Se si guardasse a quanto hanno fruttato ai tre artisti le sole vendite dei cataloghi di <a href="https://www.rockol.it/news-727778/bob-dylan-sony-music-acquisisce-i-master">Bob Dylan</a>, <a href="https://www.rockol.it/news-727011/bruce-springsteen-vende-master-e-catalogo-a-sony-per-500-milioni">Bruce Springsteen</a> e <a href="https://www.rockol.it/news-728238/sting-vende-il-catalogo-di-canzoni-soliste-e-dei-police-a-universal">Sting</a>, si rischierebbe di giudicare “poca cosa” l’ammontare investito congiuntamente lo scorso anno per assicurarsi diritti di canzoni da parte di Hipgnosis Songs Capital (uno dei rami di <a href="http://www.rockol.it/tutto-su/hipgnosis">Hipgnosis Group</a>, totalmente finanziato da Blackstone) e da Round Hill Music Royalty Partners (private equity con base a New York e 12 anni di vita). Ma sarebbe un errore paragonare dei songbook da 40-50 anni di vita con un insieme di brani che vanno ad alimentare una società di “song management”.

Ecco le principali cifre ascrivibili a Hipgnosis e a <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/round-hill-music-304012">Round Hill</a>, e non solo:

<ul>
	<li>Hipgnosis Songs Fund ha investito nel 2022 circa $ 300 milioni, acquisendo i copyright di Leonard Cohen e Justin Timberlake tra gli altri;</li>
	<li>Round Hill ha speso oltre $ 200 milioni utilizzando come veicoli Round Hill Music Royalty Fund III, Round Hill Music Royalty Fund III Plus e Round Hill Music Royalty Fund LTD, quotato al London Stock Exchange; l’investimento complessivo sostenuto nel 2022 corrisponde a un quarto del capitale raccolto (pari a $ 800 milioni);</li>
	<li>le acquisizioni di RHM sono state 40 in un solo esercizio, ovvero oltre 3 al mese; tra loro si ricordano quelle di Nancy Wilson delle Heart e di David Coverdale (Deep Purple, Whitesnake);</li>
	<li>a questo punto Round Hill Music detiene 170 cataloghi e l’equivalente di $1,3 miliardi di diritti musicali;</li>
</ul>

Concord si è invece distinta per l’acquisizione dei cataloghi (sia lato publishing, sia lato musica registrata) dei tre Genesis Phil Collins, Mike Rutherford e Tony Banks (valore dell’investimento: $ 300 milioni); per sostenerlo ha emesso obbligazioni per $ 1,8 miliardi garantite da un milione di copyright musicali;

Primary Wave, infine, ha messo le mani sulle canzoni di <a href="http://www.rockol.it/artista/whitney-houston">Whitney Houston</a> acquisendo i diritti dei brani degli autori Shannon Rubicam e George Merrill per circa $ 50 milioni; nel gruppo sono entrati – in cambio di una quota di minoranza – ben $ 2 miliardi da parte della conglomerata della finanza Brookfield.

Industria

$ 500 milioni. Gli investimenti 2022 di Hipgnosis e Round Hill 

I numeri dell’industria: le cifre dei cataloghi acquisiti dai protagonisti del mondo finanziario

La&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/tutto-su/british-phonographic-industry-208784">British Phonographic Industry</a>&nbsp;(BPI), l'ente di categoria dell'industria discografica britannica, ha pubblicato i risultati relativi ad&nbsp;un'indagine condotta sulle vendite di dischi e vinili nel 2022, basati sui dati della <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/official-charts-company-210315">Official Charts Company.</a>

<a href="https://www.rockol.it/news-724928/vinili-sondaggio-ragazzi-generazione-z-ne-acquistano-piu-millennials">Con l'avanzare del revival del vinile nel mercato musicale del Regno Unito</a> - come confermato da un sondaggio condotto dalla società statunitense MRC Data - le nuove uscite musicali su questo formato rappresentano una parte sempre più importante del mercato, diversamente dal passato quando era l'acquisto di CD ad incrementare le vendite complessive.

Geoff Taylor, chief executive officer&nbsp;della BPI, ha spiegato: "La rinascita del vinile è stata una delle storie di successo più interessanti degli ultimi tempi. Se inizialmente questa ripresa si basava in gran parte sui cultori della musica di vecchia data che si riavvicinavano agli album del passato e sulle nuove generazioni che scoprivano i classici, oggi l'aumento delle vendite di LP è stato trainato dalle nuove uscite. Un numero sempre crescente di artisti contemporanei ha compreso la magia di questo formato amatissimo. Da superstar mondiali come Taylor Swift e Harry Styles a talenti britannici emergenti come i Wet Leg e Yard Act. Nel 2023, anno in cui ricorre il 75° anniversario, l'LP è più che mai attuale e sottolinea che, in un'epoca di streaming, l'acquisto di musica fisica rimane una parte essenziale e sana del mercato musicale".

L’album <a href="https://www.rockol.it/recensioni-musicali/album/10416/taylor-swift-midnights">“Midnights”</a> dell’artista statunitense <a href="http://www.rockol.it/artista/taylor-swift">Taylor Swift</a>&nbsp;ha infatti venduto, solo nella prima settimana dalla sua uscita, <a href="https://www.rockol.it/news-734188/vinile-supera-cd-numeri-taylor-swift-midnights-michael-jackson-bad">575.000 vinili, a fronte di 395.000 CD e 10.000 cassette.</a> 

Dei dieci album in vinile più venduti in UK negli ultimi dodici mesi (oltre al già citato “Midnights”), otto sono stati pubblicati da artisti del Regno Unito e si tratta di "Harry's House" di Harry Styles, "The Car" degli Arctic Monkeys, "C'mon You Know" di Liam Gallagher, "Wet Leg" dei Wet Leg, "Being Funny in a foreign language" dei The 1975, "Skinty Fia" dei Fontaines DC e "Will Of The People" dei Muse.

Questi nomi rientrano in un'altra indagine della <a href="https://www.rockol.it/tutto-su/official-charts-company-210315">Official Charts Company</a>, la quale ha evidenziato che:

<ul>
	<li>Il 77% degli artisti nazionali che hanno raggiunto il n. 1 della Official Albums Chart settimanale degli album più venduti, in tutti i formati e precisamente 30 progetti discografici, sono artisti che provengono da fuori Londra.</li>
	<li>L’Inghilterra nord occidentale è stata una delle regioni più rappresentate con cinque album in vetta alla classifica, seguita dallo Yorkshire e l'Humber con quattro artisti che hanno raggiunto il n.1 tra cui Olly Alexander di Harrogate, alias Years &amp; Years (Night Call), Yungblud (Yungblud) e Louis Tomlinson (Faith In The Future) e Paul Heaton e Jacqui Abbott (N.K.Pop).</li>
	<li>Artisti scozzesi e gallesi hanno guidato la classifica ufficiale degli album come il cantautore di Paisley Paolo Nutini che ha raggiunto il n.1 a luglio con "Last Night In The Bittersweet", mentre quattro mesi prima il gruppo rock Stereophonics&nbsp;ha raggiunto l'ottava posizione in classifica con "Oochya!"</li>
	<li>Dalle Midlands Orientali, il gruppo rock Kasabian ha raggiunto il n. 1 con "The Alchemist's Euphoriacon", mentre Robbie Williams, nato a Stoke-on-Trent nelle West Midlands, ha superato Elvis Presley come artista solista con il maggior numero di album al n. 1 nel Regno Unito quando "XXV" è diventato il suo 14° album solista in classifica a settembre.</li>
	<li>Dall'Inghilterra orientale&nbsp;sei artisti hanno raggiunto la vetta della classifica e sono: Ed Sheeran (=), originario di Framlingham e cresciuto a Suffolk, la rock band di Bedford Don Broco (Amazing Things), il cantautore di Hertford George Ezra (Gold Rush Kid) e tre artisti dell'Essex: Charli XCX (Crash), cresciuta a Start Hill, Olly Murs (Marry Me), originario di Witham, e Sam Ryder, cresciuto a Chelmsford, (There's Nothing But Space, Man!).</li>
	<li>Dall'Isola di Wight, la band indie rock Wet Leg ha raggiunto la vetta della Official Albums Chart&nbsp;insieme ai cantautori dell'Hampshire Rex Orange County con "Who Cares?"&nbsp;e Frank Turner con "FTHC"</li>
	<li>Dal Sud Ovest, i Muse hanno conquistato il primo posto con "Will Of The People".</li>
	<li>Da Londra,&nbsp;i rapper Central Cee (23), Digga D (Noughty By Nature) e Stormzy (This Is What I Mean) sono tra gli artisti londinesi in testa alla Official Albums Chart nel 2022, insieme ai&nbsp;Bastille (Give Me The Future), Florence + The Machine (Dance Fever), Jamie T (The Theory Of Whatever) e Steps (Platinum Collection).</li>
</ul>

Il manager di SJM Concerts Conrad Murray, che rappresenta artisti come i Blossoms e Paul Heaton e Jacqui Abbott, ha dichiarato: "Non è una sorpresa che la maggior parte dei talenti britannici che hanno raggiunto il n. 1 nel 2022 provengano da fuori Londra. Da tempo è evidente che non è necessario essere nella capitale per avere successo: gli artisti che rappresento ne sono la prova. I Blossoms hanno iniziato un decennio fa a Stockport, dove sono cresciuti, e ora hanno ottenuto tre n.1, tra cui “Ribbon Around The Bomb2”. E fin dal primo LP degli Housemartins negli anni Ottanta, intitolato “London 0 Hull 4”, Paul Heaton è stato la prova vivente dell'eccezionale talento musicale che esiste in tutto il Regno Unito. A distanza di tanti anni, insieme alla sua collaboratrice di lunga data Jacqui Abbott, continua a realizzare brillanti album che si piazzano in prima posizione".

BPI, nel 2022 in UK anno d'oro per vinile e artisti locali

I talenti britannici conquistano le classifiche e rendono il vinile il formato del presente

Soundcloud ha chiuso un anno decisamente positivo, <a href="https://www.rockol.it/news-733970/soundcloud-ricavi-del-2021-273-milioni-di-dollari">come abbiamo raccontato pochi giorni fa a proposito del suo ultimo bilancio</a>.

Ma avevamo concesso poco spazio ai numeri che, a loro volta, quei ricavi record (€ 230,7 milioni, per un incremento del fatturato del 19% anno su anno) li hanno procurati mediante produzione, upload, utilizzo e interazione. 

Eccoli, in estrema sintesi:

<ul>
	<li>130 milioni di ascoltatori – che Soundcloud, con coerenza e con il piglio giusto, chiama “fans”, così come ha definito “fan powered royalties” gli introiti retrocessi agli artisti con il metodo “user centric” (antitetico al molto più diffuso metodo pro-rata, basato sulle quote di mercato e non sugli ascolti effettivi);</li>
	<li>40 milioni di artisti, ossia coloro I quali hanno caricato loro musica sulla piattaforma, originando così una library complessiva di …</li>
	<li>… 320 milioni di brani. </li>
</ul>

Soundcloud ha centrato gli obiettivi in chiave di scalabilità che si era prefissata ed è entrata in territorio positivo.

Non è un’ovvietà per un DSP. Dipende sia da un modo più frugale di interpretare le risorse umane utilizzate, sia da un modello originale che – come accennato <a href="https://www.rockol.it/news-733970/soundcloud-ricavi-del-2021-273-milioni-di-dollari">nell’articolo suddetto</a> – distingue tra l’attività “Fans” e l’attività “Creators”. 
&nbsp;

130 milioni di fans. Sono gli ascoltatori annuali di Soundcloud

I numeri dell’industria: la crescita dell’“altra” piattaforma svedese

Il dato principale: i brani caricati su <a href="http://www.rockol.it/tutto-su/youtube">YouTube</a> da Epidemic Sound – discussa azienda svedese dedita alla cosiddetta production music – sono stati ascoltati nel 2022 mediamente&nbsp;1,5 miliardi di volte al giorno, grazie a 14 suoi milioni di brani utilizzati dall’utenza della piattaforma di Google negli user generated videos. 

In particolare, da quanto pubblicato e divulgato dall’azienda stessa questa settimana, si evince che:

- tra i 14 milioni di brani suddetti, 100 canzoni top sono state usate in 2,5 milioni di video (ossia: meno dello 0,001% della library disponibile ha generato oltre il 18% dell’utilizzo)

- le stesse 100 canzoni top hanno generato oltre 20 miliardi di ascolti all’interno di video di YouTube

- 1,5 miliardi di ascolti al giorno è esattamente lo stesso numero del 2021

- nell’ambito della propria production music, Epidemic Sound rileva un incremento nell’utilizzo della musica classica del 90%.

Epidemic Sound sta facendo breccia anche su <a href="http://www.rockol.it/tutto-su/tiktok">TikTok</a>, con i suoi brani ascoltati nell’anno in corso mediamente 11,5 miliardi di volte al mese, mentre la sua relazione con Meta è ai minimi livelli: l’ha citata in giudizio la scorsa estate per utilizzo illecito della sua musica.

La controversia riguardante la condotta di Epidemic Sound, che sulle piattaforme di streaming è diventata una silenziosa ma gigantesca protagonista, concerne la modalità con la quale acquista in modalità buyout la musica da autori, compositori, e produttori, chiedendo loro di rinunciare da contratto alle royalties.

Qui è dove abbiamo già parlato di <a href="http://www.rockol.it/tutto-su/epidemic-sound">Epidemic Sound</a>.

Epidemic Sound: 1,5 miliardi di ascolti su YouTube. Al giorno.

I numeri dell’industria: la discussa azienda svedese scala a ritmi impressionanti.

Il numero chiave di questo articolo è 100.

Come le 100 mila canzoni caricate ogni giorno sulle piattaforme di streaming.&nbsp;E come i 100 milioni di brani accatastati nelle library di ciascuno dei principali DSP.&nbsp;&nbsp;Oh - un’avvertenza: sono dati a rapidissima obsolescenza: oggi, infatti, prevalgono pezzi caricati da utenti che, indossato il cappello da artista o da creator, entrano nell’arena digitale a bassissimo costo ma che sono, comunque, esseri umani in carne e ossa. Domani, però…? Chissà: con i progressi rapidissimi dell’intelligenza artificiale applicata alla musica, questa massa quotidiana potrebbe crescere a dismisura.

Cosa comporta tutto questo?

Per la grande massa di nuovi artisti: sensazioni che oscillano tra la soddisfazione (se per loro era un gioco, scatta l’orgoglio da micro-star: “è uscito il mio disco e lo trovi su Spotify!”) e la frustrazione (se non avevano capito nulla, ecco un gelatissimo bagno di realtà che assume la forma di un pubblico di poche decine di teste cadauno, con guadagni a zero e zero possibilità di scalare in popolarità).

Per gli utenti: nulla se sono fans (perché questa che resta la minoranza del pubblico musicale complessivo sa cosa ascoltare e vanta gusti, preferenze e competenze); sconcerto e contenuti di qualità bassa come quella dell’esperienza alla quale sono sottoposti se, invece, sono consumatori: l’algoritmo che deve dare un senso a tutti questi contenuti non è un gran compagno di viaggio, dopo tutto.

Per i DSP: frenetiche e irrefrenabili attività di ingesting significano costi in progressivo e preoccupante aumento, perché nello streaming la parte scalabile del business è la distribuzione (il costo incrementale per una label di distribuire un'unità di brano in più è nullo), mentre storage e broadcasting non lo sono – le spese di cloud computing e hosting lievitano in modo impressionante all'aumentare di quantità e frequenza.

Per gli utenti (di nuovo): il pericolo di un incremento dei prezzi, causato dai costi in aumento per i DSP e, ammettiamolo, agevolati dalla mossa di Apple che per prima ha rotto il ghiaccio.

Per i DSP (di nuovo): l’obbligo di ripensare un servizio di qualità, perché un pezzo confezionato con un software e un pc in camera da letto da un volenteroso hobbysta non può concorrere alla tariffa di abbonamento in misura analoga a quella di una vera canzone di un vero artista.

100mila brani al giorno non sono il segno della più recente creators economy. Sono il marchio del vecchio user generated content. C’è differenza.

La bulimia dei DSP: dall’ingestione all’indigestione

100.000 brani caricati al giorno sono veramente una buona notizia?

L’IFPI, l’International Federation of the Phonographic Industry, ha diffuso oggi il suo rapporto annuale riguarda l’andamento del mercato discografico nel 2020. I dati comunicato dall’organismo che rappresenta a livello globale l’industria discografica hanno sostanzialmente confermato le proiezioni pubblicate la scorsa settimana all’interno dell’<a href="https://www.rockol.it/news-720866/midia-research-nel-2020-ricavi-da-musica-registrata-in-aumento-del-7">indagine di MIDiA Research</a>, che ha ribadito - insieme ai bilanci delle major resi noti all’inizio di quest’anno - come la pandemia non abbia di fatto intaccato il mercato della musica registrata.

Nella sua interezza, il comparto discografico mondiale nell’anno dell’emergenza sanitaria da Covid-19 è cresciuto del 7,4% rispetto al 2019, facendo registrare ricavi per 21,6 miliardi di dollari. A trainare la crescita, come da tendenza consolidatasi ormai nel corso degli ultimi anni, è stato lo streaming, che ha visto i ricavi dagli abbonamenti premium - quelli a pagamento - crescere del 18,5%, per un totale di 443 milioni di utenti attivi in tutto il mondo. L’incremento del digitale è stato in grado di assorbire sia l’ulteriore calo del formato fisico, contrattosi di 4,7 punti percentuali, che delle prestazioni negative dei diritti connessi, penalizzati del 10,1% a causa del blocco delle attività di musica dal vivo e diffusa.

Riguardo al mercato italiano, a registrare l’incremento più alto è stato lo streaming freemium (quello fruito gratuitamente con il supporto della pubblicità), cresciuto del 31,59% (con ricavi per 38,89 milioni di euro), seguito a meno di un’incollatura dai servizi premium (a pagamento), che con un rialzo del 29,77% hanno registrato incassi per 104,54 milioni di euro.

Altro settore in crescita è quello dei social: i ricavi generati dai modelli di retribuzione della piattaforme hanno fatto segnare un positivo del 31,59%, generando ricavi per 38,9 milioni di euro. Allargando il quadro a tutti i formati, la quota di mercato del digitale ha raggiunto l’81% di tutti i ricavi dell’industria in Italia, contro il 72% del 2019.

“In questo anno difficile si è di fatto conclusa la lunga fase di transizione digitale del mercato musicale italiano”, ha commentato il ceo di FIMI Enzo Mazza: “I consumatori di tutte le età hanno finalmente abbracciato le offerte online generando un significativo incremento nella fruizione dei contenuti musicali su tutte le piattaforme”.

Strategica, nel conseguimento di questo risultato, è stata la scelta - da parte delle case discografiche - non non interrompere il flusso di investimenti e, di conseguenza, di pubblicazioni durante il lockdown: nel 2020, in Italia, sono stati certificati 156 album tra oro e platino, poco sotto i 166 dell’anno precedente. La lieve flessioni registrata nelle classifiche non si è riverberata sui dati forniti dai servizi digitali: nel 2020 sono stati 246 gli artisti italiani che hanno superato i dieci milioni di stream, contro i 97 che nel 2010 avevano superato la soglia delle diecimila copie vendute tra fisico e download.

Resta sempre critico, anche in Italia, il comparto occupato dai supporti fisici, crollato nel suo complesso - anche a causa delle chiusure degli esercizi di vendita imposte per il contenimento del contagio - del 40,81%: mentre il CD ha registrato una contrazione del 35,14%, il vinile è riuscito a strappare al 2020 uno striminzito positivo di 2,5 punti percentuali.

Si è riflesso anche sul mercato domestico quanto registrato sul panorama mondiale circa i diritti: lo stop ai concerti e la serrata di esercizi pubblici come bar, ristoranti, discoteche e palestre hanno costretto il settore delle royalties a ripiegare di oltre 31 punti, facendo segnare una perdita rispetto al 2019 di oltre 18 milioni di euro.

Mercato discografico mondiale: nel 2020 crescita del 7,4% nonostante la pandemia

Diffuso oggi, martedì 23 marzo, il report annuale dell’International Federation of the Phonographic Industry: la musica registrata 'salvata' dallo streaming (soprattutto in Italia)

Nonostante la crisi della discografia non possa ancora dirsi superata, i dati pubblicati oggi da IFPI nel report “Recording Industry in Numbers” relativi al 2015 fanno ben sperare per il futuro: per la prima volta dal 1999, infatti, il comparto torna a crescere. Non di molto, siamo a un +3,2%. Ma è un ottimo segnale.

A trainare il segno positivo è soprattutto la crescita del digitale, un settore che da solo vale 6,7 miliardi di dollari sui 15 totali dell’anno appena trascorso. Merito in particolare dello streaming, che porta sempre più acqua al suo mulino a discapito del fisico, che ora occupa una quota di mercato del 45%.

L'industria discografica torna a crescere

Lo rivela IFPI: non succedeva dal 1999, ed è merito dello streaming

Di recente hanno fatto scalpore le dichiarazioni di Miley Cyrus, che ha scelto di non portare in tour il suo ultimo album “Bass Persuades”, ma di limitarsi a due concerti al leggendario Hollywood Bowl. Il motivo, ha spiegato in un’intervista, è che non vuole cambiare le sue abitudini e la sua quotidianità: “Ho scelto quella venue perché so che il mio letto e a soli dieci minuti di auto da lì” ha dichiarato. La coda per ottenere un biglietto, però, eccede di parecchio la capienza del locale: si calcola che circa un milione e mezzo di fan si siano messi in lista per acquistarne uno. In base alla richiesta, quindi, ci sarebbe abbastanza pubblico per riempire 80 volte la storica sala. “L’idea è proprio quella” ha confessato lei. “La lista d’attesa dimostra che ho fatto bene i miei calcoli, e che sarà la gente a venire da me. Non ho bisogno di essere io ad andare da loro”.

Si tratta, insomma, dell’ennesima riprova che le cosiddette residency piacciono sempre più agli artisti e ai loro entourage. In primis perché è più facile dare sfogo alla propria creatività, immaginando anche formule alternative a quelle del tipico concerto di sole hit (vedi il caso di Marco Mengoni e del suo club Allo Sbagliato, di cui si è <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761496/marco-mengoni-allo-sbagliato-offline-club-milano-latarma-live-nation">molto parlato</a> negli ultimi giorni). Inoltre&nbsp;permettono anche a personaggi richiestissimi, ma che per un motivo o per l’altro non possono o non vogliono andare in tour, di essere sul palco per periodi più o meno lunghi. Come Adele, che ha dichiarato più volte di odiare la vita on the road (e non a caso ha alle spalle due lunghe residency, Weekends with Adele per 100 repliche a Las Vegas e Adele in Munich per 10 date a Monaco di Baviera), o come Céline Dion, che ha da tempo problemi di salute (e tra il 2026 e il 2027 tornerà in scena per 26 date a Parigi). Piacciono sempre di più anche alle agenzie di booking e ai promoter, però, per ragioni che è facile immaginare. Avere una sola location permette di minimizzare gli incastri del routing, ottimizzare la produzione, annullare i problemi logistici. Avere un artista che non è perennemente in viaggio, e dunque è più riposato e ha più tempo a disposizione, dà il via libera per implementare experience, vip package e meet and greet, massimizzando i guadagni. E in caso di esibizioni all’aperto, diventa anche più facile controllare le incognite legate al cambiamento climatico, scegliendo stagioni e latitudini dove il meteo è – in teoria – più clemente. Ma piacciono molto anche ai fan, che mai come negli ultimi anni sembrano disposti a utilizzare i propri risparmi per biglietti esclusivi e turismo musicale.

Le residency nascono nei grandi hotel di Las Vegas e sono un’istituzione fin dai tempi di Elvis Presley, ma sono aumentate in maniera esponenziale da quando sono nate le prime location dedicate. La più nota è senz’altro la Sphere, un’arena immersiva al coperto che sorge proprio a Las Vegas, con una capacità di 20.000 posti. È stata inaugurata nel 2023 con un’infornata da 40 date degli U2, e da allora ha ospitato 14 diverse residency, che sono andate da un minimo di quattro a un massimo di 72 date ciascuna (tra il 2024 e il 2025 c’è stata anche quella dell’italiano Anyma, 12 date in totale). È in costruzione anche una seconda Sphere gemella ad Abu Dhabi, un altro territorio desertico che ha lo stesso identico “problema” di Las Vegas: fornire ai turisti un buon motivo per andare fin lì e spendere soldi sul territorio.

Curiosamente, però, l’altro paese che ha una lunga tradizione di residency ha investito sulla stanzialità per la ragione opposta: l’impossibilità di andare altrove o di fare altrimenti. Si tratta dell’Australia dove, come è evidente, per i fan spostarsi all’estero per recarsi al concerto del proprio beniamino implicherebbe parecchie ore di volo, e soprattutto un viaggio molto costoso. Per le grandi produzioni, inoltre, immaginare un tour australiano è costoso e scomodo: le varie città sono relativamente piccole, molto lontane tra di loro, e non tutte hanno strutture adatte ai grandi concerti. Proprio per questo, da tempo le residency sono una consolidata abitudine, e molto redditizia, con impennate nelle prenotazioni di hotel e B&amp;B. Pink, ad esempio, ha alle spalle due lunghe serie di concerti a Melbourne: una da 17 date nel 2009, per il suo Funhouse Tour, e una da 18 date nel 2013, per The Truth About Love Tour.

Chiaramente, in questo caso si tratta di turismo musicale prettamente locale, o al massimo proveniente dalla vicina Nuova Zelanda. Altrove ci sono invece casi in cui il pubblico accorre da tutto il mondo, attirato dal valore emblematico dell’evento: è il caso della celeberrima residency di Bad Bunny a Porto Rico, la sua madre patria. Il titolo era tutto un programma: No Me Quiero Ir de Aquí, ovvero “Non me ne voglio andare di qui”. Andata in scena tra il luglio e il settembre del 2025 a San Juan, è stata un successo economico su tutti i fronti: oltre 400.000 biglietti venduti in appena quattro ore di prevendita, 8.000 nuovi posti di lavoro creati, 733 milioni di incassi e un giro d’affari quantificato in ulteriori 700 milioni di dollari per la piccola isola caraibica. Vibee, la società consociata di Live Nation specializzata in turismo musicale, ha venduto la bellezza di 87.700 pacchetti speciali di experience legate al concerto, a ulteriore dimostrazione che la richiesta per questo tipo di residency non si limita a una serata memorabile sotto il palco: diventa una vera e propria vacanza.

Un’altra tendenza attuale, in effetti, è proprio quella di dare un valore profondamente simbolico alle venue prescelte, vedi il caso delle 11 date degli Oasis nella loro Manchester, in programma nel 2027. A volte, però, il legame tra il luogo e l’artista è più sfumato e trasversale. L’inglese Sam Smith, amatissima icona queer, nei primi mesi del 2026 ha scelto San Francisco e Castro, uno dei quartieri gay più famosi del mondo, per la sua residency nello storico Castro Theatre: 20 date che, tra le altre cose, sono servite anche a ripagare in parte la ristrutturazione della storica venue appena riaperta, costata oltre 41 milioni di dollari. I Backstreet Boys, invece, hanno deciso di ringraziare il pubblico tedesco (uno dei più affezionati, fondamentale per la loro carriera: la loro prima certificazione platino per “I’ll Never Break Your Heart” è arrivata proprio in Germania trent’anni fa) con una residency da 10 date a Düsseldorf, in corso in questi giorni. Anche in questo caso i numeri sono impressionanti: 400.000 biglietti venduti, e un indotto previsto di milioni di euro.

In Italia finora le residency sono state più rare, e spesso casuali, per così dire. Lo si è visto spesso con i rapper: quella di Marracash al Forum di Assago nel 2022, ad esempio, è per definizione tale (sei date, 67.000 biglietti venduti), ma lo è diventata solo dopo che le prime due date sono andate sold-out a tempo di record, convincendo gli organizzatori ad aggiungerne altre. Idem per le residency degli Articolo 31 nel 2018 e di Rkomi il prossimo novembre (entrambe al Fabrique, entrambe per cinque date). Più intenzionale è stata quella dei Club Dogo al Forum di Assago nel 2024, con la differenza che inizialmente le date dovevano essere solo tre e alla fine, sull’onda dell’ottima risposta del pubblico, sono diventate 10, con tanto di gran finale a San Siro. E decisamente intenzionale è stata la residency di Ludovico Einaudi al Teatro Dal Verme di Milano nel 2023, con 17 date sold-out.

Anche da noi, comunque, la formula stanziale sembra interessare sempre più artisti, soprattutto quelli più navigati, che sanno di poter contare su un pubblico fedele e affezionato. L’estate scorsa, Biagio Antonacci ha sperimentato un format singolare: quattro residency da 10 date ciascuna, in quattro location di grande rilievo storico e paesaggistico (il Teatro Greco di Tindari, l’Anfiteatro Romano di Lucera, l’Anfiteatro del Vittoriale di Gardone Riviera e il Teatro Grande di Pompei). Le ultime sono ancora in svolgimento, ma l’esperimento può dirsi più che riuscito. Anche Max Pezzali chiuderà il suo tour Max Forever – Stessa storia, stesso posto, stesso bar con una residency all’Unipol Dome di Milano, per sei date a fine dicembre. Vasco Rossi, infine, da vero recordman del live italiano ha alzato subito l’asticella: per celebrare i suoi cinquant’anni di carriera ha in previsione 10 concerti allo Stadio Olimpico di Roma a giugno 2027. Con i suoi oltre 500.000 spettatori (poco meno di quelli di Shakira nelle sue 12 date a Madrid, per intenderci), ha già stabilito un nuovo record. E si sa che nell’ambito della musica dal vivo nessuno detta le tendenze più e meglio di lui.

Perché le residency si moltiplicano, e continueranno a farlo

Dagli Oasis a Shakira, da Vasco Rossi a Biagio Antonacci: anatomia del fenomeno, anche in Italia

Marco Fugazza, dallo scorso maggio Marketing Lead Local &amp; International di Island Records, ha rassegnato le proprie dimissioni: ad annunciarlo è stato lo stesso Fugazza per mezzo di un post sulla propria pagina Instagram personale.

“Ci sono cose che non si raccontano, altre difficili da spiegare. E poi ci sono quelle che ti restano dentro, per sempre”, ha scritto il professionista, nell’organico di UMG Italia dal 2015: “Dopo 12 anni, è arrivato il momento di cambiare strada. Sono stati anni intensi, pieni di sfide, entusiasmo, momenti complessi e tantissimo da imparare. Anni che mi hanno fatto crescere, non solo professionalmente”.

“Grazie Universal, per essere stata la mia compagna di viaggio per così tanto tempo”, ha concluso Fugazza: “E grazie alle persone che ho incontrato lungo il cammino: ognuna, a modo suo, ha lasciato qualcosa e contribuito a rendermi quello che sono oggi. Adesso si riparte, portandosi dietro tutto quello che è stato e con la curiosità di scoprire quello che sarà. Cambia il tragitto, ma il viaggio continua. E sono sicuro che le nostre strade torneranno ad incrociarsi”.

Laureato allo IULM di Milano in Marketing, Consumi, Comunicazione e Retail Management, Fugazza era entrato in Universal Music Italia nel 2015 come Digital Promotion Manager: passato nel 2017 al ruolo di Product Manager, nel 2012 era stato nominato Head of Marketing di Polydor, per poi ricoprire lo stesso ruolo prima in Capitol Records (tra il 2022 e il 2024) e poi, tra il 2024 e il 2026, in Island Records. In seguito alla <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761192/umg-italia-nuovo-assetto-per-emi-records-e-island-records">recente riorganizzazione della frontline annunciata dalla filiale italiana della major</a>, nelle ultime settimane Fugazza operava presso gli uffici di via Nervesa come Marketing Lead Local &amp; International di Island Records.

Universal Music Italia, lascia Marco Fugazza

Dopo 12 anni nel team dell’azienda

Dal 5 novembre al 19 dicembre Marco Mengoni sarà protagonista di 26 concerti a Milano con "Allo Sbagliato", la nuova residency di cui è direttore creativo all'interno degli spazi del Teatro Principe, in Viale Bligny 52. Il progetto nasce intorno ad un locale da 500 posti pensato per ridurre la distanza tra palco e pubblico, creando un contesto intimo dedicato alla musica dal vivo. L'idea è quella di ospitare, oltre alle serate di Mengoni, musicisti, cantanti, comedian, designer e altri artisti italiani e internazionali selezionati dallo stesso cantante. Tra i nomi già indicati figurano Luca Ravenna, Faccianuvola, Sayf, MACE, Rares, Nuzzo e Di Biase e sul fronte internazionale, Benjamin Clementine.

Mediamente, Mengoni si esibirà quattro volte a settimana, senza una scaletta fissa dei giorni. Al centro dello show&nbsp;ci sarà una soul band formata da 12 elementi, artista compreso (Giovanni Pallotti al basso, Davide Sollazzi alla batteria, Peter Cornacchia alla chitarra, Benjamin Ventura al pianoforte e Nicola Peruch all'organo, ai cori le voci di Moris Pradella, Yvonne Park e Alice Tombola, mentre la sezione fiati vede Daniel Ventura al sax tenore, Beppe Scardino al sax baritono e Mirko Cisilino al trombone e alla tromba), con un'impostazione volutamente analogica, prediligendo esibizioni un-plugged, senza click, computer o strumenti digitali, per un'esperienza live&nbsp;"alla vecchia maniera". Il repertorio attingerà a svariati brani del catalogo di Mengoni, oltre a cover di artisti da lui indicati come riferimenti importanti per la sua formazione artistica, tra cui Marvin Gaye e Donny Hathaway. Si lascerà spazio all'improvvisazione, variando gli arrangiamenti e la presenza degli ospiti sul palco.

"Quest’idea è nata sette anni fa, come regalo per i miei 30 anni, ma prima non avevo avuto il tempo di svilupparla bene", ha raccontato Mengoni durante la presentazione del progetto. "È frutto della volontà di avere un posto intimo, da vivere artisticamente come sento. In questo momento avevo bisogno di creare un contatto diretto con il pubblico e un legame più intimo con i musicisti, senza seguire una scaletta serrata. Vorrei che ogni sera anche i pezzi cambiassero veste a seconda dell’umore e del mood: niente di deciso, ci muoveremo a briglia sciolta".

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<h2>Il concept off-line</h2>

"Allo Sbagliato" viene presentato come un "club non club" off-line. Per ogni serata, all'ingresso gli smartphone verrano inseriti all'interno di apposite custodie, senza essere sequestrati, ma con l'intento di limitare foto e riprese, riportando l'attenzione sull'esperienza dal vivo. Questa formula ha precedenti anche nel live internazionale:&nbsp;<a href="https://www.rockol.it/news-684530/jack-white-vieta-gli-smartphone-ai-suoi-concerti-album-tour-2018" target="_blank">Jack White aveva già adottato nel 2018 una politica analoga</a> per i propri concerti, mentre <a href="https://www.rockol.it/news-731247/bob-dylan-vieta-gli-smartphone-ai-suoi-concerti-custodia-yondr" target="_blank">nel 2022 Bob Dylan aveva fatto ricorso alle custodie di Yondr</a>, società di San Francisco specializzata proprio in sistemi per limitare l’utilizzo dei telefoni durante gli eventi.

Questa decisione si prefigura come conseguenza diretta della scelta artistica inerente alla struttura dello show:&nbsp;non essendoci una scaletta identica ogni sera e potendo cambiare arrangiamenti, ospiti e repertorio, l'intenzione è quella di rendere ciascuno dei 26 appuntamenti un'esperienza non perfettamente replicabile. "Per adesso vorrei che fosse tutto qui e ora", ha aggiunto il direttore creativo Mengoni, escludendo per il momento dei programmi definiti per portare questo format altrove.

<h2>Il progetto, Live Nation e LaTarma Entertainment</h2>

Per quanto concerne il piano produttivo, "Allo Sbagliato" è interamente prodotto e organizzato da Live Nation, mentre sul piano della messa a terra e del conseguente sviluppo del progetto, c'è il contributo diretto di LaTarma Entertainment, che ha reso possibili le collaborazioni con i partner. La residency trova casa all'interno di una venue capace di ospitare 500 persone, con circa 100 posti a sedere e 400 distribuiti tra la platea e la balconata. Dunque, una dimensione&nbsp;volutamente ridotta rispetto agli spazi abitualmente frequentati dall'artista, che nell'ultimo tour ha raggiunto un pubblico di centinaia di migliaia di spettatori.

Come accennato in precedenza, sono numerosi i partner che hanno contribuito alla configurazione della sala, costruita intorno al rapporto estremamente ravvicinato con il pubblico, tra questi: Kartell, Salone del Mobile di Milano, Porro, Campari, Davide Groppi e Ingo Maurer, intervenuti sul design e sull'allestimento dello spazio.

La scelta di rinunciare a sequenze, click e altre componenti digitali non risponde però a una logica di contenimento dei costi. Mengoni ha sottolineato come il progetto coinvolga una struttura produttiva ampia, tra musicisti, tecnici e personale, con l’obiettivo di mantenere elevato il livello dell’esecuzione dal vivo. I biglietti per accedere al club saranno suddivisi in tre fasce. "Ci saranno 39 posti sul palco a 200 euro, una seconda categoria di posti a sedere nel parterre a 150 euro e infine i biglietti in piedi a 100 euro", ha spiegato Roberto De Luca, amministratore delegato di Live Nation. "Esiste un problema di capienze: se abbiamo a disposizione soltanto 500 posti e l’idea dell’artista è quella di stare in mezzo al pubblico, ricreando un contesto intimo, è difficile dare accesso a tutti. Disponiamo inoltre di un team numeroso, oltre alla band, al service e a tutto il personale operativo prima, durante e dopo gli spettacoli". De Luca ha quindi richiamato i costi legati alla realizzazione del progetto: "Molto spesso si critica senza pensare a quello che c’è dietro alla costruzione dei prezzi dei biglietti".

Sull'operato e sul ruolo cruciale del management è intervenuta Simona Muti, Head of LaTarma Entertainment: "Ci siamo occupati direttamente della messa a terra del&nbsp;progetto, concentrando il lavoro sulla realizzazione del palco pensato a 360 gradi, così da non dare mai le spalle al pubblico, e sulla costruzione accurata&nbsp;di un contesto totalmente&nbsp;immersivo. È stato possibile anche grazie al lavoro sviluppato con i partner di design, tra cui Kartell, Salone del Mobile, Porro, Davide Groppi e Ingo Maurer". Muti ha inoltre sottolineato la collaborazione con Live Nation, che cura produzione e organizzazione di "Allo Sbagliato", completando così la struttura operativa nata attorno all’idea iniziale dell’artista.

<h2>Le date e i biglietti</h2>

I biglietti per le 26 serate di Marco Mengoni ad "Allo Sbagliato" saranno disponibili in vendita generale dalle ore 17.00 di lunedì 28 settembre sul <a href="http://www.livenation.it/allosbagliato" target="_blank">sito di Live Nation</a>. Ogni account potrà acquistare un massimo di due biglietti e per una sola delle 26 date.

Le serate con Marco Mengoni sono in programma il 5, 7, 8, 10, 11, 13, 14, 17, 18, 20, 22, 25, 26, 28 e 29 novembre e l’1, 2, 4, 5, 8, 10, 11, 13, 16, 17 e 19 dicembre 2026.

Marco Mengoni

Marco Mengoni lancia 'Allo Sbagliato', la sua residency a Milano

Dal 5 novembre al 19 dicembre, 26 concerti in un off-line club da 500 posti: i dettagli

Nicolò Cottu è stato nominato A&amp;R Manager di Atlantic Records Italy, una delle due label frontline di Warner Music Italy <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755013/wmg-italy-rivoluzione-frontline-con-warner-records-e-atlantic">guidata dalla fine dello scorso ottobre da Marco Masoli</a>. Laureato all’Università di Sassari in Scienze dell’Economia e della Gestione Aziendale con Master di Comunicazione Musicale all’Università Cattolica di Milano, Cottu ha debuttato professionalmente nell’autunno del 2024 come A&amp;R Publishing in Sugar Music, per poi passare, nel novembre dello scorso anno, presso ADA Music Italy, divisione dedicata ai servizi per artisti ed etichette guidata da Renato Tanchis.

Atlantic Records Italy, Nicolò Cottu nominato A&R Manager

Dopo un anno come Label Manager Consultant di ADA Music Italy

Streaming e AI: cosa stanno facendo i DSP

Etichettatura, demonetizzazione e lotta a truffe: lo scenario e le priorità di piattaforme e partner

Just Entertainment ha finalizzato l’acquisizione del catalogo di incisioni di&nbsp;Fonola Dischi, storico marchio discografico fondato nel 1929, insieme al relativo catalogo, che comprende oggi oltre 1.000 titoli attivi. Nel repertorio di master&nbsp;figurano canti del Risorgimento, delle Mondine e della Resistenza, inni nazionali e popolari come "Bella Ciao", "Fischia il vento"&nbsp;e "Bandiera rossa", oltre a incisioni di interpreti come Claudio Villa e sigle di cartoni animati degli anni Settanta.

"Con l’acquisizione di Fonola Dischi non compriamo semplicemente un catalogo: lo sottraiamo a una logica puramente finanziaria che lo avrebbe portato fuori dai confini italiani, intestandoci la responsabilità di preservarne l’identità storica e la sua comprovata capacità di parlare anche al futuro", ha dichiarato Sergio Cerruti, Managing Director di Just Entertainment.

Soddisfazione anche da parte di Gianni Di Sario, già titolare di Fonola Dischi: "Sono contento che l’acquisizione sia stata chiusa e finalizzata insieme a Just Entertainment, una società a cui mi lega un profondo e storico legame personale e professionale. Fonola resta in mani che conoscono la sua storia, e questo mi fa guardare al futuro con fiducia".

A Just Entertainment il catalogo di master di Fonola Dischi

L’operazione riguarda oltre mille titoli del repertorio storico dell’etichetta, tra cui “Bella Ciao”

Dopo vent’anni di militanza come responsabile dell’ufficio legale di Live Nation, a novembre Michael Rowles lascerà il suo incarico per assumere il ruolo di consulente esterno: al suo posto arriverà Da-Wai Hu, da un decennio consulente legale di Amazon e attualmente responsabile legale di Chewy, store online americano dedicato alla vendita di prodotti per animali.

Come riferisce Bloomberg Law, Rowles - che ha vissuto in prima persona l’acquisizione di Ticketmaster, nel 2010 - solo nello scorso anno ha percepito dall’azienda (della quale possiede azioni per circa 34 milioni di dollari) a titolo di compenso quasi 2,8 milioni di dollari: in base ai termini dell’accordo del legale con Live Nation, il suo compenso annuo fino al 2029 sarà di 500mila dollari all’anno.

Il cambio della guardia arriva in un momento critico per la multinazionale californiana guidata da Michael Rapino: l’azienda <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758813/live-nation-il-calendario-della-causa-antitrust-usa">sta ancora attendendo</a> la decisione del giudice Arun Subramanian dopo essere <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-758296/live-nation-verdetto-colpevolezza-processo-antitrust-usa">stata riconosciuta colpevole di abuso di posizione dominante</a> nel processo scaturito dalla causa intentata da diversi stati americani - dopo il contestato accordo extragiudiziale con il Dipartimento di Giustizia, che, secondo alcune ricostruzioni, sarebbe stato <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760816/live-nation-e-il-doj-rapino-vide-trump-alla-casa-bianca">caldeggiato nientemeno che dal presidente USA Donald Trump in persona</a>. A fare più paura a Live Nation è il possibile accoglimento, da parte della Corte, della richiesta - avanzata dagli stati querelanti - di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-759066/usa-gli-stati-chiedono-di-separare-live-nation-da-ticketmaster">cessione forzata della propria divisione dedicata alla biglietteria, TicketMaster</a>, eventualità che il gruppo <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757584/live-nation-ticketmaster-processo-antitrust-accordo-cosa-succedera">considera esiziale</a> - tanto da aver tentato di <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760029/nyc-live-nation-chiede-di-annullare-il-verdetto-antitrust">chiedere l’annullamento del verdetto già emesso</a> in favore dell’avvio di un nuovo procedimento.

Live Nation, cambia il responsabile dell’ufficio legale

Mentre l’azienda resta impegnata nella causa antitrust che rischia di separarla da Ticketmaster

È stato raccontato come “un film che si ascolta, un disco che si vede”: difficile però trovare una definizione esatta per “Rider”, il nuovo progetto di Metatron/INRI con distribuzione Universal a cavallo tra musica e cinema. Scritto e diretto da Roan Johnson e DADE (alias Davide Pavanello, storico bassista dei Linea 77, produttore e co-fondatore di INRI), prodotto da Movimenti Production, Red Joint, Emotion Network con Rai Cinema e la partecipazione di HBO Max, arriverà nelle sale italiane dall’8 ottobre. A renderlo diverso da altri lungometraggi analoghi è l’enorme compenetrazione tra la colonna sonora, composta dagli stessi DADE&amp;Roan, e il film. “La musica di ‘Rider’ è nata ancora prima del film: in molti casi, sono state proprio le canzoni a guidare la scrittura della sceneggiatura” raccontano i suoi artefici. “Fin dall’inizio volevamo che la colonna sonora non fosse un semplice accompagnamento, ma una parte integrante del racconto e dei dialoghi”. A partecipare ai vari brani, artisti del calibro di Ensi, Levante, Axos, Johnny Marsiglia, Rosa Chemical, Kaze, Lorenzo Aloi, Kyshan Wilson. Si tratta di un esperimento fortemente voluto da Metatron Group: abbiamo chiesto a Pietro Camonchia e Cristiana Gizzarelli, i deus ex machina dell’operazione, di raccontarci qualcosa di più su questo nuovo formato sperimentale.

Come nasce l’idea di un progetto articolato come “Rider”?

P.C.: Di base, Metatron è un universo ormai articolato ed eterogeneo. È nato oltre vent’anni fa come management, e dopo abbiamo scelto di aprire altre strade. L’etichetta INRI; la divisione INRI Classic per la musica neo-classica; Metatron Publishing che è diventato un’altra azienda a tutti gli effetti, con un catalogo editoriale di ormai quasi 5.000 opere e con cui ci siamo buttati anche nel mondo delle sincronizzazioni, prima con brani già editi e poi con produzioni ad hoc per pubblicità e cinema. Abbiamo capito che la cross-medialità ci affascina molto, perché in un mondo che corre veloce avere il tempo di poter assaporare contemporaneamente immagini e musica è quasi un lusso. Da lì sono cominciate una serie di esperienze nelle colonne sonore, da “Romantiche” di Levante a quella di “Gloria!” di Margherita Vicario. In queste incursioni in territori fuori dalla nostra comfort zone per fortuna abbiamo sempre avuto dei partner solidi che hanno assecondato le nostre folli ambizioni, come Universal Music, in cordata con noi sulla pubblicazione sia di “Gloria!” Che di “Rider”. E alla fine, una volta presa confidenza con l’ industria musicale e i talenti collegati abbiamo pensato che l’ audiovisivo potesse diventare un ulteriore ramo della nostra attività, e così abbiamo aperto anche <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-755570/management-nasce-ezechiele-25-17-per-chi-fa-musica-per-il-cinema">Ezechiele 25:17</a>.

Ovvero il primo management italiano specializzato in compositori e autori per il cinema e l’audiovisivo.

P.C.: Esatto. Anche da quello nasce l’idea di Dade, nostro socio nonché produttore. Inizialmente gli avevamo chiesto di realizzare un album da producer, visto che ultimamente è un formato che funziona molto bene (e visto che il suo primo album da producer a nome AntiAnti, uscito vent’anni fa, aveva featuring del calibro di Fabri Fibra, Caparezza, Cor Veleno e tanti altri). Lui ci ha detto di sì, ma a patto che potesse dare sfogo alla sua creatività e lavorare a un prodotto ibrido: un disco che però fosse anche un film a tutti gli effetti. Aveva già lavorato nell’ambito delle colonne sonore e del cinema, ma “Rider” va oltre. È una vera e propria opera, quasi omerica, considerando che è in rima e che tutti gli autori delle canzoni sono anche sceneggiatori, in un certo senso. È un unicum, non credo esista niente di simile al mondo. E in questo, poter contare su una struttura come Ezechiele è stato provvidenziale.

C.G.: Nel progetto Ezechiele, tra l’altro, non siamo da soli: al nostro fianco c’è un’altra realtà con base a Torino, Operà Music, specializzata nella produzione e supervisione musicale per cinema, televisione, pubblicità e contenuti audiovisivi. Abbiamo unito le forze guardando al resto d’Europa, dove figure che si occupano del management in quest’ambito già esistono: nel nostro paese invece è ancora un po’ strano spiegare cosa facciamo, perché di solito il ruolo che ricopriamo noi è delegato ad avvocati e revisioni contrattuali, più che ad agenti e facilitatori. Di base, cerchiamo di strutturare carriere e creare percorsi al rialzo. Dade, che è uno dei fondatori, è solo uno dei vari artisti che rappresentiamo: oltre a lui ci sono anche Dardust, Ginevra Nervi, Lowtopic, Roberto Lobbe Procaccini, Tecla Zorzi, Francesco Fantini e Lillo Monreale. La guida dell’agenzia è totalmente al femminile e al mio fianco c’è Diletta Beci, referente per Operà. Insieme ci stiamo togliendo delle belle soddisfazioni: proprio in questi giorni sono di ritorno da Vienna, dove Ginevra Nervi e Stefano Mainetti erano candidati ai Camille Awards, i premi internazionali assegnati ai compositori per musica da cinema.

Essere i primi dà grandi soddisfazioni, ma a livello aziendale mette anche di fronte a sfide inedite dal punto di vista procedurale e burocratico…

C.G.: In effetti sì, ma è anche bello, perché ti rendi conto che il diritto è una materia viva: avanza la tecnologia, ma anche l’ingegno umano si adatta di conseguenza. Questo film è un’opera totale, e come tale è stato trattato anche a livello burocratico: ne siamo molto orgogliosi, abbiamo lavorato costantemente per spostare i limiti un po’ più in là, senza limitarci a portare il compitino a casa. Chissà, magari “Rider” diventerà il capostipite di un nuovo genere.

A proposito, tutto l’ecosistema Metatron si è sempre distinto per tentare di aprire strade nuove, spesso azzeccandoci in pieno e anticipando i tempi: l’esempio perfetto è Levante, che in un periodo in cui il cantautorato femminile (oggi fiorente) non sembrava andare da nessuna parte, è diventata un esempio per molte. Con che criterio scegliete su cosa puntare?

P.C.: Sicuramente io sono quello più matto: mi rivedo molto nella storia di Martino Testadura scritta da Gianni Rodari, che leggevo sempre ai miei figli. Martino era un bambino curioso, convinto che esistessero “più luoghi che strade”, e lo sono anche io. È vero, non siamo più negli anni ‘80 o ‘90, sperperare soldi ed energie è folle in questo periodo storico, ma mi piace l’idea di creare nuove opportunità, credo sia fondamentale. Fin dall’inizio, quando eravamo ancora un semplice management, è questo che ci ha guidato. Qualche giorno fa ero a Roma a un evento, e mi sono ritrovato nella stessa sala con Giuliano Sangiorgi dei Negramaro e Giulio Favero del Teatro degli Orrori: ridevamo insieme del fatto che per un periodo Metatron si occupasse di entrambe le band tra loro diversissime, e di come è stato sempre sorprendentemente eterogeneo il campo d’azione di Metatron dagli ascolti al management . Ai tempi, oltretutto, avevamo già un ufficio multimedia e un ufficio marketing/sponsorship, due cose che ancora non si capiva bene dove avrebbero portato, ma su cui noi abbiamo puntato subito. È importante tenere a mente che bisogna portare a casa il pane e pagare gli stipendi, ma l’idea su cui abbiamo costruito Metatron è sempre stata quella di sperimentare. E abbiamo proseguito questo percorso anche con INRI, fondata nel 2011: ci eravamo stancati di una discografia che non voleva investire in cose in cui noi credevamo molto.

C.G.: E poi, negli anni l’industria musicale e il mondo sono cambiati talmente tanto che fisiologicamente evolversi è diventato importante. O cavalchi l’onda, o ne vieni travolto. Quando pensi di avere imparato qualcosa, tutto cambia e devi ricominciare da capo. Faccio un esempio stupido: dietro la mia scrivania ho incorniciato e appeso una frase motivazionale ironica, “Vivi la vita un ventiquattresimo alla volta”, riferito ovviamente ai punti SIAE. Un paio di giorni dopo, arriva la ferale comunicazione: “Basta con i ventiquattresimi, si passa ai punti percentuali”… (ride)

Nella vostra ricerca di nuove strade guardate più all’Italia o all’estero?

C.G.: Noi guardiamo sempre fuori. In primis lo abbiamo fatto con la musica neo-classica, ispirandoci a ciò che già succedeva in molti altri paesi, e abbiamo visto che avevamo ragione.

P.C.: Siamo esterofili, una tendenza che ci deriva da tutti i mal di schiena patiti nei tour dei Linea 77 in giro per l’Europa. Ogni giorno ci svegliavamo in una capitale diversa, e abbiamo cercato di riportare anche in Italia quello che abbiamo appreso viaggiando. Inoltre, nel tempo abbiamo molto investito in partnership con sub-editori stranieri: ciò ha fatto sì che sviluppassimo un network sui territori più disparati, un’opportunità molto interessante, soprattutto per piccole realtà indipendenti come noi. Si creano delle sinergie molto interessanti, non solo dal punto di vista delle sincronizzazioni. Una molto bella capitata di recente è quella con un publisher olandese, CTM, che ha visto protagonista un’artista INRI, Adriana. In occasione delle Olimpiadi di Milano-Cortina abbiamo creato con un loro artista, Diggy Dex, una sorta di inno per Casa Olanda. L’operazione era sponsorizzata dal principale network radiofonico olandese NPO, che passava il brano ogni volta che vinceva una medaglia.

Soddisfatti, quindi?

P.C.: Assolutamente. Certo, magari nell’immediato non “paga” in termini economici, ma gratifica molto. E anche sul fronte più materiale, non si sa mai cosa può succedere, vale sempre la pena provare. Come quando nel 2018 ci eravamo ritrovati con Dardust a suonare al SXSW di Austin davanti a una manciata di persone, e qualche settimana dopo (proprio grazie a quello showcase) un suo brano era stato utilizzato per lo spot del Super Bowl della Hyundai, ascoltato da un miliardo di telespettatori.

Cosa c’è quindi nel futuro di Metatron Group?

C.G.: “Rider”, che è reduce dalla Settimana della Critica del Festival del Cinema di Venezia, è sulla rampa di lancio: venerdì 2 ottobre esce la colonna sonora del film, mentre l’8 ottobre sarà nelle sale, con relativo mini-tour di presentazione in tutta Italia. Sempre a Venezia, fino a fine movembre resterà esposta alla Biennale Arte l’installazione ECHO realizzata da Dardust insieme allo scenografo Paolo Fantin, un tributo alla Serenissima tra musica e AI. Per quanto riguarda Ezechiele, il prossimo appuntamento in calendario è la Festa del Cinema di Roma: Ginevra Nervi ha scritto la colonna sonora del primo film di Valerio Lundini, “Cambogia”, una produzione Groenlandia che debutterà proprio lì, Dardust ha prestato le sue musiche per il documentario “Giudecca” di Maria Tilli per Cross/Underdog e Roberto Procaccini consolida il sodalizio con Massimiliano Bruno nella pellicola “Un tranquillo funerale di famiglia”. C’è poi una lunga serie di progetti che non possiamo ancora annunciare, ma anche il 2027 sarà ricco di novità. Anche dal lato discografico c’è molta carne al fuoco: il prossimo lavoro di Anna Carol e quello di Filippo Graziani, per citarne due. A livello di co-management, Levante è in uscita il 9 ottobre con l’album “Dell’amore il fallimento e altri passi di danza”. È una stagione di grande fermento, insomma.

Rider: come nasce 'un film che si ascolta, un disco che si vede'

Pietro Camonchia e Cristiana Gizzarelli di Metatron Group ci raccontano i retroscena del progetto

AKA 7even, all’anagrafe Luca Marzano, è stato rinviato a giudizio con l’accusa di “essersi esibito senza averne diritto nel corso del programma televisivo Amici, edizione 2020-2021, cantando il brano ‘Loca’, presentato come proprio, in realtà composto ed eseguito in precedenza con il titolo ‘Loka’ da Emanuele Bertolucci”: a riferirlo è La Stampa.

Marzano si era esibito nell’aprile del 2021 nello studio del popolare talent show condotta da Maria De Filippi cantando “Loca”, che - stando ai documenti presentati dai legali di Bertolucci - era già stata presentata nel 2019 a una selezione per la stessa trasmissione con il titolo di “Loka”. Lema - nome d’arte di Bertolucci - si era rivolto prima alla SIAE, per avere chiarimenti, poi alla sua ex società di produzione con la quale aveva un accordo di esclusiva (la Cosmophonix Production, non coinvolta nell’inchiesta).

Il gup ha accolto la tesi dell’accusa dopo lo svolgimento di una consulenza tecnica, che ha dimostrato come “Loca” di AKA 7even e “Loka” di Lema siano sostanzialmente lo stesso brano.

Obiettivo dei legali di Bertolucci è “restituire, oltre che la verità, la dignità al nostro assistito che si è visto privare della paternità di un pezzo musicale che ha di fatto lanciato un artista che non l'ha composta”.

Aka 7even

AKA 7even, è scontro in tribunale su ‘Loca’

Ad accusare l’artista è il cantautore Lema, che rivendica la paternità del brano

In alcuni luoghi come Ibiza il&nbsp;mondo della notte è sempre più votato all'esclusività, con servizi e prodotti dedicati a una clientela altospendente. Ne è un esempio perfetto&nbsp;la mostra Cosmic Sound (a Ibiza fino al 10 ottobre),&nbsp;dedicata alla cultura del suono: console da dj, casse, impianti hi-fi e allestimenti sonori sono infatti stati reimmaginati come vere e proprie opere di arte contemporanea, uniche nel loro genere e collezionabili. Ideata da International Design, lo studio di curatela fondato dagli ex dj&nbsp;Manfredi Moretti and Jules Guérard, è allestita in collaborazione con Soleille Gallery.

Le opere, esposte negli spazi interni ed esterni del&nbsp;club Nômade Temple, una nuova venue&nbsp;inaugurata in un'isola da sempre votata al suono e al collezionismo di lusso. Si tratta della prima mostra dedicata a questo tipo di creazione, e includerà pezzi di&nbsp;Jacob Egeberg, Jacopo Gonzato in collaborazione con Vismara,&nbsp;Arielle Assouline-Lichten,&nbsp;YONT Studio e Sara Ricciardi.

Cosmic Sound lancia la DJ culture nell'arte contemporanea

La mostra, inaugurata a Ibiza unisce il mondo dell'hi-fi e del club al design e all'arte moderna

A poche settimane dal <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761106/suno-wmg-believe-v6-bmg-ai-nuova-suite">lancio dei prodotti V6 sviluppati con Warner Music, BMG e Believe</a> e dal ritiro dei modelli precedenti, Suno continua a presentarsi in crescita. Intervenendo a Bloomberg Screentime 2026, il CEO Mikey Shulman ha dichiarato: “Le ultime statistiche che abbiamo diffuso quantificavano gli abbonati in 2 milioni, e in 300 milioni di dollari i ricavi. Ormai abbiamo superato di gran lunga quelle soglie, e quindi c’è crescita notevole”. A febbraio la società aveva parlato di oltre 100 milioni di utenti totali, inclusi due milioni di abbonati paganti, e del superamento dei 300 milioni di dollari di ricavi.

Per ora Shulman non ha fornito dati aggiornati nel dettaglio, rendendo pressoché impossibile capire se il passaggio esclusivo a modelli su licenza (e le proteste iniziali di parte degli utenti) stiano incidendo sulla base abbonati. Dalle parole del CEO emerge però che Suno legge la propria posizione commerciale anche oltre il consumer, citando l’uso della piattaforma nei workflow professionali e indicando come prossima espansione “esperienze opt-in costruite attorno a singoli artisti”, incluse quelle del roster Warner Music.

Suno supera i 2 milioni di abbonati (e i $300 mln di ricavi)

Mikey Shulman parla di 'crescita notevole' dopo il passaggio ai modelli su licenza

Con Creator Nation, il gruppo americano amplia concretamente il raggio d'azione nella creator economy, affiancando come partner strategico una nuova società focalizzata su acquisizioni e sviluppo di attività legate ai creator. L'iniziativa verte su contenuti, commercio, partnership con brand e organizzazione di esperienze dal vivo, con un piano operativo che include realtà già attive nel settore.

"I creator stanno costruendo carriere sempre più simili a vere e proprie imprese di intrattenimento, con opportunità che spaziano dai contenuti agli eventi dal vivo, fino ai brand e al commercio", ha dichiarato Michael Rapino, CEO di Live Nation, indicando nella nuova società un veicolo per sostenere la crescita di queste attività nel lungo periodo.

Grazie all'impegno di capitale da parte di Live Nation, Creator Nation prospetta di acquisire e sviluppare agenzie di management per creator e attività correlate, con le prime operazioni attese già nei prossimi mesi. La società è stata fondata da Scott e Alexis Fisher, entrambi con esperienza nella gestione dei creator&nbsp;e nella produzione di spettacoli dal vivo.

Live Nation sarà un equity partner di Creator Nation

Investiti capitali per acquisizione e sviluppo di società attive nella creator economy

Il concerto tenuto da Shakira il 3 ottobre a Madrid ha stabilito il record come livestream performance più vista di sempre <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761497/shakira-a-madrid-un-accordo-con-amazon-music">su Amazon Music</a> per un'artista donna. Lo show, ultimo appuntamento del “Las Mujeres Ya No Lloran World Tour” nella sua <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761155/madrid-shakira-lancia-es-latina">Es Latina European Residency di Madrid</a>, ha proposto una scaletta che attraversa più fasi della carriera e una comparsa a sorpresa di Dua Lipa, salita sul palco per una versione speciale di “Antología”.

Quella andata in scena lo scorso sabato è stata l'ottava di dodici serate previste nella capitale spagnola, presso il Macondo Park, all'interno dell'Iberdrola Music complex, una venue temporanea di 150.000 metri quadrati progettata per l'evento; la residency è iniziata il 18 settembre e si chiuderà l'11 ottobre. Il concerto è stato anche il fulcro di “The Women Shaping Latin Music”, edizione 2026 della campagna annuale Music Connects Us di Amazon Music, che celebra artiste, suoni e movimenti culturali della musica latina, rende omaggio a chi ha aperto la strada e annuncia iniziative in formazione e commercio per chi verrà dopo.

Shakira, un record storico su Amazon Music

Il concerto del 3 ottobre a Madrid è stato il più visto sulla piattaforma tra le artiste donne

Nuovo IMAIE ha reso disponibile sul suo sito ufficiale, a <a href="https://www.nuovoimaie.it/mission/bandi-e-contributi/bandi-musica/bando-promozione-progetti-discografici-dal-vivo-2025-2026/" target="_blank">questo indirizzo</a>, il Bando Promozione Progetti discografici dal Vivo per il 2025 / 2026. La collecting ha costituito un fondo da un milione di euro “destinato a valorizzare il lavoro degli artisti interpreti esecutori (di seguito anche AIE), soci e mandanti aventi diritto dell’Istituto”. “Lo scopo - spiega la nota - è riavvicinare il pubblico al piacere di ascoltare la musica dal vivo, con riguardo al repertorio “inedito” od “originale” degli AIE che si affacciano al mercato discografico, organizzando spettacoli (esibizioni live/showcase) in tre sessioni: invernale, estiva ed autunnale”.

La domanda può essere presentata da “operatori professionali costituiti in forma giuridica, in attività da almeno 3 anni dalla data di pubblicazione del presente Bando, che abbiano nel proprio oggetto sociale, quale attività principale o prevalente, quella di Organizzatori di spettacolo”, e da “operatori professionali costituiti in forma giuridica, in attività da almeno 3 anni dalla data di&nbsp;pubblicazione del presente Bando, che abbiano nel proprio oggetto sociale, quale attività principale o prevalente quella di organizzatori di festival o rassegne giunte almeno alla terza edizione, della durata di almeno due giorni e che possano riservare agli AIE beneficiari del Bando uno spazio per esibizioni dal vivo di durata non inferiore ai 40 minuti”.

Tutte le informazioni sono disponibili in un documento pubblicato ad hoc dall’Istituto a<a href="https://www.nuovoimaie.it/wp-content/uploads/2025/10/Bando-Promozione-Progetti-Discografici-dal-vivo-2025-2026-MU-DEF.pdf" target="_blank"> </a><a href="https://www.nuovoimaie.it/wp-content/uploads/2025/10/Bando-Promozione-Progetti-Discografici-dal-vivo-2025-2026-MU-DEF.pdf" target="_blank">questo indirizzo</a>.

Nuovo IMAIE, online il Bando Progetti discografici dal vivo 25/26

I dettagli sull’iniziativa che mette a disposizione un milione di euro

Warner Music Group ha venduto EMP, retailer tedesco di merchandising rock e metal acquistato per 180 milioni di dollari nel 2018, a whynow, gruppo londinese di media e commercio fondato da Gabe Jagger, uno dei figli del frontman dei Rolling Stones Mick Jagger. Fondata nel 1986 e con quartier generale a Lingen, EMP opera con negozi online in 18 Paesi europei e afferma di servire oggi oltre 10 milioni di clienti; nel catalogo figurano merchandise legato a Metallica, Guns N’ Roses, Nirvana e Pink Floyd, oltre a brand come Disney, Marvel e PlayStation. Nella nota sull’operazione, Fred Casimir, presidente di whynow Europe e - dopo la cessione - Managing Director di EMP, ha detto: “Portando EMP in whynow, stiamo ampliando in modo significativo la nostra piattaforma”. Gabe Jagger ha aggiunto: “whynow è stata costruita attorno all’idea che grandi contenuti, commercio e community stiano insieme”.

L’operazione finalizzata in queste ore dalla major guidata da Robert Kyncl era nell’aria già da qualche mese: <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-756995/warner-music-group-vende-emp-mercato-merchandising-musicale">WMG aveva confermato a febbraio</a>, in un documento depositato presso la Securities and Exchange Commission (autorità americana di vigilanza sui mercati finanziari), di aver firmato una lettera d’intenti non vincolante classificando EMP come attività destinata alla vendita; whynow, da parte sua, manterrà l’headquarter globale a Londra e aprirà una base europea a Berlino, mentre clienti, partner e fornitori continueranno a lavorare con i team attuali durante un’integrazione graduale.

Merchandising, Warner Music vende EMP

La società era stata acquisita nel 2018 per 180 milioni di dollari

<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-761477/assoconcerti-sconocchia-entra-nel-cs-dello-spettacolo">Oltre al Presidente di AssoConcerti&nbsp;Bruno Sconocchia</a> c’è anche Enrico Ruggeri tra i nuovi quindici nominati per il Consiglio Superiore dello Spettacolo, entità di “consulenza e supporto nell’elaborazione ed attuazione delle politiche di settore nonché nella predisposizione di indirizzi e criteri generali relativi alla destinazione delle risorse pubbliche per il sostegno alle attività dello spettacolo” i cui componenti sono stati nominati con il Decreto 351 del 23 settembre 2026 dal Ministro della Cultura Alessandro Giuli.

Oltre a Sconocchia e Ruggeri, a rappresentare il mondo della musica ci sono anche il compositore (nonché Presidente della Società Aquilana dei Concerti “Bonaventura Battelli”) Giorgio Battistelli, il pianista (e direttore artistico del Teatro Bellini di Catania, attualmente Presidente della Commissione consultiva per la musica del MiC), Francesco Nicolosi e Renato Tortarolo, giornalista e critico musicale (<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-736265/mic-nominato-il-consiglio-superiore-dello-spettacolo">già presente, come Ruggeri, nel CS dello Spettacolo nominato nel 2023 dal predecessore di Giuli, Gennaro Sangiuliano</a>). A rappresentare le istituzioni sono stati chiamati Tommaso Sacchi (Assessore alla Cultura del Comune di Milano), il direttore dell’AGIS Domenico Barbuto, il docente presso l’Università Cattolica di Milano Lucio Argano e Ledo Prato, segretario generale dell’Associazione Mecenate 90.

Il ballerino, regista, autore e coreografo Mvula Alessandro Sungani è stato nominato Presidente, mentre al mondo teatrale, cinematografico e televisivo appartengono Serena Autieri, Nancy Brilli e Alessio Vassallo. Completano la rosa dei nuovi nominati il Fondatore del Centro di poesia contemporanea dell’Università di Bologna Davide Rondoni e l’esperto di politiche culturali Roberto Serra.

CS dello Spettacolo, c’è anche Enrico Ruggeri

Tutti i nominati dal Ministro Alessandro Giuli

Ricordate <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746528/usa-fake-stream-con-l-ai-arrestato-un-produttore">Michael Smith</a>, il produttore che nel 2024 si rivelò - <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-746832/frode-streaming-con-l-ai-michael-smith-si-dichiara-innocente">pur negando, in prima istanza, ogni addebito</a> - un pioniere delle truffe tramite AI slop sui DSP? La pubblica accusa federale statunitense ha chiesto al tribunale almeno 46 mesi di carcere a suo carico, oltre alla restituzione degli 8 milioni di dollari guadagnati grazie allo schema fraudolento messo in atto.

In una memoria i procuratori respingono la linea difensiva avanzata la scorsa settimana - secondo cui si sarebbe trattato di un reato senza vittime e con un impatto minimo - e sostengono che una pena mite trasmetterebbe il messaggio che la manipolazione degli stream non comporta conseguenze reali.

Nel documento si legge che “Smith è stato architetto e capitano di un sofisticato e multiforme schema di frode” per deviare royalties da autori e altri titolari dei diritti a proprio vantaggio. A marzo Smith, 54 anni, <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-757759/streaming-processo-per-frode-usa-michael-smith-si-dichiara-colpevole">ha ammesso di aver usato l’AI per generare migliaia di brani e bot per riprodurli miliardi di volte</a>; era stato arrestato nel 2024 per attività contestate almeno dal 2017 su piattaforme come Spotify e Apple Music, ha patteggiato su un capo di imputazione per frode informatica e ha accettato di restituire oltre 8 milioni di dollari. Il reato prevede fino a cinque anni, con linee guida federali fra 46 e 57 mesi, mentre i funzionai addetti alla libertà vigilata suggeriscono circa 24 mesi; la difesa insiste che <a href="https://www.rockol.it/news-761522/causa-legale-frode-streaming-micheal-smith-ai-difesa">il danno per ogni singolo artista sia stato “insignificante”</a>.

USA, chiesti 4 anni di carcere per una frode streaming con AI

Per una truffa che fruttò 8 milioni di dollari in royalties

Nel corso della settimana dal 25 settembre 2026 al 1 ottobre 2026, la Top Album FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF registra una conferma nelle prime due posizioni. 22SIMBA,&nbsp;con il suo album MIRIA, mantiene la prima posizione, mentre in seconda posizione rimane stabile GEOLIER con TUTTO È POSSIBILE. In terza posizione&nbsp;BIAGIO ANTONACCI&nbsp;compie il suo ingresso nella chart direttamente sul gradino più basso del podio con MUSTANG.

Oltre a quella già segnalata, non si registrano altri nuovi ingressi nelle prime dieci posizioni.

Nella classifica Top Singoli FIMI/NIQ Top of the Music sponsored by SCF relativa alla settimana dal 25 settembre 2026 al 1 ottobre 2026, il brano "LONTANO" di SFERA EBBASTA mantiene la prima posizione. In seconda posizione si conferma stabile "PER NOI" di GEOLIER FEAT. ACHILLE LAURO. Sale invece al terzo posto&nbsp;"CANZONE D'AMORE" di GEOLIER, che guadagna una lunghezza rispetto alla scorsa settimana.

Non si segnalano nuove entrate nelle prime dieci posizioni.

<a href="https://www.rockol.it/classifica-fimi-billboard-uk-radio-dischi-piu-venduti?preview=a608820c8b02f821fd24a9f57f9db081#Classifichee%20polemiche&amp;refresh_ce">Classifiche: speciale e aggiornamenti continui qui</a>.

22simba

Classifiche, novità 1 ottobre: 22Simba ancora primo

'Miria' resta l'album più ascoltato della settimana

La Recording Academy ha confermato che la nuova categoria “Best Asian Pop Music Performance” debutterà ai Grammy Awards del 2027 come previsto: l’annuncio ufficiale è stato diramato oggi, giovedì primo ottobre, 11 giorni prima dell'apertura del primo turno di voto, e a circa un mese e mezzo dall’<a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760712/grammy-awards-i-bts-hanno-battuto-la-recording-academy">apertura a un’eventuale cancellazione della categoria stessa</a>. L'Academy afferma di aver riunito negli ultimi due mesi il proprio CdA, il comitato che sovrintende a premi e nomination e rappresentanti della comunità musicale asiatica, descrivendo gli incontri come produttivi e sostenuti anche da un numero robusto di candidature. In una nota, il CEO Harvey Mason Jr. ha detto che l'Academy ha raccolto "feedback schietti da persone della nostra comunità che non sostengono la continuazione di questa categoria", ma che "di gran lunga, il feedback più forte che abbiamo ascoltato è arrivato da persone che hanno scelto di sostenere con entusiasmo la categoria. Siamo fiduciosi che sia la conclusione giusta per la comunità musicale nel suo complesso". La categoria, precisa l'Academy, resterà comunque soggetta a revisione come le altre 99 presenti nella scheda di voto.

La questione si era aperta dopo l'annuncio del 16 giugno di cinque nuove categorie e si era irrigidita il 29 luglio, quando <a href="https://musicbiz.rockol.it/news-760421/grammy-awards-2027-c-e-il-boicottaggio-dei-bts">i BTS avevano deciso di non candidare le proprie produzioni come forma di protesta</a>. Tra le obiezioni emerse, c'era il timore che la nuova sezione confinasse gli artisti asiatici in un sottogruppo: la Recording Academy sostiene che questo non impedisce l'accesso alle categorie del General Field (quelle “generali”, considerate le più prestigiose), anche se la stessa opera può concorrere in una sola categoria di performance. Secondo l'Academy, K-pop, J-pop, C-pop e altre forme di pop riconosciute nei mercati asiatici compaiono anche in altre categorie quando rispettano i criteri richiesti. Il primo turno di voto andrà dal 12 al 22 ottobre, le nomination saranno annunciate il 16 novembre e la 69ª edizione dei Grammy si terrà il 7 febbraio.

Grammy Awards 2027, confermata la categoria Asian Pop

La Recording Academy non torna sui suoi passi, nonostante le polemiche

PF Global è il nome della società di ricerca a cui TikTok ha commissionato un rapporto che stima l'impatto economico della piattaforma in USA nel 2025. Il colosso dei social media avrebbe sostenuto 81 miliardi di dollari di PIL statunitense e 410mila posti di lavoro negli Stati Uniti. Lo studio, inoltre, analizza l'impatto economico generato dalla presenza della piattaforma sulle attività e sulle imprese basate in America.

Tra le imprese coinvolte nell’indagine, il 93% ha dichiarato di aver registrato un aumento delle vendite dopo aver promosso prodotti o servizi su TikTok. I dati, essendo contenuti in uno studio commissionato direttamente dalla piattaforma, rappresentano quindi una stima dell’impatto economico attribuito a TikTok e non una misurazione indipendente di fonte pubblica.

Si stima che 27 milioni di persone abbiano visitato per la prima volta un bar, un negozio o un ristorante indipendente dopo averlo scoperto su TikTok, generando una spesa locale quantificata in 4,7 miliardi di dollari. Inoltre, nell'ultimo anno 47 milioni di adulti statunitensi avrebbero scoperto un'attività locale tramite contenuti pubblicati sulla piattaforma.

I numeri dell'industria