Sony Music Publishing Italia ha annunciato l’ingresso nel proprio roster dei Room9, trio di Dj, producer e musicisti composto da Kende, Lorenzo Santarelli e Marco Salvaderi. “Siamo felici di avervi in squadra”, ha fatto sapere - sui propri canali social ufficiale - la filiale italiana della branca editoriale di Sony Music, guidata nel nostro Paese da Margherita Gnech.

Dopo l’esordio con “Rollercoaster”, i Room9 hanno conquistato nel 2023 il loro primo disco di platino grazie a “Bellissima” di Alfa. Agli impegni in studio gli artisti hanno affiancato un'intensa attività da Dj, che li ha visti impegnati sui palchi di importanti club e festival italiani e internazionali. Tra le loro collaborazioni recenti c’è quella con i Kolors per “Un ragazzo una ragazza”, hit del 2024 certificata da FIMI con due dischi di platino.

Industria

Sony Music Publishing Italia, i Room9 entrano nel roster

Il trio di produttori ha collaborato con i Kolors per la hit ‘Un ragazzo una ragazza’

Ci sarà tempo fino al prossimo 28 febbraio per presentare la propria candidatura all’edizione 2026 di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743894/futures-italian-scouting-project-un-progetto-formatico-di-woodworm">Futures, percorso di crescita dedicato ai giovani artisti, producer e aspiranti professionisti dell’industria musicale</a>.

L’iniziativa, nata da un’idea di Woodworm Publishing, in collaborazione con Universal Music Group, Sony Music Publishing, Gemma Concerti e SIAE, “è - spiegano i promotori - molto più di un contest: è un percorso pensato per dare strumenti, connessioni e occasioni concrete a chi vuole crescere nella musica. Il suo spirito è racchiuso nel nuovo payoff: ‘Take it slow, follow your music. Qui la musica trova lo spazio e il tempo per diventare grande’. Un invito a rallentare, ad ascoltare davvero se stessi e la propria proposta, a costruire con pazienza qualcosa di unico, che resti”.

Dopo una prima fase di ascolto da parte di professionisti del music business, i selezionati avranno l’occasione di farsi conoscere dagli addetti ai lavori in quattro aree geografiche – Nord-Est, Nord-Ovest, Centro e Sud – in date e location che verranno comunicate a breve, con l’obiettivo di rendere la partecipazione accessibile a tutti, indipendentemente da dove si trovano. I tutor dell’edizione 2026 di Futures saranno il produttore Tommaso Colliva, il compositore e polistrumentista Rodrigo D'Erasmo e Dario Mangiaracina e Veronica Lucchesi, titolari del progetto La Rappresentante di Lista.

“La novità di quest’anno è una maggiore attenzione alla fase di produzione”, avevano spiegato i responsabili in occasione della presentazione del progetto: “Gli artisti avranno l’opportunità di entrare in studio e lavorare a stretto contatto con autori e producer di primo piano, affrontando una vera e propria ‘prova sul campo’ insieme ai tutor di questa edizione. Sarà un momento cruciale per capire attitudini, mentalità e talento, e per sperimentare il lavoro creativo in studio come avviene nel mondo professionale”.

“Futures è un percorso alternativo all'autostrada del music business, una deviazione possibile e concreta grazie alla quale sviluppare il proprio talento in modo sostenibile e duraturo”, aveva aggiunto Marco Gallorini, CEO di Woodworm Publishing: “Rispettando l’artista e l’unicità insita in ciascun progetto artistico, con tempi e modalità slegate dalle forti pressioni che il mercato impone in questi anni con effetti deleteri sulla qualità artistica e spesso sulla salute mentale e fisica di chi fa musica”.

Nel primo anno di attività, Futures ha raccolto oltre 600 candidature di artisti e 200 aspiranti addetti ai lavori, portando a 44 esibizioni live in 7 città italiane, e creando connessioni tra artisti emergenti, manager, discografici e professionisti del settore. “Alcuni di questi talenti hanno firmato contratti con aziende partner, altri hanno avuto l’opportunità di lavorare con autori e producer per dare vita a nuovi progetti”, precisano gli organizzatori.

Tutte le informazioni e il modulo per presentare la propria candidatura sono disponibili sul sito <a href="about:blank">www.futuresitalia.com</a>.

Futures 2026, posticipato il termine per le iscrizioni

La scadenza per aderire all’iniziativa spostata al prossimo 28 febbraio

Si terrà domani 23 ottobre a Roma, presso l’Hotel W Rome, un evento speciale di networking organizzato da Sony Music Publishing Italia con la collaborazione di Woodworm: la serata, che coinvolgerà “i responsabili delle principali società di produzione italiane dell’audiovisivo, registi, sceneggiatori, music supervisor” e gli autori del roster della società, si concluderà con uno showcase dei Fast Animals And Slow Kids e una performance di Dario Mangiaracina (partner creativo di Veronica Lucchesi nel progetto La Rappresentante di Lista), per l’occasione in veste di DJ.

“Sono molto felice di questo evento che unirà il mondo della musica con quello del cinema e dell’audiovisivo in generale”, ha dichiarato Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italia: “Mi piace pensare che l’unione di tutti i ‘mestieri del cinema’, in una location meravigliosa come il W Rome, possa creare sinergie nuove e idee creative per futuri progetti audiovisivi. Mi auguro che questo possa essere il primo di una serie di eventi di questo tipo”.

“Abbiamo pensato di organizzare questo evento per introdurre i nostri talentuosi autori al mondo audiovisivo e per coinvolgere i nostri partner del settore, creando sinergie tra loro e con gli autori stessi”, ha aggiunto Margherita Gnech, dallo scorso giugno Managing Director di Sony Music Publishing Italia: “Sarà una splendida occasione per parlare di musica e di cinema e confrontarci su nuovi progetti e opportunità di collaborazione. Sony Publishing è da sempre una presenza radicata a Roma e il nostro obiettivo è continuare a essere un punto di riferimento e di supporto costante per le produzioni, creando al contempo sempre più occasioni di incontro e crescita per gli autori del nostro roster”.

Negli ultimi tre anni, a seguito della riorganizzazione del reparto, il team del Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing Italia “è attivamente impegnato nella consulenza musicale, nella produzione di colonne sonore ed è diventato un punto di riferimento per numerose produzioni audiovisive italiane nella gestione della musica all’interno dei loro progetti”, ha fatto sapere l’azienda in una nota: “Il team, guidato da Valentina Iacoacci, è composto da Federico Diliberto Paulsen e Lorena Anastasio. Presso la sede di Roma è inoltre presente Extreme Music, la divisione di Production Music di Sony Music Publishing, diretta da Angela Papa”.

Sony Music Publishing Italia, domani un evento a Roma

Con uno showcase dei FASK e un dj set di Dario Mangiaracina (LRDL)

Dopo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750045/progetto-futures-diventa-etichetta-woodworm">il lancio - lo scorso anno, durante il Festival di Sanremo - di Futures Label</a> (la prima sub label di Woodworm), e la presentazione dei primi progetti approdati a contratti discografici e di management - oltre all’ingresso in alcune delle aziende partner degli aspiranti addetti ai lavori sotto forma di stage, riparte <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743894/futures-italian-scouting-project-un-progetto-formatico-di-woodworm">Futures, iniziativa dedicata ai giovani artisti, producer e aspiranti professionisti dell’industria musicale</a>.

L’iniziativa, nata da un’idea di Woodworm Publishing, in collaborazione con Universal Music Group, Sony Music Publishing, Gemma Concerti e SIAE, “è - spiegano i promotori - molto più di un contest: è un percorso pensato per dare strumenti, connessioni e occasioni concrete a chi vuole crescere nella musica. Il suo spirito è racchiuso nel nuovo payoff: ‘Take it slow, follow your music. Qui la musica trova lo spazio e il tempo per diventare grande’. Un invito a rallentare, ad ascoltare davvero se stessi e la propria proposta, a costruire con pazienza qualcosa di unico, che resti”.

Dopo una prima fase di ascolto da parte di professionisti del music business, i selezionati avranno l’occasione di farsi conoscere dagli addetti ai lavori in quattro aree geografiche – Nord-Est, Nord-Ovest, Centro e Sud – in date e location che verranno comunicate a breve, con l’obiettivo di rendere la partecipazione accessibile a tutti, indipendentemente da dove si trovano.

“La novità di quest’anno è una maggiore attenzione alla fase di produzione”, hanno spiegato i responsabili del progetto: “Gli artisti avranno l’opportunità di entrare in studio e lavorare a stretto contatto con autori e producer di primo piano, affrontando una vera e propria ‘prova sul campo’ insieme ai tutor di questa edizione: Tommaso Colliva, Dario Mangiaracina, Veronica Lucchesi, Rodrigo D’Erasmo e altri nomi che verranno presto annunciati. Sarà un momento cruciale per capire attitudini, mentalità e talento, e per sperimentare il lavoro creativo in studio come avviene nel mondo professionale”.

“Futures è un percorso alternativo all'autostrada del music business, una deviazione possibile e concreta grazie alla quale sviluppare il proprio talento in modo sostenibile e duraturo”, ha dichiarato Marco Gallorini, CEO di Woodworm Publishing: “Rispettando l’artista e l’unicità insita in ciascun progetto artistico, con tempi e modalità slegate dalle forti pressioni che il mercato impone in questi anni con effetti deleteri sulla qualità artistica e spesso sulla salute mentale e fisica di chi fa musica”.

Nel primo anno di attività, Futures ha raccolto oltre 600 candidature di artisti e 200 aspiranti addetti ai lavori, portando a 44 esibizioni live in 7 città italiane, e creando connessioni tra artisti emergenti, manager, discografici e professionisti del settore. “Alcuni di questi talenti hanno firmato contratti con aziende partner, altri hanno avuto l’opportunità di lavorare con autori e producer per dare vita a nuovi progetti”, precisano gli organizzatori.

I moduli per le iscrizioni saranno online sul sito ufficiale www.futuresitalia.com a partire da sabato 18 ottobre.

Futures, al via a ottobre la seconda edizione

Torna il progetto dedicato ai giovani artisti, producer e professionisti dell’industria musicale

Margherita Gnech (nella foto), <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752763/sony-music-publishing-italia-margherita-gnech-e-la-nuova-md">dall’inizio dello scorso giugno alla guida di Sony Music Publishing Italy</a>, ha un profilo professionale piuttosto atipico per l’industria musicale italiana. Laureata in Giurisprudenza, Avvocato, con Master in Tech Law &amp; Digital Transformation, la nuova Managing Director della branca editoriale della major nel nostro Paese è, in tutto e per tutto una tecnica, con il plus indispensabile della passione per la musica, presente da generazioni nella sua famiglia. Tra i suoi trascorsi lavorativi non ci sono periodi di apprendistato in etichette o società di edizioni indipendenti, ma esperienze in grandi studi legali internazionali come Osborne Clarke e Simmons &amp; Simmons. Una carriera già solida e promettente, alla quale però mancava qualcosa. “In Osborne Clarke tra i nostri clienti c’era una delle major, che ho avuto modo di seguire per una serie di consulenze e contenziosi”, racconta Gnech a MusicBiz: “Data la mia forte passione per la musica, quel mondo mi ha molto affascinata. La vita negli studi legali è dura: non ci sono orari, non c’è weekend. Quando ho visto che presso Sony Music Publishing Italia c’era una posizione aperta mi sono buttata…” 
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Ma era il periodo del Covid…

Già. Avevo già fatto le selezioni, poi - poco dopo - è scoppiata la pandemia. Credevo che tutto fosse andato a monte. A marzo 2020, come tutti, lavoravo da casa, sette giorni su sette, fino a tarda notte. Un giorno mi chiama Roberto Curti [General Manager di SMP Italy, ndr] per chiedermi se fossi ancora interessata al posto. Ovviamente gli ho risposto che sì, ero ancora interessata. Molto interessata. 
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Il tuo retroterra professionale è prettamente tecnico. Qual è il tuo background musicale?

Vengo da una famiglia di appassionati di musica, di ogni genere, dal rock alla classica. Ma, essendo una millennial, sono cresciuta col pop, il genere che ancora seguo più di tutti, specialmente dal vivo. Mai avrei pensato che sarebbe diventato il mio lavoro… 
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E invece sei finita nel publishing, uno dei comparti più sfaccettati e complessi dell’industria musicale…

Se ti piace la musica, il tuo lavoro non può che essere quello dell’editore. L’editore crea le canzoni, da zero. Ricordo ancora l’emozione provata quando durante la mia prima settimana in SMP, con le colleghe A&amp;R, abbiamo aperto e ascoltato una cartella dropbox di provini di brani dei nostri autori, scritti per artisti interpreti terzi. In base alle atmosfere, alle topline, al testo e alle melodie immaginavamo a chi avremmo affidato queste canzoni. E’ davvero il lavoro migliore che avrei potuto immaginare. Peccato che sia ancora pressoché sconosciuto, sia presso il pubblico sia presso gli stessi addetti ai lavori. E’ incredibile quanti artisti, ancora, non riescano a cogliere i vantaggi di lavorare con un editore… 
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Qual è stata la prima cosa alla quale hai pensato quando ti è stata confermata la nomina a Managing Director?

Assumere un direttore artistico. Le selezioni sono già state avviate, non dovrebbe mancare molto… 
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Perché un direttore artistico?

I risultati più recenti – come, ad esempio, l’assenza dall'edizione 2025 del Festival di Sanremo – evidenziano la necessità di rafforzare la presenza di una figura creativa che possa rappresentare in modo chiaro e autorevole l’azienda verso l’esterno. È un tema che riguarda la percezione e la credibilità nel mercato, soprattutto in un settore dove le relazioni e la visibilità sono fondamentali. Attualmente, il mio ruolo comporta responsabilità operative e strategiche, che non consentono di seguire in modo continuativo anche la direzione creativa di un’area così centrale per l’identità dell’azienda. Proprio per questo ritengo importante che le due funzioni restino distinte e possano contare su un presidio dedicato e competente. 
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Cosa hai notato, dell’azienda Sony Music Publishing, dalla tua nuova prospettiva di Managing Director?

Dal momento in cui mi è stata ufficializzata la nomina, ho subito ricevuto tantissimo supporto, sia a livello locale che a livello internazionale. Dai vertici global alle dirigenze locali, ho sentito tutti davvero molto vicini nell’aiutarmi a elaborare piani e strategie. Ho avuto la sensazione di trovarmi in un ambiente familiare, nonostante la dimensione da multinazionale. Lavoriamo tutti come una squadra: sembra strano, ma è una cosa da non dare affatto per scontata, nel nostro settore… 
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Come vedi posizionata Sony Music Publishing Italy sul mercato nazionale?

Il nostro obiettivo è tornare a essere un punto di riferimento per il pop mainstream, segmento dove - per via di determinate scelte strategiche - negli ultimi anni abbiamo perso un po’ di terreno: quindi ci rimboccheremo le maniche per tornare ad avere un ruolo da protagonisti. Sul fronte indie - che oggi può essere considerato parte effettiva del mainstream - siamo sempre stati forti, grazie anche al lavoro di Roberto Trinci - già nostro direttore artistico ai tempi di EMI - e del team. Siamo riusciti negli anni a farci un nome nel segmento urban, genere su cui puntiamo moltissimo anche a livello internazionale, grazie anche a una figura appositamente dedicata. 
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Per quanto riguarda il catalogo, invece, quali sono i vostri obiettivi per crescere nello sfruttamento dei repertori nazionali?

Sul fronte sync siamo sempre stati un team molto forte: su Milano abbiamo in essere diversi accordi sul versante pubblicitario, con partnership molto interessanti con diverse case di moda e operazioni di alto profilo con <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748687/francesco-de-gregori-principe-sync-pubblicita-enel-canzoni">grandi aziende come Enel</a>. Siamo, insomma, un punto di riferimento per tante realtà molto importanti. Riguardo invece cinema e TV, il nostro ufficio a Roma è un presidio importantissimo: abbiamo tanti autori di livello impegnati nella scrittura di colonne sonore coi quali continuiamo a lavorare, e sui quali continuiamo a investire, oltre che una serie di accordi di consulenza volti a rafforzare sempre più i nostri rapporti con le società di produzione e i music supervisor. 
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E per quanto invece riguarda le brand partnership?

Benché non sia considerato un ambito operativo proprio del publishing - perché il ritorno in termini di immagine che può avere una label non è mai stato recepito dagli editori come una fonte di potenziali introiti immediati - credo che in futuro si debba lavorare anche in quella direzione, soprattutto a beneficio degli autori emergenti. E’ sicuramente un segmento sul quale ci concentreremo. 
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Quali altri progetti vi impegneranno, a breve termine?

Stiamo organizzando un camp internazionale dedicato alle sync in concomitanza con la prossima edizione della Milano Music Week, proprio per sfruttare la presenza in città degli operatori generata dalla manifestazione. E continuiamo a lavorare moltissimo sul roster dei nostri autori, che vogliamo nutrito ma non troppo affollato: non ha senso mettere sotto contratto artisti e poi lasciarli parcheggiati perché manca il tempo di seguirli. Sarebbe controproducente per noi, in termini di reputazione, ma - soprattutto - ingiusto nei loro confronti. 
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Oggi quali sono le aree di ricerca migliori per fare scouting di autori?

Ci sono varie fonti. Tra di esse spicca il mondo social: abbiamo un team internazionale dedicato allo scouting in questo ambito, che sfrutta vari software in grado di individuare le prossime rising star, e - più in generale – fornisce report di data analysis sui diversi mercati a livello globale. Io resto convinta che, in tema di A&amp;R, siano i rapporti umani a fare la differenza: lo vedo dai legami che i miei colleghi hanno instaurato con gli autori più giovani, con le etichette indipendenti, con i manager e con tutti i nostri interlocutori. Si inizia sempre da un primo contatto, e poi si cresce: da un rapporto umano il più delle volte nasce una relazione professionale, destinata col tempo ad ampliarsi. 
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Ribaltando la prospettiva, come si lavora - in Italia - un catalogo gigantesco come quello (globale) di Sony Music Publishing?

Possiamo dire di essere i più grandi publisher al mondo, con milioni di canzoni presenti nei repertori che controlliamo. E noi, per sfruttarli al meglio, dobbiamo conoscerli alla perfezione. Non è una cosa da poco: c’entra la passione, senza dubbio, ma serve anche tanto studio. Far utilizzare in Italia il nostro catalogo internazionale è relativamente semplice, soprattutto quando si tratta di artisti iconici come i Beatles o i Queen: la forza di quei nomi parla da sé. La vera sfida, però, è far percepire alla committenza quanto un brano senza tempo possa realmente arricchire un progetto creativo — che si tratti di una campagna pubblicitaria o di una scena cinematografica. In un contesto economico complesso come quello attuale, è ancora più importante saper raccontare e valorizzare il potenziale emotivo e narrativo della musica. Non possiamo però affidarci soltanto alla determinazione di chi si rivolge a noi: abbiamo obiettivi internazionali ben precisi da rispettare, anche in termini di budget. In aziende come la nostra, il ritorno sugli investimenti — soprattutto quando si parla di cataloghi — è fondamentale. Detto questo, il lavoro che personalmente trovo più stimolante è quello “a specchio”: riuscire a piazzare un brano italiano all’estero. Non è semplice, per evidenti barriere linguistiche e culturali, ma ci siamo tolti delle belle soddisfazioni. L’anno scorso, ad esempio, un importante brand inglese ha sincronizzato il brano “L’estate sta finendo” in una campagna pubblicitaria. A ben vedere, non è così strano: è vero, è una canzone profondamente italiana, ma è anche un piccolo capolavoro pop, con un’identità musicale così forte da superare i confini linguistici. 
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Che rapporto avete con i music supervisor di piattaforme come Netflix?

Siamo in ottimi rapporti con i music supervisor delle piattaforme, sono il tramite essenziale per entrare in contatto con le produzioni. E, in questo senso, stiamo andando oltre. Per esempio, abbiamo in essere rapporti di consulenza diretti con le produzioni stesse, che ci permettono di essere parte attiva ai progetti fin dalle primissime fasi di lavorazione. Abbiamo poi siglato una partnership con uno sceneggiatore di spicco del mercato cinematografico, che pone la musica in una posizione fondamentale già dall’elaborazione dello script, prima ancora di andare sul set. 
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In questo senso il presidio nella Capitale è stato fondamentale?

Sì, assolutamente. Cinema e musica sono spesso due mondi separati, che raramente dialogano in modo naturale. Avere un team presente sul territorio, capace di interagire quotidianamente e con sensibilità condivisa con i propri interlocutori, è stato determinante. La possibilità di costruire relazioni dirette, al di là degli schermi e delle call su Teams, ha fatto la differenza. Alla fine, sono sempre le persone – e il modo in cui sanno interpretare e coltivare i rapporti – a determinare la qualità delle connessioni professionali. 
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Le riunioni da remoto sono una delle tante cattive abitudini ereditate dal periodo del Covid che non siamo ancora riusciti a perdere…

Purtroppo è così. Stiamo parlando di progetti artistici, dove il confronto diretto, fisico, è fondamentale per comprendere le ragioni del proprio interlocutore, e per trasmettere l’essenza del proprio messaggio. Sono cose impossibili da fare, da remoto. E poi sfido chiunque a rimanere concentrato alla settima video-call della giornata. La vera differenza l’abbiamo percepita nel rapporto con i nostri artisti dopo l’apertura degli studi in house [nel quartier generale di Milano, in via Vespri Siciliani, ndr]. Niente Whatsapp, messaggi, chiamate, Zoom o altro. Ci vediamo in fondo al corridoio e ci beviamo un caffè… 
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Un dato comune a tutte le ultime earnings call delle multinazionali è stato il sorpasso del publishing sulla musica registrata nelle percentuali di crescita: ti sei fatta un’idea di quali siano le ragioni?

Non credo si tratti di una bolla o di un rimbalzo, anche se lo slancio del settore live, che sta effettivamente registrando numeri mai visti, effettivamente ci fa gioco. Credo che il publishing sia il segmento al quale restano margini di crescita più ampi: mi riferisco agli accordi di licenza con le piattaforme digitali, che stanno iniziando a pagare, ai contratti di rilievo chiusi con le aziende televisive, e anche al miglioramento del trattamento da parte dei DSP tradizionali. Come comparto abbiamo ancora molto da dimostrare… 
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Linee di ricavo nel segmento dell’intrattenimento digitale considerate per il momento accessorie - come, per esempio, il gaming - sono da tenere in considerazione?

Senz’altro. Come gruppo Sony abbiamo un collegamento diretto con la divisione dedicata all’elettronica di consumo, ma anche con Playstation; quindi, è nel DNA del gruppo immaginare di sfruttare i nostri asset al meglio collaborando tra consorelle a livello internazionale. In Italia lo sviluppo di videogame non è un segmento ancora molto sviluppato, ma non è affatto da escludere che in futuro lo sarà. E noi dovremo farci trovare pronti, soprattutto con il repertorio italiano… 
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In questo senso sono le richieste del mercato a orientare la produzione?

Certo. E’ l’autore, in casi come questi, a guadagnare non solo in termini finanziari, ma anche di visibilità. Mi riferisco sia agli autori “puri” che ai cantautori o compositori che vogliano ampliare il proprio raggio d’azione. Noi diamo un brief agli autori riguardo le richieste della committenza, proprio per indirizzarli a seconda dei vari utilizzi richiesti, che riguardino cinema, TV, pubblicità, videogiochi o altro. Può essere il brano, in sostanza, a seguire l’utilizzo. 
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A livello internazionale, Sony Music Publishing negli ultimi anni ha messo a segno acquisizioni importanti come quelle relative ai repertori di Bruce Springsteen e Queen: ci sono programmi analoghi, nel prossimo futuro, che riguardano anche il panorama italiano?

Assolutamente sì. In Italia ci sono cataloghi molto interessanti, che rientrano nei nostri obiettivi. Che si tratti di offerte provenienti direttamente dagli artisti, o da società di edizioni, se sono sul mercato per noi sono opportunità da valutare. Se penso al nostro catalogo attuale, che incorpora anche quello che fu di EMI, credo che una delle porzioni di repertorio meno presidiate sia quello relativo alle opere italiane anni Ottanta: quello, per esempio, potrebbe essere uno dei nostri obiettivi prioritari. Tuttavia, non abbiamo nessuna intenzione di porci alcun paletto dal punto di vista temporale: il nostro lavoro è continuare ad arricchire il catalogo. In questa prospettiva, quindi, più opere acquisiamo meglio è.

Sony Music Publishing Italy, così inizia un nuovo corso

Pop italiano, roster e acquisizioni: gli obiettivi raccontati dalla nuova MD Margherita Gnech

Margherita Gnech è stata nominata nuovo Managing Director di Sony Music Publishing Italia, la divisione editoriale della major <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751349/sony-music-publishing-italia-lascia-roberto-razzini">guidata, fino alla metà dello scorso mese di aprile, da Roberto Razzini</a>.

Come Managing Director, Gnech sarà responsabile della supervisione delle attività creative e commerciali di Sony Music Publishing Italia, “guidando - come precisato dall’azienda in una nota - la crescita e l'innovazione dell'azienda in uno dei mercati musicali più dinamici d'Europa”. Operativa dagli uffici di Milano, Gnech riporterà direttamente al Presidente Internazionale di Sony Music Publishing Guy Henderson.

“Assumere il ruolo di Managing Director è un traguardo significativo nel mio percorso professionale, del quale vado fiera”, ha dichiarato Gnech: “Credo in un modello di editoria musicale audace, collaborativo e profondamente impegnato a mettere al primo posto gli autori. Sono entusiasta di guidare questo nuovo capitolo insieme a un team di colleghi di eccezionale talento, la cui passione e dedizione sono al centro di tutto ciò che facciamo”.

“Margherita porta con sé un ampio ventaglio di competenze e, per il ruolo che va a ricoprire, un’intelligenza rassicurante”, ha aggiunto Henderson: “Ha una visione chiara del futuro creativo della nostra azienda e darà un contributo fondamentale al settore dell'editoria musicale in Italia. Le sue relazioni all'interno della nostra rete globale saranno fondamentali per continuare a espandere la presenza dei cantautori italiani nel mondo”.

Durante la sua permanenza in azienda, Gnech - precisa Sony Music Publishing - “ha svolto un ruolo fondamentale nel crescente successo dell’azienda in Italia, costruendo un dipartimento legale e commerciale di eccellenza e offrendo un approccio audace e collaborativo ai servizi di songwriting della nostra società”.

Laureata in Giurisprudenza all’Università Cattolica di Milano nel 2015, con Master in Tech Law &amp; Digital Transformation presso la TopLegal Academy nel 2019, Gnech - dopo un periodo di apprendistato presso gli uffici milanesi dello studio Osborne Clarke terminato nel 2018 - ha debuttato professionalmente come Associato presso Simmons &amp; Simmons, dove si è occupata di Technology, Media &amp; Telecommunications e Data Protection. Nel 2020 è entrata nell’organico di Sony Music Publishing Italia, dove fino al 2023 ha ricoperto il ruolo di Senior Legal &amp; Business Affairs Manager, per poi passare all’incarico di Head of Business &amp; Legal Affairs.

Sony Music Publishing Italia, Margherita Gnech è la nuova MD

La nomina ‘interna’ della già Head of Business & Legal Affairs

Sembrano confermate le voci, pur in assenza di una comunicazione ufficiale, secondo le quali&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748940/valorizzare-la-musica-ovunque-la-visione-di-roberto-razzini">Roberto Razzini</a> ha lasciato Sony Music Publishing Italia, nella quale ha trascorso tre anni: dal marzo del 2022, infatti, vi ricopriva la carica di Managing Director.

Razzini è una figura di riferimento dell'editoria musicale italiana, in cui opera da trentacinque anni, gran parte dei quali trascorsi&nbsp;a capo di Warner Chappell Music Italia, di cui diciannove nel ruolo di Managing Director (era entrato in azienda nel 1990 come Product Manager presso la consociata Nuova Carisch, che si occupava della produzione e distribuzione di pubblicazioni musicali e spartiti).&nbsp;

Roberto Razzini, che è anche un autore avendo&nbsp;pubblicato nel 2020 il libro “Dal Vinile a Spotify – quel che resta sono le canzoni”&nbsp;(edito da People nella collana People Records, allora diretta dal cantautore Paolo Benvegnù), è attualmente membro del Consiglio di Gestione della <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/siae-169382">SIAE</a>.

Sony Music Publishing, lascia Roberto Razzini

L'ex Managing Director è un veterano dell'editoria musicale italiana

Sony Music Publishing è partner di Saifam Group per il progetto “Music Now!”, nell’ambito del quale è stata avviata la collana “The Original Soundtrack Series”: il progetto riproporrà mensilmente, con uscite tanto nei negozi di dischi fisici quanto negli store digitali, alcune tra le colonne sonore più celebri, per la prima volta pubblicate in un box speciale contenente vinile colorato e CD.

Tra le opere interessate dall’operazione ci sono quelle di maestri come Ennio Morricone, Piero Piccioni, Gato Barbieri, Armando Trovajoli e Riz Ortolani: in diversi casi, i vinili conterranno molte tracce mai pubblicate prima su questo formato o presenti solo nella prima stampa dell’epoca. Gli artwork delle uscite sono completamente nuovi e creati ad-hoc per questa collana: i primi titoli, già disponibili nei negozi di musica e negli store digitali, sono “100.000 Dollari Per Ringo” di Bruno Nicolai, “Alzati Spia” di Ennio Morricone, “Ultimo Tango A Parigi” di Gato Barbieri, a cui seguiranno “Cadaveri Eccellenti” di Piero Piccioni, “Dramma Della Gelosia” di Armando Trovajoli, “Nuovo Cinema Paradiso” di Ennio Morricone (disponibili dal 21 marzo), “Non Si Sevizia Un Paperino” di Riz Ortolani e “Vedo Nudo” di Armando Trovajoli (in uscita il 18 aprile).

Sony Music Publishing e Saifam, tornano le grandi colonne sonore

Come parte del progetto congiunto 'Music Now!' ecco ‘The Original Soundtracks Series’

Considerare il proprio lavoro “il più bello del mondo” dopo qualche anno è entusiasmo: continuare a farlo dopo trentacinque anni è vocazione. Roberto Razzini, che nel publishing musicale opera dal 1990, continua a pensare di essere un privilegiato, professionalmente parlando. Dal marzo del 2022 alla guida di Sony Music Publishing Italy dopo oltre trent’anni a capo del distaccamento italiano di Warner Chappell Music Italia (diciannove dei quali nel ruolo di Managing Director), Razzini ha un modo allo stesso tempo ortodosso e rivoluzionario di interpretare il ruolo dell’editore: là dove il settore nel quale opera si è distinto - negli ultimi anni - per (talvolta spettacolari) politiche di acquisizione di cataloghi, il suo approccio si distingue per una sensibilità artistica nella valorizzazione dei repertori, che pone il publisher come importante parte attiva non solo dell’ecosistema musicale, ma dell’intera industria creativa. Perché - ci ha spiegato - “la musica non ha una collocazione precisa, perché il suo posto è ovunque”: l’importante, ovviamente, è saperla collocare, con il dovuto gusto, rispetto e - ovviamente - per il bene degli autori… 
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Il “backstage” del “caso De Gregori”

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748687/francesco-de-gregori-principe-sync-pubblicita-enel-canzoni">L’operazione sugli spot Enel per “La storia siamo noi” e “Sempre per sempre” di Francesco De Gregori</a> “ci ha tenuti impegnati per mesi, ed è stata molto, molto più di una sincronizzazione. Immaginate un artista come De Gregori, un autentico gigante del cantautorato italiano”, spiega Razzini: “Non solo ha concesso due sue canzoni per una campagna pubblicitaria televisiva, ma le ha anche reincise lavorando con la produzione sui tagli durante il processo che ha portato al montaggio finale. E’ stato un grandissimo lavoro di squadra, dove Sony Music Publishing Italia è stata capace di mettersi al servizio del cliente riuscendo a rendere possibile la creazione di un prodotto commerciale dall’anima artistica”. 
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Sync, o del “valore immenso della musica”

“Ci sono cataloghi, come quello dei Queen, che a livello globale rappresentano una certezza in termini di redditività, ma tra i titoli che fatturano di più a livello globale, tra quelli che Sony Music Publishing ha in pancia, c’è ‘L’estasi dell’oro’ di Ennio Morricone”, spiega Razzini: “E’ perennemente in sincronizzazione: ancora oggi, solo in Italia, l’abbiamo in due spot. Ricordate, quella musica della scena del cimitero in ‘Il buono, il brutto, il cattivo’? Se si considera la forza della fusione tra musica e immagini, e se si pensa che questo brano - uscito quasi sessant’anni fa - ancora oggi è così diffuso e apprezzato, come definire una sincronizzazione? Un’operazione commerciale o di valorizzazione di un’opera d’arte, magari con la complicità dell’autore - si veda il caso De Gregori - ove possibile?”.

“Brani come ‘Walk on the Wild Side’ o ‘A Kind of Magic’, in questo senso, sono una certezza”, prosegue il MD di Sony Music Publishing Italy: “Continuano a farci crescere, anno dopo anno: quando si parla di sync, ovvero affidarsi alla valore immenso che la musica riesce a imprimere alla comunicazione, il catalogo, specie se importante come il nostro, conta più della hit del momento”. 
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Lavorare per (e con) il cinema e la TV

Lo scorso giugno Sony Music Publishing Italia ha annunciato l’apertura di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745159/sony-music-publishing-nuovi-uffici-del-reparto-film-and-tv-a-roma">un nuovo ufficio a Roma esclusivamente dedicato al mondo del cinema e della televisione</a>. “Quando si lavora per il cinema si entra attivamente a far parte del processo di produzione: benché oggi la tecnologia offra diverse possibilità per comunicare, il presidio fisico è indispensabile”, riflette Razzini: “Quello per il grande e il piccolo schermo è un lavoro basato molto sulle relazioni personali, che spesso vanno al di là delle riunioni di lavoro. Essere presenti a Roma ci permette di avere una costanza nei rapporti capace di farci andare oltre i singoli accordi: i mondi del cinema e della televisione hanno bisogno di trovare partner di fiducia in grado di essere presenti durante tutte le fasi della produzione, dalla sceneggiatura fino al montaggio passando per le riprese e la produzione. Non si tratta, semplicemente, di trovare la canzone giusta per la scena giusta: talvolta sono gli sceneggiatori che ci chiedono suggerimenti sugli ascolti per scrivere una scena, mettendo la canzone alla base del processo creativo. E’ una cosa che va molto oltre il semplice concetto di ‘colonna sonora’: talvolta è la musica a far nascere una scena, non il contrario”.

“Essere una società che opera a livello internazionale e titolare di un catalogo talmente importante ci permette di rapportarci in modo particolare con i music supervisor, ponendoci non solo come realtà in grado di licenziare il proprio repertorio, ma anche come partner in grado di offrire un know how in grado di rispondere alle richieste diverse di clienti diversi: possiamo trovare un’opera che risponda alle diverse esigenze - grazie a un sistema informatizzato di pitching che mette in collegamento in tempo reale i repertori di tutte le 54 filiali a livello globale - o collaborare per creare un commento musicale inedito”, racconta Razzini: “In sostanza, non si tratta semplicemente di quotare una canzone per una determinata scena: quello che facciamo è lavorare in modo sartoriale sui singoli progetti, spaziando dal catalogo al repertorio frontline del nostro gruppo, puntando molto - a livello globale - sulle attività local”. 
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Valorizzare prima di monetizzare: la musica ubiqua

Sony Music Publishing, negli ultimi mesi, ha siglato partnership con realtà non convenzionali - almeno per quanto riguarda l’editoria musicale - come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746063/sony-music-publishing-partner-di-musicomics-2024">Musicomics</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746435/venezia-sony-music-publishing-partner-di-kilian-paris">Kilian Paris</a>: questo tipo di operazioni, racconta Razzini, vanno al di là del task tradizionale dei music publisher, per abbracciare una filosofia ben precisa e molto più profonda. “Un repertorio così ampio, variegato e trasversale come quello di Sony Music Publishing mi permette di avere un punto di osservazione privilegiato: ovunque ci sia un contenitore di creatività commerciale, la musica ha sempre l’opportunità di inserirsi, perché è uno strumento di comunicazione - e, perché no, di marketing - dalla potenza incredibile. Siamo noi editori, quindi, che non dobbiamo porci dei limiti, al di là del mainstream e dei numeri sui DSP: il nostro lavoro, all’interno della filiera, è il più ‘antico’ - 250 anni, per la precisione, anno più, anno meno - proprio perché solo relativamente legato alla tecnologia che permette la fruizione delle opere. L’editore deve acquisire repertorio inedito, dargli innanzitutto dignità, tutela e gestione, e poi fornire gli strumenti per garantire uno sviluppo che non sia banalmente sinonimo di mercificazione, ma di sviluppo e diffusione commerciale che comporti un introito per gli autori e un consolidamento - non solo economico - del loro repertorio. Credo sia il lavoro più bello del mondo”. 
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Superare sync e sonorizzazioni: un nuovo approccio al lavoro del publisher

Detto che non c’è un “posto giusto” per la musica, perché - appunto - la musica può essere valorizzata ovunque, quali sono le nuove frontiere da esplorare perché l’editoria musicale continui nella propria fondamentale missione di sostegno e promozione di autori e opere? “Occorre superare i concetti di sincronizzazione e sonorizzazione, per iniziare a pensare alle opere come elementi di co-marketing e co-branding più specifici e verticali”, spiega Razzini: “La musica ha una versatilità, una fruibilità, una elasticità e un'adattabilità uniche, proprio in quanto prodotto immateriale: io non sono un creativo, ma devo mettere a disposizione degli autori, che lo sono, i contesti giusti per permettere loro di dare sfogo alla loro creatività. Oggi i marchi sono alla ricerca di elementi distintivi, in grado di comunicare un’identità e un posizionamento precisi, e la musica e gli artisti, in questo senso, possono essere determinanti, a livello creativo prima ancora che di mero marketing. Quindi non vedo particolari ambiti specifici - che siano l’automotive, la moda, o altro - ma più un approccio nuovo, rivoluzionario: si tratta, in sostanza, di far dialogare il mondo degli artisti con quello dei brand, non - banalmente - di promuovere un marchio facendo indossare a un interprete un determinato vestito sul palco di Sanremo. Mi riferisco a partnership molto identitarie, come quella tra i Maneskin e Gucci, dove l’artista non è un semplice testimonial, ma quasi un partner: credo che, in questa direzione, ci sia ancora molto margine di crescita, soprattutto per operazioni ad hoc. In un contesto del genere, deve essere la sensibilità dell’editore nei confronti del catalogo che gestisce ad accendere delle nuove opportunità nel portare progettualità inedite”.

Il “patrimonio di memoria” sul quale l’Italia è seduta

“C’è una società del gruppo Sony Music Publishing, EMI General Music Publishing Srl, che a inizio degli anni Novanta ha acquisito General Music, publisher fondato da giganti delle colonne sonore come Morricone, Trovajoli, Piccioni e Bacalov che gestiva i loro cataloghi. La piattaforma alla quale abbiamo licenziato i diritti fonografici online delle nostre colonne sonore, OkMusic, mi ha fornito insight relativi alle opere ascrivibili al catalogo di General Music che mi hanno fatto riflettere”, spiega Razzini: “Piccioni, per esempio, oggi è popolarissimo su TikTok. Apparentemente, è un fenomeno inspiegabile. Tuttavia, ascoltando le composizioni di Piccioni, ci si può rendere conto come la sua scrittura sia in verità molto attuale, sia per i canoni del format short video sia per il gusto contemporaneo per la selezione dei sample da parte degli artisti e dei produttori di oggi”.

“Questo - precisa Razzini - ci fa capire quanto sia importante l’eredità delle opere che gestiamo. Se, da un lato, la riscoperta sulle piattaforme è importante, dall’altro il lavoro generale di ricontestualizzazione e di valorizzazione delle opere supera la monetizzazione, e riguarda essenzialmente la conservazione di una memoria che oggi, grazie al superamento delle barriere geografiche concesso dal digitale, offre delle enormi potenzialità”. 
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Il ruolo dell'editore, tra passato e futuro

Quello del publisher è un lavoro complesso, che ha nel proprio raggio d'azione un territorio decisamente vasto, all'interno del quale – tuttavia – per orientarsi è necessario osservare una regola fondamentale. “Tenere la musica sempre al centro - osserva Razzini – mettendosi al servizio di autori e produttori, con i quali è indispensabile instaurare un rapporto di collaborazione e sviluppo molto stretto al fine di perseguire il risultato comune di consolidare i repertori e insieme portarli all’attenzione del mercato, con qualsiasi strumento a nostra disposizione. Insomma, essere i partner più vicini degli artisti, quelli di ieri così come quelli di domani”. Pensare al futuro, oggi più che mai, è quanto mai strategico, non solo in chiave artistica: Sony Music Publishing Italy, da ormai quasi un anno, è partner di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743894/futures-italian-scouting-project-un-progetto-formatico-di-woodworm">Futures</a>, iniziativa avviata da Woodworm Publishing finalizzata alla ricerca non solo di giovani autori e artisti, ma anche di aspiranti professionisti da inserire nell'industria musicale. “E' una ricerca per così dire a doppio spettro”, conclude Razzini: “dal punto di vista sia artistico sia manageriale. Ed è estremamente interessante: lo scopo è rendersi disponibile come interfaccia sul mercato per cercare nuovi autori, nuovi cantautori, nuovi player, e - dal punto di vista manageriale - qualcuno che voglia diventare un A&amp;R di un editore, di un'etichetta, o di un'agenzia di booking, e che provenga da un percorso diverso da quelli ormai considerati istituzionali nel nostro settore. Credo sia proprio quest'ultima la cosa più stimolante di questo progetto: se le nuove leve vengono formate tutte allo stesso modo il rischio è che – insieme al loro percorso educativo - si standardizzi anche la loro visione. E questo, oggi soprattutto, non ci aiuta”.

'Valorizzare la musica, ovunque': la visione di Roberto Razzini

'Al servizio di autori e opere': parla il Managing Director di Sony Music Publishing Italy

Sony Music Publishing Italia ha conquistato due premi alla passata edizione dei SIAE Music Awards, tenutisi sabato 23 novembre presso il Superstudio Più di Milano a conclusione dell’ottava edizione della Milano Music Week. La divisione editoriale della major si è aggiudicata i riconoscimenti nelle categorie Best Recorded Track (per “Rewind”, di Vasco Rossi / Gaetano Curreri – Emi Music Publishing / Giamaica) e Miglior Canzone Italiana all’Estero (per “I’m Good (Blue)”, di Maury / Jeffrey Jey / Massimo Gabutti / Kamille (BMI) / Philip Plested (ASCAP) / David Guetta (SACEM) / Bebe Rexha (BMI) – GZ2538 / DiPiù / Sony Music Publishing Italy / BMG Rights Management).

Sony Music Publishing Italia era in lizza alla seconda edizione dei SIAE Music Awards anche nelle categorie Miglior Canzone - Club con “I’m good (Blue)” (Maury / Jeffrey Jey / Massimo Gabutti / Kamille (BMI) / Philip Plested (ASCAP) / David Guetta (SACEM) / Bebe Rexha (BMI)), nella categoria Miglior Canzone - Locali con Musica Live con “Caruso” (Lucio Dalla), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv con “Per Elisa – Il caso Claps” (Matteo Buzzanca), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Film Streaming con “Era ora” (Santi Pulvirenti), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv Streaming con “Odio il Natale 1” (Emanuele Bossi / Michele Braga) e nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv Streaming con “Questo mondo non mi renderà cattivo” (Giancane / Valerio Smordoni).

Sony Music Publishing Italia, due premi ai SIAE Music Awards

Nelle categorie Best Recorded Track e Miglior canzone italiana all’Estero

Sony Music Publishing Italia ha annunciato il trasferimento del proprio quartier generale a Milano, fino a oggi stabilito in via Albricci: dal prossimo 9 dicembre la divisione editoriale della major guidata nel nostro Paese da Roberto Razzini si sposterà al numero 9 di via Vespri Siciliani, sempre nel capoluogo lombardo.

Nel proprio roster Sony Music Publishing Italia conta artisti come - tra gli altri - Ennio Morricone, Pino Daniele, Franco Battiato e Måneskin, oltre che - a livello internazionale - star come&nbsp;Ed Sheeran, Beatles, Beyoncé, Queen, Rihanna, Lady Gaga, Pharrell Williams, Bruce Springsteen&nbsp;e&nbsp;AC/DC.

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Sony Music Publishing Italia, nuovi uffici a Milano

La divisione editoriale della major si trasferisce in via Vespri Siciliani

Tra gli eventi che hanno inaugurato la prima giornata di questa&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, si è tenuto il panel&nbsp;"How to break down International Music barriers", organizzato da&nbsp;Sony Music Publishing.&nbsp;L'incontro ha avuto come ospiti Nasra Artan, Head of International A&amp;R di Sony Music Publishing, e il producer danese Lukas BL.

A introdurre il talk sono stati&nbsp;Claudia Zaffarano, Alberto Grimaldi, entrambi A&amp;R Managers di Sony Music Publishing; a moderare l'incontro&nbsp;Niccolò Murgia di Launcher Music.

Claudia Zafferano ha presentato&nbsp;il focus dell'incontro, dichiarando: “Negli ultimi anni è emersa la necessità di far crescere il nostro Paese e, in generale, l’Europa attraverso collaborazioni internazionali. Per questo motivo è stata creata una nuova figura professionale, ricoperta da Nasra Artan, che guida un team dedicato a creare maggiori opportunità di collaborazione tra i roster di Sony Music Publishing in tutto il mondo, soprattutto nel genere Urban.”

Nasra Artan ha illustrato i progetti di Sony Music Publishing per supportare e promuovere i propri artisti a livello globale, citando iniziative come i summer camp organizzati in città come Milano, Miami, Barcellona, Madrid, Polonia e Sudafrica. Questi eventi hanno l'obiettivo di abbattere le barriere territoriali e creare una comunità musicale globale. Artan ha spiegato: “Abbiamo uffici in tutto il mondo: Colombia, Scandinavia, Italia, Nigeria, Cina, Argentina, Regno Unito, Spagna, e così via. Siamo costantemente in comunicazione per creare opportunità internazionali per i roster locali. Negli ultimi due anni, ci siamo concentrati molto sulle collaborazioni globali, ponendoci domande come: ‘Come possiamo far lavorare qualcuno dalla Svezia con qualcuno di New York?’ La musica, indipendentemente dalla lingua, può sempre connettere le persone e generare opportunità".

Artan ha citato il successo della canzone "Big Dawgs" del rapper Hanumankind e del producer Kalmi, due artisti emergenti dall’India, che è diventata virale negli ultimi mesi su piattaforme come TikTok, YouTube e altri servizi di streaming. Questo caso dimostra come artisti inizialmente sconosciuti possano raggiungere un pubblico internazionale.

Tra le nuove iniziative di Sony Music Publishing c’è il progetto Breakfast Writer, avviato a Londra. Durante questa attività, i talenti hanno l'opportunità di collaborare creativamente e comprendere il funzionamento dell'industria musicale, ad esempio attraverso presentazioni sui sistemi di distribuzione delle royalties.

Lukas BL, presente all’evento, ha raccontato il suo percorso: “Vengo dalla Danimarca e produco musica da 10 anni. Tutto è iniziato come un hobby: creavo beat e li pubblicavo su YouTube. Con il tempo, ho preso questa passione sempre più sul serio, tanto da lasciare il mio lavoro, nonostante le perplessità di mia madre. Ho costruito la mia rete di contatti in Danimarca partecipando a sessioni e collaborazioni. Per emergere, ho inviato i miei beat e loop a vari gruppi e piattaforme come Spotify, ottenendo gradualmente visibilità. L’anno scorso ho firmato un contratto con Sony Music Publishing. Da allora ho viaggiato molto e ho condiviso la mia musica con molte persone. Durante questi viaggi, è fondamentale costruire connessioni e collaborazioni, e il mio A&amp;R mi ha supportato molto, fin dal primo giorno in cui sono arrivato a Londra, dove ho incontrato Alberto e Claudia. Grazie a loro, ho costruito legami importanti che mi hanno aiutato nel mio percorso artistico".

Il panel si è concluso con una riflessione di Nasra Artan sui mercati emergenti: “È fondamentale creare collaborazioni musicali globali, coinvolgendo produttori locali e giovani talenti. Mercati come Medio Oriente, Nord Africa, India e Africa Occidentale stanno guadagnando sempre più rilevanza accanto a quelli tradizionali, come Stati Uniti e America Latina, offrendo nuove e stimolanti opportunità creative e produttive".

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MMW24, il panel Sony Music Publishing con Nasra Artan e Lukas BL

Sono intervenuti Nasra Artan, Claudia Zaffarano, Alberto Grimaldi e Lukas BL

“Sincronizzazioni, un futuro da scrivere” è uno dei talk che Rockol presenterà in occasione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, in programma martedì 19 novembre alle ore 11 presso la Sala Viscontea.

Il focus di questo workshop sarà il settore della sincronizzazione musicale (sync) che, un tempo marginale, è oggi al centro della trasformazione digitale grazie alle piattaforme DSP. Questa crescita offre nuove opportunità di ricavo, rilanciando cataloghi e aprendo mercati e spinge professionisti e aziende – major e indie – a rivedere le proprie strategie, adattandosi all’evoluzione delle interazioni tra musica e audiovisivo e cercando nuovi modi per promuovere un consumo musicale redditizio e costruttivo.

Interverranno: Roberto Razzini (Managing Director, Sony Music Publishing Italy), Elisabetta Biganzoli (Executive Director, Sugarmusic Group); Antonella Zappietro (Synch &amp; Licensing Manager, Edizioni Curci), Francesco Brambilla (Branded Entertainment Director Camelot).

L’ingresso sarà gratuito e su prenotazione.

MMW24, il talk “Sincronizzazioni, un futuro da scrivere”

Con Roberto Razzini, Elisabetta Biganzoli, Antonella Zappietro e Francesco Brambilla 

Si terrà lunedì 18 novembre alle ore 18 il talk “Sony Music Publishing – How to break down International Music barriers” presso il 21 House of Stories Navigli, presentato da Sony Music Publishing Italia.

Nasra Artan, Head of International A&amp;R&nbsp;di Sony Music Publishing, analizzerà le iniziative con cui SMP sostiene lo sviluppo degli artisti a livello globale con l’obiettivo di abbattere le barriere geografiche e favorire una comunità musicale internazionale, ricca di contaminazioni culturali.

L’evento - nell'ambito dell'<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>&nbsp;- è gratuito, accessibile fino a esaurimento posti.

MMW24, il talk Sony Music Publishing sulle barriere territoriali

Con Nasra Artan, Head of International A&R di Sony Music Publishing

I La Rappresentante di Lista sono stati premiati al Musicomics - il Premio Romics Musica per Immagini, concorso dedicato agli artisti che operano nel campo delle colonne sonore per cinema, tv e videogames tenutosi dal 3 al 6 ottobre scorsi a Roma nel contesto della 33ª edizione di Romics, il festival internazionale del fumetto, animazione, cinema e games - con un riconoscimento per la Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi: il duo composto da Veronica Lucchesi e Dario Mangiaracina ha conquistato i favori della giuria grazie a “Questo corpo”, brano inserito nella colonna sonora del film “Gloria!” di Margherita Vicario.

“Siamo felici e orgogliosi di aver premiato La Rappresentante di Lista per la Miglior Sincronizzazione”, ha dichiarato Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing: “Protagonista di “Gloria!” di Margherita Vicario è sicuramente la musica. Una musica che concede rivalsa e liberazione a queste giovani musiciste del Veneto di inizio ‘800 protagoniste del film e, di riflesso, allo spettatore. In questo contesto e con le stesse finalità, si inserisce anche l’originale e volutamente anacronistico utilizzo del brano ‘Questo corpo’ interpretato in scena dalla stessa Veronica Lucchesi in uno dei momenti più toccanti del film”.

Il dipartimento Film &amp; TV di Sony Music Publishing Italia è stato partner di Romics per la terza edizione di Musicomics: il Premio Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi è stato istituito - spiegano gli organizzatori - per “valorizzare l’eccellenza nell’integrazione e nell’uso della musica all’interno di film, serie TV o altri contenuti audiovisivi”.

Sony Music Publishing, i LRDL premiati a Musicomics

Per la Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi

Sony Music Publishing - insieme a Woodworm - è partner di Old Fashioned Party, evento di Kilian Paris in programma domani, sabato 31 agosto,&nbsp;presso la Palazzina Grassi, a Venezia, in occasione della ottantunesima edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia. Nel corso della serata si esibiranno in altrettanti dj-set Michael Salamon, Simon Says &amp; Estremo e Margherita Grechi.

La partnership con Woodworm e Kilian Paris in occasione di Old Fashioned Party a Venezia - ha fatto sapere l’azienda in una nota - “conferma la presenza di Sony Music Publishing non solo nell’ambito audiovisivo italiano e internazionale, ma anche tra i grandi brand del fashion e della moda”.

Venezia, Sony Music Publishing partner di Kilian Paris

L’evento in programma domani nell’ambito della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica

Sony Music Publishing è partner della 3ª edizione di Musicomics – Premio Romics Musica Per Immagini, il concorso dedicato agli artisti che operano nel campo delle colonne sonore per cinema, tv e videogames che si svolge dal 3 al 6 ottobre a Roma in occasione della 33ª edizione di Romics, il festival internazionale del fumetto, animazione, cinema e games.

Romics ha intrapreso un percorso dedicato alla musica e alle sue connessioni con l’animazione, il fumetto e la multimedialità. Nel percorso di valorizzare la produzione musicale italiana, nasce la collaborazione tra Romics e il dipartimento Film &amp; TV di Sony Music Publishing, che assegnerà il Premio Miglior Sincronizzazione “per progetti audiovisivi", ideato "per valorizzare l’eccellenza nell’integrazione e nell’uso della musica all’interno di film, serie TV o altri contenuti audiovisivi”.

“L’istituzione di questo Premio è volta non solo a premiare la creatività nell’abbinamento tra musica e immagini. Ad un livello più profondo, costituisce anche un primo passo verso il riconoscimento dell’importanza del lavoro di consulenza musicale che viene svolto in Italia ogni anno da molti professionisti del settore audiovisivo – ha fatto sapere, in una nota, Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing – È l’occasione per parlare di un mestiere spesso ignoto ai più ma che contribuisce attivamente a esaltare la narrazione cinematografica o seriale. Come dipartimento Film &amp; Tv di Sony Music Publishing (Italy) non possiamo che essere onorati di prendere parte attivamente a questo evento”.

Sony Music Publishing partner di Musicomics 2024

‘Non possiamo che essere onorati di prendere parte attivamente a questo evento’

Giada Crisci è entrata nell’organico di Sony Music Publishing Italy come Junior A&amp;R Manager. Prima di essere inserita nel team guidato da Roberto Razzini, Crisci ha ricoperto il ruolo di Publishing Assistant presso Sugarmusic, dove si è occupata - tra le altre cose - di consulenze musicali per le sincronizzazioni del catalogo e dell’organizzazione di sessioni di scrittura.&nbsp;

Laureata all’Università degli Studi eCampus nel 2020 in Letteratura, Arte, Musica e Spettacolo, Crisci ha conseguito un master all’Università IULM di Milano in Editoria e Produzione Musicale.

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Sony Music Publishing Italy, entra Giada Crisci

Come Junior A&R Manager, in arrivo da Sugarmusic

Futures – Italian Scouting Project, ultima creatura di Woodworm Publishing, management e label di base aretina fondata nel 2011 da Marco Gallorini e Andrea Marmorini, entra oggi nel vivo.

Il progetto andrà alla ricerca degli artisti del futuro, costruendo una nuova comunità di addetti ai lavori attraverso delle call to action per A&amp;R e giovani progetti musicali. 

Da oggi sono aperte le iscrizioni sul sito www.futuresitalia.com.

Condividono con Woodworm questa iniziativa tre partner di rilievo, che hanno aderito al progetto per quanto riguarda l’aspetto discografico, editoriale e live: si tratta rispettivamente di Universal Music Italia, Sony Music Publishing e Magellano Concerti. Partner tecnici del progetto sono About Srl e Whodo. 

È Marco Gallorini, CEO di Woodworm e della casa editrice Wudz, nonché socio di About, società di comunicazione e new business, e Whodo, agenzia di produzione, a raccontare la nascita del progetto e le idee che ne stanno alla base: 

<blockquote>
Negli ultimi anni abbiamo avvertito la forte necessità di lavorare a un progetto che permetta a giovani artisti e a futuri addetti ai lavori di entrare nel mercato musicale in modo diverso. 
Una strada nuova, presupposti&nbsp;diversi. Le attuali regole del gioco ci vanno strette, si parla troppo poco o per nulla di valori, di formazione, di progettualità, il mercato è appiattito su pochi generi, si preferisce il tutto subito a tutti i costi a percorsi di crescita sostenibili che mirino a creare basi solide, umane artistiche e professionali. Alcune tra le principali aziende attive nel music business e molti live club sosterranno questa visione e ci supporteranno nello sviluppo di un progetto che cercherà di portare nuove riflessioni e nuove dinamiche nella costruzione dei professionisti del domani, siano essi musicisti o addetti ai lavori.
</blockquote>

Roberto Razzini, Managing Director di Sony Music Publishing Italia, ha dichiarato:

<blockquote>
Quando Marco Gallorini mi ha presentato il progetto Futures, ho immediatamente dato la totale disponibilità di Sony Music Publishing e mia personale a sostegno della iniziativa.&nbsp;In un mercato sempre in grande espansione e trasformazione, abbiamo bisogno di iniziative che si prendano l’impegno, oltre che di trovare nuovi talenti artistici, di fare formazione per i nuovi professionisti del settore. Il “Sistema&nbsp;Musica”, grazie alle nuove tecnologie a disposizione e ai grandi processi di rinnovamento che da sempre lo caratterizza, ha costantemente bisogno di nuove professionalità, adeguate e pronte, nel raccogliere e gestire le sfide del futuro. Sono persuaso che questa iniziativa avrà un considerevole riscontro tra gli appassionati di musica che desiderano fare della loro passione, il proprio futuro professionale.
</blockquote>

Da queste premesse nasce un manifesto di valori che Futures mette in campo e che va a ricercare: 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;ORIGINALITÀ – la prima domanda che ogni artista deve porsi: sei originale o sei la copia di qualcosa che già esiste? Futures cerca originalità, non necessariamente la perfezione e soprattutto invita i partecipanti a essere sé stessi al di là del suono.&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;TALENTO – Il progetto non ricerca la voce perfetta, non cerca il virtuoso fine a se stesso, cerca talento e il talento non è calcolo, ma qualcosa di cui innamorarsi. 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PASSIONE – senza una grande passione in questo lavoro gli ostacoli e le difficoltà possono fermare il giovane artista ai primi inciampi.&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;LAVORO – la storia ci insegna che senza tanto lavoro, sacrifici, errori e sconfitte è impossibile costruire percorsi di successo, se questo spaventa, dicono gli organizzatori, Futures non è il progetto giusto 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PROFESSIONALITÀ – l’iniziativa mette a disposizione un team di professionisti seri. solidi e tangibili, alcune tra le migliori aziende si occuperanno dello sviluppo dei partecipanti e poiché il music business non è un gioco, viene data e chiesta grande professionalità&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PROGETTUALITÀ – Futures vuole costruire percorsi duraturi, solidi, e sostenibili; per farlo occorre guardare più lontano di come spesso avviene nell’attuale mercato discografico, occorre impostare una velocità di crociera che permetta una crescita sostenibile come artista e come persona 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;RISPETTO – l’organizzazione richiede grande esigenza rispetto di sé stessi, dei colleghi e del team che lavora con i giovani artisti. 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;FORMAZIONE – Uno degli scopi del percorso è di contribuire all’innalzamento del livello medio di formazione nel settore sia per addetti ai lavori che per artisti. Persone formate e preparate sono professionisti più forti e consapevoli. 

La prima call to action riguarderà la ricerca di un network di giovani appassionati di musica su tutto il territorio italiano con la prospettiva di sviluppare nuovi professionisti del settore. Il progetto Futures ricercherà non solo gli artisti del domani ma anche i futuri professionisti di età compresa tra i 18 e i 29 anni, che verranno selezionati, formati e introdotti nel mercato attraverso le grandi aziende del settore. 

La commissione di Futures valuterà motivazioni e soft skills dei candidati e li inviterà ad un confronto dal vivo per far emergere le loro capacità e la loro attitudine verso il mondo del music business. Ai migliori profili selezionati verrà offerta una formazione intensiva e la possibilità di svolgere uno stage in aziende come Woodworm Publishing, Universal Music Italia, Sony Music Publishing, Magellano Concerti. 

La seconda call to action sarà invece dedicata agli artisti e ai produttori musicali tra i 16 e i 29 anni, che potranno presentare on line il proprio progetto in cinque categorie: cantautorato, alternative, rap, urban, electro. Gli artisti selezionati da una commissione tecnica composta da A&amp;R di Woodworm ed altri addetti ai lavori, parteciperanno ai Futures Day. 

La commissione si riserverà di valutare e selezionare i migliori progetti visionati che saranno proposti a: Woodworm (sviluppo manageriale e discografico), Universal Music Group (sviluppo discografico), Sony Music Publishing (sviluppo autoriale), Magellano Concerti (sviluppo live). Alcuni tra i progetti proposti verranno firmati dalle aziende partner e avranno a disposizione un team di professionisti per lo sviluppo della propria carriera. 

I Futures Day oltre a dare spazio a nuovi addetti ai lavori e a progetti artistici avranno anche un “terzo tempo”: una occasione per dibattere su tematiche legate al mondo del music business con la presenza di importanti addetti ai lavori, artisti, media, e chiunque intenda partecipare da spettatore attivo. Aperitivo, birretta e discussione aperta. 

I Futures Day si svolgeranno nell’autunno del 2024 nelle seguenti città. 

MILANO&nbsp;– 12 ottobre 
BOLOGNA&nbsp;– 22 ottobre&nbsp; 
VERONA&nbsp;– 29 ottobre&nbsp; 
ROMA&nbsp;– 6 novembre&nbsp; 
TORINO&nbsp;– 13 novembre&nbsp; 
NAPOLI&nbsp;– 19 novembre 
PALERMO&nbsp;– 4 dicembre&nbsp; 
AREZZO&nbsp;– 12 dicembre&nbsp;

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Le location verranno comunicate nelle prossime settimane.

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Futures – Italian Scouting Project: alla scoperta del futuro

Il progetto formativo per artisti e operatori del settore musicale. Aperte da oggi le iscrizioni

Nel pomeriggio di giovedì 23 novembre, Base – via Borgognone 34, Milano - &nbsp;ha ospitato “Musica e Fin-tech: royalties e cataloghi tra tecnologia e finanza”, il panel co-prodotto da Rockol MusicBiz ed Elled Law Firm, dedicato al rapporto e alle dinamiche (presenti e future) tra musica e tecnologia.

Sono intervenuti Roberto Razzini (Sony Music Publishing Italy), Lorenzo Rigatti (Blockinvest) e Daniela De Bellis (Elled Law Firm); a moderare l’incontro è stato l’amministratore delegato di Rockol Giampiero Di Carlo.

Il dibattito è iniziato con la spiegazione del ruolo che ha l’editore all’interno dell’industria musicale; Razzini ha chiarito: “L’editore ha un ruolo molto importante e radicato nel musicbiz perché ha lo scopo di trovare una soluzione per far affermare gli autori nel mercato: è l’inizio del ciclo produttivo. Il diritto d’autore è la remunerazione per l’attività creativa per autori e l’editore è il punto di riferimento. Non dimentichiamoci che il primo supporto per diffondere la musica è stato lo spartito, solo successivamente grazie alla tecnologia, ci sono stati altri strumenti che hanno contribuito alla missione. Quindi, ben vengono i processi tecnologici di innovazione. L’esperienza, però ha fatto maturare una riflessione: lo sviluppo tecnologico se non è accompagnato da norme giuridiche diventa uno strumento negativo che toglie risorse al mondo della musica, che vive principalmente di diritti. Le norme sono fondamentali per aiutare i player a disciplinare il mercato affinché la comunità creativa venga protetta e capace di sostenersi. Abbiamo attraversato momenti complicati quando siamo passati dallo stato solido (formato fisico) a quello liquido (download); adesso siamo a quello gassoso (streaming)”.

La musica è uno di quei settori che più subisce le conseguenze dell’evoluzione tecnologica, con annesso tutti i cambiamenti del caso; ma gli autori, quanto sono consapevoli di questi procedimenti?

Razzini ha continuato: “È complicato trovare una collocazione tra la necessità e consapevolezza tra gli aventi diritto. Il nostro è un lavoro tecnico che necessita di una preparazione non solo da chi sta dietro la scrivania, ma anche dagli autori che devono avere consapevolezza dei loro diritti: è questo il passaggio dall’essere un hobby ad un vero lavoro che permette di pagare le bollette di viverci. Oggi le nuove generazioni hanno poca consapevolezza dei meccanismi e delle logiche del diritto d’autore perché c’è stata una crescita molto veloce – e il periodo pandemico non ha aiutato - e questa generazione ha perso quel passaggio di conoscenze e apprendimento: questo è molto pericoloso. C’è un gap culturale – una mancanza di conoscenza - che andrebbe colmato sulla figura dell’editore, anche perché non è un lavoro i cui risultati si vendono nell’immediato come può essere per altri scomparti (il live, il booking, per esempio): c’è molta differenza nei tempi e nella complessità. È importante pensarci, specialmente se si guarda al futuro e al rapporto con le royalties”.

Sul tema della ripartizione delle royalties il moderatore Di Carlo si è soffermato per illustrare le dinamiche scaturite (anche) dalla nascita di start up come Royal, SongShare, Beatbread e Jukebox (solo per citarne alcune).

“Le royalties sono sempre state centrali e lo sono ancora di più nello streaming – ha spiegato l’ad di Rockol - C’è un dibattito sul metodo di ripartizione, a maggior ragione con l’influsso dell’AI. Fintech e musica si incrociano perché la musica è considerata dal mondo della finanza un asset; quindi, soggetto a valorizzazione e attività di trading. Quello che bisogna capire è quanto l’incrocio tra musica, finanza e tecnologia porti verso gli investitori individuali; fino ad oggi musica e finanza sono stati soprattutto in una dimensione b2b, ma grazie alla blockchain e alla decentralizzazione e alla tecnologia sono nate delle startup che stanno facendo un lavoro interessante, ognuno a sua modo come Royal, SongShare, Beatbread e Jukebox. Il fintech è entrato nella musica e aperto tante porte: la canzone come asset per generare ritorni ricorrenti. Daniela, qual è il freno legale?”

Daniela De Bellis ha presentato l’attuale quadro normativo, spiegando: “Spesso gli interventi legislativi e regolamentari rincorrono la rivoluzione tecnologica: quando si parla di asset digitali si fa riferimento ad una strategia di finanza digitale che è arrivata solo, per esempio, dopo che è nata la società di Lorenzo Rigatti, Blockinvest. Oggi la normativa c’è perché abbiamo la Digital finance package, costituita da tre pilastri: pilot regime, il MiCA (che disciplina le cripto attività) e DORA. Facendo riferimento al discorso sulle startup, molte di queste avranno vita breve perché si basano sulla rappresentazione dei diritti di credito come NFT, ma dal punto di vista legale non c’è una definizione normativa perché è un qualcosa di non fungibile, non ha un’identità tale per cui ogni token è diverso dall’altro”.

Partendo da quest’ultimo punto, Lorenzo Rigatti ha descritto cosa fosse un NFT, aggiungendo: “Voglio porre l’accento su questo: la tecnologia deve essere funzionale al business, l’evoluzione del settore va verso la democratizzazione e dare la possibilità di investire e fruire. È qui che entra in gioco l’NFT, un oggetto digitale, una tipologia di token che è la traduzione dei diritti incapsulati nel token stesso: grazie a questa tecnologia si riesce a traferire la titolarità dei diritti agli autori (tokenizzazione). Nel settore finanziario quando si parla di processi consolidati è più complicato per il processo e coinvolgere i diversi attori; quindi, è necessario unire i punti, la parte tecnologica con quella finanziaria. Per quanto riguarda l’AI, questa può avere dei risvolti pericolosi e la blockchain può intermediare perché è nata in modo democratica, è human centric e riesce a tradurre delle logiche di business e metterle dei confini”.

Roberto Razzini ha esposto il punto di vista di una società di publishing: “Vi confesso: sono perplesso. Il lavoro che viene fatto per creare un repertorio parte da un’attività artigianale ed è un processo valido ancora oggi; sono perplesso nell’industrializzare questa fase perché la musica non è fungibile: è un processo di costruzione che necessita dell’intervento dell’editore e si rinnova su base quotidiana. Inoltre, questo discorsa sta sfumando con i tassi di interesse rialzati (basti pensare al caso Hipgnosis): la musica non è più appetibile come qualche anno fa. Questo lavoro di ricerca e creatività necessita di una professionalità, non è legato solo a un discorso di monetizzazione finanziaria”.

È con questa riflessione che i professionisti salutano il pubblico; l’invito (di Razzini): “La musica non è solo un prodotto finanziario: è emozione”.

MMW23, musica, tecnologia e fin-tech: scenari e prospettive

Sono interventi: Roberto Razzini, Daniela De Bellis e Lorenzo Rigatti

La decisione è clamorosa e rischia di mettere la parola fine a quello che era conosciuto come Hellwatt Festival e successivamente Pulse of Gaia: al termine di una riunione in Prefettura con il sindaco di Reggio Emilia, il presidente della Provincia, il questore, oltre a rappresentanti di&nbsp;Carabinieri, Guardia di Finanza,&nbsp;Vigili del Fuoco e la dirigenza di C.Volo e Coopservice, l'autorizzazione ai concerti di Kanye West e Travis Scott è stata negata e lo svolgimento del live vietato.

La decisione emerge in seguito a istanze presentate dal CODACONS e dalla Comunità ebraica di Modena e Reggio Emilia, ma riguarda soprattutto aspetti concernenti la sicurezza e la tutela dell'ordine pubblico. La nota della prefettura spiega che è stato "tenuto conto della stretta connessione temporale tra le manifestazioni e dell’elevato afflusso di pubblico previsto nell’arco di 24 ore. Sulla valutazione complessiva hanno, inoltre, assunto rilievo l’annullamento di precedenti concerti del&nbsp;rapper&nbsp;statunitense (Kanye West, ndr) in altri paesi e il concreto rischio di contromanifestazioni".&nbsp;

RCF Arena, Prefettura vieta i live di Kanye West e Travis Scott

La decisione "per motivi di ordine pubblico"

Nel corso di un’intervista ad Andrea Laffranchi per il Corriere della Sera, Elisa ha lasciato intendere che possa esistere un nesso tra le sue prese di posizione politiche e il ritiro di un sostegno istituzionale a una manifestazione che aveva organizzato.

Parlando della posizione espressa da Francesco De Gregori riguardo <a href="https://www.rockol.it/news-759201/de-gregori-c-e-bisogno-che-springsteen-dica-di-essere-contro-trump">l’impegno politico espresso dagli artisti</a>, la cantante friulana ha spiegato:

<blockquote>
“C’è chi ha combattuto per la libertà, come mio nonno partigiano che fu prigioniero a Buchenwald. Manifestare è parte della democrazia, è pericoloso quando aleggia anche solo il pensiero di renderlo illegale. Ho manifestato a Pordenone con i ragazzi per Gaza: ero in prima fila”
</blockquote>

Poi, la stoccata all’amministrazione guidata da Massimiliano Fedriga:

<blockquote>
“Forse è solo un caso, ma la Regione Friuli ha tolto i contributi al festival fluttuante che avevo organizzato l’anno scorso dopo che ho partecipato a quelle manifestazioni”
</blockquote>

Il “festival fluttuante” alla quale fa riferimento l’artista è “Tramonti a Nord Est”, rassegna - ideata da Elisa ed Elena Toffoli (quest'ultima sorella maggiore - e manager, tramile la società&nbsp;Asile Management -&nbsp;dell'artista, nonché fondatrice di&nbsp;E.M. Corporation Agency,&nbsp;agenzia che opera nel settore del mondo dello spettacolo e nell’organizzazione di eventi per enti pubblici e privati)&nbsp;e prodotta da Friends &amp; Partners con il sostegno di Regione Friuli Venezia Giulia e PromoTurismoFVG - che, tra il 27 e i 29 giugno del 2025 -&nbsp;aveva visto la stessa Elisa, insieme ad Emma e Dardust, esibirsi su tre palchi installati tra le Rive della città di Trieste, il Golfo di Monfalcone e la Laguna di Grado/Marano.

Elisa

Elisa, il mancato finanziamento al suo festival e Regione FVG

La cantante: ‘Forse è un caso, ma dopo aver manifestato per Gaza a Pordenone…’

Goigest, l’agenzia di comunicazione fondata da Dalia Gaberscik (nella foto, in prima fila, con il vestito rosso, insieme al suo staff), ha festeggiato quarant’anni di attività: le ricorrenza è stata celebrata nella serata di ieri, mercoledì 26 maggio, con una festa al Garden Loft, in zona Bovisa, a Milano.

“All’inizio era partita come un festeggiamento riservato ai nostri gruppi di lavoro e alle professioniste e professionisti che sono passati, negli anni, dal nostro organico", ha spiegato Gaberscik: “Poi gli inviti si sono allargati e la festa è diventata enorme. Sono venute moltissime persone, veramente oltre ogni nostra aspettativa: abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che non solo fa piacere, ma fa anche bene”.

Goigest, oggi, opera attraverso diverse divisioni, guidata da Ilaria Melotti per la Musica, Stefano Schintu per i Brand, Valeria Castelli per l’Entertainment, con Chiara Amendola a capo del Digital Marketing, Rosaria Sindona alle International Relations, Betta Bergonzi ai General Affair e Carola Leonardi come referente Finance.

“Mi sono divertita un sacco”, ammette Gaberscik a proposito dei quarant’anni nel settore della comunicazione: “Ho avuto la fortuna di trovare un lavoro che fosse il mio più grande divertimento, e che più mi ha consentito di vivere bene. E che ancora oggi mi diverte. Perché ho iniziato con uno stage come ufficio stampa al Teatro di Porta Romana, a Milano, e sostanzialmente non sono mai cambiata: il mio lavoro è rimasto quello. Io sono rimasta quella di sempre, anche se il mondo intorno a me è cambiato: nei nostri uffici ho visto sfilare prima il fax, poi le email, e oggi i social. Tuttavia, nonostante non sia la più giovane del team, resto comunque la più curiosa. Ma è il lavoro che mi ha portato a essere così: restare sempre aggiornati non è solo un desiderio, è anche una necessità”.

Come si guarda al futuro stando al timone di un'azienda che ha&nbsp;passato&nbsp;la boa dei quarant’anni di attività? “Non ho mai pianificato nulla”, spiega - divertita - Gaberscik: “Non ho mai pensato, all’inizio, che da grande avrei aperto Goigest, e che sarebbe diventata così articolata. Quindi non inizierò certo a fare programmi adesso: fino a quando ci divertiremo, staremo bene, avremo il privilegio di lavorare su bei progetti e belle storie, andremo avanti. Poi ci sono i responsabili delle divisioni e dei relativi gruppi di lavoro. Avere dei compartimenti così collegati tra loro è un po’ la peculiarità della nostra agenzia, e - per me - non c’è cosa più bella che vederli così coesi:&nbsp;spero che anche loro si divertano come mi sto divertendo io, e che possano andare avanti con questo spirito”.

Goigest festeggia quarant’anni di attività

Dalia Gaberscik: ‘Abbiamo ricevuto una valanga di affetto. E’ una cosa che fa bene’

La grande mutazione dell’industria musicale degli ultimi 20 anni, streaming a parte? In una parola: i cataloghi.

Che non sono più soltanto patrimonio editoriale o discografico, ma strumenti finanziari valutati su flussi prevedibili, multipli, rischio di decadimento, potenziale sync e rivendibilità. Anche perché “catalogo” è una parola comoda, ma che a suo modo rischia di essere imprecisa: può indicare master, publishing, quote di diritti, diritti amministrati ma non posseduti, oppure asset controllati direttamente. E la differenza non è nominale: cambia il perimetro dei ricavi, il potere di autorizzare gli usi, la forza nel sync, la possibilità di rilanciare il repertorio e, quindi, il multiplo riconoscibile in una transazione.

Il lavoro dei DSP ha reso i ricavi musicali più leggibili, ricorrenti e modellizzabili, attirando capitale finanziario e incrementato i multipli. È così che il mercato dei cataloghi è passato da opportunità contrarian ad asset class finanziaria, lasciandosi alle spalle i giorni più bui del music business, dominati da pirateria e incertezza sui modelli viabili. Oggi abbiamo un mercato irriconoscibile rispetto a quello di allora, in cui operatori finanziari, fondi, acquirenti strategici e artisti in cerca di cash-out hanno mutato il panorama dell’economia della musica.

Ma quanto è stabile e duratura questa postura industriale?

<h3>Il futuro, non il passato</h3>

Cè un aspetto che si impone subito all’attenzione di chi decide sui cataloghi: il valore di un catalogo dipende dalla “durata culturale”, non solo dal successo storico. Per esempio, perché certi cataloghi ascrivibili al classic rock sembrano essere mediamente più attraenti e costosi di quelli country, dance o hip-hop? Questione di genere? Non necessariamente. Si tratta, semmai, di un misto tra “ampiezza dell’ascolto”, durata dell’interesse e velocità di decadimento dei ricavi. Ci sono hit gigantesche nel momento che, però, non riescono a restare culturalmente rilevanti vent’anni dopo. Come dire: il catalogo non vale perché “ha avuto successo”, ma perché si presume che continui a generare attenzione, usi e ricavi nel tempo. Il vero parametro non è la nostalgia, ma la resilienza culturale. Un evergreen vale perché attraversa generazioni, contesti e piattaforme; una hit momentanea può avere numeri enormi ma una curva di decadimento molto più ripida.

<h3>WTF?!? Il peso dei testi - e quello del sync</h3>

La rilevanza è, anche, funzione dei testi che, diversamente dalla melodia e dal genere, hanno una possibilità superiore di resistere alle tendenze; possono effettivamente essere spontaneamente sempreverdi. E, per versi differenti e complementari, l’impatto di un testo sul valore di un catalogo dipende anche dalla sua elasticità d’uso: se un brano è infarcito di turpiloquio, per estremizzare, può essere più difficile da usare in cinema, TV, advertising o altri contesti di licensing. Non basta che la musica sia forte o potenzialmente adatta; deve essere anche sfruttabile in contesti audiovisivi e commerciali.

Nel dibattito sui cataloghi spesso si guarda soprattutto allo streaming come a una sorta di meta-metrica, ma il criterio industriale di valutazione è più sofisticato di così: il valore di un catalogo dipende molto, infatti, anche dalla sua elasticità d’uso. Un catalogo vale di più se può vivere in film, serie, spot, trailer, documentari, biopic, videogiochi, UGC e cover. Il sync diventa quindi non un ricavo accessorio, ma una componente della valutazione. Ed ecco un’altra distinzione decisiva: il valore finanziario di un catalogo non coincide sempre con il suo valore operativo. Il primo misura la prevedibilità dei flussi; il secondo dipende dalla capacità di chi compra — o amministra — di far circolare nuovamente quelle opere: sync, biopic, campagne su anniversari, campionamenti, nuove versioni, licensing internazionale, UGC. A parità di repertorio, il valore cambia se il catalogo viene semplicemente detenuto o se viene lavorato come una piattaforma di sfruttamento culturale e commerciale.

<h3>L’invisibilità dell’autore</h3>

Un investitore che sborsa fino a centinaia di milioni per acquisire un catalogo è chiamato a soppesare il rischio dell’operazione. E, spesso, il nome di quel rischio coincide con quello dell’artista titolare del catalogo. Il suo potenziale di suscitare scandali e, più in generale, la qualità della sua reputazione, sono elementi di valutazione di un certo peso.

Viene da sé che il rischio economico è superiore quando il catalogo è legato a un’identità pubblica viva, poiché potrebbe sempre manifestarsi in qualche modo negativo. Ed occorre anche distinguere tra artisti pubblicamente esposti (performer) e autori. I quali, a differenza dei primi, sono spesso invisibili al pubblico. È’ una considerazione che introduce un tema cruciale: il catalogo non è un asset neutro. Quando è legato a un artista vivente e molto visibile, il rischio reputazionale può incidere sul valore, sulle opportunità di licensing, sulla disponibilità dei brand a usare quei brani e sulla percezione del mercato. È una forma di “artist risk” che diventa parte della due diligence, accanto a diritti, flussi e contratti. Il catalogo legato a un autore, in questo contesto, risulta più “neutro”.

<h3>Gli evergreen nell’era dell’abbondanza musicale</h3>

I Queen, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745288/queen-vendita-diritti-discografici-sony-music-accordo-cifra-record">passati di mano per una miliardata buona</a>, sono un marchio vecchio di decenni. Anche per episodi come questo la domanda più frequente, in tema di cataloghi, è: ma tra 30, 40 o 50 anni questi artisti e i loro pezzi continueranno a restare nel mainstream culturale? Il potenziale di Kanye, Dua Lipa, Marra e Sfera può paragonarsi a quello di Beatles, Mina, Battisti e Dalla?

Viviamo un’epoca di passaggio, in cui la fruizione della musica non dipende dall’età del repertorio, ma dal cambiamento delle abitudini ancora in atto. Oggi sappiamo già percepire istintivamente quale possa essere l’impatto di molta più musica disponibile, di una maggiore scelta, di ascolti più frammentati, di una soglia di attenzione bassa e decrescente. E di una possibilità di scoperta di nuova musica inferiore, perché inversamente proporzionale alla massa di artisti e brani disponibili.

È qualcosa che suscita un dubbio strategico profondo.

Tutta la finanza dei cataloghi si basa sull’idea che certi brani abbiano una vita molto lunga e relativamente prevedibile. Ma se l’ascolto diventa più disperso, se le nuove generazioni non ereditano gli stessi canoni, se l’attenzione si distribuisce su nicchie infinite, allora anche la nozione di catalogo “evergreen” va riconsiderata. È il rischio sistemico del mercato: non il singolo deal sbagliato, ma il possibile indebolimento del concetto stesso di permanenza culturale.

La stagione dei cataloghi non è certo finita, ma è entrata in una fase più adulta. Non basta più comprare repertorio: bisogna capire quali canzoni hanno ancora capacità di circolare, essere riusate, generare immaginario, attraversare piattaforme e parlare a pubblici che non le hanno vissute nel loro tempo. Il catalogo resta uno degli asset più potenti della musica. Ma non assomiglia né a un bene immobile, né a un diamante. È un’altra cosa. È memoria che deve continuare a funzionare come presente.

Non è mica un diamante. Un catalogo non è per sempre.

Multipli, sync, reputazione, nuove abitudini d’ascolto: le hit valgono quanto sanno sopravvivere

L’acquisizione degli asset GEDI da parte del gruppo europeo&nbsp;Antenna Group&nbsp;(famiglia Kyriakou) accende i riflettori sul comparto audio di Elemedia (Radio Deejay, Capital, M2O). Ma le recenti indiscrezioni svelate da&nbsp;Andrea Biondi su&nbsp;Il Sole 24 Ore&nbsp;— che parlano di trattative serrate con&nbsp;Warner Bros Discovery&nbsp;per portare il marchio&nbsp;CNN&nbsp;in Italia e di un accordo con&nbsp;DAZN&nbsp;per un notiziario video in app — dimostrano che la radio, oggi, non può più vivere di sola modulazione di frequenza. La strategia del gruppo greco punta a creare un ecosistema multimediale totale, dove l'audio si fonde con lo streaming e il video. Una mossa che costringe l'intero panorama radiofonico italiano, a partire dalla Rai, a ripensare i propri confini.

<h3>Il ruolo del Servizio Pubblico</h3>

Davanti all'ingresso di questa nuova corazzata multimediale, gli occhi del mercato sono puntati sulla&nbsp;Rai, che affronta questa fase di cambiamento forte della sua leadership istituzionale e culturale. Canali storici come&nbsp;Radio 1, Radio 2, Radio 3&nbsp;e l'eccellenza digitale di&nbsp;RaiPlay Sound&nbsp;rappresentano da sempre il punto di riferimento assoluto per l'informazione e il racconto del Paese. La solidità del giornalismo del Servizio Pubblico e la sua capillarità sul territorio sono un patrimonio unico, difficilmente scalabile da player esteri.

In questo scenario, le manovre di Antenna Group non fanno che confermare la bontà della strada crossmediale già intrapresa da Via Asiago. La Rai, infatti, ha già ampiamente dimostrato di saper anticipare i tempi unendo l'audio al video con enorme successo: basti pensare alla rivoluzione della visual radio di&nbsp;Radio 2, grazie a programmi cult come quello di&nbsp;Fiorello&nbsp;o a esperimenti di grande seguito come&nbsp;La Pennicanza.

L'arrivo di nuovi concorrenti internazionali diventa così una grande opportunità per valorizzare ulteriormente questi asset: una convergenza sempre più stretta con la piattaforma RaiPlay e lo sviluppo di podcast nativi di altissimo livello confermano la Rai come il perno centrale attorno cui continuerà a ruotare l'evoluzione del panorama multimediale italiano.

<h3>Il Risiko dei Competitor: Mediaset e i grandi indipendenti</h3>

L'effetto domino generato da Antenna Group non risparmierà gli altri colossi del mercato:

RadioMediaset:&nbsp;Forte della sua leadership commerciale nel giorno medio, il gruppo guidato da&nbsp;Paolo Salvaderi&nbsp;dovrà accelerare sulla profilazione digitale avanzata. Per difendere i propri budget pubblicitari dall'attacco di GEDI, Mediaset dovrà rendere le proprie app e i propri contenuti on-demand ancora più appetibili per la Gen Z.

I Grandi Editori Indipendenti:&nbsp;Emittenti pure come&nbsp;RTL 102.5, RDS, Radio Italia&nbsp;o&nbsp;Radio Kiss Kiss&nbsp;dovranno fare leva sulla loro straordinaria reattività editoriale e sulla capacità di presidiare il territorio con grandi eventi live. La loro forza resta il contatto diretto e "fisico" con il pubblico, un terreno meno aggredibile dalle sinergie transnazionali del gruppo greco.

<h3>Non solo Manzoni: la sfida totale delle Concessionarie Pubblicitarie</h3>

In questo contesto di profondo cambiamento, la vera partita economica si giocherà sulla capacità delle concessionarie di vendere non più il singolo "spazio tabellare in FM", ma l'utente unico cross-piattaforma.

Se la storica&nbsp;Manzoni&nbsp;(GEDI) dovrà dimostrare di saper monetizzare un pubblico che si sposta tra radio, app e video, i competitor sono tutt'altro che impreparati:

Rai Pubblicità:&nbsp;Gioca in una posizione di assoluto vantaggio, forte di un modello commerciale che integra già perfettamente la potenza della TV generalista, la capillarità di Rai Radio e la profilazione digitale di piattaforme come RaiPlay e RaiPlay Sound. Per gli investitori, la concessionaria di C.so Sempione rappresenta una garanzia di qualità editoriale e massima copertura crossmediale.

Le concessionarie dei grandi indipendenti:&nbsp;Realtà agili come&nbsp;RDS Advertising&nbsp;e&nbsp;OpenSpace (RTL 102.5)&nbsp;hanno da tempo blindato i propri fatturati puntando sulla forza della&nbsp;Total Audio&nbsp;e su formati pubblicitari altamente personalizzati. La loro capacità di associare lo spot radiofonico ai grandi eventi sul territorio, alla visual radio e al digital garantisce una flessibilità e una vicinanza al target commerciale che i grandi gruppi transnazionali dovranno faticare per replicare.

La radio non sta scomparendo, al contrario: sta ampliando i suoi confini, e chi ha già saputo unire la forza della tradizione all'innovazione tecnologica è pronto a guidare il mercato dei prossimi anni.

GEDI e il piano Antenna: Radio, Tv e streaming nel dopo-frequenze

L’ingresso del gruppo greco scuote il mercato: dalle trattative per CNN in Italia alle news con DAZN

Gli U2 hanno annunciato l'ingresso dell’ex Global Head of Editorial di Spotify Sulinna Ong nel proprio team di management come partner, in un ruolo appositamente creato per la sua figura professionale. Ong lavorerà accanto a Irving e Jeffrey Azoff di Full Stop nella guida della gestione del gruppo, con focus su creatività e innovazione, e riporterà direttamente a Bono, The Edge, Adam Clayton e Larry Mullen Jr.. 
 
"Quello che ci ha colpito di Sulinna è l'estro, la finezza e la chiarezza che porta sia all'arte sia al pubblico”, ha fatto sapere in una nota la formazione irlandese, che quest’anno festeggia i propri cinquant’anni di attività: “Capisce ciò che abbiamo costruito e dove vogliamo portarlo". "La band ha fatto la scelta giusta”, ha aggiunto Azoff sr: “Sulinna è una delle migliori dirigenti nel settore musicale, con una carriera costruita su giudizio, gusto e un istinto per capire dove si trova la cultura ora e dove sta andando".

Prima di Spotify, Ong ha avuto esperienze professionali a Live Nation (come Director of International Marketing &amp; Artist Development) e Deezer (come Global Vice President). "I miei anni in Spotify sono stati una parte significativa della mia carriera e lascio il team lì con enorme rispetto per ciò che abbiamo costruito”, ha fatto sapere la dirigente in una nota: “Abbiamo piani ambiziosi per ciò che verrà dopo, e sono pronta a mettermi al lavoro".

All’inizio di questo mese la band <a href="https://www.rockol.it/news-758869/u2-street-of-dreams-anteprima-video-estratto-dal-nuovo-album">ha girato a Città del Messico il video di “Street of Dreams”</a>, brano inedito tratto dal prossimo album in studio del gruppo, annunciato in uscita più tardi quest'anno.

Gli U2 ‘rubano’ una dirigente a Spotify

Sulinna Ong ha lasciato il suo posto da Global Head of Editorial per unirsi al management della band

Con una breve nota stampa, l'organizzazione del festival Pulse of Gaia (precedentemente noto come Hellwatt Festival, previsto per tre weekend di luglio alla RCF Arena di Reggio Emilia e organizzato da C.Volo con l'attuale direzione artistica di Zamna) "prende atto della decisione della Prefettura di Reggio Emilia di vietare i concerti di Travis Scott e YE - Kanye West": il che presuppone che C.Volo&nbsp;non ha intenzione di presentare ricorso o altre forme di opposizione&nbsp;nei confronti della delibera in questione. I social di Pulse of Gaia (format internazionale che l'anno scorso ha avuto sede a Madrid, il cui marchio è&nbsp;di proprietà di Zamna) aggiungono sui loro social: "Siamo molto dispiaciuti che il festival non possa avere luogo anche il 17 e 18 luglio come originariamente pianificato. Allo stesso tempo, da parte di Pulse of Gaia l'impegno per portare avanti questo progetto è più forte che mai. Continuiamo a lavorare per la realizzazione di un festival unico e per dare vita a ciò che abbiamo sempre immaginato per il nostro pubblico".

I biglietti già acquistati&nbsp;verranno rimborsati attraverso i circuiti ufficiali di prevendita, che dovrebbero inviare una mail agli acquirenti entro il 4 giugno; sarà possibile richiedere il rimborso, comprensivo dei diritti di prevendita,&nbsp;entro il 19 luglio. Contrariamente a quanto si potrebbe pensare, però, la stessa nota lascia intendere che il festival (che prevede tra gli altri headliner gli Swedish House Mafia, Martin Garrix, Rita Ora, dj Snake e altri)&nbsp;si svolgerà comunque nonostante la cancellazione dei due eventi di punta: "Maggiori informazioni sullo svolgimento delle altre tre giornate del festival Pulse Of Gaia saranno comunicate il prima possibile", recita lo stesso comunicato. Anche i social di Pulse of Gaia sembrerebbero confermare questo: "Ci vediamo il 4, 5 e 11 luglio per ballare insieme a voi!" si legge in una storia pubblicata sabato sera.

Nel frattempo monta la protesta tra i fan di Travis Scott e Kanye West, che si stanno organizzando tramite social per creare gruppi di pressione e petizioni rivolte alle istituzioni nella speranza che rivedano la loro decisione e tornino sui loro passi. A queste iniziative dal basso, inoltre, va ad aggiungersi quella di Victor Yari Milani, fondatore ed ex direttore artistico di Hellwatt Festival che, come è noto, è stato allontanato dall'organizzazione qualche settimana fa.

In un post odierno sul profilo Instagram di Hellwatt Festival (tuttora attivo e in capo a lui), Milani rivela infatti che starebbe cercando di sondare con il team di Kanye West se fosse possibile "portarlo in una location vicina a Reggio Emilia sempre per il 18 luglio 2026", insinuando anche che "alcuni nostri amici competitor, che tanto hanno fatto per infangare e far cancellare Hellwatt Festival 2026, si divertono a inviare segnalazioni a Instagram per farci cancellare l'unico canale di comunicazione con voi". Invita inoltre tutti gli acquirenti dei biglietti a inviare via mail la documentazione delle spese sostenute per partecipare al concerto: "Raccoglieremo tutte queste prove per valutare una class action nei confronti dei gestori di RCF Arena", prosegue il post.

Pulse of Gaia: cosa succede dopo l'annullamento di Kanye e Travis

L'organizzazione 'prende atto' della decisione della prefettura. E…

Cyrille Bolloré, CEO del Bolloré Group, ha fatto sapere di aver esortato Universal Music a respingere l’offerta di acquisizione avanzata da Bill Ackman tramite la propria società di investimento, Pershing Square. Intervenendo all’assemblea annuale degli azionisti, Bolloré ha spiegato di non avere alcun motivo per dare il via libera all’operazione da 64 miliardi di dollari progettata da Ackman.

“Riteniamo che il prezzo sia assolutamente inaccettabile", ha dichiarato - come riferito da Reuters - Bolloré: "Non sta facendo un'offerta con i suoi soldi. Sono i nostri soldi, i soldi dell'azienda”.

Vincent Bolloré, il padre di Cyrille, detiene il 18,51% delle quote di Universal Music a titolo personale, e un altro 13,43% attraverso Vivendi, colosso finanziario del quale possiede poco meno del 30% del capitale: la posizione della famiglia Bolloré espressa dal CEO del gruppo, calcolando il peso della sulla proprietà dell’azienda, è quindi sufficiente a bloccare qualsiasi tentativo di accordo. Al momento, né Ackman né Universal Music hanno commentato ufficialmente le dichiarazione di Bolloré. Per mezzo di una nota ufficiale, la major aveva fatto sapere di non essere intenzionata a rilasciare commenti riguardanti la proposta di Pershing Square fino al completamento della revisione da parte del Consiglio di Amministrazione.

La dichiarazione rilasciata in queste ore da Bolloré si discosta da quanto dichiarato da Ackman lo scorso 8 aprile, all’indomani della presentazione della proposta. “Il Gruppo Bolloré controlla il 28% dell'attività. La transazione richiede il voto favorevole dei due terzi degli azionisti. Quindi senza Bolloré, l'operazione non si concretizza”, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758134/umg-acquisizione-pershing-square-ackman-ottimista-accordi-bollore">aveva spiegato Ackman</a>: “La mia prima telefonata di ieri è stata con loro, per condividere una sintesi generale della transazione. E le parole che ho ricevuto in risposta sono state: 'Questa è musica per le nostre orecchie'. Così abbiamo deciso di procedere e lanciare questa presentazione”.

La notizia ha ovviamente avuto impatto sull’andamento del titolo di UMG sulla piazza di Amsterdam: dopo aver aperto a 20,18 euro ad azione, all’annuncio della posizione di Bolloré le obbligazioni sono precipitate a 19,68 euro ad azione, per poi assestarsi verso metà giornata a quota 19,84 euro perdendo l’1,76% del proprio valore su base giornaliera. A fine giornata il titolo è stato scambiato a 19,77 euro, il calo del 2,65% rispetto al valore registrato all'apertura delle contrattazioni.

Universal Music, Bolloré respinge l’offerta di Ackman

L’azionista di maggioranza liquida il tentativo di acquisizione di Pershing Square

Achille Lauro è stato nominato direttore creativo di Dondup: la prima collezione realizzata sotto la supervisione dell’artista sarà presentata il prossimo 15 giugno in occasione della data che vedrà la voce di “Rolls Royce” protagonista allo stadio Meazza di San Siro, a Milano.

"Volevo creare qualcosa che restasse. Non come volto ma come autore”, ha dichiarato al proposito Achille Lauro: “Non un gesto, ma un progetto. L'inizio di un percorso creativo che nei prossimi anni influenzerà l'immagine, le collezioni e il posizionamento di Dondup - preservandone il DNA e rafforzandone l'identità. L'eleganza non è un accessorio, è un'attitudine, e la moda deve saperla raccontare”.

"Sono davvero felice che Lauro si unisca alla nostra squadra nel ruolo di direttore creativo di Dondup per una collaborazione di lungo periodo”, ha aggiunto Mauro Grange, CEO di Dondup: “Grazie alla sua profonda sensibilità artistica e al suo apprezzamento per il patrimonio del nostro marchio, sono sicuro che guiderà il team creativo con una visione distintiva contribuendo a scrivere il prossimo capitolo di Dondup, capitalizzando il suo heritage e portando grande valore al brand. Fin dai primi momenti c'è stata una bellissima sintonia tra noi due e non vediamo l'ora di realizzare grandi progetti insieme. Con Lauro De Marinis, Dondup continuerà a influenzare la moda e la cultura attraverso collezioni altamente desiderabili e con una prospettiva unica e contemporanea al lusso moderno".

Achille Lauro

Achille Lauro nominato direttore creativo di Dondup

‘Non un gesto, ma un progetto’

Spotify ha ulteriormente ampliato il ventaglio di contenuti audio inclusi nell'abbonamento introducendo nella propria offerta gli articoli - come “narrated articles” - di alcune riviste testate internazionali. Il team dell'azienda ha trasformato in audio in lingua inglese più di 650 articoli long-form, ascoltabili dagli abbonati dentro la loro quota mensile per gli audiolibri oppure acquistabili a 1,99 dollari ciascuno dopo l'esaurimento di quella disponibilità. Tra i partner - accanto a testate come Vogue, The Atlantic, Variety, GQ, Vanity Fair e Wired - figurano anche magazine musicali come Rolling Stone, Billboard, Vibe e Pitchfork. Secondo il DSP questo genere di contenuti potrà "consentire alle persone di provare ascolti più brevi, meno intimidatori, aprendo la porta a esplorare forme di ascolto più lunghe come i libri". La società punta così a consolidare la crescita già registrata negli audiolibri, con ore di ascolto aumentate del 60% nell'ultimo anno.

"Con Articles, introduciamo il giornalismo d'inchiesta in formato audio come naturale estensione della musica, dei podcast e degli audiolibri che già interessano agli utenti di Spotify, concentrandoci su argomenti che sappiamo essere di loro interesse", ha dichiarato Colleen Prendergast, responsabile delle licenze di Spotify Audiobooks: "Integrando contenuti più brevi, raggiungiamo il pubblico dove si trova, contribuendo a creare sane abitudini di ascolto e, in definitiva, ad aumentare l'interesse per i libri nel tempo".

“Siamo entusiasti di collaborare con Spotify in quella che consideriamo una sinergia naturale tra due piattaforme che celebrano la musica e la cultura”, ha aggiunto Julian Holguin, CEO di Rolling Stone: “Questa collaborazione con Articles ci permette di rafforzare il legame tra i nostri lettori e gli artisti, le storie e gli articoli che amano, offrendo al contempo un'opportunità di scoperta. Rendendo il giornalismo di Rolling Stone più accessibile su Spotify, siamo entusiasti di portare le nostre storie a un pubblico ancora più ampio”.

La stampa (anche musicale) arriva su Spotify

Sotto forma di ‘narrated articles’

Attraverso la sua newsletter inviata venerdì 22 maggio, <a href="https://www.rockol.it/artista/ed-sheeran">Ed Sheeran</a> ha annunciato il suo addio a Warner Music Group dopo 15 anni di collaborazione. Nel condividere la notizia, il cantautore britannico ha sottolineato che "non si tratta di una situazione del tipo 'artista scontento che lascia l’etichetta discografica'", spiegando di essere rimasto in ottimi rapporti con il team. Nel messaggio, la voce di "Thinking out loud" ha poi fatto sapere:

<blockquote>
"Questo è il percorso di un ragazzo che ha iniziato da adolescente in una major discografica, con priorità molto diverse rispetto a quelle dell’uomo e padre di due figli che è oggi. E che&nbsp;sente di aver bisogno di un cambiamento nel modo in cui affronta professionalmente le cose".
</blockquote>

Ed Sheeran aveva firmato con Asylum Records, sussidiaria britannica di Warner, mentre negli Stati Uniti i suoi album venivano pubblicati tramite Atlantic, altra etichetta del gruppo. Con loro il musicista&nbsp;ha pubblicato il suo primo album, “+”, nel 2011, per poi dare alle stampe anche “x”, “÷”, “–”, “=” e il nuovo inizio di serie “Play”. Mentre i suoi album più vecchi appartengono a Warner, i diritti delle uscite più recenti, incluso “Autumn Variations” del 2023, sono detenuti dalla sua etichetta Gingerbread Man e concessi in licenza a Warner.&nbsp;

Nella newsletter, Sheeran ha anche affermato: "Negli ultimi 15 anni ho pubblicato tantissima musica e ho avuto enorme successo con quella etichetta. Abbiamo costruito qualcosa di incredibile insieme e vissuto esperienze che ci hanno cambiato la vita". Ha aggiunto:

<blockquote>
"La mia vita oggi è decisamente diversa da quella che avevo quando ero adolescente, e da molto tempo sento dentro di me che molte cose della mia vita professionale devono cambiare. In fondo sono un cantautore che suona nei pub. E nel corso di questi 15 anni mi sono in qualche modo trasformato in questa popstar che riempie gli stadi. È una cosa straordinaria che sia successa, ma anche qualcosa di difficile da elaborare davvero".
</blockquote>

<div class='embed'><blockquote class="twitter-tweet">Ed Sheeran left Warner Music after 15 years: “My life is hugely different now to what it was when I was a teenager, and I’ve been feeling in my gut for a long time that a lot of things in my professional life need to change. I am, underneath it all, a singer songwriter who plays… <a href="https://t.co/5ydRzLbk4A">pic.twitter.com/5ydRzLbk4A</a>&mdash; Buzzing Pop (@BuzzingPop) <a href="https://x.com/BuzzingPop/status/2057838254364209648?ref_src=twsrc%5Etfw">May 22, 2026</a></blockquote>
<script async src="https://platform.x.com/widgets.js" charset="utf-8"></script>

</div>

Come ricordato da lui stesso nel messaggio,&nbsp;Sheeran iniziò a lavorare con Warner dopo un incontro casuale con Ed Howard, ex responsabile A&amp;R di Asylum, durante un concerto a Notting Hill. "Avevo 18 anni e finii per dormire a casa sua e della sua attuale moglie. Mentre ero lì gli feci ascoltare un sacco di musica e parlammo semplicemente della vita e di ciò che volevo fare", ha scritto il cantautore: "Onestamente all’epoca non sapevo che lui lavorasse per un’etichetta discografica. Pensavo solo fosse una persona simpatica che mi lasciava dormire sul suo divano. Ma il giorno dopo scoprii chi fosse davvero e iniziammo a parlare".&nbsp;Howard supportò&nbsp;Sheeran andando ai suoi "piccolissimi concerti nei pub dove non veniva nessuno", insieme a Ben Cook, che all’epoca guidava Asylum. Ed ha quindi narrato: "Quando uscì il mio EP di debutto 'No. 5 Collaborations'&nbsp;e mi offrirono un contratto, firmai immediatamente". E ha concluso:

<blockquote>
"Voglio troppo bene a quei ragazzi. Vorrò per sempre bene a&nbsp;Ed Howard e ad Asylum, e la porta resterà sempre aperta per il futuro. Grazie a tutti quelli di Warner nel mondo che hanno lavorato ai miei progetti negli ultimi 15 anni, è stato un viaggio incredibile. Sono entusiasta di vedere dove mi porteranno i prossimi 15 anni".
</blockquote>

Dal canto suo, il team di Warner Music Group ha dichiarato in un comunicato di essere "orgoglioso"&nbsp;di aver sostenuto Sheeran durante la sua "straordinaria ascesa negli ultimi 15 anni". Come riportato da <a href="https://www.musicweek.com/talent/read/ed-sheeran-to-leave-warner-music-after-15-years-we-ve-built-something-amazing-together/094184" target="_blank">Music Week</a>, il gruppo ha aggiunto:

<blockquote>
"Mentre continueremo a custodire il suo iconico catalogo guardando al futuro, faremo in modo che la sua musica continui a toccare i cuori e a far ballare le persone in tutto il mondo per generazioni. Tutta la famiglia Warner Music augura a Ed il meglio mentre intraprende il prossimo capitolo del suo straordinario percorso artistico".
</blockquote>

Ed Howard ha invece dichiarato: "Dal ragazzo che dormiva sui divani che ho conosciuto nel 2009 fino all’icona musicale globale che è oggi, Ed ha trascorso gli ultimi 15 anni mostrando al mondo cosa succede quando un talento impareggiabile incontra un’integrità incrollabile. Aver potuto fare parte del suo straordinario viaggio musicale è stato un privilegio e ho imparato tantissimo da lui. Al di là della musica, l’esempio che dà come mentore per altri artisti, sostenitore dell’educazione, padre, amico e semplicemente come essere umano è davvero speciale. Mi sento incredibilmente fortunato ad averlo nella mia vita. Tanto amore, fratello. A nome degli straordinari team Warner Music di tutto il mondo che lo hanno sostenuto nel corso degli anni, so che saremo tutti pienamente al suo fianco mentre Ed entra in questo nuovo capitolo".

Ed Sheeran

Ed Sheeran lascia Warner Music Group dopo 15 anni

Il cantautore sottolinea che la decisione non nasce da una “situazione da artista scontento”

In genere, specie sui media generalisti, quando si parla di dinamiche di mercato musicali l’espressione “formato fisico” è ormai diventata sinonimo di vinile. 33 e 45 giri, in effetti, da diverse stagioni dominano le vendite del comparto: adottati dalle giovani generazioni come prodotto musicale standard, i “vecchi” LP e 7 pollici sono diventati ormai un elemento consolidato del nuovo marketing discografico, che - sempre più vicino ai superfans, cioè alla fascia di pubblico particolarmente appassionata (e, pertanto, altospendente) - li ha fatti tornare a essere una parte imprescindibile del processo di pubblicazione.

Sarebbe tuttavia sbagliato, per restare in tema di fisico, dare il CD per formato sulla via del tramonto - esattamente come il download lo è per il digitale: secondo Discogs, piattaforma di riferimento per i collezionisti di prodotti musicali, il formato che negli anni Novanta rivoluzionò la fruizione casalinga degli album, il mercato dei compact disc è tutto meno che in recessione.

A dirlo, prima ancora del colossale archivio - marketplace controllato da Zink Media, sono i dati della RIAA. Nel 2021, per la prima volta, il segmento ha fatto segnare sul mercato statunitense un’inversione di tendenza, tornando alla crescita dopo anni di contrazione. Negli ultimi tre anni, riferisce sempre la Recording Industry Association of America, sono stati venduti la bellezza di 111 milioni di CD.

Su Discogs - entità che, pur essendo privata, riesce a essere una cartina al tornasole piuttosto affidabile del mercato discografico - i CD sono arrivati a rappresentare il 25% del totale degli upload: le statistiche più aggiornate parlano di quasi 295.000 segnalazioni nel 2022 e 113.000 nel 2023. “Mentre la domanda di musica fisica aumenta, artisti come Taylor Swift, Beyoncé e i BTS hanno contribuito alla popolarità del CD pubblicando i loro album più recenti in questo formato”, osserva Discogs: “Questa tendenza — insieme alle edizioni limitate disponibili solo su CD — ha aperto il formato a una nuova generazione di collezionisti più giovani. Inoltre, negli ultimi anni i collaboratori hanno aggiunto vecchie pubblicazioni al database, consentendo ai nuovi fan e ai collezionisti rinvigoriti di riscoprire titoli classici e di aggiungerli alle loro collezioni”.

Con un aumento esponenziale a partire dal 2018, oggi sulla piattaforma sono in vendita oltre 20 milioni di CD, con una particolare impennata negli ultimi tre anni, a causa di fattori come l’aumento delle uscite, i ritardi nella produzione dei vinili e l’aumento dell’attenzione per gli elementi da collezione da parte di Millennial e Gen Z.

“I motivi principali di questo fenomeno? Convenienza e portabilità”, conclude Discogs: “Con l'aumento dei costi dei vinili, i CD usati sono diventati un'alternativa più economica per gli appassionati di musica che cercano copie a buon mercato dei loro album preferiti. Le dimensioni ridotte del CD e la sua facilità d'uso lo rendono un formato ideale per chi è in movimento e per i collezionisti che preferiscono l'ascolto senza dover girare un disco o posizionare una puntina. Anche gli audiofili alla ricerca di una qualità sonora ricca continuano a costruire le loro collezioni di CD. Al giorno d'oggi, molte ristampe in vinile vengono ricavate da sorgenti digitali anziché dai master analogici originali. E, in quanto ultimo formato fisico di rilievo prima dell'avvento dello streaming, molti CD offrono un'esperienza di ascolto hi-fi unica”.

La silenziosa rimonta del compact disc

Non celebrato dai media come il vinile, il CD si sta preparando a vivere una seconda giovinezza?

Nuovo ingresso in casa Big Picture MGMT,&nbsp;la società di management e music development fondata da Paola Zukar (che al momento conta nel suo roster alcuni degli artisti più influenti del panorama urban e non solo: Marracash, Fabri Fibra, Tiziano Ferro, Madame e i produttori Marz e Zef). Si tratta di&nbsp;Mouhammed Aledjou, che va ad affiancarsi a Zukar stessa, Pier Castellini e Winston Adom.

Originario del Togo ma nato e cresciuto in Italia in una famiglia italoamericana,&nbsp;Aledjou ha un background da designer e ha lanciato la app LACE IT dedicata al mondo delle sneakers prima di intraprendere una carriera in discografia. Dopo il suo ingresso in Sony Music nel 2022 ha fatto carriera fino a ricoprire il ruolo di A&amp;R Manager presso Columbia Records, posizione che ha ricoperto fino a questo momento.

Big Picture MGMT, entra Mouhammed Aledjou

Già A&R manager di Columbia Records, si unisce all'azienda fondata da Paola Zukar

La parola fanfluencer,&nbsp;una crasi tra 'fan' e 'influencer', è un neologismo, ma i superfan che diventano un punto di riferimento per altri fan (fondando fan club, organizzando eventi a tema, ponendosi come intermediari tra il pubblico e l'artista) sono sempre esistiti. La differenza è che oggi hanno molti più mezzi a disposizione, in particolare i social, che permettono anche ai comuni mortali di allargare la propria platea a dismisura. Fino a casi clamorosi come quello della ventiseienne&nbsp;Olivia Lean.

Più nota con il suo nickname SwiftiesForEternity, la superfan di Taylor Swift&nbsp;si è trasformata nel giro di pochi anni una potenza mediatica: 630.000 follower su Instagram, altrettanti su TikTok e una mole di contenuti, news e aggiornamenti sulla sua beniamina da fare invidia a un vero canale broadcast. Fino a qualche anno fa Lean faceva un normale lavoro d'ufficio, che ha abbandonato dopo il celeberrimo The Eras Tour, una tournée in grado di innalzare il PIL dei paesi che toccava, e i cui biglietti sono andati esauriti in un soffio. Milioni di fan in cerca di informazioni affidabili e insight sui&nbsp;concerti hanno cominciato a rivolgersi ai social compulsivamente, e il traffico e l'engagement sui suoi account si è impennato, fino a diventare un presidio insostituibile per tutti i seguaci dell'artista. Ma la vera svolta è arrivata con le prime brand partnership: molte aziende e marchi, non potendo ambire a sponsorizzazioni con la vera Taylor Swift, si sono accontentati (per modo di dire)&nbsp;della vetrina che il profilo SwiftiesForEternity garantiva verso la sua stessa platea.

Oggi Olivia Lean ha trasformato la sua passione in un vero e proprio business, pur continuando a non avere alcuna connessione ufficiale con il team di Taylor Swift. Sembra che questo suo essere "100% unofficial" non&nbsp;interessi a nessuno, però: le collaborazioni con i brand continuano a fioccare (in particolare con quelli&nbsp;di moda, che la utilizzano come una sorta di fashion influencer, proponendo i look di Olivia in vendita sulla piattaforma LTK), ha creato un suo canale di ticket swap utilizzatissimo dal pubblico (e aperto a tutti gli altri artisti) e ad aprile 2026 ha perfino pubblicato un libro, "The Story of Us", dedicato proprio al fandom di Taylor Swift e già incluso nella categoria dei bestseller del New York Times. Tutto ciò va a beneficio della stessa Lean, ma indirettamente anche di Swift, che può sfruttare un ulteriore canale di marketing diretto e continuativo senza dover investire un dollaro nell'operazione.&nbsp;

L'economia generata dai superfan viene spesso analizzata solo in termini passivi, cioè a dire: quanto sono disposti a spendere in prodotti e servizi esclusivi che ruotano attorno ai loro idoli? In realtà andrebbe valutata anche in termini attivi, ovvero pensando al valore che le loro attività collaterali, ispirate all'attività dei loro idoli e rivolte ad altri fan, generano di riflesso. E nel caso di artisti più piccoli e meno danarosi di Taylor Swift, prestando anche attenzione a non farsi scippare occasioni di branded partnership o altri accordi di new business dai propri fanfluencers. Anche in Italia la tendenza comincia a diffondersi, anche se sembra&nbsp;essere basata su realtà più collettive, anziché ruotare attorno a una singola figura: basti pensare ai canali italiani dedicati al k-pop, organizzati come veri e propri chapter dai ranghi serrati, o alle varie fan page e community dedicate ai singoli artisti, da quelli più mainstream ai più ricercati&nbsp;(ne è un esempio Peyote Community, dedicata a Willie Peyote). Ci sono poi dei fanfluencers che hanno fatto il salto di qualità, diventando dei veri e propri influencer: Anthony Bellina per i concerti, CyaoDieffe e Camicia Variopinta per la musica registrata. Sarà senz'altro interessante monitorare le evoluzioni del fenomeno, tenendo però bene a mente la distinzione tra marketing e profilo editoriale e artistico.

I 'fanfluencers' fanno bene anche agli artisti

Il caso di Olivia Lean, che dal suo profilo Instagram ha costruito un piccolo impero

Sony Music e Universal Music Group hanno chiesto di ampliare drasticamente la loro causa contro Suno: dalle 560 opere inizialmente contestate si passerebbe a oltre 61.000 presunte violazioni di copyright, se il giudice approverà l'ultimo atto presentato. Le major dicono di aver usato la tecnologia di audio fingerprinting di Audible Magic per analizzare i dati di training della piattaforma e sostengono che Suno abbia usato "milioni" di brani protetti per addestrare i modelli. Suno si oppone, sostenendo che l'estensione del fascicolo finirebbe per riaprire di fatto il caso e ritardare l'esame della sua difesa di fair use: le major hanno replicato che il tema della liceità nell’utilizzo i materiale coperto da copyright per i processi di training dei modelli potrebbe essere discusso in un filone separato dal procedimento principale, prima che si completi l’istruttoria sulle ultime prove presentate.

Nel documento le etichette attribuiscono gli eventuali ritardi al "continuo rifiuto di Suno di fornire [alle controparti] i dati in suo possesso", sostenendo di essere state costrette a una revisione onerosa perché la società "ha rifiutato di offrire qualsiasi trasparenza al di fuori del processo di discovery". L'atto ripropone inoltre l'accusa, già avanzata in una precedente proposta di modifica, secondo cui Suno avrebbe ottenuto registrazioni tramite "stream-ripping" da YouTube.

L’escalation nel contenzioso tra UMG, SME e Suno arriva a poche ore dalla notizia dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759187/sony-music-si-allarga-la-battaglia-legale-contro-udio">intensificazione della battaglia legale tra Sony Music e Udio</a>, nella quale la major ha presentato - oltre a quelle già portate all’attenzione della corte in prima istanza - le prove relativa ad altre presunte 30mila sospette violazioni di copyright. La major guidata da Rob Stringer è l’unica, per il momento, a non aver siglato accordi di licenza con nessuna delle due principali piattaforme di GenAI musicale: Warner Music Group ha firmato un accordo sia con Suno che con Udio, mentre Universal ne ha sottoscritti di simili con Udio e Stability.

Sony Music e Universal Music, si intensifica la causa contro Suno

Le major portano davanti alla corte le prove di altre 60mila sospette violazioni

Mediterranean Girls in Music - realtà fondata da Arianna Bartolozzi Bellantuono (nella foto)&nbsp;come progetto editoriale dedicato all’industria musicale con un focus sul Mediterraneo e sulle donne - ha lanciato un’agenzia specializzata in audience insight, fandom analysis e cultural intelligence. La nuova entità “collabora con etichette, management, artisti e realtà appartenenti al settore musicale e creativo supportandoli nella comprensione di pubblico, fandom, mercati musicali e contesti culturali differenti attraverso analisi, report e strategie”, aiutando i propri clienti a “comprendere meglio il proprio pubblico, il comportamento dei fan, i mercati musicali e i contesti culturali in cui la musica viene ascoltata, condivisa e vissuta, permettendo loro di orientarsi più consapevolmente nei mercati e negli ecosistemi culturali più adatti all’artista, al servizio o al prodotto musicale che desiderano promuovere”.

Composto principalmente da giovani donne nate tra la fine degli anni ’90 e l’inizio degli anni 2000, il team dell’agenzia “è cresciuto vivendo la musica anche attraverso esperienze dirette all’interno di diverse fanbase, esperienza che si affianca alla preparazione professionale nel settore musicale, creativo e in quello del business”.

“Vivendo tra Italia e Regno Unito mi sono resa conto di quanto la cultura mediterranea venga spesso raccontata attraverso stereotipi o prospettive molto limitate, anche per quanto riguarda la nostra industria musicale che, rispetto a mercati più grandi come quello anglosassone, tende spesso a passare un po’ in secondo piano”, ha dichiarato Bartolozzi Bellantuono: “MGIM è nato proprio dalla volontà di creare uno spazio capace di valorizzare la nostra cultura musicale, costruire connessioni più solide tra persone e professionisti della regione mediterranea e, allo stesso tempo, osservare il settore musicale attraverso una prospettiva più internazionale e interdisciplinare. Con il tempo il progetto si è evoluto naturalmente verso una dimensione più ‘research-driven’ e analitica, il che ci ha permesso di approfondire non solo il music business in sé, ma anche le community, i comportamenti e gli ecosistemi culturali e digitali che si sviluppano attorno alla musica stessa”.

Mediterranean Girls in Music lancia un’agenzia di data analysis

Con specializzazione in audience insight, fandom analysis e cultural intelligence

Si è tenuto oggi, giovedì 28 maggio, a Milano, il workshop “La nuova frontiera dei diritti: la tutela della voce”, evento organizzato da Ontier in collaborazione con Rockol MusicBiz per esplorare forme inedite di sfruttamento commerciale per gli artisti interpreti ed esecutori sotto forma di autorizzazione o utilizzo della voce attraverso l’intelligenza artificiale.

“Nell’era dell’intelligenza artificiale generativa, la voce rappresenta uno degli asset più strategici per l’industria musicale, ma anche il più esposto a fenomeni quali deepfake vocali, clonazioni, nuovi modelli di licensing e sfruttamento commerciale”, ha osservato Ontier: “Si tratta di un cambio di paradigma per l’intero settore (compresi artisti, label, piattaforme e operatori tech) che ha aperto scenari inediti sul fronte della tutela della voce, ma che sul piano legislativo risente di una disciplina non al passo con i tempi”.

“Oggi non basta parlare di strategie difensive, serve un approccio proattivo che consenta di trasformare il rischio in opportunità”, ha osservato lo studio legale globale con headquarter a Londra e presenza anche in Italia, che nel corso del workshop, tenuto alla presenza dei rappresentanti di alcune delle maggiori società di discografia, publishing e management, ha proposto gli interventi degli avvocati Luca Pardo (Co-Managing Partner e Head of Regional Europe di Ontier) e Pierluigi De Palma (Of Counsel presso Ontier) per analizzare come l’intelligenza artificiale stia ridefinendo il perimetro dei diritti sulla voce tra identità personale, proprietà, licenze e nuovi modelli di sfruttamento nella filiera musicale”.

"Oggi chiunque può vedere la propria voce replicata e usata senza alcun consenso”, ha spiegato l’avvocato Luca Pardo (Co-Managing Partner e Head of Regional Europe di Ontier): “Oltre agli strumenti giuridici già esistenti ed efficaci per difendersi, come la tutela del diritto alla personalità o la tutela del diritto connesso dell’artista interprete-esecutore,occorre lavorare di più su nuovi strumenti in grado di evolvere dalla voce come diritto della personalità alla voce come proprietà o elemento del diritto d’autore, per consentirne ogni utilizzo e sfruttamento commerciale. Grazie allo specifico know how che contraddistingue Ontier nel panorama nazionale e internazionale, siamo in grado di tradurre questa complessità in soluzioni concrete e su misura”.

“Oggi clonare artificialmente la voce di un artista non è più solo tecnicamente possibile, ma anche facilmente realizzabile, grazie al rapido sviluppo di software, algoritmi di AI o altre tecnologie vocali sempre più accessibili, con conseguenze giuridiche, economiche e reputazionali di grande impatto per l’intero settore discografico e musicale”, ha proseguito Ontier: “Basti pensare che nel 2025, sulla piattaforma di streaming Deezer sono stati rilevati e taggati oltre 13,4 milioni di brani creati con l'intelligenza artificiale e, sebbene solo una piccola percentuale degli stream totali sulla piattaforma (fino al 3%) provenga da brani generati dall'IA, le frodi rappresentano fino all'85% degli ascolti. Secondo un recente studio, inoltre, il 97% delle persone non riesce a distinguere tra musica generata interamente dall'AI e musica creata dall'uomo. Casi recenti - anche di grande visibilità mediatica - hanno dimostrato come sia possibile generare performance vocali realistiche che imitano artisti noti, distribuirle su piattaforme di streaming e social media raccogliendo milioni di ascolti, prima ancora che le etichette o i diretti interessati possano intervenire. Emblematico il caso di ‘Heart on My Sleeve’, brano creato da un misterioso creator noto come Ghostwriter utilizzando l’intelligenza artificiale per riprodurre le voci di Drake e The Weeknd, che ha acceso un forte dibattito nell’industria musicale. La canzone, diventata virale su Spotify, Apple Music e TikTok prima della rimozione richiesta dalle major, ha sollevato interrogativi su copyright, proprietà intellettuale e sul futuro delle opere generate dall’AI, inclusa la possibilità che possano concorrere a premi musicali”.

“Nel nostro ordinamento la voce è un elemento della persona e della sua immagine, ma anche un dato personale che viene tutelato dal Regolamento GDPR e dalla normativa di esecuzione, incluse le linee guida dell’Autorità Garante della Privacy”, ha precisato lo studio: “Chi utilizza la voce altrui senza consenso - anche attraverso tecnologie di sintesi o clonazione - può incorrere in responsabilità civile e penale, oltre che nella violazione dei diritti connessi spettanti agli artisti interpreti ed esecutori. Eppure, lo stesso fenomeno sta aprendo nuove strategie di sfruttamento commerciale. Per Ontier, una soluzione strutturata, ad esempio, prevede che l’artista o il titolare dei diritti affidi, tramite un apposito veicolo societario, la creazione di un dataset AI della propria voce naturale, al fine di ottenere e gestire in modo esclusivo la propria voce sintetica. Questo modello garantisce la titolarità del dataset e della voce sintetica, i diritti di utilizzazione economica della stessa, la possibilità di monetizzare anche oltre i limiti temporali dei diritti della personalità, nonché la bancabilità del progetto, aprendo la partecipazione a partner e investitori terzi o la cessione del veicolo stesso”.

“Abbiamo assistito a strumenti di protezione che includono la registrazione del marchio sonoro (una forma di tutela già esplorata da alcuni nomi di rilievo del panorama artistico e mediatico <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758529/cosi-taylor-swift-ha-deciso-di-difendersi-dai-deepfake">come le&nbsp;cantanti&nbsp;Taylor Swift</a> e Giusy Ferreri o il doppiatore Luca Ward). Si tratta tuttavia di strumenti con una portata più limitata, riconducibile alla sola tutela difensiva della voce come depositata, ma che non ne consentono una valorizzazione economica strutturata, continuativa e patrimonialmente più redditizia”, ha concluso lo studio: “Nella prospettiva di Ontier, la voce sintetica non rappresenta più soltanto un elemento da tutelare, ma diventa un vero e proprio asset autonomo, suscettibile di valorizzazione economica, investimento e circolazione”.

Voci, AI e diritti nell’era dei deepfake: il workshop di Ontier

Una panoramica sulle forme inedite di sfruttamento commerciale per gli interpreti-esecutori

Con un post sul proprio blog aziendale, YouTube ha annunciato un aggiornamento dello standard per le procedure di segnalazione dei contenuti generati con l'AI: a partire da questo mese la piattaforma utilizzerà speciali etichette per contrassegnare i video prodotti grazie a uno sfruttamento “significativo” di modelli di intelligenza artificiale. Il sistema amplia un impianto introdotto nel 2024 che si basava soprattutto sull'autodichiarazione dei creator, in una fase in cui i video “sintetici” erano ancora più facili da riconoscere. Ora il servizio indica due peculiarità specifiche per l'etichettatura automatica: i metadati C2PA che segnalano una fonte interamente AI e l'uso di strumenti Google con watermark, come Veo. Per i creator resta l'obbligo di dichiarare l'uso dell'AI in fase di upload, ma chi ritiene che un video sia stato etichettato in modo errato potrà presentare ricorso, tranne nei casi in cui il tag derivi da uno di questi due segnali, che YouTube considera permanenti.

"Questi cambiamenti sono progettati per bilanciare la trasparenza con il controllo dei creator", ha spiegato YouTube nel proprio post, osservando come "una sola etichetta di segnalazione non cambia il modo in cui un video viene raccomandato né se è idoneo alla monetizzazione".

YouTube, via il rilevamento automatico dell'AI nei video

Come funziona - e come incide sulle attività dei creator - il nuovo sistema di segnalazione

Compirà il suo debutto presso i fan il prossimo 30 maggio a Torino, in occasione della prima tappa di Kiss Kiss Way 2026, l’evento itinerante dal vivo organizzato da Radio Kiss Kiss che dopo lo stop nel capoluogo piemontese (il 29 e 30 maggio) proseguirà alla volta di Baia Domizia (il 12 e 13 giugno), Viareggio (il 26 e 27 giugno) e Pescara (il 10 e 11 luglio), <a href="https://www.ticketone.it/TicketOne-Pass" target="_blank">TicketOne.Pass</a>, nuova formula di biglietto digitale ideata da TicketOne.

La nuova soluzione, al 100% digitale e integrata nell’app di TicketOne, offre agli organizzatori più controllo sugli accessi e maggiore sicurezza, garantendo agli utenti una migliore esperienza in occasione dell’evento: TicketOne.Pass, sempre tramite app, permette di mettere in vendita in modo più sicuro e veloce gli ingressi su Fansale (la piattaforma di rivendita ufficiale di TicketOne), e di effettuare i cambi di nominativo dei tagliandi in caso di cessione ad amici e familiari, oltre che di ricevere direttamente sul proprio smartphone informazioni utili - e sempre aggiornate - sull’accessibilità agli eventi.

In&nbsp;modo graduale, TicketOne gestirà tutti gli eventi in modalità TicketOne.Pass. La digitalizzazione del titolo di ingresso non impedirà agli appassionati di collezionare i tagliandi a titolo di ricordo: benché la modalità memory ticket, per l'evento del 30 maggio, non sia ancora prevista, in futuro il sistema messo a punto dalla piattaforma permetterà di ottenere il biglietto legato al concerto da conservare come memorabilia.

“Questa partnership con Radio Kiss Kiss porta al pubblico un’innovazione tangibile: un biglietto digitale realmente sicuro e intelligente”, ha commentato Andrea Grancini, CEO di TicketOne: “TicketOne.Pass è un titolo di accesso non duplicabile, tracciabile e completamente governabile. Il QR code è dinamico, viene generato e reso visibile solo poco prima dell’evento e funziona anche offline: una soluzione che elimina le frodi e qualsiasi tentativo di duplicazione illegale. Da oggi l’App TicketOne diventa il vero pass per il live: un unico strumento per informarsi, acquistare in modo semplice e sicuro e accedere agli eventi senza l’uso della carta, in maniera immediata, sostenibile e affidabile. I biglietti disponibili nell’App TicketOne sono sempre sotto controllo e possono essere trasferiti o rivenduti al prezzo facciale, come previsto dalla normativa vigente. Questo garantisce la massima sicurezza sia per i fan sia per gli organizzatori”.