Sembrano confermate le voci, pur in assenza di una comunicazione ufficiale, secondo le quali&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748940/valorizzare-la-musica-ovunque-la-visione-di-roberto-razzini">Roberto Razzini</a> ha lasciato Sony Music Publishing Italia, nella quale ha trascorso tre anni: dal marzo del 2022, infatti, vi ricopriva la carica di Managing Director.

Razzini è una figura di riferimento dell'editoria musicale italiana, in cui opera da trentacinque anni, gran parte dei quali trascorsi&nbsp;a capo di Warner Chappell Music Italia, di cui diciannove nel ruolo di Managing Director (era entrato in azienda nel 1990 come Product Manager presso la consociata Nuova Carisch, che si occupava della produzione e distribuzione di pubblicazioni musicali e spartiti).&nbsp;

Roberto Razzini, che è anche un autore avendo&nbsp;pubblicato nel 2020 il libro “Dal Vinile a Spotify – quel che resta sono le canzoni”&nbsp;(edito da People nella collana People Records, allora diretta dal cantautore Paolo Benvegnù), è attualmente membro del Consiglio di Gestione della <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/siae-169382">SIAE</a>.

Industria

Sony Music Publishing, lascia Roberto Razzini

L'ex Managing Director è un veterano dell'editoria musicale italiana

Sony Music Publishing è partner di Saifam Group per il progetto “Music Now!”, nell’ambito del quale è stata avviata la collana “The Original Soundtrack Series”: il progetto riproporrà mensilmente, con uscite tanto nei negozi di dischi fisici quanto negli store digitali, alcune tra le colonne sonore più celebri, per la prima volta pubblicate in un box speciale contenente vinile colorato e CD.

Tra le opere interessate dall’operazione ci sono quelle di maestri come Ennio Morricone, Piero Piccioni, Gato Barbieri, Armando Trovajoli e Riz Ortolani: in diversi casi, i vinili conterranno molte tracce mai pubblicate prima su questo formato o presenti solo nella prima stampa dell’epoca. Gli artwork delle uscite sono completamente nuovi e creati ad-hoc per questa collana: i primi titoli, già disponibili nei negozi di musica e negli store digitali, sono “100.000 Dollari Per Ringo” di Bruno Nicolai, “Alzati Spia” di Ennio Morricone, “Ultimo Tango A Parigi” di Gato Barbieri, a cui seguiranno “Cadaveri Eccellenti” di Piero Piccioni, “Dramma Della Gelosia” di Armando Trovajoli, “Nuovo Cinema Paradiso” di Ennio Morricone (disponibili dal 21 marzo), “Non Si Sevizia Un Paperino” di Riz Ortolani e “Vedo Nudo” di Armando Trovajoli (in uscita il 18 aprile).

Sony Music Publishing e Saifam, tornano le grandi colonne sonore

Come parte del progetto congiunto 'Music Now!' ecco ‘The Original Soundtracks Series’

Considerare il proprio lavoro “il più bello del mondo” dopo qualche anno è entusiasmo: continuare a farlo dopo trentacinque anni è vocazione. Roberto Razzini, che nel publishing musicale opera dal 1990, continua a pensare di essere un privilegiato, professionalmente parlando. Dal marzo del 2022 alla guida di Sony Music Publishing Italy dopo oltre trent’anni a capo del distaccamento italiano di Warner Chappell Music Italia (diciannove dei quali nel ruolo di Managing Director), Razzini ha un modo allo stesso tempo ortodosso e rivoluzionario di interpretare il ruolo dell’editore: là dove il settore nel quale opera si è distinto - negli ultimi anni - per (talvolta spettacolari) politiche di acquisizione di cataloghi, il suo approccio si distingue per una sensibilità artistica nella valorizzazione dei repertori, che pone il publisher come importante parte attiva non solo dell’ecosistema musicale, ma dell’intera industria creativa. Perché - ci ha spiegato - “la musica non ha una collocazione precisa, perché il suo posto è ovunque”: l’importante, ovviamente, è saperla collocare, con il dovuto gusto, rispetto e - ovviamente - per il bene degli autori… 
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Il “backstage” del “caso De Gregori”

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-748687/francesco-de-gregori-principe-sync-pubblicita-enel-canzoni">L’operazione sugli spot Enel per “La storia siamo noi” e “Sempre per sempre” di Francesco De Gregori</a> “ci ha tenuti impegnati per mesi, ed è stata molto, molto più di una sincronizzazione. Immaginate un artista come De Gregori, un autentico gigante del cantautorato italiano”, spiega Razzini: “Non solo ha concesso due sue canzoni per una campagna pubblicitaria televisiva, ma le ha anche reincise lavorando con la produzione sui tagli durante il processo che ha portato al montaggio finale. E’ stato un grandissimo lavoro di squadra, dove Sony Music Publishing Italia è stata capace di mettersi al servizio del cliente riuscendo a rendere possibile la creazione di un prodotto commerciale dall’anima artistica”. 
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Sync, o del “valore immenso della musica”

“Ci sono cataloghi, come quello dei Queen, che a livello globale rappresentano una certezza in termini di redditività, ma tra i titoli che fatturano di più a livello globale, tra quelli che Sony Music Publishing ha in pancia, c’è ‘L’estasi dell’oro’ di Ennio Morricone”, spiega Razzini: “E’ perennemente in sincronizzazione: ancora oggi, solo in Italia, l’abbiamo in due spot. Ricordate, quella musica della scena del cimitero in ‘Il buono, il brutto, il cattivo’? Se si considera la forza della fusione tra musica e immagini, e se si pensa che questo brano - uscito quasi sessant’anni fa - ancora oggi è così diffuso e apprezzato, come definire una sincronizzazione? Un’operazione commerciale o di valorizzazione di un’opera d’arte, magari con la complicità dell’autore - si veda il caso De Gregori - ove possibile?”.

“Brani come ‘Walk on the Wild Side’ o ‘A Kind of Magic’, in questo senso, sono una certezza”, prosegue il MD di Sony Music Publishing Italy: “Continuano a farci crescere, anno dopo anno: quando si parla di sync, ovvero affidarsi alla valore immenso che la musica riesce a imprimere alla comunicazione, il catalogo, specie se importante come il nostro, conta più della hit del momento”. 
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Lavorare per (e con) il cinema e la TV

Lo scorso giugno Sony Music Publishing Italia ha annunciato l’apertura di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-745159/sony-music-publishing-nuovi-uffici-del-reparto-film-and-tv-a-roma">un nuovo ufficio a Roma esclusivamente dedicato al mondo del cinema e della televisione</a>. “Quando si lavora per il cinema si entra attivamente a far parte del processo di produzione: benché oggi la tecnologia offra diverse possibilità per comunicare, il presidio fisico è indispensabile”, riflette Razzini: “Quello per il grande e il piccolo schermo è un lavoro basato molto sulle relazioni personali, che spesso vanno al di là delle riunioni di lavoro. Essere presenti a Roma ci permette di avere una costanza nei rapporti capace di farci andare oltre i singoli accordi: i mondi del cinema e della televisione hanno bisogno di trovare partner di fiducia in grado di essere presenti durante tutte le fasi della produzione, dalla sceneggiatura fino al montaggio passando per le riprese e la produzione. Non si tratta, semplicemente, di trovare la canzone giusta per la scena giusta: talvolta sono gli sceneggiatori che ci chiedono suggerimenti sugli ascolti per scrivere una scena, mettendo la canzone alla base del processo creativo. E’ una cosa che va molto oltre il semplice concetto di ‘colonna sonora’: talvolta è la musica a far nascere una scena, non il contrario”.

“Essere una società che opera a livello internazionale e titolare di un catalogo talmente importante ci permette di rapportarci in modo particolare con i music supervisor, ponendoci non solo come realtà in grado di licenziare il proprio repertorio, ma anche come partner in grado di offrire un know how in grado di rispondere alle richieste diverse di clienti diversi: possiamo trovare un’opera che risponda alle diverse esigenze - grazie a un sistema informatizzato di pitching che mette in collegamento in tempo reale i repertori di tutte le 54 filiali a livello globale - o collaborare per creare un commento musicale inedito”, racconta Razzini: “In sostanza, non si tratta semplicemente di quotare una canzone per una determinata scena: quello che facciamo è lavorare in modo sartoriale sui singoli progetti, spaziando dal catalogo al repertorio frontline del nostro gruppo, puntando molto - a livello globale - sulle attività local”. 
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Valorizzare prima di monetizzare: la musica ubiqua

Sony Music Publishing, negli ultimi mesi, ha siglato partnership con realtà non convenzionali - almeno per quanto riguarda l’editoria musicale - come <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746063/sony-music-publishing-partner-di-musicomics-2024">Musicomics</a> e <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746435/venezia-sony-music-publishing-partner-di-kilian-paris">Kilian Paris</a>: questo tipo di operazioni, racconta Razzini, vanno al di là del task tradizionale dei music publisher, per abbracciare una filosofia ben precisa e molto più profonda. “Un repertorio così ampio, variegato e trasversale come quello di Sony Music Publishing mi permette di avere un punto di osservazione privilegiato: ovunque ci sia un contenitore di creatività commerciale, la musica ha sempre l’opportunità di inserirsi, perché è uno strumento di comunicazione - e, perché no, di marketing - dalla potenza incredibile. Siamo noi editori, quindi, che non dobbiamo porci dei limiti, al di là del mainstream e dei numeri sui DSP: il nostro lavoro, all’interno della filiera, è il più ‘antico’ - 250 anni, per la precisione, anno più, anno meno - proprio perché solo relativamente legato alla tecnologia che permette la fruizione delle opere. L’editore deve acquisire repertorio inedito, dargli innanzitutto dignità, tutela e gestione, e poi fornire gli strumenti per garantire uno sviluppo che non sia banalmente sinonimo di mercificazione, ma di sviluppo e diffusione commerciale che comporti un introito per gli autori e un consolidamento - non solo economico - del loro repertorio. Credo sia il lavoro più bello del mondo”. 
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Superare sync e sonorizzazioni: un nuovo approccio al lavoro del publisher

Detto che non c’è un “posto giusto” per la musica, perché - appunto - la musica può essere valorizzata ovunque, quali sono le nuove frontiere da esplorare perché l’editoria musicale continui nella propria fondamentale missione di sostegno e promozione di autori e opere? “Occorre superare i concetti di sincronizzazione e sonorizzazione, per iniziare a pensare alle opere come elementi di co-marketing e co-branding più specifici e verticali”, spiega Razzini: “La musica ha una versatilità, una fruibilità, una elasticità e un'adattabilità uniche, proprio in quanto prodotto immateriale: io non sono un creativo, ma devo mettere a disposizione degli autori, che lo sono, i contesti giusti per permettere loro di dare sfogo alla loro creatività. Oggi i marchi sono alla ricerca di elementi distintivi, in grado di comunicare un’identità e un posizionamento precisi, e la musica e gli artisti, in questo senso, possono essere determinanti, a livello creativo prima ancora che di mero marketing. Quindi non vedo particolari ambiti specifici - che siano l’automotive, la moda, o altro - ma più un approccio nuovo, rivoluzionario: si tratta, in sostanza, di far dialogare il mondo degli artisti con quello dei brand, non - banalmente - di promuovere un marchio facendo indossare a un interprete un determinato vestito sul palco di Sanremo. Mi riferisco a partnership molto identitarie, come quella tra i Maneskin e Gucci, dove l’artista non è un semplice testimonial, ma quasi un partner: credo che, in questa direzione, ci sia ancora molto margine di crescita, soprattutto per operazioni ad hoc. In un contesto del genere, deve essere la sensibilità dell’editore nei confronti del catalogo che gestisce ad accendere delle nuove opportunità nel portare progettualità inedite”.

Il “patrimonio di memoria” sul quale l’Italia è seduta

“C’è una società del gruppo Sony Music Publishing, EMI General Music Publishing Srl, che a inizio degli anni Novanta ha acquisito General Music, publisher fondato da giganti delle colonne sonore come Morricone, Trovajoli, Piccioni e Bacalov che gestiva i loro cataloghi. La piattaforma alla quale abbiamo licenziato i diritti fonografici online delle nostre colonne sonore, OkMusic, mi ha fornito insight relativi alle opere ascrivibili al catalogo di General Music che mi hanno fatto riflettere”, spiega Razzini: “Piccioni, per esempio, oggi è popolarissimo su TikTok. Apparentemente, è un fenomeno inspiegabile. Tuttavia, ascoltando le composizioni di Piccioni, ci si può rendere conto come la sua scrittura sia in verità molto attuale, sia per i canoni del format short video sia per il gusto contemporaneo per la selezione dei sample da parte degli artisti e dei produttori di oggi”.

“Questo - precisa Razzini - ci fa capire quanto sia importante l’eredità delle opere che gestiamo. Se, da un lato, la riscoperta sulle piattaforme è importante, dall’altro il lavoro generale di ricontestualizzazione e di valorizzazione delle opere supera la monetizzazione, e riguarda essenzialmente la conservazione di una memoria che oggi, grazie al superamento delle barriere geografiche concesso dal digitale, offre delle enormi potenzialità”. 
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Il ruolo dell'editore, tra passato e futuro

Quello del publisher è un lavoro complesso, che ha nel proprio raggio d'azione un territorio decisamente vasto, all'interno del quale – tuttavia – per orientarsi è necessario osservare una regola fondamentale. “Tenere la musica sempre al centro - osserva Razzini – mettendosi al servizio di autori e produttori, con i quali è indispensabile instaurare un rapporto di collaborazione e sviluppo molto stretto al fine di perseguire il risultato comune di consolidare i repertori e insieme portarli all’attenzione del mercato, con qualsiasi strumento a nostra disposizione. Insomma, essere i partner più vicini degli artisti, quelli di ieri così come quelli di domani”. Pensare al futuro, oggi più che mai, è quanto mai strategico, non solo in chiave artistica: Sony Music Publishing Italy, da ormai quasi un anno, è partner di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-743894/futures-italian-scouting-project-un-progetto-formatico-di-woodworm">Futures</a>, iniziativa avviata da Woodworm Publishing finalizzata alla ricerca non solo di giovani autori e artisti, ma anche di aspiranti professionisti da inserire nell'industria musicale. “E' una ricerca per così dire a doppio spettro”, conclude Razzini: “dal punto di vista sia artistico sia manageriale. Ed è estremamente interessante: lo scopo è rendersi disponibile come interfaccia sul mercato per cercare nuovi autori, nuovi cantautori, nuovi player, e - dal punto di vista manageriale - qualcuno che voglia diventare un A&amp;R di un editore, di un'etichetta, o di un'agenzia di booking, e che provenga da un percorso diverso da quelli ormai considerati istituzionali nel nostro settore. Credo sia proprio quest'ultima la cosa più stimolante di questo progetto: se le nuove leve vengono formate tutte allo stesso modo il rischio è che – insieme al loro percorso educativo - si standardizzi anche la loro visione. E questo, oggi soprattutto, non ci aiuta”.

'Valorizzare la musica, ovunque': la visione di Roberto Razzini

'Al servizio di autori e opere': parla il Managing Director di Sony Music Publishing Italy

Sony Music Publishing Italia ha conquistato due premi alla passata edizione dei SIAE Music Awards, tenutisi sabato 23 novembre presso il Superstudio Più di Milano a conclusione dell’ottava edizione della Milano Music Week. La divisione editoriale della major si è aggiudicata i riconoscimenti nelle categorie Best Recorded Track (per “Rewind”, di Vasco Rossi / Gaetano Curreri – Emi Music Publishing / Giamaica) e Miglior Canzone Italiana all’Estero (per “I’m Good (Blue)”, di Maury / Jeffrey Jey / Massimo Gabutti / Kamille (BMI) / Philip Plested (ASCAP) / David Guetta (SACEM) / Bebe Rexha (BMI) – GZ2538 / DiPiù / Sony Music Publishing Italy / BMG Rights Management).

Sony Music Publishing Italia era in lizza alla seconda edizione dei SIAE Music Awards anche nelle categorie Miglior Canzone - Club con “I’m good (Blue)” (Maury / Jeffrey Jey / Massimo Gabutti / Kamille (BMI) / Philip Plested (ASCAP) / David Guetta (SACEM) / Bebe Rexha (BMI)), nella categoria Miglior Canzone - Locali con Musica Live con “Caruso” (Lucio Dalla), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv con “Per Elisa – Il caso Claps” (Matteo Buzzanca), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Film Streaming con “Era ora” (Santi Pulvirenti), nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv Streaming con “Odio il Natale 1” (Emanuele Bossi / Michele Braga) e nella categoria Miglior Colonna Sonora - Serie Tv Streaming con “Questo mondo non mi renderà cattivo” (Giancane / Valerio Smordoni).

Sony Music Publishing Italia, due premi ai SIAE Music Awards

Nelle categorie Best Recorded Track e Miglior canzone italiana all’Estero

Sony Music Publishing Italia ha annunciato il trasferimento del proprio quartier generale a Milano, fino a oggi stabilito in via Albricci: dal prossimo 9 dicembre la divisione editoriale della major guidata nel nostro Paese da Roberto Razzini si sposterà al numero 9 di via Vespri Siciliani, sempre nel capoluogo lombardo.

Nel proprio roster Sony Music Publishing Italia conta artisti come - tra gli altri - Ennio Morricone, Pino Daniele, Franco Battiato e Måneskin, oltre che - a livello internazionale - star come&nbsp;Ed Sheeran, Beatles, Beyoncé, Queen, Rihanna, Lady Gaga, Pharrell Williams, Bruce Springsteen&nbsp;e&nbsp;AC/DC.

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Sony Music Publishing Italia, nuovi uffici a Milano

La divisione editoriale della major si trasferisce in via Vespri Siciliani

Tra gli eventi che hanno inaugurato la prima giornata di questa&nbsp;<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, si è tenuto il panel&nbsp;"How to break down International Music barriers", organizzato da&nbsp;Sony Music Publishing.&nbsp;L'incontro ha avuto come ospiti Nasra Artan, Head of International A&amp;R di Sony Music Publishing, e il producer danese Lukas BL.

A introdurre il talk sono stati&nbsp;Claudia Zaffarano, Alberto Grimaldi, entrambi A&amp;R Managers di Sony Music Publishing; a moderare l'incontro&nbsp;Niccolò Murgia di Launcher Music.

Claudia Zafferano ha presentato&nbsp;il focus dell'incontro, dichiarando: “Negli ultimi anni è emersa la necessità di far crescere il nostro Paese e, in generale, l’Europa attraverso collaborazioni internazionali. Per questo motivo è stata creata una nuova figura professionale, ricoperta da Nasra Artan, che guida un team dedicato a creare maggiori opportunità di collaborazione tra i roster di Sony Music Publishing in tutto il mondo, soprattutto nel genere Urban.”

Nasra Artan ha illustrato i progetti di Sony Music Publishing per supportare e promuovere i propri artisti a livello globale, citando iniziative come i summer camp organizzati in città come Milano, Miami, Barcellona, Madrid, Polonia e Sudafrica. Questi eventi hanno l'obiettivo di abbattere le barriere territoriali e creare una comunità musicale globale. Artan ha spiegato: “Abbiamo uffici in tutto il mondo: Colombia, Scandinavia, Italia, Nigeria, Cina, Argentina, Regno Unito, Spagna, e così via. Siamo costantemente in comunicazione per creare opportunità internazionali per i roster locali. Negli ultimi due anni, ci siamo concentrati molto sulle collaborazioni globali, ponendoci domande come: ‘Come possiamo far lavorare qualcuno dalla Svezia con qualcuno di New York?’ La musica, indipendentemente dalla lingua, può sempre connettere le persone e generare opportunità".

Artan ha citato il successo della canzone "Big Dawgs" del rapper Hanumankind e del producer Kalmi, due artisti emergenti dall’India, che è diventata virale negli ultimi mesi su piattaforme come TikTok, YouTube e altri servizi di streaming. Questo caso dimostra come artisti inizialmente sconosciuti possano raggiungere un pubblico internazionale.

Tra le nuove iniziative di Sony Music Publishing c’è il progetto Breakfast Writer, avviato a Londra. Durante questa attività, i talenti hanno l'opportunità di collaborare creativamente e comprendere il funzionamento dell'industria musicale, ad esempio attraverso presentazioni sui sistemi di distribuzione delle royalties.

Lukas BL, presente all’evento, ha raccontato il suo percorso: “Vengo dalla Danimarca e produco musica da 10 anni. Tutto è iniziato come un hobby: creavo beat e li pubblicavo su YouTube. Con il tempo, ho preso questa passione sempre più sul serio, tanto da lasciare il mio lavoro, nonostante le perplessità di mia madre. Ho costruito la mia rete di contatti in Danimarca partecipando a sessioni e collaborazioni. Per emergere, ho inviato i miei beat e loop a vari gruppi e piattaforme come Spotify, ottenendo gradualmente visibilità. L’anno scorso ho firmato un contratto con Sony Music Publishing. Da allora ho viaggiato molto e ho condiviso la mia musica con molte persone. Durante questi viaggi, è fondamentale costruire connessioni e collaborazioni, e il mio A&amp;R mi ha supportato molto, fin dal primo giorno in cui sono arrivato a Londra, dove ho incontrato Alberto e Claudia. Grazie a loro, ho costruito legami importanti che mi hanno aiutato nel mio percorso artistico".

Il panel si è concluso con una riflessione di Nasra Artan sui mercati emergenti: “È fondamentale creare collaborazioni musicali globali, coinvolgendo produttori locali e giovani talenti. Mercati come Medio Oriente, Nord Africa, India e Africa Occidentale stanno guadagnando sempre più rilevanza accanto a quelli tradizionali, come Stati Uniti e America Latina, offrendo nuove e stimolanti opportunità creative e produttive".

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MMW24, il panel Sony Music Publishing con Nasra Artan e Lukas BL

Sono intervenuti Nasra Artan, Claudia Zaffarano, Alberto Grimaldi e Lukas BL

“Sincronizzazioni, un futuro da scrivere” è uno dei talk che Rockol presenterà in occasione dell’<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>, in programma martedì 19 novembre alle ore 11 presso la Sala Viscontea.

Il focus di questo workshop sarà il settore della sincronizzazione musicale (sync) che, un tempo marginale, è oggi al centro della trasformazione digitale grazie alle piattaforme DSP. Questa crescita offre nuove opportunità di ricavo, rilanciando cataloghi e aprendo mercati e spinge professionisti e aziende – major e indie – a rivedere le proprie strategie, adattandosi all’evoluzione delle interazioni tra musica e audiovisivo e cercando nuovi modi per promuovere un consumo musicale redditizio e costruttivo.

Interverranno: Roberto Razzini (Managing Director, Sony Music Publishing Italy), Elisabetta Biganzoli (Executive Director, Sugarmusic Group); Antonella Zappietro (Synch &amp; Licensing Manager, Edizioni Curci), Francesco Brambilla (Branded Entertainment Director Camelot).

L’ingresso sarà gratuito e su prenotazione.

MMW24, il talk “Sincronizzazioni, un futuro da scrivere”

Con Roberto Razzini, Elisabetta Biganzoli, Antonella Zappietro e Francesco Brambilla 

Si terrà lunedì 18 novembre alle ore 18 il talk “Sony Music Publishing – How to break down International Music barriers” presso il 21 House of Stories Navigli, presentato da Sony Music Publishing Italia.

Nasra Artan, Head of International A&amp;R&nbsp;di Sony Music Publishing, analizzerà le iniziative con cui SMP sostiene lo sviluppo degli artisti a livello globale con l’obiettivo di abbattere le barriere geografiche e favorire una comunità musicale internazionale, ricca di contaminazioni culturali.

L’evento - nell'ambito dell'<a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/milano-music-week-2024-497441">ottava edizione della Milano Music Week</a>&nbsp;- è gratuito, accessibile fino a esaurimento posti.

MMW24, il talk Sony Music Publishing sulle barriere territoriali

Con Nasra Artan, Head of International A&R di Sony Music Publishing

I La Rappresentante di Lista sono stati premiati al Musicomics - il Premio Romics Musica per Immagini, concorso dedicato agli artisti che operano nel campo delle colonne sonore per cinema, tv e videogames tenutosi dal 3 al 6 ottobre scorsi a Roma nel contesto della 33ª edizione di Romics, il festival internazionale del fumetto, animazione, cinema e games - con un riconoscimento per la Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi: il duo composto da Veronica Lucchesi e Dario Mangiaracina ha conquistato i favori della giuria grazie a “Questo corpo”, brano inserito nella colonna sonora del film “Gloria!” di Margherita Vicario.

“Siamo felici e orgogliosi di aver premiato La Rappresentante di Lista per la Miglior Sincronizzazione”, ha dichiarato Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing: “Protagonista di “Gloria!” di Margherita Vicario è sicuramente la musica. Una musica che concede rivalsa e liberazione a queste giovani musiciste del Veneto di inizio ‘800 protagoniste del film e, di riflesso, allo spettatore. In questo contesto e con le stesse finalità, si inserisce anche l’originale e volutamente anacronistico utilizzo del brano ‘Questo corpo’ interpretato in scena dalla stessa Veronica Lucchesi in uno dei momenti più toccanti del film”.

Il dipartimento Film &amp; TV di Sony Music Publishing Italia è stato partner di Romics per la terza edizione di Musicomics: il Premio Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi è stato istituito - spiegano gli organizzatori - per “valorizzare l’eccellenza nell’integrazione e nell’uso della musica all’interno di film, serie TV o altri contenuti audiovisivi”.

Sony Music Publishing, i LRDL premiati a Musicomics

Per la Miglior Sincronizzazione per progetti audiovisivi

Sony Music Publishing - insieme a Woodworm - è partner di Old Fashioned Party, evento di Kilian Paris in programma domani, sabato 31 agosto,&nbsp;presso la Palazzina Grassi, a Venezia, in occasione della ottantunesima edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia. Nel corso della serata si esibiranno in altrettanti dj-set Michael Salamon, Simon Says &amp; Estremo e Margherita Grechi.

La partnership con Woodworm e Kilian Paris in occasione di Old Fashioned Party a Venezia - ha fatto sapere l’azienda in una nota - “conferma la presenza di Sony Music Publishing non solo nell’ambito audiovisivo italiano e internazionale, ma anche tra i grandi brand del fashion e della moda”.

Venezia, Sony Music Publishing partner di Kilian Paris

L’evento in programma domani nell’ambito della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica

Sony Music Publishing è partner della 3ª edizione di Musicomics – Premio Romics Musica Per Immagini, il concorso dedicato agli artisti che operano nel campo delle colonne sonore per cinema, tv e videogames che si svolge dal 3 al 6 ottobre a Roma in occasione della 33ª edizione di Romics, il festival internazionale del fumetto, animazione, cinema e games.

Romics ha intrapreso un percorso dedicato alla musica e alle sue connessioni con l’animazione, il fumetto e la multimedialità. Nel percorso di valorizzare la produzione musicale italiana, nasce la collaborazione tra Romics e il dipartimento Film &amp; TV di Sony Music Publishing, che assegnerà il Premio Miglior Sincronizzazione “per progetti audiovisivi", ideato "per valorizzare l’eccellenza nell’integrazione e nell’uso della musica all’interno di film, serie TV o altri contenuti audiovisivi”.

“L’istituzione di questo Premio è volta non solo a premiare la creatività nell’abbinamento tra musica e immagini. Ad un livello più profondo, costituisce anche un primo passo verso il riconoscimento dell’importanza del lavoro di consulenza musicale che viene svolto in Italia ogni anno da molti professionisti del settore audiovisivo – ha fatto sapere, in una nota, Valentina Iacoacci, Head of Film &amp; TV Department di Sony Music Publishing – È l’occasione per parlare di un mestiere spesso ignoto ai più ma che contribuisce attivamente a esaltare la narrazione cinematografica o seriale. Come dipartimento Film &amp; Tv di Sony Music Publishing (Italy) non possiamo che essere onorati di prendere parte attivamente a questo evento”.

Sony Music Publishing partner di Musicomics 2024

‘Non possiamo che essere onorati di prendere parte attivamente a questo evento’

Giada Crisci è entrata nell’organico di Sony Music Publishing Italy come Junior A&amp;R Manager. Prima di essere inserita nel team guidato da Roberto Razzini, Crisci ha ricoperto il ruolo di Publishing Assistant presso Sugarmusic, dove si è occupata - tra le altre cose - di consulenze musicali per le sincronizzazioni del catalogo e dell’organizzazione di sessioni di scrittura.&nbsp;

Laureata all’Università degli Studi eCampus nel 2020 in Letteratura, Arte, Musica e Spettacolo, Crisci ha conseguito un master all’Università IULM di Milano in Editoria e Produzione Musicale.

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Sony Music Publishing Italy, entra Giada Crisci

Come Junior A&R Manager, in arrivo da Sugarmusic

Futures – Italian Scouting Project, ultima creatura di Woodworm Publishing, management e label di base aretina fondata nel 2011 da Marco Gallorini e Andrea Marmorini, entra oggi nel vivo.

Il progetto andrà alla ricerca degli artisti del futuro, costruendo una nuova comunità di addetti ai lavori attraverso delle call to action per A&amp;R e giovani progetti musicali. 

Da oggi sono aperte le iscrizioni sul sito www.futuresitalia.com.

Condividono con Woodworm questa iniziativa tre partner di rilievo, che hanno aderito al progetto per quanto riguarda l’aspetto discografico, editoriale e live: si tratta rispettivamente di Universal Music Italia, Sony Music Publishing e Magellano Concerti. Partner tecnici del progetto sono About Srl e Whodo. 

È Marco Gallorini, CEO di Woodworm e della casa editrice Wudz, nonché socio di About, società di comunicazione e new business, e Whodo, agenzia di produzione, a raccontare la nascita del progetto e le idee che ne stanno alla base: 

<blockquote>
Negli ultimi anni abbiamo avvertito la forte necessità di lavorare a un progetto che permetta a giovani artisti e a futuri addetti ai lavori di entrare nel mercato musicale in modo diverso. 
Una strada nuova, presupposti&nbsp;diversi. Le attuali regole del gioco ci vanno strette, si parla troppo poco o per nulla di valori, di formazione, di progettualità, il mercato è appiattito su pochi generi, si preferisce il tutto subito a tutti i costi a percorsi di crescita sostenibili che mirino a creare basi solide, umane artistiche e professionali. Alcune tra le principali aziende attive nel music business e molti live club sosterranno questa visione e ci supporteranno nello sviluppo di un progetto che cercherà di portare nuove riflessioni e nuove dinamiche nella costruzione dei professionisti del domani, siano essi musicisti o addetti ai lavori.
</blockquote>

Roberto Razzini, Managing Director di Sony Music Publishing Italia, ha dichiarato:

<blockquote>
Quando Marco Gallorini mi ha presentato il progetto Futures, ho immediatamente dato la totale disponibilità di Sony Music Publishing e mia personale a sostegno della iniziativa.&nbsp;In un mercato sempre in grande espansione e trasformazione, abbiamo bisogno di iniziative che si prendano l’impegno, oltre che di trovare nuovi talenti artistici, di fare formazione per i nuovi professionisti del settore. Il “Sistema&nbsp;Musica”, grazie alle nuove tecnologie a disposizione e ai grandi processi di rinnovamento che da sempre lo caratterizza, ha costantemente bisogno di nuove professionalità, adeguate e pronte, nel raccogliere e gestire le sfide del futuro. Sono persuaso che questa iniziativa avrà un considerevole riscontro tra gli appassionati di musica che desiderano fare della loro passione, il proprio futuro professionale.
</blockquote>

Da queste premesse nasce un manifesto di valori che Futures mette in campo e che va a ricercare: 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;ORIGINALITÀ – la prima domanda che ogni artista deve porsi: sei originale o sei la copia di qualcosa che già esiste? Futures cerca originalità, non necessariamente la perfezione e soprattutto invita i partecipanti a essere sé stessi al di là del suono.&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;TALENTO – Il progetto non ricerca la voce perfetta, non cerca il virtuoso fine a se stesso, cerca talento e il talento non è calcolo, ma qualcosa di cui innamorarsi. 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PASSIONE – senza una grande passione in questo lavoro gli ostacoli e le difficoltà possono fermare il giovane artista ai primi inciampi.&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;LAVORO – la storia ci insegna che senza tanto lavoro, sacrifici, errori e sconfitte è impossibile costruire percorsi di successo, se questo spaventa, dicono gli organizzatori, Futures non è il progetto giusto 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PROFESSIONALITÀ – l’iniziativa mette a disposizione un team di professionisti seri. solidi e tangibili, alcune tra le migliori aziende si occuperanno dello sviluppo dei partecipanti e poiché il music business non è un gioco, viene data e chiesta grande professionalità&nbsp; 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;PROGETTUALITÀ – Futures vuole costruire percorsi duraturi, solidi, e sostenibili; per farlo occorre guardare più lontano di come spesso avviene nell’attuale mercato discografico, occorre impostare una velocità di crociera che permetta una crescita sostenibile come artista e come persona 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;RISPETTO – l’organizzazione richiede grande esigenza rispetto di sé stessi, dei colleghi e del team che lavora con i giovani artisti. 

●&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;&nbsp;FORMAZIONE – Uno degli scopi del percorso è di contribuire all’innalzamento del livello medio di formazione nel settore sia per addetti ai lavori che per artisti. Persone formate e preparate sono professionisti più forti e consapevoli. 

La prima call to action riguarderà la ricerca di un network di giovani appassionati di musica su tutto il territorio italiano con la prospettiva di sviluppare nuovi professionisti del settore. Il progetto Futures ricercherà non solo gli artisti del domani ma anche i futuri professionisti di età compresa tra i 18 e i 29 anni, che verranno selezionati, formati e introdotti nel mercato attraverso le grandi aziende del settore. 

La commissione di Futures valuterà motivazioni e soft skills dei candidati e li inviterà ad un confronto dal vivo per far emergere le loro capacità e la loro attitudine verso il mondo del music business. Ai migliori profili selezionati verrà offerta una formazione intensiva e la possibilità di svolgere uno stage in aziende come Woodworm Publishing, Universal Music Italia, Sony Music Publishing, Magellano Concerti. 

La seconda call to action sarà invece dedicata agli artisti e ai produttori musicali tra i 16 e i 29 anni, che potranno presentare on line il proprio progetto in cinque categorie: cantautorato, alternative, rap, urban, electro. Gli artisti selezionati da una commissione tecnica composta da A&amp;R di Woodworm ed altri addetti ai lavori, parteciperanno ai Futures Day. 

La commissione si riserverà di valutare e selezionare i migliori progetti visionati che saranno proposti a: Woodworm (sviluppo manageriale e discografico), Universal Music Group (sviluppo discografico), Sony Music Publishing (sviluppo autoriale), Magellano Concerti (sviluppo live). Alcuni tra i progetti proposti verranno firmati dalle aziende partner e avranno a disposizione un team di professionisti per lo sviluppo della propria carriera. 

I Futures Day oltre a dare spazio a nuovi addetti ai lavori e a progetti artistici avranno anche un “terzo tempo”: una occasione per dibattere su tematiche legate al mondo del music business con la presenza di importanti addetti ai lavori, artisti, media, e chiunque intenda partecipare da spettatore attivo. Aperitivo, birretta e discussione aperta. 

I Futures Day si svolgeranno nell’autunno del 2024 nelle seguenti città. 

MILANO&nbsp;– 12 ottobre 
BOLOGNA&nbsp;– 22 ottobre&nbsp; 
VERONA&nbsp;– 29 ottobre&nbsp; 
ROMA&nbsp;– 6 novembre&nbsp; 
TORINO&nbsp;– 13 novembre&nbsp; 
NAPOLI&nbsp;– 19 novembre 
PALERMO&nbsp;– 4 dicembre&nbsp; 
AREZZO&nbsp;– 12 dicembre&nbsp;

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Le location verranno comunicate nelle prossime settimane.

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Futures – Italian Scouting Project: alla scoperta del futuro

Il progetto formativo per artisti e operatori del settore musicale. Aperte da oggi le iscrizioni

Nel pomeriggio di giovedì 23 novembre, Base – via Borgognone 34, Milano - &nbsp;ha ospitato “Musica e Fin-tech: royalties e cataloghi tra tecnologia e finanza”, il panel co-prodotto da Rockol MusicBiz ed Elled Law Firm, dedicato al rapporto e alle dinamiche (presenti e future) tra musica e tecnologia.

Sono intervenuti Roberto Razzini (Sony Music Publishing Italy), Lorenzo Rigatti (Blockinvest) e Daniela De Bellis (Elled Law Firm); a moderare l’incontro è stato l’amministratore delegato di Rockol Giampiero Di Carlo.

Il dibattito è iniziato con la spiegazione del ruolo che ha l’editore all’interno dell’industria musicale; Razzini ha chiarito: “L’editore ha un ruolo molto importante e radicato nel musicbiz perché ha lo scopo di trovare una soluzione per far affermare gli autori nel mercato: è l’inizio del ciclo produttivo. Il diritto d’autore è la remunerazione per l’attività creativa per autori e l’editore è il punto di riferimento. Non dimentichiamoci che il primo supporto per diffondere la musica è stato lo spartito, solo successivamente grazie alla tecnologia, ci sono stati altri strumenti che hanno contribuito alla missione. Quindi, ben vengono i processi tecnologici di innovazione. L’esperienza, però ha fatto maturare una riflessione: lo sviluppo tecnologico se non è accompagnato da norme giuridiche diventa uno strumento negativo che toglie risorse al mondo della musica, che vive principalmente di diritti. Le norme sono fondamentali per aiutare i player a disciplinare il mercato affinché la comunità creativa venga protetta e capace di sostenersi. Abbiamo attraversato momenti complicati quando siamo passati dallo stato solido (formato fisico) a quello liquido (download); adesso siamo a quello gassoso (streaming)”.

La musica è uno di quei settori che più subisce le conseguenze dell’evoluzione tecnologica, con annesso tutti i cambiamenti del caso; ma gli autori, quanto sono consapevoli di questi procedimenti?

Razzini ha continuato: “È complicato trovare una collocazione tra la necessità e consapevolezza tra gli aventi diritto. Il nostro è un lavoro tecnico che necessita di una preparazione non solo da chi sta dietro la scrivania, ma anche dagli autori che devono avere consapevolezza dei loro diritti: è questo il passaggio dall’essere un hobby ad un vero lavoro che permette di pagare le bollette di viverci. Oggi le nuove generazioni hanno poca consapevolezza dei meccanismi e delle logiche del diritto d’autore perché c’è stata una crescita molto veloce – e il periodo pandemico non ha aiutato - e questa generazione ha perso quel passaggio di conoscenze e apprendimento: questo è molto pericoloso. C’è un gap culturale – una mancanza di conoscenza - che andrebbe colmato sulla figura dell’editore, anche perché non è un lavoro i cui risultati si vendono nell’immediato come può essere per altri scomparti (il live, il booking, per esempio): c’è molta differenza nei tempi e nella complessità. È importante pensarci, specialmente se si guarda al futuro e al rapporto con le royalties”.

Sul tema della ripartizione delle royalties il moderatore Di Carlo si è soffermato per illustrare le dinamiche scaturite (anche) dalla nascita di start up come Royal, SongShare, Beatbread e Jukebox (solo per citarne alcune).

“Le royalties sono sempre state centrali e lo sono ancora di più nello streaming – ha spiegato l’ad di Rockol - C’è un dibattito sul metodo di ripartizione, a maggior ragione con l’influsso dell’AI. Fintech e musica si incrociano perché la musica è considerata dal mondo della finanza un asset; quindi, soggetto a valorizzazione e attività di trading. Quello che bisogna capire è quanto l’incrocio tra musica, finanza e tecnologia porti verso gli investitori individuali; fino ad oggi musica e finanza sono stati soprattutto in una dimensione b2b, ma grazie alla blockchain e alla decentralizzazione e alla tecnologia sono nate delle startup che stanno facendo un lavoro interessante, ognuno a sua modo come Royal, SongShare, Beatbread e Jukebox. Il fintech è entrato nella musica e aperto tante porte: la canzone come asset per generare ritorni ricorrenti. Daniela, qual è il freno legale?”

Daniela De Bellis ha presentato l’attuale quadro normativo, spiegando: “Spesso gli interventi legislativi e regolamentari rincorrono la rivoluzione tecnologica: quando si parla di asset digitali si fa riferimento ad una strategia di finanza digitale che è arrivata solo, per esempio, dopo che è nata la società di Lorenzo Rigatti, Blockinvest. Oggi la normativa c’è perché abbiamo la Digital finance package, costituita da tre pilastri: pilot regime, il MiCA (che disciplina le cripto attività) e DORA. Facendo riferimento al discorso sulle startup, molte di queste avranno vita breve perché si basano sulla rappresentazione dei diritti di credito come NFT, ma dal punto di vista legale non c’è una definizione normativa perché è un qualcosa di non fungibile, non ha un’identità tale per cui ogni token è diverso dall’altro”.

Partendo da quest’ultimo punto, Lorenzo Rigatti ha descritto cosa fosse un NFT, aggiungendo: “Voglio porre l’accento su questo: la tecnologia deve essere funzionale al business, l’evoluzione del settore va verso la democratizzazione e dare la possibilità di investire e fruire. È qui che entra in gioco l’NFT, un oggetto digitale, una tipologia di token che è la traduzione dei diritti incapsulati nel token stesso: grazie a questa tecnologia si riesce a traferire la titolarità dei diritti agli autori (tokenizzazione). Nel settore finanziario quando si parla di processi consolidati è più complicato per il processo e coinvolgere i diversi attori; quindi, è necessario unire i punti, la parte tecnologica con quella finanziaria. Per quanto riguarda l’AI, questa può avere dei risvolti pericolosi e la blockchain può intermediare perché è nata in modo democratica, è human centric e riesce a tradurre delle logiche di business e metterle dei confini”.

Roberto Razzini ha esposto il punto di vista di una società di publishing: “Vi confesso: sono perplesso. Il lavoro che viene fatto per creare un repertorio parte da un’attività artigianale ed è un processo valido ancora oggi; sono perplesso nell’industrializzare questa fase perché la musica non è fungibile: è un processo di costruzione che necessita dell’intervento dell’editore e si rinnova su base quotidiana. Inoltre, questo discorsa sta sfumando con i tassi di interesse rialzati (basti pensare al caso Hipgnosis): la musica non è più appetibile come qualche anno fa. Questo lavoro di ricerca e creatività necessita di una professionalità, non è legato solo a un discorso di monetizzazione finanziaria”.

È con questa riflessione che i professionisti salutano il pubblico; l’invito (di Razzini): “La musica non è solo un prodotto finanziario: è emozione”.

MMW23, musica, tecnologia e fin-tech: scenari e prospettive

Sono interventi: Roberto Razzini, Daniela De Bellis e Lorenzo Rigatti

Sony Music Publishing ha siglato una partnership con gli organizzatori del Premio Lunezia volta a promuovere “gli emergenti dell'arte-canzone italiana”: la divisione editoriale della major guidata in Italia da Roberto Razzini sarà presente alle audizioni della fase semifinale che si terranno il 23 luglio a Roma, al Colosseo, nell’ambito di “Jazz&amp;Image”, e alla serata finale prevista entro metà agosto ad Aulla (MS). Sony Music Publishing premierà con un contratto editoriale uno tra gli 8 finalisti del Premio Lunezia, che - a sua volta - si impegnerà, insieme alla società di edizioni, a individuare anche un operatore discografico da coinvolgere nell’operazione. Gli otto finalisti del premio saranno anche inseriti nel palinsesto di Rai Isoradio.

“Per il nostro Gruppo Editoriale è motivo di orgoglio instaurare questa collaborazione con il Lunezia”, ha commentato Razzini: “Riteniamo che le finalità di questa manifestazione, da oltre vent’anni punto di riferimento per la Cultura e la Musica nel nostro Paese, siano assolutamente sinergiche con le nostre quotidiane attività di tutela, gestione e diffusione della creatività degli Autori, dei Compositori e degli Artisti. Il nostro Gruppo Editoriale, leader globale nell’editoria musicale, svolge il proprio ruolo, con entusiasmo a sostegno degli Autori e delle loro opere musicali, affinché possano affermarsi in tutti i contesti dove Musica e Canzoni trovano diffusione ed opportunità”.

“Siamo motivati e lusingati per questo neo sodalizio con Sony Music Publishing”, ha aggiunto Loredana D’Anghera, direttrice artistica del Premio Lunezia Nuova Proposte: “Molti dei nostri giovani sono autori di profilo in una rosa di assortiti generi musicali, siamo al lavoro anche per un accordo televisivo con Rai TV”.

Sony Music Publishing, una partnership con il Premio Lunezia

Per promuovere gli emergenti dell’'arte-canzone italiana'

Tra gli appuntamenti dedicati alle iniziative di formazione presenti nel programma della prossima edizione di Medimex sono presenti anche Puglia Sounds Musicarium, scuola dei mestieri della musica dedicata agli aspiranti operatori dell’industria discografica che aprirà i battenti tra i prossimi 13 e 18 giugno.

Tra i corsi annunciati ci sono lezioni di Registrazione &amp; Missaggio con Marc Urselli, Fonica con Antonio Porcelli, Live Show Design con Carlo Pastore, Video live per grandi eventi con Fabio dell’Anna e Fotografia con Giovanni Canitano. Torna anche il Medimex Music Factory, realizzato in collaborazione con Sony Music Publishing Italia che dal 15 al 17 luglio al Conservatorio Statale di Musica "Giovanni Paisiello" offrirà la possibilità di lavorare su produzione, topline, testi e, novità di questa edizione, colonne sonore per il cinema e le serie TV. I tutor per l'area produzione sono Rossella Essence, Marco Maiole, Edoardo Ruzzi in arte Rootsie e Edoardo Castroni; per l'area topline e testi Valeria Palmitessa, Leo Zaccaria, Viviana Colombo in arte VV, Vincenzo Colella, Piero Romitelli, Alberto Bianco e infine per l'area colonne sonore Pasquale Catalano, Francesco Cerasi e Michele Braga. Medimex Music Factory prevede 18 ore di seminario rivolte a 23 giovani autori e produttori selezionati e mette in palio due contratti editoriali con Sony Music Publishing Italy e, in via di definizione, un tirocinio con uno dei tutor dell’area colonne sonore. Informazioni sulle modalità di partecipazione e candidatura sono disponibili su <a href="http://www.medimex.it" target="_blank">www.medimex.it</a>.

Medimex 2023, iscrizioni aperte per le scuole di musica

Torna anche Medimex Music Factory, in collaborazione con Sony Music Publishing

La sezione italiana di Sony Music Publishing ha rinnovato l’accordo con Lo Stato Sociale, band bolognese che domani - venerdì 5 maggio - pubblicherà un nuovo album di inediti in studio, “Stupido sexy futuro”, ideale seguito di “Amore, lavoro e altri miti da sfatare” del 2017.

“E’ un grande piacere continuare con questo rinnovo una storia iniziata con la prima firma nel 2011 con un gruppo capace di unire impegno e divertimento”, ha commentato Roberto Trinci, A&amp;R Consultant di Sony Music Publishing Italia: “Un nuovo album che è un nuovo inizio, per una band pronta a incontrare il proprio pubblico in un neverending tour”.

La band è titolare di un accordo editoriale con Sony Music Publishing fin dal proprio album di debutto “Turisti della democrazia” del 2012, al quale ha fatto seguito “L’Italia peggiore” del 2014.

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Lo Stato Sociale

Sony Music Publishing, rinnovato l’accordo con Lo Stato Sociale

Prosegue il sodalizio tra la divisione editoriale della major e la band bolognese

E’ disponibile da oggi la colonna sonora della serie TV - disponibile su RaiPlay - “Shake”, edita da Sony Music Publishing: le musiche originali sono state composte da Ginevra Nervi, mentre la canzone originale inserita in scaletta - “Il silenzio” - è stata interpretata da cmqmartina, autrice del brano insieme a Marco Barbieri e Leonardo Lombardi. La divisione editoriale italiana guidata da Roberto Razzini della major americana diretta da Rob Stringer ha curato l’operazione non solo come editore ma anche come supervisore e consulente musicale.

Prodotto da Lucky Red e diretta da Giulia Gandini, “Shake” ha come protagonisti Jason Prempeh, Giulia Fazzini e Giada Di Palma.

Sony Music Publishing, disponibile la colonna sonora di ‘Shake’

Le musica della serie TV composte da Ginevra Nervi e cmqmartina

Sony Music Publishing ha annunciato di aver firmato un accordo editoriale con Benjamin Ventura. Nato a Roma nel 1994, Ventura è un produttore, compositore, pianista e turnista, diplomato in pianoforte classico presso il Conservatorio Santa Cecilia di Roma. Come produttore l’artista ha lavorato con - tra gli altri - Marco Mengoni (che accompagnerà nel prossimo tour), Frah Quintale, Coez, Ditonellapiaga, Ariete, Drast, Psicologi, Fulminacci, Il Tre e Alex Britti. Titolare di diverse collaborazioni, sia in studio che dal vivo, con artisti come Fedez, Francesca Michielin, Margherita Vicario, Aiello, Giovanni Truppi e Giorgio Poi, Ventura - insieme a Merk &amp; Kremont - è anche co-autore e co-produttore di “Estasi”, il brano di Gaia pubblicato proprio oggi, venerdì 24 marzo.

Sony Music Publishing, Benjamin Ventura entra nel roster

Lo annuncia la società guidata da Roberto Razzini

Si è tenuto lo scorso 9 febbraio presso presso <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/casasiae-2023-490553">CasaSIAE</a>, il presidio della Società Italiana degli Autori ed Editori alla settantatreesima edizione del Festival della Canzone Italiana, il talk “Come nasce una canzone d’autore”, excursus sull’atto creativo che sta alla base dell’intera filiera creativa musicale. A discutere del ruolo dell’autore oggi, dell’approccio alla scrittura e di come uscire dalla comfort zone dello scrivere per sé stessi e abbracciare le sfide di scrivere per altri sono intervenuti Veronica Lucchesi e Dario Mangiaracina, fondatori e titolari del progetto La Rappresentante di Lista, e Roberto Razzini, Managing Director di Sony Music Publishing. La registrazione audio / video integrale dell’evento è disponibile qui sotto.

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Al di là dell’accezione con la quale il pubblico interpreta il concetto di “canzone d’autore”, l’atto creativo di assemblare parole e musica rappresenta l’origine dell’intera industria di settore. La chiave del successo di un brano è affidata alla sensibilità di autori ed editori: ai primi spetta il compito di adattare la propria creatività alle circostanze, considerando che scrivere un brano che destinato a essere interpretato dallo stesso autore è diverso - e non sempre più facile - che prestare la propria penna a un interprete terzo. I secondi occupano un ruolo altrettanto delicato, ovvero quello di dare una forma concreta alle tante istanze creative che animano i propri roster. Un lavoro simbiotico, poco esposto - rispetto ad altri processi più spettacolarizzati che caratterizzano la filiera creativa - ma fondamentale, che si pone come scintilla capace di creare la magia capace di rendere la musica un linguaggio universale e senza tempo.

Sanremo 2023, CasaSIAE: il talk ‘Come nasce una canzone d’autore’

Alle origini della filiera creativa con i La Rappresentante di Lista e Roberto Razzini

SIAE ha presentato gli elementi del proprio team che hanno scelto di far parte della squadra DEI (diversity, equity &amp; inclusion) della collecting: la squadra dei nuovi DEI Ambassador - composta da trenta elementi già operativi nel team della collecting - è stata nominata per “costruire una SIAE sempre più inclusiva”.

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“I DEI Ambassador si formeranno per diventare esperti della DEI, daranno un volto e una voce ai nostri progetti e alle nostre iniziative, contribuiranno alla definizione della strategia DEI futura e supporteranno l’organizzazione di eventi e attività”, ha fatto sapere la Società Italiana degli Autori ed Editori in una nota: “Grazie a chi ha deciso di mettersi in gioco per promuovere il cambiamento. Insieme, costruiremo ogni giorno una SIAE più aperta e rispettosa di tutte le diversità”.

SIAE, ecco i DEI Ambassador

30 elementi del team della collecting dedicati ai programmi di diversità, equità e inclusione

E’ stata annunciata la nascita di Kiwi Dischi, nuova etichetta nata per volontà di Elena Lucerna, già Artist Manager presso INRI, label del gruppo Metatron. La nuova entità - spiega la nota di presentazione - spazierà “dal pop alternativo all’urban, dal rap all’indie, dal cantautorato all’elettronica”, proponendosi come “casa ideale per artisti in cerca di autenticità e direzione”: la label promette di accompagnare gli artisti “nello sviluppo dei loro progetti, a partire dal management, alla consulenza musicale e di immagine, alla comunicazione e ufficio stampa, fino alla distribuzione Universal Music Italy, il supporto del team di Metatron Group e le edizioni curate da Metatron Publishing”.

“Kiwi Dischi nasce dall’urgenza di dare voce ad artisti originali, freschi e dalla forte personalità”, ha dichiarato Lucerna: “E’ un progetto che crede nel potenziale creativo, nella cura artigianale del percorso artistico, nella libertà espressiva. Un’etichetta indipendente e strutturata, pronta a sostenere la musica di domani con strumenti concreti e visione ampia”.

“Siamo felici di affiancare il lancio di Kiwi Dischi, un’etichetta indipendente guidata dalla visione di Elena Lucerna”, ha aggiunto il CEO di Metatron Group Paolo Ceresoli: “Crediamo nel valore della collaborazione e nel sostegno a realtà che mettono al centro l’autenticità e il coraggio creativo. Contribuire allo sviluppo di questo nuovo percorso con la nostra esperienza è per noi motivo di orgoglio e stimolo a guardare al futuro con curiosità e passione”.

E’ nata Kiwi Dischi

La nuova label al debutto sul mercato con la collaborazione di Metatron Group

Con la reunion degli Oasis, ormai il tour è sempre più vicino, la band di Manchester ha annunciato una collaborazione ufficiale con Adidas per una linea di abbigliamento celebrativa, disponibile durante il tour mondiale e nei canali ufficiali del brand. A Manchester è stato aperto anche uno store, <a href="https://www.oasisitalia.it/blog/prime-foto-esclusive-del-primo-pop-up-store-di-manchester-e-ci-sono-delle-sorprese">le cui foto sono diventate immediatamente virali come racconta Oasis Italia</a>. L’iniziativa, intitolata “Original Forever”, segna il primo vero incontro tra il gruppo e il colosso tedesco dell’abbigliamento sportivo, nonostante un legame estetico e culturale che dura da oltre trent’anni. La capsule Oasis Live ’25 x Adidas Originals include capi ispirati agli anni ’90, reinterpretati in chiave moderna: tracksuit, jersey a maniche raglan, bucket hat, coach jacket, disponibili in versione bianca, nera e blu. 

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Il vice presidente del marchio, Chris Walsh, ha dichiarato: “Adidas e Oasis condividono una storia definita da originalità e impatto culturale, con radici profonde nel tessuto della musica e dello stile. Questa collaborazione ufficiale non è solo l’unione di due icone, ma la celebrazione di un pezzo intramontabile di storia della cultura musicale. Con Original Forever, continuiamo a costruire sull’eredità di Adidas nella musica, rendendo omaggio al ruolo che lo stile gioca nella cultura di ogni generazione.” La collezione viene lanciata proprio in concomitanza con il tour Oasis Live ’25, che segnerà la prima volta dal 2009 che i fratelli Gallagher torneranno insieme su un palco. Lo spot promozionale della campagna, sulle note della celebre “Live Forever” tratta dall’album di debutto “Definitely Maybe” (1994), ripercorre la storia del gruppo con un taglio nostalgico ma contemporaneo.

Oasis

Oasis e Adidas insieme: il merch per celebrare la storia

L’operazione è stata lanciata da uno spot e a Manchester è stato aperto uno store.

Andare oltre il semplice concerto per diventare esperienza. Questo l’obiettivo che gli organizzatori si sono posti per <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/la-notte-di-certe-notti-ligabue-campovolo-2025-505306">“La notte di certe notti”</a>, quinto passaggio a Campovolo di Luciano Ligabue che, sabato 21 giugno, <a href="https://www.rockol.it/news-752691/ligabue-concerto-notte-certe-notti-campovolo-2025-canzoni-scaletta">ha celebrato - oltre ai trent’anni di “Buon compleanno Elvis - il ventennale del primo Campovolo (e dell’album “Nome e cognome”) e i trentacinque anni di carriera del cantautore di Correggio</a>. “E’ decisamente qualcosa di più di un semplice live”, spiega Ferdinando Salzano, patron di Friends &amp; Partners che con Zoo Aperto (la società che fa capo all’artista) e Double Trouble (agenzia di management di Max Brigante e Jacopo Pesce), ha coordinato l’evento: “Ci siamo fatti questo regalo, allestendo un unico contenitore dedicato in toto a Luciano”.

Un’esperienza che ha previsto l’apertura dell’area della RCF Arena per oltre 48 ore - dalle 12 di venerdì 20 giugno alle prime ore di domenica mattina, con la giornata di venerdì aperta a tutti, anche a chi non possiede il biglietto per il concerto - e che ha offerto, oltre al palco, anche la Liga Street, area dedicata alla ristorazione, alle attività collaterali (esibizioni di tribute band, cinema all’aperto, intrattenimenti sportivi, un toro meccanico, food truck con oltre 20 menù diversi, un museo con memorabilia e una galleria fotografica e una sala giochi con otto flipper tematici dedicati a Ligabue) e ai talk con i più fidati collaboratori dell’artista.

Il format sarà replicato, come serie di eventi “unici e preziosi”, sia in Italia che all’estero. Dopo la tappa del prossimo 6 settembre alla Reggia di Caserta, “La notte di certe notti” partire per un tour europeo di otto date (a Barcellona, Madrid, Parigi, Londra, Utrecht, Bruxelles, Lussemburgo e Zurigo), per poi approdare nel nord Italia il prossimo 20 giugno allo stadio Meazza di San Siro, a Milano. “Ieri sera, girando per la Liga Street, ci siamo accorti che questa festa sta andando oltre ogni aspettativa”, spiegano Salzano e Marco Ligabue, stimando in almeno 10mila unità l'affluenza di pubblico nella serata di venerdì: “Sull’onda dell’entusiasmo ci siamo confrontati anche con Luciano e abbiamo pensato di portare questa festa anche al nord, nel primo stadio che ha ospitato un suo concerto".

“Lo spirito era cercare di fare qualcosa di più dei ‘vecchi’ Campovolo”, ha precisato Marco Ligabue, fratello di Luciano, a capo di Zoo Aperto e animatore del suo fan club: “Abbiamo previsto anche un’area dedicata ai bambini. E ci siamo impegnati perché la Liga Street fosse anche bella da vedere, con dei truck food al posto dei tradizionali stand”. Grande attenzione è stata riservata anche alla sostenibilità, con una porzione apposita dello spazio dedicata alle associazioni solidali - tra le altre, La Collina, comunità di recupero diventata anche azienda agricola biologica - e un corner riservato a Charity Stars, piattaforma che ha messo online quattro cimeli appartenuti a Ligabue il cui ricavato dalle vendite sarà interamente devoluto alla stessa La Collina.

Riguardo l’affluenza, per Salzano “tutto è andato secondo i piani”, con 100mila biglietti venduti e operazioni in partnership con Eventinbus (che ha operato transfert da oltre 250 città italiane) e Frecciarossa, che ha approntato treni speciali. Parlando di prevendite, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752674/live-salzano-fandp-perdere-l-ossessione-per-il-sold-out">ineludibile è stato il tema dei sold out “forzati” da svendite e omaggi di tagliandi</a>, fenomeno non nuovo agli addetti ai lavori portato all’attenzione del grande pubblico pochi giorni fa da un <a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">post social di Federico Zampaglione</a>. “E’ una pratica completamente scorretta”, osserva il fondatore di F&amp;P: “Credo, tuttavia, che ci sia stato in certo gigantismo nella descrizione di quanto avvenuto da parte dei media. Gli artisti non sono pupazzi o burattini, ma teste pensanti autonome nelle proprie decisioni. Una cosa è certa: i biglietti devono mantenere i prezzi che hanno nel momento in cui vengono annunciate le prevendite. Poi, certo, i tagliandi resi disponibili a prezzi speciali per alcune categorie sono sempre esistiti, ma con numeri limitatissimi”.

“La mia politica con Friends &amp; Partners, e quella di Ligabue, è sempre stata quella di negare i biglietti omaggio, anche per i contest delle radio - come, per esempio, quello attivato in questi giorni per il reunion tour degli Oasis, che di certo non ha problemi in termini di vendite”, prosegue Salzano: “Considerate che la Liga Street, alle aziende partner, è costata 350mila euro. E che noi, a entità come Pizzaut, abbiamo garantito un contributo economico”. Niente isterie o sensazionalismi, dunque, soprattutto da parte di chi lavora dietro le quinte dei grandi eventi. “Se questa vicenda ci ha insegnato qualcosa”, spiega Salzano, “è che occorre una grande cautela nell’utilizzare la parola sold out. E noi organizzatori dovremmo perdere l’ossessione per il ‘tutto esaurito’. Non credo alla narrazione fatta trapelare dai media di un settore in sofferenza. Al contrario: il mercato della musica dal vivo è florido, e a dirlo sono i dati comunicati da SIAE. Quindi non vedo nubi all’orizzonte. E’ importante che il messaggio sia arrivato, anche in modo molto chiaro: tutti dobbiamo darci una regolata, e le informazioni vanno date in modo corretto. Ma non è il caso di credere ad allarmismi. Il pubblico è felice di andare ai concerti, e i promoter continuano ad annunciare date”.

“Il fatto è che il mondo della musica dal vivo è diventato maledettamente competitivo”, ribadisce lo stesso Ligabue nel corso dell’incontro con la stampa nel backstage: “Se da un giorno all’altro, dal provino in casa, non arrivi il giorno dopo a fare uno stadio, sembra ci sia qualcosa che non va. Ci deve essere invece un tempo di maturazione e quindi, se queste tecniche&nbsp;esistono veramente e sono messe in atto, non fanno bene di sicuro né alla musica né agli stessi artisti.”.

Sul concept di “La notte di certe notti”, Ligabue è assolutamente allineato con il proprio staff. “Si può dire che Campovolo ci sfuggì quasi di mano, la prima volta”, spiega l’artista: “Lo organizzammo con due agenzie - Friends &amp; Partners e Barley Arts - e nessuno immaginava potesse arrivare tanta gente. E’ vero, il set up con quattro palchi non funzionò. Ma ricordo le facce delle prime file del pubblico durante l’ultima canzone in scaletta, ‘Urlando contro il cielo’: le ho ancora davanti agli occhi, fotogramma per fotogramma. Via via che si sono fatti gli altri Campovolo, ogni volta c’era la sensazione che la festa non si esauriva con il concerto, e da qui è partita l’idea di questi due giorni di festa”.

Indispensabile, per Ligabue, è stato il lavoro con il suo team. “Abbiamo lavorato sodo tutti”, ha aggiunto l’artista: “Siamo arrivati a questo risultato grazie a un continuo confronto con una squadra nella quale ripongo totale fiducia. Il concept di Las Vegas, per esempio, è stata un’idea di Double Trouble”.

La venue che ospita “La notte di certe notti”, la RCF Arena, ultimamente è stata messa in discussione - soprattutto a livello locale - per lo scarso numero di show ospitati. “Sono convinto che resti una delle location all’aperto più belle d’Europa”, chiarisce Salzano (che oggi con F&amp;P non si occupa più della programmazione, affidata alla società C.Volo): “Fu progettata come un sogno partorito dalla mente di Claudio Maioli (l’ex manager di Ligabue, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-742625/claudio-maioli-si-ritira-va-in-pensione-il-manager-di-ligabue">andato in pensione lo scorso anno</a>, ndr) - non c’era la stessa competizione che c’è oggi nell’offrire spazio per mega-concerti outdoor. Poi il settore del live è esploso, e quello che è successo lo sappiamo tutti. Premetto di non essere più coinvolto nella programmazione della venue, ma posso dire che gli artisti internazionali che si sono esibiti qui sono rimasti assolutamente colpiti dalle qualità dell’Arena. Sono sicuro che in futuro decollerà, ma non aspettatevi un gran numero di show, perché non sono tanti gli artisti a potersi permettere uno spazio del genere”.

Nella setlist della “Notte di certe notti” non è mancata “Il mio nome è mai più”, brano scritto e interpretato da Ligabue con Jovanotti e Piero Pelù pubblicato nel 1999 i cui proventi dalle vendite furono interamente devoluti a Emergency. Data l’attenzione all’attualità riservata da Ligabue per il suo quinto Campovolo, è ipotizzabile il ripetersi di un’operazione del genere? “Le canzoni si possono scrivere per esprimere la propria indignazione, ma non è detto che possano avere lo stesso effetto, data la massa di informazioni dalla quale siamo sovrastati oggi”, spiega Ligabue: “Quando uscì ‘Il mio nome è mai più’ si vendevano ancora i dischi, e grazie alle vendite della canzone (che si piazzò in testa alla classifica dei singoli più venduti nel 1999 in Italia, ndr) pagammo a Emergency due ospedali in Afghanistan. Oggi non sono sicuro che con lo streaming, anche con chissà quanti milioni di ascolti, sia possibile fare la stessa cosa. Nel 1999, poi, usciva un millesimo della musica che esce adesso. Oggi i singoli durano una o due settimane, un mese e mezzo quando va bene: il segno che&nbsp;riescono a lasciare è diverso”.

Per l’occasione a Ligabue è stata consegnata la targa SIAE per “Certe notti” come brano presente nella top ten delle canzoni più eseguite dal vivo nel 2024, con 32.213 performance registrate dai borderò della collecting lo scorso anno. “Come SIAE siamo orgogliosi di consegnare a Luciano Ligabue il deposito di una canzone che continua ad avere un grande successo: ancora lo scorso anno Certe notti era nella top ten delle&nbsp;canzoni più eseguite in Italia con 32.213 performance”, ha commentato il Presidente della Società Italiana degli Autori ed Editori Salvatore Nastasi: “Grazie per aver scritto un pezzo che ci fa sentire complici, ribelli, veri. Grazie per aver scritto un pezzo che non si ascolta, ma si vive. Ogni volta che la notte chiama”.

Ligabue

Ligabue, dietro le quinte di ‘La notte di certe notti’

100mila presenze per ‘un regalo all’artista’ che sarà replicato, in Italia e all'estero

Regalare o vendere biglietti a prezzi fortemente scontati per riempire le grandi venue? “E’ una pratica completamente scorretta”. A dichiararlo è Ferdinando Salzano (nella foto, alla sinistra di Marco Ligabue, fratello di Luciano), fondatore di Friends &amp; Partners, a margine di “La notte di certe notti”, il mega-evento che - domani, sabato 21 giugno - avrà per protagonista Luciano Ligabue alla RCF Arena di Campovolo, a Reggio Emilia.

Pur comprendendo il clamore suscitato dal tema a livello mediatico (grazie anche a&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-752598/federico-zampaglione-tiromancino-finti-soldout-concerti-annullati">un post di Federico Zampaglione</a>), Salzano crede che la portata del fenomeno sia stata ingrandita dai media. “Credo ci sia stato del gigantismo rispetto a quanto effettivamente avvenuto”, ha spiegato il promoter: “Non è vero che il mercato del live è sterile. Anzi, è florido, e a confermarlo sono i dati di SIAE”.

Sulla pratica di scontare i prezzi in corsa a seconda dell’andamento delle prevendite, per Salzano “i prezzi devono essere mantenuti stabili rispetto a quelli comunicati in fase di annuncio. Se c’è una cosa che questa vicenda ci ha insegnato è di stare molto attenti a usare la parola sold out, e questa è una grande lezione. La mia azienda ha capito che è superfluo, a volte, parlare di sold out. 15 o 20 mila spettatori sono già tantissimi. Dobbiamo perdere l’ossessione del sold out”.

Live, Salzano (F&P): ‘Perdere l’ossessione per il sold out’

Il promoter interviene sulla polemica circa i biglietti omaggio o scontati: ‘Pratica scorretta’

Exceleration Music è stata lanciata nel 2020 da un team di veterani dell’industria musicale – tra cui figure chiave provenienti da Concord, ADA, Ingrooves e Merlin. E’ una realtà giovane, quindi, eppure con una forte ambizione motivata proprio dalla profonda conoscenza dell’industria. La sua missione: sostenere e far crescere il mondo indipendente. Il suo modello: combinare capitale strategico, esperienza operativa e rispetto dell’identità culturale delle etichette in cui investe. Tra le operazioni più recenti: l’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-752453/cooking-vinyl-acquisita-da-exceleration-music">acquisizione della storica Cooking Vinyl</a>, un nome simbolo della discografia indie britannica.

Exceleration, dunque, lega la struttura tipica di una società di investimento ad una piattaforma proprietaria concepita per abilitare la crescita sostenibile nel settore indipendente, offrendo servizi condivisi e preservando autonomia artistica e operativa delle etichette coinvolte.

Pertanto, nella filiera dell’industria musicale - che comprende major, editori, indie label, distributori, società di private equity – Exceleration occupa una posizione ibrida. Vediamone in maggiore dettaglio il confronto con altri due tipi di player. 
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Non è una major

Come loro, aggrega etichette e punta alla scalabilità, ma con una visione opposta: centralizzazione (quella delle major) contro autonomia. UMG, Sony Music e WMG operano come conglomerati verticali, con governance centralizzata e una direzione creativa accentrata in cui ogni sub-label spesso diventa un’estensione della strategia globale della casa madre (pur con budget, obiettivi e struttura interni).

Exceleration Music si presenta invece come una piattaforma federata: acquisisce o investe in etichette indipendenti lasciando autonomia operativa e culturale, offrendo in cambio infrastrutture condivise (come la distribuzione attraverso la sua Redeye) e supporto strategico. Il risultato è un modello leggero, orizzontale, curatoriale, che non impone brand o linee editoriali, ma abilita una crescita connessa e sostenibile.

Il confronto mette in evidenza due approcci antitetici:

<ul>
	<li>Le major consolidano e uniformano;</li>
	<li>Exceleration connette e differenzia.</li>
</ul>

La si potrebbe definire una “major distribuita”, che scala senza centralizzare, offrendo un nuovo paradigma per l’aggregazione musicale del futuro. 
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Non è un fondo speculativo né un aggregatore puro

Tutti aggregano asset musicali, ma con strategie e finalità molto diverse. Exceleration punta sull’operatività indie. Negli ultimi anni, soggetti come Concord, Reservoir, Primary Wave e Hipgnosis hanno costruito imperi musicali basati sull’acquisizione di diritti, cataloghi e proprietà intellettuali. La loro strategia mira all’estrazione di valore da IP musicali, con focus su sync, licensing e ritorni finanziari.

Exceleration Music condivide la logica aggregativa, ma ne capovolge la prospettiva. Non si limita a detenere asset: li attiva e li accompagna. Invece di investire solo in diritti, investe in etichette vive, con management, artisti, progetti editoriali e identità. È meno “catalog hunter” e più “curatore operativo”.

Rispetto ai big del settore non è quotata né legata a rendimenti trimestrali, non punta a consolidare IP storiche, ma a potenziare label contemporanee; non impone processi top-down, ma costruisce reti di collaborazione.

Exceleration non è (ancora) grande quanto Concord o Reservoir, ma il suo impianto culturale è radicalmente diverso: vuole essere un sistema operativo per l’indipendenza, non un fondo per l’estrazione di diritti.

Quanto al fattore-aggregazione, Exceleration controlla asset distributivi come Redeye ma opera come un aggregatore strategico, che mira a costruire una rete di etichette indipendenti, fornendo infrastrutture, capitale e consulenza senza annullarne l’identità. 
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In sintesi

Il panorama sta mutando. A ridosso della skyline disegnata dai grattacieli verticali (le major), e prima della sconfinata periferia (coda lunga), comincia ad insediarsi un villaggio di case indipendenti collegate in rete tra loro.

In un mercato che si polarizza tra piattaforme globali e creator economy atomizzata, Exceleration rappresenta una terza via: scala e visione, ma con anima indie.

Exceleration Music si presenta come una holding curatoriale nel mondo indipendente, con una visione di lungo periodo.

Condivide con le major la logica aggregativa e l’ambizione alla scalabilità, ma ne rigetta il modello di controllo centralizzato. È una “major distribuita”, dove ogni nodo della rete resta indipendente ma collegato da infrastrutture comuni.

La sua è, forse, una nuova idea di major con valori indie; oppure un progetto di “major alternativa”, che mette in rete etichette indipendenti invece di inglobarle.&nbsp;

Aggrega senza omologare, investe senza comandare e offre infrastruttura senza assorbire identità.

Un modello di cui prendere nota proprio in questa fase storica in cui le tre major aumentano i propri sforzi in direzione dei distributori indipendenti e in cui si prospetta sempre più caldo il dibattito sul solco che l’evoluzione dei criteri di ripartizione dei ricavi da streaming (“artist-centric”) rischia di scavare ulteriormente tra la musica di matrice corporate e quella di matrice autonoma.

Exceleration Music: è questa la major di nuova generazione?

Anima indie ma logiche da holding: un modello da tenere d’occhio

Aprirà i battenti il prossimo 18 giugno Parco della Musica, nuovo spazio riservato ai concerti estivi allestito a Novegro, nell’hinterland est di Milano, a pochi metri dallo scalo aeroportuale di Linate, che di qui alla fine del prossimo luglio ospiterà i concerti di Massive Attack, Ozuna, Nine Inch Nails, Kool &amp; the Gang, De La Soul, Willie Peyote, Who, Smashing Pumpkins e Caparezza.

Gualtiero Sabatini è l’Amministratore Delegato di Grande Stazione, società che gestisce la Unipol Arena di Bologna - una delle venue più frequentate dalle grandi produzioni nazionali e internazionali, che solo nella prima metà di quest’anno ha ospitato gli show di Billie Eilish, Tate McRae, Limp Bizkit, Lenny Kravitz e Twenty One Pilots - e, sempre nel capoluogo emiliano, i festival Sequoie Music Park e BOnsai. Con Parco della Musica a Milano l’azienda ha ampliato il proprio raggio d’azione, iniziando a presidiare una delle piazze più frequentate (e redditizie) sul mercato italiano della musica dal vivo: un progetto avviato guardando al futuro, che si propone come valvola di sfogo o alternativa alla congestionata pattuglia di spazi estivi per la musica dal vivo offerta dal capoluogo lombardo. 
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Qual è la capienza massima, in termini di pubblico, per la quale è omologata l’area concerti di Parco Musica Milano?

L’area complessiva del Parco della Musica di Milano si estende per ben 70.000 metri quadrati, immersi nel verde nei pressi di Linate. Al suo interno ospitiamo due palchi completamente modulabili: uno ha una capienza massima di circa 14.000 persone, l’altro può accogliere fino a 4.500 spettatori, a seconda della configurazione scelta per l’evento, tra posti in piedi o seduti. L’unico concerto previsto interamente con posti a sedere è quello dei Kool &amp; The Gang. Gli altri appuntamenti sono strutturati per offrire la massima flessibilità in base all’artista e al tipo di pubblico atteso. 
&nbsp;

Gli accordi presi con il Comune di Segrate impongono particolari limiti al numero di serate da ospitare presso l’area?

Come per ogni iniziativa di questo tipo, c’è stato un dialogo costruttivo con il Comune di Milano per garantire un equilibrio tra intrattenimento, rispetto del territorio e sostenibilità ambientale. Per evitare code e disagi abbiamo dato la possibilità agli spettatori di prenotare il biglietto del parcheggio, ma anche ricordato loro che la location può essere raggiunta con i mezzi pubblici e in bicicletta. &nbsp;In ogni caso, la rassegna nasce con un calendario contenuto ma di grande qualità, proprio per valorizzare ogni appuntamento in modo sostenibile. 
&nbsp;

Qual è l’orizzonte temporale di Parco Musica Milano? Sono previste edizioni anche per il prossimo anno (o per i prossimi anni)?

Questa prima edizione del Parco della Musica di Milano rappresenta l’inizio di un progetto più ampio e strutturato, pensato in un’ottica pluriennale. L’obiettivo è quello di farlo crescere nel tempo, offrendo ogni estate un calendario musicale ricco e variegato. Stiamo già guardando con entusiasmo al futuro e c’è sicuramente la volontà di dare continuità al progetto anche nei prossimi anni, rendendolo un punto di riferimento stabile per la musica dal vivo a Milano. In particolare, il fatto di poter offrire la possibilità di ospitare migliaia di persone in un assetto seduto&nbsp;rende la location unica. 
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Quali opportunità offre l’apertura di un grande spazio all’aperto per la musica dal vivo a Milano? È possibile considerare Parco Musica Milano come una possibile alternativa agli ippodromi SNAI e La Maura, che sono soggetti alle deroghe imposte al Comune di Milano per l’organizzazione di serate?

L’apertura del Parco della Musica di Milano è un’opportunità straordinaria per la città e per il mondo della musica dal vivo. Milano ha una vocazione culturale fortissima e meritava uno spazio all’aperto così ampio, immerso nel verde, moderno e pensato per ospitare grandi eventi musicali in modo efficiente e sostenibile. Rispetto ad altri spazi, PMM può effettivamente rappresentare un’alternativa concreta e strategica per i promoter. L’area è ben collegata, studiata per essere versatile, e nasce proprio per accogliere eventi musicali, il che permette di evitare molte delle complessità che altri spazi inevitabilmente comportano. 
&nbsp;

Da parte di Grande Stazione c’è la volontà - se non è già stato fatto - di prendere contatto con i singoli promoter per l’eventuale organizzazione presso Parco Musica Milano di rassegne - come per esempio gli i-Days - o festival?

Assolutamente sì, il dialogo con i promoter è una parte centrale del progetto. PMM nasce con una forte vocazione collaborativa: vogliamo essere una casa per la musica live, non solo ospitando singoli concerti, ma anche accogliendo rassegne e festival strutturati. Siamo già in contatto con diversi operatori del settore e guardiamo con interesse anche a realtà consolidate. Quest’anno ad esempio ospitiamo i concerti di Massive Attack e degli Smashing Pumpkins in collaborazione con Unaltrofestival. L’idea è quella di costruire, insieme, una nuova piattaforma per la musica a Milano, capace di attrarre artisti internazionali e coinvolgere il grande pubblico in esperienze indimenticabili.

Parco della Musica, a Milano il live guadagna spazio

L'AD di Grande Stazione Gualtiero Sabatini: 'Un progetto strutturato, pensato in ottica pluriennale'

Nella Top Album FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la vetta della classifica vede un cambiamento significativo. In prima posizione si afferma il nuovo ingresso IO NON SAREI di ALESSANDRA AMOROSO, seguito - in seconda posizione - da&nbsp;MEDITERRANEO di BRESH, in discesa dal primo posto. In terza posizione debutta&nbsp;1998 di COEZ.

Non si segnalano altre&nbsp;nuove entrate nelle prime dieci posizioni della classifica.

Per la settimana dal 13 giugno 2025 al 19 giugno 2025, la Top Singoli FIMI/ GfK Top of the Music sponsored by SCF vede&nbsp;ANNA&nbsp;debuttare in vetta con il brano DÉSOLÉE, che scalza&nbsp;ALFA &amp; MANU CHAO con A ME MI PIACE&nbsp;dalla posizione numero uno. In terza posizione troviamo W SOUND, BEÉLE &amp; OVY ON THE DRUMS con LA PLENA, in discesa dalla seconda piazza.

Oltre a quella già citata, tra le nuove entrate nella top ten si segnalano:

<ul>
	<li>NON BASTA MAI di CAPO PLAZA FEAT. BRESH &amp; TONY EFFE che entra alla settima posizione</li>
</ul>

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.&nbsp;

Alessandra Amoroso

Classifiche, novità 19 giugno: Alessandra Amoroso al numero uno

'Io non saprei' è l'album più ascoltato della settimana

E’ stato annunciato il debutto di Doc Music, piattaforma collaborativa a sostegno delle carriere artistiche e dedicata alle figure manageriali indipendenti nata in seno a Doc Servizi, cooperativa nel settore dello spettacolo e degli eventi: la nuova entità rende disponibili a soci e socie un team di lavoro dedicato alla gestione delle varie attività della filiera (discografia, sostegno alla carriera editoriale e management), offrendo - tra gli altri servizi - gestione Enpals, gestione PIva, supporto pratiche estere, ufficio bandi e fundraising, label service, amministrazione editoriale, consulenza legale.

“Trentacinque anni dopo la nascita di Doc Servizi, il modello cooperativo ha consentito di ottenere cambiamenti che nel 1990 erano inimmaginabili in tema di sicurezza, legalità e valore delle professioni legate al mondo della musica”, ha fatto sapere, in una nota, la cooperativa: “Anche oggi, in un panorama sofferente, sempre più legato alla performatività, ai profitti immediati e all'ipercompetitività è il modello cooperativo a cercare di rispondere alle domande di chi vuole affrontare le criticità storiche del settore (discontinuità, lavoro nero, scarsa retribuzione) ed essere protagonista di una carriera non per forza legata alle attuali dinamiche del mercato musicale”.

“Abbiamo portato il nostro know how all’interno della cooperativa per poter essere liberǝ di contare anche quello che in genere non si può contare: la qualità musicale, la progettualità, il diritto di cittadinanza di alcune proposte musicali in un ambiente che sembra sempre più ostile ai percorsi meno convenzionali”, ha commentato Silvia Brunelli, responsabile area Management di Doc Music: “Non ci sembra quindi esagerato parlare di musica giusta, un aggettivo che per noi è inequivocabilmente un manifesto che ci vuole dalla parte dell’equità, della lealtà, della bellezza. Un’attitudine che può sembrare utopica, ma in questo ci piace citare un personaggio importantissimo del nostro tempo, Gino Strada, che non ha fatto altro che ricordarci che utopico non è sinonimo di impossibile. L’utopia è solo qualcosa che deve ancora succedere”.

“La musica giusta è un nuovo progetto al quale, all’interno di Doc Servizi, abbiamo deciso di dedicarci”, ha aggiunto Andrea Ponzoni, responsabile area Musica di Doc Servizi: “La cooperativa in trentacinque anni di storia ha già realizzato obiettivi che erano bollati come utopistici: i diritti e le tutele all’interno di un mondo regolato poco e male, problematico, incerto; la sicurezza e la legalità come condizioni imprescindibili; il talento come valore. Vorremmo che le persone che abitano il mondo della musica e che cercano un modello lavorativo alternativo potessero condividere con noi questo nuovo spazio per dare ossigeno a quei progetti che oggi sono strozzati dalle logiche legate al successo a tutti i costi”.

Nasce Doc Music

Apre l’area di Doc Servizi dedicata alla sviluppo e alla gestione di progetti artistici

Per conoscere le ultime novità musicali della settimana, questo articolo ti fornirà l'elenco completo e sempre aggiornato delle nuove canzoni uscite venerdì. Ogni settimana, artisti e band pubblicano nuovi brani, album o EP su tutte le piattaforme digitali. Se vuoi rimanere al passo con le ultime uscite, non perderti <a href="https://www.rockol.it/singoli">l'elenco sempre aggiornato con tutte le novità musicali</a>. Questa settimana parliamo di Tellynonpiangere, Kety Fusco, Idreamjazz, Wayloz e Merk &amp; Kremont.

<h2>L’unica - Tellynonpiangere - NEEDA / Indaco</h2>

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Il progetto musicale tellynonpiangere, ideato da Giorgio Campagnoli, è stato ufficialmente lanciato il 20 giugno 2025 sotto l'etichetta NEEDA / Indaco. Il brano “L’unica” rappresenta una ballata pop e segna un passo significativo nel percorso artistico di tellynonpiangere. Questo singolo anticipa l'uscita del primo EP, prevista per l'autunno del 2025. La produzione musicale di Giorgio Campagnoli ha avuto inizio all'età di 17 anni, quando ha iniziato a registrare i suoi primi brani.

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<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/l-unica-tellynonpiangere-ctid-213334615">Leggi il testo di "L’unica" </a>

<div class='embed'><div class="py-4 text-lg text-center border-black border-solid bg-gray-100 border border-l-0 border-r-0 italic font-bold">
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<h2>Für Therese - Kety Fusco - A Tree In A Field Records</h2>

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Il 20 giugno 2025 è stata pubblicata la bonus track intitolata ‘Für Therese’, che fa parte del nuovo album di Kety Fusco dal titolo ‘BOHÈME’, previsto per il 19 settembre. ‘Für Therese’ è una reinterpretazione del brano di Beethoven ‘Per Elisa’, rinominato dall'artista ispirandosi a una teoria che suggerisce un errore di trascrizione nel titolo originale. Secondo questa teoria, Beethoven avrebbe dedicato il brano alla sua allieva Therese anziché a Elise. In questa versione, Kety Fusco propone una nuova visione del pezzo, utilizzando l’arpa e l’elettronica. ‘BOHÈME’ rappresenta il secondo album di studio della arpista e compositrice italo-svizzera, realizzato in collaborazione con il compositore Nicolas Rabaeus a Ginevra. Ogni suono del disco è generato dall’arpa, sottoposta a manipolazioni sonore, registrazioni subacquee e tecniche innovative.

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<h2>RUOTA - Idreamjazz - Kownloon Records</h2>

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Il duo jazz idreamjazz, formato da Leonardo Salvaro ai sintetizzatori e Gianmaria Gobbetti alla batteria, annuncia il suo debutto discografico con l'EP intitolato JAZZSTAR. L'uscita è prevista per il 18 luglio tramite l'etichetta Kownloon Records. In preparazione a questo evento, il primo singolo RUOTA è stato pubblicato il 20 giugno. Il brano combina la batteria con elementi di improvvisazione jazz ed elettronica, presentando un linguaggio musicale caratterizzato da influenze tra i generi. L'EP JAZZSTAR rappresenta l'inizio di un progetto che anticipa l'uscita del primo album di idreamjazz, attualmente in fase di lavorazione.

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<h2>Rite Of Shame - Wayloz - A1 Entertainment</h2>

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Il brano ‘Rite Of Shame’ segna l'anticipazione dell'EP ‘Half Cast’, previsto per il 11 luglio. Questo lavoro rappresenta il debutto solista di Wayloz, nome d'arte di Osasmuede Aigbe, chitarrista, cantante e compositore. Wayloz è un progetto che emerge dall'esperienza di OZ, membro del duo Gemini Blue, attivo dal 2020 e autore di un album e diversi singoli. L'identità artistica di Wayloz riflette le radici italo-nigeriane di Aigbe, sviluppate attraverso anni di formazione e sperimentazione. Il progetto si distingue per un songwriting che incorpora due dimensioni: una dedicata alla musica acustica, rurale e folk, e l'altra con un'impronta elettrica, ispirata a figure come Jeff Buckley, Queens Of The Stone Age, All Them Witches e King Crimson. ‘Rite Of Shame’ affronta la tematica dell'esibizione dal vivo, caratterizzato da un ritmo percussivo costante e da elementi melodici della chitarra a dodici corde.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/rite-of-shame-wayloz-ctid-212257905">Leggi il testo di "Rite Of Shame" </a>

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<h2>OCEANICA - Merk &amp; Kremont - Universal</h2>

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Merk &amp; Kremont, il duo di dj e producer, ha annunciato l'uscita del nuovo singolo intitolato "Oceanica", in collaborazione con Jovanotti. "Oceanica" è stato anticipato il 1° giugno durante la performance del duo al Nameless Festival, dove è stata presentata una incursione video di Jovanotti. Il singolo è prodotto per Island Records/Universal Music Italia. L'artwork del brano trae ispirazione dalla cover di "3 Feet High and Rising", album di debutto dei De La Soul, creata da Toby Mott in collaborazione con il collettivo di artisti The Grey Organisation e acquisita dal MoMA di New York.

<a href="https://testicanzoni.rockol.it/testi/oceanica-merk-kremont-feat-jovanotti-ctid-213334316">Leggi il testo di "OCEANICA" </a>

Merk &amp; Kremon è un duo milanese composto da Federico Mercuri e Giordano Cremona (figlio dell'attore Raul Cremona). Al di fuori dei confini nazionali, Merk &amp; Kremont hanno ottenuto l'attenzone i più grossi nomi della dance internazionale, da Avicii a Steve Angello, da Hardwell a Nicky Romero, tanto da entrare nel roser dell'etichetta discografica olandese Spinnin' Records, specializzata in deep house, tech house, minimal e remix. Bob Sinclair ha voluto collaborare con loro per il remix del... 
<a href="https://www.rockol.it/artista/merk-and-kremont/biografia">Leggi la biografia completa </a>

<div class='embed'><div class="py-4 text-lg text-center border-black border-solid bg-gray-100 border border-l-0 border-r-0 italic font-bold">
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Nuova musica uscita in Italia settimana del 2022-02-06

Questa settimana nuovi singoli per Tellynonpiangere, Kety Fusco, Idreamjazz, Wayloz e Merk & Kremont

Nuovi singoli, le uscite del 20 giugno

Nelle ultime ore, se frequentate i social (e in particolare X e Threads), vi sarà senz'altro capitato di imbattervi in tweet al vetriolo contro il superproduttore Timbaland e la piattaforma di AI generativa Suno. Ma cosa sta succedendo esattamente? Prima di proseguire è il caso di ricordare chi è Timbaland: produttore hip hop&nbsp;da milioni di dischi venduti, ha contribuito a forgiare il successo di artisti come Aaliyah, One Republic, Justin Timberlake e Nelly Furtado, tra gli altri. E' anche&nbsp;l'inventore del format Verzuz, che spopolava sul web nel periodo della pandemia. Negli ultimi anni Timbaland ha accantonato la carriera di musicista in prima linea e ha accettato un ruolo da direttore creativo di Suno, con l'intenzione di integrare in maniera sempre più organica l'intelligenza artificiale nel processo di music making: è uno dei pochi a sostenere le evoluzioni dell'AI in tal senso, senza se e senza ma.

Tornando alla polemica in questione, tutto è cominciato qualche giorno fa, quando Timbaland ha condiviso sui suoi canali un breve reel dimostrativo in cui faceva ascoltare un beat prodotto da Suno. Per mostrare le potenzialità del sistema ha creato una canzone utilizzando il beat che&nbsp;un suo collega, il producer indipendente&nbsp;K Fresh, aveva realizzato senza ausilio dell'AI e postato online qualche giorno prima,&nbsp;e il testo di un creator trovato su TikTok, che lo aveva utilizzato per fare un freestyle. Il problema, però, è che la "rimasticazione" che Suno ha fatto dei due prodotti già esistenti non è particolarmente originale: il beat è pressoché identico all'originale, e contiene perfino la stessa tag vocale usata da K Fresh (il jingle usato come firma sonora da ogni produttore). Tutto ciò senza che il suo nome fosse mai citato esplicitamente.

Ben presto i fan di K Fresh si sono resi conto dell'accaduto, e i video delle due performance a confronto (quella di K Fresh che creava il beat e quello di Timbaland che lo rimaneggiava tramite Suno) sono diventati virali, scatenando un'ondata di proteste in particolare tra i produttori hip hop, che si sentono fortemente minacciati da questo utilizzo del mezzo e soprattutto dalla possibilità che qualcuno dia in pasto le loro creazioni all'intelligenza artificiale senza permessi,&nbsp;crediti o compensi, esattamente come è successo al loro collega. Un rischio più che reale in America, dove spesso i producer indipendenti non godono del diritto d'autore, ma percepiscono un compenso una tantum per cedere i propri beat a rapper e cantanti. E dove oltretutto ci sono stati parecchi casi di beat scippati&nbsp;ai legittimi proprietari e spacciati per propri da soggetti terzi.&nbsp;

Timbaland si è difeso durante una diretta su Instagram, affermando che si era limitato a mostrare ciò che Suno può fare: remixare brani già esistenti, in pratica. Inoltre ha affermato che grazie al suo video un celebre rapper, Ghostface Killah del Wu-Tang Clan, ha scoperto e apprezzato il beat originale e ora vorrebbe lavorare con K Fresh. Che, assicura,&nbsp;avrà tutti i benefici e gli onori del caso, se la collaborazione dovesse andare in porto. Ciononostante la protesta non accenna a scemare, catalizzando le istanze di molte categorie: gli scettici dell'AI, i puristi del beatmaking hip hop e anche molti fan delusi da questa svolta tecno-distopica di Timbaland.

La rivolta dei producer hip hop contro Timbaland e Suno

Negli ultimi giorni si moltiplicano le proteste social: cosa sta succedendo e perché c'entra l'AI

Il <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-750990/youtube-da-oggi-conteggi-nuovi-e-diversi-per-gli-shorts">cambio nel conteggio delle visualizzazioni dei video brevi di YouTube</a> - annunciato ufficialmente alla fine dello scorso marzo - sta evidentemente iniziando a dare i suoi frutti: il CEO della piattaforma controllata da Google Neal Mohan, intervenendo a un convegno organizzato dal Lions Club a Cannes, ha fatto sapere che il numero di visualizzazioni quotidiane del formato ha superato la soglia del 200 miliardi al giorno.

“Stiamo assistendo a un enorme aumento del numero di persone che creano e guardano Shorts”, ha dichiarato Mohan: “Oggi sono entusiasta di condividere un nuovo traguardo. I fan non ne hanno mai abbastanza”.

"Oggi YouTube è l'epicentro della cultura”, ha aggiunto Mohan: “Non parlo di mode passeggere o di successi improvvisi che passano inosservati. Intendo la cultura con la ‘c’ maiuscola. La fandom stessa - ha proseguito - sta diventando una forma di espressione creativa: dai video di reazione alla fan art e altro ancora. E uno dei modi più semplici per entrare in gioco è attraverso i video brevi. La fandom non è più solo consumo. E’ una forza potente che guida la cultura”.

YouTube Shorts, superati i 200 miliardi di views quotidiane

A rivelarlo è il CEO della piattaforma, Neal Mohan

Come ogni anno, la Recording Academy ha diffuso le modifiche al regolamento e alle categorie per i 68esimi&nbsp;Grammy Awards, che si svolgeranno l'1 febbraio 2026 alla Crypto.com Arena di Los Angeles. Cominciamo con un paio di dettagli sulle date: sono candidabili gli album e i singoli pubblicati tra il 31 agosto 2024 e il 30 agosto 2025. Per i membri della Recording Academy&nbsp;le procedure di candidatura di un progetto&nbsp;sono da espletarsi tra il 16&nbsp;luglio e il 29 agosto, mentre le media company possono accedere alla registrazione dal 7 luglio al 22&nbsp;agosto. I progetti che passeranno questa prima scrematura (quelli che in gergo vengono definiti "in consideration" per un Grammy Award) verranno sottoposti al vaglio dei&nbsp;membri della Recording Academy tra il 3 ottobre e il 15 ottobre 2025, e quelli che otterranno più voti riceveranno una effettiva nomination;&nbsp;le nomination in questione saranno annunciate il 7 novembre prossimo. Dal 12 dicembre 2025 al 5 gennaio 2026, infine, i membri della Recording Academy voteranno i progetti in nomination per decretare il vincitore, che verrà annunciato durante la cerimonia dell'1 febbraio.&nbsp;Questo il quadro generale, ma vediamo cosa cambia nella sostanza.

Ogni anno qualche cambiamento seppur minimo viene introdotto nel regolamento: "Come parte dell'impegno della nostra organizzazione, vogliamo&nbsp;evolverci insieme al panorama musicale in perenne mutamento" recita il comunicato diffuso da Harvey Mason Jr., CEO della&nbsp;Recording Academy. "La nostra priorità è essere rappresentativi della comunità della musica ogni anno: le nuove regole e linee guida ci permettono di riconoscere e premiare più artisti possibile". E il primo grande cambiamento avviene proprio in quest'ottica: all'interno della categoria Best New Artist, ad esempio, nata per premiare gli emergenti e/o coloro che imbroccano la hit giusta e si trovano catapultati all'improvviso nell'Olimpo&nbsp;pur dopo anni di gavetta, c'è una novità non da poco. In sostanza, per concorrere in questa categoria non è più necessario essere dei newcomer totali. Fino all'anno scorso, infatti, chi aveva partecipato a un album candidato nella categoria Album of the Year non era candidabile per Best New Artist; dal 2026 può, a patto che non sia presente per più del 20% del disco di cui sopra. La logica, naturalmente, è che negli ultimi anni sempre più artisti affermati fanno featuring con sempre più artisti freschissimi di fama virale: era brutto precludere a questi ultimi la possibilità di concorrere come migliore emergente dell'anno. La cross pollination, insomma, è salva.

Un altro enorme (e molto discusso) cambiamento riguarda la categoria country, che nel settore album viene divisa in due tronconi: quella già esistente è stata ribattezzata Best Contemporary Country Album, mentre parallelamente se ne aggiunge una nuova, chiamata Best Traditional Country Album. Molti commentatori ritengono che la "colpa" di questa modifica sia da attribuire a Beyoncé: la sua vittoria per il miglior album country dell'anno non è andata giù a molti puristi (e anche a molti razzisti e trumpiani, se proprio dobbiamo dirla tutta). La categoria "traditional" diventerebbe quindi una sorta di garanzia per gli artisti country&nbsp;bianchi, conservatori e vecchio stile, che non rischierebbero più di vedersi scippare la vittoria da una popstar amante degli esperimenti musicali. Un modo per salvare capra e cavoli, che però non è ben visto da buona parte della comunità musicale black.

Cambia non solo la sostanza, ma anche la forma, più precisamente quella del packaging, che concorreva in ben due categorie (Best Recording Package per i dischi fisici&nbsp;standard e Best Boxed or Special Limited Edition Package per quelli in edizione limitata). Si ottimizza, e diventa una sola: Best Recording Package. Non solo: visto il crescente successo di fenomeni come il&nbsp;crowdfunding e del crescente successo del merchandising online e offline,&nbsp;per le categorie&nbsp;Best Recording Package, Best Album Notes e&nbsp;Best Historical Album non è più necessario che il prodotto sia in vendita nei negozi per concorrere, ma può anche essere venduto dall'artista direttamente ai fan.&nbsp;E sempre per andare incontro ai cambiamenti del mercato, in questo caso alla progressiva digitalizzazione della musica, visto che molti dischi non hanno neanche più una versione fisica vera e propria, si aggiunge una nuova categoria dedicata alle copertine:&nbsp;Best Album Cover. Anche qui, le novità sono state recepite in maniera variegata dalla scena musicale: molti si chiedono che senso abbia aggiungere un premio per la copertina e non avere ancora categorie rappresentative delle principali novità musicali degli ultimi anni, come reggaeton, afrobeats o k-pop (tutti generi che possono concorrere, ma non hanno una vera e propria&nbsp;categoria a sé). Certo è anche vero che se dovesse esserci una micro-categoria per ogni sottogenere, la premiazione rischierebbe di diventare lunga e pedante, e forse il premio in sé sarebbe privo di senso.

Andiamo infine più sul tecnico con la musica classica, in cui finora gli autori dei testi e i librettisti non erano candidabili ai Grammy, neanche quando il loro contributo era particolarmente importante per la buona riuscita di un album o di un'opera. Da oggi la musica cambia (letteralmente e in senso figurato): hanno la stessa dignità di performer, producer e fonici, e potranno definirsi vincitori di un Grammy Award esattamente come loro, qualora un progetto a cui hanno partecipato fosse premiato.

Grammy Awards 2026: cosa cambia (e perché)

La Recording Academy ha divulgato gli ultimi cambiamenti apportati a regolamento e categorie

In attesa dell’esito del negoziato tra Comune di Sanremo e RAI in merito all’organizzazione del prossimo Festival della Canzone Italiana, il settore discografico - che da anni reclama un trattamento economico più equo da parte dell’amministrazione cittadina e del servizio pubblico - ha lanciato un ultimatum alle controparti: se la RAI accetterà - come previsto dal bando oggetto trattative in questi giorni - di aumentare il corrispettivo da versare al Comune di Sanremo a discapito delle aziende partecipanti all’evento, le etichette potrebbero entrare in sciopero e decidere di disertare il teatro Ariston. A dichiararlo, a Fanpage, è Enzo Mazza, CEO di FIMI, associazione di categoria che rappresenta in Italia le multinazionali discografiche.

Per Mazza è inaccettabile che al Comune venga aumentato il corrispettivo a fronte di una situazione di sofferenza pregressa del comparto della musica registrata:

<blockquote>
“Gli unici due soggetti che investono sull’evento sono RAI e l’industria discografica, la cui produzione dei brani in gara alimenta un’intera filiera. (...) L’unico soggetto che in modo parassitario beneficia di questi investimenti è la città di Sanremo, i cui investimenti sono assenti e punta soltanto a massimizzare dal punto di vista turistico e di immagine l’evento. Sarebbe veramente il colmo che RAI aumentasse il corrispettivo per il Comune di Sanremo e addirittura desse una percentuale dei ricavi pubblicitari”.
</blockquote>

Quindi, da parte di Mazza, l’annuncio dell’aut aut. Se RAI e Comune non dovessero tenere conto dei costi sostenuti dalle etichette per partecipare al Festival - in media “120mila euro ad artista a fronte di un contributo di RAI inferiore ai 65 mila euro” - FIMI non esiterebbe a disertare la manifestazione:

<blockquote>
“Siamo pronti disimpegnarci e a tirarci indietro”
</blockquote>

Quello minacciato da Mazza non sarebbe il primo “boicottaggio”, da parte della discografia, nella storia del Festival: più che quello del 2004, quando a far fare un passo indietro alle case discografiche furono dissidi con l’allora organizzatore della manifestazione Tony Renis, un precedente di quanto rischierebbbe di&nbsp;succedere il prossimo mese di febbraio potrebbe essere rintracciato nell’edizione del 1975, quando le label rifiutarono di far scendere in gara artisti di punta lasciando il concorso ad artisti emergenti o poco noi. Come ricostruito da Eddy Anselmi nel volume “Il Festival di Sanremo” (De Agostini, 700 pagine, 2020), “alle case discografiche che chiedono di mantenere una categoria di interpreti affermati da inviare direttamente in finale, l’assessore Cavaliere (al quale era stata affidata la supervisione dell’evento, ndr) oppone un secco rifiuto, imponendo, al contrario, agli autori di presentare provini solo strumentali per valorizzare meglio le canzoni e non influenzare la commissione. Gli industriali del disco reagiscono privando il festival dei ‘big’”. L’edizione fu vinta da Gilda con il brano “Ragazza del sud”, seguita Angela Luce (con “Ipocrisia”) e Rosanna Fratello (con “Va’ speranza va’”).

Sanremo 2026, FIMI: ‘Pronti a tirarci indietro’

Discografici in polemica con il Comune, che ‘beneficia degli investimenti in modo parassitario’

Uno degli obiettivi forti dichiarati per l’anno 2025 da Rockol MusicBiz, esplicitato nelle ultime settimane con una <a href="https://musicbiz.rockol.it/tutto-su/music-startups-364108">copertura sempre più densa e continuativa</a>, è quello di accendere un faro sulla situazione delle startup musicali.

Il nostro focus forte, all’interno di questo obiettivo, è su quelle italiane. Al punto che, di recente, abbiamo avviato una <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-751569/stai-innovando-la-musica-raccontacelo-speciale-startup-musicbiz">call to action</a>&nbsp;per strutturarne il racconto attraverso la narrazione dei diversi progetti, modelli di business e protagonisti.

E, mentre continuiamo a ricevere riscontri e presentazioni da parte di diversi giovani imprenditori, è con grande piacere che siamo già in grado di annunciare una partnership di alto livello sull’intero progetto: quella con Music Innovation Hub.

“E’ un’ottima notizia non solo per il nostro progetto, che riceve una validazione di alto livello”, commenta Giampiero Di Carlo, CEO di Rockol, “ma anche e soprattutto per la nostra industria, perché Music Innovation Hub è la prima realtà italiana attiva nella promozione sistematica dello sviluppo dell'imprenditoria nel settore musicale, a livello nazionale ed europeo”.

"Nella trasformazione digitale, troppo spesso l’Italia si è trovata a seguire e non a guidare i processi di innovazione", ha dichiarato Andrea Rapaccini, Presidente di Music Innovation Hub: "L’industria musicale nazionale non fa eccezione. Le multinazionali investono nell’innovazione ma nei rispettivi Paesi di provenienza, mentre imprese e startup nazionali non trovano un adeguato ecosistema di supporto in Italia. In più, oggi l’innovazione non deve essere puramente tecnologica, ma deve saper reinventare nuovi modelli di business. Deve anche essere in grado generare valore condiviso per gli azionisti e per gli stakeholder di riferimento. Una innovazione responsabile, quindi, &nbsp;tanto più se si parla di imprese creative e culturale.&nbsp;La partnership tra Rockol e MIH intende contribuire a coprire questo gap nel nostro Paese e ad ingaggiare l’industria nazionale sui processi di innovazione europei e globali".

Di questo e delle prospettive che la partnership apre abbiamo parlato con Anna Zò (nella foto),&nbsp;Responsabile Area Innovazione presso Music Innovation Hub.

Perché il sostegno alle realtà innovative italiane, in questo momento, è particolarmente importante?

Nel 2019, durante la quinta edizione di Linecheck Music Meeting and Festival, MIH ha lanciato la prima call italiana dedicata alle startup musicali, raccogliendo oltre 50 candidature spontanee provenienti da tutta Europa. Grazie a una costante presenza in conferenze internazionali e al dialogo con le principali associazioni di settore legate all’innovazione musicale, è emerso un chiaro gap nel panorama italiano rispetto al contesto europeo. Questo divario riguarda la rappresentanza, le opportunità di confronto, le piattaforme di networking, i programmi di supporto e le possibilità di finanziamento per startup e innovatori nel campo della musica.

Come si è mossa Music Innovation Hub, in questo senso, negli ultimi anni?

Per colmare questa lacuna, a partire dal 2020 MIH ha avviato una serie di MusicTech Meetup, incontri informali mensili dedicati a far conoscere le realtà italiane più innovative nel settore musicale, esplorando temi all’avanguardia come Blockchain, Intelligenza Artificiale, XR/VR/AR. Questi appuntamenti hanno permesso di creare un tavolo di confronto inclusivo, che unisce professionisti e appassionati di tecnologia e innovazione musicale.&nbsp;Il riconoscimento internazionale conquistato nel settore MusicTech e la collaborazione con partner europei hanno portato MIH, nel 2021, a ricevere un finanziamento dalla Commissione Europea per lanciare il primo programma di accelerazione paneuropeo dedicato alle startup MusicTech. La prima edizione dell’acceleratore, che ha supportato 10 startup, è stata un successo tale da permettere a MIH di ottenere un finanziamento europeo di un milione di euro per proseguire il progetto Music Tech Europe Academy per altri tre anni, ampliando partner e beneficiari.

Venendo, invece, al presente...

Nel 2025, MIH ha accompagnato oltre 30 startup europee nel loro percorso di ingresso nel mercato musicale, favorendo la validazione tecnologica e la sostenibilità finanziaria, oltre a facilitare il contatto con investitori, clienti e partner strategici. Nel 2024, questa esperienza europea è stata integrata nel contesto italiano con il progetto GetIt!4Music, promosso da Fondazione Cariplo, che sostiene startup e realtà innovative musicali orientate allo sviluppo di prodotti, servizi e soluzioni a impatto sociale.

Quali saranno i temi che verranno approfonditi nell'ambito della partnership tra Music Innovation Hub e Rockol?

Sicuramente un'analisi del panorama italiano delle startup musicali, dalle definizioni tecniche ai dati di mercato, esplorando i trend attuali e le innovazioni che stanno trasformando l’industria.&nbsp;Non mancheranno&nbsp;un&nbsp;focus sull’ecosistema italiano e sul ruolo del progetto Get it! nella promozione di un modello imprenditoriale responsabile e sostenibile, con interviste ai partecipanti e promotori del progetto, e un&nbsp;approfondimento del mercato europeo, delle opportunità e delle sfide, con un’attenzione al ruolo dell’Italia attraverso le iniziative Music Tech Europe e Music Tech Europe Academy, oltre - ovviamente - a una panoramica&nbsp;sugli investimenti nell’innovazione musicale a livello nazionale ed europeo, con mappatura degli investitori attivi e delle opportunità per le startup.

Startup, partnership tra Rockol MusicBiz e Music Innovation Hub

Insieme per rafforzare e comunicare il collegamento tra industria musicale e nuove economie creative

Non è d'élite lo spirito di La Prima Estate, il festival giunto quest’anno alla propria <a href="https://www.rockol.it/news-752522/concerti-2025-la-prima-estate-dettagli-artisti-date-eventi">quarta edizione</a>, che debutterà come da tradizione a Lido di Camaiore il prossimo 20 giugno. Anche nel 2025 la filosofia della manifestazione organizzata da D’Alessandro e Galli, storica agenzia di musica dal vivo con sede proprio in Versilia, a Viareggio, resta quella di offrire un’alternativa alla massificazione dei grandi eventi live a un pubblico appassionato ed esperto, non avvezzo alle spedizioni toccata e fuga per assistere a uno show.

“La prima sfida del format di La Prima Estate è sempre stata quella di far convivere la vacanza con i concerti”, conferma Enrico D’Alessandro (nella foto), che con Andrea Galli rappresenta la seconda generazione della dirigenza della società di live promoting: “Il pubblico, il più delle volte, era abituato a scegliere tra le due cose. In secondo luogo, abbiamo inseguito il sogno di un festival ‘comodo’. I grandi eventi dal vivo solitamente vengono associati a camminate chilometriche tra un palco e l’altro, orari improbabili e un generale senso di fatica. Noi abbiamo voluto creare qualcosa che sia esattamente l’opposto: offriamo il pubblico una giornata da 24 ore, che inizia col relax delle lezioni di yoga in spiaggia, e prosegue coi talk e gli incontri in mattinata - quest’anno coordinati da Massimo Coppola - e le degustazione enogastronomiche. La musica inizia intorno alle 18,30 per finire verso mezzanotte e mezza”.

Un’offerta che, ovviamente, si rivolge a una tipologia di pubblico molto precisa. “Nel parco si respira un’atmosfera estremamente rilassata, e mi fa piacere vedere tante famiglie nel parterre”, prosegue D’Alessandro: “Il nostro pubblico di riferimento è di 30-40enni, persone che vogliono assistere a un concerto in un posto tranquillo, coi propri cari, bevendosi un bicchiere di vino e mangiando cibo di qualità presso quattro i cinque food truck selezionati senza fare code. Massimo Oldani ha coniato un neologismo, parlando di ‘presbenisimo’ come cifra della Prima Estate. E io non posso che essere d’accordo”.

In un contesto del genere la scelta dei nomi da inserire in cartellone - che quest'anno include, tra gli altri, Mogwai, St. Vincent, Air, TV on the Radio, Moodymann, Grace Jones e Lucio Corsi -&nbsp;diventa dirimente, e permette agli organizzatori di spaziare - in termini di offerta - rispetto alle proposte che il mercato internazionale spinge presso i circuiti estivi. “Prima ancora di definire il genere del cast, abbiamo cercato di inquadrare il pubblico al quale rivolgerci, che nel nostro caso è quello dei young adults”, dice D’Alessandro: “Avevamo intuito ci fosse una richiesta specifica in questo senso, da parte del pubblico, ma abbiamo dovuto fare anche i conti con la location scelta per l’evento, che non è esattamente per tutte le tasche. Sia chiaro: quella della Versilia per soli ricchi è un cliché da sfatare. Lungo i tre chilometri di spiaggia presenti a Camaiore ci sono 80 hotel, tra le 4 e le 2 stelle: non si tratta di un luogo esclusivo, ma che richiede comunque di sostenere tre notti in albergo e il viaggio da Milano o Roma, che sono le due città dove vendiamo più biglietti in assoluto. Se avessimo puntato sul pubblico di giovanissimi appassionati di trap, per ovvie ragioni più inclini alla logica del mordi e fuggi, avremmo fatto un buco nell’acqua”.

Quindi un pubblico alto-spendente, che per due terzi arriva da fuori regione e che vive per la maggior parte nelle grandi città. Come si riflette questo profilo di utenza sull’economia locale? “L’anno scorso i due weekend del festival hanno creato un indotto sul territorio pari a 7 milioni di euro, che per una località di villeggiatura non è niente male”, precisa D’Alessandro: “Quest’anno ci aspettiamo di restare in linea con questi numeri”. E, a proposito di numeri: “Nel 2024 il 54% del pubblico intervenuto non era mai stato in Versilia. Lo trovo un dato molto importante, che ricolloca la zona nella mappa del turismo del 30-40enni, prima la consideravano non adatta alle loro esigenze. Invece offre grandi opportunità in termini culturali, sportivi e naturalistici, dove divertirsi in tutta comodità”.

Il legame a doppio filo con il territorio impone un rapporto solido con le autorità locali. “Il dialogo con le istituzioni è fondamentale per la riuscita di un evento come La Prima Estate”, conferma D’Alessandro: “Il Comune di Camaiore ha sempre avuto un ruolo di primo piano nella buona riuscita del festival, sia tramite la vecchia amministrazione - guidata dal sindaco Alessandro Del Dotto, che ha riqualificato il Parco Bussoladomani regalando alla città un bellissimo spazio in riva al mare - che la nuova. Per il futuro [D’Alessandro e Galli ha chiuso con il Comune un contratto per l’organizzazione delle prossime edizioni del festival fino al 2028, ndr] dobbiamo convincere le istituzioni a fidarsi ancora di più del progetto, soprattutto riguardo la direzione artistica. Adesso che il parco è diventato attrattivo anche per altri eventi, la nostra richiesta è quella di prestare un po’ più di attenzione alla calendarizzazione delle attività”.

“L’area resterà la stessa, così come la suddivisione in due weekend. Adesso la sfida è alzare ulteriormente il tiro, rivolgendoci sempre alla stessa fascia di pubblico”, conclude D’Alessandro, restando in tema di progetti per il futuro: “Siamo prossimi al superamento della soglia dei 10mila spettatori, ma - per raggiungere questo obiettivo - ci servono gli headliner giusti. Su questo fronte, tuttavia, non abbiamo preoccupazione: all’inizio era difficile spiegare a un management perché fare tappa con un tour a Lido di Camaiore anziché a Milano o Roma. Da quando il nostro progetto ha preso quota sono i management internazionali a farsi avanti, ‘offrendo’ gli artisti dei loro roster per l’inserimento nel nostro cast. E’ un progetto, quello di La Prima Estate, che ha destato molta curiosità presso l’industria musicale internazionale: è la conferma della bontà del nostro operato, e non possiamo che esserne contenti”.

La Prima Estate 2025: ‘Perché siamo il festival del 'presbenismo'

Una line-up cucita su un pubblico ben definito e il legame col territorio: parla Enrico D'Alessandro

E’ venuta a mancare Laura Garzia, elemento storico nello staff di Warner Music Italy, che aveva ricoperto la carica di PR &amp; Promotion Manager nella filiale italiana della major per trent’anni, dal 1991 al 2021.

Nel 2004, in seguito alla <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-62952/warner-recine-locale-e-donati-internazionale-i-nuovi-capi-promozione">riorganizzazione di WMG Italy</a> - che per l’occasione insediò il proprio quartier generale presso gli uffici occupati ancora oggi, in Piazza della Repubblica, a Milano - Garzia venne nominata responsabile dell’ufficio promozione di Roma. Successivamente, nel 2015, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-647197/warner-music-italia-sara-andreani-head-of-marketing-and-promotion">con la nomina di Sara Andreani a Head of Marketing and Promotion</a> da parte di Marco Alboni, all’epoca presidente da appena due anni, Garzia fu confermata Promotion Manager, riportando direttamente ad Andreani.

"Warner Music Italy è profondamente addolorata per la scomparsa di Laura Garzia, che è stata per anni una figura fondamentale nella promozione della società e degli artisti negli scorsi anni dalla sede di Roma", si legge nella nota con la quale l'azienda ha ricordato l'ex collega scomparsa: "Con il suo lavoro ha contribuito a realizzare i successi della Label . Ha lasciato un segno profondo, fatto di affetto, saggezza e momenti condivisi. Questo è un saluto carico d’amore e gratitudine".

Warner Music Italy, addio a Laura Garzia

Storica PR & Promotion Manager, era stata per trent’anni nell’organico dell’azienda

Il Master in Comunicazione Musicale dedicato alla formazione delle professioniste e dei professionisti della musica promosso dall’Alta Scuola in Media Comunicazione e Spettacolo (ALMED) dell’Università Cattolica del Sacro Cuore di Milano ha annunciato l’apertura delle iscrizioni per la sua venticinquesima edizione.

Rivolto a laureate e laureati e a laureande e laureandi di qualsiasi facoltà (e/o titolo equipollente), il Master in Comunicazione Musicale - spiegano gli organizzatori - “da 25 anni forma le sue studentesse e i suoi studenti a 360°, portando in cattedra professioniste e professionisti, docenti universitarie e docenti universitari, artiste e artisti e soprattutto un numero sempre maggiore di ex alunne ed ex alunni, che trasmettono la loro testimonianza e la loro esperienza di professioniste e professionisti di oggi. Questo approccio alla conoscenza del music business ha reso il Master in Comunicazione Musicale uno dei percorsi di studi più ambiti del settore, con un numero di domande di iscrizione ampiamente superiore rispetto ai posti disponibili”.

“La nostra più grande soddisfazione è avere contribuito all’industria musicale con una nuova generazione di professioniste e professionisti: una buona parte di chi oggi lavora in questo settore è passato da queste aule, sia come studente e studentessa, sia come testimone e/o docente”, spiega il direttore didattico del Master Gianni Sibilla: “lI Master in Comunicazione musicale continua ad essere un corso unico in Italia, che unisce alta formazione professionale con la visione a 360° che può dare solo lo studio e la riflessione su passato, presente e prospettive della musica”.

Quest’anno il termine per la presentazione delle domande di ammissione è il 3 ottobre 2025. Le candidate e i candidati verranno selezionati/e in base a tre criteri: voto di laurea, pertinenza del curriculum vitae e colloquio motivazionale.

Anche in occasione di questo importante anniversario, il Master in Comunicazione Musicale mette a disposizione delle borse di studio che verranno attribuite ai candidati e alle candidate più meritevoli che parteciperanno alle selezioni. Le borse studio saranno a copertura parziale della retta. Maggiori informazioni al seguente link: https://almed.unicatt.it/almed-comunicazione-musicale-quota-di-iscrizione-e-agevolazioni.

Il percorso prevede inoltre un periodo di stage, garantito per tutte le studentesse e per tutti gli studenti, finalizzato all’inserimento formativo nel mondo del lavoro, sia presso le aziende partner storiche del Master, sia attivando collaborazioni con nuove realtà, in base all’andamento del mercato musicale. Nel corso delle precedenti edizioni, le percentuali di placement si attestano tra il 66% e il 90% a sei mesi dal termine delle lezioni.

Master in Comunicazione Musicale 2025/2026: aperte le iscrizioni

Il termine per la presentazione delle domande di ammissione è il 2 ottobre 2025

Si terrà tra il 16 e il 20 giugno 2026 la prossima edizione di Medimex International Festival &amp; Music Conference, evento promosso da Puglia Culture nell’ambito delle azioni di Puglia Sounds la cui edizione 2025 si sta concludendo in queste ore con il concerto dei Massive Attack.

“Si conclude Medimex con il concerto dei Massive Attack che per noi sono una conclusione importante e coerente con tutti i significati che abbiamo voluto dare in questi anni a questa manifestazione sostenuta dalla Regione Puglia: la pace, la creatività, le giovani generazioni; lo sconvolgimento delle regole per tutelare l'ambiente e la salute delle persone, per evitare il riscaldamento terrestre, la mancanza d'acqua, o lo sfruttamento del lavoro - il commento del presidente di Regione Puglia Michele Emiliano – Questioni che depurate dal loro contenuto politico e ideologico devono diventare patrimonio dell'umanità intera. Noi pensiamo che a volte siano più convincenti i musicisti degli statisti nel raccontare queste cose.&nbsp;Anche stasera, come nelle altre edizioni del Medimex, non saliremo sul palco. Abbiamo sempre lasciato fare alla musica.&nbsp; In questo mio ultimo Medimex da presidente della Regione, ringrazio&nbsp; tutti coloro che hanno contribuito alla riuscita della manifestazione in un momento delicato per l’amministrazione di Taranto e anche per questo rinnovo gli auguri a questa bellissima città alla quale io sono legato moltissimo”.

“Medimex tornerà a Taranto dal 16 al 20 giugno 2026 – ha annunciato Paolo Ponzio, presidente Puglia Culture - Questa edizione è stata un grande successo e ha avuto un impatto importante sulla città e sulla regione. Abbiamo costruito un programma imponente, che come di consueto associa concerti prestigiosi ad appuntamenti di grande spessore culturale e professionale. Abbiamo cercato di portare in Puglia il meglio della musica italiana ed internazionale creando un forte dialogo con il comparto musicale regionale.&nbsp; Ci vediamo a Taranto il prossimo anno".

“Di anno in anno le aspettative sul Medimex crescono. In molti ci chiedono come faremo l'anno successivo a tenere botta rispetto al precedente e noi ce la mettiamo tutta. Basti pensare che già in questi giorni stiamo lavorando al Medimex 2026 – il commento di Cesare Veronico, coordinatore artistico Medimex/Puglia Sounds – È stato un Medimex ricco di soddisfazioni. L'entusiasmante concerto dei Primal Scream, l' ipnotico show di St Vincent e il viaggio così ricco di messaggi e suggestioni che ci aspetta con i Massive Attack. I sorprendenti live de "Le Strade del Mediterraneo",&nbsp; l'atmosfera internazionale che si è respirata durante gli showcase allo Spazioporto, la platea sempre piena del Teatro Fusco, la bellezza della mostra al Marta. L'emozione, condivisa con tutta la città, del mapping e i sorrisi e l'attenzione di chi ha partecipato alle attività in programma all'università. Un'iniezione di fiducia per il futuro in questi tempi così difficili. Abbiamo battuto il record di vendita degli abbonamenti, registrato numerosi sold out e tutta la macchina, una macchina complessa, ha funzionato alla perfezione. Come ho già detto, ma sento il bisogno di ribadirlo, è merito di una grande squadra di donne e uomini, quest'anno arricchita dalla presenza di Diodato e Riondino, che ormai da giorni lavorano incessantemente per regalare a tutti grandi emozioni. Ci vediamo a Taranto nel 2026”.

“Grazie al Medimex per aver ancora una volta acceso i riflettori su Taranto a nome di quel gruppo di&nbsp; pazzi che una decina di anni fa si sono messi in testa di provare a cambiare le cose partendo proprio dalla cultura –&nbsp; ha dichiarato Antonio Diodato&nbsp; - Organizzare una manifestazione come Uno Maggio Libero e Pensante è servita anche a far scegliere Taranto da un evento importante come il Medimex. Sono molto felice, vivo questi giorni come dei giorni di grande festa. Il tema del Medimex quest'anno è la strada e io ho cercato in tutti i modi di portare al centro il Mediterraneo invitando La Niña, Bab L’Bluz e Magalí Datzira a raccontare il mare nostro e il potere che ha la musica di abbattere le barriere e portare un messaggio di pace”.

Medimex, appuntamento nel 2026 dal 16 al 20 giugno

La music convention conferma le date della prossima edizione


Dopo la bufera contro Timbaland di cui vi parlavamo qualche giorno fa, Suno torna nell'occhio del ciclone. Stavolta per via di una class action promossa da musicisti, in cui si trova sul banco degli imputati&nbsp;insieme a un'altra app di AI generativa, Udio. A promuoverla è l'artista country Tony Justice, che sostiene che alcuni suoi lavori coperti da diritto d'autore siano stati utilizzati senza autorizzazione nel&nbsp;training dell'intelligenza artificiale.

Si tratta di due class action distinte, una per ognuna delle due start-up, e sono state pensate per raccogliere l'adesione soprattutto degli artisti indipendenti, quelli più vulerabili in questo tipo di contesto a causa del loro scarso potere di contrattazione. Justice e i suoi avvocati ritengono che né Suno né Udio avrebbero adottato misure sufficienti ad evitare che materiale coperto da copyright fosse usato nel training dell'AI. "Anziché acquisire una regolare licenza come qualsiasi altra azienda che voglia utilizzare le nostre canzoni, le hanno semplicemente rubate per generare dei sound-alike" riporta l'accusa.

In particolare, a essere messo in dubbio è il cosiddetto "fair use", ovvero l'utilizzo di materiale già esistente come "ispirazione" per l'intelligenza artificiale, un po' come i produttori fanno con le cosiddette&nbsp;reference di altri brani. E siccome il sistema legale americano si basa soprattutto sulla giurisprudenza, se i giudici dovessero dare ragione a Tony Justice e ai suoi soci, la vittoria potrebbe cambiare le sorti di tutta la contrattazione tra big tech e industria musicale, che si tratti di major o di indie.