come la depressione e la prevenzione del suicidio. Cerchiamo di integrare questi contenuti dove riteniamo opportuno e, soprattutto, cerchiamo di parlarne, aiutandoci tra di noi. Questo è il nostro tentativo.

È importante parlarne.

Bisogna sempre ripeterselo, perché è più facile parlare di se stessi che degli altri, ed è meglio evitare di fare il "solone". Anche se lo sentivo dire, non ci credevo, perché sono introverso e mi sentivo difettato. Eppure, è vero: man mano che ci contagiamo positivamente su questo fronte, credo che possiamo solo aiutarci. Non a caso, insieme a Christian Mida, un artista con cui lavoro e con cui ho un rapporto di rispetto, durante un viaggio di lavoro ci è capitato di parlarne, cercando di capirci meglio. Io stavo cercando di fare il mio lavoro e lui il suo, ma poi è diventato un contatto personale per affrontare insieme le sfide che entrambi viviamo. Continuiamo a farlo, perché più ne parliamo, più altre persone si sentiranno a loro agio, spero.

Questo contenuto fa parte della campagna di sensibilizzazione di Rockol sulla salute mentale: “Rompi il silenzio” - La salute mentale nell’industria musicale italiana - #oltrelostigma 

Un ringraziamento particolare a Believe per la collaborazione.

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"Rompi il silenzio": intervista a Luca Daher

La salute mentale nell’industria musicale italiana

E’ stata definita dagli organizzatori un “grande successo” l’ottava edizione della Milano Music Week, la manifestazione dedicata all’industria musicale promossa da Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, AssoConcerti, Assomusica, FIMI Federazione Industria Musicale Italiana, NUOVO IMAIE Nuovo Istituto Mutualistico Artisti Interpreti Esecutori e SIAE - Società Italiana degli Autori ed Editori.

La direzione artistica della music convention, curata da Nur Al Habash insieme al curatore speciale Venerus, ha organizzato 84 appuntamenti nell’ambito della manifestazione, ai quali si sono aggiunti oltre 300 eventi collaterali ospitati da diverse venue in tutta la città, come - tra gli altri - i SIAE Music Awards, giunti quest’anno alla seconda edizione e condotti da Amadeus.

All’ottava edizione della Milano Music Week hanno preso parte attivamente oltre 200 artisti, tra i quali - oltre alla stesso Venerus, protagonista di un closing party tenuto nella serata di ieri, domenica 24 novembre, presso il Dazio di Levante dell’Arco della Pace - Negramaro, La Rappresentante di Lista, Gaia, Pop X e Francesca Michielin: oltre al Castello Sforzesco e ai Dazi, sedi ufficiali degli eventi curati dall’organizzazione, la settimana dedicata all’industria musicale italiana dal capoluogo lombardo ha coinvolto oltre 120 location.

Ottima, come fatto sapere dagli organizzatori, è stata l’affluenza degli spettatori, provenienti da tutta Italia e non solo: oltre 10.000 persone hanno partecipato agli 84 eventi organizzati dalla Milano Music Week e in totale più di 60.000 persone hanno partecipato alla settimana della musica, segnando una crescita di pubblico del 50% rispetto allo scorso anno (40.000 persone).

Milano Music Week, i numeri dell’edizione 2024

Boom di pubblico per la manifestazione: 60mila persone (+50% su base annua)

Si è tenuta nella serata di oggi, sabato 23 novembre, a conclusione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, la seconda edizione dei SIAE Music Awards, premi istituiti lo scorso anno dalla storica collecting italiana per celebrare gli autori e gli editori italiani di maggior successo nel nostro Paese e all’estero. L'evento, condotto&nbsp;da Amadeus, ha visto assegnare riconoscimenti in diciotto&nbsp;diverse categorie.

Di seguito,&nbsp;le opere premiate e gli artisti insigniti del riconoscimento: 
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Miglior canzone - Locali da ballo con musica live&nbsp;

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone - Club&nbsp;

Freed from desire 
Autori: Molella, Phil Jay, Gala (PRS) 
Editori: Mollyville Publishing, Wise Music Italy 
&nbsp;

Miglior canzone - Locali con musica live&nbsp;

Nel blu, dipinto di blu 
Autori: Domenico Modugno, Franco Migliacci 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior canzone - Radio

Italodisco 
Autori: Alex, Stash, Starchild, Davide Petrella 
Editori: Wonder Manage, The Beautiful Ones, Baraonda Edizioni, Diana, Garage Days, Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior canzone italiana all’Estero

I’m good (Blue)&nbsp; 
Autori: Maury, Jeffrey Jey, Massimo Gabutti, Kamille (BMI), Philip Plested (ASCAP), David Guetta (SACEM), Bebe Rexha (BMI) 
Editori: GZ2538, DiPiù, Sony Music Publishing Italy, BMG Rights Management 
&nbsp;

Miglior canzone Streaming Italia

Cenere 
Autori: Lazza, Dardust, Davide Petrella 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Me Next, J 
&nbsp;

Miglior canzone Social Italia

Due vite 
Autori: Marco Mengoni, Davide Petrella, Davide Simonetta 
Editori: Universal Music Publishing, Garage Days, Eclectic Music Publishing, No Comment Opificio Musicale 
&nbsp;

Miglior canzone Jazz

Diavolo Rosso 
Autori: Paolo Conte 
Editori: Universal Music Publishing 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Cinema

C’è ancora domani 
Autori: Daniele Marchitelli 
Editori: Flipper, Nightingale Songs 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film tv

I cacciatori del cielo 
Autori: Pasquale Catalano, Antonio Fresa 
Editori: Curci Edizioni 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv

Imma Tataranni - Sostituto Procuratore 3 
Autori: Andrea Farri 
Editori: Rai Com, 9 aprile 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Film streaming

Il grande giorno 
Autori: Brunori Sas 
Editori: Warner Chappell Music Italiana, Picicca 
&nbsp;

Miglior colonna sonora - Serie tv streaming

Mare Fuori 
Autori: Stefano Lentini, Raiz, Matteo Paolillo, Lolloflow 
Editori: Rai Com, Coloora 
&nbsp;

Best Recorded Track

Rewind 
Autori: Vasco Rossi, Gaetano Curreri 
Editori: Emi Music Publishing, Giamaica 
&nbsp;

Miglior canzone live concert&nbsp;(in venue superiore ai 5000 posti)

Giovani Wannabe

Autori: Riccardo Zanotti, Marco Paganelli, Enrico Brun, Andrea Pisani, Giorgio Pesenti 
Editori: BMG Rights Management, Tuttomoltobenegrazie 
&nbsp;

Miglior canzone live recital&nbsp;(in venue con meno di 5000 posti)

C'era una volta il West

Autori: Ennio Morricone&nbsp; 
Editori: Universal Music Publishing, Musica e Oltre§ 
&nbsp;

Miglior autore Under 35

Ultimo 
&nbsp;

Premio speciale 2024

Turandot

Autori: Giacomo Puccini, Franco Alfano, Giuseppe Adami, Renato Simoni&nbsp; 
Editore: Casa Ricordi 
&nbsp;

Le nomination sono state basate&nbsp;sulle rilevazioni dei consumi di musica certificati da SIAE e delle royalties distribuite e pagate nel 2024.

"Una serata di musica, di riconoscimenti, di grandi successi voluta dalla SIAE non solo per premiare i più ascoltati,&nbsp;ma per premiare tutta la musica italiana: che è viva, che è bella, che fa sistema e – soprattutto – che ci sa ancora sorprendere, e la SIAE è presente per tutelare questa fabbrica della creatività",&nbsp;ha dichiarato&nbsp;Amadeus:&nbsp;"È un’emozione per me trovarmi dentro a questo “Noi”: io che di musica ho sempre vissuto, perché la musica è davvero stata la colonna sonora della mia carriera professionale. Per me, che fin da ragazzino mi divertivo ad abbinare cantante e autore, andare a cercare chi ci fosse dietro a quel pezzo, riconoscere le cifre stilistiche delle varie firme, è davvero un privilegio essere qui".

"I SIAE Music Awards, che si svolgono nel corso della Milano Music Week, sono l’occasione per celebrare i 100mila iscritti alla SIAE attraverso i protagonisti dei grandi traguardi che la musica italiana ha raggiunto e continua a raggiungere, anche all'estero", ha aggiunto il Presidente di SIAE Salvatore Nastasi:&nbsp;"Noi tuteliamo ogni giorno, da 142 anni, i nostri Autori e i nostri Editori, ma essere qui stasera e avere l'occasione di alzare i calici insieme rende questa serata un momento unico di condivisione e festa. Qui oggi premiamo tutti coloro che hanno dato voce alle nostre emozioni, che hanno composto le canzoni che ascoltiamo e balliamo, le musiche che ci accompagnano mentre guardiamo i nostri film preferiti. Valorizzare questo patrimonio immenso e tutelarlo è da sempre il nostro compito".

SIAE Music Awards 2024, l'elenco dei vincitori

A chi sono andati i premi della seconda edizione della serata di gala organizzata dalla collecting

Cosa significa avere successo nel settore musicale? Chi sono i professionisti che contribuiscono a rendere la carriera di un artista costellata di premi, grandi guadagni, primi posti nelle classifiche? Ma, soprattutto, esiste la formula perfetta per raggiungere il successo?

Questo tema socio economico è all’ordine del giorno di professionisti e artisti; le dinamiche che si susseguono nel confronto tra le due parti sono state spiegate durante il panel “Il segreto del successo: tutto quel che un manager deve sapere nel 2024” organizzato da Rockol e Siae - tenutosi nell’ambito della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a> venerdì 22 novembre alle ore 17 presso la Sala Viscontea – che ha avuto tra i suoi ospiti Marta Donà (Ceo Latarma), Paola Zukar (Ceo Big Picture Management), Ciro Buccolieri (Ceo &amp; Cofounder Thaurus Music), Nicola Migliardi (Coo SIAE). A moderare il panel, Giampiero di Carlo, Ceo di Rockol.

“La gestione dei talenti: quali sono le sfide più difficili e se notate delle differenze nel vostro mestiere?": è stata la domanda che ha aperto il dibattito.

La prima a rispondere è stata Paola Zukar: “Tutto si è trasformato rapidamente e in modo significativo. I concetti chiave sono la fiducia e la lealtà: i dati non possono essere ignorati, ma ancora non li gestisco perfettamente e mi confronto spesso con persone come Nicola per poterli interpretare al meglio. Gli artisti ricevono l’80-85% dei guadagni, mentre il manager prende il resto. Il successo sta nel puntare sull’artista con cui ci si sente più affini…In Big Picture Management abbiamo ancora un approccio ‘artigianale’ e non industriale”.

La “Signora del rap” ha raccontato della prima volta che ha incontrato Tiziano Ferro, con cui collabora da qualche tempo: “Vi racconto un aneddoto del 1997: c’era un ragazzo molto interessante che faceva i cori con gli Atipici. Lo fermo e gli dico che avrebbe fatto strada. Lui aveva radici nel rap e, da quel momento, ci siamo sempre sentiti. Ci capiamo, abbiamo la stessa base e vedremo se funzionerà davvero”.

Marta Donà ha aggiunto: "Ho iniziato 15 anni fa con Sony Music. Marco Mengoni mi chiese di lavorare con lui e inizialmente dissi di no, ma dopo una serie di colloqui con altri manager, lui mi ha confermato di volere me suo manager perché si fidava di me. Noi cresciamo insieme agli artisti e ai loro racconti. L’obiettivo principale è l’ascolto, la resilienza e la pazienza di essere una famiglia, fidanzati, manager per questi artisti. Esprimo sempre la mia opinione e c’è un continuo scambio di idee. Mi chiedo sempre: possiamo essere un valore aggiunto per quel progetto? Solo così possiamo capire se come realtà siamo davvero in grado di portare qualcosa di significativo".

Ciro Buccolieri ha proseguito: “Il tema della fiducia è fondamentale. Non vediamo semplicemente materassi, ma rappresentiamo persone per le quali la musica è la vita, e questa fiducia bisogna guadagnarsela. Devo dire che, sebbene l’amicizia non sia essenziale, è importante avere rispetto reciproco. Bisogna imparare a trattare ogni aspetto con il giusto peso e ricordare che non è il viaggio del manager, ma dell’artista, e quindi a volte è necessario fare un passo indietro. Questo ruolo mi ha sempre affascinato: essere imprenditore, manager, e al tempo stesso restare fedeli a sé stessi. È proprio essere autentica che mi ha permesso di avere successo. Vengo dal commercio e ho cercato di portare questa esperienza nell'azienda. È fondamentale, come abbiamo concordato con Paola, che ci piaccia davvero l’artista che seguiamo…Per quanto riguarda i featuring, parlo da fan: li ho sempre amati perché molte volte permettono a mondi diversi di incontrarsi. Ultimamente, però, c’è un leggero abuso di collaborazioni, e credo che siamo ipocriti nel dire che i numeri pubblici non influenzano gli artisti. Tutti hanno la pressione di performare, anche in relazione ai concorrenti. È più importante dare valore a un disco e il fatto che venda o meno è un problema nostro, non del pubblico. La retorica delle certificazioni e il desiderio di chi è stato bullizzato di mostrare i risultati raggiunti sono temi che mi fanno riflettere. Il rap, per anni, è stato escluso dall'industria e ora, finalmente, stiamo mostrando i risultati ottenuti”.

Nicola Migliardi ha esposto il panorama attuale degli autori in Italia, spiegando che la platea è molto eterogenea; quindi, non esiste un unico segreto per il successo, ma ognuno ha il proprio e che i manager svolgono un ruolo importante come ponte tra questi il mondo “dei numeri” e quello creativo. Ha poi parlato del periodo di grande cambiamento in cui ci troviamo, con l'avvento dell'AI, degli shorts e dei reels, che hanno creato dinamiche e successi differenti, influenzando anche le classifiche, oggi sfalsate dalle nuove modalità di business, come i trend di TikTok e le app di discovery music. Tuttavia, ha anche evidenziato aspetti positivi, come il fatto che il 20% degli autori e compositori è under 35, segno di un cambiamento in corso. Ha infine sottolineato che solo il 6% dei compositori è donna, una disparità che rappresenta un’opportunità per promuovere una maggiore inclusività nel settore.

Diritti d’autore: come gli artisti percepiscono questo tema oggi gli artisti?

Ciro Buccolieri ha concordato sul fatto che il tema è centrale: un autore ben amministrato alla fine dell'anno “porta a casa dei soldi”, ed è un aspetto concreto e fondamentale. Ha aggiunto che mettono gli artisti davanti a questo tema: più la loro carriera cresce, più ci tengono ai loro cataloghi.

Marta Donà si ha spiegato che i suoi artisti si concentrano sui progetti senza pensare a ciò che possono guadagnare perché è compito dei manager far comprendere l’importanza di questo aspetto.

Paola Zukar ha sottolineato un lato negativo: quando si entra nel meccanismo si subisce la pressione dei numeri e i dati possono influenzare negativamente la fase creativa. Ha osservato che, purtroppo, tutta questa matematica non sempre aiuta il ciclo creativo e, nonostante questo, l'aspetto positivo che la mantiene legata all'artigianato è il sentimento e l'emozione che passano alla fine della giornata. Ha anche sottolineato l’importanza di fare una distinzione tra operazioni di marketing e quelle artistiche.

Ma che strumenti hanno i manager per migliorare la situazione? Ha posto, come ultima domanda, Di Carlo; Nicola Migliardi ha risposto: “È un mondo complesso e stiamo cercando di adottare un linguaggio semplice e diretto, digitale, per adattarci alle nuove modalità, ad esempio con le app. L’obiettivo è essere semplici e chiare nel comunicare un tema complesso come il diritto d’autore. Il diritto d’autore è una rendita e un asset, e se il mio catalogo musicale vale tanto, posso stare tranquillo. La sfida di oggi è creare musica che duri nel tempo, e di conseguenza costruire un catalogo che resti valido a lungo termine. Questo è il segreto del successo".

MMW24, il panel “Il segreto del successo"

Con Marta Donà, Paola Zukar, Ciro Buccolieri e Nicola Migliardi

“Il valore artistico delle colonne sonore” è il titolo del panel presentato da SIAE, tenutosi venerdì 22 novembre alle ore 16 presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco in occasione della <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">Milano Music Week</a>.

“Affronteremo questo talk come se fosse un viaggio”: sono le parole con cui il giornalista Claudio Cabona, moderatore del talk, ha dato inizio all’evento con gli ospiti Elisabetta Biganzoli (Executive Director Sugarmusic Group), Paolo Buonvino (Compositore) e Pivio (Compositore, Consigliere di Gestione SIAE).

Si parla tanto di “valore”, ma cosa significa esattamente? La prima a rispondere a questa domanda è stata Elisabetta Biganzoli: “Faccio parte di un gruppo che gestisce il repertorio CAAM, composto da oltre 2700 colonne sonore che inizialmente non erano accessibili al pubblico indipendentemente dal film. Quando lo abbiamo acquisito, solo 300 erano disponibili per l’ascolto, ma grazie alla digitalizzazione e alla presentazione in diverse forme, abbiamo avuto l’opportunità di riflettere profondamente sul valore della colonna sonora. Ribadisco il concetto espresso nell’articolo 44 della legge sul diritto d’autore, che riconosce la colonna sonora come parte integrante dell’opera cinematografica. Molte colonne sonore superano i confini di tempo e spazio del film, come dimostrano esempi iconici quali Ennio Morricone o La dolce vita, conosciuti universalmente. Con i compositori con cui collaboro, attribuisco grande importanza al raccontare la storia della colonna sonora, perché essa ha una profondità che va oltre il film o l’opera per cui è stata creata. Quando una composizione musicale ha un autentico valore artistico, questo persiste e supera il contesto cinematografico originario”.

Biganzoli ha sottolineato che, quando nella musica è presente un autentico valore, è possibile intraprendere azioni concrete per garantirne il successo, mettendo a disposizione tutte le risorse necessarie. Ha espresso la convinzione che la musica da film rappresenti la nuova musica classica, destinata a superare le barriere del tempo. Ha poi spiegato che spesso incoraggia, talvolta con determinazione, le compositrici e i compositori a pubblicare le loro opere, poiché tendono ad essere piuttosto riservati su questo aspetto. Un'altra azione rilevante di cui ha parlato è il lavoro sulle sincronizzazioni, ossia il riutilizzo di queste musiche in altri film, magari con registi diversi, per donare loro nuova vita e ulteriore diffusione.

La colonna sonora può effettivamente cambiare la percezione di ciò che vediamo; Paolo Buonvino ha spiegato: “Il compositore riceve una storia ed è chiamato a scrivere qualcosa che ancora non esiste, aggiungendo un significato che va oltre le azioni e le parole. La musica ha la capacità unica di toccare aspetti dell’essere che immagini e dialoghi non riescono a raggiungere. Nel caso del film di Muccino, il racconto si focalizza sulle azioni, ma il mio intento era cogliere qualcosa di più profondo: per esempio, per il personaggio della ragazza, ho cercato di esprimere la ricerca di autenticità nel proprio essere. Ho tratto ispirazione da un passaggio di Così parlò Zarathustra, dove si affronta il rischio di mettersi in gioco fino a morire, perché ciò che è autentico non muore mai. Il coro femminile, in questo caso, rappresenta la coscienza, e la scelta della lingua tedesca mi ha trasmesso un senso di imperativo e universalità. Non so se tutto questo arrivi pienamente al pubblico, ma ciò che conta è che il compositore riesca a superare i confini imposti da immagini e parole. Sono stimoli che ognuno poi interpreta e assimila a modo proprio”.

Pivio ha aggiunto: “La colonna sonora non è una semplice playlist. Guardando l’intero film e cogliendone il disegno complessivo, emerge chiaramente l’intento del compositore, che segue una visione più ampia e articolata. La mia esperienza personale in questo campo è stata piuttosto insolita, dettata da una serie incredibile di coincidenze. Tuttavia, ciò che non è stato casuale è il percorso precedente: si inizia con impegno e serietà. In passato, ero un ingegnere e la mia prima esperienza con le colonne sonore è stata per Ferzan Özpetek con Il bagno turco. Partendo da una scena specifica, cercavamo un elemento che caratterizzasse timbricamente il momento. Ci siamo imbattuti in un brano di musica classica turca e, forti della nostra esperienza nel prog rock, abbiamo preso un frammento di quel brano, lo abbiamo rielaborato invertendolo, e da quelle note, con quel timbro, abbiamo costruito la colonna sonora perfetta per quel film. Il tema inizialmente aveva un’impronta occidentale, utilizzando un pianoforte, ma poi si è evoluto verso sonorità tipicamente ottomane. La lezione che ho tratto da questa esperienza è che non si può arrivare impreparati quando si presenta un’occasione. È fondamentale essere pronti, rimanere fedeli a sé stessi, conoscere il proprio valore e avere qualcosa di concreto per dimostrarlo”.

Non è mancato un momento dedicato ai numeri: quanto vale oggi una colonna sonora? Pivio ha spiegato che, dal punto di vista economico, la musica per film ha un grande valore, rappresentando circa il 25% del fatturato SIAE, è un settore capace di superare i confini geografici e culturali, con un’arte che si distingue perché non è legata ai meccanismi di mercato del momento. Questo, ha aggiunto, consente di operare con libertà, senza essere vincolati ai trend, un aspetto che considera particolarmente gratificante. Inoltre, l’internazionalità di questo mercato è estremamente solida e non si tratta di un fenomeno casuale, ma del risultato di “un’onda lunga” iniziata negli anni Sessanta, un periodo in cui l’Italia è riuscita a imporsi con forza nel panorama musicale internazionale.

Un tema di cui non si poteva non discutere e l’impatto dell’AI in questo segmento; a far chiarezza ci ha pensato Paolo Buonvino: “Si tratta di un grande cambiamento nella nostra esistenza. Questo mestiere racchiude una forza straordinaria già insita nella parola chiave: musica. Fare musica deriva dal termine Muse, le figlie di Zeus, ed evoca qualcosa di divino, autentico e profondamente radicato nella nostra essenza. L’intelligenza artificiale è uno strumento potente, basato su un’intelligenza logico-matematica estremamente rapida. Tuttavia, l’intelligenza umana si distingue perché abbraccia anche l’aspetto emotivo, spirituale, intuitivo. Ha a che fare con l’ispirazione, una qualità che appartiene solo agli esseri umani e che rende la creatività un’esperienza unica e profondamente personale”.

MMW24, il panel “Il valore artistico delle colonne sonore” 

Con Elisabetta Biganzoli, Paolo Buonvino e Pivio

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, presso lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano si è tenuto nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "A cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?", presentato da PMI. Moderato da&nbsp;Gianni Sibilla di&nbsp;Rockol, l'incontro ha visto partecipare&nbsp;Jessica Gaibotti, CEO About; Dario Giovannini, Managing Director Carosello Records; e&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, Founder Maciste Dischi. Partendo dal presupposto che l’industria musicale sta attraversando una fase di disintermediazione, in cui un artista può gestire l’intero processo creativo e distributivo di una canzone direttamente da casa, il talk si è posto la domanda su qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente? Durante il panel si è quindi esplorato&nbsp;il ruolo cruciale che hanno le strutture indipendenti nella creazione, nello sviluppo e nel consolidamento della carriera di un artista.

Per aprire il talk,&nbsp;Gianni Sibilla è partito dalla domanda: "Cosa significa essere indipendente oggi, nell'industria musicale?". Ha quindi risposto Jessica Gaibotti che ha raccontato: "In quanto ex discografica, avendo lavorato per Universal, nel mio percorso 'indipendente' ha significato fare un passo&nbsp;e poter collaborare con più realtà. Quindi non avere un unico interlocutore, un unico team e solo certi artisti, ma poter scegliere di collaborare con tutti e poter scegliere anche quali artisti seguire". A lei ha fatto eco&nbsp;Dario Giovannini, il quale ha affermato: "Io ho&nbsp;iniziato in un'etichetta dance, negli anni '90, che era la Digit International, e ormai sono da quasi 15 anni in Carosello.&nbsp;Ho notato che l'approccio è diverso: noi in Carosello abbiamo un approccio molto familiare.&nbsp;Non ci poniamo come un discografico, figura spesso vista contro l'artista. Il nostro ruolo non è più scoprire artisti, ma è&nbsp;la cura e la tutela di un’artista. L'ideale è avere una struttura indipendente che permette di seguire in ogni fase l’artista". Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, ha spiegato: "Un’etichetta indipendente è un’etichetta come le altre, come una major. Mi rendo conto che bisogna fare di più. C'è liberta nel raggiungimento di un obiettivo, senza uno schema prefissato, quindi&nbsp;il metodo cambia di volta in volta. Nell’approccio c'è la sostanziale differenza e la struttura è diversa. Poi c’è una differenza numerica e di struttura".

Partendo dai singoli case history,&nbsp;Gianni Sibilla&nbsp;ha poi invitato Jessica Gaibotti a raccontare l'approccio&nbsp;nel comunicare i progetti, rispetto a prima. "Io non credo di aver cambiato troppo l’approccio. Una cosa che ho imparato è che la comunicazione non è solo un pezzo, ma più pezzi", ha narrato Gaibotti:&nbsp;"Si fa parte di un progetto sempre, devi abbracciarlo e seguirlo in ogni momento, negli alti e bassi. Nel mio caso, l'importanza sta nel&nbsp;scegliere di seguire tutto di un artista, oltre che scegliere&nbsp;un progetto".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha invece rifletutto sul ruolo e sull'approccio&nbsp;di Carosello, che nel 2019 ha festeggiato 60 anni di attività, nella discografia oggi, e ha raccontato: "Tra la rivoluzione dello streaming e la pandemia negli ultimi anni c’è stata una rivoluzione e c'è stata un esplosione dal punto di vista economico.&nbsp;Facendo un esempio banale e pensando all'impegno economico,&nbsp;fino al 2016, 2017, 2018, 2019 si firmavano artisti per 20mila euro. Gli stessi progetti oggi è possibile firmarli aggiungendo uno zero alla cifra. Quindi è tutti più&nbsp;difficilmente sostenibile per le etichette indipendenti. Inoltre, la musica nel mondo, anche in Italia, è esplosa. Le multinazioni oggi hanno più o meno circa 150 artisti nel loro roster, trasformandosi sempre più in distribuzione.&nbsp;Noi 150 progetti non possiamo permetterceli. Noi abbiamo quindi dovuto attuare un cambiamento e&nbsp;oggi Carosello va in controtendenza, diminuendo i numeri e firmando&nbsp;molti&nbsp;meno artisti, non andando dietro alle mode del momento, ma cercando progetti che possono durare nel tempo". A proposito del caso di Maciste Dischi, fondata nel 2014,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha detto: "Credo che ci sia stato un processo simbiotico da menti sparse per l'Italia, per cui in maniera abbastanza casuale in quegli anni tre o quattro ragazzi hanno iniziato a creare etichette disocogratiche. Nel mio caso specifico, senza neanche conoscerne il significato. Quindi è stato un tuffo, bellissimo, ma comunque un tuffo. Probabilmente, mi permetto di pensare che dopo un decennio di musica bruttina che era quella del pop 2000-2010, a grandi linee, c'è stata la voglia di qualcosa di diverso e più profondo. La mia è&nbsp;una storia nata dalla cameretta, che ci ha visto spostarci per produrre il primo disco. E poi ci siamo aiutati tra varie etichette, penso a Bomba Dischi di Roma e altre. Ci siamo tutte confrontate negli anni e abbiamo creato quella che conosciamo come la scena indie di questi ultimi anni. Quella di Maciste è&nbsp;una storia come tante altre, nasce come una pagina Facebook, diventa un S.R.L.. Da una persona si è diventati un gruppo di dieci persone. Siamo totalmente indipendenti, ma magari&nbsp;abbiamo accordi di distribuzione o di licenza con le major. Da una parte noi cerchiamo di tutelare quell’aspetto di famiglia e cerchiamo di tutelare gli artisti. Non avere regole, significa averle inventate, in qualche maniera, sia per incoscienza e poi per sostenibilità".

Nel raccontare il rapporto con le major e la differenza tra queste e le etichette indipendenti, è emerso dai diversi punti di vista come sia fondamentale il concetto di "qualità" rispetto alla "quantità" delle multinazionali. "Noi&nbsp;da una parte facciamo più fatica per ottenere certi risultati, ma&nbsp;dall’altra c'è fierezza nel scegliere su cosa non lavorare", ha sottolineato&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi. Per&nbsp;Dario Giovannini, "la differenza sostanziale sta nell’approccio: io scelgo le persone con cui lavorare. Accanto agli artisti ci sono manager di comprovata capacità, ma ultimamente è peggiorato il livello, perché c’è un sottobosco non all’altezza. Quando ascolto un progetto musicale buono, guardo anche il team dietro le quinte". Secondo Jessica Gaibotti, "la differenza che non c’è tra etichette indipendenti e major è la professionalità, ovvero le persone che lavorano. In un mondo in cui sono esplosi tantissimi artisti, va da sé che la professione da imparare va imparata&nbsp;in fretta. E&nbsp;mancano quindi figure qualificate. La professionalità e la competenza fanno il 90% di tutto, nell’indipendente e nelle major. Chiaro che in un ambiente più piccolo, la competenza forse è ancora più fondamentale".

"Il mercato è cresciuto troppo? I&nbsp;numeri vanno bene, ma una crescita troppo esponenziale,&nbsp;porta anche lati oscuri?", ha quindi chiesto Gianni Sibilla.&nbsp;Jessica Gaibotti&nbsp;ha sostenuto: "Tanta musica fa bene a tutti, ma c’è un problema ora che prima non c’era: tutto va a tutti. E questa cosa rende tutto più difficile per tutti. Da un lato è un bene, dall’altro è esaurente". Secondo&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi, "bisogna capire cosa è mercato quando si dice che va bene: più grande significa anche più frammentato. Bisogna avere a che fare con i sogni degli artisti e i conti aziendali.&nbsp;Avendo fatto diventare l’artista&nbsp;un account, e la canzone un file, il mercato ha seguito delle tendenze tecnologiche. Non voglio mettere il mio gusto davanti al mio lavoro, ma non nego di avere&nbsp;difficoltà di posizione lavorativo rispetto a oggi cosa al momento funziona, dove la quantità sembra essere sinonimo di qualità. Dall’altro lato c’è la crisi di targetizzazione".&nbsp;Dario Giovannini&nbsp;ha poi evidenziato: "C’è stata una rivoluzione, la forza dal basso. Una volta c’erano le radio, poi Mtv con TRL, poi è arrivato YouTube e quindi Spotify. Da due anni a questa parte Spotify è stata superata da TikTok. Quindi ci troviamo ogni giorno a non sapere esattamente l'andamento di un brano, che può andare virale su un social, ma non fare numeri sulle piattaforme di streaming, perché non è automatico".

L'ultima domanda&nbsp;posta da Gianni Sibilla è stata quindi in merito al valore aggiunto di una realtà indipendente in un mercato tanto complesso come quello odierno. "Io dico il supporto che noi diamo all'artista", ha affermato&nbsp;Dario Giovannini. Dal canto suo,&nbsp;Antonio “Gno” Sarubbi&nbsp;ha fatto sapere: "Quello che diciamo all'artista al momento della firma è che per noi non sarà mai un numero e un suo successo sarà anche un nostro successo. La forma famiglia, dal momento che firmiamo un artista all'anno, è quindi garanzia di cura e attenzione". Jessica Gaibotti ha sottolineato: "Per me sono le persone a fare la differenza e la quantità".

MMW24, a cosa servono le etichette indipendenti nel 2024?

Qual è il valore aggiunto che può offrire un contratto con un’etichetta indipendente?

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, lo spazio Dazio Ponente accanto all'Arco della Pace&nbsp;di Milano ha ospitato nel pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Come far fruttare il master di un brano con i diritti connessi", presentato da Evolution. L'incontro si è quindi concentrato sui&nbsp;diritti connessi – ovvero quei diritti che prevedono un compenso economico per lo sfruttamento del master – e di come si sono dimostrati una delle fonti di ricavo più solide per le etichette indipendenti, eppure molte realtà del settore ne ignorano ancora l’esistenza. A questa mancanza di consapevolezza si aggiunge una storica disattenzione nei confronti di tali diritti, che ha portato le case discografiche a focalizzarsi quasi esclusivamente sul diritto d’autore.

Nel corso del workshop, moderato da&nbsp;Giampiero Di Carlo, fondatore e CEO di Rockol, si è quindi visto come questi diritti hanno vissuto una crescita continua negli ultimi anni e, in termini temporali, offrono prospettive di guadagno che si estendono per almeno due generazioni e, quindi, per come sono strutturati legalmente, rappresentano un’importante garanzia per il futuro. Per analizzare la situazione sono intervenuti soggetti&nbsp;chiave della filiera, rappresentata da una società di collecting grazie alla presenza di&nbsp;Luca Barone – Vicepresidente Evolution Collecting, e dalla figura del produttore, con&nbsp;Luca Cecchi – Label Director Nar International. Inoltre, Cristina Ranieri – Managing Director Sintonia Copyright Solution, ha offerto&nbsp;un punto di vista sul fronte degli utilizzatori.

"Questo panel, vuole connettere due puntini molto importanti sulla scena musicale italiana contemporanea, che sono il mondo degli indipendenti&nbsp;e tutta la sfera dei diritti connessi": così Giampiero Di Carlo&nbsp;ha introdotto l'incontro: "Qualcuno&nbsp;potrebbe iniziare questo panel con l'impressione che, in alcune circostanze,&nbsp;alcuni operatori, soprattutto quelli appartenti al mondo indipendente, non abbiano una cognizione sufficiente e lascino i soldi sul tavolo".

Ha preso quindi parola Luca Barone che, per offrire qualche lume sul mercato e sulle caratteristiche salienti di questa scena, ha sottolineato: “Da più di 10 anni il diritto connesso è stato liberalizzato, e la cosa più importante è che sono nate più collecting indipendenti di diritti connessi. Ci troviamo in un sistema che non vede partecipare solo le collecting ma anche i produttori, che sono i beneficiari di queste somme. Inoltre, ci sono gli utilizzatori, che sono le società che devono pagare queste somme alle collecting, che poi le versano ai produttori. È un sistema estremamente complesso, fosse uno tra i più complessi che in discografia. E a causa anche di questa complessità le etichette indipendenti spesso hanno snobbato un po' questo diritto, non informandosi in maniera adeguata. Negli anni è successo che il diritto connesso è cresciuto e sta crescendo. E non crescerà soltanto in termini quantitativi, ma anche in termini qualitativi. Quindi, questo offre la dimensione del fatto che non pensare, non valutare, non considerare i diritti connessi come una risorsa importante, è un errore. È assolutamente importante capire che stiamo parlando di qualcosa di economico e fondamentale”.

Giampiero Di Carlo ha poi introdotto un altro aspetto importante, legato all’importanza della scena indipendente e ha fatto luce sui dati resi noti recentemente secondo cui ci sono circa 13mila etichette indipendenti a livello internazionale. “La cosa interessante è che, a fronte di questa pletora di protagonisti, che vanno a erodere le quote di mercato delle major, il 5% di queste fanno la maggior parte dei ricavi”, ha sottolineato Di Carlo. A lui ha fatto eco Luca Barone, che ha aggiunto: “Assolutamente giusto. Consideriamo anche che a differenza del diritto connesso degli interpreti, il diritto dei quello dei produttori fonografici è cedibile. E molti produttori indipendenti preferiscono cedere i diritti connessi invece che capire la loro complessità. Nella nostra mission non c’è solo quello che chiede la direttiva di essere trasparenti, efficaci e veloci nella ripartizione, ma anche di far comprendere ai nostri mandanti come è meglio lavorare su questi diritti e come è meglio approciarsi. Per cui non è soltanto un fatto di incassare e di ripartire, ma il lavoro è molto più a 360 gradi”.

Per capire meglio cosa sono i diritti connessi e come evolvono nel tempo, è quindi intervenuto Luca Cecchi: “I diritti connessi sono tutti diritti di sfruttamento economico i cui compensi devono essere corrisposti quando un brano viene diffuso in locali aperti al pubblico, in radio, in tv, sul web. Per semplificare il concetto, faccio spesso l’esempio del concetto di B2B e di B2C. Se pensiamo a un modello B2C, è quando un'etichetta realizza il proprio prodotto, distribuisce la realizzazione del proprio catalogo, lo fa verso un pubblico di consumatori, di musica, di fan e quindi comunque fa un uso privato. Il modello B2B è quando c’è un fine commerciale, dove la musica registrata viene utilizzata per creare un valore di business”. Ha continuato: “È un mondo che è cambiato tanto. Io ho iniziato nel 2007 e dal mio primo giorno ho dovuto capire i diritti connessi. La fortuna della mia formazione è stata quella di focalizzarsi su questi aspetti. L’equivoco che tutti facevano e spesso fanno ancora è quello di confondere i diritti connessi con quelli della SIAE”. E ancora: “Oggi si è arrivati a un punto in cui è possibile conoscere una conversione che offre un’opportunità di trasparenza del dato. Oggi siamo arrivati a una profondità del dato molto complesso. Ma se il dato non è catalogato bene, può provocare un mancato guadagno. Quindi bisogna avere archivi ben definiti. I data scientist sono quindi figure importanti oggi, perché nei dati si scoprono gli andamenti e le previsioni future. L’ultimo anno abbiamo sviluppato un gestionale customizzato per importare i dati di streaming e lo abbiamo sviluppato personalmente. E abbiamo scoperto cose che non avremmo mai immaginato su come sta performando un determinato brano o artista. Questo è fondamentale e mi piacerebbe farlo anche sui diritti connessi. Sul diritto connesso dobbiamo ogni volta inventarci delle formule per stimolare l’attenzione di un brano o un artista affinché possa essere diffuso. Ogni volta dobbiamo quindi pensare e inventare azioni da fare. Non possiamo distrarci”.

Con l'intendo di capire la complessità per gli utilizzatori, Cristina Ranieri ha dichiarato: “Per gli utilizzatori deve essere fondamentale chiaro che quando si pagano i diritti d’autore, manca un pezzetto, in cui rientrano i diritti connessi. I dati che noi condividiamo sono dati di crescita per una copertura maggiore. Rispetto al diritto d’autore, in Italia il diritto connesso viene gestito da poco tempo. L’utilizzatore per le collecting è fondamentale perché permette di incassare con la ripartizione. A volte gli utilizzatori sottovalutano o non danno il giusto peso ai diritti connessi. Inoltre deve essere chiaro che il diritto connesso non è una tassa. Per questo bisognerebbe migliorare la comunicazione verso l’utilizzatore e lavorare verso una maggiore consapevolezza. Una consulenza quindi permette di comprendere cosa si sta pagando e capire i soggetti coinvolti, che con la liberalizzazione sono aumentati. Per gli addetti ai lavori è faticoso capirlo, per gli utilizzatori che sono di altri settori è ancora più difficile”.

MMW24, come far fruttare un brano con i diritti connessi

Come i diritti connessi offrono prospettive di guadagno e rappresentano una garanzia per il futuro

Si è tenuto il 22 novembre presso il Dazio Ponente, nell’ambito dell’ottava edizione della Milano Music Week, il talk - presentato da FIMI - “The Year of Superfans: Evolution of a Musical Phenomenon”. All’evento - moderato da Clémentin Diard, CEO di Your Music Marketing - hanno preso parte Eleonora Bianchi (Digital Service &amp; Consumption Director, Universal Music Italia), Paola Catò, (Director of Streaming &amp; Partner Development, Sony Music Entertainment Italy), Jordan Gremli (Head of Product, Songkick, Warner Music Group) ed Ester Gazzano (Head of Consumer Marketing, Europe, Spotify).

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Nel corso dell’incontro sono state analizzate le statiche che hanno dimostrato l’importanza di questo segmento di pubblico - per esempio, negli Stati Uniti il 15% della platea viene fatta rientrare in questa categoria, che, da sola spende in media l’80% di più di quella composta dagli ascoltatori normali.

Oltre ai casi di studio più rilevanti, sono state prese in considerazione e commentate le strategie adottate dalle aziende per coinvolgere i superfans sui canali media convenzionali e non (piattaforme come Twitch e Discord e ambienti di gaming online come Roblox e Fortnite), oltre che alle specificità geografiche della categoria, fiorita in prima battuta sui mercati asiatico e nordamericano.

MMW24, ‘L’anno dei superfan’: l’evoluzione del fenomeno

Nel panel presentato da FIMI le analisi dell’impatto sul settore e sulle strategie della discografia

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella primo pomeriggio di oggi, 22 novembre, il panel "Dynamic pricing, sta arrivando la tempesta?".&nbsp;L'incontro è partito analizzando come le prevendite per il reunion tour degli Oasis hanno fatto conoscere al mondo il dynamic pricing, ovvero il prezzo dinamico per i biglietti dei concerti: il modello, già ampiamente utilizzato anche in Italia in altri settori – tra gli altri, quello alberghiero e quello dei trasporti – negli Stati Uniti è già una realtà consolidata, e presto potrebbe arrivare anche da noi. Le istituzioni europee stanno già monitorando la situazione da vicino, dividendosi tra i favorevoli alla regolamentazione e i più intransigenti, orientati verso il divieto. Durante il panel si è quindi cercato di capire alcune domande: la lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto? Chi favorisce davvero questa pratica? Il prezzo dinamico può davvero arginare il fenomeno del secondary ticketing? E, in ultima analisi: il dynamic pricing è – come sostiene chi lo promuove – un modo per rendere ancora più florido un settore già di per sé molto ricco e per sostenere in modo diretto gli artisti, o è – come hanno lasciato intendere migliaia di fan dei fratelli Gallagher – la peggiore minaccia che potrebbe incombere sul comparto della musica dal vivo?&nbsp;

Il talk, moderato da&nbsp;Davide Poliani di&nbsp;Rockol, ha visto intervenire l'On. Pier Francesco Maran – Europarlamentare; Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano; Fulvio De Rosa, Assomusica; Matteo Fedeli, SIAE; Andrea Grancini, Ticketone; Ferdinando Salzano, Founder Friends&amp;Partners; Marta Fantin - Director of Partnerships Italy - DICE;&nbsp; e Giampiero di Carlo, Fondatore e CEO Rockol.

"Il fenomeno è tornato di strettissima attualità con la situazione degli Oasis, tracimata dai social media, fino alla politica e agli accademici. Gli economisti hanno detto che il fatto degli Oasis&nbsp;ha&nbsp;dato una lezione del capitalismo", ha spiegato&nbsp;Giampiero di Carlo&nbsp;di Rockol nell'aprire l'incontro: "È un meccanismo che si conosce da tempo perché attuato in molti altri ambiti, ancora prima che nella musica, dove non è comunque qualcosa di novissimo. Nel 2022 è un tema salito agli onori della cronaca per Bruce Springsteen e che ha poi fatto ancora più rumore con Taylor Swift.&nbsp;Il dynamic pricing è un meccanismo che cerca di bilanciare la domanda con l'offerta. Nella musica ci sono diverse fazioni: chi è pro rivendica il fatto che è un meccanismo che può ostacolare il secondary ticketing e che i prezzi maggiori genererebbero soldi che finirebbero a ricircolare nell'industria. Chi è contro accusa il fatto di scarsa trasparenza. La musica rivendia la propria unicità e si vuole smarcare dal dibattito su altre fazioni, perché ci sono di mezzo gli artisti e il fattore esperienziale. Tra gli artisti, si è levata la voce di Neil Young che ha evidenziato la paura degli artisti di mettere a rischio il rapporto con la fanbase. Ci sono altri artisti come i Cure che sono proprio contrari o gli Oasis che hanno affermato di esserne all'oscuro.&nbsp;Il&nbsp;problema adesso è capire se il fenomeno può essere normato, regolamentato e legiferato, con meccanismi di altri settori, che la politica non sarebbe incline a punire".

La parola passa quindi a&nbsp;Tommaso Sacchi, Assessore alla Cultura Comune di Milano, che ha affermato: "Per entrare subito nel vivo di questo tema, due parole sul perché abbiamo pensato perché&nbsp;non potesse mancare una riflessione su questo tema. Innanzitutto si tratta di una prima volta. Siamo tutti pronti a demonizzare il secondary ticketing, che tradisce le aspettative dei consumatori. Sul dynamic pricing si è spaccata l’opinione degli addetti ai lavori e degli artisti. Alcuni di questi hanno scelto di distaccarsi per paura di tradire la propria fanbase. È la prima volta che si parla di un'azione che può tradire le aspettative dei consumatori, ma&nbsp;può sconfiggere o contrastare forme illecite di rivendita, di bagarinaggio o di lievitazione dei costi non normati. Credo che sia importante in questa Milano Music Week occuparsi di questo tema, sicuramente scomodo per capire come ogni soggetto si comporta in merito a questo aspetto. Inoltre un enorme dettaglio di consumo si sta orientando verso questa dinamicità e variabilità dei prezzi. Non dico che sia giusto che il mondo dei concerti viva questo fenomeno come qualcosa di fisiologico, anzi, siamo qui per parlarne in modo critico. Sicuramente oggi inizia un dialogo che avrà anche uno sviluppo politico”.

Davide Poliani ha così invitato Marta Fantin di Dice a intervenire: "Noi come Dice siamo un’azienda multinazionale nata in Inghilterra e il dynamic pricing lo stiamo vivendo da anni soprattuto, già negli Stati Uniti", ha affermato Fantin: "Su Dice, come piattaforma, abbiamo attuato diverse azioni: mostrare il biglietto solo poche ore prima dell’evento per contrastare il secondary ticketing. In relazione del dynamic pricing noi come piattaforma siamo contrari. Uno è il caso del concerto dei Cure al Troxy di Londra, di cui ci siamo occupati insieme al management della vendita dei biglietti, dal prezzo bloccato. Proprio la nostra campagna è contro il dynamic pricing e il secondary ticketing".

Ha preso poi parola&nbsp;Andrea Grancini&nbsp;di Ticketone e ha sottolineato: "Quello che vedo io, soprattutto sulla tematica concerti, che trovo un ambito diverso dai voli e dagli alberghi, è che dire che il dynamic pricing possa contrastare il secondary ticketing è un discorso che può essere fatto fuori dall’Italia. Nel nostro Paese abbiamo attuato molte strategie per gestire la nuova normativa per contrastare il secondary ticketing e sono stati fatti molti passi avanti, dal biglietto nominativo alle verifiche con i codici otp legati ai numeri di telefono". Ha continuato: "Io porto anche l'esperienza sul territorio: prendo a esempio un caso della scorsa estate di un'artista internazionale, che potete immaginare di chi sto parlando, che ha fatto due date a San Siro a Milano dove il 30% del pubblico era straniero, perché la spesa tra biglietti e viaggi era inferiore al costo dei biglietti nel loro Paese. L'altra osservazione è legata ai prezzi dei biglietti, che è vero che sono aumentati nel corso degli anni,&nbsp;ma a differenza degli altri paese in Italia rimangono&nbsp;comunque più bassi".

Fulvio De Rosa&nbsp;di&nbsp;Assomusica ha aggiunto: “Un pò come per tutti i fenomeni economici e sociali, bisogna analizzarli. Il dynamic pricing è un fenomeno che esiste da tempo e che esiste in Italia, dove è stato introdotto da siti di rivendita italiani dove vengono offerti biglietti a prezzi verificati, ma con diciture diversificate, come 'biglietti platinum'. La strategia è proprio stata quella di utilizzare quel termine per camuffare biglietti regolari ma che può avere più fasce di prezzo".

In qualità di fondatore di&nbsp;Friends&amp;Partners,&nbsp;Ferdinando Salzano ha affermato:&nbsp;"Il punto è capire se è un vantaggio e se in Italia siamo pronti, anche in termini di artisti italiani. Noi siamo passati attraverso un periodo che dopo il Covid ha visto una crescita esponenziale&nbsp; dei prezzi negli eventi di grossa portata. In questo momento storico con il dynamic pricing noi mettiamo a rischio un rapporto straordinario tra pubblico e artista rispetto a un meccanismo costosissimo, che porterebbe a una situazione di non trasparenza e chiarezza. Io oggi sono contrario per quanto investito nel rapporto tra spettatori e artisti, non dico che sono contrario a quello che potrà essere tra qualche anno.

Per SIAE, Matteo Fedeli è intervenuto sulle criticità che comporterebbe il dynamic pricing: “Sicuramente non è semplice, ma oggi viviamo in un mercato in cui esistono complicazioni ben più grandi. Il mondo dei biglietti è fermo indietro nel tempo. Se andassimo dall’amministratore delegato di Ryanair e mettessimo in vendita biglietti per un volo in programma tra sei mesi e faccessimo sold out, sarei licenziato. Perché venderemmo biglietti a un prezzo troppo basso. Non è facile, ma va fatto tutto quanto in una maniera digeribile. Come qualsiasi altra tecnologia può essere usata benissimo o malissimo. Qua bisogna ragionare sul suo utilizzo. Un artista potrebbe anche vederci un utilizzo etico, perché ci sono anche consumatori disposti ad acquistare biglietti il giorno prima dell’evento a prezzo maggiorato perché ha anche capacità di spesa”.

Nel suo intervento, l’On. Pier Francesco Maran ha posto l’attenzione sul dynamic pricing in relazione ai grandi eventi e ha dichiarato: “Il 3% dei concerti ha questa caratteristica e questo tipo di attenzione. L’altro 97% lo leverei da questa discussione. Concentrandoci sugli eventi di quel 3%, si nota che hanno regole ben diverse da altre situazioni. Inoltre, gli eventi più grandi influiscono sull’incremento turistico e culturale dei paesi. In merito al Dynamic pricing ci sono da tenere conto del rapporto di fiducia tra artisti e pubblico, e dall’unicità di ogni vento. Dal punto di vista legislativo è possibile isolare eventi o artisti in base alla loro grandezza o risonanza. In questi giorni stiamo dando il via alla nuova commissione europea e in merito al dynamic pricing si andrà a discutere per i grandi eventi dal vivo e ci sarà un primo passaggio di trasparenza”.

MMW24, il talk sul dynamic pricing: "Sta arrivando la tempesta?"

La lunghezza di una coda al botteghino potrà mai determinare il face value di un biglietto?

L’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> &nbsp;si terrà dal 18 al 24 novembre a Milano; l’evento dedicato all'industria musicale&nbsp;è promosso dal Comune di Milano - Assessorato alla Cultura, Assoconcerti, Assomusica, Fimi, Nuovo Imaie e Siae. Main sponsor:&nbsp;UniCredit, UniCredit Allianz Vita&nbsp;e&nbsp;TicketOne.

Ecco gli eventi di sabato 23 novembre, sesta giornata:

14.30: "Christmas Dance con Carolina Benvenga" (Santeria Toscana 31)

Con:&nbsp;Carolina Benvenga

Presentato da Rockol e&nbsp;Sony Music Entertainment.

MMW24, gli appuntamenti professionali di sabato 23 novembre

Gli ospiti, gli orari, i dettagli...

Nell’ambito della&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>, la Sala Viscontea del&nbsp;Castello Sforzesco di Milano ha ospitato nella tarda mattinata di oggi, 22 novembre, il panel "Turismo e spettacoli dal vivo: connubio per un nuovo turismo culturale in Italia", presentato da&nbsp;Assomusica - Associazione Italiana Organizzatori e Produttori Spettacoli di Musica dal vivo.&nbsp;L'incontro è partito dal presupposto che gli spettacoli dal vivo sono una fonte di sviluppo economico e un volano per le aziende della filiera del turismo, non solo nelle grandi città ma anche nei borghi d’Italia. Un altro punto centrale&nbsp;del talk si basa sul concetto che analizzare il significato strategico e il valore economico dell’evento e dello spettacolo dal vivo, equivale a comprenderne l’impatto economico e culturale sul territorio.

Introdotto da&nbsp;Carlo Parodi - Presidente Assomusica, e moderato da&nbsp;Paolo Giordano – Giornalista de "Il Giornale", l'incontro ha visto intervenire l'On. Gianluca Caramanna – X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia; On. Matteo Ricci – Eurodeputato – Parlamento europeo (in videoconferenza); On. Manlio Messina – VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati (videoconferenza); Dott. Alessandro Leon – Presidente Cles Srl; Dott. Costantino Ciulla – Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli – Agrigento Capitale italiana della Cultura 2025.

Nel 2017 i Rolling Stones hanno suonato alle Mura Storiche di Lucca in un mitico concerto ospitato dal Lucca Summer Festival, portando a un indotto di circa 20milioni di euro. Prendendo questo evento come esempio, Paolo Giordano ha aperto così l’incontro: “Solo quel concerto ha fatto lavorare tutto il tessuto imprenditoriale intorno a Lucca”. Ha quindi preso parola Carlo Parodi&nbsp;- Presidente Assomusica: “Partirei da un aneddoto per introdurre l’argomento: prima di tutto io sono un organizzatore di concerti e festival. Organizzo un Festival in una città vicino a Torino, e a una prima edizione ricordo che mi sono trovato ai cancelli a parlare con il Sindaco delle modalità dell’organizzazione di un evento. E in quel contesto vediamo avvicinarsi una signora determinata che cercava l’organizzatore dell’evento e dice: ‘Vorrei ringraziarvi perché ho assistito al concerto di Gianna Nannini ed è stato fantastico. Inoltre sono proprietaria di un agriturismo qui vicino e in concomitanza del festival la mia struttura è sold out’. Organizzare eventi nella loro complessità porta ricadute importanti sul territorio e per tutta la filiera. Quindi oltre a esaurire la sua primaria funzione nel creare cultura, genera anche economia. perché è un valore che genera valore e dobbiamo ragionarci in maniera importante”.

Il talk ha poi visto intervenire, in videocollegamento, l’On. Matteo Ricci. In qualità di ex sindaco di Pesaro, carica ricoperta dal 2014 al 2024 prima del ruolo di europarlamentare, Ricci ha sottolineato: “Quello che noi abbiamo cercato di fare in questi anni è di trasformare Pesaro in una città della musica, che investe nella musica e nello spettacolo. Abbiamo uno dei palasport più grandi e importanti di Italia che ci permette di ospitare grandi eventi nazionali e internazionali. Abbiamo ristrutturato il vecchio palasport per rispettare l’esigenza della musica e ospitare eventi più piccoli. Pesaro è stata proclamata Capitale italiana della cultura 2024 e in questo anno abbiamo registrato il 30% del turismo. E sono convinto che gli effetti migliori li avremo negli anni a a venire. Abbiamo già deciso di candidarci a Capitale italiana della cultura 2033 e sarà un’altra grande opportunità per dare continuità a una strategia. È importante inoltre sottolineare che l’Italia è un paese attrattivo per il turismo che verrà”.

Dal canto suo, il Dott. Alessandro Leon&nbsp;– Presidente Cles Srl e Segretario Generale&nbsp;dell'Associazione per l'Economia della Cultura ha affermato: “Riferendomi all’esempio di Parodi, dal canto mio ricordo che molti anni fa lavorai su un gradissimo progetto che si chiamava ‘Residenze Sabaude’ che ha consentito il recupero integrale di una cinquantina di residenze sabaude. Allora, nella metà anni Ottanta, non si pensava che la musica popolare potesse svolgere un ruolo fondamentale e non era stata presa in considerazione. Oggi, invece, ci si rende conto di quanto la cultura e la musica possano giocare un ruolo centrale nel generare aspetti economici”.

In qualità di Assessore alla Cultura e Turismo, Grandi Eventi e Spettacoli, in merito ad Agrigento,&nbsp;proclamata Capitale&nbsp;italiana&nbsp;della Cultura 2025, il Dott. Costantino Ciulla ha poi dichiarato: “Agrigento potrebbe essere un esempio e un caso studio per quella che è l’economia che viene riportata dallo svolgimento degli eventi e quelle che sono le ricadute sul turismo e l’economia locale".

In videocollegamento, l’On. Manlio Messina&nbsp;– VII Commissione Cultura, Scienza e Istruzione della Camera dei Deputati, ha raccontato: “In Sicilia c’è ancora un certo retaggio culturale secondo cui la musica e lo spettacolo sono solo divertimento, e quindi investire in questo settore non potrebbe creare indotto. Facendo rete possiamo sconfiggere questo retaggio culturale perché i numeri sull’apporto economico della cultura sono reali e incoraggianti.&nbsp;Per sostenere la filiera abbiamo triplicato il fondo per lo spettacolo, da 3,5 milioni a 9,5 milioni. Inoltre, abbiamo fatto riscoprire un personaggio come&nbsp;Nick la Rocca, il cui padre era&nbsp;originario di Salaparuta prima di trasferirsi a New Orleand, che&nbsp;incise il primo disco della storia del Jazz. Per questo abbiamo creato il Sicilia Jazz Festival che dura due settimane e che ha portato solo nell'ultima edizione più di 100mila presenza nella città di Palermo. Inoltre abbiamo istituito il&nbsp;Bellini Festival, in onore del compositore Vincenzo Bellini, che ha sempre registrato più di 100mila presenze".&nbsp;

Nel suo intervento, l'On. Gianluca Caramanna&nbsp;– X Commissione – Attività produttive, Commercio e turismo – Commissione Parlamentare per l’indirizzo generale e la vigilanza dei servizi radiotelevisivi, Fratelli di Italia - ha infine evidenziato: “Il turismo non può fare a meno degli eventi, che siano sportivi o spettacoli dal vivo. Sono un valore aggiunto che spesso riesce&nbsp;a destagionalizzare. Anche se organizzati con anticipo, i grandi eventi si concentrano spesso in due o tre mesi estivi, perché spesso le location sono all'aperto e&nbsp;hanno bisogno della stagione estiva. Noi abbiamo quindi bisogno di invertire la rotta, avendo palazzetti al chiuso, dobbiamo estendere&nbsp;anche agli altri periodi dell’anno per destagionalizzare. Inoltre, il turismo si interseca con tutti gli altri ministeri, che sia agricoltura o trasporti o interni. Tutti i ministeri hanno bisogno di parlare con il turismo. Insieme ai grandi eventi e piccoli eventi dobbiamo fare un grande lavoro per destagionalizzare e delocalizzare il turismo, per dare visibilità e notorietà alle aree meno conosciute. Secondo me attraverso gli spettacoli è possibile".

MMW24, il talk su turismo e spettacoli dal vivo in Italia

Analizzare il valore dello spettacolo dal vivo per comprenderne l'impatto economico e sul territorio

Un quarto di secolo tondo dalla fondazione di&nbsp;Nun Entertainment, l'etichetta fondata da Stefano Senardi in collaborazione con Edel. Per festeggiarla, un evento speciale condotto da Luca De Gennaro&nbsp;con la partecipazione di molti ospiti, tra cui Luca Fantacone, Christina Iredale, Simonetta Simonetto, Pietro Monti, Stefano Pierini, Alessandra Piccioni, Maryon Pessina e l’amichevole supporto di Paolo De Francesco. L'appuntamento è per stasera alle 18.30 presso Detune Milano (via Felice Casati 24), nell'ambito della Milano Music Week. 
 
"La NuN è stata senza dubbio un’esperienza fondamentale, arrivata in un momento molto particolare della mia vita"&nbsp;afferma Stefano Senardi.&nbsp;"Pur non essendo durato a lungo, è stato un capitolo intenso, fatto di amicizie profonde e di grande professionalità, vissuto in un contesto di divertimento e passione in un periodo di notevoli cambiamenti. Alla comunità musicale ha lasciato un segno, un seme piantato sul terreno che, nei miei sogni più belli, potrebbe ancora germogliare".

Stefano Senardi festeggia i 25 anni della Nun Entertainment

In occasione della Milano Music Week, un evento speciale con molti ospiti

Si è tenuto nell’ambito dell’edizione 2024 della Milano Music Week un panel, presentato da FIMI, dal titolo “A European agenda for music. How European policies influence record industry”, in cui si è analizzato l’interazione tra la normativa europea e il business musicale. 

Sul palco in veste di relatori: Enzo Mazza - CEO FIMI; Antonio Guisasola - Presidente Promusicae, Spagna; Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia; René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, Germania; Francesca Trainini - Vice Presidente PMI &amp; Presidente IMPALA. L’incontro è stato moderato da Lodovico Benvenuti – Director of Multilateral Relations and Regional Director, Europe, IFPI. 

Le politiche europee svolgono un ruolo sempre più significativo nell'industria musicale, influenzando le dinamiche della discografia e le opportunità di crescita all'interno del mercato unico. Nell’incontro esperti del settore hanno esaminato le sfide e le opportunità presentate dalle politiche europee, evidenziando le iniziative chiave volte a sostenere l'industria musicale in un contesto globale. 

L’introduzione del panel è stata affidata a Lodovico Benvenuti, direttore di IFBI, quello che definisce “l’organizzazione internazionale che rappresenta l'industria del settore. Rappresentiamo, oltre alle tre principali label, la musica indie, la musica locale e musica internazionale, per oltre 8000 label nel mondo.” La loro visione e conoscenza del mercato è dunque ampia, globale ma ultimamente hanno concentrato la loro attenzione sul mercato europeo, quello dell’Unione Europa come entità politica, non quella geografica. Al fine di queste attenzioni hanno generato un report che ha sancito l’Europa come secondo mercato mondiale della musica. 

“Il rapporto - spiega Benvenuti - ha evidenziato le consistenze e le divergenze all'interno del mercato europeo e fornito strumenti per prendere decisioni politiche migliori, ai player del mercato, ma anche a quelli che creano le regole che sono rilevanti al nostro interno.” Nella sua analisi il direttore di IFBI fa notare che il mercato europeo ha una lenta crescita e resta ancora lontano dai livelli del riferimento americano.&nbsp; 

“Il mercato europeo - ha notato Benvenuti - ha diversi ritmi di crescita, e questo è in relazione con il livello di penetrazione del streaming. Quindi, ci sono mercati in cui c'è più streaming, e sono le nazioni con una maggior crescita. Qui è bello per me, come italiano, salutare il fatto che l'Italia è tra i paesi che sono cresciuti di più. Ciò che è molto buono del mercato europeo è il successo dei repertori locali e anche qui l'Italia è uno dei mercati migliori”. ma l’analisi fa anche notare che ”abbiamo una forte spinta locale che tuttavia non genera fenomeni globali e questo influisce sull’export della musica. Stiamo analizzando i modelli della Corea e quelli del Sud America che esportano un’ampia fetta della loro musica nazionale.” 

Benvenuti mette in campo un dato sull’investimento economico dell’industria musicale: “Se guardiamo a uno studio fatto un paio di anni fa, si nota che un euro investito da un’entità legata al mondo della produzione musicale rende 1,8 euro di output. È un dato straordinario, un qualcosa che i politici non devono dimenticare.”&nbsp; 

Benvenuti inoltre affronta il problema dell’AI e dei Deepfakes lamentando che non esistano regole precise a livello europeo e che andrebbero sviluppate e chiarite quelle già presenti piuttosto che creare altra normativa. Il direttore dell’ IFBI ha chiuso il suo intervento analizzando anche il mercato digitale europeo per il quale fa notare una grande frammentazione a livello nazionale, citando come esempio la “tax streaming” francese “Queste iniziative che sono nate in un paese, e poi non sono coordinate a livello europeo, creano un elemento di incertezza che è un ostacolo per gli investitori internazionali in Europa.” 

Nel suo intervento Francesca Trainini - Presidente di IMPALA - l’associazione che raccoglie circa 4000 label indie - ha sottolineato il valore delle etichette indipendenti per gli artisti, che spesso tendono a creare loro realtà. Francesca ha sottolineato che senza una struttura gli artisti potrebbero trovarsi in difficoltà nella loro carriera. Ha inoltre concordato con la necessità di rafforzare le regolazioni stabilite dall'Unione Europea, che sono considerate efficaci e ben bilanciate. Ha espresso soddisfazione nel riscontrare che i colleghi internazionali lodano queste regolazioni, evidenziando la differenza tra avere regolazioni e l'effettivo loro enforcement. 

Il terzo intervento è stato di Alexandre Lasch - Directeur général, SNEP, Francia che ha illustrato il mercato del suo paese notando che anche per loro lo streaming (a pagamento) è un elemento importante e anche in Francia il mercato locale è molto forte, tutelato dalle leggi d’Oltralpe che impongono quote di programmazione di artisti locali. “Dei 100.000 brani più ascoltati in Francia lo scorso anno, quasi due terzi sono stati prodotti in Francia o sviluppati da team francesi” ha affermato. 

Alexandre Lasch ha espresso una forte critica sulla streaming tax menzionata prima. “L'anno scorso il governo francese ha introdotto una tassa sulle piattaforme di streaming che colpisce in particolare la maggior parte dei player virtuali, come Spotify, Deezer, Cobus, fondamentalmente i servizi in abbonamento. Ora possiamo vedere chiaramente quanto sia stata e sia tuttora una cattiva idea, perché da allora le piattaforme, che non sono nazionali, hanno ridotto i loro investimenti marketing in Francia. Inoltre, alcune di esse, hanno aumentato le tariffe, come nel caso di Spotify, per coprire i costi associati a questa tassa. Tutto ciò rende ancora più difficile lo sviluppo del mercato. E paradossalmente, i proventi di questa tassa non hanno l'effetto ridistribuivo che il governo sperava di ottenere.” 

René Houareau - Direttore Generale Affari Legali e Politici BVMI, da l’idea della buona salute del mercato musicale tedesco seppure i dati siano contrastanti: “In Germania l'anno scorso abbiamo avuto un mercato di 2,2 miliardi. L'anno prossimo sarà di circa 2,3 miliardi. Ma veniamo da un picco di 2,8 miliardi, con l’80 % degli introiti che arrivano dallo streaming.” 

Il discografico tedesco affronta anche i problemi legislativi: “Come industria musicale amiamo la legislazione europea. E ci piacciono più gli atti che le direttive. Esistono due tipi di leggi diverse. L'atto è fondamentalmente europeo e il singolo Stato non può più fare nulla. La direttiva può essere attuata. Devono attuarla. Ma in Germania, a volte la politica si siede e dice: "Sì, direttiva, buona idea, ma facciamo in modo diverso". E allora noi ci dobbiamo riorganizzare. E questo non è sempre a favore del mercato, non aiuta la crescita. Quindi, questo è il problema.”&nbsp; 

René Houareau nota che il mercato tedesco vive di “importazione” da Francia e Italia in particolar modo e dice “chi di vi ha recentemente ascoltato una canzone tedesca?” 

Ben diversa è invece la situazione della Spagna che di musica ne esporta parecchia. “lo spagnolo è la lingua del nuovo pop - afferma Antonio Guisasola, Presidente Promusicae - Penso che in passato le persone preferissero qualcosa in inglese piuttosto che in spagnolo. Ma ora sono abituati ad ascoltare musica in spagnolo e ritengono che sia buona quanto quella in inglese. Quindi questo pop urbano con ritmi latini si è consolidato come un nuovo stile musicale. Il problema è che siamo 49 milioni di abitanti e siamo in “contatto” con 500 milioni di persone che parlano in spagnolo, la più grande colonia degli Stati Uniti. Quindi riceviamo molte pressioni da questo punto di vista. Per questo motivo, credo che abbiamo bisogno di un aiuto da parte delle autorità per promuovere gli investimenti locali. Abbiamo molta concorrenza dalla Colombia, da Porto Rico, da Miami, perché sono Paesi che investono molto nell'industria musicale e danno aiuti a questa industria. In Spagna, a causa dell'alto livello di pirateria che si è registrato in passato e del disinteresse di alcuni governi, l'industria musicale è in ritardo.&nbsp; 

L’ultimo intervento è quello di Enzo Mazza - CEO FIMI che espone la situazione italiana: “Abbiamo recentemente raccolto i numeri del terzo trimestre e abbiamo visto ancora una crescita intorno al 15% dell’intero mercato, trainata dallo streaming in abbonamento, che è creciuto del 21%. Questo significa che l'Italia sta ancora correndo e che ci sono alcune opportunità che possiamo vedere, in particolare perché l'Italia è rimasta indietro per molti anni nella penetrazione degli abbonamenti allo streaming. Abbiamo tra i 5 e i 6 milioni di abbonati alla piattaforma musicale nel Paese ed è meno, assolutamente meno di altri Paesi in Europa. Quindi, in questi termini, credo che guarderemo all'Italia come a un Paese meno sviluppato per lo streaming. Dall'altro lato, è un'opportunità perché sappiamo di poter raggiungere un numero sempre maggiore di abbonati in futuro. Come ad esempio la penetrazione nel settore della telefonia mobile, le giovani generazioni utilizzano sempre più smartphone per ascoltare la musica.” 

Mazza chiude il suo intervento osservando la forza del repertorio locale: “è piuttosto forte, come in altri Paesi, ma in particolare qui, sta crescendo rapidamente con un'intera generazione di artisti. Il mercato rimane piuttosto piccolo rispetto alla Francia e gli investimenti che le aziende possono fare sul repertorio locale sono ovviamente meno rilevanti. In particolare, perché il costo dell'investimento sul repertorio locale sta crescendo. I contratti sono più alti rispetto all'era fisica, con un fatturato che non è lo stesso. Quindi, paghiamo molto per i nuovi talenti. Le aziende lottano per ottenerli e offrono contratti molto buoni, ma questo non si traduce nel livello di entrate che abbiamo ottenuto in passato. Quindi, l'unica possibilità è l'esportazione. L'esportazione è probabilmente una delle aree più interessanti da esplorare.”

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MMW24, il panel sulle politiche europee e la discografia

Come leggi e normative a livello europeo siano sfida ed opportunità per l’industria musicale

La musica emergente è stata la protagonista della serata di ieri sera, 21 novembre, al Ronin. Nel quartiere milanese di China Town, il sofisticato cocktail bar e ristorante ha ospitato GenZ Stage, momento che ha visto esibirsi alcuni degli artisti più promettenti e talentuosi della nuova scena musicale italiana. L’evento è stato organizzato da Rockol con la collaborazione di TuneCore Italy&nbsp;nell'ambito dell'<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">edizione 2024 della Milano Music Week</a>.

Nessuna distinzione di genere e di stili, solo un sacco di voglia di suonare, quella dei sette artisti che sono saliti ieri sera sul palco:&nbsp;The Snookers, Niveo,&nbsp;Chyky,&nbsp;Klaus Noir,&nbsp;Montag, Anna Castiglia&nbsp;ed&nbsp;Ethan.

<div class='embed'> <div class="flex flex-col space-y-2 justify-center items-center">
 <h3>21 novembre 2024 - Ronin - Milano - GenZ Stage - Milano Music Week 2024</h3>
 <img src="https://images.rockol.it/bKuvWTmYl6nqpWPBcYkluaQl9lQ=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-1.jpg">
 <div class="flex justify-center items-center"> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/9PegZXFArYSySS2TvJqouNRfmJE=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-10.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/OMivC4mUws4gkQXwfVrkV09MZiU=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-100.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/IDeFvK_10rYRonw1ezC1-xb4iTU=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-101.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/0S8KRzi74zOLkokIN9DpBOEKRdM=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-102.jpg"></div> <div class="px-2"><img src="https://images.rockol.it/7FR0bUdTFvg4l0Vp_aP6iK9447Q=/100x100/smart/rockol-img/img/foto/upload/genzstage-103.jpg"></div></div>
 <div class="text-center text-sm font-semibold">Foto di: Elena Grandi</div>
 <a href="https://www.rockol.it/gallerie-fotografiche/8118/" target="_blank" rel="noopener noreferrer" class="underline font-semibold">Vai alla gallery completa</a>
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Tra cocktail elaborati e piatti fusion, ogni musicista protagonista sul GenZ Stage, ha animato la serata con la propria musica e la propria personalità. L'elettronica rock ha aperto quindi l'evento con il duo composto da&nbsp;Anita e Federico, anime di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748131/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-sono-the-snookers">The Snookers</a>, prima di lasciare la scena al cantautorato di&nbsp;Marco Fasano in arte <a href="https://www.rockol.it/news-748149/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-niveo">Niveo</a>. I ritmi hip hop e le trame rap hanno poi fatto da padroni con i set di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748150/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-chyky">Chyky</a>&nbsp;e&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748132/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-klaus-noir">Klaus Noir</a>, seguiti dalla prorompenza della chitarra e dalla voce di <a href="https://www.rockol.it/news-748081/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-montag">Montag</a>. La sofisticatezza e delicatezza di&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-748130/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-anna-castiglia">Anna Castiglia</a> hanno poi colorato il Ronin di&nbsp;pop e R&amp;B, influenze samba, swing e gipsy, prima di trasformarsi in un club techno berlinese con <a href="https://www.rockol.it/news-748133/milano-music-week-2024-genz-stage-programma-chi-e-ethan">Ethan</a>, che ha portato sul palco trame sonore su atmosfere baile funk, R&amp;B, suoni elettronici sperimentali e hardcore.

MMW24, la musica emergente protagonista del GenZ Stage

Ieri sera, 21 novembre, il Ronin ha ospitato il live di 7 artisti emergenti

La Società Italiana degli Autori e degli Editori è stata la protagonista dell’ultimo segmento del Music Publishing Day, evento dedicato all’editoria musicale in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> chiusosi nel tardo pomeriggio di ieri, giovedì 21 novembre, presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco di Milano. Sul palco, oltre al dg della collecting Matteo Fedeli, anche i due autori (e membri del Consiglio di Sorveglianza) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732037/siae-nuovo-consiglio-sorveglianza-giovani-andrea-tonoli-intervista">Andrea Tonoli</a> e Giovanni Caccamo, il discografico ed editore (ed ex presidente di SIAE) Filippo Sugar e gli editori (e membri del consiglio di sorveglianza SIAE) <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-732659/siae-under-30-ai-vertici-guendalina-gramitto-ricci-intervista">Guendalina Gramitto Ricci</a> e Claudio Buja.

“Per noi autori è formativo entrare nel Consiglio di Sorveglianza”, spiega Tonoli: “Essere a contatto con i grandi professionisti dell'editoria è un grande regalo, è una fonte di istruzione su quello che sarà il nostro futuro. Quello che stiamo vivendo ora è il frutto di una visione collettiva che è stata portata avanti nel tempo: SIAE oggi è molto digitale e innovativa, dobbiamo dare atto a Matteo (Fedeli, ndr) di questo”.

“Da giovane e da editore, dico che è un'occasione di imparare, e un onore e un onore, una cosa bellissima e una fortuna esserne parte”, conferma Gramitto Ricci, alla quale fa eco Caccamo: “Prima di entrarci avevo la percezione della SIAE paradossalmente quasi negativa - dico ‘paradossale’ perché senza il diritto d'autore gli artisti non esisterebbero” - spiega l’artista - “Essere parte di questa società è un onore, una responsabilità e anche un'opportunità: in questi anni ho avuto l’opportunità di arricchire la padronanza degli strumenti a nostra disposizione da SIAE, e sarei felice che tutti gli autori soci avessero le stesse conoscenze che ho acquisito io”.

“Il lavoro di SIAE è semplice”, interviene Fedeli, insediatosi come dg della collecting prima di compiere quarant’anni: “Si tratta di gestire al meglio il diritto che autori ed editori ci hanno affidato, ovvero ottenere dal mercato il valore più fair possibile per il loro lavoro spendendo il meno possibile. Non dobbiamo fare profitto, e questa è la nostra forza. Spendendo il meno possibile il nostro servizio costa sempre di meno: lo scorso anno il nostro fatturato è stato di 883 milioni di euro, più di 100 milioni superiore all’ultimo pre-pandemia. E' stato necessario cambiare tante cose, e il cambiamento è partito prima del mio arrivo, da una decina d'anni: oggi la velocità del cambiamento sta aumentando, le cose che riusciamo a portare a casa sono sempre di più. Se siamo perfetti? No, non lo siamo: c'è sempre qualcosa per cui vale la pena innovarsi. L'AI, per esempio, sarà una sfida generazionale. Di quello che abbiamo fatto siamo abbastanza fieri: stiamo cambiando a 360° la società con persone che credono a questo cambiamento”.

Quali valori dovranno ispirare la collecting per il futuro?

“C'è bisogno di giovani negli organi sociali, perché il cambiamento è legato alle energie”, chiarisce Sugar: “SIAE è autori ed editori insieme, e in questa unione c'è la forza di rappresentare tutto il mondo della creatività e dell'editoria in un unico organo che non deve guadagnare, ma essere il più efficiente possibile. La SIAE è aperta, e possiamo indirizzare il valore della società, per esempio scegliendo un dg di nemmeno quarant'anni. Il nuovo gruppo sta facendo un grande lavoro di trasformazione digitale, efficienza e comunicazione. Per il futuro occorrerà cercare di aumentare l’efficienza anche a livello internazionale: per farlo, le collecting dovrebbero aggregarsi e accelerare il flusso di recupero di denaro da fuori dall'Italia. E non dimenticare che questa capacità di stare insieme consente di creare un contesto legislativo che nessuno di noi, da solo, avrebbe la forza di poter sostenere, trovando equilibrio nelle trattative per le remunerazioni”.

“Ho trascorso più di vent'anni della mia vita professionale con SIAE, compresi momenti difficili, tipo tra il 2010 e il 2020, quando sono stati apportati gravi danni al patrimonio di SIAE”, spiega Buja: “Poi c'è stata una svolta molto positiva, siamo come risultati che come professionisti entrati in organico. In questo momento la proiezione per il futuro non può che essere molto ottimista. Ci sono temi da affrontare subito che possono essere migliorati, come l'efficienza all’estero, dove ci sono paesi che non riconoscono il diritto d'autore o che lo gestiscono in modo oscuro. Sull’intelligenza artificiale: quello <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748084/collecting-e-intelligenza-artificiale-gema-fa-causa-a-openai">che ha fatto GEMA</a> è sacrosanto, perché l’AI lavora su opere che attingono alla creatività di autori umani. SIAE non si occupa di sync: con l'avvento dei social e delle piattaforme come TikTok, Youtube e i videogame online, tuttavia, dovrebbe assumere il ruolo di gestore delle sincronizzazioni non commerciali (come, per esempio, stories su TikTok), perché venga riconosciuto agli aventi diritto quello che gli deve essere corrisposto”.

“Affrontiamo questo tipo di cambiamento come abbiamo affrontato gli altri in tutta la nostra storia”, risponde Fedeli, “Perché l'essere umano si adatta sempre. Riguardo l’AI, la domanda è: in quanto tempo ci si deve adattare? Quella per l'intelligenza artificiale sarà una lotta generazionale, che non si esaurirà in pochi anni. Oggi verso l'AI generativa c'è una sovra-aspettativa, ma resto convinto che debba essere utilizzata, perché è un valore. Oggi è necessario creare competenza sul tema, ma vanno capite le paure che l’AI suscita”.

Sulla sperequazione che caratterizza i compensi di discografia ed editoria - a favore della prima - da parte delle piattaforme digitali, per Buja è importante che il comparto del publishing mantenga “la propria specificità, che ci consente di rapportarci con discografia e con chi lavoro per noi e con noi – le collecting, appunto – per ottenere il massimo per tutti gli aventi diritto”.

“E’ brutto muoversi guerra tra aventi diritto”, commenta Sugar: “La svolta digitale del mercato ha sicuramente premiato la discografia rispetto al diritto d'autore, e a tendere questo sbilanciamento deve essere corretto. Ma la discografia, alla vigilia dell’irruzione sui mercati dei DSP, veniva da anni molto difficili, mentre il nostro settore aveva retto meglio il cambiamento tecnologico”. “In assenza di unanimità a livello internazionale su tematiche fondamentali come il value gap tra discografia ed editoria, SIAE deve essere il baluardo della sfida comune a tutta l'industria”, conclude Gramitto Ricci: “Due parti che lavorano a stretto contatto devono trovare il modo per collaborare al meglio”.

“Gli strumenti ora ci sono”, osserva Tonoli riguardo le strategie che la collecting dovrà adottare nei prossimi anni: “Dobbiamo portare ‘dentro’ la società gli autori che non conoscono tante delle cose sulle quali stiamo lavorando, dobbiamo fare un sforzo per avvicinarci di più ai nostri colleghi”. “L'80% dei giovani oggi ha spento il motore dei sogni e di questo siamo tutti responsabili”, conclude Caccamo: “Abbiamo accorciato così tanto la distanza tra desiderio e realtà che i giovani non sognano più. Dobbiamo dare la parola e la speranza ai giovani perché riaccendano i loro sogni”.

MMW24, ‘Immaginando la SIAE del futuro’

Una lunga storia alle spalle, un futuro in mano ai giovani: il punto coi vertici della collecting

Si può pensare a un brano come un organismo composto da tante piccole cellule che entrando in contatto tra loro e tramite reazioni e concatenazioni danno vita alla canzone. 

Ci si sofferma, spesso, sul testo, sull’interpretazione, ma c’è una cellula che contribuisce in maniera significativa: il suono.

Il suono dà, forse più di tutti, carattere, entità al brano e chi se non i producer possono raccontare questo processo creativo? In occasione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a> i produttori Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani (A&amp;R Tuttomoltobenegrazie / Nigiri) e Paolo Colavolpe (Head of M.A.S.T.) si sono confrontati proprio sul ruolo del suono di questi ultimi anni. 

A moderare l’evento è stato il giornalista Claudio Cabona, il quale ha iniziato con una riflessione: “Oggi i produttori sono le nuove star del settore”.

Paolo Colavolpe ha risposto: "L'importanza dei produttori oggi è fondamentale, sia per il sound, che fa la differenza per chi ascolta, sia per il modo in cui la musica viene creata e usufruita. Con il progredire della digitalizzazione, sono cambiati sia i processi creativi che il modo di fruire la musica. Questo si collega all'importanza del produttore, non solo in studio, ma anche nella scelta di quello giusto per l’artista. Questo discorso è valido in qualsiasi periodo storico, ma ciò che ha portato alla ribalta la figura del producer oggi è il fatto che, se un tempo era noto solo agli addetti ai lavori, oggi, grazie anche all'hip hop, è riconosciuto anche a livello popolare, dai fan. Questo ruolo raccoglie e amplifica il rapporto artistico tra produttore e artista. Oggi ciò che fa davvero la differenza è il mood dell'artista, e questi elementi diventano decisivi per i risultati finali."

Martina Giannitrapani ha aggiunto: "Il sound è un concetto ampio, specialmente oggi. La parola stessa è fondamentale, così come la sua scelta. Per esempio: per una canzone dei Pinguini Tattici Nucleari, c’è stata una lunga ricerca per darle una direzione mirata verso il giusto target. Oggi l’arrangiatore è stato inserito tra gli aventi diritto, perché ha acquisito un ruolo significativo anche nella fase di scrittura, contribuendo a definire un’identità sonora. Diversi elementi determinano questa identità. Un altro esempio è il modo in cui i Negramaro utilizzano la voce”

Ogni produttore, quindi, ha un proprio modo di lavorare con l’artista; Bobo ha raccontato: "Principalmente non esiste una regola, specialmente nell'arte. La mia forza sta nel saper capire l’artista: mi considero più uno psicologo, capace di indirizzarlo nella scelta del sound. Mi piace molto comporre al momento. Di solito preparo una base a casa e poi la mando al rapper. Non seguo mai un metodo fisso e amo spaziare tra generi diversi.La sinergia si crea lavorando insieme”

Brail: "Condivido il riferimento alla psicologia: mi rappresenta molto, soprattutto quando lavoro con un artista che non conosco. Non sono un fan delle sessioni 'one day': prima di tutto, bisogna capire chi si ha di fronte, anche dal punto di vista umano, per poter produrre al meglio. È come essere un sarto: devi cucire un vestito su misura che l’artista possa indossare comodamente, facendolo sentire a suo agio. Prima ancora di accendere il computer, deve esserci un confronto umano. Mi capita anche di lavorare sulla parte testuale, in alcune occasioni. Ad esempio: quando ho collaborato con Mannarino, voleva aprirsi verso un mondo più elettronico. In quel caso, ho fatto una lunga ricerca prima di entrare in studio, cercando materiali e ispirazioni. Con Madame, invece, ci siamo trovati spontaneamente: ho buttato giù un giro di piano mentre lei scriveva, e da lì è nato un testo che si intrecciava in maniera imprescindibile con il suono. Quel pezzo aveva già una forte identità e non aveva bisogno di grandi interventi. Dal punto di vista della scrittura (melodia e testo), preferisco partire dalla chitarra. Le reference sono importanti, ma la parte più divertente è elaborare quegli spunti e trasformarli in qualcosa di unico e personale”. 

Estremo: "Accolgo gli artisti a casa mia, dove ho il mio studio, e questo aiuta a creare un ambiente confidenziale e rilassato. È fondamentale trovare una sinergia e un punto di unione: l'idea si costruisce quando si riesce a individuare questo punto di connessione. La voce è un vero e proprio strumento. Di solito inizio dal pianoforte, abbozzo delle melodie e osservo le reazioni degli artisti, ma spesso, una volta in studio, stravolgo tutto dopo aver registrato la traccia vocale. Trovo molto creativo e stimolante utilizzare la voce come campione o sample: in questo modo, diventa uno strumento a tutti gli effetti. Mi piace rompere un po' il mood generale dell’artista e portarlo nel mio mondo. Credo che il valore fondamentale di un produttore sia quello di valorizzare l’artista, lavorando sulle sue caratteristiche e sul suo range espressivo."

Negli ultimi anni molti produttori hanno pubblicato quelli che, per l’appunto, vengono definiti “producer album”. 

Estremo ha spiegato che sta lavorando a un producer album, ma ritiene che abbia senso farlo solo quando si ha un’idea chiara e qualcosa di nuovo da proporre. Ha osservato che spesso, dietro l’ondata di album dei produttori, manca una vera visione. Inoltre, ha sottolineato che realizzare un progetto di questo tipo comporta mettersi in prima linea e svolgere attività che, da semplice produttore, non si affrontano abitualmente.

Brail ha evidenziato che ogni produttore è diverso, e che alcuni sono anche artisti e riescono così a proporre qualcosa di personale. È un fan di chi riesce a "sparire", cioè di chi si adatta a ogni progetto e si identifica con un suono unico per ciascuno. Ha aggiunto che potrebbe immaginare un disco come un’indagine sul suono, una ricerca, ma ha escluso, almeno per ora, l’idea di realizzare un producer album nel senso classico del termine.

Bobo ha affermato di avere una visione musicale molto ampia e di considerare importante non "provare tanto per provare" quando si parla di producer album. Secondo lui, è fondamentale sapere chi si è e cosa si vuole fare. Non è interessato a pubblicare qualcosa di isolato, ma di preferire la costruzione di un percorso coerente, capace di lasciare il segno attraverso una ricerca sonora approfondita. Per lui, una volta che si conoscono le regole, si può anche decidere di romperle.

Non è mancata una riflessione sul futuro del suono.

Martina Giannitrapani: "Penso che riconoscibilità e differenziazione siano fondamentali sia per l’artista che per il suo sound. Con la quantità enorme di materiale presente sul mercato, è facile che i progetti si confondano tra loro e che si tenda a seguire ciò che ha già funzionato. Ciò che davvero rende unico un progetto, invece, è il modo in cui l’artista riesce a comunicare il proprio messaggio, rendendolo originale e diverso rispetto agli altri”.

Paolo Colavolpe ha aggiunto: "Non ho una sfera di cristallo per prevedere come si evolverà il panorama musicale, specialmente nel rapporto tra dimensione locale e globale. L’artista è come una spugna, si lascia ispirare da ciò che lo circonda. Mi piace immaginare un futuro caratterizzato da contaminazioni e crossover, dove le regole sonore vengono infrante e tutto smette di essere rigidamente incasellato. Sono certo che, in qualche modo, si arriverà a qualcosa di nuovo. Quando si raggiunge un punto di saturazione, chi ascolta sente il bisogno di novità, e prima o poi arriverà qualcosa capace di rompere quella diga, portando a un’evoluzione. La musica, così come l’arte, nasce da un’esigenza, e quando quel momento arriverà, sarà uno dei più emozionanti per il mercato”.

Il tema dell'educazione all'ascolto del pubblico è oggetto di un acceso dibattito tra i professionisti, ognuno con una prospettiva diversa.

Paolo Colavolpe ha espresso la sua contrarietà al concetto di "educare" il pubblico, ritenendo che non esista una distinzione tra musica alta e bassa. Secondo lui, parlare di educazione implica voler insegnare qualcosa, ma la musica nasce da esigenze profonde e spesso i musicisti più visionari sono quelli capaci di percepire e rispondere in anticipo ai bisogni degli ascoltatori.

Estremo ha sottolineato l'importanza della diversità, spiegando che essere diversi fa la differenza e che l'errore, spesso, è ciò che porta alla novità, generando stupore. Ha raccontato di dedicare molto tempo alla ricerca di qualcosa di unico e che possa appassionarlo, considerando questa pratica fondamentale.

Brail ha condiviso un’esperienza personale, raccontando di aver fatto scoperte importanti proprio sbagliando in studio. Per lui, la creatività nasce anche dal remixare il passato e vivere il presente con uno sguardo aperto, traendo ispirazione da ambienti inaspettati, come un museo. Ha aggiunto che le opere più memorabili sono quelle che suscitano sorpresa e spingono il pubblico a chiedersi di cosa si tratti, garantendo così la loro permanenza nel tempo.

Bobo ha evidenziato che anche nel rap è sempre necessario introdurre qualcosa di nuovo, definendo il processo creativo come un riciclo continuo. Ha ribadito che sbagliare è fondamentale per andare avanti, sottolineando l’importanza di come si reagisce agli errori e agli eventi nella musica e nella vita.

L'evento è stato organizzato da&nbsp;Believe e&nbsp;M.A.S.T.

MMW24, il panel "Speed Of Sound: La viralità nasce dal suono"

Con Brail, Bobo ed Estremo insieme a Martina Giannitrapani e Paolo Colavolpe

La musica non è solo espressione artistica o uno strumento di intrattenimento, ma è un bene economico strategico, in grado di influenzare mercati, plasmare carriere e trasformare interi settori industriali.&nbsp; 

In occasione dell’edizione 2024 della MMW viene annunciata la seconda edizione dello studio di settore “La Musica che Conta”, promosso da AFI in collaborazione con Fondazione Assolombarda. L’analisi, relativa al mondo delle etichette indipendenti, restituisce all’industria discografica una visione razionale e analitica, capace, nell’esplorare gli scenari economici del settore, di tenere in considerazione anche e soprattutto il contesto nazionale. 

L’incontro, presentato da AFI e Fondazione Assolombarda, ha visto come relatori: Sergio Cerruti – Past President di AFI | Presidente della Commissione Affari Legali ed Istituzionali di AFI | CEO di Just Entertainment; Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi, Territorio e Ambiente di Assolombarda; Federico Bagnoli Rossi – Presidente FAPAV; Chiara Santoro – Music &amp; Tech Executive | Strategy Advisor | Editor in Chief, AIRIA 

“Siamo orgogliosi di presentare la seconda edizione di questa analisi “La musica che conta”, una innovativa iniziativa presentata lo scorso anno e che ora approfondisce ancor più l’analisi.” Così dice Sergio Cerruti presentando un veloce estratto dei dati contenuti nello studio di settore. 

“I numeri sono fantastici - prosegue - ma vanno analizzati per contrastare un’informazione che può essere distorta, che può fargli assumere un valore e significato diverso.” Dunque il Centro Studi di Assolombarda ha elaborato i dati grezzi forniti da GFK aggregandoli, pronti per essere capiti ed interpretati correttamente da chi è deputato a farlo, cioè l’industria. 

Il primo dato che fornisce Cerruti è positivo. “L’89% italiani (con età superiore ai 14) ha un’interazione con la musica che vuol dire un + 1% rispetto allo scorso rilievo. Nel periodo del Covid - prosegue Cerruti - c’è stato un forte incremento (poi mantenuto) delle strutture deputate all’audiovisivo, essendo costretti a stare chiusi in casa. Ma il post pandemia ha confermato questo trend di crescita.” Lo studio poi passa ad analizzare le modalità di fruizione della musica: “il mezzo più diffuso per l’ascolto in Italia è la radio. Seguono poi lo streaming on line, i canali televisivi musicali, includendo anche le trasmissioni sulle tv generaliste, seguono i vinili e lo streaming a pagamento con scarico. Infine - conclude Cerruti - resta una quota marginale per il semplice download.” 

L’analisi poi si sposta sul mondo delle piattaforme, la cui fruizione ha uno stretto legame con l’anagrafe. I maggior numero di contatti in assoluto sono generati da YouTube (26,8% dello streaming), a cui accedono i più anziani, mentre Spotify è la più “frequentata” dalle giovani generazioni. Tra le due piattaforme si colloca Tik Tok.&nbsp; 

Dopo questi dati, il focus si sposta sul mondo dell’industria musicale nell’era digitale con l’intervento di Chiara Santoro che ha lavorato a Youtube e che con i suoi tredici anni in azienda, prima di rivolgersi ad altre sfide professionali, ha “vissuto la trasformazione digitale dal di dentro”.&nbsp; 

“Nel mercato della musica digitale possiamo identificare cinque aree specifiche. La prima - dice Chiara Santoro - è la comprensione degli intenti e gradimento dei consumatori/fan. Capisci come cambiano le loro esigenze analizzando i social e i commenti. Cosa che prima non potevi fare. Il fatto che la musica digitale sia distribuita sulla piattaforme permette una maggior integrazione di esperienze per i fruitori, esperienze sempre più ampie e collegate tra loro anche attraverso gli strumenti a disposizione. L’esempio - dice Chiara forte della sua esperienza e conoscenza - è vedere come Youtube è cambiato nel tempo con accesso delle label e degli artisti e altre implementazioni. Questo influisce anche sull’area della competizione tra le diverse piattaforme.”&nbsp; 

Tornando ai dati l’ex Youtube fa notare che “ora sono molto più facili e veloci da ottenere e consultare e queste informazioni possono essere trasformate in azioni sul mercato. Questo influisce anche sulla sfera di come stare sul mercato. Infine l’innovazione è più facile rispetto al “fisico”. Infine con il digitale cresce la facilità di sperimentazione che può essere fatta sia dalle label che dagli artisti stessi oltre che dalle medesime piattaforme.” 

Il terzo intervento è di Federico Bagnoli Rossi, il quale si occupa di pirateria audio e video che fa notare che questo problema, presente anni fa, ora nella musica è quasi assente, mentre affligge maggiormente l’audio video e il mondo delle Tv. “Abbiamo però creato uno spot che andrà prossimamente in visione, in cui uniamo in un unico promo un invito a lottare contro il fenomeno.” 

Chiude il panel l’intervento di Valeria Negri – Direttrice Settore Centro Studi di Assolombarda - colei che lo studio l’ha elaborato. La direttrice fornisce una confortante analisi riguardo agli introiti dell’industria musicale entrando in dettagli specifici molto economici. “I numeri non dicono tutto ma molto - afferma - Lo studio non deve solo contare ma misurare e quantificare per dare un valore ai numeri stessi.” Ecco allora che dall’analisi emerge che la quota PIL dell’industria musicale è notevolmente incrementata grazie a tutta la filiera a monte ed è ancor di più corposa se si aggiunge l’indotto a valle. Il tutto viene quantificato in più di 260 milioni di euro sul PIL. 

Dallo studio spiega Valeria Negri emergono le tre “V” del settore: “vitalità” (perché al netto del successo del periodo Covid è un settore in forte crescita rispetto al pre covid), “varietà” (imprese diverse con business model diversi, di dimensioni diverse, realtà nuove o storiche) e “vicinanza” (con una grande diffusione sul territorio delle imprese del mondo musicale). 

In chiusura Sergio Cerruti, dopo avere mostrato l’anteprima cartacea dello studio annuncia che, una volta sistemati piccoli o grandi refusi, l’elaborato sarà, “non prima del 1 dicembre” disponibile per la consultazione direttamente on line.

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MMW2024: lo studio di settore sul valore della musica. I dati

La lettura dei numeri per dare un peso alla musica intesa come mercato e bene economico 

Il secondo segmento del Music Publishing Day (tenutosi oggi - giovedì 21 novembre - presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco), evento dedicato all’editoria musicale in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, ha avuto come focus il tema più discusso dall’industria musicale (e non solo) nell’ultimo anno: l’intelligenza artificiale generativa.

Nella premessa alla discussione Pietro Villani, Communication Officer di ICMP, ha chiarito quale sia il razionale dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/ai-act-495842">AI Act europeo</a>, ovvero “prima pensare alla protezione delle opere, poi al profitto che possono generare venendo sfruttate, per fare in modo che musica e intelligenza artificiale possano coesistere". “Non siamo contro l'AI, ma per un'innovazione tecnologica e legale, ovvero che preveda la stipula di licenza”, aggiunge: “In presenza di tanti esempi di violazione, come quelle&nbsp;di OpenAI, che usa materiale protetto da copyright per il training senza le licenze necessarie considerando l’utilizzo del contenuto pubblico sul Web come fair use, l’AI Act&nbsp;è la prima legge a livello globale che si propone di regolare questo settore”. Entrata in vigore il primo agosto 2024, la norma - per ragioni tecniche - si applicherà con un certo ritardo: dal 2 agosto 2025 per i modelli generativi ancora non sul mercato, e dal 2 agosto 2026 per quelli già operativi, con sanzioni che andranno da 8 milioni di euro (o dell’1,5% del fatturato globale dell’azienda responsabile dell’infrazione) a 36 milioni (o del 7% del fatturato globale)”.

“Abbiamo scritto a più di 3000 società di sviluppo di modelli di AI generativa dicendo che non c'era l'autorizzazione per utilizzare i repertori che gestiamo per il training”, spiega Nicola Migliardi, COO di SIAE: “E’ un compito difficile, perché non sappiamo quale sarà la piattaforma leader del futuro”. “Nessuna ci ha risposto”, aggiunge, spiegando come il testo approvato dimostri, almeno fino a ora, scarse capacità di deterrenza: “Come Società Italiana degli Autori ed Editori siamo coinvolti nei lavori del disegno di legge italiano sull'AI, chiedendo trasparenza, ovvero l’obbligo reporting e rendicontazione da parte delle aziende, e un’inversione del processo che ribaldi la logica dell’opt-out. <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748084/collecting-e-intelligenza-artificiale-gema-fa-causa-a-openai">La GEMA, facendo causa a OpenAI</a>, ha dimostrato che anche le collecting si stanno muovendo, in questo senso”.

“Quello che oggi si può fare con l'AI rende, oggi, il ruolo dei compositori per il cinema irrilevante: ci possono mettere in un angolo”, avverte Pivio, autore di tante fortunate partiture per il grande schermo: “L'unica cosa che l’AI non è capace di fare è sbagliare: l'errore, ormai, è l'unica cosa che ancora caratterizza il lato artistico umano. Con 30 euro - il costo dell’abbonamento a uno di questi modelli - si può ottenere un risultato qualitativamente molto alto, e associarlo a immagini, sempre con un'altra applicazione basata sull’intelligenza artificiale. Sono molto preoccupato per quello che succederà da oggi in poi, a meno che non si trovi il modo di permettere un utilizzo intelligente della tecnologia. E' importante mettere in gioco un atteggiamento etico, anche a livello istituzionale: bisogna puntare su un ragionamento collettivo che faccia capire, in prospettiva, cosa significhi utilizzare l'AI. Ma in quanti sono disposti a non aggirare questo ostacolo?”.

“Prima mi faceva paura, l'AI: oggi, un po’ meno”, ammette il Managing Director di BMG Italy Dino Stewart: “Dopotutto la paura è il primo modo che l’uomo ha a disposizione per elaborare un piano di difesa. Nell'industria musicale, tuttavia, la paura ha sempre fatto dei danni. Tutto, dai sintetizzatori ai campioni, faceva paura: poi i publisher hanno aperto uffici apposta per licenziare campioni. Sapere che oggi che una cornice legislativa volta a tutelarci mi rende meno pauroso. Però c'è il discorso etico: oggi siamo in una fase di estrema curiosità, e l'approccio di oggi è che tutto quello che è legato all'AI è cool e fuori dal normale, e questo è il vero pericolo, che forse cambierà quando l'AI diventerà una routine”.

“Stiamo parlando della relazione con big tech molto più grandi di noi: ci vorrà molta determinazione per riuscire a farci sentire”, aggiunge Francesca Trainini, AD di Peermusic e Peer Southern Productions e presidente di IMPALA: “L'AI Act è uno strumento validissimo, che ci viene invidiato e copiato, e ci deve rendere orgogliosi. Ma questa normativa deve essere messa in pratica. Le big tech guardano alla musica come servizio, un approccio molto diverso da quello che caratterizza il nostro modello di business: c'è da riconciliare queste due visioni, e non sarà semplice. Enzo Mazza (CEO di FIMI, ndr) dice che con le big tech è sempre opportuno negoziare, ma con la pistola sul tavolo”.

Parlando delle applicazioni positive dell’AI in ambito editoriale, il CEO di Machiavelli Music Pietro Giola trova che ci siano “soluzioni non generative molto utili per scegliere tra i cataloghi, velocizzando la creatività" nei processi di sincronizzazione. Nel caso, tuttavia, l’AI inizi a porsi come "sostitutivo della creatività, allora diventa un problema. Le big tech non hanno persone come investitori con sensibilità sulla creatività: le big tech vedono le licenze come un rallentamento, credendo di poter imporre le proprie scelte in virtù della ricchezza”.

ICMP, spiega Villani, ha un progetto “destinato a proteggere tutte le società musicali dal text e data mining, il Rights Reservation in Music. A tutti i nostri associati consigliamo di riservare i loro diritti, impedendo lo scraping. La piattaforma RightsandAI.com si basa non solo sulle leggi europee, ed è operativa a livello internazionale: dice che non può esserci uso senza licenza, compenso e consenso per gli aventi diritto. Tutto ciò, in ogni caso, non preclude alle società che diano la propria adesione in futuro di stipulare contratti con società di AI”.

"Abbiamo bisogno di qualità, non di quantità”, conclude Migliardi: “Oggi non abbiamo bisogno di produttività, non ci servono milioni di canzoni in più, quindi in futuro ci sarà più bisogno di intelligenza emotiva che di intelligenza artificiale”.

MMW24, publishing: AI generativa o creatività originale?

Il dibattito sull'intelligenza artificiale anima il Music Publishing Day al Castello Sforzesco

Si è tenuta oggi, giovedì 21 novembre, presso la Sala Viscontea del Castello Sforzesco e all’interno del Music Publishing Day organizzato in seno all’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, la presentazione dei dati relativi al mercato editoriale italiano riferiti dal primo Music Publishing Survey dell’International Confederation of Music Publishers, entità che accorpa a livello internazionale editori musicali major e indipendenti.

I risultati completi dell’indagine, condotta sui 15 maggiori mercati a livello globale, saranno resi noti tra la fine del 2024 e l’inizio del prossimo anno. Per quanto invece riguarda il nostro Paese, il valore complessivo dell’editoria musicale italiana (basato sui dati forniti a ICMP da SIAE e dalle tre principali associazioni di categoria del settore, FEM, ANEM ed Emusa) è stato stimato 275 milioni di euro. Di questi, 189 sono ascrivibili agli incassi indiretti, ovvero intermediati da SIAE, e 85 da incassi diretti, ovvero frutto di accordi stipulati direttamente dagli editori con gli utilizzatori (come, per esempio, nel caso delle sincronizzazioni).

Riguardo le linee di ricavo del settore editoriale italiano, il 20% degli incassi totali è stato generato dal consumo digitale di opere, il 28% dalle sincronizzazioni, il 5% dalla copia privata, il 5% dalla riproduzione meccanica e il 44% dalla pubblica esecuzione: l’85% del totale è stato generato in Italia, e il 15% all’estero. Pietro Villani, Communication Officer di ICMP, ha osservato come l’Italia abbia ancora ampi margini di crescita in questo comparto, perché decisamente più performante rispetto al passato.

Toni Verona, presidente di ANEM, concorda con Villani: “La nostra attività prima ci consentiva di operare a livello nazionale: oggi, con la digitalizzazione, il nostro mercato è il mondo, cosa che mi rendo molto ottimista per il futuro”. Senza contare, osserva Paolo Franchini, presidente di FEM, che “parte degli incassi SIAE sono stati raccolti nel 2022, anno ancora intaccato dalla ‘coda’ del Covid. Sarà interessante paragonare i risultati di anno in anno per vedere se saremo stati capaci di correggere la rotta dove ci siamo rivelati meno performanti”. Di dati “ottimi, rispetto al valore del mercato di qualche anno fa” parla Carlo Solaro, presidente di Emusa, che si aspetta - per il prossimo anno - un aumento dai segmenti di digitale e pubblica esecuzione.

“Quello dell’Italia è un buon risultato”, spiega Villani: “Pur dietro a giganti del settore come USA e UK, l'Italia è nei primi sei mercati a livello internazionale come incassi - secondo i dati forniti da CISAC, e al primo posto nel mondo per tasso di crescita su base annua tra il 2022 e il 2023 come raccolta di diritti di pubblica esecuzione”.

Ci si attende una crescita soprattutto all’estero, dove - dice Solaro - “la musica italiana è molto apprezzata, e - quindi - ancora più meritevole di essere tutelata”. “La dance made in Italy è stato il primo esempio di esportazione vincente, grazie alla visione di alcuni imprenditori con una visione illuminata”, rilancia Verona: “Perché non fare la stessa cosa oggi? Si potrebbe trattare la musica come un brand, come oggi già vengono trattati moda e cibo. E' una forza di tipo culturale, ma il settore dovrebbe essere più coeso per portare avanti discorsi di questo tipo”.

Allineato alla linea “fare sistema” è anche Solaro, per il quale, “sotto l'ombrello di ICMP”, occorre “essere presenti nel mercato e cercare di tutelare i diritti guardando avanti, a nuove tecnologie e nuovi paesi, senza mai accomodarci sugli allori”.

La missione, conclude Franchini, resta quella di “difendere l'identità culturale dei nostri repertori, che nonostante l'invasione della musica anglo-americana sono stati capaci di occupare completamente le top ten delle nostre classifiche di vendita”. Considerando, inoltre, che “i repertori italiani all'estero sono tra i più amati: abbiamo delle opportunità di crescita su quel fronte, quindi autori e aziende è bene che si tolgano di dosso qualsiasi complesso di inferiorità. Abbiamo una società degli autori competitiva e efficiente a livello globale, in grado di darci tutti gli strumenti per raggiungere i nostri obiettivi”.

MMW24, il Music Publishing Survey di ICMP

I numeri del mercato editoriale italiano, e le sue prospettive future

Com'è ormai noto, venerdì 27 giugno è in uscita&nbsp;"Tracks II: The Lost Albums", una raccolta&nbsp;di&nbsp;sette album inediti di Bruce Springsteen. Disponibile tra l'altro in una ricca edizione&nbsp;limitata in formato&nbsp;9 LP, 7 CD e digitale, con packaging distintivo per ciascun album inedito e un&nbsp;libro rilegato in tessuto di 100 pagine&nbsp;che include&nbsp;foto d'archivio rare, note dettagliate su ogni album scritte dal saggista Erik Flannigan e una presentazione personale del progetto firmata da Springsteen stesso.&nbsp;Per l'occasione, molte iniziative di marketing sono state approntate a beneficio dei fan del Boss. Tra cui una dedicata ai negozi di dischi.

Per l'occasione, infatti, più di 30 negozi di dischi in tutta Italia apriranno&nbsp;in via&nbsp;straordinaria anche giovedì 26 sera, attendendo la mezzanotte insieme ai fedelissimi di Bruce.&nbsp;Durante la serata, chi acquisterà “Tracks II: The Lost Albums” o “Lost And Found: Selections From The Lost” (la versione condensata del corpus, che contiene solo alcune tracce selezionate)&nbsp;riceverà in omaggio merchandise esclusivo&nbsp;(fino ad esaurimento scorte).&nbsp;

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30 negozi di dischi apriranno la sera per Bruce Springsteen

Si tratta di un'operazione di marketing per il lancio di “Tracks II: The Lost Albums” 

Andare oltre il semplice concerto per diventare esperienza. Questo l’obiettivo che gli organizzatori si sono posti per <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/la-notte-di-certe-notti-ligabue-campovolo-2025-505306">“La notte di certe notti”</a>, quinto passaggio a Campovolo di Luciano Ligabue che, sabato 21 giugno, <a href="https://www.rockol.it/news-752691/ligabue-concerto-notte-certe-notti-campovolo-2025-canzoni-scaletta">ha celebrato - oltre ai trent’anni di “Buon compleanno Elvis - il ventennale del primo Campovolo (e dell’album “Nome e cognome”) e i trentacinque anni di carriera del cantautore di Correggio</a>. “E’ decisamente qualcosa di più di un semplice live”, spiega Ferdinando Salzano, patron di Friends &amp; Partners che con Zoo Aperto (la società che fa capo all’artista) e Double Trouble (agenzia di management di Max Brigante e Jacopo Pesce), ha coordinato l’evento: “Ci siamo fatti questo regalo, allestendo un unico contenitore dedicato in toto a Luciano”.

Un’esperienza che ha previsto l’apertura dell’area della RCF Arena per oltre 48 ore - dalle 12 di venerdì 20 giugno alle prime ore di domenica mattina, con la giornata di venerdì aperta a tutti, anche a chi non possiede il biglietto per il concerto - e che ha offerto, oltre al palco, anche la Liga Street, area dedicata alla ristorazione, alle attività collaterali (esibizioni di tribute band, cinema all’aperto, intrattenimenti sportivi, un toro meccanico, food truck con oltre 20 menù diversi, un museo con memorabilia e una galleria fotografica e una sala giochi con otto flipper tematici dedicati a Ligabue) e ai talk con i più fidati collaboratori dell’artista.

Il format sarà replicato, come serie di eventi “unici e preziosi”, sia in Italia che all’estero. Dopo la tappa del prossimo 6 settembre alla Reggia di Caserta, “La notte di certe notti” partire per un tour europeo di otto date (a Barcellona, Madrid, Parigi, Londra, Utrecht, Bruxelles, Lussemburgo e Zurigo), per poi approdare nel nord Italia il prossimo 20 giugno allo stadio Meazza di San Siro, a Milano. “Ieri sera, girando per la Liga Street, ci siamo accorti che questa festa sta andando oltre ogni aspettativa”, spiegano Salzano e Marco Ligabue, stimando in almeno 10mila unità l'affluenza di pubblico nella serata di venerdì: “Sull’onda dell’entusiasmo ci siamo confrontati anche con Luciano e abbiamo pensato di portare questa festa anche al nord, nel primo stadio che ha ospitato un suo concerto".

“Lo spirito era cercare di fare qualcosa di più dei ‘vecchi’ Campovolo”, ha precisato Marco Ligabue, fratello di Luciano, a capo di Zoo Aperto e animatore del suo fan club: “Abbiamo previsto anche un’area dedicata ai bambini. E ci siamo impegnati perché la Liga Street fosse anche bella da vedere, con dei truck food al posto dei tradizionali stand”. Grande attenzione è stata riservata anche alla sostenibilità, con una porzione apposita dello spazio dedicata alle associazioni solidali - tra le altre, La Collina, comunità di recupero diventata anche azienda agricola biologica - e un corner riservato a Charity Stars, piattaforma che ha messo online quattro cimeli appartenuti a Ligabue il cui ricavato dalle vendite sarà interamente devoluto alla stessa La Collina.

Riguardo l’affluenza, per Salzano “tutto è andato secondo i piani”, con 100mila biglietti venduti e operazioni in partnership con Eventinbus (che ha operato transfert da oltre 250 città italiane) e Frecciarossa, che ha approntato treni speciali. Parlando di prevendite, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752674/live-salzano-fandp-perdere-l-ossessione-per-il-sold-out">ineludibile è stato il tema dei sold out “forzati” da svendite e omaggi di tagliandi</a>, fenomeno non nuovo agli addetti ai lavori portato all’attenzione del grande pubblico pochi giorni fa da un <a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">post social di Federico Zampaglione</a>. “E’ una pratica completamente scorretta”, osserva il fondatore di F&amp;P: “Credo, tuttavia, che ci sia stato in certo gigantismo nella descrizione di quanto avvenuto da parte dei media. Gli artisti non sono pupazzi o burattini, ma teste pensanti autonome nelle proprie decisioni. Una cosa è certa: i biglietti devono mantenere i prezzi che hanno nel momento in cui vengono annunciate le prevendite. Poi, certo, i tagliandi resi disponibili a prezzi speciali per alcune categorie sono sempre esistiti, ma con numeri limitatissimi”.

“La mia politica con Friends &amp; Partners, e quella di Ligabue, è sempre stata quella di negare i biglietti omaggio, anche per i contest delle radio - come, per esempio, quello attivato in questi giorni per il reunion tour degli Oasis, che di certo non ha problemi in termini di vendite”, prosegue Salzano: “Considerate che la Liga Street, alle aziende partner, è costata 350mila euro. E che noi, a entità come Pizzaut, abbiamo garantito un contributo economico”. Niente isterie o sensazionalismi, dunque, soprattutto da parte di chi lavora dietro le quinte dei grandi eventi. “Se questa vicenda ci ha insegnato qualcosa”, spiega Salzano, “è che occorre una grande cautela nell’utilizzare la parola sold out. E noi organizzatori dovremmo perdere l’ossessione per il ‘tutto esaurito’. Non credo alla narrazione fatta trapelare dai media di un settore in sofferenza. Al contrario: il mercato della musica dal vivo è florido, e a dirlo sono i dati comunicati da SIAE. Quindi non vedo nubi all’orizzonte. E’ importante che il messaggio sia arrivato, anche in modo molto chiaro: tutti dobbiamo darci una regolata, e le informazioni vanno date in modo corretto. Ma non è il caso di credere ad allarmismi. Il pubblico è felice di andare ai concerti, e i promoter continuano ad annunciare date”.

“Il fatto è che il mondo della musica dal vivo è diventato maledettamente competitivo”, ribadisce lo stesso Ligabue nel corso dell’incontro con la stampa nel backstage: “Se da un giorno all’altro, dal provino in casa, non arrivi il giorno dopo a fare uno stadio, sembra ci sia qualcosa che non va. Ci deve essere invece un tempo di maturazione e quindi, se queste tecniche&nbsp;esistono veramente e sono messe in atto, non fanno bene di sicuro né alla musica né agli stessi artisti.”.

Sul concept di “La notte di certe notti”, Ligabue è assolutamente allineato con il proprio staff. “Si può dire che Campovolo ci sfuggì quasi di mano, la prima volta”, spiega l’artista: “Lo organizzammo con due agenzie - Friends &amp; Partners e Barley Arts - e nessuno immaginava potesse arrivare tanta gente. E’ vero, il set up con quattro palchi non funzionò. Ma ricordo le facce delle prime file del pubblico durante l’ultima canzone in scaletta, ‘Urlando contro il cielo’: le ho ancora davanti agli occhi, fotogramma per fotogramma. Via via che si sono fatti gli altri Campovolo, ogni volta c’era la sensazione che la festa non si esauriva con il concerto, e da qui è partita l’idea di questi due giorni di festa”.

Indispensabile, per Ligabue, è stato il lavoro con il suo team. “Abbiamo lavorato sodo tutti”, ha aggiunto l’artista: “Siamo arrivati a questo risultato grazie a un continuo confronto con una squadra nella quale ripongo totale fiducia. Il concept di Las Vegas, per esempio, è stata un’idea di Double Trouble”.

La venue che ospita “La notte di certe notti”, la RCF Arena, ultimamente è stata messa in discussione - soprattutto a livello locale - per lo scarso numero di show ospitati. “Sono convinto che resti una delle location all’aperto più belle d’Europa”, chiarisce Salzano (che oggi con F&amp;P non si occupa più della programmazione, affidata alla società C.Volo): “Fu progettata come un sogno partorito dalla mente di Claudio Maioli (l’ex manager di Ligabue, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742625/claudio-maioli-si-ritira-va-in-pensione-il-manager-di-ligabue">andato in pensione lo scorso anno</a>, ndr) - non c’era la stessa competizione che c’è oggi nell’offrire spazio per mega-concerti outdoor. Poi il settore del live è esploso, e quello che è successo lo sappiamo tutti. Premetto di non essere più coinvolto nella programmazione della venue, ma posso dire che gli artisti internazionali che si sono esibiti qui sono rimasti assolutamente colpiti dalle qualità dell’Arena. Sono sicuro che in futuro decollerà, ma non aspettatevi un gran numero di show, perché non sono tanti gli artisti a potersi permettere uno spazio del genere”.

Nella setlist della “Notte di certe notti” non è mancata “Il mio nome è mai più”, brano scritto e interpretato da Ligabue con Jovanotti e Piero Pelù pubblicato nel 1999 i cui proventi dalle vendite furono interamente devoluti a Emergency. Data l’attenzione all’attualità riservata da Ligabue per il suo quinto Campovolo, è ipotizzabile il ripetersi di un’operazione del genere? “Le canzoni si possono scrivere per esprimere la propria indignazione, ma non è detto che possano avere lo stesso effetto, data la massa di informazioni dalla quale siamo sovrastati oggi”, spiega Ligabue: “Quando uscì ‘Il mio nome è mai più’ si vendevano ancora i dischi, e grazie alle vendite della canzone (che si piazzò in testa alla classifica dei singoli più venduti nel 1999 in Italia, ndr) pagammo a Emergency due ospedali in Afghanistan. Oggi non sono sicuro che con lo streaming, anche con chissà quanti milioni di ascolti, sia possibile fare la stessa cosa. Nel 1999, poi, usciva un millesimo della musica che esce adesso. Oggi i singoli durano una o due settimane, un mese e mezzo quando va bene: il segno che&nbsp;riescono a lasciare è diverso”.

Per l’occasione a Ligabue è stata consegnata la targa SIAE per “Certe notti” come brano presente nella top ten delle canzoni più eseguite dal vivo nel 2024, con 32.213 performance registrate dai borderò della collecting lo scorso anno. “Come SIAE siamo orgogliosi di consegnare a Luciano Ligabue il deposito di una canzone che continua ad avere un grande successo: ancora lo scorso anno Certe notti era nella top ten delle&nbsp;canzoni più eseguite in Italia con 32.213 performance”, ha commentato il Presidente della Società Italiana degli Autori ed Editori Salvatore Nastasi: “Grazie per aver scritto un pezzo che ci fa sentire complici, ribelli, veri. Grazie per aver scritto un pezzo che non si ascolta, ma si vive. Ogni volta che la notte chiama”.

Ligabue

Ligabue, dietro le quinte di ‘La notte di certe notti’

100mila presenze per ‘un regalo all’artista’ che sarà replicato, in Italia e all'estero

Con la reunion degli Oasis, ormai il tour è sempre più vicino, la band di Manchester ha annunciato una collaborazione ufficiale con Adidas per una linea di abbigliamento celebrativa, disponibile durante il tour mondiale e nei canali ufficiali del brand. A Manchester è stato aperto anche uno store, <a href="https://www.oasisitalia.it/blog/prime-foto-esclusive-del-primo-pop-up-store-di-manchester-e-ci-sono-delle-sorprese">le cui foto sono diventate immediatamente virali come racconta Oasis Italia</a>. L’iniziativa, intitolata “Original Forever”, segna il primo vero incontro tra il gruppo e il colosso tedesco dell’abbigliamento sportivo, nonostante un legame estetico e culturale che dura da oltre trent’anni. La capsule Oasis Live ’25 x Adidas Originals include capi ispirati agli anni ’90, reinterpretati in chiave moderna: tracksuit, jersey a maniche raglan, bucket hat, coach jacket, disponibili in versione bianca, nera e blu. 

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Il vice presidente del marchio, Chris Walsh, ha dichiarato: “Adidas e Oasis condividono una storia definita da originalità e impatto culturale, con radici profonde nel tessuto della musica e dello stile. Questa collaborazione ufficiale non è solo l’unione di due icone, ma la celebrazione di un pezzo intramontabile di storia della cultura musicale. Con Original Forever, continuiamo a costruire sull’eredità di Adidas nella musica, rendendo omaggio al ruolo che lo stile gioca nella cultura di ogni generazione.” La collezione viene lanciata proprio in concomitanza con il tour Oasis Live ’25, che segnerà la prima volta dal 2009 che i fratelli Gallagher torneranno insieme su un palco. Lo spot promozionale della campagna, sulle note della celebre “Live Forever” tratta dall’album di debutto “Definitely Maybe” (1994), ripercorre la storia del gruppo con un taglio nostalgico ma contemporaneo.

Oasis

Oasis e Adidas insieme: il merch per celebrare la storia

L’operazione è stata lanciata da uno spot e a Manchester è stato aperto uno store.

In attesa dell’esito del negoziato tra Comune di Sanremo e RAI in merito all’organizzazione del prossimo Festival della Canzone Italiana, il settore discografico - che da anni reclama un trattamento economico più equo da parte dell’amministrazione cittadina e del servizio pubblico - ha lanciato un ultimatum alle controparti: se la RAI accetterà - come previsto dal bando oggetto trattative in questi giorni - di aumentare il corrispettivo da versare al Comune di Sanremo a discapito delle aziende partecipanti all’evento, le etichette potrebbero entrare in sciopero e decidere di disertare il teatro Ariston. A dichiararlo, a Fanpage, è Enzo Mazza, CEO di FIMI, associazione di categoria che rappresenta in Italia le multinazionali discografiche.

Per Mazza è inaccettabile che al Comune venga aumentato il corrispettivo a fronte di una situazione di sofferenza pregressa del comparto della musica registrata:

<blockquote>
“Gli unici due soggetti che investono sull’evento sono RAI e l’industria discografica, la cui produzione dei brani in gara alimenta un’intera filiera. (...) L’unico soggetto che in modo parassitario beneficia di questi investimenti è la città di Sanremo, i cui investimenti sono assenti e punta soltanto a massimizzare dal punto di vista turistico e di immagine l’evento. Sarebbe veramente il colmo che RAI aumentasse il corrispettivo per il Comune di Sanremo e addirittura desse una percentuale dei ricavi pubblicitari”.
</blockquote>

Quindi, da parte di Mazza, l’annuncio dell’aut aut. Se RAI e Comune non dovessero tenere conto dei costi sostenuti dalle etichette per partecipare al Festival - in media “120mila euro ad artista a fronte di un contributo di RAI inferiore ai 65 mila euro” - FIMI non esiterebbe a disertare la manifestazione:

<blockquote>
“Siamo pronti disimpegnarci e a tirarci indietro”
</blockquote>

Quello minacciato da Mazza non sarebbe il primo “boicottaggio”, da parte della discografia, nella storia del Festival: più che quello del 2004, quando a far fare un passo indietro alle case discografiche furono dissidi con l’allora organizzatore della manifestazione Tony Renis, un precedente di quanto rischierebbbe di&nbsp;succedere il prossimo mese di febbraio potrebbe essere rintracciato nell’edizione del 1975, quando le label rifiutarono di far scendere in gara artisti di punta lasciando il concorso ad artisti emergenti o poco noi. Come ricostruito da Eddy Anselmi nel volume “Il Festival di Sanremo” (De Agostini, 700 pagine, 2020), “alle case discografiche che chiedono di mantenere una categoria di interpreti affermati da inviare direttamente in finale, l’assessore Cavaliere (al quale era stata affidata la supervisione dell’evento, ndr) oppone un secco rifiuto, imponendo, al contrario, agli autori di presentare provini solo strumentali per valorizzare meglio le canzoni e non influenzare la commissione. Gli industriali del disco reagiscono privando il festival dei ‘big’”. L’edizione fu vinta da Gilda con il brano “Ragazza del sud”, seguita Angela Luce (con “Ipocrisia”) e Rosanna Fratello (con “Va’ speranza va’”).

Sanremo 2026, FIMI: ‘Pronti a tirarci indietro’

Discografici in polemica con il Comune, che ‘beneficia degli investimenti in modo parassitario’

Margherita Gnech è stata nominata nuovo Managing Director di Sony Music Publishing Italia, la divisione editoriale della major <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751349/sony-music-publishing-italia-lascia-roberto-razzini">guidata, fino alla metà dello scorso mese di aprile, da Roberto Razzini</a>.

Come Managing Director, Gnech sarà responsabile della supervisione delle attività creative e commerciali di Sony Music Publishing Italia, “guidando - come precisato dall’azienda in una nota - la crescita e l'innovazione dell'azienda in uno dei mercati musicali più dinamici d'Europa”. Operativa dagli uffici di Milano, Gnech riporterà direttamente al Presidente Internazionale di Sony Music Publishing Guy Henderson.

“Assumere il ruolo di Managing Director è un traguardo significativo nel mio percorso professionale, del quale vado fiera”, ha dichiarato Gnech: “Credo in un modello di editoria musicale audace, collaborativo e profondamente impegnato a mettere al primo posto gli autori. Sono entusiasta di guidare questo nuovo capitolo insieme a un team di colleghi di eccezionale talento, la cui passione e dedizione sono al centro di tutto ciò che facciamo”.

“Margherita porta con sé un ampio ventaglio di competenze e, per il ruolo che va a ricoprire, un’intelligenza rassicurante”, ha aggiunto Henderson: “Ha una visione chiara del futuro creativo della nostra azienda e darà un contributo fondamentale al settore dell'editoria musicale in Italia. Le sue relazioni all'interno della nostra rete globale saranno fondamentali per continuare a espandere la presenza dei cantautori italiani nel mondo”.

Durante la sua permanenza in azienda, Gnech - precisa Sony Music Publishing - “ha svolto un ruolo fondamentale nel crescente successo dell’azienda in Italia, costruendo un dipartimento legale e commerciale di eccellenza e offrendo un approccio audace e collaborativo ai servizi di songwriting della nostra società”.

Laureata in Giurisprudenza all’Università Cattolica di Milano nel 2015, con Master in Tech Law &amp; Digital Transformation presso la TopLegal Academy nel 2019, Gnech - dopo un periodo di apprendistato presso gli uffici milanesi dello studio Osborne Clarke terminato nel 2018 - ha debuttato professionalmente come Associato presso Simmons &amp; Simmons, dove si è occupata di Technology, Media &amp; Telecommunications e Data Protection. Nel 2020 è entrata nell’organico di Sony Music Publishing Italia, dove fino al 2023 ha ricoperto il ruolo di Senior Legal &amp; Business Affairs Manager, per poi passare all’incarico di Head of Business &amp; Legal Affairs.

Sony Music Publishing Italia, Margherita Gnech è la nuova MD

La nomina ‘interna’ della già Head of Business & Legal Affairs

Regalare o vendere biglietti a prezzi fortemente scontati per riempire le grandi venue? “E’ una pratica completamente scorretta”. A dichiararlo è Ferdinando Salzano (nella foto, alla sinistra di Marco Ligabue, fratello di Luciano), fondatore di Friends &amp; Partners, a margine di “La notte di certe notti”, il mega-evento che - domani, sabato 21 giugno - avrà per protagonista Luciano Ligabue alla RCF Arena di Campovolo, a Reggio Emilia.

Pur comprendendo il clamore suscitato dal tema a livello mediatico (grazie anche a&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">un post di Federico Zampaglione</a>), Salzano crede che la portata del fenomeno sia stata ingrandita dai media. “Credo ci sia stato del gigantismo rispetto a quanto effettivamente avvenuto”, ha spiegato il promoter: “Non è vero che il mercato del live è sterile. Anzi, è florido, e a confermarlo sono i dati di SIAE”.

Sulla pratica di scontare i prezzi in corsa a seconda dell’andamento delle prevendite, per Salzano “i prezzi devono essere mantenuti stabili rispetto a quelli comunicati in fase di annuncio. Se c’è una cosa che questa vicenda ci ha insegnato è di stare molto attenti a usare la parola sold out, e questa è una grande lezione. La mia azienda ha capito che è superfluo, a volte, parlare di sold out. 15 o 20 mila spettatori sono già tantissimi. Dobbiamo perdere l’ossessione del sold out”.

Live, Salzano (F&P): ‘Perdere l’ossessione per il sold out’

Il promoter interviene sulla polemica circa i biglietti omaggio o scontati: ‘Pratica scorretta’

Nella Top Album FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la vetta della classifica vede un cambiamento significativo. In prima posizione si afferma il nuovo ingresso IO NON SAREI di ALESSANDRA AMOROSO, seguito - in seconda posizione - da&nbsp;MEDITERRANEO di BRESH, in discesa dal primo posto. In terza posizione debutta&nbsp;1998 di COEZ.

Non si segnalano altre&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

Per la settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF vede&nbsp;ANNA&nbsp;debuttare in vetta con il brano DÉSOLÉE, che scalza&nbsp;ALFA &amp; MANU CHAO con A ME MI PIACE&nbsp;dalla posizione numero uno. In terza posizione troviamo W SOUND, BEÉLE &amp; OVY ON THE DRUMS con LA PLENA, in discesa dalla seconda piazza.

Oltre a quella già citata, tra le nuove entrate nella top ten si segnalano:

<ul>
	<li>NON BASTA MAI di CAPO PLAZA FEAT. BRESH &amp; TONY EFFE che entra alla settima posizione</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.&nbsp;

Alessandra Amoroso

Classifiche, novità 19 giugno: Alessandra Amoroso al numero uno

'Io non saprei' è l'album più ascoltato della settimana

La piattaforma di intelligenza artificiale generativa musicale Suno ha annunciato l’acquisizione della società sviluppatrice della workstation audio digitale WavTool. L’operazione - conclusa per una cifra non divulgata - segna l’ingresso della società fondata da Michael Shulman, Georg Kucsko, Martin Camacho e Keenan Freyberg nel segmento dell’audio professionale: grazie all’ingresso del team di WavTool nello staff di Suno l’azienda con base a Cambridge, Massachusetts, mira a migliorare e portare a un nuovo livello le possibilità basata sull’AI già offerte da WavTool (come, tra le altre, la separazione degli stem e la generazione automatica di MIDI) per rendere disponibile sul mercato una digital audio workstation di nuova generazione.

"Stiamo scoprendo che molti dei primi utilizzatori di Suno sono autori e produttori professionisti, che vedono un valore immenso nell'integrazione dell'intelligenza artificiale nel loro processo creativo", ha dichiarato Shulman: “Il nostro obiettivo finale è dare potere ai musicisti, creare strumenti che amplifichino la creatività umana e aprano le porte alla creazione di grande musica. Grazie alla tecnologia d'élite in materia di workstation audio digitali di WavTool e al suo team di esperti, siamo in grado di realizzare al meglio la nostra missione”.

"Una volta compreso il funzionamento di Suno e quanto il team di Suno sia allineato con la nostra visione dell'intelligenza artificiale nel processo di creazione musicale, abbiamo capito che unire le forze era la mossa giusta", ha aggiunto Sam Watkinson, co-fondatore ed ex CEO di WavTool: "E’ un grande privilegio far parte di un team con una passione così profonda per la musica e un impegno comune nel promuovere il futuro della produzione musicale. Non vedo l'ora di mostrare cosa abbiamo costruito insieme".

Secondo i dati riferiti da Grand View Research, il mercato delle workstation audio digitali vale attualmente a livello internazionale 4,1 miliardi di dollari, con la prospettiva di crescere a 6,65 miliardi entro il 2032.

Suno al debutto nel mercato pro audio

Con l’acquisizione di WavTool

Si terrà tra il 16 e il 20 giugno 2026 la prossima edizione di Medimex International Festival &amp; Music Conference, evento promosso da Puglia Culture nell’ambito delle azioni di Puglia Sounds la cui edizione 2025 si sta concludendo in queste ore con il concerto dei Massive Attack.

“Si conclude Medimex con il concerto dei Massive Attack che per noi sono una conclusione importante e coerente con tutti i significati che abbiamo voluto dare in questi anni a questa manifestazione sostenuta dalla Regione Puglia: la pace, la creatività, le giovani generazioni; lo sconvolgimento delle regole per tutelare l'ambiente e la salute delle persone, per evitare il riscaldamento terrestre, la mancanza d'acqua, o lo sfruttamento del lavoro - il commento del presidente di Regione Puglia Michele Emiliano – Questioni che depurate dal loro contenuto politico e ideologico devono diventare patrimonio dell'umanità intera. Noi pensiamo che a volte siano più convincenti i musicisti degli statisti nel raccontare queste cose.&nbsp;Anche stasera, come nelle altre edizioni del Medimex, non saliremo sul palco. Abbiamo sempre lasciato fare alla musica.&nbsp; In questo mio ultimo Medimex da presidente della Regione, ringrazio&nbsp; tutti coloro che hanno contribuito alla riuscita della manifestazione in un momento delicato per l’amministrazione di Taranto e anche per questo rinnovo gli auguri a questa bellissima città alla quale io sono legato moltissimo”.

“Medimex tornerà a Taranto dal 16 al 20 giugno 2026 – ha annunciato Paolo Ponzio, presidente Puglia Culture - Questa edizione è stata un grande successo e ha avuto un impatto importante sulla città e sulla regione. Abbiamo costruito un programma imponente, che come di consueto associa concerti prestigiosi ad appuntamenti di grande spessore culturale e professionale. Abbiamo cercato di portare in Puglia il meglio della musica italiana ed internazionale creando un forte dialogo con il comparto musicale regionale.&nbsp; Ci vediamo a Taranto il prossimo anno".

“Di anno in anno le aspettative sul Medimex crescono. In molti ci chiedono come faremo l'anno successivo a tenere botta rispetto al precedente e noi ce la mettiamo tutta. Basti pensare che già in questi giorni stiamo lavorando al Medimex 2026 – il commento di Cesare Veronico, coordinatore artistico Medimex/Puglia Sounds – È stato un Medimex ricco di soddisfazioni. L'entusiasmante concerto dei Primal Scream, l' ipnotico show di St Vincent e il viaggio così ricco di messaggi e suggestioni che ci aspetta con i Massive Attack. I sorprendenti live de "Le Strade del Mediterraneo",&nbsp; l'atmosfera internazionale che si è respirata durante gli showcase allo Spazioporto, la platea sempre piena del Teatro Fusco, la bellezza della mostra al Marta. L'emozione, condivisa con tutta la città, del mapping e i sorrisi e l'attenzione di chi ha partecipato alle attività in programma all'università. Un'iniezione di fiducia per il futuro in questi tempi così difficili. Abbiamo battuto il record di vendita degli abbonamenti, registrato numerosi sold out e tutta la macchina, una macchina complessa, ha funzionato alla perfezione. Come ho già detto, ma sento il bisogno di ribadirlo, è merito di una grande squadra di donne e uomini, quest'anno arricchita dalla presenza di Diodato e Riondino, che ormai da giorni lavorano incessantemente per regalare a tutti grandi emozioni. Ci vediamo a Taranto nel 2026”.

“Grazie al Medimex per aver ancora una volta acceso i riflettori su Taranto a nome di quel gruppo di&nbsp; pazzi che una decina di anni fa si sono messi in testa di provare a cambiare le cose partendo proprio dalla cultura –&nbsp; ha dichiarato Antonio Diodato&nbsp; - Organizzare una manifestazione come Uno Maggio Libero e Pensante è servita anche a far scegliere Taranto da un evento importante come il Medimex. Sono molto felice, vivo questi giorni come dei giorni di grande festa. Il tema del Medimex quest'anno è la strada e io ho cercato in tutti i modi di portare al centro il Mediterraneo invitando La Niña, Bab L’Bluz e Magalí Datzira a raccontare il mare nostro e il potere che ha la musica di abbattere le barriere e portare un messaggio di pace”.

Medimex, appuntamento nel 2026 dal 16 al 20 giugno

La music convention conferma le date della prossima edizione


<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752722/sanremo-2026-fimi-pronti-a-tirarci-indietro">Dopo la discografia</a>, anche la Rai ha fatto sapere di essere pronta a separare il destino del Festival della Canzone Italiana dal Comune di Sanremo. A esplicitare il concetto, nel corso della presentazione dei nuovi palinsesti del servizio pubblico, tenutasi oggi a Napoli, è stato l’Amministratore Delegato di viale Mazzini Giampaolo Rossi.

"Il Festival di Sanremo è il festival della Rai, senza la Rai non esisterebbe", ha dichiarato Rossi, confermando di fatto - come riferisce l’agenzia AGI - le <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752551/sanremo-2026-le-voci-di-slittamento-aspettando-la-trattativa">indiscrezioni già circolate nel corso delle passate settimane circa un ritardo nelle date della manifestazione per evitare la sovrapposizione con le Olimpiadi Invernali di Milano - Cortina</a>: “Aspettiamo l'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751987/sanremo-solo-la-rai-partecipa-al-bando-per-il-festival">esito del bando</a> – ha aggiunto Rossi – e la risposta dal Comune di Sanremo, ma siamo fiduciosi. Ci stiamo già lavorando. Carlo Conti è già attivo nella definizione della nuova parte culturale e del regolamento”.

Tuttavia, ha aggiunto Rossi, “La Rai farà il Festival. Se non dovesse essere Sanremo, ma ne siamo convinti, la Rai farà il suo Festival, perché è in grado di avere una macchina produttiva unica in Italia, capace di realizzare questo tipo di Festival ovunque”.

Riguardo le rimostranze della discografia relative al trattamento economico delle aziende in gara, Rossi ha fatto sapere di essere al corrente della criticità. “Sappiamo che la discografia nutre un malessere su alcuni limiti organizzativi che Sanremo presenta oggettivamente, e che appianati dal grande sforzo produttivo della Rai”, ha detto l’AD: “Però dobbiamo prima attendere l'esito del bando del Comune”.

La Rai è stata l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751987/sanremo-solo-la-rai-partecipa-al-bando-per-il-festival">unica azienda</a> radiotelevisiva a rispondere all’avviso <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751223/sanremo-pubblicato-il-bando-per-assegnare-i-prossimi-festival">pubblicato dal Comune di Sanremo nella prima metà dello scorso aprile</a>. La condizioni poste dall’amministrazione della Città dei Fiori sono state giudicate insoddisfacenti dalla discografia, e considerate piuttosto difficili anche da altri potenziali partner della manifestazione - come, per esempio, il gruppo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751957/sanremo-i-dubbi-di-warner-bros-discovery-sulla-gara">Warner Bros Discovery, che ha giudicato “proibitivi” i termini del bando</a>.

Nel caso le trattative tra Rai e Comune dovessero risolversi in un nulla di fatto, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751334/il-festival-dopo-sanremo-le-citta-che-si-stanno-candidando">sono diverse le città a essersi dichiarate pronte a ospitare il “nuovo Festival”</a> (che potrebbe non chiamarsi più ufficialmente “Festival della Canzone Italiana”, marchio di proprietà del Comune di Sanremo, nonostante la titolarità del format, come stabilito dal TAR della Liguria, sia della RAI): le candidature al momento più accreditate potrebbero essere quelle di Torino (che non solo dispone di una struttura pronta a ospitare l’evento - il PalaOlimpico - e di un centro di produzione RAI sul territorio, ma anche dell’esperienza in materia di grandi eventi televisivi fornita dall’aver ospitato l’Eurovision Song Contest del 2024) e Napoli.

Sanremo, la Rai pronta a ‘fare il suo Festival’

Le parole dell’AD Giampaolo Rossi: ‘Non attenderemo l’esito del bando del Comune’

In tempi recenti i media musicali si sono occupati di salute parlando quasi esclusivamente di quella mentale. Precarietà e insicurezza hanno reso i casi di burnout sempre più frequenti, causando agli artisti disagi che sono stati amplificati dalla pandemia.

Ma, purtroppo, c’è di più e di peggio.

In questo articolo si parla delle cure salvavita, divenute negli Stati Uniti oggetto di relazione fortissima tra artisti e fans. E non sfugge la lugubre ironia che aleggia sulla connessione tra un argomento così… vitale e un tema di marketing che ha stregato l’industria.

Qualche esempio, per rendere l’idea.

David Johansen, storico frontman della band New York Dolls, a seguito di una diagnosi di cancro avanzato aveva lanciato una campagna su GoFundMe per coprire le proprie spese mediche, coinvolgendo una rete globale di fans e colleghi. E il caso della defunta icona glam-punk è tutt’altro che isolato. Sara Lund (Unwound), storica batterista post-hardcore, si è affidata a una raccolta fondi per sostenere il trattamento contro il cancro al seno: la campagna ha superato i 25.000 dollari, permettendole di proseguire nella terapia e riprogrammare concerti in U.S.A. e Australia. Lou Koller, frontman della band Sick of It All, dopo la scoperta di un cancro esofageo aveva interrotto l’attività live e attivato una raccolta online per sostenere i costi delle cure e il mantenimento familiare (il musicista ha recentemente annunciato la propria guarigione). Justin Golden, anch’egli in cura per un raro cancro, ha attivato una campagna che ha mobilitato la comunità americana del blues, superando in poche settimane i 30.000 dollari. Come lui Carvin Jones, chitarrista blues-rock: diagnosticato con un cancro in fase avanzata, ha avviato una campagna supportata da colleghi e fans di lunga data. E poi Matthew Sweet, Jesse Malin, il defunto bassista dei Gang of Four Dave Allen (il cui collega Hugo Burnham, batterista fondatore della band, durante alcuni recenti concerti tornava sul palco dopo i bis per chiedere ai fans di acquistare merchandise per aiutare a coprire le spese per la famiglia di Allen).&nbsp;

La fragilità economica che porta i musicisti a chiedere aiuto per ricevere cure fisiche è la stessa che spesso li priva di accesso continuo a cure mentali: l’intermittenza lavorativa e l’ansia di dover "funzionare" come performer, in un mercato iper-esposto, alimentano il disagio mentale. Così i due temi non solo sono collegati, ma sono facce della stessa crisi di sostenibilità personale nel lavoro musicale attuale.

Forse la più evidente linea di collegamento tra loro è data dalla precarietà e dell’ansia di base: la necessità di ricorrere al crowdfunding per pagare cure rivela e amplifica l’insicurezza strutturale dei musicisti, con la tripletta “incertezza reddituale + lavoro intermittente + assenza di tutele” che assurge a fattore di stress costanti. Tutto questo ha un impatto sulla salute mentale di base: ansia finanziaria cronica, senso di vulnerabilità, burnout.

Ci sono poi lo stigma e la solitudine. Molti musicisti che aprono un crowdfunding per le proprie cure mediche riportano un sentimento di vergogna, spesso dominati dall’idea: “avrei dovuto farcela da solo”. Stigma che raddoppia quando riguarda la salute mentale: ancora più difficile da dichiarare pubblicamente, meno “condivisibile” di una malattia fisica. Così la dinamica di crowdfunding, per alcuni, diventa anche un modo per “legittimare” il proprio bisogno di cura mentale (rendendolo più pubblico e accettabile).

Sempre più artisti, soprattutto freelance e indipendenti, si affidano ai fans per colmare le lacune di un sistema sanitario che li lascia scoperti. I crowdfunding funzionano, ma in modo disuguale: chi ha reti forti raccoglie di più, mentre molti restano invisibili.&nbsp;

Durante il suo discorso di accettazione ai Grammy Awards 2025, Chappell Roan ha colto l’occasione per chiedere a gran voce per gli artisti “un salario dignitoso e un’assistenza sanitaria”.

Con l’avanzare dell’età, la realtà sanitaria è una situazione che i musicisti attivi - come i più tipici tra i lavoratori della “gig-economy” – devono affrontare facendo i conti con redditi che, nel corso dei decenni, sono stati alterni e fluttuanti. Negli Stati Uniti sono spesso gli artisti indipendenti a ritrovarsi con poche risorse per le spese mediche, se si eccettuano quelle coperte dall’Affordable Care Act (ACA), dal Medicare o dai piani assicurativi dei coniugi.&nbsp;

Al di fuori del sistema sanitario statunitense, i musicisti alle prese con i costi delle cure possono ricorrere a diverse risorse — che però raramente coprono tutti i costi necessari in caso di problemi di salute gravi e a lungo termine. I musicisti sotto contratto con le major possono accedere a piani assicurativi forniti dal sindacato SAG-AFTRA, con premi comparabili a quelli dell’ACA.&nbsp;

Esistono poi alcune iniziative stabili e istituzionali che non sostituiscono l’assicurazione sanitaria, ma offrono reti di solidarietà strutturata — spesso cruciali in un settore segnato da precarietà e discontinuità reddituale. I principali sono il Sweet Relief Musicians Fund, attivo dal 1994, che fornisce sovvenzioni ad artisti e ad altri lavoratori del settore musicale attraverso concerti di beneficenza, donazioni e altre risorse, e il MusiCares, programma sociale della Recording Academy che da 35 anni, raccoglie fondi attraverso eventi di alto profilo e nel tempo ha fornito quasi 120 milioni di dollari in assistenza sanitaria a musicisti e operatori del settore.

&nbsp;E’ in questo contesto che l’ormai consolidata pratica del crowdfunding si inserisce, intercettando il concetto di superfans e portandolo a un livello superiore: dal marketing alla solidarietà, fino – appunto – all’assistenza sanitaria.&nbsp;

Il sessantenne Matthew Sweet ha subito un ictus lo scorso ottobre mentre era in tour a Toronto. Nella sua città natale di Omaha sta seguendo un programma di riabilitazione e, per quanto stia migliorando, non può suonare la chitarra o le tastiere, ha problemi alla vista ed è praticamente costretto a casa sulla sedia a rotelle. Quando la moglie di Sweet si rotta una gamba, sono stati costretti ad assumere un’infermiera a tempo pieno, accusando un costo supplementare che non né il Medicare né l’assicurazione ACA del cantante coprono. E’ stata la sua campagna GoFundMe a rimediare, con una raccolta di quasi 640.000 dollari. Tra l’affetto e la solidarietà da parte dei colleghi, il crowdfunding per il caso Sweet si qualifica come la più grande prova di fedeltà da parte dei fans.&nbsp;

Quello dei superfans è un filone del marketing che di recente viene declinato da molte parti della filiera dell’industria musicale in modi diversi, in base a posizionamenti e obiettivi differenti. Tutti questi modi, però, poggiano su un concetto di base: quello della monetizzazione della relazione tra artista/band e fans.&nbsp;

I super-poteri dei superfans sui quali l’industria conta si condensano nella loro conoscenza maniacale dell’artista, nella loro fedeltà cieca nei suoi confronti e in una disponibilità di spesa che trascende i principi con cui aprono il portafogli nelle altre situazioni “normali” e tracima dal loro budget effettivo.

Monetizzazione della carriera? Ecco, se ne hai costruita una nei decenni, magari alternando momenti di gloria e affluenza con fasi cupe e di ristrettezza, la ricompensa può arrivare quando e come meno te l’aspettavi. Tramite un fan che, invece che spendere 20 euro extra per entrare nel pit, te li eroga per pagare l’infermiera. E, come lui, altre migliaia.

Superfans? Quelli veri pagano le spese mediche

In U.S.A. precarietà e sanità privata spingono gli artisti al crowdfunding per cure salvavita

Da sempre molto attenti all’impatto ambientale delle proprie attività, i Coldplay hanno annunciato la ripubblicazione di tutti gli album del proprio catalogo in formato EcoRecord: i dischi torneranno disponibili sotto forma di vinili bianchi trasparenti da 140 grammi realizzati con bottiglie di plastica riciclata, utilizzando la tecnologia di stampaggio a iniezione che riduce le emissioni di carbonio durante la produzione di ben l'85% rispetto alla produzione tradizionale di vinile.

“Un EcoRecord suona e ha la stessa qualità di un disco in vinile tradizionale, ma è stato prodotto utilizzando polietilene tereftalato (PET) riciclato al 100%, un materiale leggero e resistente, facilmente riciclabile e progettato per un'economia circolare, contribuendo in modo significativo alla riduzione delle emissioni di trasporto e dell'impatto ambientale a fine vita”, ha spiegato lo staff della band: “Casciun LP da 140 g stampato a iniezione è realizzato, in media, da nove bottiglie di plastica PET riciclata. Queste bottiglie vengono recuperate nell'ambito di un processo noto come riciclo post-consumo (PCR), dove vengono pulite, trasformate in piccoli pellet e quindi stampate in nuovi articoli. Mentre gli EcoRecord possono essere realizzati sia in PET vergine che in PET riciclato (rPET), i Coldplay hanno scelto di utilizzare esclusivamente rPET per tutti i loro prodotti EcoRecord”.

"Siamo incredibilmente orgogliosi di collaborare con artisti come i Coldplay che condividono il nostro impegno per un futuro più sostenibile per la musica”, ha commentato Jen Ivory, Amministratore Delegato di Parlophone, l’etichetta del gruppo: “Il passaggio a EcoRecord LP per le loro uscite è una testimonianza di ciò che è possibile quando l'innovazione incontra l'intenzione. Non si tratta solo di un nuovo prodotto; si tratta di una produzione pionieristica che riduce significativamente l'impatto ambientale, offrendo ai fan la stessa esperienza audio di alta qualità e stabilendo al contempo un nuovo standard per la produzione musicale fisica".

Coldplay, il catalogo ristampato in versione EcoRecords

Tutti gli album tornano disponibili sotto forma di vinili realizzati con plastica riciclata

Sessant'anni fa, come oggi, i Beatles suonarono due volte al velodromo Vigorelli di Milano. Quel giorno Bruno Tibaldi, prima musicista poi discografico, c'era, sul palco con l'orchestra Le Ombre di Augusto Righetti (nella foto dell'articolo) - e c'era anche la sera dopo il secondo spettacolo, quando i quattro andarono a concludere la giornata nel locale dove lui suonava. Mi sono fatto raccontare i suoi ricordi (che trovate nel video sotto) e mi sono fatto mandare le foto di alcuni cimeli che trovate sempre in questo articolo, più in basso (ne parla Tibaldi nella nostra chiacchierata).

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Leggi anche:&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-752653/la-caccia-alle-fab-four-1965-del-vigorelli-50-anni-dopo">La caccia alle "Fab Four 1965" del Vigorelli - 50 anni dopo</a>

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<div class='embed'><img src="https://images.rockol.it/Wy0oADzkQpqbZcFipBfnEJLBTnw=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/augusto-ombre-poster-tibaldi-con-fender-precision.jpg" alt="https://images.rockol.it/Wy0oADzkQpqbZcFipBfnEJLBTnw=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/augusto-ombre-poster-tibaldi-con-fender-precision.jpg" title="https://images.rockol.it/Wy0oADzkQpqbZcFipBfnEJLBTnw=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/augusto-ombre-poster-tibaldi-con-fender-precision.jpg" class="img-responsive" /></div>

Cartolina promozionale delle Ombre di Augusto Righetti: Tibaldi è il secondo da destra.

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Le Ombre in azione; Tibaldi è il primo da destra

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Bruno Tibaldi, oggi e ieri

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Fotoricordo al Charlie Max: dietro i Beatles il patron del locale, dietro di lui Bruno Tibaldi, il primo da destra è Mal Evans

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Tracolla autografata da George Harrison

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Tracolla autografata da John Lennon

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La tracolla-reliquia

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Spartiti dei Beatles autografati

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<div class='embed'><img src="https://images.rockol.it/kyeE9EPne0vjG32Lr-CmO5MY-n0=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/to-bruno-by-paul-001.jpg" alt="https://images.rockol.it/kyeE9EPne0vjG32Lr-CmO5MY-n0=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/to-bruno-by-paul-001.jpg" title="https://images.rockol.it/kyeE9EPne0vjG32Lr-CmO5MY-n0=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/to-bruno-by-paul-001.jpg" class="img-responsive" /></div>

Autografo di McCartney, anni Ottanta

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<div class='embed'><img src="https://images.rockol.it/-UMyFFlvMazK-Ee9GWfyZGsUny8=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/basso-hofner-di-b-tibaldi.jpg" alt="https://images.rockol.it/-UMyFFlvMazK-Ee9GWfyZGsUny8=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/basso-hofner-di-b-tibaldi.jpg" title="https://images.rockol.it/-UMyFFlvMazK-Ee9GWfyZGsUny8=/700x0/smart/rockol-img/img/foto/upload/basso-hofner-di-b-tibaldi.jpg" class="img-responsive" /></div>

Il basso Hofner di Bruno Tibaldi

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Tibaldi "a Abbey Road"

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Bruno Tibaldi, oggi

Beatles a Milano, 60 anni fa. Bruno Tibaldi: "Io c'ero, e..."

I ricordi di quella giornata memorabile nelle parole di un testimone oculare (e protagonista)

Universal Music ha annunciato l'inaugurazione del suo primo store ufficiale: il punto vendita aprirà i battenti il prossimo 8 luglio all'interno dell'<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-734355/umg-apertura-primo-umusic-hotel">UMusic Hotel di Madrid</a>&nbsp;(nella foto). L’operazione - ha fatto sapere la major in una nota - “segna un nuovo, audace capitolo nel percorso del marchio: dare vita alla musica attraverso spazi fisici immersivi progettati per creare una connessione più profonda con i fan”.

Il punto vendita nella capitale spagnola - situato in Calle Carretas, nel pieno centro della città - è stato progettato per essere “sia una destinazione culturale che come spazio commerciale”, per unire “suono, design e narrazione in un'esperienza multidimensionale per amanti della musica, viaggiatori e creativi”. Distribuito su due piani, il negozio offre sistemi audio ad alta fedeltà, edizioni in vinile, abbigliamento e articoli di merchandising creati dagli artisti dell’etichetta.

“Destinazione curata nei minimi dettagli per i superfan della musica e gli amanti della cultura, UMusic Shop fungerà da piattaforma per la programmazione culturale dal vivo, ospitando incontri con artisti, sessioni di ascolto, lanci di prodotti esclusivi e attivazioni di brand”, spiega Universal Music: “Uno spazio espositivo permanente ospiterà mostre itineranti che esploreranno le storie dietro la musica, offrendo a fan e creator un modo più approfondito per interagire con l'ineguagliabile catalogo e roster globale di Universal Music Group. Collocato all'incrocio tra musica, cultura e fandom, UMusic Shop avrà anche un ruolo centrale nell'entusiasmo che circonda l'attesissimo Mad Cool Festival, con esperienze e annunci esclusivi all'orizzonte”.

"Noi di UMusic Hotels siamo sempre alla ricerca di nuovi modi per avvicinare i fan alla musica e agli artisti che amano, offrendo al contempo un'esperienza di intrattenimento, shopping e ospitalità eccezionale", ha dichiarato Jordi Solé, Presidente di UMusic Hotels: "L'UMusic Shop è più di un semplice negozio: è uno spazio di scoperta, ispirazione e contatto con i fan. Siamo orgogliosi di dare vita a questa visione a Madrid, ed è solo l'inizio".

L’apertura del nuovo store ribadisce la grande attenzione della multinazionale guidata da Lucian Grainge nei confronti dei superfans: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752037/new-york-universal-music-si-trasferisce-pensando-ai-superfans">la nuova sede newyorchese del gruppo che aprirà nel 2027</a> è stata appositamente progettata come “punto di incontro ideale” tra “dipendenti, artisti e autori”, con uno spazio commerciale dedicato alla vendita di prodotti esclusivi e al merchandising firmato dagli artisti presenti nel roster di UMG.

Universal Music, apre il primo store ufficiale

L’UMusic Shop aprirà presso l’UMusic Hotel di Madrid: prodotti esclusivi ed esperienze per superfans

"La France Music Week lascia un retrogusto contrastante", sottolinea la prestigiosa testata francese Libération. Non solo per gli incidenti che si sono svolti nel corso del concerto finale (si parla di 145&nbsp;donne punte da siringhe in tutta la Francia, di cui 13 a Parigi, dopo che era stata lanciata una perversa&nbsp;sfida social in tal senso). Le critiche riguardano più gli esiti delle varie discussioni che la cronaca, però.

L'evento prevedeva un budget titanico, oltre 7 milioni di euro, e una partecipazione politica massiccia, da quella della ministra della cultura Rachida Dati a quella del presidente Macron, che ha ospitato all'Eliseo la cerimonia di chiusura. L'intenzione della France Music Week era quella di promuovere "la ricchezza della creatività musicale francese", come ha sottolineato la ministra Dati, "la cui diversità è la chiave di volta". Presenti tutti gli attori principali della filiera: le major e le indipendenti più importanti come Believe, i DSP, Sacem, le agenzie di booking e via dicendo. Con una grande attenzione, almeno da parte del governo, alla giusta remunerazione degli artisti e del prodotto del diritto d'autore. Ma&nbsp;dal palco della France Music Week arrivano anche messaggi un po' controversi su una delle principali battaglie dell'industria musicale: la regolamentazione dell'intelligenza artificiale generativa. Secondo alcuni ospiti e analisti, infatti, sarebbe un grande vantaggio per l'intera industria perché "ridurrebbe i tempi e i costi" di produzione della musica; al contrario, accanirsi sulla difesa a tutto campo del diritto d'autore e degli artisti rischia di essere controproducente e di far perdere eventuali guadagni anche ai creatori umani. Affermazioni che, chiaramente, non hanno fatto piacere a molti dei diretti interessati.

Sul fronte dei numeri e della partecipazione istituzionale, insomma, si può dire senza tema di smentita che la FMW sia&nbsp;stata un successo. La critica principale giunta dalla scena musicale francese, però, riguarda soprattutto la gestione "governativa", che da una parte ha organizzato l'evento per promuovere lo sviluppo del mercato locale e per attrarre nuovi capitali in patria, ma dall'altra (lamentano alcuni) taglia in maniera drastica le risorse destinate alla cultura (lo scorso aprile si parlava di 114 milioni di tagli al budget per il 2025). E sembra inoltre fortemente indecisa su come schierarsi su temi cruciali per il futuro dell'industria stessa.

Com'è andata la France Music Week?

Si è conclusa questo fine settimana la manifestazione parigina omonima della nostra Music Week

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Orietta Berti, Ethan, Lewis Capaldi, Norah Jones con&nbsp;John Legend ed&nbsp;Elodie&nbsp;con Sfera Ebbasta.

<h2>Cabaret - Orietta Berti - Time</h2>

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Orietta Berti pubblica il nuovo singolo "Cabaret", in collaborazione con Fabio Rovazzi e FUCKYOURCLIQUE. Il brano è disponibile dal 27 giugno 2025 in radio, negli store digitali e su tutte le piattaforme di streaming. Time Records è l'etichetta che pubblica il singolo. La produzione è affidata a Danti e Pasquale Mammaro.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/cabaret-orietta-berti-feat-fabio-rovazzi-fuckyourclique-ctid-213674334">Leggi il testo di "Cabaret" </a>

Orietta Berti nasce a Cavriago (Reggio Emilia) nel 1943. Dopo una lunga gavetta fatta di studio ed esibizioni in vari locali dell’Emilia, partecipa nel 1961 alla sua prima manifestazione canora ufficiale: “Il disco d’oro”, indetta dall’ENAL di Reggio Emilia, e conquista il primo posto ex-aequo con un’altra debuttante destinata al successo, Iva Zanicchi. Fra i giurati c’è l’autore Giorgio Calabrese che propone la ragazza all’etichetta milanese Karim. I primi due 45 giri (“Non ci sarò” e “Se... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/orietta-berti/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Desgraçado - Ethan - Carosello Records</h2>

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Il giovane artista italo-brasiliano Ethan pubblica oggi 27 giugno il nuovo singolo “Desgraçado”, per Carosello Records. Il brano completa il percorso intrapreso con i due EP precedenti, oggi racchiusi in un unico album intitolato "Metamorfosi". "'Desgraçado'&nbsp;è uno dei brani a cui sono più legato di tutto il progetto", racconta Ethan:&nbsp;"È un pezzo che nasce da una frattura emotiva profonda, ma prende vita in una forma baile funk sporca, movimentata, malinconica, quasi contraddittoria. Amo questa traccia perché riesce a tenere insieme due estremi: da una parte la rabbia, dall’altra l’ironia. È un brano che ti fa muovere anche mentre ti spezza il cuore, che ti fa sudare mentre ti racconta una storia triste. Questo cortocircuito tra tristezza e movimento è il cuore della traccia. 'Desgraçado'&nbsp;è una ferita che balla. Ed è per questo che resta uno dei capitoli più importanti del disco, prodotta insieme a Vincenzo de Fraia, produttore italiano con base a Londra".

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<h2>Survive - Lewis Capaldi</h2>

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Dopo due anni di assenza dai riflettori, Lewis Capaldi fa oggi ritorno con il nuovo singolo “Survive”, che - come spiegato in un comunicato stampa - sottolinea un periodo difficile della sua carriera, conclusosi a Glastonbury nel 2023 in un momento estremamente duro ma al tempo stesso speciale, quando la folla del Pyramid Stage ha aiutato un emozionato Capaldi ad andare oltre il traguardo.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/survive-lewis-capaldi-ctid-213680256">Leggi il testo di "Survive" </a>

Lewis Capaldi è un cantautore scozzese originario di Glasgow, Scozia. 
Capaldi ha imparato a suonare la chitarra quando aveva nove anni, e ha iniziato la sua carriera musicale cantando in pub a 12 anni. 
Ha pubblicato il suo EP di debutto intitolato "Bloom EP" il 20 ottobre del 2017, nel quale ci sono collaborazioni con il produttore Malay, vincitore di un Grammy Award e collaboratore di lunga data di Frank Ocean. 
Verso la fine del 2017, Capaldi è stato nominato uno dei dscvr... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/lewis-capaldi/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Summertime Blue - Norah Jones e&nbsp;John Legend</h2>

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Norah Jones e John Legend hanno unito per la prima volta le forze&nbsp;in un nuovo singolo intitolato "Summertime Blue", in uscita oggi&nbsp;27 giugno. La canzone è stata prodotta da Jones e Gregg Wattenberg. “Ho lavorato a un progetto collaterale con Gregg e quando ho scoperto che lavora anche con John mi sono emozionata perché l'ho sempre ammirato, ma non ci siamo mai incrociati”, racconta Norah Jones in una nota stampa:&nbsp;"Gregg mi ha detto che avremmo dovuto fare una canzone insieme e mi ha fatto venire l'idea, così ho colto al volo l'occasione. John ci ha accolti nel suo studio di Los Angeles e ci siamo divertiti tantissimo a registrare e a stare insieme". "Che modo perfetto per iniziare l'estate! Sono onorato di far parte di questo bellissimo disco con Norah", afferma John Legend:&nbsp;"La sua voce, la sua anima e la sua musicalità, la sua presenza aggraziata, sono tutte innegabili. Sono un suo fan da tanto tempo. Sono veramente felice di essere riuscito finalmente a collaborare con lei".

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/summertime-blue-norah-jones-feat-john-legend-ctid-213688549">Leggi il testo di "Summertime Blue" </a>

Figlia del celeberrimo sitarista indiano Ravi Shankar, Geethali Norah Jones Shankar nasce il 30 marzo 1979 a Brooklyn, New York, ma cresce in Texas. Esordisce nel 1999 come cantante del gruppo fusion Wax Poetics, e dopo avere messo in piedi una propria band in cui canta e suona il pianoforte facendosi accompagnare da Lee Alexander (basso), Jesse Harris (chitarra) e Dan Rieser (batteria), nel gennaio del 2001 viene messa sotto contratto dalla storica etichetta jazz Blue Note. Prima di... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/norah-jones/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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<h2>Yakuza - Elodie&nbsp;con Sfera Ebbasta - Universal</h2>

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Il 27 giugno 2025&nbsp;Elodie pubblica il nuovo singolo intitolato "Yakuza", in collaborazione con Sfera Ebbasta. Il brano è disponibile in radio e su tutte le piattaforme digitali. La produzione è affidata a Rvssian. Questa nuova uscita segue la precedente collaborazione tra Elodie e Sfera Ebbasta, avvenuta con il brano "Anche stasera", pubblicato il 17 novembre 2023.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/yakuza-elodie-ctid-213674172">Leggi il testo di "Yakuza" </a>

Elodie Di Patrizi ha 25 anni, è nata a Roma ma vive a Lecce da circa un anno. Una sua caratteristica, a livello di look, è rappresentata dal colore dei capelli, fucsia: "Tu hai i capelli color fucsia che nel vecchio teatro portava sfortuna... ma a noi non importa", le ha detto Maria De Filippi al momento dell'ingresso nell'edizione 2016 di "Amici". Si classifica seconda (dietro il vincitore Sergio Sylvestre), debutta discograficamente con l'album UN'ALTRA VITA, prodotto da Emma Marrone e... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/elodie/biografia">Leggi la biografia completa </a>

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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Nuovi singoli per Orietta Berti, Ethan, Lewis Capaldi, Norah Jones con John Legend, Elodie con Sfera

Nuovi singoli, le uscite del 27 giugno

L’associazione Note Legali ha annunciato il lancio di Sounds Rights, percorso formativo gratuito dedicato a chi lavora nella filiera degli spazi di musica dal vivo finanziato dal bando europeo LIVEMX e realizzato con il supporto operativo di KeepOn Live, la rete nazionale dei live club e festival indipendenti. L’iniziativa, spiegano gli organizzatori, “si propone di colmare una lacuna storica nel settore: la mancanza di formazione chiara, aggiornata e accessibile su diritti musicali, contrattualistica, ticketing, previdenza sociale e fiscalità. Temi spesso considerati marginali, ma che hanno un impatto enorme sulla sostenibilità e sulla legalità delle attività culturali e musicali dal vivo”.

“Abbiamo voluto creare uno strumento concreto e gratuito, pensato per chi vive ogni giorno le difficoltà organizzative e burocratiche degli eventi live”, ha dichiarato l’avvocato Emanuela Teodora Russo, presidente di Note Legali: “Con Sounds Rights vogliamo dare agli operatori gli strumenti per crescere, tutelarsi e migliorare la relazione tra artisti, spazi e pubblico”.

Il percorso formativo è composto da 13 lezioni suddivise in moduli tematici, con formula ibrida: online (in diretta e con contenuti disponibili on demand) e in presenza, durante i principali eventi di settore come il KeepOn Live Fest di Palermo e altri appuntamenti a Milano e Bologna.

Le iscrizioni sono aperte fino al 21 luglio 2025 tramite il sito ufficiale www.soundsrights.com: verranno selezionati fino a 40 operatori appartenenti a 30 spazi musicali in tutta Italia. Il debutto ufficiale in presenza di Sounds Rights sarà il 24 settembre 2025 a Palermo, con un primo evento formativo all’interno del KeepOn Live Fest. Seguiranno tappe a Milano e Bologna.

Note Legali: nasce Sounds Rights

Un progetto gratuito di formazione sostenuto da LiveMX e supportato da KeepOn

Uno scoop “a orologeria” (l’edizione 2025 della manifestazione prenderà il via proprio domani, 25 giugno) pilotato da ragioni politiche (l’indagine, condotta da una testata storicamente orientata verso un pubblico moderato e conservatore, è incentrata su un personaggio le cui posizioni progressiste sono ampiamente note)? Il sospetto c’è. Il Times ha pubblicato oggi, martedì 24 giugno, un'inchiesta su Michael Eavis, storico fondatore e animatore del festival di Glastonbury, una delle manifestazioni musicali dal vivo più prestigiose al mondo. Secondo la testata fondata nel 1785, il promoter avrebbe orchestrato una strategia societaria per risparmiare diverse decine di milioni di sterline in imposte di successione.

Eavis, 89 anni, lo scorso ottobre ha trasferito la maggior parte delle sue quote nella Glastonbury Festival Events Ltd alla figlia Emily, 45 anni, e a una società fiduciaria. Tre quarti della quote di un’altra società facente capo a Eavis, la Glastonbury Festivals Limited, sono state trasferite a un altro fondo fiduciario. Fondata nel 1992, la società - oltre a detenere i diritti del festival e di tutti i marchi a esso correlati - distribuisce la maggior parte dei profitti generati dall’azienda a enti benefici come Oxfam, Greenpeace e WaterAid.

Secondo la legge britannica, a partire dal 2026 le imprese familiari saranno soggette a un'aliquota d’imposta sulle successioni del 20% sul loro valore superiore a 1 milione di sterline.

Pur essendo molto difficile - se non impossibile - stabilire il valore del festival (analisti interpellati dal Times stimano che l’attività possa essere quotata tra i 150 e i 400 milioni di sterline), nel 2024 la Glastonbury Festival Events Ltd ha visto il proprio fatturato del 20%, arrivando a quota 68 milioni di sterline. Il quotidiano britannico ritiene che il trasferimento delle quote di Glastonbury Festival Events Ltd alla figlia e di Glastonbury Festivals Limited a una fiduciaria potrebbero far risparmiare a Eavis quasi 80 milioni in tasse di successione.

Benché, solo nel 2024, Glanstonbury abbia corrisposto a enti benefici poco meno di 6 milioni di sterline, per il fisco britannico le aziende riferibili alla famiglia Eavis sono considerate entità private, sottoposte alla tassazione standard prevista per le aziende.

I portavoce del festival, definendo la stima del Times “estremamente speculativa”, hanno precisato come Eavis e la sua famiglia, da sempre sostenitori del partito laburista britannico (tanto da invitare, nel 2017, Jeremy Corbyn a tenere un comizio sul Pyramid Stage, il palco principale della manifestazione), “sono sempre stati e sempre saranno felici di fornire il proprio contributo” al bilancio dello stato.

“Con l'avvicinarsi del suo novantesimo compleanno, Michael Eavis ha portato avanti il ​​suo piano di lunga data di passare le redini del festival a sua figlia Emily”, hanno precisato al Times i rappresentati di Glastonbury: “Negli ultimi anni è già stata Emily a occuparsi&nbsp;dell'organizzazione dell'evento, e questi ultimi cambiamenti sono stati semplicemente una parte di quel processo”.

Festival di Glastonbury: Michael Eavis, il Times e le tasse…

Il quotidiano mette sotto la lente di ingrandimento l'assetto societario dietro alla manifestazione

SIAE ha annunciato di aver distribuito 12.642.700,83 euro in royalties a 4.244 aventi diritto tra autori, editori e collecting estere, per i repertori di opere teatrali e di intrattenimento radio, TV e online.

Questa ripartizione - spiega la collecting - segna un +24% rispetto a marzo scorso e un +1,34% rispetto a giugno 2024: il merito - secondo la Società Italiana degli Autori ed Editori - “va alle strategie mirate, agli accordi con i principali player del settore e alla performance positiva sia del comparto teatrale che di quello dell'emittenza”.

Nel corso di questo trimestre SIAE ha inoltre distribuito 2.570.339,68 euro a 1.482 aventi diritto, come anticipo sui diritti per le utilizzazioni delle loro opere nei pubblici esercizi (bar, ristoranti, hotel), registrando un ulteriore +14% rispetto al 2024. “Sono risultati importanti che confermano la solidità e la crescita costante di tutti i settori coinvolti”, ha concluso la collecting.

SIAE, le ultime ripartizioni per teatro, radio, TV e online

Distribuiti oltre 12 milioni e mezzo di euro per il secondo trimestre del 2025

Dopo la bufera contro Timbaland di cui vi parlavamo qualche giorno fa, Suno torna nell'occhio del ciclone. Stavolta per via di una class action promossa da musicisti, in cui si trova sul banco degli imputati&nbsp;insieme a un'altra app di AI generativa, Udio. A promuoverla è l'artista country Tony Justice, che sostiene che alcuni suoi lavori coperti da diritto d'autore siano stati utilizzati senza autorizzazione nel&nbsp;training dell'intelligenza artificiale.

Si tratta di due class action distinte, una per ognuna delle due start-up, e sono state pensate per raccogliere l'adesione soprattutto degli artisti indipendenti, quelli più vulerabili in questo tipo di contesto a causa del loro scarso potere di contrattazione. Justice e i suoi avvocati ritengono che né Suno né Udio avrebbero adottato misure sufficienti ad evitare che materiale coperto da copyright fosse usato nel training dell'AI. "Anziché acquisire una regolare licenza come qualsiasi altra azienda che voglia utilizzare le nostre canzoni, le hanno semplicemente rubate per generare dei sound-alike" riporta l'accusa.

In particolare, a essere messo in dubbio è il cosiddetto "fair use", ovvero l'utilizzo di materiale già esistente come "ispirazione" per l'intelligenza artificiale, un po' come i produttori fanno con le cosiddette&nbsp;reference di altri brani. E siccome il sistema legale americano si basa soprattutto sulla giurisprudenza, se i giudici dovessero dare ragione a Tony Justice e ai suoi soci, la vittoria potrebbe cambiare le sorti di tutta la contrattazione tra big tech e industria musicale, che si tratti di major o di indie.